#Пламен Джуров | Explore Tumblr posts and blogs

vprki · 7 months ago

Text

Пламен Джуров – мироглед без шупли

Повече от половин век сме приятели, което, сега осъзнавам, освен всичко друго е и някакъв вид признание и за мен самата. Защото Пламен Джуров – пианистът, диригентът, композиторът, професорът и човекът, който никога не е бил безразличен към това, което се случва със света, с България, с културата ни и в частност, с музиката, тъй както е един от най-възпитаните мъже, които познавам, не допуска всеки близо до себе си. Пише в блога си Decrescendo музикалният критик Екатерина Дочева.

Не знам и аз колко съм близо, но е имало много, много случаи, когато съвсем естествено, безшумно и с усмивка ми е показвал страхотно мъжко приятелство.

Но човек, както и да живее, когато съдбата е решила, става на 75 години. Днес Пламен Джуров (1949) има рожден ден. През десетилетията много сме се шегували, че тези априлски дни около 21-во число са лидерски: на 20 април се е родил Хитлер, на 21 – кралица Елизабет Втора, а на 22 април – Ленин. Е, утешавахме се, разбира се на майтап, че на рождената дата на Пламен се е родил възможно най-добрият от трите варианта лидери.

Маестро Пламен Джуров дирижира Камерен ансамбъл "Софийски солисти" на ММФ "Мартенски музикални дни", 2023 година

Шегите са си шеги, но Пламен Джуров, освен с всичките си музикантски занимания, които изброих е също така и никак не на последно място обществена фигура, която направи доста неща за и в българската ��ултура. С една дума през целия си досегашен живот, а и сега, защото мнението му още се търси, е бил лидер. Лидер с мъжки характер, който не повишава тон, но знае как тихо да внуши това, което иска. И как, пак тихо, спокойно, с много малко и точни думи, да те постави на място. Да те накара да се замислиш. Лидер (пак ще подчертая) с възпитание, с много добро възпитание. Възпитание в труд и почтеност, в култура на поведението и етика. Отдавна има мъдростта да знае кои са важните неща в живота, да разпознава фалша, да бяга от суетата, характерна за много артисти с неговата популярност, да не се взима много на сериозно, въпреки огромната и важна работа, която е свършил и продължава да върши. Върши я по неговия начин – спокойно, неусетно, някак тихо, но със забележими резултати. И поема отговорност. Продължава да е човек на днешния ден, запазил обаче силата, мащаба, мощното присъствие на мъж, на личност, отгледана през ХХ век.

Често съм го упреквала, разбира се безрезултатно, че си губи времето в безрадостни занимания около музикалното всекидневие, около организационната музикантска проза и не композира достатъчно. Защото Пламен е много добър композитор, с идеи и това се забеляза още от съвсем ранната му възраст. Забеляза го и професорът му по дирижиране Константин Илиев, който с удоволствие му предложи да изпълни негови работи. Направи го неведнъж – например в Пловдив, през 1975 година, когато реализира световната премиера на Вариациите му за голям оркестър. Или когато включи емоционално изваяната, наситена с дълбоко съдържание Елегия за оркестър (към нея бе добавена и една забележителна Токата) за фестивалния си концерт със Софийската филхармония на “Мартенски музикални дни” – Русе през 1983 г. Учителят по дирижиране бе прозрял значението на идеите в музиката на своя ученик и колега-композитор. Идеи в музиката на Пламен има колкото щеш и знам, че сега няма да ги изброявам, но не мога да отмина изключително органичното съчетание между глас на народна певица и симфоничен оркестър в неговите „Песни без думи“ – това се случи за първи път в българската музика, а дали не и в по-широк обхват (Voci на Лучано Берио излизат малко след тях, все през 80-те години – тенденцията е обща) – съобщавам го за всички, които напълниха ефира с подобни съчетания, скалъпени по много елементарен начин.

Поклонът на Маестро Пламен Джуров, Минчо Минчев и Николай Минчев след концерта на Камерен ансамбъл "Софийски солисти" на ММФ "Мартенски музикални дни", 2023 година

Не мога да не спомена за деликатното инструментално съприкосновение, за тембровата игра в баладите му за квартет „Еолина“ или зададената нова перспектива на тембрите в съчетанието саксофон-цигулка в една излята Каденца за двата инструмента. До тях седи контрастната значимост на неговата Оратория-Реквием по текст на Георги Константинов (ако не се лъжа в началото Пламен беше определил състава й така – “за поет, солисти, хор и оркестър). Тя излъчва важни послания, без каквато и да е плакатност. По-късно Джуров написа и страхотния си концерт за саксофон – това стана в началото на новия вече век. Беше изпълнен през 2013 година с радиооркестъра и Борис Петров под диригентството на автора. За съжаление Борис вече го няма, сега концертът очаква други талантливи музиканти да посегнат към него.

Не е голямо творчеството на Пламен Джуров, но като негов слушател спокойно мога да заявя, че няма една нота в музиката му, която би накарала автора да се чувства неудобно. Това е музика, която те хваща съвсем неусетно, с уж близки средства, които не би трябвало до те изненадват, но го правят мигновено. Защото винаги е важно в какво са впрегнати тези средства, на какви мисли служат, какви емоции изразяват. Това е музика, която говори, приобщава, приближава, вълнува, ангажира своя слушател. Той, слава Богу, продължава да пише – в последните години няколко великолепни камерни произведения, силно се надявам, че скоро ще чуя пак интересна негова работа. Не го питам, а и той неохотно говори за себе си.

Пламен Джуров на репетиция с Камерен ансамбъл "Софийски солисти" във Военния клуб, 2017 година

Всекидневната и трудоемка част от живота на Пламен Джуров бяха „Софийски солисти“ и Музикалната академия. Често съм го писала, но и сега няма да пропусна (това трябва да се напомня), че на него дължим съществуването до днес на „Софийски солисти“. Само човек с неговия опит, такт, наблюдателност, психологическа зрялост и издръжливост можеше да се справи с цялото административно войнство на демокрацията, на което много му се искаше да премести едни пари от едно място на друго, съкращавайки ансамбъла, чието изкуство най-малко познаваше. Самият ансамбъл, благодарение на Пламен се запозна с важни композитори. Освен традиционния им репертоар Джуров вгради в концертната им дейност имената на Шнитке, Губайдулина, Пендерецки, Канчели, Плакидис, Копитман, Месиен, Тъпков, Веберн, Арнаудов… Завеща им (дано да го запомнят и задържат), че и в ХХ и в ХХI век има още много музика за откриване и тя трябва да се свири.

Така работеше и със студентите си – с една устойчива убеденост, която уплътняваше и надграждаше и нямаше как да бъде отмината, защото бе сериозно аргументирана.

Пламен Джуров и Добринка Табакова в зала “България”, 2018 година

Винаги е желан събеседник и съучастник в организационния музикален живот не само на София, на България – също. Умните глави в музикалното ни съсловие не са чак толкова много. Още по-малко са личностите със завършен, цялостен мироглед. С изградени житейска философия и морален кодекс. Този кодекс, мисля е и в основата на интереса на Пламен от съвсем млад да приобщава младите неофити към музиката. Още като диригент на филхармонията в Плевен изнасяше с удоволствие образователни концерти, на които говореше по своя умен, интелигентен и непреднамерен маниер. Направи преди десетилетия серия чудесни лекции по телевизията – говореше, свиреше, дирижираше – всичко това с една непривична за балканската ни грапава приповдигнатост, лекота, с органика. Естествено, за разлика от лекциите на Бърнстейн с Нюйоркската филхармония или в Харвард, или от лекциите на Саймън Ратъл, които и днес можеш да видиш, да чуеш, да си купиш, предаванията на Пламен Джуров отдавна са изтрити от неизвестен герой в Българската национална телевизия. А те можеха да се повтарят периодично, така както това се случва и в момента даже с отдавнашни шоу-програми.

Петър Дундаков и Пламен Джуров във Военния клуб, 2017 година

Често, когато съм наблюдавала Пламен съм си мислила за това, че наистина е възможно един човек, когато има подобен личностен, професионален, обществен капацитет, „да покрие“ определена област в културата. Правил го е, много е ларж по отношение на личното си време, раздавал го е щедро за реализирани, но и нереализирани каузи. Не знам той самият какво мисли за делата си. Но никога не съм го чула да се хвали. В нашите разговори по-скоро се вглежда в това, което не само той, но и нашето поколение не успя да свърши. „Ние не можахме да пренесем завещаното от учителите ни“, ми бе казал веднъж. Но не се отказва. Защото също така изповядва максимата, че всяко движение, всяко направено нещо във вярната посока, колкото и малко да е, може да има значение. Този латентен негов оптимизъм също, според мен, е плод на мирогледа му, в който не съм открила нито една пробойна, нито една шупла. Неговата цялостност, завършеност винаги ме е удивлявала, възхищавала и изпълвала с респект. И с обич.

Пламен Джуров

Спирам дотук. Сега е време да му кажа само колко ми е важно неговото приятелство, колко неща съм научила от него и колко още се надявам да науча в следващите, поне още 25 години. На многая лета, Майсторе! ≈

Текст: Екатерина Дочева

Снимки: Стефан Джамбазов (1951-2021), архив на ММФ „Мартенски музикални дни“

P.S. на “въпреки.com”: Текста публикуваме след разбирателството ни за партньорство и с разрешението на Екатерина Дочева. Ще продължим да го правим и в бъдеще, за което ѝ благодарим. Текстовете в блога ѝ може да четете на https://decrescendo.net/.

Лично: В годините сме писали неведнъж за Маестро Пламен Джуров с уважение и възхита по различни поводи./ Част тези текстове може да прочетете, тук, тук и тук/. Някога, преди почти 50 години, както пише Екатерина Дочева, точно тя ме запозна с Пламен Джуров…Да е честит, здрав, вдъхновен и вдъхновяващ!

#Пламен Джуров #Екатерина Дочева #Критичен поглед

0 notes

mihaylovblog · 8 months ago

Text

08.04.1985 г. – Премиера на българския игрален филм "Борис I" на режисьора Борислав Шаралиев, по сценарий на Анжел Вагенщайн. Оператор е Венец Димитров. Музиката във филма е композирана от Веселин Николов. В ролите: Стефан Данаилов, Борис Луканов, Анета Петровска, Антоний Генов, Венцеслав Кисьов, Пламен Дончев, Иван Иванов, Ириней Константинов, Коста Цонев, Петър Петров, Адриана Петрова, Мирослав Косев, Янина Кашева, Кирил Варийски, Емил Джуров, Светослав Карабойков, Константин Димчев, Стоян Стоев, Илия Раев, Георги Джубрилов, Радко Дишлиев, Васил Мирчовски, Петко Иванов, Иван Томов, Динко Динев, Коста Киряков, Петър Димов, Живко Гарванов, Христо Куновски, Марко Мангачев, Здравко Тихонов, Жулиета Ралева, Росица Петрова, Соня Дюлгерова, Светослав Христов, Александър Далов, Надежда Кисякова, Петя Миладинова, Илия Добрев, Лъчезар Стоянов, Вълчо Камарашев, Иван Янчев, Божидар Янков, Сашо Симов, Димо Джиков, Тодор Тодоров, Богомил Атанасов, Николай Латов, Йордан Андонов, Ибих Орханов, Николай Цанков и др.

#българско кино #bulgaria #българскокино #българия

0 notes

vprki · 2 years ago

Text

“Мартенски музикални дни” – авторитетно средище на личности и естетики

Фестивалът държи престижа си и чрез репертоарни рядкости, рискови по отношение на меломанския вкус, и чрез подбрани елитни български изпълнители, които прокарват понякога очаквани, понякога провокативни естетически линии. Пише в блога си Decresendo музикалният критик Екатерина Дочева.

Виви Василева (1994) е българка, родена в Германия, орисана да израсне в музикантско семейство. Нейният личен бунт спрямо семейната традиция е да се очарова от и да се предаде на перкусионните инструменти, не на цигулката, каквото е било очакването на близките ѝ. За все още младежката си възраст тя има изключително впечатляваща биография – успехът върви с нея. Защото Василева е силно впечатляваща перкусионистка и докато реализира своите зашеметяващи каскади по всички видове инструменти на сцената излъчва радостта на дете, което опитва всички възможни вкусове сладолед. /дни преди концерта в Русе Виви имаше концерт с радиосимфониците в зала „България“, за който във „въпреки.com“ може да прочетете тук/. Тя лети от инструмент на инструмент, често движенията ѝ изглеждат жречески, заклинателни, съдбовни…

Виви Василева

И това, в конкретния случай напълно резонира на претенциите на Концерта за ударни, който изпълни заедно със Симфоничния оркестър на Българското национално радио и диригента Марк Кадин. (23. 03) ”Оракул” е неговото название, авторът е Ориол Кружент (1976). Кружент е каталунец, пише много и е получил редица награди. Много активен човек – диригент, режисьор, продуцент, инструменталист. Но пиесата му наистина е преди всичко една огромна претенция, която работи с понятия от тантрическия индуизъм – всяка от седемте части на творбата е чакра, а оракулът, който “приканва питащия слушател да отвори собствените си чакри една по една чрез активно и съзнателно слушане” (О. Кружент) е “вграден” в многосъставните звуци на необятното количество ударни (сякаш христоматия), които изнасят ефекта на цялата композиция. Особено когато са в ръцете на инструменталист с качествата на Василева (не случайно концертът ѝ е посветен, което гарантира 90 процента от успеха му). Но си мисля, че в по-голямата му част оркестърът бе направо излишен, още повече, че това, което се чуваше от него не беше нищо повече от блед резонанс на много яркия, особено в актьорската инструментална изява на Василева, перкусионен пласт на концерта.

Виви Василева и Марк Кадин

И след тавтологичния оркестър на Кружент чухме приятната музика към балета Fancy Free на Ленард Бърнстейн, която в оркестровия си вид, без танца, губи, поради няколкото твърде повтарящи се също теми, с познати елементи в оркестровия език. Без хореография и балетисти музиката в първата музикално-сценична композиция на Бърнстейн е доста белязана от приложност. И не блести с много идеи, ето защо считам, че изборът й не се оказа най-представителен за радиооркестъра и неговия диригент.

За сметка на това програмата на Струнен квартет “Фрош” (28.03) насити пространството на зала “Европа” в Доходното здание с добре композирана, смислена програма.

Квартет "Фрош"

Този състав продължава с рядка упоритост да поддържа репертоар, да се взира в ансамбловото си ниво, да работи върху изпипването на звуковата специфика, която го характеризира и отличава от останалите български квартетни формации. Продължавам да мечтая, да се надявам някоя българска институция да прояви широк възглед, интерес и култура и да предложи покрив и подкрепа на Негина Стоянова, Петя Димитрова, Мария Вълчанова и Теодора Атанасова, за да могат да се отдадат само на мечтания тип музициране. В нашата музикална история Българското национално радио бе институтът, който имаше квартет десетилетия наред – това бяха квартет “Аврамов, ако не ме лъже паметта квартет “Димов” също по едно време беше под шапката на радиото, както квартет “Тилев”, по-късно и квартет “Вълчев”. Въпросът с парите, според мен, в никакъв случай не е невъзможен – невъзможно е обаче в днешно време на ръководител на БНР да му хрумне да направи подобна крачка. Или който и да е друг ръководител. Защо ли? Ами въпросът пак опира до средата у нас, която по отношение на класическите, на “непопулярните” жанрове, “неспособни” да допринесат за масовата слава на съответния благодетел, е много рехава, много шуплива, направо пред разпад… Като културния багаж на всички, от които случването на подобен факт зависи.

