#Iconoclasta

[viviween]

Il termine beeldenstorm (tempesta delle immagini) indica la distruzione di luoghi sacri cattolici che si verificò tra il 10 agosto e l'ottobre del 1566 nell'area dei Paesi Bassi storici (gli attuali Paesi Bassi, Belgio e Lussemburgo).

Il movimento iconoclasta ❤️ cominciò a Steenvoorde, oggi Fiandra francese; la beeldenstorm portò allo scoppio della Guerra degli ottant'anni e alla creazione della Repubblica delle Sette Province Unite.

Durante la beeldenstorm, le folle inferocite distrussero completamente centinaia di chiese cattoliche, cappelle, abbazie e monasteri con tutto ciò che contenevano (altari, statue, fonti battesimali, cori, pulpiti, organi, calici, dipinti, libri e paramenti) e addirittura l'intonaco dell'interno ❤️

[pyxisbr-blog-blog]

A Arte de ser um Iconoclasta, da Série "Entre sem bater".

Um idólatra e um iconoclasta nunca se bicavam.

Atualmente, as redes sociais misturam tudo.

#Iconoclasta #Entresembater #SalmanRushdie #Idolatra #Iconoclastia #Cetico #Critica #IdolosdeBarro #Mito

[kommunic8]

Cia avete mai fatto caso? Le chiese cattoliche all'esterno a volte sono molto semplici ed essenziali, ma all'interno trasudano di cristi morenti, madonne dolorant, statue, affreschi ori eccetera, mentre le chiese protestanti fuori sono spesso piene di ghirigori e sculture e torrette ma dentro sono vuote, nemmeno un singolo quadro, modello iconoclasta. Avrà a che fare con le diverse filosifie di vita? Mi ricorda quella divertentissima Bustina di Minerva di UMberto Eco dove paragonava IBM e MAC alle due religioni. TRASCRIZIONE [ENG Translation below] Mi ricordo ancora che la prima volta che mi è successo, successo a Monaco di Baviera, che è stata la prima città tedesca che ho visitato. Allora, io stavo a Monaco da un bel po' di tempo, ci ho trascorso circa un anno, un anno e mezzo, ero molto giovane, ero iscritta al primo anno dell'università, e fino a quel momento avevo visto molte chiese nella mia vita, però non avevo mai visto una chiesa protestante e ricordo perfettamente come rimasi davanti alla facciata della chiesa bellissima, piena di ghirigori, minareti, cose appiccicate a destra e sinistra e dissi, ah, che bello, andiamo a vedere com'è questa chiesa da dentro. Entrai e lì rimasi senza parole, perché in tutta la mia vita non avevo mai visto una chiesa così spoglia, così vuota, senza quadri, affreschi, senza statue, senza madonne piangenti e cristi morenti. Quella fu la prima volta che mi resi conto che le chiese protestanti, luterane, sono diverse dalle chiese cattoliche. Ora, col tempo, ho visitato molte chiese, e mi sono chiesta ma come mai questa differenza? Come mai certe chiese nei paesi del nord hanno tutta questa opulenza, ghirigori, destra e sinistra e tutte le figure che si arrampicano eccetera, i vetri colorati, bello, però poi entri dentro non c'è neanche un quadro appeso, sembrano quasi dei posti da iconoclasti. E invece le chiese cattoliche spesso fuori, penso le chiese romaniche, io non è che ne capisca molto di architettura però ho presente le chiese romaniche che sono molto squadrate, molto diciamo essenziali dal di fuori, poi entri dentro BANG! e ti si spalanca un mondo appunto, pieno di ventimila madonne, di cristi morenti, e poi gli affreschi, soprattutto gli affreschi, tu tiri su lo sguardo e vieni travolto da questi angeli, i putti, tutte le cose, poi tutto così plastico, così cinematografico. E io non lo so perché questa cosa qua, perché questo mostrare l'opulenza invece viene vissuto male nei paesi del nord, cioè un po lo so dal punto di vista filosofico però è una cosa che ogni volta che poi capito in una chiesa così mi... io lo so che entro non trovo niente dentro, vabbè trovo lo spirito divino che cos'è, però non trovo né quadri, né statue, né madonne. TRANSLATION I still remember the first time it happened to me, it happened in Munich, which was the first German city I visited. So, I was staying in Munich for quite some time, I spent about a year, a year and a half there, I was very young, I was enrolled in the first year of the university, and until that time I had seen many churches in my life, however, I had never seen a Protestant church, and I remember perfectly how I stood in front of the facade of the beautiful church, full of squiggles, minarets, things stuck on left and right, and I said, ah, that's nice, let's go and see what this church looks like from inside. I went in and there I was speechless, because in all my life I had never seen a church so bare, so empty, with no paintings, no frescoes, no statues, no weeping Madonnas and dying Christs. That was the first time I realised that Protestant, Lutheran churches are different from Catholic churches. Now, over time, I visited many churches, and I wondered but how comes this difference? How comes that certain churches in northern countries have all this opulence, squiggles, left and right and all the figures climbing etc., the stained glass, nice, but then you go inside there's not even a picture hanging, they almost look like iconoclastic places. And on the other hand the Catholic churches often outside, I think the Romanesque churches, I don't really understand much about architecture but I am aware of the Romanesque churches that are very square, very let's say essential from the outside, then you go inside BANG! and a world just opens up to you, full of twenty thousand Madonnas, dying Christs, and then the frescoes, especially the frescoes, you look up and you are overwhelmed by these angels, the cherubs, all the things, then everything so plastic, so cinematic . And I don't know why this thing here, why this showing opulence instead is lived badly in the northern countries, I mean a little bit I know it from the philosophical point of view however it is something that every time then I understand in a church so I... I know I go in I don't find anything inside , alright I find the divine spirit what is it, however I don't find paintings, statues or Madonnas.

