#barwienie

[customizacja]

Zastaw barwników JACQUARD Acid Dye, którym możesz farbować wełnę, jedwab, pióra i inne włókna proteinowe oraz nylony. Najprawdopodobniej nie znajdziesz nic lepszego do tego typu rękodzieła! Dzięki temu zestawowi osiągniesz niezwykle atrakcyjne, błyszczące i trwałe kolory barwionych materiałów. JACQUARD Acid Dye to wysoce skoncentrowane barwniki proszkowe, które należy rozpuszczać w wodzie. Efekt barwienia możesz utrwalać przy pomocy octu lub kwasu cytrynowego (JACQARD Citric Acid znajduje się w tym zestawie). Barwniki w proszku zapewniają równy, jednolity kolor, który osiągniesz w sposób szybki, łatwy i przyjemny. Zestaw rekomendowany jest do barwienia zanurzeniowego. Barwione włókna nie puszczają koloru i nie blakną podczas prania. Spośród wszystkich znanych barwiących produktów na świecie, barwniki kwasowe są znane z wytwarzania najbardziej żywych i soczystych kolorów. Wszystkie kolory barwników JACQUARD Acid Dye możesz ze sobą mieszać, by osiągnąć kolejne odcienie i kombinacje. W tym zakresie masz nieograniczone możliwości. Wykorzystaj doskonały zestaw do barwienia i baw się personalizacją ubrań. POWIERZCHNIE - jedwab, wełna, kaszmir, alpaka, pierze, włókna proteinowe, nylony ... itp. #customizacjapl #customizacja #custom #customclothing #clothes #clothing #custommade #barwnik #barwniki #barwienie #barwnikdoubrań #rekodzielo #rękodzieło #recznierobione #ręcznierobione #reczniemalowane #ręczniemalowane #fashion #moda #fashionstyle #diy https://www.instagram.com/p/CoHFM0rMrxz/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[ewuuus]

Sztuka ma nogi – czyli czym jest japoński denim? 

W dzisiejszym świecie modowej masówki, warto czasem zwolnić tempo i skierować uwagę na detale, poszukując autentyczności i oryginalności. Dla tych, którzy kierują się wartościami ekologii i etyki w modzie, fascynującym obszarem do zgłębienia jest produkcja dżinsu o tradycyjnym i naturalnym rodowodzie. Surowy denim, zwłaszcza ten pochodzący z Japonii, budzi ogromne zainteresowanie, ponieważ z biegiem czasu nabiera niepowtarzalnego charakteru razem z użytkownikiem. Jest rezultatem pracy prawdziwych rzemieślników, niosąc za sobą bogatą historię. Źródło inspiracji, przykład klasyki, wpływowy kawałek materiału z krajką, którego nie powinno się prać, ale dlaczego to właśnie ten japoński denim określany jest jako “ten najlepszy”? 

Denim zazwyczaj kojarzony jest z USA i nie bez powodu – to właśnie tam został spopularyzowany. Wizerunek kowboja lub poszukiwacza złota w spodniach marki Levi’s jest niemalże zakorzeniony w naszych umysłach. Założyciele tej marki zasłużyli się, sprawiając, że ich dżinsy były niezwykle wytrzymałe dzięki metalowym sprzączkom, co skłoniło klasę robotniczą do gorącego przyjęcia tego produktu. Choć dżins stał się powszechnie znany dzięki Amerykanom, to to właśnie Japończycy doprowadzili denim do perfekcji w swojej formie. 

Jak to jest zrobione? 

Proces tworzenia japońskiego denimu to wymagająca praca rzemieślnika, której towarzyszy znaczny nakład finansowy i niezwykła precyzja. Jednak właśnie o to chodzi, prawda? Lubimy mieć pewność, że inwestujemy w produkt stworzony z dbałością, z minimalnym wpływem na środowisko i zgodnie z tradycją. 

W produkcji surowego denimu każdy etap odgrywa kluczową rolę w kształtowaniu finalnego produktu. Wszystko zaczyna się od starannie wyselekcjonowanej wysokojakościowej bawełny o długich włóknach, stanowiącej fundament trwałości denimu. Następnie surowa bawełna przechodzi proces czyszczenia, eliminujący wszelkie zanieczyszczenia i ujednolicający strukturę włókien. 

Co do charakterystycznego niebieskiego koloru dżinsów, pochodzi on pierwotnie od naturalnego barwnika indygo pozyskiwanego z rośliny indygofery, która oprócz zastosowań w produkcji denimu ma także właściwości lecznicze, zwłaszcza przeciwbakteryjne. W tradycyjnym japońskim denimie nadal stosuje się barwienie naturalnym indygo. Bawełna może być barwiona ręcznie na etapie rozdzielania włókien lub już na uprzednio uprzędzonych częściach garderoby, w zależności od zamierzonego efektu. 

Istotną kwestią jest także sposób, w jaki przędzie się japoński denim, ponieważ to właśnie charakterystyczna krajka pozwala nam często rozpoznać produkt wysokiej jakości. Krajka, znana również jako efekt "selvedge" (lub "selvage"), jest rezultatem specyficznego procesu tkania denimu. To zakończenie tkaniny charakteryzuje się widocznymi, często kontrastującymi kolorami nitek, które są integralną częścią struktury tkaniny. Proces ten zaczyna się na tradycyjnych krosnach wahadłowych, gdzie dodatkowe nitek są wplecione w brzegi tkaniny, zastępując standardowe brzegi cięte. Podczas zwijania tkaniny na wałki, te specjalne nitek na brzegach stają się bardziej widoczne, tworząc charakterystyczną krawędź z ozdobnymi nitkami, będącą swoistą wizytówką tradycyjnego, wysokiej jakości denimu. Krajka nie tylko dodaje estetyczny element do spodni, ale również świadczy o zastosowaniu tradycyjnych metod produkcji, takich jak tkanie na krosnach wahadłowych, co dodatkowo podkreśla rzemieślniczy charakter denimu. 

What the hype is all about? 

Popularność japońskiego denimu czerpie swoje źródło z różnorodnych kręgów kulturowych, a zainteresowanie nim jest wynikiem różnych czynników. Grupa hipsterów przyciągnięta została niezwykłym procesem starzenia się materiału. Ich codzienne doświadczenia odbijają się na dżinsach, które nie podlegają standardowemu fabrycznemu ścieraniu, charakterystycznemu dla amerykańskich dżinsów. Ślady noszenia, czy to od specyficznej zawartości kieszeni, czy też wynikające z indywidualnego sposobu siedzenia czy chodzenia, stają się formą wyrażenia siebie poprzez ubranie. 