Квартет "Фрош"

Концертът на “Фрош” започна с Деветия струнен квартет на Васил Казанджиев. От четвъртия си квартет той им посвещава всяка своя следваща композиция в жанра. Така ансамбълът прибави още една премиера към репертоарната листа на ��естивала. Впечатляващите моменти в прочита му на съвременната музикална фактура е категорично. Дамите от квартета пристъпват към формата с въображение и логика. Приковават вниманието със способността си да я отстояват през звука и тембъра, което за музиката на Казанджиев е особено съществено, необходимо. Свирят квартета за трети или четвърти път. Имах възможност в известна степен да проследя развитието на прочита им, навлизането им в тази нелека материя. Излъчват много по-сериозна увереност, разказът им е станал по-експресивен, но и по-целенасочен – с плътните унисони, с промълвените мелодични отсечки, с изваяното елегично настроение, с прецизността на щриха, с подчертания контраст между финия, отлагащ се във времето звук и неговото изкусно манипулиране в сложното му разпределение във вертикала с различна сила, скорост, характер. Както и с впечатляващо търпение на дългата фраза, “нарязана” от кратки сонорни, типично Казанджиеви блиц-модели, в които задъхано се надпреварват глисанди и пицикати, мигновени реплики, нанесени върху темброво артикулирано тремолиране. Изпълниха квартета на един дъх – направо блестящо! След тази звукова ексцесивност предложиха съвсем различния свят на Втория струнен квартет от Шимановски – също рядко изпълнявана композиция. Какви могат да бъдат цветовете на меланхолията – сякаш в тази посока се разгърна прочитът им. Много убедително инструментално присъствие, консистентен звук, перфектен ансамбъл, изискан вкус в силно експресивните сегменти, в които са заложени изкушения за постигане на ефектно за публиката акцентиране. И още – прецизно разпределение на звука в различните динамики и впечатляващ рефлекс на съотношение в ансамбъла – действително впечатляващо! Завършиха концерта си с Третия струнен квартет на Шуман (наложи ми се да го чуя на запис) – прекрасно бе прошепнато седемтактовото въведение в началото на квартета, което продължи с пленителна спонтанност и много прозорливо отношение към тематичния ресурс в тази младежка композиция на Шуман – показаха цялата невинна красота на музиката му, с премерена, и затова въздействаща емоция. Втората част прозвуча като задъхана изповед, използваха вариационната й структура, за да разгърнат още от богатия тематичен заряд на частта.

Квартет "Фрош"

И да покажат латентната чувственост на музиката. Развиха я още в третата лирическа част – емоционално, но и задълбочено, отново лишена от излишества, с един по-скоро кадифен тембър, който много допринесе за изповедното й внушение. Финалът прозвуча с драматична енергия в изрядно издържания, напрегнат ритмус – далеч от клишето за радостно оживление, което се предписва на тази музика. По-скоро бе неудържимо бушуване, чиято вътрешна енергия постепенно се изчерпва. Няколко дни преди “Фрош” квартет “Ебен” изпълни същия квартет – поради смяна на програмата си. Така че имах възможност да направя сравнение на равнището на двата прочита – ще кажа само, че българският квартет стои достойно до французите със своя смислов и емоционален подход към творбата.

Към извънредните фестивални събития задължително добавям и гостуването на Пловдивската опера със спектакъл и концерт. Наистина извънредно събитие и само ръководствата на операта и на фестивала знаят какво им струва това. Но благодарение на тях автентичната постановка на “Чичовци” от Лазар Николов – дело преди всичко на музикалния ръководител Драгомир Йосифов, на диригента Павел Балев, и на режисьорката Елена Стоянова, бе показана и на фестивалната публика в Русе (31.03), година след премиерата си в Пловдив.

"Чичовци", спектакъл на Пловдивската опера

Спектакълът не е игран много често след това, но, както се оказа, тази творба стои трайно в главите на певците и на оркестъра на операта, които бяха невероятно вдъхновени, артистични и концентрирани под палката на Балев. Сякаш изминалата година е допринесла за още по-ефективното избистряне на прочита на всеки от тях, както и усещането на музикантите от оркестъра за великолепието на музикалната лексика и на тембровия език и на специфичния хумор на композитора. Както и за още по-осезаемото сгъстяване, уплътняване на драматургията, за освобождаването на актьорската игра и, най-вече, на вокалните партии, които, чуваше се, доставяха върховно удоволствие на певците-артисти. Мисля си (човек все иска повече), че едно табло за прочит на текста по време на спектакъла не би било излишно – защото текстът не се чуваше навсякъде равномерно, което е естествено за динамиката, темпоритъма и звукоизлъчването на един оперен спектакъл.

Маестро Павел Балев

А този е толкова добър, че би трябвало да се дадат още малко средства за това. И още подкрепа, за да обиколи фестивали и български оперни театри. Колосалният труд на оперната трупа – солисти, хор и оркестър по това заглавие, настоява да се възнагради с повече гастроли, повече спектакли.

Матинето на Пловдивския оркестър под палката на главния му диригент Диан Чобанов на следващия ден (1.04) също събра много публика – с Петнайстия клавирен концерт на Моцарт, в който солира 15-годишният Ивайло Василев и Четвъртата симфония на Малер в камерната версия на Клаус Симон със солистка Вера Гиргинова. Съвсем младият Василев концертира отдавна. Преди четири години той свири с радиооркестъра и Георги Патриков отново Моцарт – 12-ия клавирен концерт. Обявяваха го за дете-чудо, което не мисля, че е много разумно по отношение на самия Ивайло. И мисля, че не е. Дано да не е повярвал. Все пак дете-чудо е бил Моцарт.

Ивайло Василев

Ивайло е много талантлив и очевидно работлив млад инструменталист, който се чувства добре на сцена. (Прекалено подробната му биография в програмата за концерта ми съобщава за 30 награди от конкурси, чиито имена не можах да запомня. Аз познавам няколко клавирни конкурса в света. Очевидно съм изостанала.) Бърз е в пръстите, гамовидните пасажи не му причиняват проблеми, артикулира правилно темпо, динамика, ритъм, контрасти, смени в характера на движението. И това, струва ми се е точната дума – правилно. Мисля че тепърва му предстои красивото предизвикателство на различното чуване на музикалния текст, на това, което крие и което му предстои да разгърне. Тогава бавната част би била много по-заредена с емоция. Каквато чух в рондото заедно с щастливите му открития в звука на много места, чух и начина, по който се заслушваше в оркестъра и респондираше остроумно, елегантно с щрихово съответствие. Бисът му, до минорния етюд, оп. 25 от Шопен затвърди впечатлението за техническите му възможности, една сериозна предпоставка за постигане на интересния прочит.

Маестро Диан Чобанов

Миналата година, в София пловдивчани представиха същата камерна версия на Четвъртата симфония от Малер, пак с Диан Чобанов и Вера Гиргинова. Когато срещаш търсещи музиканти повторното слушане винаги носи нещо ново, различно, приканва те да партнираш слухово. Тук новото бе още по-сериозната спятост на оркестъра, станах свидетел на един вид контролирано съгласие за Малеровия звук в този шедьовър. И колкото и парадоксално да звучи – именно този тип сътрудничество между диригент и оркестър сякаш прогласи едно по-еманципирано музициране и от групите, и от солистите. И по-самостойно влизане в концепцията Малер, която Диан Чобанов изгради съвсем последователно и убедително – а във финалната, четвърта част като че преподреди оркестъра в услуга на Гиргинова, което тя използва за по-финото, омекотено, извисено пресъздаване на текста.

Маестро Пламен Джуров

Паметен бе концертът (29.03) на Камерния ансамбъл “Софийски солисти”, които гастролираха в Русе със своя доскорошен ръководител и ментор Пламен Джуров, който след 36-годишна съвместна работа се раздели с ансамбъла в края на миналата година. И както често е бивало през годините на съвместната им работа солисти им бяха Минчо Минчев и Николай Минчев. Към това напомняне за стандартите на състава и неговите солисти се добави и още един специален повод – наградите на много известния български лютиер Владимир Тилев на конкурса на Violin Society of America, който се състоя през ноември, миналата година в Южна Калифорния. На този най-авторитетен форум за лютиери Тилев спечели сребърен медал за виола и бронзов медал за цигулка – и двете награди са в категория “звук” (категориите са две – изработка и звук), което увеличава значително стойността на признанието.

Минчо Минчев/л/ и Николай Минчев /д/

И така, двамата солисти свириха на майсторските инструменти на Тилев. Беше преживяване да се чуят в Баховия Концерт за две цигулки и струнен оркестър – едната сякаш с малко по-светъл, по-слънчев тембър от другата, но и двете с много качествен, ярък звук, ми��новено достигащ до всяка точка на залата. (Разбира се,тук не трябва да се забравя и кои свиреха на тези инструменти – не случайно Тилев ги е поверил именно на тях.) Първата част на концерта продължи по-различно. След Бах солистите останаха сами на сцената, за да запознаят публиката с много рядко изпълнявана у нас творба от Моцарт – първия от двата дуета за цигулка и виола. Бяха го подготвили специално не само за гастрола си в Русе, но и за да покажат пълноценно качествените инструменти на много талантливия български лютиер. Минчо Минчев бе предпочел виолата, която бе овладял по неговия фантастичен начин и нито за миг не се почувства сложността на прехода между цигулката и доста по-голямата от нея виола. Въпреки сериозната проблематика в Моцартовия текст, в който имаше всичко, което би могъл да иска един инструменталист за да покаже какво може. Показаха го, баща и син Минчеви и естествено публиката поиска да свирят още. Така чухме още Пасакалияята на Хендел-Халворсен за цигулка и виола, както и една остроумна преработка за същия тип дуо на инвенция от Бах. Красноречиво е изкуството на Минчо Минчев и Николай Минчев – някак си произвежда естетически стандарти така, сякаш от само себе си, с лекота, присъща само на избрани в тази непосилно трудна професия.

Ансамбъл "Софийски солисти"

Продължението на концерта бе отредено за “Солистите” и диригента Пламен Джуров, които силно напомниха за себе си като общност чрез “Мимолетности”-те на Прокофиев в транскрипцията на Рудолф Баршай и Симпъл симфони от Бритън. Изряден ансамбъл, инструментално прецизен, но и емоционално наситен, тембриран звук, стилистична изчистеност, проникновеност – имаше нещо особено в тази среща между ансамбъла и неговия доскорошен ръководител, като мъжка блгодарност. Спечелихме ние, слушателите.

Тази година Русенската ��илхармония не само откри, но и закри фестивала (2.04). Качествата и възможностите на един оркестър обикновено се разкриват с диригент, който умее да го “пипне”, да го раздвижи, да заинтригува музикантите в него с предимствата на прочита си, да реализира ефективно намеренията си по отношение на музиката. Все важни неща от диригентския занаят, които, за съжаление, рядко констатирам в т. нар. съвременно поколение диригенти. Вместо това се сблъсквам със суета, гарнирана с реклама, съчетана често с претенции, зле прикриващи липсата на много умения.

Юрий Илинов

Не такъв, обаче е случаят с диригента Юрий Илинов, който застана на пулта на последния фестивален концерт. Той заяви много сериозните си музикантски и професионални качества още преди 6 години, когато беше асистент-диригент на Найден Тодоров за постановката на операта “Кавалерът на розата”. Илинов е руснак, ученик е на Едуард Серов, напуснал е преди години Русия, сега е диригент в театър Алтенбург в Гера – Германия. Първата част на програмата му гравитира около прочутия 24-и каприз на Паганини като основа за вариации в две много известни композиции за пиано и оркестър – Вариациите на Лютославски и Рапсодията на Сергей Рахманинов. Допускам, че в това решение участие има и солистът на концерта Людмил Ангелов, който обича да прави паралели, да търси аналогии, да предизвиква публиката с по-комплицирани репертоарни решения. И сега не направи изключение, като за пореден път демонстрира изключителен потенциал като инструменталист и като ин��ерпретатор. И двете творби са достатъчно проблемни с привидно монотематичния си характер. И са твърде различни по структура, характер на развитието и клавирна специфика. Лютославски, който е бил забележителен пианист използва в 12-те блиц-вариации широк спектър от идеи в третирането на соловия инструмент, както и в диалога му с оркестъра.

Людмил Ангелов

Езикът му е контроверсивен спрямо характера на темата, придава й съвсем различен характер – леко гротесков със забележително остроумни идеи в мелоса, в тоналната схема (политоналност, целотонна гама), в хармонията, в темпоритъма и в чисто клавирните похвати, които гъмжат от малки, но съществени открития и предизвикателства за щриховите възможности на солиста. Всяка от 12-те вариации е импулсивен израз на волна, безгранична творческа инвенция и това Людмил Ангелов го “изработи” фантастично. Изгради партията си, заедно с екзактния и същевременно гъвкав и много рефлективен оркестър ефектно, устремно до зашеметяващите акордови трилери и врящата токатна ударност, която изплющя като камшик към края (Ancora piu mosso). Контрастната рапсодия на Рахманинов – 24 вариации е творба на драматичния изказ, композиран в дълги линии, иносказателно, но и с ясни символични знаци. Тази творба на късния Рахманинов е като антипод на кипящия характер на вариациите на поляка, комуто тепърва предстоят още много сериознитворчески открития. Тук прочитът, великолепно съгласуван между диригент и солист, предпочете особената съкровеност, изповедност на изложението, като добавяне на още смисъл към съдбовността, “изречена” в символичната поява на секвенцията Dies Irae. И органично сливане между романтичния порив и философския наратив.

Юрий Илинов и Людмил Ангелов на пресконференция преди концерта

Изпълнението на Седма симфония на Прокофиев някак дообрисува образа на Илинов като съ-трудещ се заедно с оркестъра – да извади, да покаже същността на шедьовъра без да цели да смае с по-атрактивен, по-необичаен личен прочит. И в същото време го постига – някак скромно, отдадено разгръща музикалната лексика, движи я, където поиска, но винаги с огромен респект пред музиката на руския класик, която очевидно не само обича, но и разбира. Самата симфонияя е прокламирана като жизнерадостна, ведра, насочена към “младостта на духа”. С малки, но важни движения в артикулирането на тематичния материал и разработването му Илинов някак “премести” или по-точно разкри вътрешната потребност на нотния текст да ни каже още нещо, да съобщи за съществуването на една различна чувствителност – и тогава темите обръщат своя семантичен заряд. Разказват за други по-дълбоки чувства, които напускат своята латентност и се разкриват – рядко въздействащи поради спокойната, но някак болезнена констатация на изживяното. Натам ме насочи прочитът на Илинов. Важен музикант и много добър диригент е младият все още Илинов. Разбира музикалното слово, разбира още как да го изкове и да го предаде на публиката. Валсът във втората част нямаше нищо общо със салонния блясък на танца, много повече бе ориентиран към едно двусмислие, в което стремителната скерцозност някак “се удря” в железно звучащия ритъм, който надмогва своята танцова характерност. Прокофиев играе с жанра – не толкова драстично, колкото Равел, но достатъчно ясно, когато има диригент като Илинов, който да “бутне” определени сегменти в дадена посока и динамика. И да фокусира вниманието на слуха към един по-комплициран разказ. Не съзерцание чух в третата част, а напрегнато, изстрадано мислене, което формулира нерадостни обобщения. Илинов не забравя, че Прокофиев завършва симфонията година преди смъртта си. Едва 61-годишният, твърде болен композитор, понесъл прекалено много удари пише своята прощална творба в жанра с достатъчно ясни послания, предназначени за умния интерпретатор. Защото съм била свидетел на много жизнерадостни подходи към творбата. Всъщност Илинов е първият толкова млад диригент, който съм слушала, проумял цялата сложност на симфонията и чийто прочит бе насочен изцяло навътре, без да се изкушава единствено от “прелестните” оркестрови идеи на Прокофиев.