[balsanja]

El Iconoclasta - Discotraviata

[radhub]

Iconoclasta x Duvan Chaves

[lise-fad]

"Dada no significa nada"

Cena dadaísta, 1920.

Fue un movimiento artístico surgido en Europa y en Norteamérica en 1915, caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las que lxs artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando un anti-arte, mediante el cual pretendían negar el orden establecido para abrir nuevos caminos artísticos todavía no explorados y producir nuevos enfoques y que alcanzaba para ellxs la categoría de modo de vida. 

Marcel Janco, Cabaret Voltaire

La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones nacionales de los diferentes países en conflicto (francesas y alemanas, música rusa), jazz y exposiciones de arte. El nombre del lugar evocaba al filósofo francés François Voltaire (1694-1778), considerado en su época un intelectual iconoclasta y revolucionario.

Exposición dadaísta, 1920.

Quienes formaban parte fueron, en su mayoría, un grupo de intelectuales que pusieron de moda el sinsentido. Sus poemas no hacían caso a la razón sino al azar. Entonces, establecieron una forma literaria que consistía en recortar palabras de un artículo de prensa, meterlas en una bolsa y luego agitarla. De esta manera, las palabras se sacaban y pegaban en un papel en el orden en que salían.

En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó la publicación del periódico Dadá.

Póster del Matinée Dadá, enero de 1923.

La obra de teatro Corazón de Gas de Tzara, presentada en Paris, acabó en batalla campal, y con ello, el cierre del Cabaret Voltaire.

Tristan Tzara (1896-1963)

Fue un poeta y artista del performance, que nació en Rumania, uno de los fundadores y considerado el padre del movimiento Dadaísta.

Vingt cinq poèmes (veintincinco poemas), 1918, Hans (Jean) Arp; Autor: Tristán Tzara; Editorial: J. Heuberger, Zurich, Suiza, para Collection Dada

Uno de los primeros libros importantes del movimiento dadaísta antisistema, fue fruto de la colaboración entre el pintor y escultor franco-alemán Jean Arp y Tristan Tzara. Para este proyecto, Arp creó una serie de diez xilografías abstractas en blanco y negro como complemento visual a los poemas nihilistas de Tzara, que rechazaban la idea de que la vida tuviera sentido.

Hugo Ball (1886-1927)

Fue un dramaturgo, autor, escritor y poeta alemán. Considerado (también) como el padre y una de las figuras principales del movimiento.

Ball estudió sociología y filosofía en las universidades de Múnich y Heidelberg, en 1910 se trasladó a Berlín para convertirse en productor teatral y actor.

En 1913, conoce a su compañera y pareja, la artista Emmy Hennings, con quien se casaría más tarde.

Abandonó Alemania durante la Primera Guerra Mundial y se trasladó a Suiza (país neutral). En Zúrich, junto a Hennings, fundó el Cabaret Voltaire, donde se reunía con Tzara, Marcel Janco, Richard Huelsenbeck y Hans Arp entre otros para leer poesía en público, ofrecer conciertos, realizar acciones y acontecimientos (antecesores del performance) y obras teatrales, además de discutir sobre temas políticos. Su ideología (política) comulgaba con el anarquismo y renegaba de cualquier tipo de nacionalismo.

Ball redactó en 1916 el Manifiesto inaugural de la primera velada dadá.

Ball rechazó el uso de la palabra y el lenguaje mismo (principal herramienta del poeta para realizar sus obras), pues lo consideraba alienado e incapaz de producir significación en la sociedad capitalista. En este sentido, acuñó el término "Lautgedichte", "Lautpoesie" o "Lautsprache" que se traduce como poesía sonora. Inventa la “anti-poesía”, versos sin palabras, en forma de protesta en contra del uso que le daba el periodismo al lenguaje.

Karawane, 1916.

