#cine contemporáneo

[ninfamusa]

Lista con las 33 películas rodadas en blanco y negro que tienes que ver al menos una vez en la vida. No te las pierdas.

[inwwopodcasting]

An estranged brother and sister reunite at their father's funeral and make a spur of the moment decision to fulfill their childhood dream of driving across Mexico on their old motorbikes. Un hermano y una hermana distanciados se reencuentran en el funeral de su padre y toman la decisión impulsiva de cumplir su sueño de la infancia de atravesar México en sus viejas ¡No te pierdas nuestro próximo episodio de los inwwo´s nuestra serie web! Suscríbete a nuestro podcast de cine y disfruta de las recomendaciones que te damos, para que no gastes tu dinero y tiempo en mal cine. Don't miss our next episode of inwwo's our web series! Subscribe to our movie podcast and enjoy the recommendations we give you, so you don't waste your money and time on bad movies.

[4tsukiiim1rai]

Las hermanas Dimitrescu (RL) si hicieran ballet

El otro día vi el fanart de Bela como el cascanueces de Barbie y me quedo la idea en la cabeza.

Bela

Primera bailarina vibes.

Puede hacer cualquier variación que le pongan.

ROTACIÓN PERFECTA.

Muy buena memoria (a la hora de los nombres de los pasos y también para las combinaciones).

Su técnica es casi perfecta.

Es muy dedicada y se esfuerza mucho para seguir mejorando.

Se tiene que comprar puntas extra extra duras porque si no se le vencen enseguida.

Consiguió primer lugar en un YAGP haciendo la variación de Bluebird/Princess Florine.

32 FOUETTÉS QUEEN.

Su arabesque es hermoso.

Ama hacer diagonales.

Fortalezas: Giros, extensiones y elegancia.

Paso fav: Pirouettes, tanto en dehors como en dedans.

Paso que menos le gusta: Adagio a la second... en centro... GIRANDO💀💀

Papeles en los que veo:

Kitri de Don Quijote

Aurora de la Bella durmiente/Sleeping Beauty

Swanilda de Coppelia.

Y (Obviamente) Odette del Lago de los Cisnes/Swan Lake.

Cassandra

PANTOMIMA A FULL.

Muy buena técnica.

Su temps du fleche es perfecto.

Se le da muy bien los papeles con mucha actuación dramática.

Tremendos brazos=Tremendas Pirouettes.

Siento que le dan muchos papeles de villanos.

O protagónicos en ballets románticos.

Historia de Instagram con un café mientras elonga...

"No puedo quiero, tengo ensayo"

Hicieron una función donde ella era Odile y Bela Odette (y Dani el arlequín).

OK PERO IMAGINENSE A CASSANDRA HACIENDO LA MAD SCENE DE GISELLE.

Saltos queen.

Siento que ama los giros tipo pique en tournant cualquiera en el que se desplace.

Le salen bien los pas de deux con cargadas.

Se sabe las variaciones y las historias de mucho MUCHOS ballets.

Le queda bien las danzas árabes (especialmente la del cascanueces) y las españolas.

Ganó primer lugar en YAGP con la danza española del Lago de los Cines.

Sus expresiones>>>>

No lo va a admitir nunca, pero más de una vez termino llorando porque no le salía un paso.

Le salen muy bien los grand jete tournant EN CIRCULO.

Cualquier giro en circulo.

Fortalezas: Saltos, pantomima y giros.

Paso fav: Temps du fleche y fouetté italiano.

Paso que menos le gusta: Cabriole🤗EN ARRIÈRE💀

Papeles en los que la veo:

(Totalmente) Odile en El Lago de los Cisnes/Swan Lake.

Giselle (más que nada por la actuación que conlleva el papel)

CARMEN😻😻(El verdadero lesbian panic seria Cassandra haciendo de Carmen)

Julieta en Romeo y Julieta (Esta tenia que estar si o si)

Daniela

Su fuerza le ayuda mucho al sostener.

Prefiere otros estilos como el jazz, hip hop o el contemporáneo, pero Alcina la metió a clases de clásico desde chica así que tiene muy buena técnica.

Cuando no hay chicos para cargadas la ponen a ella.

Tiene algo de técnica masculina (más que nada de partner).

Le salen esos saltos raros que hacen los chicos.

Fuerza de centro queen.(Yo también quiero)

Gano segundo puesto en YAGP bailando Esmeralda.

A ella si le salen bien los adagios a la second GIRANDO😦���.

Salta super alto.

Le gustan los ballets cómicos.

Odia(mos) los fondus.

Se suele confundir los brazos con los brazos de jazz.

No le gustan los giros(aunque le sale bien).

ODIA los saltos en punta.

Ella puede sostener mejor que sus hermanas.

Le cuesta la rotación.

Le cuesta hacerse el rodete porque tiene el pelo corto.

A lo contrario de Cassandra no le afecta mucho que no le salga un paso.

"Prueba y error"

Dani también tuvo su era Rey Rata en el Cascanueces😔😔

Fortalezas: Fuerza de centro, sostener y saltos.

Paso fav: Grand jete tournant.

Paso que menos le gusta: Fouettés.

Papeles en los que la veo:

Trencitas/Pig tailed girl en Baile de Graduados/Graduation Ball(Same vibes).

Harlequinade.

La muñeca conejo en The Fairy Doll.

Y COPPELIA💀💀

[mariiangelams]

Enredados en el Compás: Un Dúo Cinematográfico entre Whiplash y Black Swan

¡Bienvenidos a FlicksNBeats! Aquí exploramos el emocionante universo del cine y la música a través de reseñas y recomendaciones apasionadas. Desde clásicos atemporales hasta las últimas novedades, te invita a celebrar la diversidad y compartir las joyas que hacen vibrar nuestros sentidos. ¡Descubre y comparte el arte que nos inspira en cada publicación!

Me sumergiré en un fascinante análisis de los notables paralelismos que se pueden identificar entre dos películas aclamadas: "Whiplash" y "Black Swan". Estas obras cinematográficas han cautivado a audiencias de todo el mundo, y aunque pertenecen a géneros diferentes, comparten sorprendentes similitudes en términos de narrativa, personajes y exploración de temas universales.

Whiplash, dirigida por Damien Chazelle, y Black Swan, dirigida por Darren Aronofsky, han dejado una marca duradera en el cine contemporáneo. Ambas películas abordan el mundo de la obsesión y la búsqueda de la perfección en el ámbito artístico, utilizando la música y la danza como medios para explorar la mente humana.