W streetwearowej subkulturze popularność japońskiego denimu można tłumaczyć jego ograniczoną dostępnością, zwłaszcza w przypadku marki Evisu. Marka ta wyróżnia się nietuzinkowymi wzorami na spodniach, początkowo malowanymi przez twórcę marki. Te unikalne wzory nie tylko czynią je wyjątkowymi, ale także nadają charakterystyczny styl na ulicy. Dodatkowo, wzór na kieszeni może być doskonale dopasowany do nowych sneakersów, co jest prawdziwym skarbem dla entuzjastów streetwearu. 

Dla wielu osób decydującym czynnikiem w wyborze japońskiego denimu jest jego niezwykła klasyczność. Ciemny odcień indygo, reprezentujący zarówno elegancję, jak i swobodę stylu casual, przyciąga uwagę. Dodatkowo, niezaprzeczalna jakość denimu, będąca pierwowzorem japońskiej odzieży roboczej, nadal stanowi inspirację dla takich marek jak Comme des Garçons czy Yohji Yamamoto, a także dla projektantów, takich jak Nigo, czy obecnego dyrektora kreatywnego Louis Vuitton, Pharrella Williamsa. Japoński denim niejednokrotnie odnajduje się w korzeniach kultury Harajuku, stanowiąc ważny element w dziełach twórczych artystów i projektantów. 

Poszanowanie dla tradycji, środowiska i ekspresji 

Japoński surowy denim o wykończeniu "selvedge" to zdecydowanie coś, co zasługuje na uwagę. To nie tylko inspiracja do kreowania swojego wizerunku, ale także do tworzenia marki i produktów w sposób zrównoważony i przyjazny dla środowiska. Pomimo wysokich kosztów, zarówno dla twórcy, jak i nabywcy, inwestycja w odpowiednią parę japońskich dżinsów jest rzeczywiście warta rozważenia. Dbając o nie w odpowiedni sposób, prawdopodobnie nie będziecie potrzebować innych przez kolejne dekady. Ta idea doskonale wpisuje się w obecny trend budowania kapsułowej garderoby - uniwersalne, trwałe i ponadczasowe, dokładnie to, co oferuje japoński denim. 

Ewa Pijaj, Zarządzanie Kulturą i Mediami UJ

[aurora--sky]

10 potraw od RobinKLocksley, cz. 3 | Polskie Tłumaczenie

Tłumaczenie 10 potraw od RobinKLocksley, część 3

🏳️‍🌈 Pride Cake Pack:

Rainbow Sprinkle Cake - Tutaj mamy wielopoziomowe ciasto, wielu widziało wcześniej tęczowe ciasta, ale są one tworzone przez tworzenie poziomów z różnymi kolorowymi barwnikami spożywczymi dla każdego poziomu i łączenie ich razem z lukrem. To ciasto jest posypane tęczową posypką.

Trans Marble Cake - Wykonany również przez barwienie każdej warstwy innym kolorem, ten tort ma typowe niebieskie, białe i różowe kolory flagi trans. Chociaż ma posypkę na wierzchu, bok ma piękny marmurkowy efekt. To ciasto ma luksusowy malinowo-czekoladowy smak.

Non-Binary Galaxy Cake - Ten tort ma ostrzejszy wygląd, jest ciemny z błyszczącymi dekoracjami tortu dookoła, wygląda jak fioletowo-żółta galaktyka (aby reprezentować kolory flagi). Wewnątrz ma wielopoziomowy efekt opisany powyżej, tym razem z kolorami niebinarnej flagi, każda warstwa biszkoptu ma piękny korzenny smak (podobny do przyprawy dyniowej lub chai). Na zewnątrz ma efekt kropli z ciemnej czekolady.

Asexual Flower Cake - Piękny kwiatowy tort z delikatnie lawendowym kolorem na zewnątrz, zwieńczony jadalnymi kwiatami i jeżynami. Wewnątrz tort ma cztery poziomy, z których każdy reprezentuje kolor aseksualnej flagi. Jest aromatyzowany jeżyną, fiołkiem i innymi owocami. Kiedy jest podawany, jest dostarczany z porcją jagód i kwiatów.

🍮 Sticky Toffee Pudding - Lepki deser toffi, czasami nazywany sticky date pudding, to wilgotny biszkopt parzony z daktylami i polany sosem toffi. Zwykle podaje się go na gorąco, a niektórzy lubią dodawać do deseru lody lub krem.

🧇 Blueberry Waffles - Gofry z jagodami to odmiana klasycznych gofrów, danie w stylu słodkiego deseru wykonane z ciasta na zakwasie i często zwieńczone różnymi rzeczami. W tym przypadku są one zwieńczone jagodami. Do ciasta można dodać też inne rzeczy, w tym przypadku jagody.

🥕 Gajar Ka Halwa - Gajar Ka Halwa (zwany także gajar halwa lub halwa z marchwi) to indyjski słodki deser z rozdrobnionej marchwi zmieszanej z cukrem i mlekiem lub skondensowanym mlekiem, wodą różaną, kardamonem i szafranem. Deser jest gotowany w garnku, aż marchew będzie dobrze upieczona i posypana prażonymi orzechami.

🍋 Lemon Mousse - Mus cytrynowy to słodka letnia przekąska o smaku cytryny wypełniona lekkimi bąbelkami powietrza, które nadają mu lekką i przewiewną konsystencję, jest orzeźwiająca, idealna na czerwcowe upały. Ten mus składa się z przecieru cytrynowego, ubitej śmietany i cukru, aby nadać mu lekko musującą konsystencję.

🎂 Red Velvet Cake - Tort Red Velvet to ciasto w kolorze czerwonej czekolady lub czasami wanilii, zwykle (także tutaj) pokryty białym lukrem (czasami lukier jest aromatyzowany). Ciasto zwykle składa się z dwóch lub trzech warstw. Kolor ciasta można uzyskać za pomocą buraka lub czerwonego barwnika spożywczego.

🍜 Miyeok-Guk - Miyeok-guk to koreańska zupa przygotowywana z wodorostów i zwykle wywaru z małży lub ryb, zmieszana z sosem sojowym, olejem sezamowym, czosnkiem, cebulą, szalotką, solą i prażonym sezamem. Tradycyjnie tę zupę spożywają młode mamy przez kilka tygodni po urodzeniu dziecka. Jest również spożywana w urodziny jako hołd złożony matce.

🥣 Spiced Beetroot Soup - Ten przepis na zupę łączy buraki, bazylię, bulion warzywny, chili i inne przyprawy, aby stworzyć pyszną, rozgrzewającą i aromatyczną zupę, którą Twoi Simowie będą się cieszyć. To idealne, łatwe danie dla Twoich Simów jako rozgrzewający zimowy obiad lub kolacja.

🍜 Kimchi Noodle Soup - Ten przepis na zupę łączy Gochujang (pasta z czerwonego chilli), kimchi, makaron i bulion, tworząc smaczną i sycącą zupę. Zupa jest przygotowywana przez smażenie cebuli, dodanie kimchi, a następnie bulionu grzybowego, a następnie dodanie niewielkiej ilości pasty z czerwonego chili przed ugotowaniem makaronu w zupie.