Interpretado en el Cabaret Voltaire, Karawane es el primer poema fonético/sonoro de la historia del dadaísmo, consistente en articulaciones de fonemas e interjecciones carentes de significado. Influyó en corrientes literarias como el letrismo o la poesía beatnik.

Karawane, 1917 (publicado en 1920).

La versión impresa se publicó posteriormente en el Dada Almanach (Almanaque Dada).

El diseño tipográfico y textual de la versión impresa de Karawane subraya las características de caos y anarquía, pero es simple, fácil de leer y reproducir.

Emmy Hennings (1885-1948)

Fue mucho más que la musa de unos cuantos poetas, expresionistas y dadaístas. Fue toda una artista alemana polifacética: cantante de cabarets, poeta, novelista, actriz, bailarina, marionetista, cofundadora y participante del Cabaret Voltaire. Siendo la gran estrella, su largo repertorio comprendía canciones populares danesas, parisinas y berlinesas, baladas chinas, cantos folklóricos, sus propios poemas y los escritos por otros dadaístas.

Emmy Hennings como mujer araña, 1915.

La información, antes de conocer a Ball, es poca, pero se sabe que pasó un tiempo en prisión, que su obra poética había sido publicada en revistas de izquierda y había publicado una colección de poemas breves titulados Eter. También aparece como artista del Cabaret Simplizissimus de Múnich.

Emmy Hennings y su marioneta dada, 1916.

Una vez cerrado el Cabaret Voltaire, Hennings y Ball siguieron colaborando artísticamente, actuando en hoteles y pequeños teatros donde Emmy actuaba y hacia marionetas. En 1916 juntos crearon el duo artístico Arabella, donde Hennings bailaba la música que Ball componía.

Tras la inauguración en 1917 de la Galería Dadá, Hennings y Ball abandonaron el movimiento y se instalaron en el pueblo de Agnuzzo en el cantón del Tesino (Suiza).

En 1919 ve la luz su novela Cárcel, que narra su estadia en prisión.

Hanna Höch (1889-1978)

Fue una artista plástica y fotógrafa alemana, una de las artistas más influyentes en el movimiento dadá.

Inició sus estudios en una escuela de niñas, en Berlín. Al ser la mayor, a los 15 años dejó sus estudios y volvió a su ciudad natal, Gotha, para cuidar de sus hermanas, lo que le hizo darse cuenta del machismo y la misoginia de la sociedad en la que vivía.

En 1912, se mudó a Berlín, para continuar con sus estudios en la  Academia de las Artes de Berlín. El comienzo de la Primera Guerra Mundial, la hizo volver a su ciudad natal. Durante la guerra, fue parte de la Cruz Roja, tomando otro breve descanso en sus estudios.

En 1915, volvió a Berlín, para retomar sus estudios y conoce a Raoul Hausmann, uno de los artistas destacados en el movimiento dadaístas en Berlín. Hausmann la incluyó en su circulo dadaísta y fue su amante (él estaba casado con otra mujer). Hannah no solo fue una de las pocas mujeres involucradas, sino que también fue la primera mujer que se interesó por el dadaísmo.

Dada Review, 1919.

Hausmann no la tomaba en serio y casi le rechazó en su participación en la Primera Feria Internacional Dadá de 1920 en Berlín.

Hausmann no quería dejar a su esposa, pero Höch sí quería tener hijos y formar una familia con él, quedó embarazada de él dos veces, pero tuvo que abortar. En 1920, tras sus 4bortos, creó su obra más conocida “Corte con cuchillo de cocina a través de la barriga cervecera de la República de Weimar”.

Corte con cuchillo de cocina a través de la barriga cervecera de la República de Weimar, 1919. Expuesta hasta 1920 en la galería Otto Burchard en la primera Dada-Messe (Feria Dada).

Terminó su relación con Raoul Hausmann y, en 1926, empezó una nueva relación con la escritora y lingüista holandesa Mathilda “Til” Brugmann, a quien conoció gracias a Kurt Schiwitters. Se mudó a La Haya, Holanda, para vivir con ella y tuvieron una relación de 9 años. Por lo que se le considera una mujer bis3xual.

Retrato de Hanna Höch y Til Brugmann, fotografiado por Raul Hausmann, 1931.

Terminaron separándose, muy probablemente, porque era peligroso vivir de manera abierta siendo homosexual por la persecusión naz1.

Die Braut (Pandora) (La novia (Pandora)), 1927.

Höch destacaba por su aspecto masculino y su pelo extremadamente corto, lo cual no encajaba en con el canon de belleza de la sociedad de aquella época. Su arte trataba constantemente temas de rareza, s3xualidad y expresión de género, por lo que es considerada una activista importante para el movimiento feminista. Criticó a la sociedad, plasmándolo en un mundo fragmentado en sus collages o fotomontajes. Hizo hincapié en un mundo fragmentado, colapsado por la guerra y las crisis económicas.

Botas de siete leguas, 1933.

