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azul-maria-elias · 21 days ago

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Tertulia Beatleana. Retrospectiva y análisis de la discografía de los Beatles.

«Help!» (1965)

Historia y contexto

Esta publicación forma parte de una serie de trabajos que estoy redactando sobre The Beatles que conforman una sección a la que llamo “Tertulia Beatleana”. Si querés conocer más sobre este proyecto te dejo el enlace a dicha entrada en mi blog donde explico un poco más y podrás encontrar todas las publicaciones listadas en orden.

¡Aclaración!

Quien se encuentre decidido a sumergirse en la lectura de mis publicaciones debe entender que escribo para entretenerme y para entrenarme en el arte de la escritura. Por naturaleza, habrá decenas de errores de información equívoca, mala ortografía y redacción, pobres análisis, etcétera. A pesar de esta decepcionante aclaración estoy convencida de que si te gustan e interesan los Beatles mis publicaciones te van a encantar. Le dedico muchas horas y cariño a ellos, lo que logra contrarrestar a mis poco pulidas habilidades de escritura e investigación.

Es por ello que mi trabajo será meramente recopilatorio, presentando de forma ordenada toda la información necesaria para empezar a comprender su música. Esto significa que encontrarás descenas de citas textuales no solo de los miembros de The Beatles y otros protagonistas de su historia, sino también de páginas, videos y artículos que analizaron y documentaron sobre su discografía.

Si encuentras algún error o quieras realizar una aclaración respecto a la información expuesta, te invito a que me lo escribas en un mensaje o comentario.

Un fenómeno que no se acaba

Foto 1: John Lennon escapando de un fan en Italia, 1965. Foto 2: Sesión de fotos de Los Beatles sin fecha, 1965. Foto de Robert Whitaker. Foto 3: Los policías luchan por contener a los jóvenes fanáticos de los Beatles afuera del Palacio de Buckingham, octubre de 1965.

1964 había sido él año para los Beatles. Conquistaron el anhelado mercado estadounidense junto a otros compatriotas en la llamada "invasión británica". Eran aún más célebres en Europa, realizaban giras con entradas agotadas, eran los primeros en las listas y habían tenido su debut cinematográfico que fue un éxito en taquilla.

Tras un gran año repleto de logros, la banda no tenía planes menores para 1965. Brian Epstein consiguió apartar un espacio entre los innumerables compromisos de los Beatles para grabar su segunda película con United Artist, lo que significaba la preparación de una nueva banda sonora.

John Lennon y Paul McCartney venían de una racha creativa que había dado como resultado obras tales como "All My Loving", "Can't Buy Me Love", "She Loves You", "A Hard Day's Night", "And I Love Her" entre tantos otros clásicos. La crítica e incluso el productor George Martin eran excépticos a que la creatividad del dúo continuara entregando éxitos y obras maravillosas. Lo que no sabían es que era tan solo el comienzo de una de las carreras más exitosas e importantes de la historia de la música.

Al principio, pensé: «Dios mío, esto no puede durar para siempre». (...) Me dieron tanto material excelente que no podía esperar que lo sigan haciendo. Pero lo hicieron. Me sorprendieron con su fertilidad. — George Martin, (All You Need Is Ears)

Fotos: Los Beatles condecorados como miembros del Imperio Británico, 1965.

Otro hecho importante ocurrió el 26 de octubre de 1965, cuando los Beatles fueron condecorados por la Reina Isabel II como miembros del Imperio Británico. Dicho suceso se considera histórico ya que nunca antes se le había otorgado ese reconocimiento a alguien menor de 25 años, además que se le otorgaba a héroes de guerra o a filántropos del país. Si quedaban dudas sobre la importancia del fenómeno beatle para la época, fueron despejadas.

La exploración de nuevas sustancias.

Foto 1: Bob Dylan grabando 'Bringing It All Back Home', 1965. Foto 2: Los Beatles celebrando el cumpleaños número 23 de Paul, el 18 de junio de 1965.

Las primeras canciones de Help! fueron esbozadas por Lennon y McCartney durante un descanso de su show navideño en el Hammersmith Oden de Londres a finales de 1964. Se encerraron en la casa nueva de Lennon en Weybridge con su arsenal acostumbrado de cigarrillos, tazas de té, cuadernos con espiral y guitarras. Sin embargo, esta vez le agregaron un elemento a su ritual de composición: fumaron marihuana todo el tiempo (Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013).

La primera vez que fumamos marihuana fue con otro baterista que era más grande que nosotros, en Liverpool. (...) Fumams en un auditorio en un recital de Shouthport, y esa noche aprendimos a bailar el twist. Todos dijimos «Esto no pega nada.» — George Harrison

La mala experiencia que resultó su primer acercamiento a la marihuana hizo que los Beatles se decantaran por las afetaminas durante le siguiente par de años. Pero horas después de terminar un recital en el Forest Hills Tenis Stadium, el 28 de agosto, Bob Dylan pasó por la suite de los Beatles en el hotel Delmonico de Nueva York, con gran cantidad de marihuana de mucho mejor calidad. Armó un porro que se lo pasó a Lennon, que se lo pasó a Ringo Starr, a quien designó "probador oficial". Como la policia apostaba afuera de la suite para mantener a raya a la caterva de fans enloquecidos, Starr tuvo que llevarse el porro a un cuartito y poner una toalla debajo de la puerta (Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013).

Le preguntamos «¿Y, qué tal?». Nos dijo: «El techo se me viene encima». Y nosotros dijimos: «¡Wow!». Nos paramos de un salto: «Tenemos que probar eso». Así que nos metimos en el cuartito: primero John, después George y yo, después Brian". — Paul McCartney

Actuar naturalmente

Fotos: Los Beatles en la película Help! 1965.

El título provisional de la película fue Beatles II, hasta que se sugirió Eight Arms To Hold You. Se utilizó durante unas tres semanas entre marzo y abril de 1965, y Capitol Records incluso anunció que sería el título de su primer sencillo estadounidense del año.

Al final se decidió por el título Help! y, como ya había hecho con A Hard Day's Night, John Lennon aceptó el desafío de componer el tema principal.

Apenas una semana después de iniciadas las sesiones de grabación, los Beatles tuvieron que ir a las Bahamas para empezar el rodaje de la película. Se involucraron lo mínimo posible con la trama rebuscada y pasaron la mayor parte del tiempo drogados.