En la primera escena de las dos películas vemos a los protagonistas inmersos en sus respectivas disciplinas, Andrew Naman tocando la batería y Nina Sayers soñando con bailar el Cisne Blanco. Ambas películas nos llevan detrás de escena, de un mundo que la mayoría de la gente nunca llega a ver, ambas tenían un presupuesto relativamente bajo, se apoyaban en gran medida de sus guiones y condujeron a premios Oscar por grandes actuaciones.

Pero más importante ambas películas cuentan la historia de un artista en busca de la grandesa, quien debe primero soporta el sufrimiento y el sacrificio, pero como cuentan la historia hay muchas variaciones entre ellos, baterista de jazz y bailarina, estilo de expectativas de género, que dan a cada película una personalidad única, para examinar los elementos para contar la historia del artista obsesionado

Como ya comente estas películas tratan sobre la perfección en una profesión que muy probablemente lleve a la obsesión y luego a la autodestrucción. También en las dos películas existe un personaje que es el mentor cuyo objetivo además de ser odiado por el espectador es extraer el potencial del protagonista hasta sus últimas consecuencias.

Los dos protagonistas se mueven por el deseo y por el miedo, y cuando se atreven y lo dan todo, fallan, cuando todo parece perdido, algo los impulsa para vencerse, y se olvidan de todas las barreras mentales y se dejan poseer eso que aman.

Aunque el precio del triunfo es alto en ambas historias, la travesía de los protagonistas nos inspira al recordarnos que, a veces, para alcanzar la grandeza, debemos enfrentar la obsesión y superar nuestros propios miedos.

En FlicksNBeats, celebramos la diversidad de historias que exploran el arte que nos inspira. Únete a nosotros para descubrir y compartir las joyas que hacen vibrar nuestros sentidos, porque en cada película y cada nota musical, hay una historia apasionante esperando ser contada y compartida. ¡Te espero en un nuevo blog!

[elrincondelcinefilo]

ℕ𝕠𝕥𝕚𝕔𝕚𝕒𝕤

Naomi Scott se ha convertido en una de las figuras más destacadas del cine contemporáneo, especialmente tras su reciente papel protagónico en “Smile 2″.

Naomi Scott es una actriz londinense muy conocida. Actualmente tiene 31 años y es artista en constante crecimiento. Desde muy joven ha protagonizado una buena cantidad de proyectos, tanto en su país natal como en Hollywood, así que para nadie es una desconocida. Además, es productora y cantante.

En junio de 2014 y tras cuatro años de un romántico noviazgo, la actriz Naomi Scott se casó con el futbolista inglés Jordan Space, a quien conoció cuando tenía solo 16 años en la iglesia. Y es que ambos son cristianos y su fe les ayudó a formar algo que se mantiene tan vivo hasta la actualidad.

[xarliclub]

NicoleKidman protagoniza #babygirl

Se convertirá en el nuevo #50SombrasDeGrey Guarden este post.

xarliclub #movie #movies #cine #cinema #film #films #peli #pelis #pelicula #peliculas #tv #cinemastodon #filmsky 🎬

[claudioiglesias]

Una enfermedad que todos puedan ver

Una pareja joven cuya relación está basada en la envidia: él es artista profesional y se está haciendo famoso; ella trabaja en una cafetería y también le gustaría ser famosa, no menos famosa que él. O que nadie le preste menos atención. Sick of Myself (2022) de Kristoffer Borgli, con Kristine Kujath Thorp en el rol principal, cosechó mérito en los blogs de cine como una comedia negra concentrada en el narcisismo y los devaneos de la clase creativa. Los problemas de la protagonista (Signe) tienen que ver con la atención que recibe su novio (Thomas), y que la llevan a provocarse una enfermedad en la piel (tomando una droga con ese propósito). Pero lo divertido es que esta es una comedia sobre arte. Ser artista es una especie de enfermedad divertida, que puede llevar a una persona a dañar su cuerpo, vestirse con onda, escribir una autobiografía, modelar, ser un caso resonante en las redes, fantasear todo el tiempo con situaciones improbables y luego darlas por garantizado, inventarse alergias y mentir de forma poco coordinada, boicotear situaciones, vengarse en secreto de lo que le da bronca, etc. Eso es una película comercial sobre artistas al día de hoy. Pienso en esas biografías de pintores que llegaban al cine solo como parodias del pictorialismo, o en los golpes de glamour artificial... como cuando aparecen “artistas” comercialmente exitosxs en series de tv más vainilleras de los 2000. En este caso, no hay nada de eso, ser artista conlleva una liviandad difícil de sondear y potencialmente autodestructiva, pero sin estridencia. Oslo, donde todo transcurre, es una postal de ensueño. Las citas (a Orlan, Audrey Hepburn, Amalia Ulman) van pasando con gracia, como los looks de Signe. El despliegue profesional de su novio también hace de fondo.

El conflicto empieza cuando a Thomas le viene una especie de despegue artístico-comercial a la escandinava, con muchas entrevistas en la tv y notas de tapa en las revistas. En ese momento Signe decide pasar a la acción y enfermarse. Consigue las pastillas prohibidas y una especie de impetigo aparece en su piel, mucho más colorido que las obras con sillas que hace su novio.

Es rara la paridad entre las dos formas, igual. Las imágenes de un joven rubio con una remera lisa canchereando con su muestra individual recuerdan a muchos artistas blancos del planeta y su arte super aburrido, sí. Pero la contramedida que toma Signe es una especie de incremento de la enfermedad y la moda. Más looks y deformidad, cuanto más atención le presten a él. Pronto está toda envuelta en vendas, fumando en la terraza de un hospital.

La relación sin embargo es pacífica, porque su función es eminentemente estructural: Signe y Thomas están juntos solo para que veamos una idea del arte al lado de la otra y pensemos. Como pareja, aunque vivan haciéndose trampas, nunca están mal, nunca tienen una crisis. Son la pareja perfecta en el sentido de que están en una paridad absoluta. Cada escena del comienzo, cuando a él empieza a irle bien y ella trata de ningunearlo, tiene su contraparte al final. Esta estructura compensatoria contrasta con los pestañeos entre realidad y fantasía en la mente de Signe.

