#Mejores Discos de Rock

[rocktambulos]

22 del 22: Los mejores discos de Rock del 2022 (Lista + Podcast)

22 del 22: Los mejores discos de Rock del 2022 (Lista + Podcast)

Si estás buscando nuestra lista con los mejores discos de metal del 2021, entrá acá. Hoy se termina el año y para quienes amamos hablar de música, es momento de seleccionar lo que más nos gustó en materia de lanzamientos discográficos. Aunque sea una tarea divertida, no deja de ser sumamente dificil ya que cada año se publican miles de discos y muchos de ellos son de muy alto nivel. ¿Cual fue tu…

[adominguezs]

Radiohead - In Rainbows. Año 2007. Edición Europea. Reedición Año 2016. Alternative Rock. XL Recordings.

Es el séptimo álbum de estudio de la banda. Se lanzó originalmente el 10 de octubre de 2007 en formato digital.

Radiohead trabajó en el álbum durante más de dos años. Las letras del disco fueron más personales que en otros trabajos de la banda. Se incorporó una amplia variedad de estilos musicales e instrumentos en el álbum, no haciendo uso exclusivo de música electrónica y arreglos para instrumentos de cuerda, sino también de piano, celesta y ondas Martenot.

Fue aclamado por la crítica y se lo incluyó en diversas listas de los mejores álbumes de 2007. En 2009 ganó dos premios Grammy al mejor álbum de música alternativa y al mejor paquete especial de edición limitada.

Músicos Thom Yorke – voz, guitarra, piano, instrumentación electrónica y batería. Colin Greenwood – bajo eléctrico y secuenciador. Jonny Greenwood – guitarra, ondas Martenot, teclado, programación, modular sintetizador, secuenciador, celesta y arreglos de cuerda. Ed O'Brien – guitarras, armonías vocales, efectos y sampler. Phil Selway – batería y programación.

Músicos Adicionales Coro de niños de la Matrix Music School – coros en "15 Step". The Millennia Ensemble – instrumentos de cuerda.

Producción Nigel Godrich – producción, mezcla e ingeniero de sonido. Dan Grech-Marguerat – ingeniero. Bob Ludwig – masterización. Hugo Nicolson – ingeniero. Graeme Stewart – preproducción. Richard Woodcraft – ingeniero.

Tracklist: A1 15 Step 3:58 A2 Bodysnatchers 4:02 A3 Nude 4:15 A4 Weird Fishes/Arpeggi 5:18 A5 All I Need 3:49

B1 Faust Arp 2:10 B2 Reckoner 4:50 B3 House of Cards 5:28 B4 Jigsaw Falling into Place 4:09 B5 Videotape 4:40

[encuestasarg]

Mundial de Mejors tapas de discos de rock nacional

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[waltfrasescazadordepalabras]

–¿Qué tema de Charly te hubiera gustado componer, Luis? S: –Viernes... Bueno, creo que hasta a Lennon y a McCartney les hubiera gustado componer Viernes 3 AM. Después de discos muy grossos de él, como Yendo de la cama al living o Clics modernos, hay una parte del material mío que entra en la onda charlyana o garciesca. Nunca es el mismo efecto, porque siempre, por algún lado, se me escapa la deformidad. En algún lado corto el ritmo, y mando un tono que... Yo siento que me he acercado al terreno de él en mis temas más simples. Sin embargo, García nunca cometió ese error... –¿Y a vos, de Luis, Charly? G: –Los libros de la buena memoria. Y después, Artaud, todo el disco Artaud. Spinetta me influenció, también; El karma de vivir al sur es García pasado por la experiencia de trabajar con el genio de al lado, y de haber sido siempre su honesto fanático. –Llevan veinte años en el negocio musical... G: –Tenemos las cachas tan abiertas que... S: –... cuando viene algo finito, uno lo goza (risas). No sé, Charly, la verdad es que yo he vendido diez veces menos discos que vos. G: –Pero eso es relativo. S: –No, loco, es posta, vos has ayudado a que se abran más cabezas que nadie en el rock de este país, porque has llegado a más gente. Y el saber construir las cosas de manera tal que impacten en la masa es también, a esta altura, una característica del genio. No digo que el arte sea eso... G: –Luis, en muchas épocas, en ventas, vos has estado por encima mío. Vender muchos discos... no sé si es artístico. Por ahí tiene que ver con la difusión, las giras, factores hasta psicológicos... Hay comidas que le gustan a todo el mundo, y hay comidas para paladares exquisitos. No sé cuánto vendió Pelusón of Milk, pero merecería vender cien mil, o medio millón. S: –A mí me han cagado toda la vida, me pintan en la espalda un blanco, me paran debajo de un puente de la Panamericana, y desde arriba del puente hacen puntería de soretes. Gano 45 centavos por cada disco que se vende a 23 dólares. El año pasado me broté y casi hago una barbaridad: les iba a quemar todo. –Los dos tienen hijos músicos... S: –Ellos van a ser músicos... para que les afanen las regalías toda la vida, como a nosotros. Yo lo veo a Dante y pienso... ¡qué mejor sería que fuese doctor! G: –Yo no pienso que si Migue tiene un grupo quizá lo garquen. Lo van a garcar seguro. S: –Pero los pibes, Charly, van a ser más libres que nosotros. Tienen la cabeza más limpia. Los pibes vienen re-grossos. Salvo los hijos de los milicos, que los han educado con odio y tienen el boomerang de la picana. A mí, mis hijos me pueden ver re-loco de todo, pero saben qué hago, y nunca les voy a tirar una mala onda.

Fuente . Suplementp NO de Pagina 12

Carlos Polimeni- 1992

[macarraqui]

Todos en pie

Todos en pie para escuchar Pecados más dulces que un zapato de raso, de Gabinete Caligari.

La canción es una adaptación del poema homónimo escrito en 1973 por Eduardo Haro Ibars y es la primera que aparece en el disco Camino Soria, de 1987.

En el interior del sobre de cartón del elepé aparecen varias fotografías de Alberto García-Alix, Premio Nacional de Fotografía y autor de los mejores retratos de la época.