🍝 Butternut Mac & Cheese - Makaron z serem i dynią piżmową to łatwy i szybki posiłek podobny do zwykłego Mac & Cheese, przygotowywany przez gotowanie makaronu w sosie piżmowym, czasami z dodatkiem sera lub odżywczych drożdży dla smaku. Często do potrawy dodaje się warzywa, aby uzyskać coś ekstra (w tym przypadku jarmuż i szpinak).

Tłumaczenie trzeba włożyć do folderu z modem

Bez moda tłumaczenie nie zadziała

Przepisy wymagają moda Robin’s Food Enabler

POBIERANIE

Pride Cake Pack SFS | 7.5.2023

Sticky Toffee Pudding SFS | 7.5.2023

Blueberry Waffles SFS | 7.5.2023

Gajar Ka Halwa SFS | 7.5.2023

Lemon Mousse SFS | 7.5.2023

Red Velvet Cake SFS | 7.5.2023

Miyeok-Guk SFS | 7.5.2023

Spiced Beetroot Soup SFS | 7.5.2023

Kimchi Noodle Soup SFS | 7.5.2023

Butternut Mac & Cheese SFS | 7.5.2023

TOU | FAQ | BUY ME A COFFEE

[alicjawzaczarowanejkuchni]

Jajka z gumką

Jajka pisanki barwienie z gumką dla pozyskania ciekawego wzoru idealne na Wielkanoc. Wzory na jajkach powstałe po śladach po gumkach

[earlyeed90]

Kostka postarzana

Kostka postarzana to wyjątkowy element architektoniczny, który dodaje charakteru i uroku każdemu projektowi krajobrazowemu. Charakteryzuje się ona specjalnie zaprojektowaną powierzchnią, która imituje efekt postarzenia się, nadając całej przestrzeni rustykalny, nostalgiczny wygląd. Oto kilka istotnych informacji na temat kostki postarzanej:

Wykonanie: Kostka postarzana jest zazwyczaj wytwarzana z betonu lub kamienia naturalnego. Jednakże jej powierzchnia jest poddawana specjalnym zabiegom, które nadają jej wygląd starożytności, jak np. ścieranie, szlifowanie czy barwienie.

Efekt postarzenia: Charakterystyczny efekt postarzenia kostki osiąga się poprzez sztuczne starzenie jej powierzchni. Może to obejmować ścieranie krawędzi, nadawanie nierówności, wprowadzanie delikatnych pęknięć lub przebarwień, co nadaje kostce wyjątkowego, autentycznego wyglądu.

Estetyka: Kostka postarzana doskonale wpisuje się w różnorodne stylizacje architektoniczne, takie jak wiejski, rustykalny czy industrialny. Jej staroświecki wygląd nadaje każdej przestrzeni niepowtarzalnego charakteru i atmosfery.

Zastosowanie: Kostka postarzana znajduje szerokie zastosowanie w projektach krajobrazowych, takich jak chodniki, podjazdy, tarasy, alejki ogrodowe czy place. Doskonale sprawdza się również jako element wykończeniowy przy budowie murków oporowych czy ścianek ogrodowych.

Trwałość i odporność: Pomimo swojego staroświeckiego wyglądu, kostka postarzana cechuje się wysoką trwałością i odpornością na warunki atmosferyczne oraz obciążenia mechaniczne. Dzięki temu stanowi nie tylko estetyczne, ale także praktyczne rozwiązanie w projektach architektonicznych.

Kreatywność: Kostka postarzana daje projektantom i architektom szeroki zakres możliwości aranżacyjnych, umożliwiając im tworzenie unikalnych i wyjątkowych przestrzeni, które zachwycają swoją oryginalnością i urokiem.

Kostka postarzana to nie tylko funkcjonalny element architektoniczny, ale także ozdoba, która nadaje każdej przestrzeni niepowtarzalnego charakteru i atmosfery. Jej rustykalny wygląd przyciąga wzrok i dodaje uroku każdemu projektowi krajobrazowemu, sprawiając, że miejsca, gdzie jest używana, stają się wyjątkowe i niezapomniane.

[10th-of-march]

Plecaki męskie skórzane - od dawna szyte przez polskie firmy

Tradycją jest, że na Podhalu od wieków produkowane są skórzane elementy galanterii. Bogato zdobione pantofle, paski i pasy czy też torebki różnej wielkości - to jedynie niewielki wycinek galanteryjnej propozycji tego rejonu. Mimo upływającego czasu, wyroby te nadal są ogromnie popularne. Są trwałe i wygodne, a przede wszystkim będą też ciekawą pamiątką z wakacji. Jednak dobre jakościowo rzemieślnicze wyroby se skóry to nie tylko domena ludzi polskich gór.

Ostatnie kilkanaście lat nastąpił dość szybki rozwój tej dziedziny także w innych regionach naszego kraju. Powstają modele coraz bardziej zróżnicowane wizualnie, a tym samym propozycja staje się atrakcyjniejsza dla coraz szerszego grona klientów. Rozwój kaletniczych technologii oraz coraz większe możliwości jeśli chodzi o barwienie skór sprawiają, że zwyczajny plecak skórzany dla mężczyzny może stać się ciekawym uzupełnieniem biznesowego drescode. A przy tym nic nie traci ze swojej funkcjonalności. Takie plecaki cieszą się coraz większą popularnością, również ze względu na swoją solidność i wytrzymałość.

+Tekst Sponsorowany+

[mildly-inappropriate]

Plecaki męskie skórzane - od dawna szyte przez polskich rzemieślników

Tradycją jest, że na terenie Podhala od dawna wyrabiało się elementy galanterii skórzanej. Zdobione w oryginalny sposób pantofle, paski i pasy czy szeroka gama torebek - to jedynie niewielki wycinek oferty galanteryjnej tego regionu. Pomimo upływającego czasu, wyroby te cały czas są ogromnie popularne. Są trwałe i wygodne, a dla wielu osób stanowią ciekawa pamiątkę z urlopu. Jednak doskonałe skórzane wyroby rzemieślnicze to nie tylko domena ludzi polskich gór.

W ostatnich kilkunastu latach nastąpił szybki rozwój tej dziedziny również w innych częściach kraju. Powstają coraz bardzie zróżnicowane wizualnie modele, a tym samym oferta jest coraz bardziej atrakcyjna dla szerokiego grona odbiorców. Rozwój technologii kaletniczych oraz coraz większe możliwości jeśli chodzi o barwienie skór sprawiają, że zwykły plecak skórzany dla mężczyzny stać się może ciekawym uzupełnieniem biznesowego drescode. A jednocześnie nie traci nic ze swojej praktyczności. Takie plecaki zaczęły się cieszyć rosnącym zainteresowaniem, również z uwagi na swoją solidność i wytrzymałość.