Доходното здание в Русе

Финалът сякаш сваля маските – в тоналност ре бемол мажор движението е типично прокофиевско, а в него се прокрадват ярки гротескови модели. Играта загрубява. Илинов активира агресията на движението за да артикулира съвсем ясно контраста на следващата фаза. Използва ефективно и тембрите, които Прокофиев избира, за да завърши идеята на прочита си. Движението става все по-неудържимо, трудно за овладяване, опасно – като снежна топка, превърнала се в лавина. Тук трябва да добавя, че за да изгради тази своя, много въздействаща, интерпретация Илинов бе структурирал великолепно и оркестъра, който показа своята гъвкавост – по отношение на звуковата транспарентност, на агогиката, на динамиката. Показа и култура на звукоизвличане и, най-важното – отговаряше с удоволствие на диригента, който излъчваше от пулта единствено желание да се подчини на музиката. Великолепно пресъздадоха прехода към контрастния дял moderato marcato със солото на фагота, което подготви влизането в този съществен драматургичен сегмент. Още нещо: Илинов страхотно експлоатира различните регистри на оркестъра, предписани от композитора за подчертаване на визията си относно драматизма в симфонията. Връщането към началото вече звучеше различно, усмивката се бе превърнала в гримаса. Всичко бе някак неовладяемо, рисково. Финалът (Tranquillo) бе великолепен с тихото, болезнено прозвучаване на кратичката тема в глокеншпил, ксилофон, заедно с пиано – като припомняне на несбъдната мечта. Когато симфонията свърши публиката леко задържа аплауза, очевидно всички бяха влезли в разказа на Илинов и русенските музиканти. Фестивалът получи своя достоен завършек с този концерт.

Откриването на фестивала, 16 март, дирижира маестро Емил Табаков

Колкото и наситена да беше програмата им, “Мартенските музикални дни” отлетяха. Фестивалът прибави още едно издание към невероятната си история. И вече подготвя следващото. ≈

Текст: Екатерина Дочева

Снимки: Петър Стаменков, архив на фестивала „Мартенски музикални дни“

#Екатерина Дочева #Пламен Джуров #Павел Балев #Критичен поглед #Минчо Минчев

0 notes

vprki · 3 months ago

Text

Албум с поклон към фотографите, до��ументирали историята на „Аполония“

За своята 40-годишнина „Аполония“ издава албум с 300 фотографии, наречен „Спомени“. Това е един вид поклон към фотографите неизменно документирали Празниците на изкуствата, всичко случило се на сцените и по улиците на Созопол. Написа за „въпреки.com” съставителят на Албума Панайот Денев /на снимката/, един от първите аполонци, журналист, генерален директор на БТА (1997-2002).

Днес малцина знаят и едва ли някой помни, че през първите 15 години репортерът Тодор Денев (1954–2022) снимаше цял ден и всяка вечер, а сетне той и колегата му, поканена за лаборантка, цяла нощ проявяваха филми, копираха и сушаха. За да може всеки артист да си замине с фотографии от участието си, а някои да бъдат отпечатани в пресбюлетина и по-късно във вестничето „Аполония“.

Рашковците пеят акапелно пред Старата поща, 1987

БТА командирова винаги фоторепортер за „Аполония“: Стефан Тихов (1943–2010), Бистра Бошнакова (1970–2020), Елена Дикова, Тодор Ставрев, Минко Чернев, Петър Кръстев, Георги Казаков, Димитър Алтънков, Анелия Николова, Милена Стойкова, днес вече Христо Стефанов. През последните девет години неизменно фотограф на "Аполония" е Тихомира Крумова.

Илка Зафирова в "На смях" от Валери Петров, 1986

Всичко те, заедно с неколцина приятели: Стефан Джамбазов (1951–2021), Мартин Митов са създали фотоархив на Празниците на изкуствата, който съдържа четири хиляди, а може би и повече изображения.

Класът на проф. Лидия Ошавкова, 2001

Това са забележителни лица и сюжети, заснети винаги репортажно, неповторимо живи. Знаят го стотиците големи български музиканти, артисти, писатели, художници – в Созопол на „Аполония“ не се позира, някак неестествено е в тази общност на духа, свободата на общуването и откровеността на диалога.

Квартет Димов, 1986

Книжката „Спомени“ съдържа и кратки извадки от думи и текстове, казани и написани през 40-те години. От основателя Димо Димов в първия брой на пресбюлетина на 1 септември 1984 г. до изпълнителния директор на Фондация „Аполония“ Маргарита Димитрова и кмета на Созопол Тихомир Янакиев в навечерието на тазгодишните Празници.

Елисавета Багряна , 1987

Те са от професор Гочо Гочев (1913–1991) през 1984, Аркадий Ваксберг (1911–2007) през 1985, Леон Даниел (1927–2008) и Светла Иванова (1948–2006) през 1988, Иван Стоянович (1930–1999) през 1994, до писалите и говорилите през двадесет и първия век Пламен Джуров, Елица Матеева, Александрина Пендачанска, Камен Донев, Копринка Червенкова, Иван Добчев, Ицхак Финци, Ивайло Христов, Пламен Дойнов, Силвия Чолева…

Константин Павлов, 1988

P.S. на „въпреки.com”В тези години едно от най-хубавите неща в биографията на „Аполония“ са партньорствата, в които и ние имаме скромно участие като медия. Но най-дългото им великолепно съмишленичество е с БТА.

"В очакване на Годо", реж. Леон Даниел, 1988

Един от първите аполонци, както ги наричаме помежду си, е бившият генерален директор на Агенцията Панайот Денев много преди да заеме високия пост. Миналата година на 39-ия Фестивал бяха представени първите два тома от историята на БТА по повод 125 години от създаването ѝ. А тази година ще е премиерата на третата част „Истинските новини. Събития от архивите 1898-2023“.

Татяна Лолова и Марко ��анчев, 1989

А има и още нещо. Панайот Денев подготви уникално издание „Спомени от 40-те години на „Аполония“ с повече от 300 снимки на Тодор Денев (1954-2022), Тихомира Крумова и други фотографи. В неформален разговор Панайот Денев сподели, че е прегледал над 4000 снимки… Засега отделни моменти от тази забележителна фотоистория се появяват във фейсбук и на страницата на Фестивала.

Репетиция на Софийския камерен хор с диригент Васил Арнаудов

А всичко предстои с нови фотографии от 40-ото издание на Празниците на изкуствата "Аполония" (28 август – 7 септември), 2024, в Созопол.≈

Камерен ансамбъл "Софийски солисти" с Теодосий Спасов, диригент Пламен Джуров, 2014

Текст: Панайот Денев

Снимки: архив на "Аполония"

#Панайот Денев #Аполония #фотография

0 notes

vprki · 8 months ago

Text

Маестро Минчо Минчев обяви оттеглянето си от концертната сцена …

Минчо Минчев и Николай Минчев бяха протагонистите в концерта на Камерния ансамбъл “Софийски солисти”. За първи път ги чувам с диригента Константин Добройков, който е ръководител на състава след като Пламен Джуров доброволно се оттегли от тази функция. Доколкото знам Добройков е избран от музикантите в ансамбъла. Написа в блога си Decrescendo музикалният критик Екатерина Дочева за концерта на 28 март в рамките на 63-тия МФ „Мартенски музикални дни“, 2024.

Двамата Минчеви поднесоха много интензивен, артистично подплатен прочит на популярната и много ефектна в идеите си пиеса, близка до гротескния тип шеговитост на Алфред Шнитке Moz-Art a la Haydn. Ефектна, но и сложна, що се отнася до фиксирането на всеки изненадващ ход от големия композитор, на всяко “заиграване” с оригиналната мелодия и нейното “изкривяване”. В този остроумен маскарад, солистите и техните партньори от ансамбъла бяха в естетически синхрон, стриктно регулиран от диригента. В другото лице на драмата – Симфония-кончертанте за цигулка и виола (Минчо Минчев), слушахме съкровеното изпълнение на солиращия дует, споделящ рядка, дори за тези изпълнители емоционалност, с едно мъжествено откровение, съчетало сдържаност и изповед. Беше много, много хубаво! Беше трепетен, интимен разговор не само между двама колеги, но, ще си позволя да кажа сега – между баща и син, свързани емоционално и ментално не само в живота, но и в музиката.

Николай и Минчо Минчеви, Русе 2024

Това произведение отдавна е репертоарно за ансамбъла, който им партнира отзивчиво, с интензивност в тембровото съприкосновение. Може би, съобщението на изключителния Минчо Минчев, че този концерт му е последният бе онзи камертон, който бе настроил по един особен начин всички. През целия си невероятен път Минчев е бил винаги истински Mensch (тази дума за човек в немския език има особено звучене) в музикалното си и човешко битие, с неотклонната си почтеност към изкуството, с което се занимава седем десетилетия.

Текстът на Екатерина Дочева е много по-обширен не само за този концерт, но и за други от великолепната програма на МФ „Мартенски музикални дни“, който тя традиционно коментира и представя като критик от дълги години. Благодарим ѝ за съгласието да публикуваме нейни текстове във „въпреки.com”, както винаги сме го отбелязвали и нашите читатели знаят. Сега я цитираме главно с мотива, че именно на този фестивал и в Русе изключителният Минчо Минчев обяви решението си да се оттегли от сцената.

Минчо Минчев, Русе 2024

Дни след това Министерството на културата съобщи, че изтъкнатите български музиканти – професор Стойка Миланова и професор Минчо Минчев – предадоха цигулките, собственост на Българската държава, с които концертираха и радваха десетилетия публиката по света и в България, за да могат в бъдеще тези инструменти да бъдат предоставени на млади таланти.

Проф. Минчо Минчев събираше аплодисменти с цигулка „Страдивариус“ от 1716 г., а проф. Миланова – с цигулка „Гуарниери“ от 1733 г.

По време на церемонията, в която участваха служебният министър на културата Найден Тодоров и зам.-министър Виктор Стоянов, проф. Минчев сподели, че повече от 40 години от професионалната му кариера са преминали заедно с прекрасния инструмент и за него е било чест да представя страната ни. Проф. Миланова бе представлявана от дъщеря си Йова Миланова.

Йова Миланова и Виктор Стоянов

Министър Найден Тодоров и зам.-министър Виктор Стоянов от своя страна изказаха огромната си признателност на изтъкнатите ни музикални виртуози – проф. Минчо Минчев и проф. Стойка Миланова за това, че в изминалите години са покорявали световните сцени с уникалните цигулки и с любов са се грижили за тях.

Предстоят съответните проце��ури, след изтичането на които цигулките ще бъдат предадени по съответния ред на следващите таланти.

Миналата година първа на държавата върна цигулката „Джофредо Каппа” от 1691 г. проф. Евгения-Мария Попова.

Това е текстът на министерското съобщение, естествено, делово с правилата на държавната администрация. Но зад него се крият творчество, емоции, преживявания, включително и за министър Найден Тодоров, който е преди всичко музикант и талантлив диригент.

Минчо Минчев и Найден Тодоров

Припомняме бля��кавия концерт на Софийска филхармония със солист Минчо Минчев под диригентството на маестро Найден Тодоров в памет на изключителния Добрин Петков по повод 100 години от рождението му миналата година на 11 юни. И отново цитираме Екатерина Дочева с текста ѝ, публикуван във „въпреки.com”: „За разлика от масовата музикантска амнезия, когато става дума за предшественици, цигуларят Минчо Минчев и диригентът Найден Тодоров бяха посветили поредния абонаментен концерт на Софийската филхармония на 11 юни на паметта на диригента Добрин Петков (24.08.1923 – 10.02.1987). Минчев има всички причини да поведе българския слушател към колосалната фигура, към този рядък музикант.

Той многократно е свирил с него, беше от любимите му солисти. Съществуват записите им на концертите от Менделсон и Брух, както и Петия на Паганини. Съвместните им концерти бяха събития, които двама музиканти създаваха с моженето си и със съзнанието, че са служители на изкуството, на което са се посветили. Имаха невероятен контакт на сцената. Имали са го и извън нея. Към споменатите творби добавям и Чайковски-концерт за цигулка, Тройния от Бетовен заедно с Марта Деянова и Любомир Георгиев. Всъщност Добрин Петков разбираше служенето на музиката като едно цялостно действие, в което влизаше не само дирижирането, но и възможността да помага на по-младите музиканти от него. Да им сътрудничи като по-опитен колега. Помагаше им абсолютно безкористно.

Минчо Минчев и Найден Тодоров на концерта в памет на Добрин Петков, 2023

Самият Минчо Минчев неведнъж е споделял, че когато се е върнал от Лондон, независимо от факта, че беше взривил конкурса “Карл Флеш” с няколкото награди, които взе, е имал нужда понякога да поиска съвет – и тук Добрин Петков е бил за него незаменимият музикален ментор. В тези съкровени минути нямаше как да не си спомня, че последните си концерти Добрин Петков изнесе с Пловдивската филхармония със солист именно Минчо Минчев, който свири концерта на Чайковски. Заедно честваха 40-годишнината от създаването на оркестъра – на 25 септември, 1986 г. в Пловдив, а на следващия ден – в Габрово. С тези концерти, Добрин Петков е казал “с Богом” на своята публика. Впрочем големият български цигулар тази година (2023) е определен и за “Артист на фокус” на фестивала “Софийски музикални седмици”. Мисля си, че това е много по-здравословно поредно насочване на общественото внимание към неговата невероятна творческа фигура, отколкото онова, свързано с различните апетити по отношение на цигулката, която държавата купи за него и която той все още “употребява” по един неповторим начин. Толкова неповторим, че трудно може да се разкрие следващия, така достоен за инструмента, за да поеме един ден. (Моля, не бързайте, Минчев има още какво да “ни съобщи” по своя неподражаем начин с този инструмент, а е и във великолепна форма) щафетата от този огромен инструменталист и музикант. И човек.“

Стойка Миланова

И нещо лично: Така се случи в живота ми и не мога да не бъда благодарна за този шанс, че навремето преди много, много години, благодарение на диригента Емил Чакъров, се срещнах с Минчо Минчев, с Екатерина Дочева и още прекрасни талантливи музиканти. Между тях бе и Стойка Миланова. Историята е дълга, красива, а и малко тъжна – Емил вече не е в нашия свят от почти 33 години…Но това е друг разказ, който те знаят. А и темата е друга.