Sin ninguna duda, Camino Soria es uno de los mejores discos de rock en español de los últimos cuarenta años. Dadle una oportunidad.

El Álbum Blanco de Gabinete.

[davidgd1978]

“Senderos de Traición” de Héroes del Silencio: Un Viaje Musical Inolvidable

Hace 30 años, el 4 de diciembre de 1990, Héroes del Silencio lanzó su segundo álbum de estudio, “Senderos de Traición”. Este disco no solo marcó un punto de inflexión en la carrera de la banda, sino que también se convirtió en un hito en la historia del rock en español. Vamos a explorar este viaje musical inolvidable.

Después del exitoso debut con “El Mar No Cesa”, Héroes del Silencio no estaba completamente satisfecho con su sonido en el estudio. Querían capturar la energía y la pasión de sus actuaciones en vivo. Así nació “Senderos de Traición”, un álbum que fusionó rock gótico, pop y hard rock con letras profundas y simbólicas.

“Senderos de Traición” contiene algunas de las canciones más icónicas de la banda:

“Entre dos tierras”: Un himno épico que se ha convertido en un clásico del rock en español.

“Maldito duende”: Una balada apasionada y melancólica que sigue emocionando a los oyentes.

“Senda”: Una canción con una base rítmica contundente y una letra llena de simbolismo.

Este álbum fue el primero en alcanzar el número uno en las listas de ventas en España y también se convirtió en un éxito internacional. “Senderos de Traición” trascendió generaciones y culturas, dejando una huella perdurable en la música.

En 2009, la revista Rolling Stone lo consideró el segundo mejor disco de rock español. A lo largo de los años, ha seguido siendo un referente para los amantes del rock en español y una fuente de inspiración para nuevas generaciones de músicos.

En resumen, “Senderos de Traición” es un álbum que merece ser celebrado y recordado. Su poderosa música y letras siguen resonando con fuerza. ¿Te atreves a seguir estos senderos? 🎶

[luciasemedo]

Taylor Swift, Marjane Satrapi, Joan Jett

Y, cuando haya terminado, lo sabrás –Daisy Jones and the Six

A la larga, si eres de mucho hablar, pierdes la cuenta de las veces que te repiten lo mucho que te gusta hablar. La mayoría de las veces no piensas que te guste hablar; solo hablas. Solamente tienes cosas que decir. 

Esto ocurre mucho antes (te das cuenta antes, te lo dicen antes, lo piensas antes) si eres mujer. Durante mucho tiempo, esto significaba que estarían pendientes de lo que haces, pero solo de una forma superficial. Son conscientes de que hablas pero no les importa tanto lo que tengas que decir. 

Asumes esto y eso hace que no te preguntes cosas. Hasta que te las preguntas. Una vez, en un festival de un pueblito perdido en Cáceres, una de las chicas de la organización dijo “¡acercaos las mujeres a la primera fila, no tengáis miedo!”. Y alguien comentó después: “¿¡y qué pasaría si lo hubiera dicho al revés!?”.

No se puede decir al revés. Quiero decir, es imposible invitar a los chicos a las primeras filas porque ya están ahí. Y no hace falta que se aparten, ese no es el problema. El problema es que alguno podría pensar que no están y que hay un largo camino de barro, inclemencias meteorológicas, vómitos varios y gente a la que le han robado el móvil que les impide llegar hasta allí. 

En 2022, los festivales de música no tenían ni el 40% de grupos con presencia femenina. Si a alguien le sirve de algo, cuando hice mi TFG de Producción Audiovisual en 2019 el número era mucho menor. En los 5 grandes festivales de nuestro país (Medusa Sunbeach, Arenal Sound, Viñarock, Primavera Sound, Rototom Splash) la representación femenina sobre el escenario iba entre del 9% al 36%. 

Cuando vi The Runaways por primera vez estaba en la universidad, la habían estrenado poco justo cuando empecé a estudiar. El recuerdo que tenía de Kristen Stewart era el de Bella, en Crepúsculo. Me pareció que seguía sin tener ni una pizca de sangre, pero Joan Jett le sentaba mucho mejor. 

Por aquel entonces yo no conocía a Joan Jett. Había escuchado We love rock&roll. Fue prácticamente la primera mujer en reivindicar su espacio en el rock, la música que yo solía escuchar. Hasta ese momento ni siquiera había sido consciente que no escuchaba grupos en los que cantaran mujeres. Esas puertas me las abrieron Kristen Stewart y Dakota Fanning haciendo de Joan Jett y de Cherie Currie. 

Hay una escena dentro de la película en la que JoanJettKristen entra en una tienda, pone sobre el mostrador un puñado de monedas y se lleva unos pantalones y una chupa de cuero, esa es su presentación. Y, aunque lo separe un abismo, me recordó a Marjane Satrapi en Persépolis, cuando siendo una niña va a ese mercado clandestino de música a comprar discos de rock. Entonces Michael Jackson era pecado y Abba también.

Marjane Satrapi sobrevivió a una guerra y creció sintiendo que sobraba en el mundo: Irán era todo lo que quería, pero allí no era fácil vivir. Y Occidente, el resto del mundo, no era un lugar donde la hicieran querer estar. Cuando ven que se da la mano con un chico y la detienen, su padre se lamenta: en el mismo país, cuando él tenía 15 años, podía ir de la mano con su novia sin problema. Cuando se casa a los 21, su madre llora porque la quería libre y emancipada. Cuando pones los problemas del mundo sobre la mesa evidentemente hay unos que sobresalen por encima de otros. 

Marjane Satrapi vivió en unas condiciones tan duras que llegó a decir que tenían tanta ansia por ser felices que no les importaba que les hubieran quitado la libertad. Pero eso solo lo dice una vez en toda una historia en la que no siempre fue feliz pero que todo el rato intentaba ser libre. 

Lo de la libertad, además, es difícil definirlo. A Marjane su abuela le exigía que se quitara el velo en casa: simbolizaba opresión, muerte, esperas, miedo. Y, sin embargo, este fin de semana me he tragado entera We Are LadyParts, una serie sobre un grupo de chicas musulmanas y británicas que forman un grupo de punk en el que cantan cosas como “llevo a Voldemort debajo del pañuelo”. 

