#critica cinematográfica

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Un burdo Bardo, Iñárritu y el onirismo cobardón

Tengo apenas dos gratos recuerdos en los que está metido Alejandro González Iñárritu, uno es de cuando me reveló epifánicamente el ‘Riviera Paradise’ de Stevie Ray Vaughan, justo el día en que se despedía de la locución en WFM y otro es de su película ‘Birdman’, que vi en una sala de cine gracias a la insistencia de mi amigo Mauricio Delgado.

Fuera de dichas referencias, ese a quien apodan el ‘Negro’ me es prácticamente ajeno, lejano y hasta repelente, en lo profesional y en lo personal. Sin embargo, no es de aquí que parto para analizar su más reciente película ‘Bardo (Falsa crónica de unas cuantas verdades)’. Aquí van mis razones.

Con su séptimo largometraje Iñárritu parece haber escarbado en su ego hasta alcanzar la antípoda del ridículo, uno que apesta a elevado autoanálisis con grandilocuencia visual y narrativa incomprensibles, y una ampulosidad chafita plagada de lugares comunes, so pretexto del ‘onirismo’ como línea conductora.

A la secuencia inicial a golpe de profundidad de campo de un anhelado vuelo humano le sigue un incalificable cunnilingus y un mamertísimo parto inverso como representación facilona de la filosofía del absurdo, cuyo cordón umbilical se muestra sangriento en pantalla para inaugurar la caótica retahíla argumental de las siguientes dos horas y media.

‘Bardo’ y su diseño de producción ejecutado con precisión por Eugenio Caballero es intencionalmente kitsch y tan pretenciosamente hípster que es difícil de imaginar fuera del onirismo en el que se regodea.

‘Bardo’ es naca pero chida, es ‘quitapón’ porque su escena principal o al menos más representativa y acaso la mejor lograda se da en medio de la pista de baile del California Dancing Club fondeada por un grandioso ‘Let’s dance’ de Bowie, aunque a nadie de sus aduladores le hubiera molestado que lo acompañara cualquier derrame tóxico cumbioide de los Ángeles Azules.

‘Bardo’ es grandilocuente porque Iñárritu echa mano de todos los recursos de su produccionsota y nos receta emplazamientos y movimientos de cámara variopintos, dollys, travellings, tomas cenitales, así como todos los planos del manual. Pero es inútil también porque cuando el cine no conecta en lo más elemental con el espectador que es transmitir un mensaje de manera efectiva y no efectista éste se convierte en un despropósito, eso sí, muy de 'auteur', tan 'acá' que se vuelve contra sí mismo, como un uróboro posmodernito.

‘Bardo’ es autocontemplativa, ensimismada, pseudodidáctica, artificiosa y por tanto burda, pero también es cobarde e insuficiente porque no asume la contundencia de sus propias tribulaciones, no establece conclusión alguna y navega sin rumbo en el planteamiento onírico de una interminable sucesión de cuestionamientos vitales como sacados de un bote de tamales: o es de chile, o es de dulce o de manteca.

‘Bardo’ es vulgar y autodestructiva pues el momento más bello en términos técnico-cinematográficos filmado por un supremo Darius Khondji termina hecho mierda por su propio creador para dinamitar una ansiada reflexión de la mexicanidad a lo Paz y Fuentes, retrotrayendo la cultura televisiva que mamó y que años después fundamentara su carrera. De nada sirven los planos y emplazamientos que son obvias referencias a Tarkovski, Angelopoulos o Roy Anderson si vas a terminar con el asta bandera en medio de la plaza mayor convertida en palo encebado.

‘Bardo’ es falsamente modesta, ególatra y autocompasiva, culposa pero reverencial y presuntuosa, aunque también chovinista y esencialmente contradictoria en la dicotomía de su personaje principal que ni un taco de lengua puede engullir, ni unos ajolotes salvar.

El ‘Silverio Gama’ de Iñárritu (interpretado por un siempre suficiente Daniel Giménez Cacho) torpemente intenta evocar a aquel von Aschenbach de ‘La Muerte en Venecia’ de Thomas Mann o al ‘Mersault’ de Camus -ambas obras literarias filmadas supremamente por Luchino Visconti- pero apenas le alcanza, y pujando, para un limitadito hombrecillo con ‘Síndrome del jamaicón’.

‘Bardo’ es limitada pues palidece ante ejercicios estilísticos sobre la vuelta al origen en el cine mexicano contemporáneo: el que no conoce "Bajo California: el límite del tiempo" (Carlos Bolado, 1998) o "Cuento de hadas para dormir cocodrilos" (Ignacio Ortiz, 2000) a cualquier ‘Bardo’ le reza.

Bardo es embustera y vacua, es fuego de artificio, carne de festival y de la industria aplaudidora; y sí, es pretenciosa y narcisista como lo más ‘jodorowskiano’ que se recuerde.

Bardo es un embutido caprichoso que ni profundiza, ni vuela, ni avanza, ni va, ni viene, pero que apantalla con la falacia de autoridad que porta como bandera y que pudo quedarse simplemente en la intimidad de un diván.

[notasfilosoficas]

“La virtud no consiste en abstenerse del vicio, sino en no desearlo”

George Bernard Shaw

Fue un dramaturgo, crítico y polemista irlandés nacido en Dublín en julio de 1856.

Bernard Shaw nació en un barrio de clase media baja de Dublin, fue el único varón de la familia y el primero de una familia de tres hermanas, su padre era un alcohólico que trabajaba de forma irregular como comerciante de maíz.

Durante su época estudiantil, asistió a cuatro escuelas distintas, todas las cuales odiaba, estaba desilusionado con la educación formal, a las que consideraba prisiones y a los maestros carceleros, en los cuales a los niños se les mantiene para evitar decía, “estar molestando a los padres”. En 1871 dejó la escuela para trabajar en una firma de administradoras de fincas, en donde trabajando duro llegó a ser cajero en jefe.