En 1933, tras la toma del poder del partido n4zi, mientras los demás dadaístas decidieron exiliarse, ella siguió viviendo en Berlín. Durante esta etapa, empezó a crear obras que criticaban al naz1smo.

En 1937, una de sus obras se presentó en la exposición legendaria del Arte Degenerado de Hitler. A consecuencia, sufrió la prohibición del gobierno naz1, por lo que tuvo que exponer en el extranjero.

Durante la Segunda Guerra Mundial vivía en una casa con un jardín grande en el cual tuvo que esconder sus obras y las otrxs dadaístas por la censura del n4zismo. Gracias a ello, en la actualidad tenemos acceso a muchas obras dadaístas.

A partir de los años 40, se centró más en los fotomontajes a color basándose en temas como androginia y amor lésb1co.

La eternamente femenina II, 1967.

Kurt Schwitters (1887-1948)

Fue un artista alemán, pintor, escultor, poeta y diseñador gráfico.

«La Gran Guerra ha terminado, en cierto modo el mundo está en ruinas, así pues, recojo sus fragmentos, construyo una nueva realidad».

Una de las aportaciones más influyentes fueron sus collages y assemblages hechos con materiales de desecho (tras la Primera Guerra Mundial), que denominaría Merz y que acuñó como término para definir su propio Dada.

El Hannover Merzbau de Kurt Schwitters. Foto de Wilhelm Redemann, 1933.

En 1923, Kurt comenzó a convertir las habitaciones de su casa en Hannover (Alemania). Primero era una “Columna Merz en estructura Merz” con cavidades donde coloca desde boletos de transporte hasta los más inesperados materiales encontrados en la calle, incluyendo pertenencias de varixs artistas de la época (un mechón de cabello, la punta de una corbata, un trozo de uña, un lápiz de dibujo, una dentadura postiza y hasta un frasco con orina). La columna siguió creciendo hasta convertise en una obra en sí misma.

Lamentablemente, en 1943, fue destruida por un borbardeo del bando aliado (conformado por E.U., Reino Unido, China y la entonces Unión Soviética), lo único que quedó fue el registro fotográfico de Wilhelm Redemann.

Es considerada un importante antecedente de la instalación.

Visitante en la reconstrucción de Merzbau del Museo Sprengel. Fotografía © 2011 André Homan

A partir de 1993, el Museo Sprengel de Hannover contiene el Archivo Kurt Schwitters, alberga cartas y relatos de amistades, familiares, incluyendo a curadores y directores del MoMA (con quienes tenía una gran relación). Estos escritos ayudaron a tener un mejor panorama del cómo Schwitters fue construyendo el Merzbau, incluidos los métodos y hasta el olor de las habitaciones.

En el Museo Sprengel también se puede ver una reconstrucción de la sala principal de Merzbau, realizada entre 1981 y 1983 por Peter Bissegger, quien se basó en las fotografías de Redemann así como de las cartas de archivo de Kurt.

"Hoy día sé perfectamente que las explicaciones no permiten comprender una obra de arte; tienen un mero valor histórico o dadaísta. Mis explicaciones son en última instancia, un documento sobre la inexplicabilidad de la obra de arte”*

Ursonate, 1932.

Escrito entre 1922 y 1932, el origen de la obra está en el poema-cartel Fmsbw (1918) de Raoul Hausmann, Schwitters toma la primera línea de la obra (Fmsbwetäzäu), para crear una especie de “retrato sonoro de Raoul Hausmann”.

Estrenada el 14 de febrero de 1925 en casa de la editora Irmgard Kiepenheuer en Postdam.

Schwitters descompone el lenguaje en sílabas y luego las vuelve a ensamblar para crear un nuevo significado "irracional". Compuesta en una sonata (una introducción y 4 partes/movimientos).

Kurt escribió que normalmente dura 35 minutos, pero no siempre va a sonar y durar igual pues está sujeta a la persona que lo interprete, convirtiendo este poema en un acontecimiento (como diría John Cage).

Publicado por: Mel G.V. (@punkandj3rk)

[hernestine]

Dobbiamo contrastare con ogni mezzo il processo di islamizzazione dell’Europa.

Un processo, quello dell’attuale avanzata dell’Islam nelle nostre città che non sta avvenendo più in sordina ma è evidente che trattasi di invasione quindi occupazione che risulta per questo ancor più pericoloso e definitivo.

L’arte, l’editoria, l’informazione e addirittura lo sport e la nefandezza della sinistra iconoclasta, tutto sembra muoversi verso la cancellazione delle nostre radici, sacrificandole sull’altare di una presunta accoglienza e integrazione che mai sarà possibile!

La sinistra italiana, europea ha compiuto un disastro che oramai, sfuggito di mano, è di portata mondiale!

Abbiamo aperto le porte a una cultura fatta di odio e integralismo, che sottomette la donna e limita la libertà delle persone. Dall’altro, ancor più grave è che per arrivare a questo “per accogliere il barbaro distruttore” si sia cancellata l’identità europea, intrisa di patriottismo, libertà e valori cristiani, arte, architettura, letteratura e ogni più fausta nostra millenaria virtù!