+Tekst Sponsorowany+

[blannybuns]

Plecaki męskie skórzane - od dawna produkowane przez polskie firmy

Każdy doskonale wie, że na Podhalu od dawna są produkowane skórzane elementy galanterii. Bogato zdobione kierpce, grube paski czy szeroka gama torebek - to jedynie niewielki wycinek galanteryjnej propozycji tego regionu. Pomimo upływającego czasu, wyroby te cały czas są ogromnie popularne. Są wygodne, trwałe, a przede wszystkim będą też ciekawą pamiątką z urlopu. Lecz dobre jakościowo skórzane wyroby rzemieślnicze to nie tylko domena naszych Górali.

Ostatnie kilkanaście lat nastąpił dynamiczny rozwój tej dziedziny także w innych częściach naszego kraju. Projektowane są modele coraz bardziej zróżnicowane wizualnie, a tym samym propozycja jest coraz bardziej atrakcyjna dla szerokiego grona odbiorców. Rozwój technologii kaletniczych i coraz większe możliwości jeśli chodzi o barwienie skór powodują, że zwykły plecak skórzany dla mężczyzny stać się może ciekawym uzupełnieniem biznesowego drescode. A przy tym nie traci nic ze swojej funkcjonalności. Takie plecaki cieszą się coraz większą popularnością, także ze względu na swoją wytrzymałość i solidność.

+Tekst Sponsorowany+

[motywjaja]

Mary Magdalene

W podaniu o Marii Magdalenie jajko symbolizuje zmartwychwstałego Jezusa. Inna legenda przekazuje, że uradowana zmartwychwstaniem Magdalena pobiegła do domu i zobaczyła, iż wszystkie jajka, jakie miała w misce, zmieniły swój kolor na czerwony. Kiedy obdarowywała nimi apostołów, jajka zamieniły się w ptaki. Odczytano to właśnie jako znak, że po śmierci istnieje nowe życie. Z czasem jajka uznano oficjalnie za symbol Zmartwychwstania, a barwienie ich, święcenie i obdarowywanie nimi stało się jednym ze zwyczajów wielkanocnych.

[anielskaaniela]

how to dye fabric with permanent markers / Farbowanie Diy

In you're interested in dyeing fabrics you'll love ❤ this post

Tutorial dye KLIK!

[customizacja]

Sproszkowane pigmenty do rękodzieła, customizacji i personalizacji JACQUARD Pearl EX to prawdopodobnie najbardziej uniwersalne i wszechstronne produkty, których możesz używać w swoich projektach artystycznych. Możesz stosować je praktycznie w każdym przypadku, w którym chcesz osiągnąć efekt metaliczny lub perłowy. Pigmenty w proszku możesz mieszać z farbami akrylowymi, olejowymi, tuszami drukarskimi, enkaustykami, tuszami alkoholowymi, epoksydami, klejami, żywicami odlewniczymi, gliną, lakierami ... etc. Ta lista jest nieskończenie długa i ograniczona jedynie Twoją wyobraźnią. JACQUARD Pearl EX to bezpieczny, obojętny pigment, który charakteryzuje się wyjątkową trwałością i stabilnością koloru. Różne rozmiary cząstek zapewnia Ci różne efekty - od gładkiego perłowego, po wysoce metaliczny połysk 🎨🎨🎨 jacquardproducts #Repost @hansonartdesign ・・・ “#PearlEx mica pigment from #jacquardproducts is my secret weapon. I LOVE these magical dust pots. The color variety is wide ranging and bring a special pop in any artwork. Use a little, use a lot! You just can’t go wrong by adding some sparkle. Mostly, I mix these pigments directly into acrylic paint or dust onto wet paint.” #customizacjapl #customizacja #custom #rekodzielo #rękodzieło #reczniemalowane #ręczniemalowane #recznierobione #ręcznierobione #ozdoby #farby #barwniki #maluj #maluje #barwienie #diy #ubrania #moda #fashion https://www.instagram.com/p/Cnd8Wb_IXCM/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[pinkmartiniboy]

Farbowanie jajek czerwoną kapustą

Farbowanie jajek czerwoną kapustą

Każdy kto kiedykolwiek robił surówkę z czerwonej kapusty wie, że jest to warzywo, które silnie zabarwia ręce na kolor fioletowo-niebieski. Bo choć sama głowa kapusty ma barwę głębokiej purpurowej czerwieni, to jednak jej sok barwi na niebiesko, Dlatego też na Śląsku w przeciwieństwie do całej Polski na Czerwoną Kapustę mówi się Modro Kapusta , czyli niebieska, modra. Nic więc dziwnego że od…

[81stopni]

Emocje

Tkanina – Malarstwo - Rzeźba

Wystawa Galerii 81 stopni Stycze�� – Luty 2021 Warszawa, ul. Kłopotowskiego 38/5 Galeria jest czynna w czwartki i piątki w godz. 12-17 po wcześniejszym umówieniu mailowym. www.81stopni.pl, 81stopni@gmail.com

Wystawa „Emocje„- jest spotkaniem pięciu polskich artystek: Theia Boim, Liliana Chwistek, Karolina Jarosławska, Katarzyna Porczak oraz Klaudia Ka. Każda z nich posługuje się innym językiem barwy, techniki oraz reprezentuje odmienną postawę twórczą. Prezentowane na wystawie prace powstały pod wpływem szerokiego wachlarza emocji, próbując uchwycić szczególną świadomość umysłu i ulotność chwili. Spontaniczny charakter tej ekspozycji nie sprowadza sztuki do kwestii artysty. Ponieważ w sztuce nie chodzi o artystę, lecz o życie, piękno, miłość, pewien rodzaj wewnętrznej prawdy i związanych z tym emocji wyrażanych poprzez wrażliwość twórcy.

Czy sztuka może zmieniać nasze życie przez emocje? Sztuka powinna wywoływać emocje, które zbliżają nas do naszego osobistego obrazu świata, zapisanego wewnątrz nas i osadzonego pomiędzy tym co znane i nieznane. Podróż ta dzięki formie i kolorowi tworzy kalejdoskop emocji, które implikują aspekt reakcyjny, przestajemy być pasywni i otwieramy się na doświadczanie.

THEIA BOIM

O artystce: Mój świat to codzienny zachwyt otaczającą mnie przyrodą. Podobno już jako przedszkolak nie chciałam się rozstawać z opaską “dyżurny od przyrody”, którą nosiło dziecko odpowiedzialne za podlewanie kwiatków na parapetach. Dziś pracuję w zgodzie z naturą. Projektuję ogrody, zajmuję się edukacją ekologiczną, a przede wszystkim skupiam się na sztuce tkaniny. Używam ekologicznych barwników pozyskanych z lokalnego krajobrazu. Z dziko rosnących roślin, produktów organicznych i odpadów pozyskuję kolorowe ekstrakty, których używam do zdobienia naturalnych materiałów, często pochodzących z recyklingu.  Nawet jeśli wykorzystuję ekstrakty roślin egzotycznych nie wspomagam się szkodliwymi substancjami chemicznymi ani jakimikolwiek środkami mogącymi zaszkodzić środowisku. Jestem członkiem Związku Polskich Artystów Plastyków.