Последният концерт със солист Минчо Минчев, на който бях, бе Новогодишният концерт в зала 1 на НДК на 1 януари тази година. Но тук отново ще цитирам текст на Екатерина Дочева, публикуван и във „въпреки.com”. „Не случайно завършвам текста си с името Минчо Минчев.

Минчо Минчев и Емил Табаков, 1 януари 2024

Най-напред признавам, че обичам да гледам на сцена тандема Емил Табаков-Минчо Минчев. Обзема ме едно чувство на сигурност, че ще чуя цялата музика и нищо друго освен музиката. Под палката на Табаков Минчев изсвири три пиеси – “Песен” от Панчо Владигеров, “Хумореска” от Дворжак и Руски танц от Чайковски. Никога не бях чувала Минчев да свири наглед лесната “Хумореска” – по-късно разбрах, че я е свирил за първи път. Трите пиеси предлагат широк диапазон от изисквания по отношение на изразността, особено когато цигуларят знае истинското значение на тази дума. За пореден път се убеждавам, че Минчо Минчев не само е невероятен музикант и особено щедро докоснат от Бога цигулар. Отдавна, естествено осъзнал личната своя отговорност към мощния талант, който му е даден, той търси непрекъснато следващия нов звук за дадената пиеса. Дълбае, дълбае…

Виолончелистът Сион Найман, Емил Табаков и Минчо Минчев, 1 януари 2024

Постига такива неща, че и този път констатирах до каква степен е способен да съблазни публиката със звука си, с маниера си да модифицира този звук така, че да провокира креативността във въображението на слушащия. Да го поведе със споделеност, с елегантност и артикулирана образност накъдето е решил. Прави го без усилие – с тази специфична негова подкупваща откритост, която сега, в късния му период, е още по-въздействаща – изчистена, без примеси, само с красивата и смислена музика, предназначена сякаш за всеки един от многолюдието в зала 1 на НДК.“

И сега, вероятно, ще виждаме Минчо Минчев и съпругата му Валя на концерти в зала „България“ в някоя от ложите на първия балкон като част от публиката. Ще се смеем в антракта, когато си припомняме като студенти и малко по-големи сме пътували на стоп за поредния му концерт, например, с Пловдивска филхармония и за още куп весели и не съвсем истории, но винаги свързани с любовта към музиката. Вероятно, звучи сантиментално, по-скоро, но всъщност е свързано с един изключителен път като този на Маестро Минчо Минчев.

Акцията на Светлин Русев и Минчо Минчев в недовършената част на ХГ "Владимир Димитров-Майстора"в Кюстендил, юни 2012

И тук ще вмъкна едно невероятно преживяване, свързано с приятелството му с художника Светлин Русев. 2012 година Светлин направи изложба в незавършеното пространство на ГХГ в Кюстендил като гневен призив, че така не може. На този своеобразен пърформънс свири Минчо Минчев. Беше невероятно…Така и до ден днешен не е довършено, но какви изложби се правят там и ��од дъжд, а и сняг. Поличба…

Май стана много фрагментиран текст, но как да си представя, че повече няма да ходя на концерт на Минчо, на Стойка. Но личният избор е свещен! Всъщност БНТ разполага с богат архив и за двамата музиканти от най-ранните им години. За малка част от него имам и скромен принос. Но това е друга история. Не описвам изключителните биографии на двамата забележителни цигулари. Сега е лесно, който иска ще ги отрие.

Минчо Минчев на новогодишния концерт в зала 1 на НДК, 1 януари 2024

Мога финално само да кажа „Благодаря“! Останалото са подробности…≈

Текст: Зелма Алмалех

Снимки: архиви на НДК, Софийска филхармония, МФ „Мартенски музикални дни“ и Министерство на културата

#Минчо Минчев #Екатерина Дочева #Стойка Миланова #Зелма Алмалех

0 notes

mihaylovblog · 8 months ago

Text

#българско кино #bulgaria #българскокино #българия

1 note · View note

mihaylovblog · 10 months ago

Text

04.02.1994 г. – Премиера на българския игрален филм "Граница" на режисьорите Христиан Ночев и Илиян Симеонов, по сценарий на Емил Тонев, Илиян Симеонов и Христиан Ночев. Оператор е Пламен Антонов. Музиката във филма е композирана от Теодосий Спасов. Художник е Георги Тодоров-Жози. В ролите: Чочо Попйорданов, Елена Петрова, Мариан Вълев, Наум Шопов, Николай Урумов, Христо Димитров-Хиндо, Кръстю Лафазанов, Мариус Куркински, Васил Василев-Зуека, Евгений Джуров, Стефан Денолюбов, Иван Панев, Огнян Желязков, Пламен Бакърджиев, Ути Бъчваров, Ивайло Палмов, Огнян Желязков, Хр��сто Димитров-Хиндо и др.

#българско кино #българскокино #bulgaria #българия

0 notes

mihaylovblog · 10 months ago

Text

#българско кино #българскокино #bulgaria #българия

0 notes

mihaylovblog · 2 years ago

Text

0 notes

mihaylovblog · 2 years ago

Text

0 notes

vprki · 6 years ago

Text

РЕФЛЕКСИИ: „Софийски музикални седмици” отбелязват 50-годишен юбилей с богата програма

Над 60 концерта с повече от 340 артист - изпълнители от 22 държави включва 50-то юбилейно издание на Международния фестивал „Софийски музикални седмици”. Откриването е на 23 май в зала „България” с изпълнение на Камерен ансамбъл „Софийски солисти” и Софийска филхармония със солист пианиста Людмил Ангелов под диригентството на Пламен Джуров, директор и художествен ръководител на фестивала. В програмата са творби на Шопен, Александър Розенблат, Бизе – Шчедрин и Панчо Владигеров.

На пресконференцията преди началото на фестивала един от организаторите Момчил Георгиев представяйки програмата каза, че първоначално имали намерение за около 50 прояви, които да се свържат знаково като брой с юбилея на фестивала, но са се оказали повече. А закриването е на 30 юни отново в зала „България” с премиери на творби от Михаил Големинов, Емил Табаков, Майкъл Типет, Гия Канчели в изпълнение на Камерния ансамбъл „Софийски солисти” под диригентството отново на Пламен Джуров и солисти цигуларите Минчо Минчев и Николай Минчев, както и Мирослав Димов – ударни инструменти.

Проф. Пламен Джуров

Самият фестивал през годините е претърпял различни трансформации, но както каза Людмил Ангелов на пресконференцията още като ученик в Музикалното училище този фестивал е бил за него голямо преживяване. Гостуването на световни артисти от музикалната сцена е създавало усещането за специално събитие, което се е запазило и сега, когато вече самият той е канен. Началото на „Софийски музикални седмици” е през 1970, но идеята за основаването им се заражда доста по-рано, в средата на 60-те години на ХХ век, във връзка с вече придобилия популярност Международен конкурс за млади оперни певци в гр. София, проведен за първи път през 1961.

В основата на модела на „Софийски музикални седмици” от основателите е заложена идеята София да бъде мястото, където „Изтокът да среща Запада”. Именно тя е формообразуваща за концепционната стратегия на фестивала, обосновава международния му характер още от самото му създаване, а същевременно представлява и ключ към неговото структуриране. От самото си начало Международният фестивал „Софийски музикални седмици” представлява европейски по своята същност проект, замислен по модела на авторитетни форуми от световната фестивална практика. Даже се разказва анекдотична случка, когато „патриарсите” на българската музика /Владигеров, Пипков, Стайнов, Кутев, Големинов и др./ обсъждали името на фестивала. И Богомил Стършенов /с голям принос за създаването и утвърждаването на Седмиците/ изброявал: „Пражка пролет”, „Варшавска есен”, „Руска зима”, а Любомир Пипков го прекъснал с фразата: „При това положение най-добре е да кръстим нашия фестивал „Сиромашко лято”. „Днес ми звучи като прокоба…”, отбелязва Пламен Джуров припомняйки случката в свой текст по повод на юбилея.

Людмил Ангелов

И въпреки това, Софийски музикални седмици, както вече стана дума, предлагат с чест и този път богата програма. Те са под знака на 140 години от утвърждаване на София за столица на България, а съорганизатори са Министерство на културата, Столична община, Софийска филхармония. Фестивалът е част от Календара на културните събития на Столична община за 2019 година. Композитор във фокус е Панчо Владигеров, артист във фокус - Людмил Ангелов, ансамбъл във фокус - камерното дуо, жанр във фокус - вокалната музика, страна във фокус - България, инструмент във фокус - виолончелото. Ще бъдат отбелязани годишнини от рождението на: Станислав Монюшко - 200, Хектор Берлиоз - 150, Панчо Владигеров - 120, Георги Димитров - 115, Димитър Тъпков - 90, Васил Казанджиев - 85, Георги Бадев – 80. Ще има световни премиери на творби от Албена Петрович Врачанска, Алекс Вела Григори, Атанас Атанасов, Васил Казанджиев, Георги Андреев, Георги Арнаудов, Димитър Тъпков, Емил Табаков, Михаил Големинов, Станислава Стайчева, Румен Бояджиев-син, Явор Гайдов. Много са събитията, не само концерти, но и представяне на книги, компактдискове, майсторски класове, с които всеки може да се запознае на официалните фестивални страници: http://www.sofiaweeks.com/ и https://www.facebook.com/sofiamusicweeks/

Ако се върнем пак към текста на Пламен Джуров, той свързва „Златния период” на фестивала с името на Петър Ступел. И добавя: „Златният” период започна да увяхва след 1992 г., когато се раздържавяваха (по-точно съкратиха) множество структури на музикалната организация. С решение на новосъздаденото Министерство на културата фестивалът беше преобразуван във фондация в обществена полза. Няколко години след тази трансформация Министерството поддържаше финансово фестивала в почти прилични размери, но вече липсваше поддържащата роля на Концертна дирекция и София концерт. Уви, всяко ново правителство и общинска управа намаляваше финансовата подкрепа на фестивала. Петър Ступел не можа да понесе тази „реформа” и през 1996 г. просто показа един празен бял лист и каза, че в такива ус��овия не може да се организира фестивално издание, което да прилича на предишните. И беше прав…”, пише Пламен Джуров.

Пламен Джуров и “Софийски солисти”

Но и продължава за фестивала „в преход”: „Преходът наричам с друга дума – „оцеляване”… Физическо и юридическо оцеляване на личности и обществени структури. „Софийски седмици” оцеляха. В по-малък мащаб, с по-малко амбиции и ограничени възможности. Но не се пропусна нито едно издание в трудните години на преход. Недостигът на „рекламни звезди” и на световно известни колективи се замести от нови посоки - образователни (майсторски класове, ателиета, научни и бизнес-конференции), смесени проекти и най-вече разширяване на репертоарната стилистика. Естествено, още има носталгични спомени по шумни, предизвикателни гастроли, но надявам се и в тази посока може да се гледа с надежда. Значими състави (оркестри, балетни и оперни трупи) идват като подарени, както бе с гостуването на оркестъра на Мариинския театър с Валерий Гергиев. За българската страна е немислимо финансирането на подобен състав, измеримо в стотици хиляди левове. Но Гергиев помни, че първият му задграничен гастрол е точно в София с оркестъра на БНР и то в рамките на „Софийски седмици”. Той с благодарност направи личен подарък на София, за да се състои този фантастичен концерт преди две години.

Всъщност марката “Софийски седмици" продължава да е твърде привлекателна за голяма част от артистите, с които преговаряме. Те самите го казват. Парадоксът е в това, че останалите източни фестивали /„Пражка пролет”, „Варшавска есен” и др./ запазиха привлекателната си мощ и се доразвиха. В последните години „избуя” и фестивалът „Енеску” в Букурещ. Той се превърна в дестинация на международния туризъм, привлече най-прочути колективи от Европа и Америка. Инстинктът „оцеляване” обхвана и повечето български музиканти. Разселиха се по целия свят. Днес никой не може да каже колко наши сънародници са в чужди музикални колективи. Да, преди време направихме любителско преброяване на българските концертмайстори по света. С помощта на колеги от целия свят изброихме малко под 70. Но колко са другите хиляди инструменталисти, певци, балетисти - днес никой не знае. И така в последните години фестивалът се утвърди като обединяваща сцена за българи от България и Европа. Много от тях привличат и колегите си от чужбина за съвместни проекти - Пламена Мангова, Албена Данаилова, Сузана Клинчарова, Павлина Доковска и множество други. И сега „Софийски музикални седмици” са привлекателна сцена за активните ни колеги, които постоянно работят в България.

Албена Данаилова

От няколко години програмната конструкция се държи и дължи на доброволното сътрудничество на музикалните институти, на личности, които ги ръководят и представляват. На първо място е Софийската филхармония - не само със собствените си програми, но и гостоприемството си за проекти на НМА „Панчо Владигеров”, НБУ и голяма част от чуждите културни центрове в София. Съхрани се и връзката с „Варненско лято” и фестивала на камерната музика в Пловдив. Безспорен прогрес! Това което се постигаше навремето с административно разпореждане, сега се постига с осъзнато сътрудничество и взаимодействие между музиканти - съмишленици. И така - 50 години упоритост и всеотдайност от няколко различни поколения музикан��и и организатори, 50 години последователно представяна на безкрайния свят на музикалното изкуство”, завършва своя „юбилеен” текст Пламен Джуров. А ние сме убедени, че и този път фестивалът „Софийски музикални седмици” ще защити високите критерии, които сам си е поставял през годините. ≈

Текст: „въпреки.com”

Снимки: Стефан Джамбазов

#РЕФЛЕКСИИ #Софийски музикални седмици #Пламен Джуров #Людмил Ангелов #Момчил Георгиев #Софийски солисти

1 note · View note

vprki · 3 years ago

Text

Живяхме и живеем във времето на „Софийски солисти“

Камерен ансамбъл „Софийски солисти“ с диригент маестро Пламен Джуров откри 37-то издание на „Празниците на изкуствата Аполония“ в Созопол на 30 август миналата година, с което се сложи началото на предстоящото честване на 60 годишния юбилей на забележителния оркестър, феномен в българската култура.

И дойде денят 19 март - датата, на която през 1962 г. новосъздаденият тогава Софийски камерен оркестър изнася първия си концерт - се отбелязва като рождената дата на камерния ансамбъл "Софийски солисти". Най-известният и уважаван камерен оркестър у нас започва серия от събития по този повод, а началото беше дадено на 19 март в зала "България". Програмата бе направена специално така, че да почете основателите - с две от произведенията, звучали в дебютния концерт, но и в традицията винаги да има разнообразие и интересна концепция, която да задоволява вкуса на верните им почитатели. Отново, както преди 60 години прозвучаха Концерт за пиано и оркестър в сол минор от Бах, Камерен концерт за флейта, английски рог и струнни от Артур Онегер (двете творби, включени в историческия първи концерт на състава), Бранденбургски концерт №3 от Бах и Концерт за оркестър, който Лазар Николов посвещава на "Софийски солисти". Солистка в Баховия клавирен концерт бе прекрасната и талантлива Виктория Василенко, а в творбата на Онегер - Явор Желев и Слав Славчев, членове на Симфоничния оркестър на БНР.