No sé si la conclusión es que “el narcisismo contemporáneo” es una enfermedad. Sería una conclusión conservadora, moralista. Mejor preguntémonos cuál narcisismo. La enfermedad de Signe compensa el arte insípido y oficial, pero no menos egoísta y autocentrado, de su novio, el artista - hombre - europeo de remera lisa y discurso cool. La diferencia es que Signe pone su propio yo en juego (su cuerpo, su psicología, y también el caos). La respuesta frente al arte oficial es lastimarse y romper cosas. En esta compensación crítica, tiene lugar lo que lxs espectadores identificamos como novedad estética. El vestuario de Signe es un lookbook de la vanguardia, mientras la obra de su novio apenas si recuerda de rebote la imagen de algo que viste en cualquier feria hace mucho. 

Para terminar: es lindo pensar que la película misma se identifica con Signe (una película y una silla son objetos contrarios también). Por ejemplo, el guión está cargado de dardos envidiosos al mundo del cine escandinavo, en especial esas nuevas comedias negras. Una de las preguntas que suelta Signe cuando su novio habla de su próxima muestra (“Damage”), es por qué los artistas noruegas hacen muestras en Noruega con títulos en inglés. La pregunta aplica a los rivales del director en su propia patria, y un poco a sí mismo. Pero en fin, estas comedias negras escandinavas tampoco dan con la clave. La clave es la diversión. Y la diversión más importante es llamar la atención.

[tuttiflower]

eNFeRMA De MÍ

Dir. Kristoffer Borgli

Noruega, 2022.

A mucha gente le gusta llamar la atención a través de sus enfermedades, sobre todo a las personas hipocondriacas, pero nunca había visto nada igual a esto…

Esta semana, por fin, se me hizo ver la película #EnfermaDeMí de los productores de #LaPeorPersonaDelMundo y del director noruego Kristoffer Borgli, estrenada en el #FestivalDeCannes, en la sección Una Cierta Mirada, y también está presente en la más reciente Muestra Internacional de Cine.

A esta película se le califica como “una narcisista comedia anti-romántica”, y efectivamente muestra el narcisismo en su máxima expresión y cómo los narcisistas de hoy buscan la fama a toda costa, como es el caso de su pareja protagónica, cuyos integrantes ejemplifican a muchos jóvenes de la sociedad actual.

“Enferma de mí” es una película cómica, pero a la vez dramática, por lo que también se define como una comedia negra. Es una sátira alocada y moderna, cargada de humor negro, donde su protagonista, Signe (Kristine Kujath Thorp), tiene un novio artista llamado Thomas (Eirik Saether), con quien tiene una relación competitiva. Cuando éste sobresale como artista contemporáneo y presume su aparición en una revista, ella decide hacer algo al respecto, para no quedarse atrás y brillar en sociedad.

Desde el principio de la película, Signe habla del narcisismo y ella busca llamar la atención de los demás y lo hace “sin querer”salvando a una persona que es mordida por un perro; después, con su alergia a las nueces, y, finalmente, con una misteriosa enfermedad que la hace famosa.

Espero no spoilear, pero me parece destacable él momento cuando la pareja protagónica tiene relaciones y Signe se emociona de que Thomas la cuide y de que ambos hablen de su funeral.

También llama a atención, como con la máscara que usa Signe, su enfermedad es visible, cuando hay muchas enfermedades que no se ven, por lo tanto, ella aprovecha esto para que la vean y asi se vuelve famosa, viral, una sensación y una inspiración.

Llega a ser muy admirada pues, a pesar de su enfermedad, ella es muy guapa; incluso se convierte en modelo de ropa sin género, en una agencia muy incluyente, lo cual es muy actual.

Otro momento romántico es cuando Thomas, en vez de compadecerse de Signe por su enfermedad, le aplaude su valentía, con lo que ella se emociona cual pavo real.

Todo este glamour contrasta con síntomas de su enfermedad como el vómito o cuando hace gárgaras con champán.

Al final, la película sorprende con giros inesperados y de tanta acción dramática in-crescendo, vuelve la paz y la tranquilidad a la vida de Signe, dentro de esta caótica película que vale la pena ver. Al parecer está en tendencia, y, para mí, puede convertirse en un film de culto.

Lo recomiendo ampliamente. Aún sigue en cartelera, pero parece que no por mucho tiempo. ¡Corran a verla!

[in--other--words]

Vocab List: El Arte // Art // L'Art

Week 3, day 3 of prepolyglot’s langblr reactivation challenge

Adding a read more b/c this list got longer than I expected! Have included Spanish, English and French.

Estilos // Styles // Styles

barroco // baroque // baroque

cubista // cubist // cubiste

urbano // urban // urbain

impresionismo // impressionism // impressionnisme

futurismo // futurism // futurisme

cubismo // cubism // cubisme

Adjectivos // Adjectives // Adjectifs

innovador // innovative // innovant

retador // challenging // provocant

rebelde // rebel // rebelle

creativo // creative // créatif

original // original // original

subjetivo // subjective // subjectif

inquietante // unsettling // inquiétant

provocador // provocative // provocant

espontáneo // spontaneous // spontané

ágil // agile // agile

contemporáneo // contemporary // contemporain

accesible // accessible // accessible

público // public // public

elitista // elitist // élitiste

anticapitalista // anti-capitalist // anti-capitaliste

Tipos // Types // Types

el cine // cinema // le cinéma

un poema // a poem // un poème

el teatro // theater // le théâtre

el baile // dance // la danse

la música // music // la musique

el grafiti // graffiti // le graffiti

un mural // a mural // une murale

un cuadro // a painting // un tableau

Verbos // Verbs // Verbes

crear // create // créer

publicar // publish // publier

exponer // exhibit // exposer

democratizar la cultura // democratize culture // démocratiser la culture

hacer reflexionar // make (people/someone) reflect // faire reflechir

tener un objetivo // have a goal // avoir un objectif

generar emociones // generate emotions // générer des émotions

provocar conversación // cause conversation // provoquer une conversation

transmitir un mensaje // transmit a message // transmettre un message

contribuir // contribute // contribuer

Misc

una subasta // an auction // une vente aux enchères

un autorretrato // a self-portrait // un autoportrait

es un símbolo de estatus // it's a status symbol // c'est un symbole de statut

cualquier persona puede crearlo // anyone can create it // tout le monde peut le créer

se manifiesta de muchas formas // It manifests in many ways // il se manifeste de plusieurs façons

es una forma de expresión // it's a form of expression // c'est un moyen d'expression

es una nueva versión de la obra que está inspirada en la original // it's a new version of the artwork which is inspired by the original // il s'agit d'une nouvelle version de l'œuvre inspirée par l'original

pérdida de color u otras imperfecciones // loss of colour or other imperfections // perte de couleur ou d'autres imperfections

devolver la obra a su estado original // return the work to its original state // retourner l'œuvre à son état original

[delyrarte-blog]

Benito Cabañas, un diseñador con mensaje social.