Tytuł pracy: Permakultura Technika: katazome, batik, layered cloth, sashiko. Wymiary: szer. 93 cm x wys. 180 cm Rok powstania: 2020

W procesie kreacji z użyciem tkaniny twórca uczestniczy nie tylko intelektualnie, ale przede wszystkim sensorycznie. Oprócz dominującego we wszystkich sztukach wizualnych wzroku, duże znaczenie odgrywa dotyk poprzez obcowanie z najróżniejszymi surowcami o odmiennych fakturach, gramaturach i pochodzeniu. Przy użyciu techniki katazome oraz batiku, pobudzony zapachem wosku węch oddziałuje mocno na wyobraźnię. Szelest tkanin i odgłosy ich zszywania angażują słuch.

Właśnie przy użyciu wszystkich zmysłów opisanych i nie opisanych naukowo, powstała praca „Permakultura”. Zawiera się w niej emocja całkowitego zatracenie się w naturze, stania się częścią ogrodu. Nie chodzi tu tylko o ogród przydomowy, ale również o ogród zmysłów: wzroku, dotyku, węchu, słuchu, smaku. Na tę pracę składa się 7 tkanin złożonych w jedną oraz 5 technik zdobienia. Techniki te to kolejno: 1. katazome - rezerważ z użyciem szablonów, 2. batik – rezerważ przez malowanie woskiem, 3. barwienie roślinne – indygo, 4. layered clothing – warstwowe zszywanie tkanin nowych oraz pochodzących z recycklingu i następnie, po przeszyciu, wycinanie w nich wzorów, 5. sashiko – ręczny haft białą nicią na tkaninie farbowanej indygo. Inspiracją były rosnące bujnie w moim ogrodzie bambusy i nasturcje. Pierwsza warstwa pracy to jedwab crepe de chine, dwukrotnie barwiony przeze mnie naturalnym indygo (Indigofera tinctoria) z widocznym wzorem bambusa i świerszczy powstałych techniką katazome i batiku. Następne warstwy to wiskozowe szale, które znalazłam na dnie szafy, pomarańczowa tkanina służąca mojej rodzinie za wigilijny obrus w roku 2009, aksamit będący kiedyś zasłoną w letnim domu oraz tabaczkowy stretch – odpad z projektu studenckiego córki. Praca ta zawiera więc również wątki sentymentalne. Obszycie konturu pędu, liści i kwiatów nasturcji, a następnie wycięcie odpowiednich ilości warstw tkaniny odsłoniły barwy oraz faktury kryjące się pod jedwabiem w kolorze indygo. Jednocześnie podkreślone zostały przeciwieństwa tych dwóch rosnących w zgodzie, obok siebie roślin: bambusa o sztywnych pędach i wrzecionowatych liściach oraz wijącej się miękko, płożącej, kwitnącej jaskrawo nasturcji o liściach okrągłych. Zraszanie upraw przywołało w mojej wyobraźni kręgi powstające na tafli wody po upadku kropli oraz rozchodzące się fale dźwiękowe w powietrzu wokół machającego skrzydełkami owada. „Wizję tę oddałam w mojej pracy techniką sashiko, jako koncentryczne, nieciągłe koła” – dodaje artystka.

Jedynie posłużenie się medium tkaniny pozwala na zastosowanie tak szerokiego wachlarza technik w jednej pracy przy zachowaniu harmonii i konsekwencji twórczej.

Tytuł pracy: Tkanka roślinna Technika: eco-printing, layered cloth Wymiary: szer. 90 cm x wys. 193 cm Rok powstania: 2020

Praca „Tkanka roślinna” powstała z kilku warstw jedwabiu zszytych razem, anastępnie ujawnionych poprzez przecinanie. Strzępiące się krawędzie materiału przypominają włókna roślin, które zostały przetworzone przez jedwabnika (Bombyx mori) w nić. Przecięcia to rytm upraw dających pożywienie i okrycie. Pierwsza, wierzchnia warstwa pracy jest ozdobiona techniką eco-printingu, czyli druku kontaktowego z wykorzystaniem naturalnych, pobranych z otoczenia liści. W tym przypadku są to liście perukowca podolskiego (Cotinus coggygria ‘Atropurpurea’). Dalszą obróbką było barwienie w wywarze z kory kruszyny (Rhamnus frangula). W ten sposób barwiące możliwości lokalnych roślin oraz zarys listowia, zostały implementowane na tkaninę, która przechowa je dłużej niż mogą funkcjonować w przyrodzie klimatu umiarkowanego. Będą na niej zapisane, dopóki tkanina się nie rozpadnie. „Moja praca jest utrwaleniem przestrzenności tkanek poprzez wchłonięcie przez tkaninę barwników w nich zawartych. Jest rodzajem medytacji z udziałem medium tkaniny nad istotą tkanki roślinnej” – komentuje THEIA BOIM.

Tytuł pracy: Noc czerwcowa Technika: eco-printing Wymiary: szer.90 x wys.200 cm Rok powstania: 2019

W naszej strefie klimatycznej uroda roślin szybko przemija. Przez sporą część roku drzewa są bezlistne, a rośliny zielne to suche, zbrązowiałe pędy ponad powierzchnią gruntu. Ulotna uroda kwiatów i niepowtarzalne kształty liści (naukowcy twierdzą, że od początku świata nie było dwóch takich samych liści) są inspiracją dla artystów. W swojej pracy z tkaninami poprzez technikę druku kontaktowego, zwanego eco-printingiem, zatrzymuję kształty i barwy roślin zebranych w moim najbliższym otoczeniu. Moją twórczą interpretacją jest ich odpowiednie zestawienie i zgłębianie tajemnicy roślinnych możliwości barwiących.

Praca „Noc czewcowa” powstała w czerwcu, kiedy kwitną rumiany (Anthemis ssp.), a kasztanowece (Aesculus hippocastanum) delikatnie falują wachlarzami liści. Na białym jedwabiu, z dodatkiem barwiącym kory kampeszynu (Haematoxylum campechianum) w tle, botaniczna niepewność stała się organicznym ornamentem trwałym, pewnym i mocnym jak wyekstrahowane z roślin barwniki.

Tytuł pracy: Między klonem a sumakiem Technika: eco-printing Wymiary: praca przestrzenna, 4 elementy Rok powstania: 2020

Każda sprawa, nie tylko scena teatralna, ma swoje kulisy. Przyroda też je ma. Kiedy idziemy przez cudowny, zaprojektowany przez mistrza ogród, również odsłaniają się przed nami kolejne jego kulisy radując zmysły coraz to innym, światłem, formą i barwą.