En 1873, la madre de Shaw y dos de sus hermanas, abandonaron Dublin para seguir a quien fuera su pareja sentimental a Londres, un músico bien conocido en Dublin, y debido a la gravedad de una de sus Hermanas, Shaw viajó posteriormente a Londres en 1876 para reunirse con su madre.

En los años siguientes trabajó como periodista y crítico teatral y de música para diversos periódicos, al tiempo que publicaba novelas por entregas. Con muy bajos ingresos, Shaw vivió esos años en relativa penuria.

En 1884 y tras entrar en contacto con la obra de Karl Marx, Shaw se hizo socialista y pasó a formar parte de la sociedad Fabiana, un grupo revolucionario. En 1898, contrajo matrimonio con una Irlandesa que procedía de una familia adinerada.

Para entonces sus trabajos literarios y críticas teatrales lo iban dando cierto renombre.

Shaw escribió mas de sesenta obras, algunas importantes como Hombre y Superhombre en 1905, una teoría de la humanidad como estadio mas avanzado de la evolución de la fuerza vital hacia formas mas espirituales, en donde la influencia de Nietzsche y de Henri Bergson se hacían presentes.

En 1925, recibió el Premio Nobel de Literatura y en 1938 compartió el Oscar de Hollywood al mejor guión adaptado por la versión cinematográfica de Pigmalión, una de las mejores comedias de Shaw que se convirtió en una aguda critica al sistema de clases inglés, a través de hacer pasar a una florista por una dama, para lo cual se le enseña dicción y buenas maneras. Shaw se convirtió en la primera persona en recibir el Nobel y el Oscar. 

Shaw sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial y durante sus últimos años disfrutó de cuidar los jardines de Shaw´s Corner, su residencia situada en la pequeña villa de Ayot St. en Inglaterra. Murió a la edad de 94 años de una insuficiencia renal producto de una caída mientras podaba un árbol.

Fuente: Wikipedia, biografiasyvidas.com

[friedrichushigome118]

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√𝟿𝟼𝟺 𝙿𝚒𝚗𝚘𝚌𝚌𝚑𝚒𝚘

de Shozin Fukui

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☞Estreno inicial: 14/09/1991☜

“La reinterpretación de Pinocho como un androide sexual de origen nipón (marginado por la sociedad)”

☞ Reconocido solemnemente por muchos cinéfilos del cine underground de antaño como una de las obras precursoras más importantes para el nacimiento venidero del cyberpunk japonés, la trama de este largometraje de vanguardia gira en torno a un androide sexual del futuro llamado 964 Pinocchio, mismo que acabará desechado por sus creadores (en pleno arranque) debido a sus fallas continuas para ofrecerle un «servicio lo bastante delicioso» a la clientela, pero este androide estrafalario y delirante, con el pellejo del protagonismo sobre sus hombros, saldrá a recorrer los alrededores de la ciudad de Tokyo hasta toparse con Himiko, quien es en pocas palabras una chica modesta que ayuda a diferentes personas que comparten su misma condición: perdida de memoria. Los dos establecen una comunicación semiabierta. Tratan de comunicarse para entender lo que dice uno y lo que busca manifestar el otro, pero todo eso se vuelve un procedimiento, porque el androide 964 Pinocchio fue despojado de su memoria y también de su desenvolvimiento artificial antes de ser desechado.

Sin embargo, conforme avanza la historia, el androide comenzará a sufrir alteraciones volátiles dentro de su sistema que lo volverán una entidad peligrosa para la sociedad, comprometiéndose así mismo a ejecutar su acto de venganza contra sus creadores, incluyendo a la misma empresa que lo fabricó; mientras que Himiko experimentará cambios más sutiles a nivel psicológico, volviéndose una persona ruin y llena de egocentrismo. ¡Y el desenlace de esta película es un enigma! Pero lógicamente, no lo mencionaré para evitar spoilers (entre aquellos espectadores que se encuentren animados a verla por primera vez).

Para aquellos que no están conscientes del origen de la divergencia que expone este largometraje, solo basta con citar al mismo creador detrás de todo ello: el cineasta Shozin Fukui (福居ショウジン), mismo que, a lo largo de su carrera como director y guionista independiente, ha realizado diez obras cinematográficas hasta la actualidad (cortos y películas), y en cada una de estas critica con un ingenio retorcido la mente enfermiza del ser humano, pero conceptualmente, sus obras más que nada van dirigidas hacia el gentilicio japonés y su cúmulo de problemas psicosociales, demostrándonos (con su propio realismo satírico) que todo lo que pensamos románticamente de Japón no es de color de rosas.

Además, cabe mencionar que para esta película, Shozin Fukui optó por implementar movimientos y transiciones experimentales de cámara para darle una sensación de paranoia a su obra; sin dejar de lado que, el elenco de la película está integrado por puros actores de serie b. Por cierto (...) ¡No dejemos de lado el soundtrack de la película! Del cual, fue compuesto por el artista Hiroyuki Nagashima y se caracteriza por exponernos música ambiental de tintes futuristas, al estilo del industrial noise music: «el arte de convertir el ruido en un recurso musical indispensable.» Pero el rasgo visual más importante que comparten sus obras cinematográficas (incluyendo a √964 Pinocchio), es sin lugar a dudas el futurismo rebelde y anárquico que transmite sin temor alguno, poniéndole énfasis a las consecuencias de la evolución tecnológica que viene orquestando el hombre desde hace tiempo. Cuestión que su visión artística ha sido fundamental dentro de los primeros años del Cyberpunk Japonés, junto con la de otros cineastas de culto como Sogo Ishii, Shinya Tsukamoto y Katsuhiro Otomo.