Dentro de la serie no existe la más mínima reivindicación sobre llevar o no velo, hijab, niqab, lo que sea. Amina es una apasionada de la música y está doctorándose en microbiología en la universidad. Busca marido desesperada porque todas sus amigas están prometidas aunque a sus padres les da más bien igual que se case o no, pero respetan su decisión. Lleva pañuelo. Pero yo, que no lo llevo, también veo que todas mis amigas se están casando y siento que estoy llegando tarde a algún sitio, aunque no sé a dónde. 

Saira perdió a su hermana, no se lleva bien con su familia, su vida es el punk y toda su filosofía y no lleva pañuelo. Bisma se cubre la cabeza, es madre, su marido es también artista y ella se dedica a cocinar postres veganos y a escribir historias sobre la menstruación. Ayesha solo se descubre el pelo en casa, conduce un Uber y tiene horribles ataques de ira. Y Momtaz, que usa niqab, es la manager y trabaja en una tienda de lencería. 

Este ojo occidental mío, limitado en sus cosas, solo se preguntó cosas sobre el pelo de estas chicas en el primer episodio. Luego, afortunadamente, me di cuenta que hacer lo que te sale del coño siempre es libertad, con pañuelo, con punk, vomitando o de cualquier otra manera. 

Una vez leí una cita que decía algo así como que, mientras los hombres se repartían el mundo, a las mujeres nos dieron el amor. Toma, hija, escribe este poema mientras te caso con este tipo que tiene 20 años más que tú. Con lo brillante, luminoso y platónico que es el amor, así como concepto, es normal que ningún asunto terrenal nos pareciera interesante. 

En Ropa, música, chicos, Viv Albertine cuenta que a ella solo le interesaba lo terrenal. Por avatares del destino, estuvo en esos inicios del punk británico más rabioso. Fue miembro del primer grupo de Sid Vicious antes de que este la largara porque no sabía tocar. Compró en Sex, de Vivienne Westwood, antes de que fuera prohibitivo. Se codeó con músicos, se coló en garitos, huyó de los skins. Y, muy lejos del final, fundó las Slit, el que sería el primer grupo femenino de punk. Era 1976, había pasado solo un año del nacimiento de The Runaways de Joan Jett. 

Cuando el sueño de la música termina, Viv se aferra a un deseo de ser madre que no sabe de donde sale. Y no puede evitar pensar si la maternidad es algo que se ha negado así misma, recordando el aborto al que se sometió de joven. Cuando abortó no sabía que querría ser madre más adelante. Pero sabía que no tenía forma de atender a un niño. Tampoco sabría que el cáncer de cuello de útero se cruzaría en su camino. 

La historia termina bien, ¿eh? Consigue ser madre, se recupera de la enfermedad. De alguna manera vuelve a la música y durante el tiempo en el que no lo hace le va bien en televisión. Vivió rápido, fue inteligente y tuvo suerte, así que no hay cadáver al que llorar. 

Empecé hablando de hablar y empecé hablando. Y empecé escuchando las más de dos horas de disco que ha parido Taylor Swift, The tortured poets department. Un puñado de canciones que me gustan (porque suenan a Folklore y a Evermore) y en las que sabes que siempre hay un malo al que querer quemar. 

En thanK you aIMee dice “And so I changed your name and any real defining clues and one day, your kid comes home singin' a song that only us two is gonna know is about you”. Algo así como “he cambiado tu nombre y todas las pistas decisivas y un día, tu hijo llegará a casa cantando una canción que solo nosotras dos sabemos que va sobre ti”. 

Todo el mundo sabe que va sobre Kim Kardashian y todo ese drama que ahora mismo no tiene sentido recordar y que tiene más que ver con el penco aquel con el que estuvo casada. De verdad que no hay una sola persona que pueda ignorar que va sobre Kim Kardashian. Es evidente, probablemente también para los hijos de Kim. 

INSERTE AQUÍ FOTO DE TAYLOR SWIFT

Volviendo a aquella habitación de residencia universitaria en la que descubrí a Joan Jett gracias a una peli que no tanta gente vio, por aquel entonces no quería escuchar a Taylor Swift. Aunque de aquellas era una diva del country, lo cierto es que no me gustaba que lo rajara todo. Porque si algo la caracteriza es su gusto por compartir con el mundo con escaso disimulo todos y cada uno de sus pesares. 

Rentabiliza las rupturas, se abre como un libro abierto (aunque actúa como si no supiéramos nada) y ya no me parece fatal. Ya no me parece mal que Taylor Swift cuente todas y cada una de sus movidas y que a nosotros nos de cotilleo y música y que ella se llene los bolsillos. Porque su dolor es suyo, su rabia es suya y su dinero (que paga la independencia que la mamá de Marjane Satrapi soñaba para su hija) también es suyo. 

(Quiero decir; el último payaso que me hizo llorar mucho sigue en su casa tan tranquilo mientras a mi se me cayó tanto pelo que ahora solo pienso en tomar Olistic).

No sé qué es la libertad, no sé qué he venido aquí a decir. Pero me da pena haber esperado a los 19 para empezar a escuchar mujeres, me da pena ir a festivales (sobre todo a aquellos que van de revolucionarios y antisistemas) y no ver a mujeres sobre el escenario y, sobre todo, me da rabia que me digan que hablo mucho cuando solo digo, ni más ni menos, que lo que me sale del coño. 

Tampoco hay aquí más drama. 

[somosinterzone]

Babasónicos vuelve a empapar de energía sónica al público rosarino

La banda se presentó el pasado sábado 9 de septiembre en el Anfiteatro Municipal, con un gran público repleto de expectativas para esa noche.

Por Greta Meyer.

Previo al ansiado show de los babas teloneó Matilda, el dúo rosarino de electro indie pop, que fue anticipándonos las ganas de bailar.

Puntuales a las 21:59, rompen en escena los músicos de la mítica banda. Finalmente, empezaba una de las mejores celebraciones para la música de una gran carrera y de la vida de tantos. Una fiesta de energía sónica para bailar y sentir un sonido que cuando suena en vivo se eleva en todos sus matices.