„Między klonem a sumakiem” to trzy pasy jedwabiu naturalnego i jeden bawełny prowokujące do zajrzenia między nie, tak jak podczas spaceru w parku. Tworzą kulisy oddziałujące na siebie przez rzucony cień i mieszanie się naturalnych barw. Tkaniny te zabarwiłam ekstraktami roślinnymi i, w procesie druku kontaktowego (eco-printing), zapisałam barwami i kształtami liści. Dzięki podatności na barwienie jedwabiu, wzory i kolory są trwałe, inaczej niż w zmiennej przyrodzie. Zwiewność tkaniny oddaje miękkość, przenikalność i przestrzenność zapisanej natury. Proces eco-printingu nie jest do końca przewidywalny, co daje możliwość, żeby tkanina przemówiła.

LILIANA CHWISTEK O artystce: Liliana Chwistek, artystka wizualna oraz nauczycielka języka hiszpańskiego i plastyki w szkole podstawowej w Warszawie. W pracy i na co dzień rozwijam różne pasje - arteterapia, kultury krajów hiszpańskojęzycznych. Ukończyła Wydział Grafiki, specjalizacja ilustracja książkowa w pracowni prof. Janusza Stannego, ASP w Warszawie, 1993 r. Ma dwie pasje – sztukę oraz język i kulturę krajów hiszpańskojęzycznych. Spędziła wiele lat w Ameryce Łacińskiej. Uczy języka hiszpańskiego i plastyki w Warszawie oraz prowadzi warsztaty batiku. Autorka wystaw indywidualnych, uczestniczka prezentacji zbiorowych w latach 1993 – 2019 w Polsce i USA, m.in.: „Taniec w malarstwie“w ZPAP w Warszawie, „Kobieca” w galerii INNA, Ogrody Otwarte w Konstancinie (2015), „Tkanina artystyczna“ w Centrum Kultury Wilanowa (2014), „Święto batiku“ we współpracy z Ambasadą Indonezji w filii Ośrodka Kultury Ochoty, Magazynie Sztuk (2013), „Sztuka malowana na tkaninie“ - Galeria Sztuki Polonii Amerykańskiej w Minneapolis (2011). Jej batiki znajdują się w zbiorach prywatnych w Europie, Ameryce Północnej i Południowej.

„Kocham wszelkie techniki plastyczne: batik, ekoprinting, introligatorstwo, ceramika, itp. Alebrijes to tradycyjne, bardzo kolorowe rzeźby ludowe rodem z Meksyku. Ich proces powstawania poznałam pod czujnym okiem artysty z Meksyku, Oscara Becerry” – dodaje Liliana Chwistek.

Technika: Alebrijes Rok powstania: 2017-2021 Alebrijes to jedno z najpopularniejszych form rękodzieła, głęboko zakorzenionego w meksykańskiej kulturze. Figurki hybrydowych zwierząt i fantastycznych potworów wykonywane są z masy papierowej nałożonej na szkielet z miękkiego drutu. Masę pokrywa się kilkoma warstwami sztywnego, szarego papieru, co utwardza figurkę. Tak przygotowaną makietę maluje się farbami akrylowymi, które dodatkowo wzmacniają całość. Im więcej różnych kolorów i wzorów tym lepiej. Można też pokusić się o specjalny nabłyszczacz, który zapewni połysk oraz intensywność kolorów. Skąd wzięły się te kolorowe postacie w kulturze Meksyku? Ich historia jest wyjątkowo ciekawa. Otóż w latach 30. XX wieku meksykański artysta, Pedro Linares López ciężko zachorował i stracił przytomność. Miał wówczas około 30 lat. Kiedy był już na skraju śmierci, przyśnił mu się dziwny, fantastyczny las, po którym spacerował. W jego powrocie do świata żywych towarzyszyły mu kolorowe potwory, będące dziwną kombinacją różnych zwierząt. Po powrocie do zdrowia Linares miał już tylko jedną życiową misję – pokazać światu stworzenia, które pomogły mu wrócić do życia. Zaczął więc tworzyć figurki z masy papierowej, podobizny wyśnionych kreatur. Artysta rozsławił alebrijes nie tylko w Meksyku ale też poza granicami tego kraju. Zmarł w 1992 r.

KAROLINA JAROSŁAWSKA

O artystce: Malarka,  W 2001 r. ukończyła Uniwersytet Gdański, w 2007 r. Akademię Sztuk Pięknych w Gdańsku. Głównym tematem jej prac jest natura. Artystka bierze udział w wystawach w kraju i za granicą, organizuje oraz bierze udział w licznych wydarzeniach artystycznych. Współorganizatorka Stowarzyszenia Twórców Hokuspokus oraz Galerii 81 Stopni w Warszawie. Poza działalnością twórczą zajmuje się edukacją kulturalną.

Tytuły prac: Morze Technika:olej na płótnie Wymiary: szer. …70.. cm x wys. …40.. cm Rok powstania: 2020

“Jeśli chodzi o mnie to wystarczy mi podziw dla tajemnic przyrody."

A. Einstein.

Natura wabi nas niezwykłym układem barw lub surową tonacją, zadziwia abstrakcyjną formą. Wystarczy wsłuchać się w odgłosy natury, aby zostać zainspirowanym do tworzenia. Jak powiedział G. Bruno: "Dobrem w dziedzinie sztuki jest to, co naśladuje przyrodę."

Karolina Jarosławska maluje przyrodę poszukując w jej otoczeniu wewnętrznego spokoju. Kieruje się chwilowym wrażeniem. Stosuje ograniczoną gamę kolorystyczną podkreślając w ten sposób kontemplacyjny charakter atmosfery panującej w naturze. W jej pracach dominują ostre kontrasty w postaci rytmicznych plam światła i cienia ukazujących fragmenty rzeczywistości. W tym świecie nie spotkamy nikogo - jesteśmy w nim sam na sam z przyrodą. Przebywając pośród obrazów zagłębiamy się w abstrakcyjne morza i odnajdujemy w nim pełno odgłosów - szumów, stuków czy szelestów odzwierciedlonych w rytmicznej kompozycji prac.

Fakturowe, monochromatyczne płótna Karoliny Jarosławskiej przedstawiające morze dotykają tego, co w przyrodzie dynamiczne i zmienne. Poprzez rytm pociągnięć pędzla, intensywność czerni i bieli odczuwamy ich ruch, swoisty puls. . Stawia przed sobą wyzwanie, a przed widzem efekt eksperymentu: uzyskać głębię i malarskość, grę świateł i ciężkość faktur za pomocą jedynie dwóch barw olei: bieli i czerni. Wielkoformatowe płótna płyną własnym rytmem. Płótno, jego materialność, ciężar, podejmują razem z obserwującym je widzem rodzaj gry włączając się w iluzoryczny ruch i szum przedstawionego tematu..