Fumamos muchísimo porro durante el rodaje. (...) Dick Lester sabía que después del almuerzo se podía hacer muy poco. A la tarde, muy rara vez pasábamos de la primera línea del guion. Estábamos tan fumados que nadie podía hacer nada. [El director] Dick Lester nos decía: «No, muchachos, ¿podemos hacerlo de vuelta?». Es que nos divertíamos mucho, mucho de verdad, en esa época. — Ringo Starr, 1995

La película, a diferencia de su antecesora, fue grabada a color y triplicó su presupuesto. Con odas a James Bond, fue concebida como una obra de aventura surrealista. La producción tuvo de vuelta al director Richard Lester, que los había dirigido en A Hard Day's Night.

Apesar de haberla criticado duramente durante casi toda su carrera, poco antes de su muerte, en 1980, Lennon la revalorizó:

En retrospectiva, me doy cuenta de lo avanzada que era. (...) Fue precursora de la serie de TV Batman, con su ¡pow! y sus ¡wow!, esas cosas. Pero Lester no nos explicó nada. En parte porque no habíamos pasado mucho tiempo juntos entre A Hard Day's Night y Help!, y en parte porque en esa época desayunábamos marihuana. Nadie podía comunicarse con nosotros: nos pasábamos el día con los ojos rojos y riéndonos todo el tiempo, en nuestro propio mundo. Era como no hacer nada la mayor parte del tiempo, pero aun así tener que levantarse a las siete de la mañana. Así que nos aburrimos. — John Lennon, 1980

Grabación del álbum

Fotos: Los Beatles grabando Help!, fotografía de Michael Peto, 1965.

La primera canción que Lennon y McCartney produjeron para el álbum fue "Ticket to Ride", que grabaron el mismo día que Lennon sacó su licencia de conducir. Luego de dos tomas la dieron por terminada y continuaron con "I Need You", el segundo temaque compuso George Harrison para los Beatles.

Cuando los Beatles empezaron a grabar Help! en febrero 1965, sabían que era el momento en ampliar sus miras. Había nuevos grupos como los Zombies, los Kinks y los Animales, que estaba consiguiendo hits con un sonido más agresivo, y a los Beatles les interesaba cada vez más la música que escapaba del formato rígido de la canción pop de dos minutos. Si su disco anterior, Beatles For Sale, había sido grabado en los días libres que les quedaban en medio e sus giras, para concentrarse en Help! la banda tuvo un poco más de tiempo, y lo aprovechó para explorar por primera vez las posiblidades del long play como forma artística, más que como un conjunto de canciones. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Los escritos de Lennon para el LP Help! continuaron la reflexión interior explorada por primera vez en Beatles For Sale , con la canción principal hablando de su inseguridad durante el auge de la fama de los Beatles.

Todo el asunto de los Beatles era incomprensible. Comía y bebía como un cerdo, estaba gordo como un cerdo, insatisfecho conmigo mismo y, subconscientemente, clamaba por ayuda... Cuando salió "Help!", en realidad estaba pidiendo ayuda a gritos. La mayoría de la gente piensa que es solo una canción rápida de rock & roll. No me di cuenta en ese momento; simplemente escribí la canción porque me la encargaron para la película. Pero más tarde, supe que realmente estaba pidiendo ayuda a gritos. Así que fue mi período de Elvis gordo. Ves la película: él -yo- es muy gordo, muy inseguro y se ha perdido por completo. Y yo estoy cantando sobre cuando era mucho más joven y todo lo demás, recordando lo fácil que fue. — John Lennon, 1980

Entre las sesiones de grabación, Ringo Starr y Maureen Starkey se casaron de manera improvisada ante la noticia de que esperaban un hijo juntos. Lamentablemente los novios no tuvieron luna de miel ya que tan solo cuatro días después el baterista debía volver a los estudios Abbey Road.

Help! fue quizás el álbum con el que los Beatles comenzaron a madurar, iniciando un proceso que daría como resultado la asombrosa creatividad de su trabajo de finales de los años 1960. El álbum abarcó estilos country y western, bluegrass, folk, clásico y rock, lo que lo convierte en su colección más diversa hasta la fecha. El álbum implicó un nuevo método de grabación para The Beatles. En lugar de que el grupo hiciera varias tomas y seleccionara las mejores para seguir trabajando en ellas, empezaron a grabar primero la pista rítmica y luego añadieron una serie de sobregrabaciones no numeradas de voces e instrumentos adicionales. Los Beatles también comenzaron a explorar diferentes sonidos en Help!, y Ringo Starr en particular incorporó una variedad de instrumentos de percusión. Paul McCartney superpuso la guitarra principal en tres de las canciones; George Harrison utilizó un pedal de volumen/tono de guitarra en otras tres; y en otras se utilizaron piano eléctrico y guitarras acústicas de 12 cuerdas. — Extraído de BeatlesBible.com

Portada

Foto 1: Fotografía para la portada de Help! por Robert Freeman. Foto 2: Abecedario en lenguaje semáforo.

Como ya era una constante en sus anteriores portadas, la fotografía fue tomada por Robert Freeman. La imágen presenta a los miembros de la banda deletreando una palabra en lenguaje semáforo (un sistema de comunicación en el que se utiliza la posición de los brazos para representar cada letra del alfabeto). Se pretendía que la palabra formada fuera Help, pero la disposición de los brazos con dichas letras no se veía del todo bien, así que decidieron improvisar y el resutado fue la palabra "NUJV".

Recepción de la crítica

La banda sonora de Help! se editó en Reino Unido el 6 de agosto de 1965. Alcanzo el puesto 1, manteniéndose 44 semanas en esa posición en los rankings.

Las críticas fueron mayoritariamente favorables. La prensa estadounidense, que se había concentrado en burlarse de la beatlemanía, empezó a asimilar al rock & roll y a los Beatles de otra forma, pues con Help! la prensa comenzó a reconocer más artísticamente a los Beatles.

Puedo garantizar que este LP es la cura ideal de la depresión. — New Musical Express, 1965

Fue nominada en la categoría de álbum del año en los premios grammy de 1966, siendo la primera vez que una banda de rock lograba entrar en esa categoría.

Luego del exitoso lanzamiento de Help!, la banda programó una gira por Estados Unidos, Canadá y Europa. En dicha gira, los Beatles se convertirían en el primer grupo que tocaba en estadios.