[elrincondelcinefilo]

𝕎𝕠𝕞𝕒𝕟 𝕠𝕗 𝕥𝕙𝕖 ℍ𝕠𝕦𝕣 (2024)

"La mujer de la hora" es un thriller psicológico dirigido y protagonizado por Anna Kendrick, basado en hechos reales. La película narra la historia de Cheryl Bradshaw, una actriz que participa en el programa The Dating Game , donde uno de los concursantes, Rodney Alcala, es un asesino en serie activo. La trama explora cómo Alcalá oculta su verdadera naturaleza mientras participa en el programa y continúa con sus crímenes.

Kendrick sobresale tanto en la dirección como en su actuación, transmitiendo de manera convincente la tensión de una mujer que, sin saberlo, se encuentra en una situación de peligro. La película equilibra mejor el humor incómodo del programa con el oscuro y perturbador trasfondo de Alcalá, interpretado por Daniel Zovatto, quien encarna a un hombre carismático pero profundamente perturbador.

A lo largo de la historia, la película mantiene el suspenso, logrando que incluso los espectadores que conocen los hechos reales se sientan atrapados. Uno de los puntos más impactantes es cómo abordar el hecho de que, en escenarios públicos como la televisión, los peligros pueden estar ocultos a plena vista, mientras critica la objetivación femenina en los medios.

Aunque el ritmo puede ser lento en algunos momentos, Woman of the Hour ofrece un thriller efectivo, lleno de tensión y con un comentario social relevante sobre el encanto manipulador y los riesgos que pueden esconderse en lo cotidiano. En resumen, es una experiencia cinematográfica absorbente que destaca tanto en la dirección como en la actuación de Kendrick, por eso le ponemos tres estrellitas ⭐⭐⭐

[postersdecinema]

Ginger e Fred

I, F, D, 1986

Federico Fellini

8/10

Freak Show

É verdade que, em 1986, vinte e seis anos depois de La Dolce Vita e treze anos depois de Amarcord, a exuberância cénica e o simbolismo crítico dos filmes de Fellini não eram propriamente uma novidade. A principal objeção que se pode apontar a este filme, e eu diria que à quase totalidade dos filmes realizados por Fellini, desde Julieta dos Espíritos, é que o realizador/argumentista se mantém fiel a uma linguagem cinematográfica própria, original, mas inevitavelmente repetitiva. Mas a isso chama-se coerência e não é um defeito, mas sim uma virtude, um certificado de autenticidade, uma assinatura de autor.

Fiel a si próprio, Fellini critica, de forma mordaz, perspicaz, visionária até, a sociedade vazia e teledependente dos anos oitenta, que se acentuaria nas décadas seguintes, ao ponto daquele circo de aberrações, que no filme é irónico e hiperbólico, se tornar banal e quotidiano, nas emissões televisivas das gerações seguintes, personificadas no famigerado milionário televisivo Berlusconi, que depois de levar o populismo grotesco para a televisão conseguiu mesmo introduzi-lo na política italiana.

Tal como Ginger e Fred, Giulietta, Mastroianni e o próprio Fellini, a televisão já não tem lugar para eles, senão como membros de um freak show. A cultura abastardou-se e a televisão foi o principal veículo dessa desmoralização da arte.

É essa a denúncia essencial, óbvia e justa, por detrás deste Ginger e Fred, e a mensagem é transmitida com toda a pompa, imaginação e ironia que sempre caracterizaram a obra do mestre italiano.

Freak Show

It is true that, in 1986, twenty-six years after La Dolce Vita and thirteen years after Amarcord, the scenic exuberance and critical symbolism of Fellini's films were not exactly new. The main objection that can be raised against this film, and I would say to almost all of the films directed by Fellini, since Juliet of the Spirits, is that the director/screenwriter remains faithful to his own, original, but inevitably repetitive, cinematographic language. But this is called coherence and it is not a defect, but a virtue, a certificate of authenticity, an author's signature.

True to himself, Fellini criticizes, in a forceful, insightful, even visionary way, the empty and teledependent society of the eighties, which would become more accentuated in the following decades, to the point that that circus of freaks, which in the film is ironic and hyperbolic, became banal and everyday, in the television broadcasts of the following generations, personified by the infamous television millionaire Berlusconi, who, after bringing grotesque populism to television, even managed to introduce it into Italian politics.

Just like Ginger and Fred, Giulietta, Mastroianni and Fellini himself, television no longer has a place for them, other than as members of a freak show. Culture became bastardized and television was the main vehicle for this demoralization of art.

This is the essential, obvious and fair denunciation behind this Ginger and Fred, and the message is conveyed with all the pomp, imagination and irony that have always characterized the Italian master's work.

[trastornadosrevista]

NATHY PELUSO presenta su nuevo álbum "GRASA"

La “Business Woman” Nathy Peluso está de vuelta con “la verdad de la milanesa”. Su nuevo y esperado disco, ‘GRASA’ disponible hoy, es sin duda su disco más revelador, lleno de luces y sombras personales y con una evolución sólida de su inigualable destreza interpretativa tanto en el hip hop como en la música tropical y la balada.

"Esta ambición me está matando" son las primeras palabras que la artista argentina radicada en España canta en "Corleone", el cautivante tema de apertura del disco. Esta frase establece el tono que marca ‘GRASA’, su primer disco en 4 años, después del exitoso ‘Calambre ’, ganador de un Latin GRAMMY. Por primera vez, Nathy muestra un lado más íntimo y personal en sus letras, sin miedo a compartir con su público las dificultades y crisis creativas que conlleva la fama, el éxito y las presiones del estrellato moderno.