Recorriendo las décadas de trayectoria, y abrazando también lo nuevo; abrieron el show con "Mimos Son Mimos" de "Trinchera", el decimotercer disco de la banda, seguido de "Paradoja", otra canción de ese novel trabajo.

Mas luego, nos sumergimos en todos los grandes clásicos . y supimos disfrutar de El show más completo, de lo que tiene la escena del rock nacional actualmente. Una puesta en escena universal, con no mucha comunicación hacia el público más que los simpáticos "Gracias" entre sonrisitas, de Adrián Dárgelos (voz). Pero dejando entre verse la emoción de los artistas.

Destaca también el acompañamiento del show de luces, que mantiene al público en sintonía con lo que está escuchando. En cuanto a las visuales, hay un elemento digno de recordar, que se empezó a ver implementado en los recitales de la gira Bye Bye: en canciones como "El Colmo" Dárgelos se hace pequeño en el escenario para verse enorme en la pantalla, con un primerísimo primer plano de su cara, y nos canta mirándonos a través del lente.

Estos fueron detalles de lo que fue una noche babasónica de lujo, con la banda y su show en su máximo esplendor.

[dakota-zen]

Imagine Dragons✨️

Imagine Dragons es una banda de rock formada en 2008 por su vocalista Dan Reynolds, el guitarrista Wayne Sermón "Wing", el bajista Ben McKee y el baterista Daniel Platzman, en Las Vegas, Nevada, Estados Unidos. El nombre del grupo es un anagrama, su nombre original es Ragged Insomnia y fue revelado en el vídeo "On Top of the World".

Todo comenzó cuando aún eran estudiantes de la Universidad Brigham Young, ser grandes amigos y tener la misma pasión por la música, le bastó a el dúo en ese entonces Dan y Andrew para reclutar a más miembros para completar la alineación para su banda de sueño. Fue entonces cuando Daniel, Wayne y Ben McKee llegaron.

Su primera experiencia fue probando en Utah, Estados Unidos, antes de mudarse a Las Vegas, donde finalmente lanzaron sus primeros tres mini-álbumes. El primer trabajo discográfico, uno homónimo llamado Imagine Dragons, llegó en 2010, seguido por "Hell and Silence" en el mismo año. No perdieron tiempo y lanzaron otro disco titulado "Its time", un año más tarde antes de que finalmente obtuvieran un contrato de grabación.

La banda obtuvo su gran oportunidad cuando fueron llamados a participar en el Bite of Las Vegas Festival, porque Pat Monahan cayó enfermo por lo que su banda no podría llevar a cabo su presentación en el evento.

El tema "Radioactive", alcanzó el top 3 en el Hot 100 de Billboard y continuó hasta convertirse en uno de los mejores 10 en múltiples ocasiones. Rompió el récord de la pista más larga entre los cinco primeros y se convirtió en la canción de rock más vendida en la lista de funcionamiento Nielsen en la historia digital. El tema forma parte de la banda sonora de varios tráilers de lanzamiento del conocido videojuego “Assassin's Creed III”, y de la adaptación al cine de la novela de Stephenie Meyer, “La Huésped”, también en las series “Arrow”, “The Vampire Diaries”, “On Top of The World" para la película "Los Croods", este último también aparece en los videojuegos “FIFA 13” y “Pro Evolution Soccer 2013”, siendo así la primera coincidencia de bandas sonoras entre las dos rivalidades futboleras y soundtrack del videojuego "NBA2k14" y del video de introducción del videojuego MLB 2013 the show.

Maravillosa banda🎸

[fi0nazu]

( ⏳ )    ACTIVIDAD 20  :  UN VIAJE EN EL TIEMPO                                   fiona zuluaga, treinta y siete, cantante y compositora.

apenas se graduó volvió a argentina, buenos aires, y grabó su primer disco tras firmar con sony ( la disquera donde su padre trabaja ) 

durante su contrato con sony solo hizo cuatro álbumes de pop urbano y una fusión de ritmos derivados del trap, pop, r&B, rap, reggaetón y cumbia. sin embargo, ninguno de estos álbumes hizo la cantidad de dinero prometida, por lo que luego de su cuarto disco finalmente terminó su contrato y se volcó de lleno a un genero de música nuevo de manera independiente

tras soltar su primer disco de una fusión de rock, pop y dance, le fue mucho mejor, sin embargo, no fue hasta integrarse como cantautora en una banda  de rock que pudo alcanzar la fama que buscaba ( ¡y sin ayuda de ninguna disquera importante! )

actualmente la banda que integra es muy conocida, han llegado a tocar ya en dos lollapalooza y hecho giras por latinoamérica y países como israel, españa y estados unidos.

está comprometida

una de sus canciones más conocidas se trata de todo lo que vivió en alabaster, sin embargo, no ha vuelto a pisar portland desde su graduación y tampoco habla de lo sucedido en alabaster en ninguna entrevista : finge total demencia 

la fama de descontrolada le sigue hasta en actualidad y fiona la alimenta muchísimo, pero ha logrado entender que no necesita de ninguna reputación para hacer música ( al contrario de lo que le decía su padre )

la relación con su padre cambió mucho, si bien en presente están en buenos términos, nunca han vuelto a tener la dinámica que tuvieron una vez

con su madre logró un vinculo más fuerte cuando le comentó sobre su compromiso 

con su hermana jamás dejo de hablarse, son muy unidas y siempre se escucha noticias de ambas en los portales 

vive en buenos aires

[profesor-javaloyes]

En mi “molesta” opinión

Abbey Road, mitos y (cruda) realidad.-

"Más vale honra sin barcos, que barcos sin honra" (Casto Méndez Núñez, almirante español en la guerra Hispa-Americana)

“Mejor es conservar honra y barcos” (viejo Profesor Javaloyes, contra almirante y siempre contra todo y todos)

Comencemos, queridos niños, con el mito. Abbey Road es el undécimo álbum de estudio publicado por la banda británica de rock The Beatles, y lanzado al mercado el 26 de septiembre de 1969 en Reino Unido por Apple Records. Se trata del último álbum grabado por la banda, ya que Let It Be, lanzado en 1970, había sido grabado con anterioridad.