Canción por canción

Foto: Set de fotografías de los Beatles en la película Help! por Robert Whitaker, 1965.

1. Help!

Nunca había surgido un conjunto de canciones tan brillantes de una película tan antojadiza. El título tentativo de la película de Richard Lester era Eight Arms to Hold You, pero después de que lo cambiaron, Lennon compuso esta canción en su nueva casa de Weybridge, Inglaterra. "Era un pedido de ayuda", le dijo Lennon a Playboy en 1980, acerca de esta frenética oda pop al miedo y la alienación. "Canto acerca de cuando era mucho más joven y todo eso, y pienso en lo fácil que era." — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Al momento de componer Help!, Lennon se encontraba en un matrimonio infelíz con Cynthia Lennon, tenía a su hijo Julian y vivia en un suburbio de Weybridge. La diversión de los primeros días de la beatlemanía se estaban acabando, y la fama empezaba a parecer una cárcel.

Compuse «Help!» porque me encargaron componerla para la película. Pero luego me di cuenta de que era mi forma de pedir ayuda... Todo el fenómeno beatle escapaba a mi comprensión, insatisfecho conmigo mismo, e inconscientemente estaba pidiendo ayuda. Fue mi época de Elvis gordo. — John Lennon, 1980

El coro fue ideado por McCartney y la subida de velocidad por George Martin. Luego de 12 tomas, la canción estaba lista.

Si hay algo que me obseciona de esta canción son sus armonías de voz. Sabemos que los Beatles (sobre todo en esta época) eran expertos en crear hermosas armonías de voz.

2. The Night Before

Impulsada por una vibrante línea de órgano R&B, "The Night Before" es una canción de amor sin pretensiones de McCartney, con armonías y guitarra solista a cargo de Harrison. En la película, los Beatles tocan la canción en la ladera de una colina mientras, sin que se den cuenta, una pandilla de mafiosos ponen cajones de dinamita debajo de ellos. Tienen todavía menos sentido si uno ve todo en contexto. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Con una letra que habla acerca de las discusiones y el amor, la segunda pista del álbum desentona llamativamente con la primera al ser una canción mucho más optimista.

Una de las características más notables de "The Night Before" fue el solo de guitarra, grabado en dos pistas con una octava de diferencia e interpretado por McCartney y George Harrison . John Lennon, por su parte, tocó un piano eléctrico Hohner Pianet, que le dio a la canción gran parte de su dinamismo. — Extraído de BeatlesBible.com

3. You've Got to Hide Your Love Away

Uno de los mejores momentos del álbum lo encontramos en la tercera pista. Lennon prioriza la letra antes que a la música, hablando de como por años escondió sus sentimientos.

Estaba en Kenwood y me dedicaba a escribir canciones. El tiempo era para escribir canciones, así que todos los días intentaba escribir una canción, y es una de esas que cantas un poco tristemente para ti mismo: "Aquí estoy, con la cabeza entre las manos..." Empecé a pensar en mis propias emociones -no sé exactamente cuándo empezó, como en “I’m A Loser” o “Hide Your Love Away” o cosas así- en lugar de proyectarme en una situación. Intentaba expresar lo que sentía sobre mí, como lo había hecho en mis libros. (...) Tenía un John Lennon compositor aparte, que escribía canciones para una especie de mercado de carne, y yo no consideraba que tuvieran ninguna profundidad –ni las letras ni nada–. Eran sólo una broma. Luego comencé a ser yo mismo con respecto a las canciones, no a escribirlas objetivamente, sino subjetivamente. — John Lennon, 1970

You've Got To Hide Your Love Away fue la primera grabación de los Beatles desde "Love Me Do" en la que participó un músico de sesión. En este caso el elegido fue Johnnie Scott, quien recibió un salario estándar de 6 libras por sus partes de flauta tenor y alto.

Se ha sugerido que la canción fue escrita para Brian Epstein, quien era homosexual (de ahí lo de "tienes que esconder tu amor"). Algo que potenciaría dicha sugerencia es el hecho de que Lennon y Epstein se fueron de vacaciones juntos a Barcelona en abril de 1963. A su regreso, se comenzaron a difundir rumores en Liverpool de que ambos habían tenido una experiencia sexual.

Una de las canciones de los Beatles más claramente influenciadas por Bob Dylan, "You've Got to Hide Your Love Away" ha suscitado décadas de dicursiones sobre qué puede haber sido exactamente lo que llevó a Lennon a escribir sobre un amor oculto. Algunos piensan que podía tratarse de la homosexualidad del manager Brian Epstein, otros que tal vez sea tal forma de Lennon de reconocer los numeros affaires que tuvo mientras estaba casado con Cynthia. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

4. I Need You

El disco anterior, A Hard Day's Night, no dejó lugar para una composición de George Harrison. Sin embargo, Harrison convenció a George Martin de incluirla en Help!. No solo logró ingresar en el disco, sino que también obtuvo su participación en el filme.

La voz de Harrison está doblada, técnica que fue bastante usada en el disco.

Mientras filmaba la primera película de los Beatles, A Hard Day's Night, Harrison conoció a la modelo Pattie Boyd y se enamoró de ella. Poco antes de viajar a las Bahamas para filmar Help!, escribió esta canción reflexiva sobre una devoción romántica inmortal, prbablemente inspirada en su novia nueva. Las cadencias de guitarra solista con un delay extraño son más memorables que la letra, pero la canción marca el comienzo de una de las relaciones más complicadas de la historia del rock. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

La canción logra ser sencilla y algo melancólica.

5. Another Girl

Another Girl fue obra de Paul McCartney. En ella podemos encontrar líneas conuna letra inusualmente dura, expresando sin ningún pudor su infidelidad.

En la película Help!, McCartney toca esta canción rápida, de infuencia rockabilly, con una chica en bikini agarrada, a la que rasguea como si fuera una guitarra. La letra admite con franqueza la infidelidad, lo cual se ajustaba a la realidad, dado que McCartney en esa época engañaba a su novia Jane Asher con otras varias mujeres. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

La técnica del doblaje de voz que se utilizó en la pista anterior sigue presente.

6. You're Going to Lose That Girl

Coescrita por John Lennon y Paul McCartney, fue una de las primeras canciones en ser escritas para el álbum, justo antes de iniciar el rodaje del film en las Bahamas.