Nathy co-produjo y coescribió los 15 temas del álbum, la mayoría junto con el músico y productor venezolano Manuel Lara (Kali Uchis, Bad Bunny), quien también se desempeña como productor ejecutivo junto a ella. “GRASA" obtiene inspiración visual y estilística de una variedad de referencias: la grandeza cinematográfica de la mafia y de la salsa de Nueva York de los años 70 y de íconos actuales como Kendrick Lamar, pero bien arraigado en un sonido contemporáneo. El álbum sirve como la banda sonora del momento actual de Nathy mientras desafía límites y expectativas en la industria. También es el resultado de un profundo viaje interior.

Nathy explotó en el panorama musical global con su aclamado álbum debut de 2020, éxitos con Bizarrap, C. Tangana y Tiago PZK, presentándose en Coachella, agotando el Movistar Arena en Buenos Aires y realizando giras por toda España. Pero su característica energía y autoexigencia resultó en un desgaste personal. En 2022 y 2023 se puso de inmediato a trabajar en material para un nuevo disco. "Estaba desencontrada con mi humanidad,” dice Nathy sobre cómo el tren de trabajo le afectó tanto su salud mental como su creatividad. "Era como un robot diciéndome a mí misma: 'Soy una gladiadora'. Pero tuve que reaprender a disfrutar de las cosas simples de la vida que no eran trabajo."

“GRASA" está anclada en tres pilares musicales: el hip hop, lo tropical y las baladas/jazz, tres géneros que ella domina de manera magistral con su característica versatilidad. Temáticamente, dice Nathy: "Está habitado desde mi intimidad y mi honestidad. Quizás otras canciones [anteriores] han sido más fantásticas o imaginarias. Este es un disco muy personal.”

El concepto cinematográfico de “GRASA” también figura fuerte en el componente visual con videos “visualizers” de todos los temas dirigidos por Agustín Puente y producido por The Movement by Landia. Cada video está grabado en planos secuencia y encadena con el siguiente como una película; todos enmarcados en un set que figura un apartamento kitsch corrompido por vicios y excesos, enfrentamiento con la autoridad uniformada, y la performance de Nathy directamente a cámara como centro.

En “Todo Roto” feat Ca7riel y Paco Amoroso, Nathy no contiene su poderío, y “Aprender a Amar” es un himno al amor propio, coescrito y coproducido por el artista alternativo indie pablopablo. "Es como un mantra", dice Nathy. "Es esencial y no se consigue de un día para el otro. Es un trabajo para mí. Hasta que te mueres."

En "Manhattan", con el artista de trap argentino Duki, Nathy rapea con una honestidad cruda a los haters. En "Envidia", con una intro de C. Tangana, critica lo venenosa que puede ser la sociedad pero desde un punto de vista humorístico. "El humor es lo que me mantiene viva," dice Nathy. "Dios siempre te dará una oportunidad, pero depende de ti si la aprovechas o si desperdicias tu energía preocupándote por los asuntos de otras personas."

‘La Presa’ marca la tercera canción de salsa en el repertorio de Nathy, después de “Un veneno” “Mafiosa”. Esta canción, en la vena clásica de Héctor Lavoe o Rubén Blades cuenta con los cantautores y productores venezolanos Servando Primera y Yasmil Morrufo, y con coros de miembros de El Gran Combo de Puerto Rico. Nathy también cuenta con la participación del productor y multiinstrumentista inglés Dev Hynes (aka Blood Orange) en el melancólico tema "El día que perdí mi juventud."

En Argentina, ‘grasa’ puede significar "algo de mal gusto" o "vulgar". Pero Nathy, al igual que su música, no se limita a una sola definición: podría ser la forma en la que hace alarde de su cuerpo que no se ajusta al molde heteronormativo, o como se saborea en público un pedazo de pizza sin pudor. O podría evocar la riqueza de sus arreglos musicales, o incluso su actitud ferviente y entregada en todo lo que hace, dentro y fuera del escenario. Nathy quiere reclamar la palabra y hacerla parte de su universo: "Para mí es un estado mental, un estilo de vida", dice.

En una industria a menudo caracterizada por la superficialidad, la autenticidad de Nathy brilla, y nos recuerda que puedes ser una mujer ambiciosa y poderosa mientras también muestras vulnerabilidad. Ella sigue siendo una mujer de negocios, pero la lucha también es parte del camino. Y en “GRASA” , Nathy nos muestra su viaje. “Nunca se me pasa por la mente tirar la toalla. Nunca. Pero, ¿a qué costo?”, dice. “En este disco siento que puedo contar las cosas desde una perspectiva más sana, tras haber curado un poco algunas cosas pero confesando y contando todo lo que conlleva.”

[ntgospel]

Silas Magalhães critica o apego aos bens materiais no trap melódico “Louis V”: Assista

Confira a novidade em https://ntgospel.com/musica-gospel/silas-magalhaes-critica-o-apego-aos-bens-materiais-no-trap-melodico-louis-v-assista

Silas Magalhães critica o apego aos bens materiais no trap melódico “Louis V”: Assista

Com quase 10 milhões de plays só no Spotify e mais de cinco milhões de visualizações no YouTube, o cantor Silas Magalhães apresenta sua nova música de trabalho. Representante do trap dentro do segmento gospel, ele lança “Louis V”, que faz referência à famosa grife francesa de bolsas e malas Louis Vuitton. Além de assinar a composição da faixa, Silas também é o responsável pela produção musical.

– “Louis V” nasceu de uma reflexão sobre o contexto do trap atual, onde quase toda música tem que citar uma marca, com a ideia de que quanto mais você tem, mais você é. Além disso ser de uma vaidade extremamente frágil, é idolatria. Refletindo sobre isso, eu fiz um som que cita uma marca de luxo, porém com uma abordagem subversiva, trazendo uma ideia de contramão ao que geralmente é falado nessas músicas – explica o artista, que mais uma vez apostou no trap melódico.