Eso es lo que cuenta la versión oficial. Pero antes de pasar a la verdad prosigamos brevemente con el mito. Esta portada hizo creer a mucha gente que Paul está muerto: John Lennon iba de blanco, como un sacerdote dijeron. Imagino que se refieren a un santero cubano. Ringo Starr va vestido de negro, como si fuera de luto (o quizá porque se había convertido en gótico o emo). Paul McCartney iba descalzo y descoordinado del grupo, como si estuviera muerto (estaba borracho, obviamente). George Harrison iba vestido de sepulturero (no tenía ropa que ponerse). Como verán, eso no es más que un mito.

La verdad. En 1969 The Beatles se pusieron en contacto con el viejo Profesor Javaloyes solicitando consejo y apoyo. El grupo estaba ya disuelto pero querían crear un último álbum que sonara diferente a lo anterior, nada de Phil Spector y su “muro de sonido”, lo que querían era un final coronado con un sonido ponderado. Y yo, con múltiples ocupaciones perentorias pero que en el fondo soy un cínico (filosófico) sentimental, dije que sí. Pero con la condición de que se grabara en mi antiguo estudio de grabación situado en lo que es hoy la Casa Consistorial de Santa Cruz de Tenerife, en la calle Méndez Núñez.

El tiempo apremiaba y en cuanto llegaron nos pusimos en ello dedicando todo el tiempo a grabar y la producción musical para lo que conté con mi – hasta entonces – ingeniero de sonido Jorge Martín, un chicharrero, un tipo del barrio del Toscal de toda la vida y que al no superar los exámenes para ingeniero de canales y puertos - y ante la exigencia de sus padres que lo querían con un título – se metió con lo de ingeniero de sonido y coló - vieron el título de ingeniero, no leyeron más y se dieron por satisfechos.

El último punto a resolver fue la portada. ¿Qué hacemos Profesor?, no hay tiempo y tenemos que volver a Londres ya. Entonces les dije, “salgamos a la calle Méndez Núñez y tiremos unas cuántas fotos, tengo la intuición que será algo sencillo pero que pasará a la historia de generación en generación”. Y así lo hicimos.

Pero al su regreso a Inglaterra recibí una llamada de los chicos pidiéndome disculpas y solicitando mi bendición para hacer unos cambios. Y es que los ingleses son ante todo ingleses y todo lo tienen que hacer a su estilo - es decir al revés - y que su marca se imponga. “Es que ha intervenido no sólo la casa de discos sino el parlamento y la Casa Real y la portada no la admiten de ninguna manera” me dijeron entre inconsolables lágrimas. “Naaaaahhhhhhh, no preocuparse les dije, renuncio a ser nominado como autor de todo el trabajo, la producción, la música, los arreglos y también la portada. Pero con la condición de me reservarme el derecho de publicar la verdad pasados cincuenta años”.

“¡Hecho!” dijeron a cuatro veces muy armonizadas. “¿Quién se acordará de nosotros cuando hayamos muerto?” debieron pensar. Y así fue como se desnaturalizó toda la grabación ponderada. Proclamaron que se había realizado en los estudios de Abbey Road, retocaron la foto para que pareciera hecha en la misma calle y aquí terminó la historia de The Beatles como grupo.

El problema más difícil de sortear fue el de Jorge Martín que se negó a ceder los derechos de su trabajo en la grabación. Después de tiras y aflojas y mucha presión – y tras requerimiento personal de la reina al viejo Profesor Javaloyes como Lord Protector de la Casa de Windsor de Inglaterra – me reuní con Jorge y le dije; “mirá pibe, te contratan en los estudios Abbey Road, te incluyen en los créditos de casi todos los álbumes anteriores y la reina te concede el título de Sir (se pronuncia ser)”. Jorge se quedó pensando durante un instante soñando con libras esterlinas y dijo “Ser o no Ser, y si no estar entonces no Ser… ¡trato hecho!.

Y de ese modo Jorge Martín, canario, tinerfeño y del Toscal de toda la vida se convirtió en Sir George Martin, inglés de rancio abolengo con toda la historia que se inventó después acerca de su figura.

“Yo te amo más que a mi vida, mi vida eres tú”. Pero si mi vida eres tú y yo te quiero más que a mi vida, quiere decir... ¡que te quiero más que a ti misma!.” (Profesor Javaloyes en discusión ponderada – inútilmente – con Rubén Darío sobre uno de sus más famosos poemas)

[rtrucios]

Que bacán escuchar y relajarse con un disco como este, uno de los mejores unplugged de la historia junto cn Nirvana y Clapton con sus 56 minutos de duración y un sonido espectacular que solo demuestra lo genial que puede ser esta banda. Lanzado en 1996, que documenta la actuación del grupo en el ciclo “MTV Unplugged” del año anterior. Paul Stanley y Gene Simmons invitaron a los miembros anteriores Peter Criss y Ace Frehley a participar en el evento. La reacción de los fans a Criss y Frehley fue tan positiva que, en 1996, la banda original se reunió, con todos los cuatro miembros originales juntos por primera vez desde 1980. Fue certificado disco de oro el 18 de octubre de 1996, cuando vendió 500 000 copias. Este bootleg (porque aun no consigo el MTV Unplugged) trae 16 canciones un tema mas que el acústico original y un par de canciones en otra versión a la ya conocida (lo tengo en cd por ello me di cuenta) el cual realmente hace de un disfrute musical . Por cierto, gracias los amigos de @mukirecords que trajeron este LP A continuación te dejo el listado de temas A ”Comin’ home” – 2:51 “Plaster caster” – 3:17 “Goin’ blind” – 3:37 “Do you love me” – 3:13 B ”Domino” (Gene Simmons) – 3:46 “Sure know something” – 4:14 “A world without heroes” – 2:57 “Rock bottom” – 3:20 C “See you tonight” – 2:51 “I still love you” – 6:09 “Every time a look at you” – 4:43 “2,000 man” – 5:12 D “Beth”– 2:50 “Nothin’ to lose” – 3:42 “Rock and Roll all nite”– 4:20 “Got to choose” – 4:01 #vinyl #vinylcollection #discosdevinilo #vinyladdict #vinylcollector #longplay #vinylcommunity #vinyligclub #vinylrecords #vinyloftheday #vinylgram #vinylcollectionpost #vinylcollector #vinyls #vinyllove #vinylclub #vinylrecord #musicaenvinilo #vinyllover #tornamesa #VinylLife #tocadiscos #vinylcollective #discodeldia #melomano #musiclover #musica #discosdevinilo #vinilos #longplay #MTVUNPLUGGEG #KissWorld (en Muki Records) https://www.instagram.com/p/CrtJRTELA34/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[elimoris]

¿Charly y Fito, los Mozart y Beethoven de nuestra época?