Non si tratta quindi di una battaglia religiosa, ma della difesa di una cultura millenaria che è stata pioniera di civiltà in tutto il mondo occidentale.

Dobbiamo combattere, distruggere e vincere sul barbaro ancora una volta!!!

Poponesi

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #358 - Killing Joke, Night Time, 1985

Se c'è un luogo che esprime il rapporto tra la musica rock e Berlino è un edificio di Köthener Straße, la Meistersaal, eretto nel 1913 come sede della Società Edilizia della città, ristrutturato dopo gli ingenti danni subiti durante la Seconda guerra mondiale. Nel 1964 due fratelli, Peter e Thomas Meisel, in alcune stanze di questo edificio costruiscono uno studio di registrazione musicale, gli Hans Ton Studios, conosciuti nel mondo della musica come Hansa By The Wall Studios perchè fisicamente erano situati al confine con il muro divisorio della città, vicino a Potsdamer Platz. Li Bowie con Eno, e poi decine di artisti, tra cui Cave (come visto la settimana scorsa), i Depeche Mode (che registrano missano qui Construction Time Again del 1983 e registreranno poi Some Great Reward, 1984, e Black Celebration del 1986), tanti gruppi new wave, post punk, i R.E.M. nel 2011 con Collapse Into Now registrano il loro ultimo disco in studio. C'è a tal proposito uno stupendo documentario, Hansa Studios: By The Wall 1976-90 diretto da Mike Christie che racconta un po' di storia di questo luogo leggendario.

Che fu il teatro delle registrazioni del disco di oggi, di una delle più innovative e all'epoca dirompenti formazioni della prima metà degli anni '80. Questa band emerge con forza dall'ondata new wave innescando la musica con cose molto particolari: i Killing Joke. Jaz Coleman, voce e tastiere, la fonda con Kevin "Geordie" Walker alla chitarra, Martin "Youth" Glover al basso e Paul Ferguson alla batteria. Sono sin dalle prime registrazioni indicati come rock d'avanguardia. Prendono il loro nome, Killing Joke, da una scenetta di uno spettacolo dei Monthy Python, e lo "scherzo che uccide" stupirà gli appassionati con un suono che mischia punk, dark, hard rock, dub creando in Gran Bretagna il seme della musica "industrial" e, per molti, persino della musica Techno. Cantano di depressione, di sensazioni apocalittiche, quasi con idee divinatorie (ne parleremo tra poco) e brani come Requiem e Wardance, dal loro omonimo esordio Killing Joke del 1980, e come Follow The Leaders dal successivo What's This For! (dell'anno successivo, 1981) divengono dei piccoli culti musicali di una band che ha ancora poco successo ma è adorata dai fan. Nel 1982 succede qualcosa: Youth si chiama fuori, e fonderà di lì a breve un nuovo gruppo, i Brilliant, ma soprattutto Coleman, immedesimandosi in un novello Nostradamus, preannuncia la fine dei tempi e se ne va in Islanda. Non si è mai capito quanto fosse una stramba copertura per un ritiro creativo, dove Coleman incontra e frequenta numerosi artisti locali di musica elettronica, ma ha una certa eco all'epoca. A questo punto, rimpiazza Youth con Paul "Raven" Vincent al basso e scrive un disco dove, a detta dei musicisti, usano delle droghe per trovare il giusto editing: Fire Dances (1983) ha la prima canzone "normale" in Let's All Go (To The Fire Dances) ed è ben accolto da critica e pubblico.

Tutto cambia l'anno successivo: Coleman va a "respirare decadenza" a Berlino e decide lì di scrivere il prossimo disco. In risposta alle prime critiche sul fatto che la furia iconoclasta degli esordi si fosse trasformata in qualcosa di noioso (che è la critica di ogni band che ha successo, più o meno relativo) esce fuori un disco che riprende soprattutto la ritmica iconica del suono Killing Joke, le tematiche scure e dolorose, ma le riveste in un'atmosfera nuova, vista la storia musicale della città berlinese (questo aspetto, anticipo, sarà la chiusura del viaggio di queste settimane), che vira verso suoni dance. Night Time esce nel Febbraio 1985, ridando nuovo lustro al gruppo che riesce a mettere insieme il suono esplosivo e trascinante che lo ha reso famoso con canzoni più mirate, alcune delle quali diventeranno degli inni generazionali. Geordie Walker, che fino ad allora ne era sempre stato avarissimo, tira fuori alcuni assoli sbalorditivi tra i suoi riff feroci (vedasi Night Time), mentre Paul Ferguson mescola e abbina molto bene i ritmi elettronici con i suoi naturali della batteria. Jaz Coleman è un personaggio strano, ma è anche un cantante formidabile, capace di fare di tutto, dal growl degli esordi ai toni taglienti e acuti come in questo disco, dove non forza mai la mano. Le canzone del disco sono due: Love Like Blood, dal testo gotico, che ebbe un certo successo anche per via del videoclip all'epoca definito dark, ma che oggi fa tutt'altro effetto, ma soprattutto Eighties: i Nirvana, tra tutti i gruppi, hanno clonato completamente la linea di chitarra acquosa al centro del brano per Come As You Are. Il disco vende moltissimo, ed è bellissimo, a mio parere, il commento che il New Musical Express fece del disco all'uscita: "suonano così diversi che fanno sembrano gli Smiths come Simon & Garfunkel".