Com uma mensagem que alerta sobre abandonar a idolatria a coisas passageiras, materiais e vãs, “Louis V” também convida o ouvinte a buscar por santidade. E, como de costume, a nova música de Silas Magalhães vem acompanhada de um videoclipe que está disponível no canal do cantor no YouTube.

– O clipe foi gravado na minha cidade natal, em Santo Antônio de Jesus, na Bahia, com direção de fotografia do meu parceiro de vários projetos, Tico Materazzo. O vídeo tem uma vibe leve, cinematográfica e com algumas cenas em CGI – detalha Silas.

“Louis V” é o segundo lançamento do cantor pelo seu próprio selo – a Prayer Hands Records. A empresa estreou no mercado oficialmente no dia 16 de fevereiro deste ano, quando Silas Magalhães apresentou a canção “Seu Perfume”, que ficou em alta no Instagram na semana do lançamento e permanece até hoje.

Com quase 200 mil ouvintes mensais no Spotify e mais de 245 mil seguidores – somando os números no Facebook, YouTube, Instagram, Twitter e TikTok – Silas Magalhães completa 13  anos de carreira em dezembro. Ao longo desse tempo, ele lançou mais de 80 canções e algumas delas com participações até mesmo de cantores internacionais. Visionário, ele já tem novos planos para este ano.

– O melhor álbum que eu já fiz já está pronto e esse ano vou botar pra jogo. Até o momento são 12 faixas, mas, me conhecendo bem, isso pode se transformar em 20 facinho – finaliza.

Ouça o single na sua plataforma de áudio preferida: https://sym.ffm.to/louisv

[geekpopnews]

Crítica | As Aventuras de Poliana - O Filme

Embarque numa jornada inesquecível com "As Aventuras de Poliana - O Filme". Amizade, desafios e cenários paradisíacos se encontram nessa emocionante experiência cinematográfica. Confira o que achamos em nossa matéria. #AsAventurasDePoliana #Sbt #Critica

“As Aventuras de Poliana – O Filme,” uma produção brasileira baseada na telenovela com o mesmo nome, tem sua estreia marcada para 30 de novembro nos cinemas. A trama, que gira em torno de Poliana e seus amigos recentemente formados, revela um cenário de decisões cruciais pós-formatura. Determinada a estudar no exterior, Poliana encontra obstáculos quando seu pai, Otto, expressa preocupações…

[ursonoir]

Resident Evil 3 Remake e a falta de capacidade em apreciar algo que foge do esperado

Resident Evil é uma franquia que já está no mercado há mais de duas décadas. Diferente de muitos colegas (como por exemplo Silent Hill) soube se reinventar e se manter relevante — por mais que para isso tenha precisado desagradar uma grande quantidade de fãs (fosse com Resident Evil 4 fugindo do horror ou Resident Evil 5 consolidando a ação na franquia). Para o bem ou para o mal a Capcom sempre gostou de arriscar com sua galinha dos ovos de ouro e se não fosse por isso não teríamos os dois títulos previamente citados ou Resident Evil 7.

Mas é claro que essas mudanças ocorreram em momentos necessários — como eu já disse em meu texto sobre ansiedade e jogos de terror, lá no inicio dos anos 00's os jogos de survivor horror estavam começando a saturar e a Capcom precisou se arriscar, e o mesmo vale para Resident Evil 7 — um jogo de terror impulsionado pelo buzz que Silent Hills P.T causou em uma era onde basicamente nenhum jogo triple AAA era focado em terror.

Dito isso, faria sentido mexer em time que está ganhando? Afinal Resident Evil 3 Remake é mexer em um time que estava ganhando, certo? Após o grande sucesso do Remake do segundo titulo da franquia, muita gente (mas muita gente mesmo) estava esperando um remake do terceiro titulo à altura, dessa vez aumentando o tamanho de sua gameplay e trazendo um Nemesis tão aterrorizador quanto o Tirano (a.k.a Mr. X) de RE2R — afinal de contas, o Nemesis é de fato o "stalker" da franquia de Resident Evil, o monstro que assustava todos na R.P.D, o grande nemesis de Jill Valentine. Mas alguma coisa disso rolou no remake? Não.

A Capcom pela primeira vez decidiu mexer no time que estava ganhando e em vez de trazer um remake na medida do possível fiel (assim como ela fez com os dois primeiros títulos da franquia), ela chutou o pau da barraca e trouxe uma reimaginação do titulo: acontecimentos em uma ordem cronológica diferente, uma pegada mais cinematográfica, corte de cenários icônicos da versão original tais como o cemitério e a torre do relógio que aqui é apenas referenciada (para ser justo a gente chega a ver ela) e um jogo tão curto quanto o original (os outros remakes tentaram se alongar um pouco mais). Ah, e não vamos nos esquecer que o Nemesis não é nada como o Mr. X: aqui ele é todo programado e causa mais raiva do que medo. E eu não preciso dizer que isso fez uma galera espumar, né? E com razão? Não.

Resident Evil 3 Remake é basicamente o remake que ele precisava ser. É basicamente o que o titulo pedia para ser, uma adaptação e não um remake, fazendo com que sua gameplay funcionasse bem melhor dentro do que o titulo clássico oferecia. Sejamos francos que RE: Nemesis embora o terror ainda predominasse, ele flertava intensamente com ação, com um ritmo mais ágil que seus títulos anteriores — e inclusive, na época, recebendo muitas criticas negativas por ser mais curto, focado na ação e com história "pobre" comparado ao seus antecessores. É bom sempre lembrar que Resident Evil: Nemesis não estava sendo desenvolvido para ser o terceiro titulo da franquia, mas apenas um spin-off para fechar o arco de Racoon City. No entanto, o titulo tinha sua própria identidade, ele não tentava ser um Resident Evil 2 e ele causava impacto por nos trazer a sensação de que o Nemesis (único boss de todo o jogo) poderia a qualquer momento aparecer (embora ele não fosse de fato aparecer a qualquer momento como o Mr. X faz no remake de RE2, ele era programado para aparecer em determinados momentos).