"You're Going To Lose That Girl" se destaca por su cambio de tonalidad, algo poco común en las canciones de los Beatles. Durante el puente, la canción cambia de mi mayor a sol mayor. — Extraído de BeatlesBible.com

Los Beatles regresaron a los grupos femeninos de color, de los cuales habían reversionado varios temas como "Boys" de The Miracles, para referenciarlos en esta canción. Harrison lleva acabo, no solo una excelente acompañación vocal junto a McCartney a la áspera voz de Lennon, sino que también realiza un maravilloso acompañamiento de guitarra.

Muchas de las canciones de Help! fueron compuestas con plazos muy estrictos; los Beatles grabaron ésta el día antes de irse a las Bahamas a filmar Help!. El resultado es una de las mejores canciones del disco, con armonías elegantes y voces que se llaman y se responden. Doce años después, los Ramones redoblaron la apuesta con "You're Gonna Kill that Girl" ["Va a matar a esa chica"]. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

7. Ticket to Ride

«Ticket to Ride» tenía un sonido un poco diferente para la época. Era bastante heavy para el momento. — John Lennon, 1980

El punto más alto del disco es sin dudas "Ticket to Ride", innovadora y asombrosa. Marcó un antes y un después en las canciones de los Beatles y en el camino de la banda en el estudio. McCartney toca la guitarra líder y Ringo aporta uno de sus mejores trabajos en la batería. Teniendo en cuenta las actividades del grupo por estos años, la letra puede estar haciendo doble sentido hacia el viaje.

El primer sencillo de Help! fue un hito en varios sentidos: fue la primera canción de los Beatles armada pista por pista en vez de ser grabada en vivo (epezaron cn la batería y el bajo), y la primera con McCartney en guitarra solista. También fue la primera grabación de hevy metal de la historia puede resultar extaña en la actualidad, pero para la época, sus guitarras en cascadas y sus tom-toms furiosos eran llamativamente intensos. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Además de todo aquello, es la primera canción de los Beatles en cruzar la barrera de los tres minutos.

Escribimos la melodía juntos. En el disco se puede escuchar que John toma la melodía y yo canto la armonía. A menudo, las resolvíamos a medida que las escribíamos. Como John la cantaba, era posible que tuvieras que darle el 60 por ciento. Fue más bien un trabajo que resultó bastante bien. (...) John simplemente no se tomó el tiempo de explicar que nos sentamos juntos y trabajamos en esa canción durante una sesión completa de composición de tres horas, y al final teníamos todas las palabras, teníamos las armonías y teníamos todos los pequeños detalles. — Paul McCartney, 1994

8. Act Naturally

La canción original de Johnny Russell y Voni Morrison fue elegida por el propio Ringo para reversionarla en el disco, en reemplazo a "You've Got a Trouble", la cual detestaba. Fue grabada en la última sesión del álbum.

Para 1965, los Beatles estaban coponiendo canciones propias a un ritmo tan furioso que ya no necesitaban llenar su disco de covers. Esta versión ligerita del éxito country de Buck Owens de 1963 fue el último que grabaron que luego fue a parar a un disco. "Act Natully" era la canción perfecta para la voz despreciativa de Starr, y en 1989 volvió a grabar la canción a dúo con Owens. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

9. It's Only Love

It's Only Love fue detruida por la crítica de su propio autor, John Lennon, durante toda su carrera. Lennon la consideraba de las peores de la banda, apuntando especialmente hacía la letra de la misma.

Lennon opinaba que esta balada amorosa endulcorada era uno de los puntos más bajos de su carrera. "Siempre me pareció una canción pedorra", le dijo a Playboy en 1980. "La letra es horrible." Sin embargo, musicalmente, la banda se interesó lo suficiente para grabar cinco guitarras diferentes en overdub. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

En su libro Revolution In The Head , Ian MacDonald explicó cómo las melodías de Lennon tendían a ser de naturaleza "horizontal", a menudo basadas en una única nota repetida, mientras que las de McCartney subían y bajaban en las escalas "verticalmente". Sin embargo, "It's Only Love" es más "vertical" melódicamente que muchas de las composiciones de Lennon de la época. La melodía sinuosa y la secuencia exploratoria de acordes demostraron que no se limitaba a seguir el ritmo de la composición de canciones, y evidentemente apreciaba ambas lo suficiente como para rehacerlas en 1967 para la canción de Sgt Pepper "Being For The Benefit Of Mr Kite!". — Extraído de BeatlesBible.com

10. You Like Me Too Much

La creatividad compositora de Harrison nos otorga un segundo tema original para el álbum. Con odas al country, al western y al rockabilly hace guiños líricos a Pattie Boyd. Aunque George Harrison quería que formara parte de la película, ésta no contó con la misma suerte que "I Need You".

Harrison todavía estaba madurando como compositor cuando los Beatles grabaron "You Like Me To Much" en febrero de 1965. La leta, que muestra arrepentimiento tras de una pelea con una novia, desborda amor por Pattie Boyd, pero a pesar de un interesante trabajo de George Martin en el piano y una línea de órgano muy copada, cortesía de Lennon, la canción nunca logra despegar. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Lennon vuelve a recurrir al piano eléctrico Hohner Pianet que había tocado en "The Night Befoe". Además, nos encontramos con un solo de guitarra de Harrison y a McCartney en el piano piano durante el solo y la coda.

11. Tell Me What You See

La influencia latina que podémos encontrar en esta balada ligera del disco se le atribuye principalmente a McCartney. Ringo realiza una gran aportación en las percusiones.

Cuando lo entrevistaron para el proyecto Beatre Anthology a mediados de la década de 1990, McCartney no se acrdaba bien de este relajado temita folk. "Creo que es mío", dijo. "No del todo memorable." McCartney estaba siendo un poco duro con la canción, que tenía percusión latina y sonidos de batería comprimidos que los Beatles usarían cno mucho provecho en trabajos posteriores, y una melodía suave y vivificante que iba perfecto con una letra llena de frágil romanticismo. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Esta canción es una demotración más de que los Beatles buscaban constantemente nuevos sonidos. George Harrison toca el güiro, un instrumento latinoamericano que se toca golpeando una vara de madera a lo largo de una serie de muescas. Ringo Starr no se quedó atrás y también tocó las claves. Además podemos oir el ya utilizado piano eléctrico Hohner Pianet.