Benito Cabañas es un talentoso y destacado diseñador gráfico mexicano, dueño de una estética innovadora que busca transmitir un mensaje social universal.

Benito Cabañas nace el 15 de Noviembre del año 1974 en la ciudad de Veracruz, México, egresó de la Universidad de las Américas en la ciudad de Puebla con el título de Diseñador Gráfico. Trabajó en España y París durante los años 1999 al 2001, actualmente es consultor gráfico de la Unesco en París y director de su estudio Abracadabra En su trabajo como diseñador gráfico, especialista y amante de carteles, utiliza técnicas como fotografía, fotomontaje, ilustración vectorial; dentro de su trabajo es destacable el humor, los sarcasmo, la vida cotidiana y sobre todo un gran mensaje social, político y cultural. Él busca en cada cartel la reacción del público, son carteles que llevan a la reflexión. Maneja un lenguaje coloquial, urbano, fácil de comprender. Para Benito la comprensión y llegada del mensaje es su mayor reto. Buscando afiches y carteles de Benito para presentar en este post, los colores y dibujos que él crea me hicieron recordar al diseñador francés Alain Le Quernec, quien tiene una impronta en el mensaje y estilo parecida. Junto con Abracadabra y la Unesco de París realizaron unos sellos postales con el mensaje: Unidos contra el racismo y la discriminación, para la conmemoración del Día Internacional de la Eliminación de la Discriminación Racial en 2021. En su trabajo queda implícita la sensibilidad, el carácter social e importancia del mensaje que expone Cabañas en cada diseño

Es muy interesante cómo Cabañas llega al diseño de carteles, así lo cuenta: "Yo estudié diseño gráfico a partir de que me gustaba el diseño de los carteles y me gustaba porque era yo, veía como un soporte muy viable, un soporte de comunicación muy potente en su momento y en su época. Eso fue lo que hizo que me inclinara a estudiar diseño gráfico hacia 1992 más o menos."

Entrevistas

El Podcast Potencializa: en esta charla Benito habla sobre cómo llega a diseñar carteles y diseñadores.  Entrevista realizada por: Sebastián Narvaez, en Grafitat. Grafitat es una propuesta que busca potenciar la creatividad dentro del campo del diseño, en el país y Latinoamérica, de modo que continuamente organizan diferentes charlas, conferencias y talleres, dando cabida al intercambio de experiencias entre  diseñadores, ilustradores, animadores, catedráticos, artistas, comunicadores, publicistas y creativos, con el fin de promover su potencial. Quisiera que nos cuentes para la gente que nos lee ¿quién es Benito Cabañas? Benito Cabañas es un diseñador gráfico de profesión, aunque cotidianamente se involucra en otras áreas  vinculadas totalmente al sentido y al concepto de diseño y de la comunicación en general, también ha incursionado por inquietudes propias, una de esas es el arte contemporáneo vinculado siempre a la sociedad, haciendo este tipo de trabajo sobre todo en México, que es el país donde radica. ¿Desde cuándo te diste cuenta que querías ser diseñador gráfico, hubo algo en tu vida que te impulsó a ir por ese lado? Bueno, verás, a mí me llamaba mucho la atención el diseño de los posters, de los afiches, antes, claro, la carrera era lo que me llamaba la atención, me gustaba la posibilidad de poder  transmitir un mensaje a través de una imagen y en ese tiempo, más o menos hace 15 años, una imagen que  iba a estar expuesta hacia la calle que era su entorno, decidí entonces buscar cuáles eran las carreras vinculadas y era justamente diseño gráfico. ¿Te acuerdas de algún afiche en especial que te haya llamado la atención? No, pero en ese entonces habían concursos que eran muy promovidos sobre los foros  internacionales de cine que convocaba la Cinemateca Nacional a nivel nacional, que se lanzaba en spots de televisión y radio y ahí me llamó la atención cómo se podía lograr, con una simpleza de imágenes, dar un mensaje, esto lo recuerdo muy bien, antes de saber que la carrera de diseño gráfico existía en forma. Hablando del cartel, es muy distinto ver un afiche publicitario que ver uno social político que tu realices, qué te parece que la gente realice afiches orientado solo a la parte publicitaria de esconder un mensaje para vender un producto ¿crees que esto está bien o te quedas con la idea del afiche social? Por la historia del país de donde vengo, el cartel siempre ha tenido esa tendencia  un poco más social o de protesta, de acuerdo a los orígenes, después se empezó a fortalecer el cartel cultural en el que se anunciaban festivales como actividades de diversas disciplina, incluida la promoción de las artes aplicadas o las bellas artes y con el paso del tiempo y el crecimiento  de la industria comercial en todos los sentidos se empezó a tomar los espacios que estaban destinados para este tipo de soporte, y de comunicación, eso va de la mano con la aparición de las nuevas tecnologías de los temas de impresión, que eso cada vez más rápido, sí tienes un afiche en menos de dos minutos, entonces empieza a existir una serie de circunstancias hacen que el cartel en cuanto a su esencia comience a desaparecer . Hoy es difícil que te encuentres con carteles como les conocíamos hace 10 años, que era muy común. Justo estaba conversando con diseñadores del país y sí, el país está lleno de publicidad, pero de diseño gráfico hay muy poco, es una pena que haya más gente vinculada a la parte comercial que al diseño gráfico en sí, entonces más o menos desde esa perspectiva como percibes la situación actual de Latinoamérica en el diseño gráfico, tomando en cuenta esta parte. El diseñador gráfico como tal se va a empezar a modificar y creo que la carrera está cambiando también  los programas, está más ligado a la publicidad, dando un perfil más empresarial al diseñador, metiendo conocimientos actuales para que el diseñador pueda tener una vida profesional más útil, hablando un poco en cuanto al concepto del aspecto gráfico, hay una tendencia muy fuerte a que haya un diseño de información, diseño  gastronómico, se va diversificando y se especializa en ciertas áreas concretas; si hacemos un breve análisis, desde hace unos dos o tres años por ejemplo, hace tres años, las páginas estaban diseñadas de cierta manera, funcionaban frente a la computadora y tenían una versión móvil, en la actualidad el mismo sistema de página se puede ver en un ordenador, en un móvil y en una Tablet. ¿Crees que si se envía el cartel a la parte digital sea diferente a tenerlo pegado en una pared, crees que se debería necesario continuar con estas tradiciones? El cartel digital como soporte, me parece que el cartel que sale a la calle sirve para entender el valor de la esencia estética comunicativa que puede comunicar como parte de una cultura, como forma de escaparate y que se vuelva una pieza monumental comunicativa que anuncia alguna actividad cultural, el cartel debería ser un elemento con valor más artístico que comunicativo. En México los afiches con serigrafía son escasos. ¿En cuanto a tu venida a Ecuador, sabemos que ya diste tu conferencia en Guayaquil, cómo ha sido tu experiencia compartiendo con los diseñadores gráficos de aquí? En Guayaquil la gente ha sido muy amable, en Quito me han recibido de igual manera, estaba también esta cuestión de los comentarios en torno a la carrera en general, me parece que en el país es todavía una carrera muy joven; algunos lo ven como problemática, pero en general yo lo veo como una gran oportunidad, porque a final de cuentas tiene que tener unas condiciones en la sociedad, y tener unas ciudades que no son corporativas te ayuda a que las empresas  familiares sigan fortaleciéndose, el hecho de insertar el diseño en el país sirve para seguir proyectando eso. Sin dejar que se monopolice todo. He estado viendo carteles, en la universidad ponían como ejemplo tus carteles por el tema político, el que lleva la comida digerida, el que te hace reflexionar, hace que puedas comprender la esencia de lo que está indicando sí podría el cartel modificar forma de expresión del mensaje mucho más directo que leer una noticia, crees que pueda cambiar el mundo o las mentes de algunas personas Un buen cartel genera una duda, el mal cartel te lleva la comida digerida, no tienes que reflexionar ni te llevas un mensaje, el cartel que te hace pensar hace que comprendas la esencia de lo que está expresando, sí podría modificar la información, la forma de expresar los mensajes, no tanto como cambiar el mundo. ¿Algún mensaje para la gente que hace diseño en el Ecuador? Tienen una riqueza tangible, traten de protegerla porque eso los hace únicos e irrepetibles en cualquier parte del mundo, la gran ventaja de construir mediante lo que tienen dentro de su país,  un mañana suyo y no global, ese sería mi mejor consejo.