Eppure all'apice, come spesso succede, arriva la crisi creativa: dissidi artistici e di linea musicale (con la decisione di rifare in pratica all'infinito il mood di Love Like Blood) portano a cali drastici di qualità e ad una sorta di isolamento di Coleman, che in pratica scriverà dischi solisti a nome Killing Joke, ed esempio massimo in questo sono il parlato sermonico suo su esoterismo, magia e occulto in The Courtard Talks del 1989 (addirittura doppio lp).

Rimangono un esempio seminale di contaminazione di generi, e i primi 4 dischi sono meravigliosi: dalle loro note nascerà tantissimo in tutta Europa, e ancora una volta è stata l'aria berlinese che ha dato la quadra.

[dervishlatino]

Fantasmas carniceiros de Tenochtitlán (Tradução para o português)

Casca de carbono exposta, circuitos mortos, nossa coroação ancestral espalhada pelo chão enquanto velas de pilares ardem com uma praga iconoclasta.

Nos sedamos sobriamente antes de pisar no palco sepulcral do sono para encenar quimeras subterrâneas – o êxtase radiante de ser enterrado vivo.

Eis que as cortinas descem, somos os pássaros mortos que planam de asas cortadas.

Nossas silhuetas cerebrais devoradas nas entranhas do abutre, doentes e apodrecidas, flutuando entre os restos de verniz manchado, relíquias do nosso passado corroído – nossos cascos ocos à deriva entre os destroços de ídolos erodidos, antes convencidos de sua própria imortalidade.

✦ @dervishlatino | NNF نشوان نازاريو فيريرا ✦

[visartes]

Episódio 1: “Nós, os punks…”

Punk, uma contracultura erguida sobre um discurso antiautoritário, um movimento artístico de resistência ao conformismo e à opressão. Na minha opinião pessoal, rebeldia velada. Saiba que, embora tenha sido uma expressão caótica, o punk não era bagunça, não. Melhor dizendo, não é bagunça, porque essa cultura permanece viva. Há, no entanto, uma diferença mortal entre o punk setentista e o que se manifesta nos dias de hoje. Muito disso se deve ao fato de que várias figuras daquela época, com o passar dos anos, passaram a defender ideologias completamente distintas daquelas que um dia propagaram. No caso de alguns músicos do punk-rock, temos até aqueles que se tornaram entusiastas ferrenhos do conservadorismo. Um exemplo emblemático é Johnny Lydon, ex-vocalista dos Sex Pistols. Essa banda, inclusive, representa tudo aquilo que o punk nunca foi — ainda que tenha ganhado notoriedade com alfinetes nas roupas e uma língua afiada, os Pistols sempre encarnaram a superficialidade que o movimento mais despreza até hoje. Não à toa, qualquer pessoa minimamente consciente e conectada com os princípios do punk se irrita quando essa banda é usada como referência de qualquer coisa.

O mesmo vale para outro nome fortemente atrelado à ascensão dessa expressão cultural: Vivienne Westwood.

Outro dia, enquanto rolava o feed do Twitter sem qualquer pretensão maior, apenas matando o tempo infeliz que a vida adulta me concedeu, me deparei com uma thread intitulada "Quando o Caos Veste Luxo: A Revolução Punk na Alta Costura e o Impacto de Vivienne Westwood." O título, por si só, já soa como uma provocação paradoxal. Agora, o tal caos de moicano, coturnos e jaquetas de couro desfila em passarelas de mármore, sob holofotes e aplausos da elite, sendo carinhosamente chamado de luxo. Que piada.

Antes que alguém me atire aos leões ou pense em botar fogo no meu corpo em praça pública, preciso dizer que reconheço e respeito a importância de Westwood na formação estética e ideológica do punk nos anos 1970. Seus trabalhos eram intensos, desafiadores e politicamente engajados. Carregavam imagens provocativas, referências à escravidão, além da estética DIY, sempre utilizando a moda como ferramenta para questionar autoridades e, por extensão, a cultura britânica decadente da época. É inegável que seu trabalho tenha sido essencial para consolidar a identidade visual do movimento. Ela foi, sem sombra de dúvida, uma das forças criadoras por trás da imagem da rebeldia.