 Ayer terminé la serie sobre la vida de Fito Páez en Netflix, y no se preocupen este post no será para «spoilear» a aquellos que aún no la han visto, sin embargo me quedé pensando en la línea delgada entre la rivalidad y la complicidad de ambos personajes.

Debo confesar que hace más de 20 años Charly y las bandas que había tenido no eran de mi más mínimo conocimiento, lo único que escuché de él eran las canciones que pasaban por la radio, me parecía un tipo pedante y egocéntrico, es más cuando Sui Generis tocó en Perú en 2001 fui al Estadio Monumental pero a vender cola, en esa época mi economía no era de las mejores y me acababa de enterar por toda la movida que Sui Generis había ocasionado en los fans de mi país, que «Rasguña las Piedras» era una canción de ellos y no el «Ave María» que se cantaba en las misas de mi colegio con otra letra, ya que solo por eso conocía la melodía y después de 20 años supe que la original era de Charly y Nito.

Y sobre Fito desconocía su pasado, eso sí cuando escuché «Mariposa Technicolor» y «El amor después del amor» de inmediato se posicionaron entre mis canciones preferidas de esa época, pero no era para comprarme el álbum entero ya que coleccionar discos no era una de mis prioridades.

Con el tiempo y las amistades que fui forjando conocí más del rock argentino y con ello toda la onda de Charly, Fito, Almendra y sus derivados, despertando en mi un gusto musical que se mantiene en la actualidad, no podía creer lo perdida que estaba sin conocer la maravillosa música de los papás del rock gaucho.

Con estos conocimientos previos me atreví a formular un pensamiento, comparé a Charly con Mozart y a Fito con Beethoven, si nos ponemos a realizar algunas comparaciones Ludwig era admirador de Amadeus así como Páez de García, el autor de Elisa era 14 años menor que Mozart y Fito 12 años menor que «El bigote bicolor» 

Aunque hay varias teorías acerca del encuentro entre Mozart y Beethoven y otros dicen que nunca ocurrió me quisiera quedar con una anécdota la cual recita el biógrafo del siglo XIX Otto Jahnque, ambos se conocieron en Viena cuando Ludwig viajó como un prometedor músico, le presentaron a Mozart y el discípulo interpretó para él, sin embargo Amadeus no le tomo importancia porque era un tema que Beethoven ya había estudiado, al darse cuenta de su indiferencia, el joven músico pidió improvisar inspirado en Mozart, captando en ese momento la atención del experimentando compositor a lo que éste dijo «Recuerden su nombre, este joven hará hablar al mundo»

Me imagino a un Charly viendo a Fito por primera vez y pensando que sería útil para su banda, sin esconder un poco sorpresa y cierto recelo al ver a un tecladista que tocaba tan bien como él y sobre todo que lo imitaba. Al inicio es conocido que Charly ponía a Fito de espaldas en los conciertos porque ya era conocido en el círculo musical pero da a entender que tal vez no quería que tome mayor protagonismo que el mismo Charly, sin embargo con el tiempo éste admitió que debía tomar su propio camino dejándolo recorrer las sendas musicales que hoy conocemos y que estoy segura tiene mucho más que ofrecer.

¿Qué hubiera pasado si Mozart y Beethoven hubieran tocado juntos? ¿Sería la misma complicidad que tienen Charly y Fito? o ¿Los egos de Mozart y Beethoven hubieran sido un impedimento ya que en el siglo XVIII quien componía para las cortes era el más beneficiado económicamente? Lamentablemente no lo sabremos, no hay registros de sus encuentros y si los hubo me quisiera imaginar que tuvieron mucho de que hablar o que estuvieron enfrentados en algún duelo de pianistas como se solía acostumbrar en la época.

Y vale más que decir que Charly y Fito aprendieron a tocar con las partituras de estos ídolos que a finales de 1700 y principios de 1800 fueron como los reyes del rock and roll de la música clásica.

¿Y ustedes como creen que hubiera sido el encuentro de ambos compositores de la época barroca? ¿Tienen alguna otra comparación entre Charly/ Fito y Mozart/ Beethoven o lo consideran algo descabellado? Me gustaría saberlo.

[girosnegros]

¡Oye, Boomer! ¿Te Gusta De la Soul?

1989 fue el punto más alto de la llamada época dorada del hip hop en términos de creatividad y progreso. Hubo enseñanzas en el movimiento "Stop the violence" (alto a la violencia) de KRS-One. Public Enemy llamaba a las armas. EPMD con sus sombreros de pescador. El acento de crío inglés del chico del Bronx, Slick Rick. Players como Big Daddy Kane, Marley Marl y el Juice Crew, y el ascenso del oeste con Ice-T, Too $hort, y NWA.

De entre todos los discos que salieron ese año tan crucial, uno de ellos sería especial, único, rompedor e importante para el hip hop. Tres adolescentes de los suburbios de Long Island junto a Prince Paul, un productor local, le volaron la tapa a chicos y a grandes con su álbum debut, «3 Feet High Rising», antes de terminar la década.

Unidos a finales de los 80, Dave Trugoy (Yogurt al revés), Posdnuos (SoundPop al revés) y Maseo comenzaron a trabajar a partir de unos demos hechos por este último. Una de esas maquetas, 'Plug tunin', llamó la atención de un productor local llamado Prince Paul, miembro de Stetsasonic, quien les ayudó a conseguir un contrato con Tommy Boy Records.