Виктория Василенко и Пламен Джуров на концерта на 19 март 2022 година, снимка: Василка Балевска

Първата репетиция на знаменития ансамбъл е през ноември 1961, а пет месеца по-късно с огромен успех е и първият концерт на музикантите в зала България, ръководени от младия тогава Михаил Ангелов /1932-2017/. Следващите концерти са дирижирани от Добрин Петков, Константин Илиев и, разбира се, Васил Казанджиев, който ръководи състава 16 години. В последвалите години ансамбълът, който първоначално се нарича Софийски камерен оркестър, а по- късно е назован от своите основатели Софийски солисти, натрупва все повече опит и популярност, започва да пътува по света и прави записи за известни грамофонни фирми. От 1978 диригент на ансамбъла е Емил Табаков, а от 1988 ръководител на Софийски солисти неизменно е Пламен Джуров.

Михаил Ангелов, снимка: личен архив

Записите на Софийски солисти –над 60 грамофонни плочи и над 30 компактдиска – се продават главно зад граница, стотици остават в България във фонда на БНР и БНТ. Солистите активно работят с млади музиканти и организират образователни концерти. Изкуството на ансамбъла е познато зад граница, музикантите са високо оценени в Европа, САЩ, Канада и Япония. В историята им има поредица турнета, в които за два месеца са изнесли около 40 концерта пред над 30000 слушатели. Имат и околосветско турне – от Париж през САЩ и Канада, през Хаваите, Русия и oбратно в София. Но където и да са по света, те винаги се завръщат в родината, при своята българска публика. „Софийски солисти“ са носители на всички български награди и много международни отличия. Но бяха особено щастливи миналата година в Созопол, когато бяха удостоени с наградата на фондация „Аполония“ „Аполон Токсофорос“ за значим принос в развитието на българската култура и представянето ѝ зад граница.

В години, независимо в кои медии сме работили винаги сме отделяли специално място на ансамбъла, неговите ръководители във времето, прекрасните им солисти. Многобройни са текстовете ни, особено, във „въпреки.com”. /А още от ученическите ми години, благодарение на майка ми, почти, не съм пропускала техен концерт – б.а./

Концертът на "Софийски солисти" с Лия Петрова на "Аполония" 2021 година, снимка: Тихомира Крумова

Ще се върна към разговора ни с маестро Пламен Джуров малко преди откриването на фестивала „Празници на изкуствата Аполония“ 2021 с концерт на „Софийски солисти“ с участието на забележителната цигуларка Лия Петрова. Той сподели тогава за „въпреки.com”: „Може би съм идвал повече от десетина пъти на „Аполония“ почти от самото начало на фестивала. Участвал съм заедно със „Софийски солисти“ в концерти с различни програми, с прекрасни солисти. Но съм се включвал и в теоретични разговори и срещи между творците във форуми, които е организирала фондация „Аполония“. Този фестивал е феноменален за България и продължава да е уникален, защото събира всички видове изкуства. Защото, за съжаление, в България има известно затваряне между гилдиите и публиките. А тук срещата е между различните видове изкуства и най-вече с хората, които правят изкуство и с хората, които потребяват изкуство. И тук, в Созопол, това става по елегантен и непринуден начин. Това е разликата – всичко е свободно, фриволно, оптимистично. Всички са свързани с времето – какво ще бъде времето. Много е естествено! Солидните, тежки програма в големите зали имат своя блясък. Но тук е различно, тук кипи живот!“ Концертът им беше на световно равнище и с поредното присъствие на младата и безкрайно талантлива Лия Петрова, за която артистичният директор на фестивала Маргарита Димитрова ни каза: “Лия обича оркестъра и те я обичат“. А маестро Джуров с възхита и обич говори за цигуларката: „Кариерата на Лия Петрова започна със „Софийски солисти“ още, когато беше шестгодишна. И досега помни как съм я посрещнал – един голям стар чичко. Това е било преди повече от четвърт век! Винаги, когато имаме възможност свирим с нея. Лия не може да не я обичаш, не може да не я уважаваш. Тя е направо невероятна! Много малко знаят какво представлява Лия Петрова в чужбина с нейните съвършени езици – перфектно говори английски, немски, френски, с което спечелва веднага. Стегнатите японци я гледаха като божество. / „Софийски солисти“ заедно с Лия Петрова имат блестящи турнета в Япония 2016 и 2019 година – б. а./ Контактна, приветлива, лъчезарна – тя създава около себе си светлина и лекота. Свири прекрасно, много интересно. Ние сме правили над 20 концерта с нея. Всеки път тя търси нещо ново.“

Пламен Джуров и Добринка Табакова в зала "България", 2018 година, снимка: Стефан Джамбазов

„ Софийски солисти“ обичат да откриват, да работят с млади и талантливи музиканти. И това ги прави истински щастливи на сцената, на репетициите. А, както отбелязахме имат и пристрастие към съвременната музика и, въпреки известната скептичност на традиционната българска публика почти няма техен концерт, в който тя да не присъства. Припомняме великолепния им концерт в рамките на 49-ия Международен фестивал „Софийски музикални седмици“ 2018, когато изсвириха концерта за виолончело и струнни на изключително талантливата ни композиторка Добринка Табакова със световна кариера и авторитет със солист великолепния Атанас Кръстев. Тогава по време на една от репетициите тя беше седнала на средните редове в празната зала. Не спираше изпълнението и само между частите, когато маестро Джуров се обръщаше към нея, тя отива��е към сцената даваше не толкова съвети или инструкции, а споделяше своите усещания и разбирания за изпълнението и интерпретацията на Атанас Кръстев и оркестъра с деликатност, уважение и обич към изпълнителите.

Забележителна е и съвместната работа на „Софийски солисти“ с композитора Петър Дундаков.

Петър Дундаков и Пламен Джуров във Военния клуб, 2017 година, снимка: Стефан Джамбазов

По повод на мултимедийния си концерт - спектакъл по негова идея и музика „Песента на ветровете“ с участието на камерен ансамбъл „Софийски солисти” под диригентството на проф. Пламен Джуров и майсторските изпълнения на познатите от съвременната музикална сцена джаз тромпетист Росен Захариев и сопраното Гергана ��имитрова, солистка на „Мистерия на българските гласове” и „Ева квартет” композиторът сподели за „въпреки.com” тогава: „Според мен това, което движи една музика е духът ѝ, в смисъл дълбоките ѝ принципи, които никога не са неподвижни. Подвижността на тези принципи, възможността да ги пресъживяваш, е всъщност липсата на граници. Това е вечността на заниманието, търсенето на подвижност на границите. Изключително преживяване за мен е да работя със „Софийски солисти”. Така беше и в съвместния им проект „Пандора“ –заедно с Балет „Арабеск“, камерна опера с хореографски сцени по музика на холандския композитор Пол ван Брюхе и българския композитор Петър Дундаков, с оперния глас на Цветана Бандаловска и два ниски гласа от “Мистерия на българските гласове” Евелина Христова и Даниела Димитрова. На премиерните спектакли април 2015 година музиката с участието на „Софийски солисти“ с диригент Пламен Джуров беше с изпълнена на живо.

Панчо Владигеров, Васил Казанджиев и "Софийски солисти", снимка: личен архив

За всеки концерт и проект на „Софийски солисти“ може да се пише много и детайлно преди всичко с радост и възторг за подаръка, който правят вече шейсет години на меломаните не само в България, а и по света – от Япония до Хаваите. По време на извънредната ситуация заради пандемията от Covid-19 не можеха да репетират, беше невъзможна срещата им с публиката, но да вярваме, че това време бавно, но сигурно отминава. По този повод, така угнетил целия артистичен свят Пламен Джуров сподели за „въпреки.com” миналата година на „Празниците на изкуствата Аполония“: „Това е най-подходящият момент за получаването на тази награда /„Аполон Токсофорос“/, защото много ни порази положението заради Ковида – три месеца не се бяхме събирали. Работим и няма резултат, няма срещи с публиката. Това сега с наградата ни дойде като вдъхновение и надежда за бъдещето“. А бъдещето е вече тук с поредицата от концерти в юбилейната година за ансамбъла и не само. Но преди това още малко подробности и връщане във времето.

„Софийски солисти” е състав, който отдавна си е извоювал трайно място в културния живот на България. Невероятно обширният им репертоар – от 15 век до новонаписани произведения, яркото им сценично присъствие и ювелирното съвершенство на интерпретациите им ги правят любимци както на публиката, така и на критиката. Ансамбълът съчетава в едно традиции и новаторство, уважение към утвърдените авторитети и подчертан стремеж към подпомагане на младите таланти. „Софийски солисти” са работили в всички значими български музиканти – композитори, диригенти, солисти. Особено активна е тяхната творческа връзка с Марин Големинов – като композитор и диригент. И досега постоянен партньор на състава е Минчо Минчев. Но и редица млади музиканти имат първите си опити с оркестър именно със „солистите”. Ансамбълът многократно е правил интегрални изпълнения и записи на произведения от Бах, Моцарт, Барток, Веберн, Шостакович, Бритън. За своя мисия "Софийски солисти" приемат изпълнението и популяризирането на съвременната българска музика. Вдъхновители са за създаването на десетки стойностни произведения от Любомир Пипков, Панчо Владигеров, Константин Илиев, Лазар Николов, Александър Райчев, Димитър Тъпков, Симеон Пиронков и много по-младите Добринка Табакона, Петър Дундаков, Петър Керкелов. На оркестъра посвещават творби и неговите трима диригенти и талантливи композитори – Васил Казанджиев, Емил Табаков и Пламен Джуров, а има и редица произведения за състава, написани от чужди автори.

Гиа Канчели и Емил Табаков на концерт в зала 1 на НДК със Симфоничния оркестър на БНР, 2013, снимка: архив на НДК

Майсторският стил на музициране и богатите изразни възможности на ансамбъла в унисон с композиторските търсения през 60-те години на 20 век имат благотворната роля за раждането на нова жанрова разновидност в българската симфонична музика – камерния симфонизъм. Сред любимите автори от по-ново време на „Софийски солисти“ са забележителните композитори с нелека творческа съдба в бившия Съветски съюз – Алфред Шнитке /1934-1998/, Гиа Канчели /1935-2019/, гостувал на ансамбъла, София Габайдулина и други.

Ще си позволим и нещо лично, свързано с маестро Пламен Джуров. Приятелството ни е от студентските години, когато заедно участвахме в различни събития, срещи на младата творческа интелигенция. Той винаги е бил личност с отношение и разбиране на колегите си от другите жанрове на изкуството. Когато създадохме интернет платформата за изкуство и култура „въпреки.com” преди осем години, той беше един от първите, които ни повярваха и даде интервю за нас. В него той каза изключително важни неща, чиято актуалност се оказа непреходна във времето, в което живеем. „За разлика от много страни, за разлика от театъра, при нас почти всеки концерт е премиера. И тя остава единствената, следващият концерт е с нова програма. В България в момента няма механизъм, в който да мултиплицираш програмите. Това е, защото всички са затворени там, където работят. Сравнително малко се пътува, няма партньори в другите населени места. Няма Концертна дирекция. Няма звено, което поддържа постоянни, стабилни връзки с чужбина. Всичко е на парче. Отделни пътувания в чужбина на лични връзки или на някакво общо познаване на състав или изпълнител. Тоест стихийност, която обаче върви в декресчендо. Защото това, което мен ме боли, че при такава изведнъж взривно развила се медийна система, това, което наричаме европейски ценности в културата заема твърде малко място. Не говоря само за музиката. Едно от тежките наследства на социализма е разпокъсаността на отделни гилдии. липсва тази национално-философска психологическа основа, която да ни спои, да ни направи да можем да разговаряме. Ние трудно разговаряме помежду си. Най-удобната форма е сега, като ти си срещу мене и после ми отговориш. Както е казал Радичков за българския диалог – това са два монолога”, каза тогава музикантът. А сега и в друг - политически и социален контекст думите му звучат с днешна дата още по-актуално, дори драматично за съвременното ни общество…

Пламен Джуров, снимка: Стефан Джамбазов

2020 година беше дигитално възстановеното копие на трилогията „Хан Аспарух“ на режисьора Людмил Стайков по сценарий на Вера Мутафчиева. Новият филм е със заглавие „Ханът и империята“. Оригиналният филм беше премонтиран в изцяло нов разказ, съобразен със световните тенденции, с динамична монтажна структура, нова музика и съраунд звук от най-високо ниво.Това е най-мащабният филм в историята на българското кино. С него през 1981-ва са отбелязани 1300 години от създаването Българската държава. Автор на музиката е забележителният композитор Симеон Пиронков /1927-2000/. На базата на класическата творба за българското кино в три серии с обща дължина 333 минути, Людмил Стайков на практика прави нов филм „Ханът и империята“ вече с дължина 140 минути с нова музика, звуковите ефекти, дигитализираното изображение в 4K резолюция и отговарящ на всички световни критерии за филмово разпространение. Такава мащабна реставрация на изображението на оригинален филм за първи път се направи в България. Под диригентството на проф. Пламен Джуров е записана музиката към новия филм. Включват се четирима известни съвременни български композитори, но в основата е трудът на автора на музиката на „Хан Аспарух“ Симеон Пиронков. Новата скъсена версия запазва част от оригиналната музика на композитора. Налага се един от авторите - Минко Ламбов да дешифрира музиката по нотни бележки, които не са пълни и към това да се прибавят и нови произведения... Участват още композиторите Румен Бояджиев, Александър Карагьозов, Стефан Димитров. „Людмил Стайков приемаше и отхвърляше кое да остане. Той прояви завидно търпение и вкус, воля и въображение как трябва да звучи музиката в този филм - това беше сложното в историята... участваше оркестър, хор и беше много голям обем от работата..." Споделя тогава Пламен Джуров пред БНР. А в по-обширно интервю за БТВ уточнява: “В основата бяха „ Софийски солисти “. Аз, като диригент на състава, първи получавах нотите на готовите творби. Ние правехме предварителни подготовки, на които готвехме главните интерпретационни условия – линии, динамичности... След това се събирахме с другите – симфоничния оркестър на Националното радио и солисти от Филхармонията. Имаше блестящи сола. Въобще, в записите взе участие каймака на българските оркестри.“

Камерен оркестър "Софийски солисти", снимка: архив на състава

С днешна дата можем да коментираме, че режисьорът Людмил Стайков не случайно се обръща към маестро Пламен Джуров и „Софийски солисти“. Още като млад режисьор той прави великолепен документален филм „Софийски солисти“ през далечната 1970, един от първите в тогава единствената национална телевизия. Черно бял, експресивен и сега да се гледа няма като въздействие и артистичност да се усети като стар и демоде. В него има фрагменти по какъв начин Васил Казанджиев, репетирайки, повтаря 15-20 ноти 36 пъти. Това е незабравим документален филм, който би било прекрасно да се види и сега.