Contudo, sua trajetória serve como prova de que o tempo devora até mesmo os símbolos mais iconoclastas. Aquilo que nasceu como uma afronta ao sistema virou peça de vitrine de loja cara. A marca que um dia simbolizou subversão hoje é sinônimo de prestígio e figura entre os queridinhos do mainstream, vestindo celebridades, aristocratas e virando peça-chave no figurino da juventude rica que nunca entendeu o que é ser contra tudo isso aí.

Westwood continuou atuando como ativista até seus últimos dias, e isso deve ser reconhecido. Mas é curioso ver como a mesma estética que emergiu da urgência e da marginalização de uma galera oprimida foi rapidamente reciclada e vendida como grife. Aquela camiseta rasgada e costurada com alfinetes que já foi emblema de resistência, hoje custa milhares e está sendo exibida em sites minimalistas com frete valendo o dobro do produto.

Por favor, não me entenda mal, pobre leitor. Não estou dizendo que um estilo precisa ser exclusivo de um único grupo. Isso sim seria reducionista. A crítica aqui não é à expansão do acesso, mas à completa alienação do conteúdo. O problema não é a marca alcançar a burguesia, e sim ter se voltado inteiramente a ela. Tudo isso se trata de algo mais profundo, se trata de como o discurso anticapitalista virou logotipo; de como a contracultura foi esvaziada e transformada em estética de consumo.

E não, não estou tratando desse assunto como se fosse uma tragédia sem precedentes. Tenho contas atrasadas que são bem mais urgentes do que uma marca de roupa “punk” vestindo sionista, por exemplo. Mas isso não significa que não valha a discussão.

E sendo justo, retomando até aquilo que mencionei no início, Westwood não foi a única a se perder. Nem os Pistols. Nem Malcolm McLaren. Nem outra meia-dúzia de gente. Se você olhar com atenção para a história do rock, vai perceber um padrão nítido de gente que se construiu sobre uma imagem provocadora e depois se remodelou para atender os interesses da fama. Ou, como no caso do Johnny Lydon — que hoje não é ninguém sem o apelido Rotten —, preferiu se rebaixar intelectualmente para agradar uma fatia privilegiada de pessoas igualmente ignorantes e mal posicionadas politicamente, só que nem fama o sujeito arrumou.

Também vale ressaltar que esse debate, embora esteja mais voltado para a cena do punk e do rock, atravessa fronteiras e abraça outros gêneros musicais, culturas alternativas e movimentos sociais inteiros. Porque enquanto houver um sistema que lucra com a exclusão e os grandes profetas se vendendo por fama e uns centavos a mais, o ciclo continuará. Não é um fenômeno isolado.

As reflexões presentes neste texto partem de observações pessoais, somadas ao artigo “Punk Is Dead? Vivienne Westwood’s Forgotten Rebellion Spirit”, publicado pela Koktail Magazine.

[jorgedaburgos]

(2/2)

Al termine della giornata trascorsa a Gerace siamo passati dall'Eremo dell'Unità di Madre Mirella Muià (di cui vi parlerò un'altra volta). Nelle foto si vede l'esterno della chiesetta da lei restaurata. Tutte le icone che compongono l'iconostasi sono dipinte da Madre Mirella.

In un angolo anche lo spazio dedicato alla religione ebraica.

Alla fine, uscendo da Gerace, siamo passati davanti alle grotte usate mille anni fa dagli eremiti che arrivavano dall'oriente in seguito alle persecuzioni iconoclasta. Queste grotte furono poi occupate dai pastori che vi tenevano le greggi; e ancora oggi molte sono adibite a questo uso.

Interessante è quella un cui un albero cresce... a testa in giù, con le radici sulla volta della grotta!

(Foto mie)

(Fine)

[fetznerdeathrecords]

Motra - Óbice

Death Metal from Sorocaba, São Paulo, Brazil

Death metal band from Sorocaba/SP – with Portuguese lyrics that tell of the torments of existence.

1. Baú da amargura 03:31 2. Óbice 04:42 3. Iconoclasta 04:47 4. Tendências mórbidas 04:57 5. Autoquíria 04:17 6. Penúria 04:14 7. Kenopsia 04:08 8. Prélio 03:49 9. Carcinoma 04:04 10. Titanus mosura 05:58

Release date: February 9th, 2025

@motra_br

[garfo-na-tomada]

Boa tarde, Frater. Eu ando em conflito pois, apesar de me sentir muito inclinado a cosmologia Thelemica, eu acho careta a dependência sobre a estrutura da antiga Golden Dawn e o "furto" mal feito do misticismo judaico na Qabalah (não que realmente exista um furto, mas desfiguram a porra toda), que infelizmente são partes fundamentais do negócio. Eu queria saber se você conhece algum sistema ou uma forma da Thelema que fosse mais iconoclasta, mas sem descambar pra uma massa disforme Caoísta.