«3 Feet high and Rising » fue un éxito sin precedentes en ventas, los críticos lo acogieron y lo apodaron como "el sargento pimienta ochentero", una descripción cursi, pero efectiva que llamó la atención tanto de chicos de la época que les gustaba el rap como de adultos que reconocían "su música" en los samples.

«Cuando todos los demás explotaban hasta el último break de James Brown, De la Soul dijo "No, tu no tienes que sonar así". La tercera generación del hip hop había nacido». Tommy Silverman

Influenciados por un entorno más tranquilo lejos de la ciudad, Dave y Pos empujaron los límites del sample haciendo una fusión de géneros. Pop rock, jazz, funk, lo que tú quieras, De la Soul podía mezclar los discos de tus papás y hacerlos sonar diez veces mejor.

La presentación colorida, los medallones de cuero de África, la estética bohemia y las tempranas declaraciones de la época D.A.I.S.Y (un acronimo para Da Inner Sound Ya'll, algo así como "El sonido interno de todo") sobresalian como una torre de libertad entre sus contemporáneos.

Sin embargo, a pesar de la seriedad de las confrontaciones políticas de sus canciones, el distinguido humor, la melodía más la exageración del sello en su imagen, tenía cierto sentido llamarles "hippies", solo que no era fácil explicar el porqué de este apodo y reputación que llegaron a detestar suspendiendo giras, shows, debido a las constantes peleas entre ellos y el público que los tomaba a ligera.

«3 Feet high and Raising» vino a cambiar el juego para siempre, la actitud y la pose agresiva ya no lo eran todo. De la Soul le dio la oportunidad de pasar el micrófono al ultimo chico de la clase, al nerd, al quien menos se esperaba. Exploraron en las posibilidades creativas hablando contundente con un sonido único e invitando a otros a ser ellos mismos con su arte.

«Nuestra música es cruda y funky al mismo tiempo, es profundamente soulfoul porque está es la época Daisy, este es su sonido interno. El rap no tiene que salir de líneas de bajo duras y de bombos y tarolazos». Dave "Trugoy" Jolicoeur

Esta disposición a ser auténtico caló tan hondo que la influencia del trío está en cada rincón del rap, incluso en artistas actuales de renombre. Kendrick Lamar, J Rock, Ab Soul y Schoolboy Q se autonombraron "Black Hippys", Kaney West a pugnando por A Tribe Called Quest quienes formaban parte de los Native tounges, una crew afrocentrista de productores integrada por De la y otros artistas en donde debutaron en el video de 'Buddy' del mismo trío, y hasta el polémico Lord Jamar de los Brand Nubian cree de no haber sido por ellos no existiría Drake.

De la Soul encarna lo mejor de la cultura: la creatividad, la inteligencia, la atención al detalle. «3 Feet high and rising» llegó cuando las cadenas de oro trenzadas y la actitud macho se estaban quedando anticuadas, la música y el liricismo ahora eran "la onda" en el Hip-hop. Un experimento divertido hecho inocentemente en una época en la que se podía hacer de todo.

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[rockanrolario]

#Rola | Kuervos del Sur | De La Luz

La reconocida banda chilena Kuervos del Sur eligió como corte promocional de su nuevo disco de estudio, el sencillo “De La Luz”, el que ya se encuentra disponible a través de todas las plataformas digitales gracias a la distribución de Altafonte. https://youtu.be/pcxeOCVhqd0?si=cQv4kHq5Diz03GCW En “De La Luz”, se mezclan las tradicionales influencias de la banda como el folklore latinoamericano y el rock alternativo, y en donde se puede resaltar la sonoridad de instrumentos andinos como el charango y la quena y, por otro lado, en esta ocasión y en este nuevo disco en particular, se incorporó el sonido psicodélico y atmosférico del melotrón, instrumento de teclado utilizado por variedad de bandas progresivas desde los sesenta en adelante. Según palabras de Jaime Sepúlveda, vocalista de la banda y compositor del tema: “esta canción es una evocación de la dualidad entre la luz y la oscuridad, donde el deseo de ser iluminado y reflejado se entrelaza con la metáfora del día y la noche. Se busca la luz interior que disipe las sombras, explorando la idea de encontrar paz en medio de la eterna alternancia entre la luz y la penumbra. El tema sugiere que la presencia de alguien especial actúa como un faro, brindando calidez y claridad incluso en los momentos más oscuros”. El sencillo fue grabado, mezclado y producido por Alain Johannes en Santiago de Chile entre julio y octubre de 2023; y fue masterizado por Dave Collins (ganador de un Grammy) en Los Ángeles, EEUU.  En cuanto al arte, tanto de "de La Luz" como del disco, fue desarrollado por el estudio de diseño Médu1a. Kuervos del Sur es una banda independiente chilena que fusiona el rock alternativo y progresivo con el folklore latinoamericano. Han editado siete producciones, tres álbumes de estudio y cuatro grabadas en directo. El 2017 recibieron dos Premios Pulsar a la música chilena, uno por Mejor Artista Rock y otro por Mejor Arte para un disco gracias a El vuelo del Pillán, el cual fue considerado por la revista Rockaxis dentro de los diez discos chilenos más importantes de la década pasada. Se han presentado en variedad de festivales dentro y fuera del país. Hoy se preparan para el estreno del que será su esperado nuevo álbum (del cual se desprende el presente sencillo), en el que trabajaron con el prestigioso productor de nivel internacional, el músico chileno-estadounidense Alain Johannes quien ha producido discos de artistas de la talla de Chris Cornell, Queen of the Stone Age y Arctic Monkeys por nombrar algunos. Read the full article

[serbiothacoldone]

El álbum que cambió el hip hop.

Vamos a poner un poco de contexto, early 2000's, el gangsta rap es el mainstream total del hip hop, poca ambición dentro del género aun que gente como El-P, Aesop Rock o DOOM empezaban a crear esta cultura underground del hip hop abstracto, el hip hop estaba cayendo muy rápido, gente como Jay-Z o 50 eran los únicos que lanzaban material de calidad con una visión comercial a la vez.