"Procuro vivir con las condiciones que me tocaron vivir, procuro aprender algo cada día (tanto de las experiencias buenas pero sobre todo malas), sueño e imagino todo el día a fin de poder concretar proyectos y disfrutar de lo que tenemos en curso, es una dinámica libre, responsable y 100% disfrutable”

#Carteles #Diseño #Latinoamérica #Mexico #Benito_Cabañas #delyrarte Read the full article

[el-confidente]

Isabella

- Isabella (Matías Piñeiro, 2020)

25 noviembre, 2020 a las 1:06 pm

Piñeiro juega a ser un autor. Y no lo digo despectivamente, porque en el gesto libre y lúdico de ese juego encuentra sus mayores virtudes. El problema es que esas virtudes son, casi exclusivamente, destrezas y esas destrezas han terminado por convertirse en un sistema autorreferente y circular: una especie de uróboro formal y temático que -tal como en el caso de la serpiente que se muerde la cola- se alimenta de sí mismo y se vuelve peligrosamente autosuficiente.

En pocos años, la firma de Matías Piñeiro se ha convertido en una de las más reconocidas y -para regocijo del propio director- más reconocibles del cine argentino contemporáneo. Una marca de agua bastante opaca se encarga de revelar al cineasta que hay detrás (o peor, delante) de cada plano en sus películas. Lo que digo es, en pocas palabras, que Piñeiro atiende más al cuidado de su trayectoria autoral que a la construcción de sus películas como piezas autónomas y acabadas. Isabella es Viola una vez más (permítanme la reducción), pero sin su gracia y sin su anclaje geográfico. Sus personajes recorren, esta vez, algunos parajes de las sierras chicas cordobesas, sin integrarse a ellos de ninguna manera. Los Cocos es Los Cocos porque un par de carteles lo aclaran pero no se describe más que por un puñado de paisajes; un municipio sin identidad ni particularidades, sin ciudadanos ni comercios y -esto lo digo con cierta malicia- sin su aerosilla ni su mítico laberinto de arbustos.

Es claro: no hay vocación turística en la película, pero de ese rechazo al lugar común y al retrato superfluo de la ciudad no surge nada nuevo. El resultado es un compendio de lugares sin conexión entre sí y -a su vez- un compendio de escenas que solo están conectadas entre sí, como si una fuerza centrípeta dirigiera absolutamente toda la tensión y la atención hacia el centro de la obra. La película formula preguntas cuyas respuestas nos hacen pensar en la película, y así marcha, pisando siempre sobre sus propios pasos, seguros y firmes, pero sobre todo seguros.

Piñeiro encontró su fórmula y esa fórmula pronto será reaccionaria porque no parece levantar la vista de su poética personal, porque no dialoga con sus contemporáneos, jamás busca su antítesis y no pretende salir de esa zona de confort. Parece imaginar un interlocutor culto, inquieto y riguroso. Es casi como si hablara consigo mismo y he ahí gran parte de mi problema con sus películas. Me importan poco Shakespeare y la vida en el teatro o el teatro en la vida, si eso está ahí solo por interés de un director que no parece querer compartirlo o ponerlo en cuestión sino, más bien, enunciarlo.

¿Es esta su película más abstracta y experimental? Probablemente sí, pero no es esa su apuesta elemental y, sinceramente, no creo que un par de saltos en el tiempo consigan más que enrarecer tímidamente una obra que, desde su puesta en escena, es naturalista y bastante clásica. Es clásica incluso en sus experimentos, como la escena en que Mariel (María Villar, impecable en su interpretación) parece sentirse “invisibilizada” ante la presencia de Luciana (Agustina Muñoz) y entonces el director recurre a una desaparición a la vieja usanza que nos recuerda a Méliès, tal vez el primer gran experimental.

Me gustan todas las películas posibles en Isabella, que el director decide evadir. Mariel es una mujer embarazada, una actriz de teatro que no consigue trabajo y que se siente en competencia con otra mujer, aparentemente más resuelta y exitosa que ella. Mariel será, luego, madre soltera. Pero eso es todo lo que hablaremos del asunto, porque ese embarazo no es otra cosa que una versión aggiornada del conflicto en Medida por Medida, la obra de Shakespeare, y porque las pistas temáticas que el director oculta en su trama son solo símbolos, menciones y referencias. Un pañuelo verde, una invitación absurda y genérica a una “concentración” (que no es marcha, ni manifestación, ni protesta, ni movilización) y una presencia fantasmática y poco noble del género masculino. Se esboza un tema que no es tal, porque la película va sobre el dilema personal de Mariel, su ego, su autoestima y sus frustraciones. Todo lo demás existe ahí por y para ella y sus conflictos. Piñeiro abandona esta vez el clasicismo y rompe el arco de su protagonista, que parece estar -finalmente- perdida en el tiempo y el espacio, como la propia película. Ese es su mayor recurso estructural y su mayor acierto, porque esa simbiosis de la forma y el contenido permite entender una y otra cosa relacionalmente, el mayor diálogo que la película se permite y nos permite.