И една друга много важна подробност за маестро Васил Казанджиев и „Софийски солисти“. Симфония № 14 в сол минор (опус 135) на Дмитрий Шостакович е създадена 1969 година. Предназначена за изпълнение от малък оркестър, сопран и бас, посветена на английския композитор Бенджамин Бритън. По форма наподобява песенен цикъл върху текстове на Федерико Гарсия Лорка, Гийом Аполинер, Вилхелм Кюхелбекер и Райнер Мария Рилке, обединени от темата за смъртта. Представена е за пръв път на 29 септември 1969 година в Ленинград от Московския камерен оркестър под диригентството на Рудолф Баршай със солисти Галина Вишневская и Марк Решетин. А задграничната ѝ премиера е в … България – на следващата 1970 години с Камерния ансамбъл „Софийски солисти”, диригент е Васил Казандж��ев, а солисти - Милкана Николова /която от десетилетия живее във Виена, забележително българско сопрано –б.а./, и Павел Герджиков. Миналата година в рамките на 52-ия фестивал „Софийски музикални седмици“ тя отново бе изпълнена от ансамбъла под диригентството на маестро Пламен Джуров и солисти Цветана Бандаловска и Бисер Георгиев. В този концерт имаше и вълнуващ парадокс - бяха изпълни две премиери за България на кантатите на Марин Големинов „Кресту Твоему“ и „Алелуя“ 29 години след създаването им…Първото им изпълнение е в Португалия. Не са малко прекрасни произведения на български композитори да имат своите премиери извън страната ни. Но това е друга тема, за която сме писали неведнъж във „въпреки.com”.

Текстът, посветен на юбилея на „Софийски солисти“ ще ви се стори малко разхвърлян и недостатъчен, но в любовните обяснения е така…

Следващите концерти за юбилея на „Софийски солисти" са планирани за следните дати през 2022г.: 20 април в Централния военен клуб, диригент – Георги Патриков, солисти: Симона Кодева – сопран, Виктор Теодосиев – валдхорна; 8 май в зала "България", диригент – Найден Тодоров, солисти: Надежда Цанова – пиано, Петър Македонски – тромпет; 13 май в зала "България", диригент – Емил Табаков, солист: Минчо Минчев – цигулка.

Живеем във времето на Камерен ансамбъл „Софийски солисти“. Не го пропускайте! ≈

Текст: Зелма Аламелх

Снимки: Стефан Джамбазов, Тихомира Крумова, Василка Балевска, архив на Камерен ансамбъл „Софийски солисти“, на НДК и личен архив

#Софийски солисти #Пламен Джуров #Емил Табаков #Васил Казанджиев #Михаил Ангелов

0 notes

vprki · 3 years ago

Text

За изминалата 2021, лично, с любов и тъга

2021 година беше много объркана и тежка за света, включително за културата и изкуството. Така беше и за България и за всеки от нас. А неизвестните за 2022 остават, засега, под този знак. Не става дума само за противоепидемични мерки, а за това какво се случва с нас и как да продължим напред, ВЪПРЕКИ!

Откакто създадохме преди почти осем години „въпреки.com” двамата със Стефан Джамбазов в края или началото на всяка година публикувахме своите анализи, нашия поглед към изминалите дни в областта на културата и изкуството като важна част от развитието на обществото. Публикувахме ги в две части – един текст от него, другия от мен. В началото на Новата 2022 година публикацията е една, защото Стефан не е вече тук, отлетя в Отвъдното на 15 март, миналата година. Работи до последния си миг със силен дух, с огромна любов към живота и изкуството. Обещах му и продължавам с ВЪПРЕКИ, а и, защото това ме спасява от личната ми болка, че го няма…Но той е тук и никога няма да говоря за него в минало време…

Стефан Джамбазов в разговор с Любен Зидаров, снимка: Мариана Маринова

Миналата година започна за нас с фотоизложбата на Стефан в галерия „Академия“ на НХА „Андрей Даниел – последните седем години“. Имахме щастието да се виждаме по – често по различни поводи в последните негови години освен заради приятелството, но и във връзка с нашия сайт и фондация „Въпреки”. Разговорите и срещите ни бяха свързани с подготовката и откриванията на негови изложби, както и на учениците му, на които изключително държеше. И даже всичко това, което оставяше от себе си на студентите, ни провокира преди време за проекта „Учители и ученици в изобразителното изкуство” /с участието още на професорите Емил Попов, Вихрони Попнеделев и Николай Майсторов/. Андрей беше много щастлив от тези изложби, които бяха повод да събере свои ученици от цял свят. А от тези срещи Стефан Джамбазов направи една фотоизложбата, която беше показана в Созопол и Пловдив през 2020. Изложбата бе експонирана на 7 януари в галерия „Академия“ на НХА – домът на Андрей ��ато преподаватели продължи почти месец. Стефан вече не се чувстваше добре, губеше всеки ден по малко в почти тригодишната битка с рака. Но действаше на високи обороти, без да изохка, а минаваше през Ада.

Към фотоизложбата "Андрей Даниел - последните седем години" в галерия "Академия" на НХА, снимка: Стефан Джамбазов

По-късно фотоизложбата беше показана в Градската художествена галерия „Борис Георгиев“ във Варна по покана на изкуствоведа и куратор Румен Серафимов. Той заедно със Стефан подготвиха заедно текстовете, свързали Андрей с Варна и прекрасната ѝ галерия. Изложбата се откри на 20 април без Стефан. Тя беше включена и в съпътстващата програма на 60-то юбилейно издание на Международния фестивал „Мартенски музикални дни“ /отлагано три пъти заради пандемичната обстановка, но организаторите начело с артистичният директор Ива Чавдарова направиха забележителен празник с прекрасни концерти/ през септември/октомври в Русе в градската галерия на града. Изложбата трябваше да бъде експонирана в Бургас /знаков град за художника/ във филиала на НХА, после в Берлин в Българския културен институт, където беше последната, може би, негова изложба приживе, а и на други места. Ситуацията с Covid-19 попречи, но вярвам, че тази година ще имаме шанс.

През 2020 година трябваше да има голяма ретроспективна изложба на Андрей Даниел в Софийска градска художествена галерия, но заради епидемичната обстановка се отложи за 2021 и беше открита на 13 април. Изключителна изложба, преживяване, едно то най-забележителните събития в културния ни живот. През 2019 г. Андрей Даниел бе поканен да подготви самостоятелна изложба заедно с екипа на СГХГ. В процеса на обмисляне какво и как да се подбере за предстоящата експозиция, художникът ни напусна на 28 януари 2020 година. Загубата на Андрей Даниел, на неговата богата мисъл и знания, на паметта му за преживяното, на възможността за личен избор и невъзможността за създаване на нови съпътстващи текстове наложиха преосмислянето на целия проект, на неговото разширяване и създаването на албум, с включена биография и каталожна част, представяща неговата живопис в хронологичен ред. Организаторите от СГХГ запазиха избраното приживе от твореца заглавие – „Между две епохи“ и произтичащата от него идея за развитие на изложбата. „Между две епохи“ е творческото усещане за принадлежност преди и след, на граница, на кръстопът.

От изложбата на Андрей Даниел в СГХГ, снимка: Стефан Марков

Направил и правещ своя избор Андрей Даниел е невероятно последователен в своето изкуство и ще остане неделима част от нашето съвремие. Искам само да добавя и думите на Андрей Даниел, които беше казал в един от разговорите ни за „въпреки.com“: „И ако не се научим да измисляме смисъл, да синтезираме за себе си и за околните, за много големи групи хора смисъл, то това съществуване ще бъде по-скоро някакъв вид вегетация”…Опитвам се да си представя, че някъде в небесата Андрей и Стефан си пият питиета /което им беше невъзможно в последните месеци от живота им на Земята/ и си говорят за смисъла…

Започнах с изобразителното изкуство не само заради фотоизложбата “Андрей Даниел – последните седем години“, а и защото през изминалата година бяхме щастливи да се наслаждаваме на прекрасни изложби в различните галерийни пространства, а и Стефан имаше своите лични пристрастия, познания и любов към творческия свят на художниците. Изброявам част от тях, не е възможно всички, а за мнозинството от тях може да прочетете във „въпреки.com”. Със забележителни изложби по традиция ни дари екипът на СГХГ начело с директора Аделина Филева - на Андрей Даниел, фотоизложбата за живота и творчеството на Кристо и Жан-Клод на фотографа Жан-Клод Волфганг Фолц, Салонът на природата Борис Христов – стихове / Милко Божков – живопис, акварели и рисунки (30 ноември 2021 – 6 февруари 2022), съвместно НХА творби на първия випуск на Академията.По същото време бе и великолепната фотоизложбата в НХА, проследяваща нейната история по повод 125 години от създаването ѝ, най-старото висше училище по изкуство в България. А в момента в галерия „Академия“ е великолепната изложба „Преподавателите“ по повод 60 годишнината на специалност „Текстил – изкуство и дизайн“ в НХА.

Екипът на Националната галерия, ръководен от Яра Бубнова много амбициозно и с размах организираха ярки изложби – Васил Симитчиев в Квадрат 500 – селекция от знакови произведения и нови проекти, Алцек Мишев в Двореца, на Алла Георгиева в Квадрат 500 за личните ѝ усещания и преживявания около първите ни стряскащи моменти около мерките заради Covid-19 и много други.

От изложбата на Васил Симитчиев в Квадрат 500, снимка: Стефан Марков

Галерийните пространства на СБХ в последователен ритъм представиха великолепни експозиции и проекти. Все пак, „Отвъд картините.За изкуството и живота на Борис и Славка Деневи“, куратори Антон Стайков и Свобода Цекова беше едно от най-важните и създадено с много вкус и максимализъм художествено събитие в цялостния ни културен живот. Специално трябва да отбележим знаментелната изложба на скулптура Георги Донов. В момента в една от залите на „Шипка“ 6 гостува Плевенската галерия с творби на Илия Бешков по повод 120 години от рождението му и много други, които показаха великолепието на българските творци. Специално и много лично отбелязвам изложбата на Юлиян Табаков „Портрет на умиращия Титан“ в галерия „Райко Алексиев“, открита на 5 март. Това беше и последната изложба, на която бяхме със Стефан Джамбазов и последната, на която той снима…След няколко месеца ми се обади Юлиян, за да ми каже, че е издал ��аталог и иска да ми подари екземпляр. Не ми беше казал предварително – посветил е каталога на Стефан. Изящният документ за последната изложба, видяна и снимана от Стефан.

И частните галерии представяха, въпреки сложната ситуация с пандемията и мерките много различни и вдъхновяващи изложби. Творците, затворени в ателиетата си са работили и то как. Не е възможно да акцентираме върху всяка изложба и автора ѝ. Само подчертавам артистичните преживявания в „Аросита“/която отбеляза 30 години от създаването си/, галерия „Арте“ с прекрасните изложби на Станислав Памукчиев заедно със скулптора Емил Попов, на Любен Генов, на Михалис Гарудис /Светла му памет, това бе последната му изложба/ , на Милко Божков „Ракурси“ с експозициите на неуморния и неостаряващ Любен Зидаров, на Греди Асса, галериите Little bird, „Астри“, Кредо Бонум, „Контраст“, „Интро“, галерия One, „Нюанс“, „Стубел“, Водна кула с неординерната изложба на Мартиан Табаков „Архитектура на музиката“ и още и още…За повечето от тях може да прочетете във „въпреки.com“.

Иван Русев при връчване на Националната награда за скулптура"Академик Иван Лазаров", снимка: Стефан Марков

През миналата година след 34 години бе възраждането на Националната награда за скулптура „Академик Иван Лазаров“, благодарение на упоритостта на Валентин Господинов, директор на Градската художествена галерия в Кюстендил „Владимир Димитров-Майстора“, СБХ и общината в града. С нея бе удостоен скулптора Иван Русев.

Не мога да не отбележа и световното събитие с българско участие – сбъднатата мечта на Кристо и Жан-Клод Опаковането на Триумфалната арка в Париж. Тях ги няма, но племенникът на Кристо Владимир Явашев реализира проекта по невероятен начин, така както винаги е правил като дясна ръка на великия визионер.

В годините често сме си говорили със Стефан, че българската държава, отговорните ѝ институции не правят нищо за популяризирането и познаването на българското изкуство по света не само на изобразителното. Всеки се справя сам. Пътували сме, обикаляли сме музеи галерии и без да сме изкуствоведи имаме критерии и можем да оценим и да правим сравнения. Тази ситуация е много тъжна и виждаме, че културата и изкуството не са приоритет. В това отношение изключенията са малко и по-скоро са лична инициатива, която се реализира ВЪПРЕКИ. Хоризонтът пред културата е стеснен и някак стига до Калотина в представата на родния чиновник. В този контекст се оказа, че във почти двегодишната сложна и драматична ситуация заради Ковид пандемията културните институции и публиката им са най-дисциплинираните и спазват всички мерки. За разлика от държавните институции и всички призиви за разумност се разпадат дори в Народното събрание. И ако литературата, изобразителното изкуство са самотни занимания сценичните изкуства бяха най-потерпевши с ограничена публика, но с въвеждането на зелените сертификати се видя предаността на публиката и тъжната гледка с полупразни салони принудително да се надяваме, че вече е отминала. Това е пример и за държавниците ни, ако успеят да го разберат в мнозинството си.

Тази ситуация по не лек начин и път от друга страна провокира креативност и въображение в работата на добрите ръководители. Най-яркият пример и маестро Найден Тодоров, директор на Софийска филхармония, който успя да привлече световни музиканти на концертния подиум на зала „България“ като солисти и диригенти на състава.

Найден Тодоров, снимка: Стефан Джамбазов

Като меломани може само да благодарим и да сме щастливи. Споменахме вече, че три пъти отлагане се състоя 60-то юбилейно издание на „Мартенски музикални дни“ в Русе Много изстрадан бе този юбилеен формат на фестивала, който през десетилетията успя да запази достойнството си на елитен класически музикален форум. С много усилия и без чуждестранно участие се състоя и обичания „Софийски музикални седмици“ с много силна камерна програма не само в пространствата на Софийска филхармония, но и в НМА „Панчо Владигеров“, в различни галерии. Цялата изминала година с прекрасни събития Академията отбеляза своя стогодишен юбилей и затова можем убедено да подчертаем, че изминалата 2021 бе под знака на младите музиканти – инструменталисти и певци не само в София, а в цялата страна. Очаквахме с вълнение втория гастрол на Софийска филхармония под диригентството на Найден Тодоров във Виенския Музикферайн през декември, но Локдаунът заради пандемията го отложи за май 2022…Заради пандемичната ситуация се отложи и очакваната премиера на операта „Ариадна на Наксус“ на Рихард Щраус, която се поставя за първи път в България с режисьор Вера Немирова.

За втора година „Празниците на изкуствата „Аполония“ в Созопол се състояха изцяло на открито. Маргарита Димитрова, артистичен директор на Фестивала, сподели, че неясната ситуация с пандемията и предупрежденията, че ни заплашва нова вълна притеснява, но Аполония все пак ще я има и то с прекрасна програма. По традиция от 1999 година фондация „Аполония“ връчва наградата си Аполон Токсофорос при откриването на фестивала „Празници на изкуствата Аполония“ в Созопол. 2021 престижния приз за значим принос в развитието на българската култура и представянето ѝ зад граница бе присъден на Камерен ансамбъл „Софийски солисти“ с диригент с маестро Пламен Джуров.