Eu simplesmente não consigo ver RE3 sendo feito da mesma maneira que seu antecessor, pois fugiria totalmente da identidade do jogo. Não faria sentido por exemplo ter um Nemesis de fato patrulhando Raccoon City a sua procura, isso seria apenas mais irritante do que tudo. O Mr. X mesmo aparece apenas por um curto período e dentro da RPD, com seus passos lentos e barulhentos — é uma proposta diferente, criado para um jogo de terror. Nemesis é um tirante criado para um jogo que tenta equilibrar terror e ação.

A reimaginação de Resident Evil 3 funciona se você parar de tentar vê-la como um remake, mas sim como uma adaptação livre que reconta a história a partir de uma cronologia de acontecimentos nova.

É claro que o remake tem pontos negativos, como por exemplo a falta de puzzles. Resident Evil é uma franquia conhecida por ter puzzles e aqui você não tem (embora a maioria não reclamou de RE4 também não traze-los). A falta de sentindo de tirar locais icônicos. Jill Valentine passando pelo cemitério seria muito bacana. As transformações do Nemesis foram bem fraquinhas. E o Carlos ajuda demais a Jill. Tudo bem, ela continua badass e foi um modo de tentar faze-lo mais útil, mas caramba, esse jogo é dela!

E falando em Jill e Carlos, eu amo como esses personagens foram bem desenvolvidos. Temos uma Jill Valentine pela primeira vez em muito tempo interessante, ela não é apenas uma porta como era em Revelations. O Carlos também ficou divertido pra caramba, embora o Nicholai seja deveras clichê.

No geral Resident Evil 3 Remake sofreu criticas pelos fãs estarem esperando algo similar ao remake de RE2, sendo que RE3 nunca foi isso. É compreensível algumas criticas referentes a alguns downgrades na gameplay, remoção de alguns lugares ou até mesmo tempo de gameplay, mas nada que faça o jogo merecer todo esse ódio que recebe. Querem stalkers chatos na sua cola o tempo todo? Jogue Outlast ou quem sabe o novo Amnésia, dizem que é do caralho. Acho tremendamente justo as pessoas se frustrarem ao perceber que o remake é na verdade uma adaptação livre (diferentemente dos outros títulos), mas as vezes parece que a pessoa fica tão emburrada — como uma criancinha, que acaba se negando a ver as coisas boas ou ver que a direção não estava procurando fazer um clone de RE2 ou de RE: Nemesis, mas sim uma adaptação que coubesse dentro do conceito que o jogo de 1999 entregava — e para ser franco, conseguiu na maioria do tempo.

[anahanbee]

A cidade de Metrópolis é dividida em duas: de um lado estão os operários, vivendo na miséria e explorados por máquinas. Do outro, estão os políticos, que desfrutam de um jardim idílico. Uma história de amor surge entre os dois extremos da cidade.

🎬: Metrópolis (1927)

Dirigido por: Fritz Lang

[vcarvalho4]

A Forma da Água

Fui ver ontem o filme “A Forma da Água” e posso dizer que é um filme incrível, tanto em termos de história e cinematográfica o filme é muito bom. Os últimos filmes de Guillermo del Toro, como “Batalha do Pacífico” e “Crimson Peak”, não têm sido nada de especial, mas neste filme vemos o cineasta no seu melhor.

Um filme em que nenhum dos personagens se sente completo, seja a personagem principal, a muda Elisa (interpretada por Sally Hawkins), que mesmo sem falar demonstra muita emoção, ou mesmo o antagonista que se sente como um homem inferior a viver a ilusão de uma família perfeita. A criatura do filme completa Elisa, mesmo que no início nós, a audiência, vemos esta criatura como um monstro sedento de sangue, à medida que a história progride nós vemos que ela é muito mais humana do que aparenta e também vemos a transformação do perfeito homem de família num verdadeiro monstro.

Para além disto, as histórias secundárias são extremamente interessantes e reforçam a mensagem principal do filme. Se eu tivesse de dar uma critica a este filme seria no 3° ato, a história torna-se mais apressada, como se quisesse chegar até ao final o mais rapidamente possível, e também fica muito previsível, mas o final é deixado para a interpretação da audiência sem dar uma resposta objetiva. Concluindo,

“A Forma da Água” é um filme incrível com visuais e cinematografia extremamente engenhosa e criativa, com uma trilha sonora igualmente fantástica a acompanhar, uma experiência que eu recomendo vivamente.

[notasfilosoficas]

“Una vida dedicada a cometer errores no solo es más honorable, sino más útil que una vida dedicada a no hacer nada”

George Bernard Shaw

Fue un dramaturgo, crítico y polemista irlandés nacido en Dublín en julio de 1856.

Bernard Shaw nació en un barrio de clase media baja de Dublin, fue el único varón de la familia y el primero de una familia de tres hermanas, su padre era un alcohólico que trabajaba de forma irregular como comerciante de maíz.

Durante su época estudiantil, asistió a cuatro escuelas distintas, todas las cuales odiaba, estaba desilusionado con la educación formal, a las que consideraba prisiones y a los maestros carceleros, en los cuales a los niños se les mantiene para evitar decía, “estar molestando a los padres”. En 1871 dejó la escuela para trabajar en una firma de administradoras de fincas, en donde trabajando duro llegó a ser cajero en jefe.