[rucoblog]

Estrada, entre el subejercicio intelectual y el argumento ausente

Oficio no le falta, pero el toque sí que lo perdió. Con “¡Que viva México!” (2023) Luis Estrada continúa -y ojalá cierre- la serie satírica que pretende vender como una profunda reflexión sociopolítica del México contemporáneo, aunque ahora al amparo de una libertad de expresión que no tuvo en anteriores entregas y que le da para llamar al presidente en turno por su nombre, usar su imagen e incluso para propalar falacias de la más variada laya en torno a su persona e investidura.

Cliché del cliché “¡Que viva México!” es asqueante y condescendiente con un discurso faláz que se ha vuelto popular si se quiere pasar por ‘crítico’ en medio de un océano de grises entre el negro y el blanco.

Sin embargo, la crítica no va por ese camino. Este libertino espectáculo de carpa es un suplicio paracinematográfico de 191 minutotes que no aguanta ni el más sacrificado cinéfilo. Ese es su mayor pecado.

Estrada se refleja cual Narciso en el espejo de sus viejas glorias con una infame híper-hipérbole facilona que más temprano que tarde comienza a dar esa pena ajena que precede al abandono, con recursos narrativos que buscan suplir la ausencia de un argumento sólido en un ejercicio que trasciende las leyes escritas de la sátira para dar rienda suelta a un odio gratuito e incomprensible que termina por contaminar su buena (pero también cansina) factura visual.

Con su octava película y el limitadísimo análisis sociopolítico que la sustenta en su línea argumental, si es que la hay, Estrada logra colocarse más cerca de "Ahí madre" (Rafael Baledón, 1970 -con todo y 'doña Naborita'-) que de Jorge Ibargüengoitia y sus joyas filmadas "Maten al León" (José Estrada, 1977) y "Dos crímenes" (Roberto Sneider, 1993), así como de su propia obra "Bandidos" (1991).

Pero nadie se llame a sorpresa, pues antes ya, el hijo del ‘Perro’ Estrada había comenzado el triste final de su vida útil como realizador y guionista al filmar "La dictadura perfecta" en 2014, engullido por la soberbia profesional de la que hace gala en esta entrega.

Flaco favor le hacen a Estrada sus actores cliché Damián Alcázar y Joaquín Cosío, así como Ana Martin, quienes bordan en los límites del paroxismo una parodia infumable de sí mismos, buscando salvar del abismo del olvido un documento en el que Estrada dispendia recursos a lo pendejo para no caer en el subejercicio de su raquítico saldo creativo.

Mención aparte merece la tortura auditiva que propina Estrada con el reiterado uso de un leit motiv mariachioide -como si fuera gracioso- con el “Jarabe Tapatío”, una variante región 4 de “In The hall of the mountain king” de Edvard Grieg en momentos que se antojan ‘reflexivos’ o la imprevista e inaudita aparición de una “Canción mixteca” previo a una escena llena de mierda en sentido literal, cuya utilización exige demandas de disculpas públicas.

“¡Que viva México!” es de un reduccionismo tan pero tan chafa y vulgar del que no vale la pena hablar más. Véanla en Netflix bajo su propio riesgo, o mejor aún, revaloren la trascendencia de “Los olvidados” (Luis Buñuel, 1950) y busquen “México, México, Ra,Ra,Ra” (Gustavo Alatriste, 1976) si quieren ver un verdadero cine de crítica social a la idiosincrasia mexicana que no precisa de sátira alguna, porque le sobra sensibilidad y talento, algo que Estrada llegó a tener y que ha perdido para siempre.

[karlaap23]

El principito 🤴

EL PRINCIPITO ES UNA NARRACIÓN CORTA DEL ESCRITOR FRANCÉS ANTOINE DE SAINT-EXUPERY,LA HISTORIA SE CENTRA EN UN PEQUEÑO PRÍNCIPE QUE REALIZA UNA TRAVESÍA POR EL UNIVERSO.EN ESTE VIAJE DESCUBRE LA EXTRAÑA FORMA EN QUE LOS ADULTOS VEN LA VIDA Y COMPRENDE EL VALOR DEL AMOR Y LA AMISTAD.👬🤜🤛

EL PRINCIPITO ES CONSIDERADO COMO UNO DE LOS MEJORES LIBROS DE TODOS LOS TIEMPOS Y COMO UN CLÁSICO CONTEMPORÁNEO DE LA LITERATURA UNIVERSAL,DEBIDO A SU ESTILO SENCILLO Y DIRECTO,SE LO HA CONSIDERADO UN LIBRO PARA NIÑOS. NO OBSTANTE,SU CARÁCTER RED SOBRE LA VIDA,LA SOCIEDAD Y EL AMOR,LO CONVIERTEN EN UNA NARRACIÓN DE INTERÉS PARA TODO EL PÚBLICO EN GENERAL.👥

FUE PUBLICADO EN ABRIL DE 1943 EN ESTADOS UNIDOS,PUESTO QUE,DEBIDO A LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL,LA OBRA NO PUDO SER IMPRESA EN FRANCIA. LIBRO HA SIDO TRADUCIDO A DECENAS DE LENGUAS Y ADAPTADO A DISTINTOS FORMATOS,COMO EL TEATRO,CINE,SERÍE ANIMADA,BALLET Y OPERA.

¡UN POCO DEL LIBRO EL PRINCIPITO!

EL PRINCIPITO NARRA LA HISTORIA DE UN PILOTO QUE MIENTRAS INTENTA REPARAR SU AVIÓN AVERIADO EN MEDIO DEL DESIERTO DEL SAHARA,SE TOPA CON UN PEQUEÑO PRÍNCIPE PROVENIENTE DEL ASTEROIDE (B 612) QUE LE PIDE INSISTENTEMENTE QUE LE DIBUJE UN CORDERO Y QUE NUNCA OLVIDA UNA PREGUNTA.