12. I've Just Seen A Face

A pesar de no ser una de las canciones más conocidas de la banda, es un interesante ejercicio de country mejor logrados por la banda. Probablemente la canción formaría parte de la película de no ser por que fue grabada tarde.

El orgullo de su autor, McCartney, por ella es evidente ya que la ha cantado en muchísimas de sus giras desde 1975.

Mucho antes de que los Beatles grabaran "I've Just Seen A Face" en junio de 1965, McCartney tocaba una versión instrumental de la canción en reuniones familiares. "Era un poco country y western desde mi punto de vista", declaró. "Pero era más rápida: era una csa rápida extraña. La letra funciona: te engancha para adelante, te lleva al verso siguiente, tiene una insistencia que me gusta." — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

13. Yesterday

Aunque Ticker to Ride es probablemente el punto más alto de todo el disco, el impacto de Yesterday es innegable. Ostenta el título de la canción más reversionada de la historia al ser grabada por más de 3.000 artistas diferentes.

Según lo cuenta su propio autor, McCartney la soñó y apenas se levantó la tocó en el piano. Para 1965, Paul McCartney llevaba un año y medio buscando de donde venía la melodía. No creía que hubiera aparecido mágicamente y por meses estuvo buscando si alguien la conocía. Pensaba que quizás se trataba de alguna de las viejas canciones que su padre ponía, pero tras buscar y buscar, Paul se decidió por fin a grabarla como suya.

McCartney estuvo dos años con esta melodía dándole vueltas por la cabeza hasta que finalmente le cayó la ficha durante un viaje a Portugal en mayo de 1965. Semanas después, fue al estudio (sin ninguno de los otrs Beatles) y grabó la canción en dos tomas. Más tarde, ese mismo día, Martin le agregó un cuarteto de cuerdas. En 2001, McCartney le reveló a Rolling Stone qu le moletaba el hecho de que "Yesterday" fuera atribuida a Lennon-McCartney, cuando Lennon no tuvo nada que ver con la canción. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

En un inicio, la canción fue cuestionada por el grupo. A diferencia del resto del disco, Yesterday huía del rock & roll y de las temáticas adolescentes. Era completamente madura y atemporal.

Llevé la canción a la banda y, aunque a veces la tocábamos en concierto con cuatro integrantes, para la grabación Ringo dijo: "No creo que pueda tocar la batería en eso". George agregó: "Bueno, tampoco estoy seguro de poder tocar mucha guitarra". Y luego John dijo: "No se me ocurre nada. Creo que deberías hacerlo tú solo. Es realmente una canción solista". Ahora bien, esto fue algo muy importante en ese momento, porque nunca antes habíamos grabado así. Siempre había sido la banda. — Paul McCartney

La letra anhelaba a su difunta madre. De este modo y a sus 22 años, Paul grabaría lo que muchos consideran la obra cumbre de su carrera.

A algunas personas les cuesta creer que yo tenía veintidós años cuando escribí "Yesterday". Cada vez que llego al verso "No soy la mitad del hombre que solía ser", recuerdo que había perdido a mi madre unos ocho años antes. Me han sugerido que esta es una canción sobre "perder a mi madre", a lo que siempre he dicho: "No, no lo creo". Pero, ya sabes, cuanto más lo pienso -"No sé por qué tuvo que irse, no lo quiso decir"- puedo ver que eso podría haber sido parte del trasfondo, la inconsciencia detrás de esta canción después de todo. Fue muy extraño que simplemente no se hablara de la pérdida de nuestra madre por cáncer. Apenas sabíamos lo que era el cáncer, pero ahora no me sorprende que toda la experiencia saliera a la superficie en esta canción donde la dulzura compite con un dolor que no se puede describir con exactitud. — Paul McCartney

George Martin fue quien sugirió añadir un cuarteto de cuerdas, abriendo puertas a nuevos caminos sonoros para el grupo.

Yesterday fue un gran avance: la grabaron solo Paul y un grupo de otros músicos. Ningún otro Beatle participó en esa grabación y ningún otro Beatle escuchó la canción hasta que la reproducimos. John la escuchó y hay un fragmento en particular en el que el violonchelo pasa a una nota blusera que le pareció estupenda, así que la aplaudió. — George Martin

Antes de lanzarla como sencillo, la canción se le fue ofrecida al cantante británico Billy J. Kramer, pero fue rechazada. Alcanzo el puesto n°1 y (antes de la llegada de la era del straming) se consagró como la canción más reproducida de la historia. Su autor la considera su obra más completa.

Hace un tiempo, alguien me preguntó si me relaciono de manera diferente con mis canciones a medida que me hago mayor. Una grabación no envejece, pero, por supuesto, seguimos envejeciendo y creciendo, y a medida que te haces mayor, tu relación con una canción también puede crecer. Cuando escribí "Yesterday", me acababa de mudar a Londres desde Liverpool y estaba empezando a ver un mundo completamente nuevo de posibilidades que se abría ante mí. Pero todos mis ayeres cubrían un período bastante pequeño en ese momento. Ahora la canción parece incluso más significativa -sí, más conmovedora- debido al tiempo que ha pasado desde que la escribí. Debo admitir que ese es un aspecto de escribir canciones y tocar música que realmente me gusta. — Paul McCartney

14. Dizzy Miss Lazzy

El paisaje y la atmósfera de Yesterday mueren con este cierre. El rock & roll original de Larry William cantado por John Lennon, se convertiría en una pieza clave de su proxima gira. Como aún el grupo no concebían al disco como una obra artística, poco les importó el orden de las canciones. La presión por acabar el disco llevó a repetir la vieja fórmula de cerrar con un rock & roll como Twist and Shout o Money (That's What I Want).

Un regreso a los días de la banda en The Cavern Club, este frenétic cover de un rock & roll de los cincuenta de Larry Williams fue grabado en gran medida para contentar a Capitol, que necesitaba material con desesperación para llenar el disco Beatles VI, editado en Estados Unidos. El tema se convirtió en uno de los platos fuertes de la gira mundial de los Beatles de 1965, y Lennon incluso resucitó la canción en el Sweet Toronto Peace Festival de 1969. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Foto: Los Beatles en la película Help! 1965.

Si llegaste hasta aquí, ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Si este escrito escrito ha sido de tu agrado te dejo por aquí mi siguiente publicación: Las canciones sin álbum: entre «Help!» y «Rubber Soul». También y por qué no, te invito a seguirme para no perderte ninguno de los siguientes.