Kanye Omari West cambió el hip hop, era un tipo normal de Chicago que hacía buenos beats, produjo temas míticos de Jay-Z en The Blueprint y comenzó a ganar reconocimiento pero nadie lo veía como un rapero, no pintaba esa imagen gangsta que reinaba en esos tiempos para el género, era un backpack rapper que hacía buenos beats. Jamás olvidare esa escena en el documental de jeen-yuhs donde iba por las oficinas de Roc-A-Fella rapeando a gente que estaba trabajando para que lo contratarán.

La producción de este álbum es única y fue groundbreaking en ese momento, vemos arreglos de violines preciosos y elegantes, beats con samples de soul que era la marca de musical de Kanye, estos samples de soul pitchados y chopeos de vocales femeninas, hacen de este álbum un proyecto disfrutable para cualquier persona, tu le pones esto a alguien fan del soul y le puede gustar, le pones esto a un hip hop nerd y le encanta, es lo que tiene ser Kanye, por cierto, otra cosa que hizo de TCD un triunfo fue la letra, por una parte vemos a un Kanye West criticando al sistema estadounidense bajo este mood de backpack rapper que narraba historias con las que cualquiera se puede sentir identificado como en Spaceship o All Falls Down, ahora si, hablemos de las canciones.

We Don't Care te introduce al mundo de este proyecto, un beat espectacular con un ritmo muy funky y con unas vocales femeninas de fondo loopeadas muy sabrosas, en este tema vemos a este Kanye criticando al sistema americano explicando como tratan a la gente negra, que solo sirven para vender drogas y que no pasaran de los 25, también se me hace comida este tipo de sonido al fondo proveniente de un peluche, es como que Kanye esta criticando con buenas vibes al sistema americano, gran intro.

Llegamos a uno de los núcleos del disco, All Falls Down, por temas como este TCD triunfó. Un tema con un coro bastante pop donde las vocales de Syleena Johnson son memorables y donde esta guitarra crea una vibe muy cabrona, la letra es bastante consciente, narra esta historia de una persona que estudia por presión de los padres pero que en verdad solo quiere unas Jordan nuevas, un Lexus para conducir. En el segundo verso Kanye se critica a él mismo por no darse valor como persona y al final criticando al hombre blanco por el racismo hacía los afroamericanos, clásico de Kanye West.

Spaceship es uno de los mejores temas de la carrera de Kanye, primero, un beat con un sample pitchado de soul precioso donde me encantan estas harmonías masculinas en el coro, beat de 3/4 cuartos, bastante peculiar para esa época donde el boom bap reinaba. La letra hermano, Kanye explicando cuando le explotaban en GAP y cómo se encerró en su 'spaceship', el hip hop, como creó 5 beats diarios durante 3 veranos seguidos para lograr ser el mejor. De los temas más inspiradores que he escuchado del tipo.

Jesus Walks es un tema legendario dentro de la densa carrera de Ye. Espectacular, comienza con unas vocales y drums marchantes, cómo si estuviéramos en un tipo de desfile militar, el sample en el coro te da esa autoridad que muestra el beat siempre, el verso inicial de Kanye es uno de los mejores que he visto jamás, criticando la visión de America sobre los negros y en el segundo expresando su amor por jesus, exclamando que ninguna canción cristiana puede chartear en los tops y esta, lo hizo, legendario.

Never Let Me Down es otro tema precioso, con unas vocales femeninas en el background super dulces y suaves, beat super frío donde Jay-Z rompe, explicando como va a mantenerse como una leyenda por los años en el hip hop, Kanye hablando de su devoción por ser el mejor de la historia y un verso spoken-word precioso de J. Ivy expresando su devoción por cristo, tema precioso. Get Em High es otro banger, un feat durísimo de Common y de Talib Kweli, coro catchy as fuck y dios mío, tu has visto ese inicio de Kanye rapeando, uno de los rapeos rítmicos mas bestias que he visto del hombre jamás, el feat de Talib Kweli me parece de los mejores del disco y en general, un tema de hip hop con una esencia muy callejera y bouncy.

The New Workout Plan, masterpiece de Kanye West, comienza con una sección de violines tensa y orquestal, todo el tema es una broma, irónicamente Kanye esta criticando al consumismo y materialismo americano poniendo este plan de gimnasio para la gente, la intro me mata de risa siempre que la escuchó, el coro es de los mejor ejecutados del álbum y el flow de Kanye es brutal, al final hay un outro con vocoder super rico y que añade una capa extra al tema.

Slow Jamz esta entre mis temas favoritos de la carrera de Kanye West, increíble. Harmonías vocales excelentes de Jamie Foxx con un beat de soul precioso con un coro coral super bello y catchy, el tema en si es una oda a artistas históricos del soul de los 70's, el verso satírico de Kanye me parece uno de sus mejores performances y Twista tiene junto a Mos Def el mejor feat del disco, lanzando un doble-tempo rapidísimo donde rompe y su flow es super dulce y bueno, uno de los temas que explican el triunfo de este proyecto.

Two Words, mi tema favorito del disco y para mi de los mejores de Kanye, la producción es de lo mejor de este tema, una canción con unas vocales femeninas y chopeos autoritarios y poderosos, con también una guitarra eléctrica imponente y un feat celestial de Mos Def, brutal su aparición y el verso de Kanye es para estudiarlo, un genio, tema con una aura gospel fuerte y una oda a la música negra, bestial.

Through The Wire es otro clásico de Kanye, este tema lo hizo con la mandíbula rota ya que casi muere en un accidente de coche una noche en Chicago, un sample de Chaka Khan super icónico y la verdad que la actitud de Kanye durante todo el tema es muy inspiradora, banger. Por último destacar Last Call, outro preciosa donde West agradece a todos los que le han permitido lanzar el álbum, así se acaba esta masterpiece.

The College Dropout es como mensaje uno de los mejores que he visto en la música, un tipo que con ambición y talento sabía que iba a lograr ser el mejor de la historia, una producción que cambió el hip hop y una letra inspiradora y relatable, de los mejores álbumes de la historia del hip hop y el mejor de Kanye West.