Boa tarde, anon. Entendo seu conflito e partilho do seu descontentamento com o sistema de Cabala hermética da GD. Acho meio mal ajambrado também e foi o principal motivo de eu ter procurado desmamar desse sistema assim que conquistei alguma maturidade na minha prática. Digo, não vou cuspir no prato que eu comi, foi muito útil no começo, e eu devo à estruturação da minha prática inicial aos textos do Scott Stenwick. Mas chega num ponto em que é difícil avançar, ainda mais tendo consciência do quanto são diferentes (e mais elegantes e férteis) as coisas na Cabala judaica mais autêntica. Infelizmente eu não tenho uma solução boa para a sua situação, porque meu contato com Thelema é mínimo. Minha referência em assuntos thelêmicos é o Flávio Watson, sugiro você mandar uma mensagem para ele. Um abraço!

[istanbulperitaliani]

Il Monastero di Stoudios

Il Monastero di Stoudios, conosciuto anche come Stoudion, è uno dei monumenti bizantini più antichi e significativi di Costantinopoli.

Fondato nel V secolo, il monastero divenne subito un importante centro spirituale. Conosciuto per la sua rigida adesione alla regola monastica di San Basilio, il Monastero di Stoudios non solo fungeva da rifugio spirituale, ma era anche un importante centro di studi teologici e di copiatura di testi sacri. I monaci di Stoudios furono protagonisti nella difesa delle icone durante la crisi iconoclasta (VII-VIII sec).

La basilica, costruita in mattoni con un interno decorato da mosaici e affreschi, era famosa per la sua sobria bellezza e per la sua capacità di evocare un profondo senso di spiritualità. La sua architettura seguiva lo schema basilicale con una navata centrale ampia, fiancheggiata da due navate laterali, separate da file di colonne di marmo. Nel 1204, il monastero fu gravemente danneggiato dai Crociati e ristrutturato nel 1293. Raggiunse un secondo periodo di prosperità sotto l'Impero Bizantino, diventando un importante luogo di pellegrinaggio per le sue reliquie.

Dopo la conquista ottomana di Costantinopoli nel 1453, il Monastero di Stoudios fu trasformato in moschea nel 1555, conosciuta come İmrahor Camii. Molti elementi dell'architettura bizantina, come colonne e capitelli in marmo, furono conservati, mentre gli affreschi e i mosaici furono ricoperti per conformarsi alle pratiche islamiche.

Nel XIX secolo, un devastante terremoto colpì l'edificio, causando il crollo di gran parte della struttura. L'edificio fu completamente distrutto nel 1920 e venne abbandonato, rimanendo in tale stato per molti decenni.

Attualmente sono in corso importanti lavori di restauro. Ecco alcune foto di come si presentava nel 1936.

Foto 1: S.Teodoro Studita raffigurato due volte. A destra la facciata orientale del Monastero di Studion in una miniatura tratta dal Menologion di Basilio II di Simeone Metafraste, 985 Biblioteca Vaticana Foto 2: Questo acquerello di Antonios Manarakis raffigura il Monastero di Stoudios nel XIX secolo, quando l'edificio non era più un monastero, ma una moschea (İmrahor Camii). La mia Vita a Istanbul: consigli e informazioni turistiche. Disponibile come GUIDA per delle ESCURSIONI in città. Scrivi una e-mail a: istanbulperitaliani@gmail.com Seguici anche su www.facebook.com/istanbulperitaliani

[themagnificentmags]

Fic rec: Iconoclasta Oritur by Astrance! I picked it up recently to my delight -- this is what I love about it:

I absolutely adore Katov von Valancius. Katov is a jaded ex-Commissar with a hard-earned Iconoclast streak and a whole boatload of issues. Astrance has woven Katov's backstory deeply into her worldview, and it always feels like a great fit with the 40k universe. The slow reveal of Katov's past has been really good, too.

But really Katov is only half of it -- the chapter POVs alternate between Katov and Abelard. His stodgy self-assurance makes for great contrast with Katov's worries and relationship woes, and it's very fun to get a look at what's going on with the rest of the ship and retinue.

Katov and Heinrix do not get off on the right foot. They get into a lot of arguments, and their banter is always snappy, cutting, and deeply enjoyable. Watching their relationship develop so far has been a delight and I am very excited to see where it goes from here.

Astrance has a really great use of juxtaposition -- sometimes for drama, sometimes comedy, sometimes irony, always really satisfying.

The angst is so, so good. I love me some good medical/injury drama and by god Astrance delivers -- with tension, vivid details, and character development. Though there is plenty of other trouble to be had -- Katov's extended car-crash of an emotional breakdown in ch 20 lives rent-free in my head -- and the dire situations make the soft moments all the sweeter.

[blues-nocturne]

Eu queria ter conhecido literatura por meio dos ficcionistas moribundos, sarcásticos e iconoclastas, e não de poetas românticos e escritores sentimentalistas.