En 1873, la madre de Shaw y dos de sus hermanas, abandonaron Dublin para seguir a quien fuera su pareja sentimental a Londres, un músico bien conocido en Dublin, y debido a la gravedad de una de sus Hermanas, Shaw viajó posteriormente a Londres en 1876 para reunirse con su madre.

En los años siguientes trabajó como periodista y crítico teatral y de música para diversos periódicos, al tiempo que publicaba novelas por entregas. Con muy bajos ingresos, Shaw vivió esos años en relativa penuria.

En 1884 y tras entrar en contacto con la obra de Karl Marx, Shaw se hizo socialista y pasó a formar parte de la sociedad Fabiana, un grupo revolucionario. En 1898, contrajo matrimonio con una Irlandesa que procedía de una familia adinerada.

Para entonces sus trabajos literarios y críticas teatrales lo iban dando cierto renombre.

Shaw escribió mas de sesenta obras, algunas importantes como Hombre y Superhombre en 1905, una teoría de la humanidad como estadio mas avanzado de la evolución de la fuerza vital hacia formas mas espirituales, en donde la influencia de Nietzsche y de Henri Bergson se hacían presentes.

En 1925, recibió el Premio Nobel de Literatura y en 1938 compartió el Oscar de Hollywood al mejor guión adaptado por la versión cinematográfica de Pigmalión, una de las mejores comedias de Shaw que se convirtió en una aguda critica al sistema de clases inglés, a través de hacer pasar a una florista por una dama, para lo cual se le enseña dicción y buenas maneras. Shaw se convirtió en la primera persona en recibir el Nobel y el Oscar. 

Shaw sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial y durante sus últimos años disfrutó de cuidar los jardines de Shaw´s Corner, su residencia situada en la pequeña villa de Ayot St. en Inglaterra. Murió a la edad de 94 años de una insuficiencia renal producto de una caída mientras podaba un árbol.

Fuente: Wikipedia, biografiasyvidas.com

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Portada para el maravilloso podcast 

🐩🐩🐩Ladridos de Cine 🐩🐩🐩

Desde los estudios de Radio Timbalet en Barcelona ,un podcast de conversación serena, de charla reposada, alrededor de las películas más estimulantes que aterrizan en salas y plataformas. 

Presentado por Paul Estrella, acompañado de Arcadi Canivet, una leyenda, un icono, un titán de la critica cinematográfica con mas de 65 años de oficio a sus espaldas, un pionero de la profesión que fue uno de los primeros perros en ejercer el periodismo cultural en nuestro país.

Podéis escuchar el primer programa en este enlace:

https://open.spotify.com/episode/3RXRqFvBEkXXtHpxrlAKq2

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Reflexión sobre la "teoría del autor" en ficciones audiovisuales

             La teoría del autor tiene sus inicios en los años cincuenta y en la actualidad es un tema de debates. El profesor catedrático Efrén Cuevas, de la Facultad de Comunicaciones, Universidad Navarra, España, hace un estudio acerca del autor de cine haciendo énfasis en la figura de los directores de cine sobre todo en la industria cinematográfica norteamericana. Esta industria esta conceptualizada bajo el nombre de Hollywood donde el director desempeña una función clave dentro del sistema. El crítico neoyorquino Andrew Sarris transformó el termino francés la politique des auteurs en la más conocida teoría del autor. Al pasar los años los elementos de discusión de la teoría del autor no podían aspirar a la categoría de teoría a pesar de sus esfuerzos. Esto llevo a varios estudiosos a construir una base más sólida basada en el enfoque de estructuralismo. Este esfuerzo pretendía reforzar la validez del enfoque autorista, dándole unos fundamentos objetivos, más científicos para controlar la subjetividad y cambiar la visión de los críticos.

           El enfoque de teoría del autor pretendía otorgar la categoría de autor a diferentes directores de Hollywood para distinguirlos de los demás colegas que los categorizaban en simples artesanos. Esto buscaba que el cine tuviera una diferenciación de las artes clásicas donde el entretenimiento popular necesitaba a un artista y el cine era una obra de arte que necesitaba un autor para crearla. Esta visión conocida como “política de autores" surgió en Francia y fue exportada a los Estados Unidos, donde tuvo como principal defensor al crítico neoyorquino Andrew Sarris.  En los años sesenta Sarris transformó la politique des auteurs en la conocida teoría del autor para evitar confusiones a la hora de traducir el término francés. La teoría del autor no era una teoría con fundamentos y base sólida, sino una actitud con carácter personal de valores que organizaban y convertían la historia del cine en autobiografía de directores. Esto trajo el problema que se intentaba evaluar en un principio los filmes de acuerdo con el producto final y el director era clasificado y marcado por el resto de su carrera con un sello de calidad que lo distinguía o degradaba sin importar la calidad del resto de sus producciones.

           A finales del sesenta algunos estudiosos comenzaron a construir una base teórica más solida para el enfoque autorista. Los académicos pretendían reforzar y dar validez con fundamentos objetivos científicos para erradicar la subjetividad de los críticos del autor. Ese nuevo estructuralismo buscaba encontrar autores que mostraran persistencia de estructuras comunes en su producción. Los estructuralistas buscaban bautizar a un director como autor basándose en la aparición o no de las estructuras comunes en la producción para evitar las criticas que los encajonaban solo en una clasificación. Las películas hechas por un director-autor presentaban unas estructuras comunes impuestas consciente o inconscientemente por ese autor.