Bibliografía

“Help!”. The Beatles Bible. Recuperado de https://www.beatlesbible.com/albums/help/

La Hemeroteca. (2024, febrero 3). “El Auxilio de The Beatles | La historia de Help | #ÁlbumHistórico”. Recuperado de https://youtu.be/xhU1Q5EQEuM

Plootkin P. (2013). “The Beatles. La guía definitiva, disco por disco”. Revista Rolling Stone.

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jgmail · 2 months ago

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La modernidad como proyecto civilizatorio de muerte

Palabras preliminares

El día 30 de marzo del 2023, el Vaticano condenó el pasado colonial de la Iglesia, rechazó la doctrina del descubrimiento y repudió las bulas papales que autorizaban la esclavización de los indígenas de las Américas y los pueblos africanos. Saludamos al Papa Francisco por liderar este importante paso hacia la descolonización y la justicia global.

Hace dos años, el Papa hizo la siguiente afirmación:

Cuando la obsesión por poseer y dominar excluye a millones de personas de los bienes primarios; cuando la desigualdad económica y tecnológica es tal que lacera el tejido social; y cuando la dependencia de un progreso material ilimitado amenaza la casa común, entonces no podemos quedarnos mirando. No, esto es desolador. ¡No podemos quedarnos mirando! Con la mirada fija en Jesús (cfr. Heb 12, 2) y con la certeza de que su amor obra mediante la comunidad de sus discípulos, debemos actuar todos juntos, en la esperanza de generar algo diferente y mejor. La esperanza cristiana, enraizada en Dios, es nuestra ancla.[1]

Vinimos a esta Cumbre para apoyar las transformaciones que el Papa Francisco ha estado llevando a cabo desde hace varios años. Este es nuestro compromiso. Por lo tanto, creemos que es importante salir de este encuentro con una agenda de trabajo común en lugar de limitarnos a esbozar meras generalidades.

Las 16 jerarquías de dominación de la Modernidad

Para pensar en la descolonización de nuestros pueblos, lo primero que debemos hacer es identificar de qué queremos descolonizarnos, ya que, de lo contrario, se convierte en un proyecto vacío. Para lograr esto, debemos tener consciencia del lugar geopolítico y corpo- político en el cual nos encontramos situados.

Cuando hablamos de colonización, nos referimos al patrón de dominación y explotación históricamente ejercido por Europa occidental sobre el resto de la humanidad. Esta colonización no sólo implicó la expansión del sistema económico capitalista a nivel mundial,[2] sino que estableció un proyecto civilizatorio moderno-occidental configurado por múltiples y heterogéneas jerarquías de dominación que los pueblos originarios de todo el mundo nombran como una “civilización de muerte”. ¿Por qué? No sólo porque ha conllevado y sigue conllevando la muerte de millones de seres humanos, sino porque conlleva la muerte de todas las formas de vida, humanas y no humanas. Por lo tanto, no podemos comprender a la Modernidad como una civilización emancipadora, como lo suelen hacer las izquierdas eurocéntricas. Desde nuestra perspectiva, la Modernidad es un proyecto civilizatorio de muerte constituido por un “sistema-mundo occidentalocéntrico/cristianocéntrico capitalista/patriarcal moderno/colonial” mucho más complejo que el descrito por los paradigmas de la economía política y el análisis eurocéntrico del sistema-mundo.

Un hombre europeo/capitalista/militar/cristiano/patriarcal/blanco/heterosexual llegó a las Américas y estableció en el tiempo y el espacio, de manera simultánea, múltiples y heterogéneas jerarquías globales de dominación imbricadas entre sí, que, para fines pedagógicos, enumeraremos en esta exposición como si estuvieran separadas unas de otras:

1. Una formación de clase global particular donde van a coexistir y organizarse una diversidad de formas de trabajo (esclavitud, semiservidumbre, trabajo asalariado, producción mercantil simple, etcétera) como fuente de producción de plusvalía mediante la venta de mercancías para obtener ganancias en el mercado mundial insertadas en una lógica incesante de acumulación del capital.

2. Una división internacional del trabajo de centros y periferias donde el capital organiza el trabajo en la periferia alrededor de formas represivas y autoritarias (Cox, 1984, 1959, 1964; Wallerstein, 1974). Aunque esta jerarquía fue ampliamente abordada por los teóricos de la dependencia en América Latina, se ha mantenido vigente hasta el presente. Esto significa que, cuando los países del Sur Global lograron su independencia, desde las revoluciones independentistas del siglo XIX en América Latina, hasta los procesos de descolonización de finales del siglo XIX y mediados del XX en África, Asia, América Latina y el Caribe, no se descolonizaron de esta jerarquía de centros y periferias, sino que se mantuvo intacta y continuó determinando la economía política mundial. En este sentido, no se puede hablar de pobreza como si se tratara de un fenómeno abstracto, sino que debemos comprenderla como un producto de las relaciones de dominación entre los centros y las periferias impuestas por la división internacional capitalista del trabajo.

3. Un sistema interestatal global de organizaciones político-militares controladas por hombres de origen europeo e institucionalizadas en administraciones coloniales (Wallerstein, 1979) y, más adelante, neocoloniales (Nkrumah, 1965).[3] En un primer momento, los estados metropolitanos impusieron su presencia en las periferias mediante la configuración de “situaciones coloniales”, que fueron gestionadas a través de administraciones coloniales. Sin embargo, con el tiempo surgieron nuevas formas de colonización que hoy en día conocemos como neocoloniales. Esto significa que, a pesar de que los países periféricos formalmente son independientes, en realidad continúan experimentando problemas de soberanía debido a la dominación que ejercen sobre ellos las viejas metrópolis coloniales, articuladas a la financiarización del capital y a otros mecanismos de colonización. Es fundamental descolonizar esta jerarquía, ya que a través de operaciones internacionales imperiales se realizan los golpes de Estado e invasiones militares contra los pueblos del Sur Global.[4]

4. Una jerarquía de dominación etno/racial global que privilegia a los occidentales por sobre los no occidentales (Dubouis, 1935, 1971). Esta jerarquía etno/racial asigna las diferentes formas de trabajo articuladas a la acumulación de capital a escala mundial: el trabajo coercitivo (o bárbaro) es realizado por personas no occidentales en la periferia y la “fuerza de trabajo de asalariados libres” por occidentales en el centro.