KATARZYNA PORCZAK

O artystce: Malarka, urodzona w 1981 r. w Jarosławiu. Studia magisterskie ukończyła na Wydziale Artystycznym Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie. Dyplom uzyskała z Wyróżnieniem Dziekańskim w 2007 roku w Pracowni Rzeźby Profesora Adama Myjaka. W latach 2002-2010 aktywnie uczestniczyła w życiu artystycznym Lublina. Związana była między innymi z Galerią Ośrodka Praktyk Teatralnych Gardzienice, gdzie była kuratorem galerii, Centrum Kultury w Lublinie oraz Radiem Lublin (występując jako ekspert w stałej audycji Józefa Szopińskego „studnia akademicka”). W 2017 roku obroniła studia podyplomowe z przedsiębiorczości w Głównej Szkole Handlowej w Warszawie. W tym samym roku zakończyła również studia doktoranckie w pracowni Tkaniny Artystycznej Profesor Doroty Grynczel na Wydziale Malarstwa Warszawskiej ASP. Po śmierci Pani Profesor jej promotorem został Profesor Stanisław Baj doprowadzając do zamknięcia przewodu doktorskiego w 2019 roku. Katarzyna Porczak pracuje  jako nauczycielka sztuki. W kształceniu artystycznym dzieci, młodzieży i dorosłych najważniejsze dla niej jest rozbudzanie kreatywności i inicjowanie procesu wglądu w siebie i  „wyzwalania w sobie twórcy”. Tworzy, rozbudza, wspiera, a jednocześnie  sama uczy się i rozwija  w relacjach z podopiecznymi. Od kilku lat praktykuje jogę, lubi jazdę konną i loty paralotnią.

Oto jak Katarzyna Porczak opowiada o swoim malarstwie: „W swoim malarstwie skupiam się na kolorze i formie, uwalniam je i pozwalam by przemawiały swoim intymnym językiem. Wyłaniając ukryty symbol, który ukazał się i został przeze mnie rozpoznany w świecie materialnym.  Inspiracje stanowi natura, którą eksploruje. W moich obrazach dążę do perfekcji, oddania tego co czuję, a nie tego, co czuję, że widzę. Stawiam na harmonijną kompozycję i prosty design, których połączenie stanowi wyrafinowaną mieszankę”.

Tytuł cyklu: Motyle Technika: Kompozycje malowane na jedwabiu Wymiary: szer. 184 cm x wys. 280 cm Rok powstania: 2018.

Cykl trzech kompozycji namalowanych na naturalnym jedwabiu, inspirowany naturą i symbolem, stanowi żywy przykład zastosowania koloru jako dominanty przestrzeni.

„Zagadnienia dotyczące koloru i przestrzeni pasjonowały mnie od zawsze. Są to tematy, które w świecie nauki stanowią przedmiot wielu badań i doświadczeń. Nasza wiedza dotycząca tych fenomenalnych zjawisk nieustannie ewoluuje. Naturalnie, aby dojść do wniosków czy to intelektualnych czy sensualnych, konieczne jest zanurzenie się zarówno w doświadczeniu, jak i w określonych procesach myślowych” – komentuje Katarzyna Porczak.

W procesie twórczym Katarzyny Porczak, moment tworzenia zaczyna się właśnie od doznania koloru. Tematem jej prac stały się codzienne obserwacje barw i światła otaczającego nas świata. Są one metaforą pogłębionej relacji człowieka z naturą, a także próbą interpretacji archetypowych symboli w kontekście kulturowych wartości. Malarka uchwyca i przelewa na płótno oraz jedwab uczucia, emocje i spostrzeżenia towarzyszące jej podczas procesu twórczego.

„Prace, które powstają podczas moich codziennych poszukiwań, nie tylko dają początek nowemu światu, lecz także poszerzają ramy mojego życia; są objawem niezależności i odrębności, które udało mi się uzyskać przy wsparciu mądrych i wspaniałych ludzi podążających już w przeszłości tą samą drogą. W swojej twórczości łączę sztukę, życie i doświadczenie duchowe w spójną całość. Każdy człowiek jednostkowo i wyjątkowo doświadcza życia, śmierci, miłości, nienawiści, piękna i brzydoty, dlatego wszelkie metody interpretacji porządkującej są bezsilne. Dzieło sztuki bowiem nie jest komunikatem, lecz przekazem. Staje się reprezentacją osobistej, własnej i tylko mojej treści, która może stać się cudzą treścią jedynie w określony sposób, na zasadzie pewnych odniesień i zapożyczeń. Sztuce i swojej w niej obecności przypisuję cel metafizyczny. Za pomocą narzędzi, w które zostałam wyposażona: umysłu iumiejętności artystycznych, próbuję odsłonić prawdę bytu/bycia, co więcej, tę najtrudniejszą, bo zdeterminowaną wolą życia” – dodaje Katarzyna Porczak.

KLAUDIA KA

O artystce: Malarka urodzona w 1984 roku w Warszawie, gdzie mieszka i pracuje. Jej obrazy znajdują się w prywatnych kolekcjach w Polsce, Wielkiej Brytanii, Belgii, Niemczech, Kanadzie i USA. Od 2011 roku współtworzy pracownie i galerię 81 Stopni w Warszawie, gdzie zajmuje się koordynacją wydarzeń i identyfikacją wizualną wystaw. „Interesuje mnie temat wzrostu i ewolucji, przenikanie się kształtów i zmiany zachodzące w świecie natury, które prowadzą do powstania różnych wariantów rzeczywistości. Próbuję je zrozumieć i nadać im konkretne znaczenie. Wizerunki ludzi, zwierząt czy roślin służą mi jako przykłady form przyjmowanych przez rzeczywistość” – komentuje artystka.

„Tła i postacie zrastają się ze sobą, przyjmują geometryczne, abstrakcyjne, formy lub zmieniają się w rozpoznawalne figury. Często wracam do tych samych motywów i podejmuję jeden temat wciąż na nowo pozwalając obrazowi ewoluować i zmieniać się z każdą nową odsłoną. Skupiam się na obserwacji przedmiotu i uchwyceniu momentu tej przemiany. W czasie pracy do każdego obrazu przenika duża ilość moich własnych emocji więc jest on również odbiciem osobistego stanu psychofizycznego.

Inspiracją do powstania prac są zawsze elementy przyrody. Fascynuje mnie ikonografia renesansowa i barokowa, stare zielniki, studia zwierząt i roślin. Pracując nad kompozycjami często nawiązuję do dalekowschodnich grafik i ilustracji, zarówno historycznych jak i współczesnych. Ostatnim nurtem, którego ślady można znaleźć w moich pracach jest młodopolski realizm, ponieważ wychowałam się w domu wypełnionym obrazami z tego okresu” – dodaje KLAUDIA KA.