           El sistema cinematográfico ha sido un constante debate en la producción comercial desde sus comienzos en Hollywood. Cuando una película era producida por un director clasificado como autor, inmediatamente adquiría una alta valoración, aunque de hecho fuese mala o, cuando más, convencional, por el contrario, si el director de otra película no era considerado autor, sus películas difícilmente adquirirían demasiado renombre pues no habían sido hechas por un autor. El problema en la crítica del autor se caracterizaba por la sobrevaloración de los rasgos formales o estilísticos sobre los temáticos o de contenido en las producciones de los estudios de Hollywood. La formulación del estructuralismo de autor intentó aportar un enfoque que rastreara un filme hasta sus orígenes, la estructura dentro de la obra. El enfoque de una teoría del autor se centra en rastrear la práctica profesional cotidiana y el hacer crítico la posición del director de cine como personaje clave en la producción de una película. El cine se sigue presentando como un fenómeno que busca descubrir la huella de un director y definir los rasgos de cada película que se presentan como más característicos de cada persona implicada en su producción e intenta elevar el cine a la categoría de arte.

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<Fragmento del libro "Del amor y otros demonios">

Gabriel José de la Concordia García Márquez, nacido el 6 de marzo de 1927 en Colombia. Fue un escritor y periodista, reconocido por sus novelas y cuentos. También escribió narrativas de no ficción, discursos, reportajes, criticas cinematográficas y memorias. Falleció el 17 de abril de 2014 en México.

Entre todos sus libros publicados, se pueden encontrar: "Cien años de soledad" (1967), "El amor en los tiempos del cólera" (1985), "Crónica de una muerte anunciada" (1981), "La hojarasca" (1955), "Del amor y otros demonios" (1994), entre otros.

[favoritou]

INFILTRADO NA KLAN / BlacKkKlansman

E vamos de FILMAÇO...

Infiltrado na Klan é baseado na autobiografia do policial norte-americano Ron Stallworth, primeiro policial negro do Colorado Springs que se une a um colega judeu para se infiltrar na Ku Klux Klan, um grupo de supremacistas brancos.

O filme dirigido por Spike Lee tem aprovação de 95% no Rotten Tomatoes.

O filme é brilhante, forte, atual e necessário.

A maneira como a história é abordada, com leves toques de humor em um tema tão pesado, dá um estilo próprio que consegue prender o telespectador.

O tema é revoltante, tenebroso, odioso, mas Spike Lee imprime o seu característico bom humor, com criticas ácidas e utilizando do movimento cinematográfico conhecido como "Blaxploitation", onde os filmes são protagonizados e realizados por atores e diretores negros. Apesar do humor trazer uma certa leveza ao filme em alguns momentos, ele não nos faz esquecer da luta que o filme carrega e o quanto o racismo está enraizado na nossa sociedade ainda nos tempos atuais, o que é lamentável. O filme é um verdadeiro manifesto cultural.

O filme foi indicado a 6 (seis) Oscars em 2019, entre elas a de Melhor Filme e Melhor Direção, levando a estatueta de Melhor Roteiro Adaptado.

O longa, que está no catálogo da Netflix, faz duras críticas ao racismo e nos mostra o quanto o tema é atual e urgente, principalmente, em decorrência do movimento Black Lives Matter (Vidas Negras Importam ou Vidas Negras Contam), que campanha contra a violência direcionada às pessoas negras, o que confirma que enquanto sociedade ainda não evoluímos nas questões sociais, políticas e econômicas que ainda oprimem os negros.

O filme é perfeitamente ambientado na década de 70, a fotografia, o figurino estão impecáveis!!A trilha sonora é incrível, com R&B, Jazz e Soul.

O filme é realmente bonito, em vários aspectos.

O elenco é maravilhoso, contando com John David Washington, Adam Drive, Thoper Grace, Ryan Eggold, Jasper Pääkkönen, Alec Baldwin, Damaris Lewis, Paul Walter Hauser, Michael Buscemi, Ken Garito, Harry Belafonte, Robert John Burke, dentre outros.

O protagonista é interpretado por John David Washington, que ao meu ver merece todos os elogios, ele está brilhante, o que lhe rendeu indicações ao Globo de Ouro, Screen Actors Guild Award, entre outros. Baita atorzão!! QUE HOMEM, SENHORES. QUE HOMEM!

Quem também traz uma bela atuação é Adam Drive, nosso Kylo Ren, que inclusive foi indicado a Melhor ator coadjuvante.

A interação entre a dupla é um dos pontos fortes do filme. Eles estão incríveis!

Quem também está no filme é Laura Harrier, que interpreta Liz em Homem-Aranha, diferente de sua participação no filme da Marvel, aqui em Infiltrado na Klan, ela rouba a cena interpretando a ativista Patrice Dumas, que faz parte dos Panteras Negras (Black Panther). Sua personagem é pura força!

Infiltrado na Klan é um filme excelente, que trará reflexões de temas que são necessários, ele te mostra de maneira bem didática temas como racismo institucional, antissemitismo, machismos, dentre outras formas de preconceito, que não deveriam jamais serem reproduzidas, mas que infelizmente até hoje presenciamos.

É duro, forte, ousado, inovador. Esse filme é arte!

A intenção é colocar o dedo na ferida e mostrar como a sociedade fica completamente à margem dos problemas sociais, até que doa na própria pele.

Spike Lee quando questionado sobre qual é a grande mensagem de Infiltrado na Klan: "Ainda estamos lutando a mesma luta", pontuou.

Curiosidades:

· Um dos produtores de “Infiltrado na Klan” é Jordan Peele, diretor do aclamado filme de terror “Corra!”.

· O filme de Spike Lee conseguiu um feito raríssimo na indústria cinematográfica: nenhuma cena filmada foi deletada.

· A verdadeira identidade do parceiro de Stallworth é desconhecida. Por ter interagido pessoalmente com a KKK, ele nunca foi a público com sua história. A decisão de Spike Lee de torná-lo judeu foi para fins dramáticos.

· O verdadeiro Ron Stallworth queria que Denzel Washington o interpretasse no filme. Engraçado que quem acabou ficando com o papel foi John David, que é filho de Denzel Washigton.

“Todo o poder para todo o povo!”