Пламен Джуров и Маргарита Димитрова, снимка: Тихомира Крумова

Малко преди откриването на фестивала с концерт на „Софийски солисти“ с участието на забележителната цигуларка Лия Петрова Пламен Джуров сподели за „въпреки.com”: „Може би съм идвал повече от десетина пъти на „Празниците на изкуствата Аполония“ почти от самото начало на фестивала. Участвал съм заедно със „Софийски солисти“ в концерти с различни програми, с прекрасни солисти. Но съм се включвал и в теоретични разговори и срещи между творците във форуми, които е организирала фондация „Аполония“. Този фестивал е феноменален за България и продължава да е уникален, защото събира всички видове изкуства. Защото, за съжаление, в България има известно затваряне между гилдиите и публиките. А тук срещата е между различните видове изкуства и най-вече с хората, които правят изкуство и с хората, които потребяват изкуство. И тук, в Созопол, това става по елегантен и непринуден начин. Това е разликата – всичко е свободно, фриволно, оптимистично. Всички са свързани с времето – какво ще бъде времето. Много е естествено! Солидните, тежки програма в големите зали имат своя блясък. Но тук е различно, тук кипи живот!“

Все пак за разлика от повечето страни в Европа имахме шанса да посещаваме концерти, театрални спектакли.

Театралното събитие на 2021 г. безспорно е ,,Бурята“ на режисьора Робърт Уилсън в Народния театър ,,Иван Вазов“. Гостуването на режисьор от такъв ранг трябва да бъде отбелязано като изключително. Друго важно събитие е дългоочакваното откриване на новото пространство за съвременно изкуство – „Топлоцентрала“. Не може да подценяваме факта, че фондация „Виа Фест“ успя да реализира миналата година издания на живо на МТФ „Варненско лято“ и платформата „Световен театър в София“, след като 2020 те бяха само в он лайн формат. За драматургия бих отличила „Боклук“ на Елена Телбис. Пиесата се играе в Театър 199 „Валентин Стойчев“, режисьор Ивайло Христов. За повечето от тези събития може да прочетете във „въпреки.com” в рецензии и анализи на нашите автори.

Държа специално да отбележа, че нито правя класации /в изкуството те са нелепи и ненужни/, нито имам претенции да обхвана всичко съществено. По-скоро това са бележки, които изникват в съзнанието ми. Друг проблем тази година беше продължаващото напрежението, създадено от противоепидемичните мерки, от дългата политическа криза у нас, влизането от избори в избори, но и от противопоставянето в цял свят, което едва ли скоро ще се успокои. Агресията и нетърпимостта в обществата се увеличи и тук е мястото на културата и изкуството, за да се опитат да го уравновесят. Както каза големият френски писател, драматург и артист Ерик - Еманюел Шмит на среща с него в Народния театър „Иван Вазов“ преди две години: „Мисля, че има битки, които никога не се спечелват. Битката между интелигентността и глупостта никога не се печели. Както и битката между толерантността и агресивността също никога не се печели. Но тези битки трябва да се водят!“. Той беше в България тогава, за да излезе на сцената на театъра заедно с директора му актьора Мариус Донкин в спектакъла „Господин Ибрахим и цветята на Корана“, постановка проф. Снежина Танковска, светла ѝ памет. А авторът ѝ Ерик - Еманюел Шмит продължи: „В тези битки никога няма да има победа, но красотата им не е в победата, а в причината за тях. Мисля, че в наши дни е много важно да се борим срещу невежеството, защото невежеството е това, което води до агресивност и до нетолерантност“.

Връщайки се към изминалата 2021 усещам безкрайна тъга по Стефан, по приятели, които няма да срещна вече, няма да получа мейли от тях, няма да чуя гласа им, няма да се смеем или спорим заедно. Марин Бодаков, Константин Марков…Не са малко и не е само Ковидът причината. Това не са просто физически отсъствия, а духовни отсъствия, които трудно могат да се преодолеят. И сякаш точно поезията, на която беше толкова отдаден Марин, четях предимно.

Може би и защото някак така се случи, че цялата в бъркотия на живота ни макар и скромно литературата ни отбеляза юбилеите на автори като Иван Теофилов, проф. Александър Шурбанов, проф. Цочо Бояджиев, Иван Цанев…Почетохме и поетите Иван Методиев и Георги Рупчев. Издадени бяха в прекрасни преводи „Бяло върху бяло“ на Еуженио де Андраде /превод от португалски Мария Георгиева и Цочо Бояджиев/, „Смъртта още празнува живота“ на Нели Закс /Нобелова награда за литература 1966 година, превод от немски Любомир Илиев/ на издателство за поезия ДА.

За прозата ми е по-сложно. Ще спомена романа на Захари Карабашлиев „Опашката“, който излезе в началото на годината. Но преди всичко „Прекъсването на Самсара“ на Елена Алексиева на издателство „Жанет 45“. Тя вече не малко години е безспорно едно от най-ярките имена в съвременната ни литература. Още от самото начало нейните творби ни вдъхнаха надеждата и вярата за един талантлив и задълбочен автор и винаги с нетърпение очаквахме разказите ѝ, романите ѝ, драматургията ѝ. И Елена не ни разочарова нито за миг, без да сме литературни критици, а читатели, които обичат книгите и с интерес и любопитство следят българската литература. Книгата имаше своята премиера в Народната библиотека „Св. св. Кирил и Методий“, която се превърна в диалог между Елена и присъстващите. Тогава тя каза нещо много силно, което продължавам да преживявам и осмислям. „Ние тук се страхуваме да бъдем щастливи“. Всъщност, всеки един от нас е странен или по-скоро различен и това ни прави индивидуалности. Елена Алексиева във всички свои произведения и всички нейни герои са себе си за добро или за лошо в света, в който живеем или сме живели. Тя носи в творчеството си познания за света, за човека, като го разказва с красивия и богат език на добрата литература. Всеки един от разказите в „Прекъсването на Самсара“ стига до дълбините, скрити в човешката природа, която ние цял живот, уж се стремим за откриването на себе си и все някак си не успяваме да стигнем до хармонията с егото си, преди всичко. Нараняваме другите, страхувайки се да не разберат демоните ни, от които ние се страхуваме най-много, а и нерядко дори подсъзнателно усещаме, че трудно ще ги овладеем. Само любовта е тази, която може да ни помогне, проблемът е дали я разбираме като наша лична сила. Обикновено я искаме от другия, а така го лишаваме от нашата. Елена го е разбрала и ни го разказва по нейния начин с надеждата да открием своята Нирвана.

Проф. Александър Шурбанов /л/ и проф. Цочо Бояджиев /д/, снимка: Стефан Марков

Тези бележки завършвам със стихотворение от сборника „Закуска с нар“ на Александър Шурбанов, издаден от „Жанет 45“ и нещо кратко от преписките в книгата:

Плати ли сметките?

Войната неизкарана докрай,

Стихотворението недописано,

Наръфаната ябълка –

Търкулната на масата,

Чашата вино – недопита.

И ето боговете вече са те призовали.

Катурнатият стол лежи на пода

Като посечен боен кон.

Целуна ли жена си на прощаване?

Сбогували се с близки и приятели?

Плати ли сметките?

Какво те чака там с такава спешност?

Не можеше ли да разтеглиш сроковете?

С домашни дрехи тръгна,

Небръснат.

Не си отворил пощата.

Плати ли сметките?

„МИСЛЕНЕТО Е ЗАБОЛЯВАНЕ НА САМОТАТА. Когато се събират в група хората най-често се веселят или скандират, или се бият, но във всеки случай престават да мислят.“≈

Текст: Зелма Алмалех

Снимки: Стефан Марков, Мариана Маринова, Тихомира Крумова, Стефан Джамбазов

#Стефан Джамбазов #Андрей Даниел #Марин Бодаков #Цочо Бояджиев #Александър Шурбанов #Елена Алексиева #Пламен Джуров

0 notes

vprki · 3 years ago

Text

Албена Петрович-Врачанска композира по тема „Има ли живот след смъртта?“

„Никога не съм преставала да имам връзка с България. Голяма част от произведенията ми са вдъхновени, както става и с оперите ми от родината ми. В Люксембург нямаме опера. Имам много приятели, които са в България. Много български музиканти често се представят в Люксембург“. Казва за „въпреки.com” композиторката Албена Петрович-Врачанска дни след премиерата на операта ѝ „Каменен пир“ на MоцАрт фестивала в Правец.

И продължава: „Там има над 600 - 800 българи, които работят в европейските институции. Не само те посрещат с радост представителите на българско изкуство. Идват класически музиканти, рок изпълнители, поп музиканти. Когато дойдат, те могат да разчитат на публиката.“ Албена Врачанска живее в Люксембург от 1996 година и я определя като “малка държава, всичко е камерно и много луксозно, бутикова държава. Животът е сигурен, много е спокойно, няма опасност утре да остана без хляб. Държава – мечта, утопична държава. Мога да си композирам, няма опасност да се наложи по друг начин да си изкарвам хляба, както се случва в България с много творци, които са длъжни да работят нещо друго. В Люксембург получаваме грантове, когато имаме някаква идея и искаме да я реализираме. Помага ни се. Прави го Държавна комисия, частни спонсорства няма Благодарна съм, не знам дали бих издържала в България“.

В разговора се връщаме към работата ѝ по последната ѝ опера „Камененният пир“. За премиерата ѝ в Правец може да прочетете повече тук https://въпреки.com/post/660309259778670592/ в публикация на „въпреки.com”. „Много елементи се свързаха заедно в един и същи момент. Първо 2019 година през декември след моята опера „Любов и ревност“, която беше представена от операта в Стара Загора в Люксембург стана въпрос, че би било интересно на фестивала в Правец да се направи двойно представяне на „Дон Жуан“ на Моцарт и евентуално моя опера като постскриптум, която аз бих написала. Впоследствие започнах да мисля и в този момент прочетох няколко книги от Яна Букова, тя ми ги беше подарила. Предложих ѝ какво би станало, ако си помисли да направи либрето за една такава опера. Говорихме си и така стана, че нещата тръгнаха, уж, по случайност, но започнаха да се оформят като проект. Операта на Моцарт „Дон Жуан“ не можа да бъде представена. Това са финансови и организационни проблеми, с които много фестивали в България се сблъскват. Моята опера, като съвременна опера е ниско бюджетна. Старозагорската опера се ангажира да направи продукцията. Получих грант от Люксембургското министерство на културатада по програмата “Neistart Letzebuerg” 2021. Проектът сам си стана“.

Албена Петрович-Врачанска на репетиция в Старозагорската опера, снимка: Рад Димитров

Заедно коментираме дали операта ще влезе в зала. Представлението си има своя чар на открито, но с микрофоните, с шумовете отстрани не е като на театрална сцена. „Оперните певци, класическите певци, оркестри и музиканти обичат да работят в зала, много повече отколкото на открито. Но не отказват и на открито. Проблемът е, че е много трудно да се събере публика за съвременни произведения, ако не става въпрос за фестивал. За редови представления не вярвам да има особен интерес, пак трябва в рамките на някакъв фестивал. Огнян Драганов /режисьор и директор на Старозагорската опера/ като визионер има голямо желание да инвестира в съвременната опера и в нови продукции. Това е неговата първа грижа и предполагам, че ще се организират“. Отбелязва Маестра Врачанска и се връща към работата си с екипа на операта в Стара Загора в реализацията на „Камененният пир“. “Най-важното в този спектакъл са изпълнителите, както и Огнян Драганов. Той ми даде възможност, каза: “Напиши!“. Получи партитура. Дава я да я учат певците и я режисира. Това е магически процес, като с магическа пръчка. Прекрасно вървя репетиционният процес.

Огнян Драганов на репетиция на "Каменният пир", снимка:Рад Димитров

Освен това Николай Моцов /“Дон Жуан“/ е прекрасен тенор, без него не си представям как би звучала тази опера. Не само тази, но и предишните ми опери. Тембърът на неговия глас ми подсказва как да напиша драматичната линия. Усетих специална симбиоза с тези артисти, а те повечето са много ангажирани. Всички влязоха в процеса на репетиции с огромна позитивна енергия и с огромно желание да я представят по възможно най-добрия начин. Това е вълшебството да има хора, които се борят заедно с мен да покажат, че съвременната музика, съвременна опера има защо да бъде поставена. Младият диригент Виктор Крумов се справи блестящо. Тези хора са важни, не е важно кой е композиторът, те са рядкост в днешно време, особено оперни певци. Повечето искат да пеят само Верди, дори Моцарт понякога им е скучен. Те не искат съвременна музика, много рядко може да се намери такъв екип, който работи със съвременен композитор рамо до рамо и се труди да го покаже в най-добрата светлина. Това е позитивно, ако има във всеки оперен театър такива хора, може би, би имало повече щастливи композитори и публиката би се превъзпитала. Моето послание идва с тези хора, които са между мен и публиката“.

След оперния спектакъл "Каменният пир" на Музикалния фестивал "МоцАрт" в Правец, снимка: архив на фестивала

Почти е сигурна, че друга опера не е имала премиера в 21-ви век в България от български композитор. И това е факт. В този смисъл оценява Огнян Драганов като голям визионер с поглед напред, когато през 2018 година ѝ поръчва операта „Любов и ревност“ и я поставя със собствената си енергия и упоритост. Не казал като другите: „Съвременната опера няма публика, съвременната музика няма публика!“. Световна премиера е на 15 май 2018 в Старозагорската опера: Първата ѝ „опера за очите“, замислена и съобразена от самото начало изцяло с репертоара и публиката на този оперен театър. Състои се от две части: „Любовниците“ (по либрето на Светла Георгиева) и „Ревност“ (по идея на Албена Врачанска, реализирана от Питър Табит Джоунс). А композиторката уточнява „Любов и ревност“ е оперен диптих, едната „Любовниците“ е по разказ на Светла Георгиева. Прочетох нейна книга, харесах си един разказ „Малката текила“ за едно заведение в Созопол, което го има /знаем го, обичаме го, добавих – б.а/. Издирих я и тя с радост го написа и нямаше запетайка, която да променя.“.

Албена Петрович-Врачанска, снимка: Каупо Кикас

Композиторката е много повече известна в Европа и Люксембург (където живее от 25 години), с престижни награди за принос в културния живот на страната. Макар че нейни произведения звучат и в България на Международния фестивал за съвременна клавирна музика ppIANISSIMO, на Софийски музикални седмици, а Международният фестивал „Пиано Екстраваганца“ откри с нейна творба едно от изданията си.