5. En muchos lugares del mundo a los que llegó la expansión colonial europea, no existía el patriarcado. Por ello, también se impuso una jerarquía global de género que otorga primacía a los hombres sobre las mujeres y al patriarcado de la cristiandad sobre otras formas de relaciones de género (Spivak, 1988; Enloe, 1990; Oyěwùmí, 1997; Marcos, 2006; Lugones, 2008). Esto significa que el sistema patriarcal global es una jerarquía de dominación constitutiva de la civilización moderna. Esto es importante señalarlo, ya que a menudo se asumen todas las estructuras de dominación contemporáneas como si fueran naturales y universales, cuando en realidad son parte de un proceso reciente en la historia de la humanidad. Esta jerarquía global de género también se ve afectada por la jerarquía etno/racial. A diferencia de los patriarcados pre- europeos, en los que todas las mujeres eran inferiores a todos los hombres, en el nuevo sistema de dominación colonial, una minoría de mujeres en el mundo, de origen occidental, tienen un estatus más elevado y un mayor acceso a recursos materiales que la mayoría de hombres del mundo que son de origen no occidentales. En este sentido, las jerarquías etno/racial y de género estructuran la población mundial en un orden jerárquico de personas superiores e inferiores que se convierte en un principio organizador fundamental de la división internacional capitalista del trabajo y del sistema patriarcal global.

6. Una jerarquía sexual que otorga primacía a los heterosexuales sobre los homosexuales y lesbianas (es importante recordar que la mayoría de los pueblos indígenas en las Américas no consideraban que la sexualidad entre hombres o entre mujeres fuera una conducta patológica, y no tenían, antes de la llegada de los europeos, una ideología homofóbica o lesbofóbica) (Marcos, 2006; Lugones 2008).

7. Una jerarquía espiritual global de la cristiandad que da primacía a los cristianos sobre las espiritualidades no cristianas/no occidentales, institucionalizada en la globalización de la Iglesia cristiana (católica y más tarde protestante).

8. Una jerarquía de dominación epistémica que privilegia el conocimiento y la cosmología occidental y eurocentrada sobre el conocimiento y las cosmologías no occidentales, y que está institucionalizada en el sistema universitario global. Al analizar los programas de estudio e investigación de las universidades occidentalizadas, se observa que en todas las disciplinas científicas se estudia el pensamiento de hombres blancos occidentales de cinco países: Francia, Alemania, Inglaterra, Estados Unidos e Italia. El resto del pensamiento crítico global no forma parte de este canon de pensamiento científico, lo que denota racismo y sexismo epistémico. Es racista, pues inferioriza al resto de la humanidad, y sexista, porque ni siquiera las mujeres de estos cinco países figuran en dicho canon de pensamiento. Esto nos exige realizar un profundo trabajo de descolonización del conocimiento.

9. Una jerarquía de dominación lingüística entre las lenguas imperiales europeas y las lenguas no europeas que hace primar la comunicación y la producción teórica y de conocimiento en los primeros, subalternizando a los segundos como productores sólo de folklore o cultura, y descartadas como lenguas de producción de teoría y conocimientos.

10. Una jerarquía estética global donde se privilegian las formas de belleza y gustos no occidentales y se inferiorian las formas de belleza y gustos no occidentales, institucionalizadas en los ministerios de Cultura y en la jerarquía de museos y galerías artísticas globales, así como en los diseños mercantiles industriales.

11. Una jerarquía de dominación pedagógica global donde se privilegian las pedagogías occidentales de matriz cartesiana sobre las pedagogías no occidentales, institucionalizada en el sistema escolar mundial.

12. Una jerarquía de medios de comunicación global donde se privilegian los aparatos de comunicación controlados por Occidente.

13. Una jerarquía ecológica global donde se privilegia el concepto de “naturaleza” occidental del dualismo cartesiano (donde la naturaleza es siempre objeto, nunca sujeto, con formas de vida inferiores y siempre pasiva, exterior a los humanos y un medio para un fin) con todas las consecuencias nefastas para el medio ambiente planetario, y se descartan otras cosmovisiones y formas de entender holísticamente el medio ambiente y la ecología (donde los humanos son parte integral de la ecología planetaria, coexistiendo con otras formas de vida dentro del mismo cosmos, y la “naturaleza” es un fin en sí mismo). El concepto cartesiano occidental lleva la racionalidad de la destrucción ecológica, pues al pensar a la naturaleza como objeto, como medio para un fin y como dualistamente exterior a los humanos, toda la tecnología que construye lleva dentro de sí la racionalidad de la destrucción de la vida y no la de su reproducción. En este sentido, el desastre ecológico no es sólo un efecto de las tendencias devoradoras y destructivas del capitalismo, sino que está directamente relacionado con su cosmovisión.

Es importante destacar que toda tecnología tiene su propia cosmología, y en el caso de la tecnología moderno-capitalista, dicha cosmología es el dualismo cartesiano destructivo de la vida. Por lo tanto, es esencial avanzar hacia formas holísticas de ser, estar y pensar en la realidad, en la que la relación entre la vida humana y otras formas de vida sea el fundamento de una nueva civilización transmoderna y pluriversal, tal como nos aconseja el Papa Francisco en su obra Curar el mundo. En otras palabras, debemos producir tecnología desde la racionalidad de la producción y reproducción de la vida. Esto, que parece tan básico, tiene implicaciones muy profundas para la vida. Necesitamos descolonizarnos de esta cosmovisión dualista cartesiana porque, de lo contrario, tenemos los días contados en el planeta Tierra. De allí que afirmamos que la descolonización no es una opción entre otras, sino una necesidad de vida o muerte.

13. Una jerarquía de edad occidentalizada donde se privilegia la edad adulta- productiva, entre los 16 y 64 años, inferiorizando y haciendo dispensables a los viejos y los niños.

15. Una jerarquía de dominación médica, donde la medicina occidental se privilegia sobre las medicinas milenarias de los pueblos sumamente efectivas de cara a la prevención de enfermedades.

16. Una jerarquía espacial donde se privilegia lo urbano sobre lo rural, con la consecuencia de que la población mundial se ha volcado hacia las zonas urbanas en detrimento de las zonas rurales, destruyendo al campesinado y las comunidades ancestrales.