EL PILOTO EMPEZARÁ A DESCUBRIR LA FASCINANTE HISTORIA DEL PRINCIPITO,QUE COMIENZA EN SU ASTEROIDE,DONDE VIVÍA CON TRES VOLCANES Y SE ENTRETENÍA ARRANCANDO LAS MALAS HIERBAS Y VIENDO PUEATAS DE SOL.

UN DÍA,EN EL SUELO DEL ASTEROIDE,NACE UNA FLOR,EL PRINCIPITO LA CUIDA Y ATIENDE CON DEDICACIÓN,PERO LA FLOR ES DRAMÁTICA Y CAPRICHOSA,Y ESTO LE MOLESTA,ENTONCES,DECIDE ABANDONAR SU HOGAR Y EMPRENDER UN VIAJE POR EL UNIVERSO EN BUSCA DE UN AMIGO.

EN LA TRAVESÍA,QUE LLEVARÁ AL PRINCIPITO A VISITAR VARIOS ASTEROIDES HASTA LLEGAR A LA TIERRA,CONOCERÁ A UN VARIADO GRUPO DE EXCÉNTRICOS PERSONAJES QUE LO CONVENCEN DE LO EXTRAÑO QUE ES EL MUNDO DE LOS ADULTOS,TAN OCUPADOS SIEMPRE EN ASUNTOS SERIOS E IMPORTANTES,QUE SE OLVIDAN DE DISFRUTAR LA VIDA.

EN LA TIERRA,EL PRINCIPITO ESTARÁ EN CONTACTO CON ANIMALES,FLORES Y PERSONAS,SERÁ ALLÍ DONDE,ANTES DE ENCONTRAR AL PILOTO,CONOCERÁ AL ZORRO,QUIEN ÑE REVELARÁ LA IMPORTANCIA DE LA AMISTAD Y EL VALOR DEL AMOR QUE SIENTE HACÍA SU FLOR SERÁ LA NOSTALGIA POR ELLA Y LA DECEPCIÓN QUE LE CAIGO EL MUNDO DE LOS ADULTOS LO QUE LO MOTIVARA A REGRESAR A SU PLANETA

[videoartejujo]

Bitácora documentada

Algo que me gusta

En lo particular me gusta recurrir a una iluminación más natural, aunque esta puede ser en ocasiones una desventaja, igual depende mucho lo que quieras hacer en tu trabajo, es una decisión más personal.

Este pequeño documental me parece muy interesante como referencia ya que retomo a Lev Manovich cuando menciona "Con el tiempo el medio se convierte en el mensaje", considero que esto es importante pues ahora los nuevos medios nos dan más posibilidades de innovar, al igual que los contextos en los que vivimos nos dar la pasibilidad de experimentar y crear algo no nuevo, pero si una sustitución de lo que ya existía anteriormente.

Noche de Fuego es una referencia muy importante para mí, desde la narrativa que se va teniendo, al igual que dentro de lo que busco me parece importante en contexto u entorno en el que la narrativa se desarrolle, el cine de Arte en lo particular es muy meticuloso y las tomas y planos en cada escena me gustan, me gusta que lo visual se vaya volviendo parte de la historia.

Victoria Villasana es una de mis artistas favoritas desde que vi su trabajo se generó en mi un acercamiento más cercano con los textiles, pues se tejer y estoy aprendiendo a bordar, el hilo siento que es algo muy bonito y con lo cual se podría hacer un gran proyecto y pues dentro de esto también valoro mucho los textiles mexicanos como artesanía y esta artista en una referencia para el planteamiento de nuevas ideas.

El sonido es algo muy importante me gusta pensar es esta idea de que imagen y sonido se construyen de sí mismas al igual que el sonido es movimiento como en un video, el trabajo de Manuel Ponce me gusta pues esta música "clásica", es una particularidad que muy pocos conocen, como se habrán dado cuenta me gusta más que nada resaltar estas características más culturales y pasadas de México, como que en este momento esa es mi línea de interés que busco reflejar.

Planos de la Fotografía

Gran Plano General:Es un plano descriptivo donde se desarrolla la acción.

Plano general:Describe el lugar figura humana cobra mayor protagonismo.

Plano Americano: Corta el personaje por las rodillas

Plano Medio: Corta al sujeto por las rodillas.

Primer Plano: Corta al personaje por los hombros.

Picada: La acción es grabada o tomada desde arriba.

Contrapocada: La acción se graba desde abajo.

Cenital: La acción se graba o toma desde arriba .

Pola Weiss Álvarez, (1947-1990) México

El trabajo que hizo Pola en su tiempo fue muy interesante, pues fue una de las pioneras del videoarte en México, lo que me llamo más la atención fue que como principal recurso para su trabajo ocupa al cuerpo, en sus videos hace referencia a que el arte y el cuerpo son uno mismo, conformando una nueva visión del cuerpo femenino.

Bill Viola

El trabajo de este artista contemporáneo diría que interesante, pero a mí me parece extraño, pues su trabajo va un poco a sus experiencias o traumas de su infancia, me parece raro, pues en lo personal, a quien le gusta recordar sus traumas del pasado, específicamente de la infancia, pero al mismo tiempo es innovador trabajar con tu pasado, para plasmarlo en tu presente y contexto contemporáneo.

¿Que es la armonía cromática?

Los tonos verdes producen sensación de frescura y equilibrio, aunque combinados con amarillos resultan más estimulantes. El azul es el color más frío, sugiere calma, reposo, quietud. Combinado con verde se reduce su frialdad y austeridad, equilibrando y aportando frescura al espacio

EJEMPLOS:

La armonía cromática es muy importante dentro de una producción de video arte, para tener clara la paleta de colores que deseamos seguir dentro de nuestra producción y que se vea más profesional.

Pantone Ejemplos:

Alicia en el país de las Maravillas

El cadáver de la novia

Importancia del sonido e imagen dentro de la producción artística.

Es fundamental que exista cierta armonía entre ambos elementos para crear un buen proyecto audiovisual. Un sonido que no encaja, o que no está sincronizado con la imagen, hará que tu vídeo pierda calidad, eston dos elementos deben ser importantes para que ambos se puedan complementar y no exista un desfase en tu resultado final.