Tytuł prac: Dziennik z kwarantanny Technika: Akryl na tekturze Wymiary: prace okrągłe o średnicy 12 cm, instalacja składająca się z 36 prac Rok powstania: 2020

Przedstawione na wystawie prace są dziennikiem z kwarantann, którą artystka spędziła w 2020 swoim w domu 2020 na Sycylii. Każda z prac w formie owalnego widoku, przedstawia fragment otaczającej rzeczywistości widziany jakby “przez dziurkę od klucza”. Jest to widok z pracowni, z okna samochodu, z domu czy pracy - wycięty kawałeczek krajobrazu, fragment budynku, nieba, roślinności, ciała.  Jednak są to również obserwacje otaczającego świata widziane jakby ze środka świadomości - subiektywny sposób widzenia emocji, czasu i formy przez samą autorkę. Oglądając cykl 36 owalnych widoków - obserwujemy świat oczami autorki i w ten sposób towarzyszymy jej w odosobnieniu. Mnogość małych prac oznacza również upływ czasu - miniaturowe obrazy powstawały w ilości 1 dziennie przez okres ponad miesiąca i praca nad nimi była dla autorki stałym elementem dnia i rodzajem dziennika w którym zapisywała różne stany swoich myśli czy emocji.

Zobaczymy więc fragmenty krajobrazu niekiedy przedstawione bardzo dosłownie, a kiedy indziej uproszczone do formy abstrakcyjnej przenikających się płaszczyzn i linii - te pejzaże to najbliższe otoczenie autorki, wzgórza centralnej Sycylii, pola zmieniające kolor na przestrzeni miesiąca lub ich wspomnienia w złotej kolorystyce końca lata. Innym powtarzającym się motywem jest roślinność - element stały w twórczości Klaudii Ka, który zawsze służy jej jako symbol własnych emocji - często skomplikowanych jak siatka liści lub rozrastających się promieniście jak gałęzie drzewa. Roślinność również przedstawiona jest niekiedy dosłownie, jako studium liścia czy kamieni, a kiedy indziej jako zestaw abstrakcyjnych form. Ostatnim motywem jaki można znaleźć w tym cyklu prac jest człowiek, fragmenty portretu, kawałki caiła - to poczucie “self”, fizyczności, cielesności wraz z zachodzącymi zmianami emocjonalnymi i uczuciowymi, które autorka przedstawia używając elementów swojego autoportretu.

“Klaudia Ka zabiera widza w świat archetypów, pewnych „praobrazów” bezpieczeństwa, strachu, jedności czy tęsknoty, w wyobrażoną przestrzeń realizmu magicznego. ” (A. Jachym)

                                                                                        Wstęp do wystawy przygotowała: Agnieszka Sitek

[alicjawzaczarowanejkuchni]

Jajka pisanki barwienie z gumką

Jajka pisanki barwienie z gumką dla pozyskania ciekawego wzoru idealne na Wielkanoc. Wzory na jajkach powstałe po śladach po gumkach. Wszystkie pokolorowane jajka są surowe potem można z nimi robić co się chce np. na twardo , na miękko, jajecznica

Jajka pisanki kolorowanki z gumką

Jajka pisanki kolorowanki we wzorki z gumki z palmami plecionymi z liści palmy z Antibes

Potrzebne Składniki : ---------------------------- Jajka Skórki z cebuli brązowej i czerwonej Gumki Ocet opcjonalnie Tłuszcz typu masło oliwa olej dla połysku

Garnish -zioła: gałązka koperku, tymianku i gałązka zielonej pietruszki lub rozmarynu. Albo kiełki albo rzeżucha

Sposób przygotowania : ----------------------------- Do zimnej zagotowanej wody ze skórkami z cebuli możemy wkładać jajka surowe, ugotowane na twardo jakie chcemy jeżeli będą w tej wodzie jajka leżeć i tak będą pokolorowane. Ja preferują wkładać do zimnej wody i nawet niech poleżą dłużej dla intensywniejszego koloru niż gotować je długo w wodzie z łupami z cebuli by pozyskac intensywniejszy kolor ale za to traciś smak jajek na twardo. Jajka Pisanki - Barwienie jajek sposoby naturalne : Łupina, Skórka z cebuli na kolor ceglano - brązowo - rudawo - kasztanowy Kraszanki tutaj opisane jest jak kolorowych jajka Przygotowujemy gumki recepturki albo z dętki z koła z roweru wycinamy paski gumy może wycinać też różne wzorki Na jajka umyte nakładamy gumki by po włożeniu do barwnika w tym miejscu nie były zabarwione i by pozyskać ciekawe wzory paski Jajka z gumkami wkładamy do garnka, w którym gotowaliśmy wodę ze skórkami z cebuli. Woda może być zimna to wtedy możemy wkładać do niej nawet surowe jajka i tak zabarwią się nasze jajka na brązowo kasztanowy kolor.

Woda ugotowana z łupinami z cebuli, jajka i gumki np. wycięte z dętki rowerowej możemy wtedy wycinać różne wzory.

Jajka z gumkami po wyciągnięciu z wody z łupinami

Ściągamy gumki i zostają nam nie zabarwione paski

Powstają ładne pisanki

Dajemy pisanki do eleganckiego porcelanowego lub wiklinowego koszyczka

Zajączek przyszedł przynieś prezenty na Wielkanoc

Kolorowe zajączki z pisankami

♥ Smacznego Bon appétit ♥

CIEKAWOSTKI: ----------------------------- Wszystko, co żyje, powstaje z jaja. Omne vivum ex ovo. (łac.)

Jajka pisanki z gumką

Pisanki we wzorki po gumkach z palmami plecionymi z liści palmy

THE END <><><><><><><><><><><><><><><><><><><><>

[firankas-second-sideblog]

How did you do the effect on the jellyfish madohomu wallpaper?

Oof. This may be a bit hard to explain, as I use Polish version of GIMP...

I assume you mean the lighting on the girls? I did it in 2 different ways...

First of all, you need the characters. For the sake of simpicity, I’m doing this on a white BG.

Then you duplicate the layer with them. 

There! Two identical layers!

Then there’s this option called “Barwienie”. I don’t know its official English name but it means something like tinting? You tint one of the layers. I used some dark, dull teal, but depending on what you’re going for you may want to use something else.

Then you blur (Rozmywanie) the layer with the colours. And this is where the path splits.

For this effect, you put the blurry one over the clean one, and then adjust the opacity.

It doesn’t look all this well on a white BG... But with a dark BG, it looks like deep sea (to me)

The second one is a bit more complicated. You put the blurry layer under the clean one.

And then you change the clean one’s mode to multiply (mnożenie). For some lighter ones, I think sum/addition (suma) may work better? Haven’t tested that out yet.

NOTE that the girls will be semiopaque like this.

It doesn’t look so with a plain black BG, but once I add some clouds with a brush...

It becomes more visible.

Aaaand that’s it!