Muchas de estas jerarquías de dominación no existían en otras civilizaciones, lo que no significa que no haya habido otros problemas y patrones de dominación. No estamos romantizando a ninguna civilización en particular, sino más bien señalando cuáles fueron las jerarquías de dominación impuestas por la civilización moderna sobre el resto de la humanidad. Tampoco estamos diciendo que seamos anti-europeos, sino más bien anti-eurocéntricos. Es decir, no pretendemos condenar todo lo que ha surgido en Europa. Lo que queremos decir es que no podemos seguir viviendo en un mundo donde una sola visión de la realidad se impone como proyecto civilizatorio global, sin considerar a todas las demás y dejando de lado múltiples y diversas vivencias, experiencias y formas de ser, estar y producir conocimientos válidos y pertinentes para afrontar y superar los problemas y desafíos que tenemos por delante.

Debemos historizar cada una de estas jerarquías,[5] atendiendo al modo en que se han imbricado en distintos momentos y espacialidades. No se pueden entender como si fueran estructuras separadas unas de otras, ya que todas forman parte del mismo dispositivo de dominación civilizatorio.

Es fundamental comprender en qué consiste el colonialismo en el siglo XXI para desarrollar una agenda de trabajo común que busque superar todas las formas de injusticia, desigualdad, explotación y dominación que generan estas jerarquías de dominación modernas. Para ello, es necesario practicar una “diversalidad” epistémica (Glissant, 1989) y tener una voluntad explícita de movernos hacia formas transmodernas de producir conocimiento (Dussel, 1994; 2015) con el fin de superar los problemas globales a los que nos enfrentamos. En otras palabras, debemos incorporar en nuestros programas de estudio e investigaciones el pensamiento crítico producido por todas las tradiciones del mundo, ya que sin un diálogo interepistémico no podremos salir del atolladero en el que nos encontramos.

Por lo tanto, hacemos un llamado a plasmar con claridad la cartografía del poder moderno y la multiplicidad de jerarquías globales de dominación coloniales que forman parte de la civilización moderna. Hay mucho trabajo por hacer en cada una de ellas, y es posible que al principio debamos priorizar algunas, ya que es probable que no podamos ocuparnos de todas al mismo tiempo. Sin embargo, es esencial que las identifiquemos y propongamos un proyecto descolonizador para cada una de ellas, ya que las tareas que conlleva descolonizar la educación no son las mismas que las de descolonizar la cosmología dualista cartesiana o las de descolonizar la jerarquía de dominación centro- periferia.

En resumen, la Modernidad es un sistema civilizatorio de muerte, no un sistema emancipatorio. Al realizar un balance entre lo que ha destruido y lo que ha emancipado, la destrucción es lo que predomina. La civilización moderna sólo se produce y reproduce a través del control y la dominación que ejercen unos pocos centros metropolitanos imperiales sobre el resto de la humanidad, quienes sufren directamente las consecuencias de la destrucción planetaria. Por lo tanto, es nuestra responsabilidad estar a la altura de las exigencias de nuestro tiempo y, tal como dicen los zapatistas, “luchar por la construcción de un mundo donde otros mundos sean posibles” y, agregamos, “éste se haga imposible”.

Referencias bibliográficas

Cox, O.C. (1984). Caste, Class and Race: A Study in Social Dynamics, Monthly Review Press, Nueva York. — (1959). The Foundations of Capitalism, Peter Owen, Londres. — (1964). Capitalism as a System, Monthly Review Press, Nueva York. Dubois, W.E.B. (1935). Black Reconstruction, Albert Saifer Publisher, Filadelfia. — (1971). W.E.B. Dubois Speaks: Speeches and Addresses 1920-1936, Pathfinder Press, Nueva York. Dussel, E. (1994). 1492: el encubrimiento del Otro. Hacia el origen del “mito de la Modernidad”, Plural Editores, La Paz. — (2015). Filosofías del Sur. Descolonización y Transmodernidad, Akal, Madrid. Enloe, C. (1990). Banana, Beaches and Bases: Making Sense of International Politics, University of California Press, Berkeley, California. Glissant, É. (1989). Caribbean Discourse, University of Virginia Press, Charlottesville. Lugones, M. (2008). “Colonialidad y género”, Tábula Rasa 9 (julio-diciembre), pp. 73-101. Marcos, S. (2006) Taken from the Lips: Gender and Eros in Mesoamerican Religions, Brill, Leiden. Nkrumah, K. (1965). Neocolonialism: The Last Stage of Imperialism, Thomas Nelson & Sons, Londres. Oyěwùmí, O. (1997). The Invention of Women. Making an African Sense of Western Gender Discourses, University of Minnesota Press, Minneapolis. Papa Francisco. (2020). Curar el mundo: 4. El destino universal de los bienes y la virtud de la esperanza, Biblioteca del Palacio Apostólico, Ciudad del Vaticano. Spivak, G.C. (1988). In Other Worlds: Essays in Cultural Politics, Routledge, Kegan and Paul, Nueva York. Wallerstein, I. (1974). The Modern World-System, Academic Press, New York (ed. Cast.: El modern Sistema mundial I, Siglo XXI, 2016). — (1979). The Capitalist World-Economy, Cambridge University Press/Editions de la Maison des Sciences de l’Homme, Cambridge/París.

Papa Francisco (2020) Curar el mundo: 4. El destino universal de los bienes y la virtud de la esperanza, Biblioteca del Palacio Apostólico, Ciudad del Vaticano.

Este es uno de los grandes problemas de algunas perspectivas marxistas eurocéntricas: limitan la discusión al plano económico y critican únicamente el sistema capitalista como dominador y devorador de la vida. Si bien es fundamental mantener esta crítica anti-capitalista, consideramos que el problema es mucho más complejo.

Es importante destacar que esta jerarquía de dominación interestatal global está acompañada por la división internacional capitalista del trabajo.

El caso del golpe de Estado perpetrado en Perú, el 7 de diciembre del 2022, es un ejemplo vergonzoso y realmente indignante. Este acto fue diseñado y legitimado por Lisa Kenna, la embajadora de Estados Unidos en Perú, quien antes de formar parte del Servicio Exterior estadounidense trabajó durante 9 años como agente de la Agencia Central de Inteligencia (CIA). En otras palabras, fue Estados Unidos a través de su embajadora quien envalentonó a la oligarquía blanca, criolla y racista peruana a perseguir y masacrar al pueblo campesino e indígena de ese país.

Hemos identificado 16 jerarquías de dominación, pero seguramente deben existir otras.

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