Dato:

En freesound.com puedes encontrar una gran variedad de sonidos para tu producción artística de manera gratuita

[elrincondelcinefilo]

ℂ𝕚𝕟𝕖 𝕖𝕟 𝕝𝕒 𝕤𝕠𝕞𝕓𝕣𝕒

Aprendió a duplicar monedas usando un truco de magia | Título de la película: "El niño que sería el rey" 2019

"The Kid Who Would Be King" es una cautivadora película de aventuras de fantasía que reimagina la leyenda del rey Arturo para una audiencia moderna. Esta emocionante historia de madurez sigue a Alex Elliott (Ashbourne Serkis), un escolar de 12 años acosado y aislado que descubre Excalibur, la mítica espada del rey Arturo, en un sitio de construcción. Cuando Alex se entera de que es el elegido, destinado a salvar a Gran Bretaña de las antiguas fuerzas del mal, se embarca en una búsqueda épica junto a sus leales amigos, Bedders (Dean Chaumoo) y Kaye (Tom Taylor).

Juntos, se enfrentan a la oscura hechicera Morgana (Rebecca Ferguson) y sus demoníacos secuaces en una batalla llena de acción del bien vs. Malvado. Con temas de coraje, amistad y autodescubrimiento, esta película mágica combina humor, corazón y efectos visuales impresionantes, convirtiéndola en un deber de ver para los fans de Harry Potter, Percy Jackson y The Goonies. El director Joe Cornish teje magistralmente la mitología arturiana en el Londres contemporáneo, elaborando una historia eterna de empoderamiento, liderazgo y la lucha entre la luz y la oscuridad.

Actualmente se puede ver en Disney Plus

/Cine no promocionado/

[technicallydecadentartisan]

El otro día vi Mundo extraño y me apetecía hablarte de ella un poco

Lo primero de todo, si no la has visto, te dejo la ficha:

Mundo extraño

Género:

Acción y aventura

"Mundo extraño", un largometraje de acción original de Walt Disney Animation Studios, se sumerge en un viaje a una tierra inexplorada y traicionera en la que unos seres fantásticos aguardan la llegada de los míticos Clade, una familia de exploradores cuyas diferencias amenazan con frustrar su última misión, la más crucial con diferencia. Bajo las órdenes de Don Hall y el codirector/guionista Qui Nguyen, y producida por Roy Conli.

Dirigida por Don Hall, Qui Nguyen

Producida por Roy Conli

Ahora sí, te dejo mi opinión y observaciones:

Es una largometraje que disfruté muchísimo en el cine. Se inspira en las novelas de Julio Verne y sigue esa línea de Viana (Moana). Así que hay aventuras, personajes intrépidos y un mensaje ecologista que da un toque de atención sobre nuestros hábitos (por lo menos un poquito).

Puedo comenzar porque se produce un pequeño cambio respecto a las últimas películas de Disney-Pixar: se produce un conflicto entre padre e hijo. Con lo cual la mala no es la madre y la figura paterna es un mueble que solo aparece para apoyar a su mujer —como puede pasar en Red de Pixar—. Por lo tanto estamos ante una película más similar a Goofy e Hijo, con la diferencia de que hay una madre que también tiene su papel activo.

Un conflicto intergeneracional nacida de las relaciones paterno-filiales. Es interesantísimo como se plantea por varios motivos:

el conflicto al rededor de no querer ser tu progenitor, no repetir sus errores, ser mejor que él. En especial en lo tocante a la paternidad;

las diferencias generacionales. El simple hecho de pertenecer/crecer a épocas colindantes, pero con sus propias particularidades y retos, hace que cambie la visión del mundo;

La importancia/necesidad de dejar un legado.

Además, de este conflicto entre los hombres, se muestra otro problema: el combustible se termina y con ello el modo de vida. Este no es un problema bastante conocido, más en los últimos meses. Esto es interesante cómo lo plantean. No te lo cuento, pero creo que está bien llevado.

En líneas generales juega con estos dos motivos principales para plantear un mundo feminista, respetuoso con el medio, amable con el prójimo Vamos una utopía con una misión propia para los protagonistas de Julio Verne, pero con las problemáticas del s. XX (en cuanto a la diversidad planteada de un modo inclusivo. No sé si me explico. Los problemas del ser humano son, en cierto modo, cíclico, lo que varía es cómo se plantea a los personajes y su contexto; esto corresponde con nuestra diversidad actual).

Esta película tiene una estética muy simpática por muchos motivos:

El título me recuerda muchísimo a el de Patoaventuras (supongo que tiene sentido, porque es un poco el mismo de historia de aventura.

2. El comienzo similar al de los clásicos Disney. Todes tenemos en mente esas películas que comienzan con un libro abriéndose, como Blancanieves y los siete enanitos, Cenicienta o La Bella Durmiente. Pues esta peli comienza con un cómic. Mola mucho. Le da un aire más contemporáneo (los otros tomos eran como de edición antigua preciosa y cara) y, por qué no, continúa con ese aire de aventura e infancia (por el tipo de relato que se plantea).

3. Disney presenta, por primera vez y en pantalla grande, a un personaje abiertamente gay como protagonista. ¡¡Y EL CONFLICTO NO GIRA ENTORNO A ESTO!! Se trata de manera natural, solo es relevante como una trama amorosa en segundo plano. (¿Puede ser que por esto haya tenido tan poca publicidad?).

Lo cierto es que es muy mono, no le han puesto una voz aguda y estridente y, sin más, ahí estaba *gay panic*. Muy monos.

4. Esto puede que no haya sido la intención de nadie, o sí, no lo sé. El caso es que el mundo fantástico que se presenta me recuerda, inevitablemente a los cuadros surrealistas:

(Sí, vale, es un ejemplo pésimo, pero la pelí solo está en cines. Si la has visto, quizá me des la razón o no. Puede que sea obsesión mía. Aunque no es descabellado, pues en los años 30-40 existía una gran influencia del movimiento francés en sus películas)

5. El diseño de los personajes es el típico de Disney de los últimos años. No sé, por ejemplo, el abuelo se parece mogollón a Monterrey (adjunto prueba). Y este ejercicio se puede hacer con cada personaje (¡Queremos rasgos diferentes!)

De este modo, se puede apreciar que esta película ha tomado como referentes tanto los elementos más clásicos de Disney (el libro del inicio), como sus personajes aventureros más característicos. Sin olvidar beber de tramas, historias y desarrollo de personajes tradiciones con ese toque novedoso. Claro que tampoco se olvida de la influencia de la literatura y la novela de aventuras.

Mundo extraño, para mí, es una película entretenida, divertida que me mantuvo pegade al asiento disfrutando como si fuese peque. Tiene guiños que se traen recuerdos, giros en los planteamientos de las premisas de las tramas, una visión más actual y una animación preciosa (eso sí, fotofóbicos, tened cuidad que hay luces brillantes y colores a tutiplén).

No es el peliculón del año, pero sí un largometraje que se goza.

¿La has visto? ¿Cuéntame?