В този контекст заедно с нея коментираме, че съвременната музика, музиката на 21-век трудно си пробива път в концертните и оперните театри. Има страх в изпълнителите, да не говорим за публиката. А Албена Врачанска е категорична: „ Докато хората казват, че няма публика, няма и да има публика. Виждате един афиш от два метра за „Аида“, но ако сложите такъв афиш от два метра за някоя съвременна опера, публиката ще си каже: „Вероятно и тази опера заслужава внимание, колкото и „Аида“. Трябва да се инвестира по един и същи начин произведенията не само операта, всички произведения, които са създадени днес. Не бива да се прави филтриране от самите организатори. Не само в България е така и в западните страни ситуацията е подобна. Говорила съм в оперни театри и в Германия, и във Франция. Във Франция има специална субсидия от Агенцията за авторски права, които спонсорират някой музикален театър за опера, която искат да поръчат на жив, но само френски композитор. Ако се прави това, то трябва да е локално за всяка държава. Това са специални субсидии, никой не може да очаква дори и във Франция, че тази опера ще получи толкова много публика изведнъж, че ще се самофинансира. Няма как да стане и не става в нито едно изкуство, когато не е комерсиално.“.

Но ѝ споменавам, че малко преди да се срещна с нея за нашия разговор сме се видели по за едно кафе със знаменития ни със световна кариера като акордеонист и бандеонист Красимир Щерев, със специални пристрастия към съвременната музика /за него може да прочетете във „въпреки.com” на https://въпреки.com/post/164936316721/. Той я поздравява, като отбеляза, че не знае каква пианистка е, но е прекрасна композиторка, с която много би искал да направят нещо заедно. А Албена Врачанска отбелязва, че са имали планове за фестивала „Мартенски музикални дни“ в Русе, но явно сложната Ковидна ситуация е осуетила засега идеята. По този повод тя казва за това сложно за артистите време: „Радвам се, че в България има концертен живот, в Люксембург също. В другите държави заради Ковид нищо не могат да правят. Един артист не е артист ако не твори. Няма къде как да правят концерти. Много хора изпаднаха в депресивни състояния.“. А ние всички не знаем докъде и докога ще продължи всичко това. Но, все пак, тя е щастлива с премиерата на „Каменният пир“ и в този контекст заявява: „Борислава Танева /артистичен директор на фестивала МоцАрт/ е от най-щедрите колеги, които съм имала. Има много щедри колеги, които винаги споделят с мен, аз споделям с тях до какво можем да стигнем в мисленето си или в продукцията си. Много съм благодарна на Борислава, защото тя ме покани на фестивала в Правец и тя е в основата на тази опера, в създаването на „Каменният пир“, която трябваше да бъде „Дон Жуан 21“.

Албена Петрович-Врачанска /л/ и проф. Борислава Танева /д/ на фестивала "Софийски музикални седмици", снимка: Стефан Джамбазов

Тя е много интересна като композитор, но няма време да компози��а. Всичко това, което е написала е много хубаво, много музикално и много репертоарно. Тя се занимава с това преподаване, което аз понякога наричам „губене на време“. Но тя обича да си „губи“ времето. Сега в момента се е заела да оправя държавата, културата на държавата /проф. Танева в момента е зам. министър на културата в мандата на служебното правителство/. Това е също губене на време. Затова тя не композира постоянно, а е един прекрасен композитор. Тя раздава от себе си много повече, а колко губи за себе си – не знам“. Не без съчувствие казва Албена Врачанска.

Винаги, когато сме разговаря с творци сме ги питали за техните учители, защото знаем и оценяваме ролята им за изграждането на един талант и пътя му напред, независимо дали става дума за изкуство или наука. Сега питаме и Маестра Врачанска за нейните учители и как още на 14 години тръгва към композирането покрай пианото или… “При мен стана обратното, понеже моят дядо Андрей Врачански, фолклорен композитор, не точно, но всички в България знаят какво твореше Андрей Врачански, както Дико Илиев пишеше произведения за духов оркестър. Дядо ми постоянно пишеше ноти и ги пишеше, директно с мастило. Не употребяваше молив, имаше си мастилница и перо. И аз като съм била на 4, 5, 6 години постоянно виждах дядо ми да пише ноти. И като отидох при родителите ми, баба ми и дядо ми отгледаха, видях как баща ми пишеш ноти. Той правеше аранжименти. Като малко дете не съм знаела разликата между композиране и аранжиране. В моя детски свят писането на ноти, писането на букви, когато започнах вече училище в първи клас бяха едно и също действие. Писането си е писане и животът не може да съществува без това писане на ноти и букви. За мен беше съвсем нормално и когато получих пиано някъде на 9-10 години, съвсем интуитивно започнах да си пиша нотите. А нивото на тогавашния солфеж не е било такова, че да мога да го познавам достатъчно. Моето обучение по солфеж е започнало с композиция. Това е историята.“ Но историята продължава, дори малко необичайно.

„Моят истински учител беше Пламен Джуров. При Александър Райчев, официално съм била негова студентка в Академията, в неговия клас по композиция. Пламен Джуров не е предаваше композиция тогава, а само дирижиране. Всъщност той е бил мой учител по композиция, когато съм била дете – 13-14 годишна. Той ми е предавал композиция по неговия си начин с нестандартен подход. Пламен Джуров ми отвори очите за съвременна музика. Той не ми е преподавал, както се преподава в училище или в Академията, а творчески да гледам на нещата и ми е показал, че има съвременна музика. Директно преди да познавам класическата композиция – това беше шанс.

Проф. Пламен Джуров, снимка: Стефан Джамбазов

Пламен Джуров ми даде странна задача като за млад композитор на 14 години – да напиша пиеса за флейта и туба. И досега това е като един мой водещ композиторски стил – тембровото търсене, което е странно за едно дете. Той не ми каза пиши за пиано, аз като пианистка. А каза напиши за флейта и туба. Не се уплаших, щом учителят е казал. И композирах. Между малкото хора, които са ми повлияли особено за изграждането ми като творец е Лазар Николов /1922-2005/, който ми преподаваше партитури. Беше много добър човек с голямо сърце, но беше безкомпромисен, може би и полският композитор Витолд Лютославски /1913-1994/, от когото бях много силно повлияна в определени периоди“.

Питаме я „А как е сега?“. “Сега си имам нещо мое си, събрано като в каталог от всички неща, които съм видяла, прочела, преосмислила. Постоянно работя. Когато имам някаква творческа задача, работя по всяко време. Дори когато правя нещо друго на втори план нещо работи какво да ползвам в музиката си. При мен това е съвсем рационален процес, докато намеря момента на вдъхновението и творческата енергия. Но процесът е много рационален. Не мога да кажа, че очаквам вдъхновението да дойде. Когато си почивам, не слушам музика. Чета книги, разхождам се. Когато слушам музика, имам много добър слух и нещо в мен пише ноти или се занимава със солфеж. Всяка музика, която чувам я виждам на партитура“. С усмивка искрено казва композиторката.

Албена Петрович-Врачанска в зала "България" на фестивала "Софийски музикални седмици%, снимка: Стефан Джамбазов

И традиционно на финала на нашия разговор, колкото и да е шаблонно ни е интересно какво ѝ предстои. “Поръчаха ми една пиеса, която трябва да бъде представена на 1 октомври в театъра на Люксембург. Тя е на тема „Има ли живот след смъртта?“ Посетих много гробници от Долината на тракийските царе, доста такива места и посветих няколко месеца на изследване на темата. Купих си и книги на тази тема, за да мога да си обогатявам вдъхновението. Това е, което завършвам в момента. Темата е ужасно дълбока, не знаех откъде да я подхвана. Много месеци ми отне, за да направя нещо. Сега трябва да види бял свят – между 1-5 октомври ще има пет представления. Моята пиеса е кратка 10-15 минути, така е зададена. Другите пиеси в спектакъла са вече създадени. Включени са и поетични текстове. Ще е като спектакъл на траурно шествие, музикантите ще излизат един след друг на сцената, но ще е радостно шествие, защото отвъд…“. Оставяме многоточие.

И в България ще има изпълнения, има проекти. Обменят идеи с изключителните музиканти с разбиране към съвременна музика от „MYX’D“, камерен ансамбъл, ориентиран към съвременната музика. Музикантите от състава: цигуларите Смиляна Лозанова и Юлиян Стоянов, кларнетистът Димитър Московски, виолончелистът Кристиян Чернев и пианистът Мирослав Георгиев изповядват философията, че да служиш на музиката означава да я споделяш с много хора. Обединени от идеята да създават уникални преживявания за своите слушатели, членовете на „MYX’D“ целят да поднесат класическата музика по спонтанен и интригуващ за възприятията на съвременния човек начин. Това е вдъхновяващо за Албена Врачанска. Но всичко предстои…

Текст: Зелма Алмалех

Снимки: Стефан Джамбазов и личен архив

#Албена Врачанска #Борислава Танева #Пламен Джуров #Огнян Драганов #съвременна музика

0 notes

vprki · 3 years ago

Text

Трийсет и седмата „Аполония“ - с любов и вдъхновение под открито небе

Камерен ансамбъл „Софийски солисти“ с диригент маестро Пламен Джуров откриват 37-то издание на „Празниците на изкуствата Аполония“ в Созопол на 30 август. Този концерт, както и цялата програма на празн��ците тази година, ще изненадва и ще вълнува отново и, както миналата 2020 заради пандемията от Covid-19, ще бъде изцяло открито.

Според Маргарита Димитрова, артистичен директор на Празниците, неясната ситуация с пандемията и предупрежденията, че ни заплашва нова вълна притеснява, но Аполония все пак ще я има и то с прекрасна програма.се намери изход. Българските артисти с готовност са се отзовали за участие. Няма да има концерти в Археологическия музей и спектакли и прожекции в читалището, а представянето на книгите ще бъде в двора на Художествената галерия. Другите места, където ще има концерти и прожекции са Амфитеатър „Аполония” и Лятното кино в Созопол. Това е 37-то издание на феста, а когато преди две години попитахме Маргарита Димитрова кой е най-важният акцент тогава, тя отговори кратко: „Това, че ни има вече 35 години”. Тези думи с още по-голяма сила важат и тази година, на 37- то издание, заради неизвестността от развитието на пандемията. Питаме я сега в контекста на един от традиционните вече от години акценти в програмата: „Каква е нейната цена успеха „Празниците на изкуствата Аполония“ да са толкова обичани, чакани?“.

Маргарита Димитрова, снимка: архив на фондация "Аполония"

А тя е лаконична: „ Работа, познание, работа, любов, работа!“. Отбелязва, че тази година програмата е била подготвена отдавна и бързо. Артистите от различните изкуства обичат и за тях е удоволствие и чест да са участници на Празниците в Созопол. А ние знаем, че Маргарита Димитрова и нейният екип сътрудници ден след финала на поредната „Аполония“ тръгват в подготовката на новата. Дори често имат планове и уговорки за следващи години. Стандарти!

И така, откриването е на 30 август в Амфитеатъра на Созопол с концерт на Камерен ансамбъл „Софийски солисти“, който тази година отбелязва 60 години от създаването си с диригент маестро Пламен Джуров. Първата репетиция на знаменития ансамбъл е през ноември 1961, а пет месеца по-късно с огромен успех е и първият концерт на музикантите в зала България, ръководени от младия тогава Михаил Ангелов. Следващите концерти са дирижирани от Добрин Петков, Константин Илиев и, разбира се, Васил Казанджиев, който ръководи състава 16 години. В последвалите години ансамбълът, който първоначално се нарича Софийски камерен оркестър, а по- късно е назован от своите основатели Софийски солисти, натрупва все повече опит и популярност, започва да пътува по света и прави записи за известни грамофонни фирми. От 1978 диригент на ансамбъла е Емил Табаков, а от 1988 ръководител на Софийски солисти неизменно е Пламен Джуров.

Софийски солисти са своеобразна лаборатория за изпълнения на съвременна българска и чуждестранна музика. Ансамбълът многократно прави интегрални изпълнения и записи на произведения от Бах, Моцарт, Барток, Веберн, Шостакович, Бритън и други. В същото време за него са написани и много български произведения от Васил Казанджиев, Александър Райчев, Емил Табаков. Записите на Софийски солисти –над 60 грамофонни плочи и над 30 компактдиска – се продават главно зад граница, стотици остават в България във фонда на БНР и БНТ. Солистите активно работят с млади музиканти и организират образователни концерти. Изкуството на ансамбъла е познато зад граница, музикантите са високо оценени в Европа, САЩ, Канада и Япония. В историята им има поредица турнета, в които за два месеца са изнесли около 40 концерта пред над 30000 слушатели. Имат и околосветско турне – от Париж през САЩ и Канада, през Хаваите, Русия и oбратно в София. Но където и да са по света, те винаги се завръщат в родината, при своята българска публика. Софийски солисти са носители на всички български награди и много международни отличия.

Пламен Джуров на репетиция със "Софийски солисти" в зала "България", снимка: Стефан Джамбазов

Солистка на концерта на Празниците е талантливата ни прекрасна цигуларка Лия Петрова, която свири на великолепната цигулка Хелиос на Карло Бергонци от 1735. А както каза Маргарита Димитрова „оркестърът я обича и тя ги обича“. Само припомняме, че преди време „Софийски солисти“ и Лия Петрова направиха бляскаво едномесечно турне в Япония. А преди малко повече от месец в рамките на 52-рия Международен фестивал „Софийски музикални седмици Ансамбълът под диригентството на маестро Джуров изпълни забележителна програма в зала „България“ -две премиери за България на кантатите на Марин Големинов „Кресту Твоему“ и „Алелуя“ и забележителната 14-та симфония на Дмитрий Шостакович. „Софийски солисти“ начело с Пламен Джуров са от честите гости на Празниците и винаги са прекрасни програми и великолепни солисти. Любов!. Тази година в програмата на откриването ще бъдат изпълнени произведения на Телеман, Сен-Санс, Бела Барток, Холст.

Да, един от акцентите на Празниците са годишнините. Стогодишнината на Националната музикална академия „Панчо Владигеров“ ще бъде отбелязана с концерта на 31август от 19 часа в Амфитеатър на Джаз сектет, ръководен от прекрасния музикант Михаил Йосифов и негови студенти. Този концерт е част от великолепната програма на Академията през юбилейната 2021, в която младите музиканти и преподавателите им показаха вековния дух на българската Алма Матер на музиката. Най-младият ректор в история ѝ проф. Сава Димитров с амбиция и въображение налага смисъла и истинското ѝ място в културния облик на страната ни. Един друг юбилей, който отбелязва целия свят, особено Аржентина – 100 години от рождението на Астор Пиацола е в програмата на „Аполония“ на 3 септември от 21 часа на Амфитеатъра. Изпълнителите - Йован Богославлевич (Сърбия) цигулка, Цветан Недялков китара, Маргарита Калчева контрабас, Матиас Гонзалес (Аржентина) бандонеон, Людмил Ангелов пиано. Не за първи път Пиацола е в програма на фестивала. През 2017 година Софийски солисти заедно със знаменитите Красимир Щерев /акордеон/ и Георги Василев /китара/ изпълниха двойния концерт на Астор Пиацола за китара, бандонеон и струнен оркестър.

Живко Петров /л/ и Людмил Ангелов /д/ на "Аполония", снимка: Стефан Джамбазов

А маестро Ангелов има специално отношение към аржентинския композитор и за „въпреки.com” по повод годишнината на Пиацола, роден на 11 март 1921 г. сподели: „Неговата музика ми беше позната отдавна и винаги ми е харесвала. Но в момента, в който започнах да я изпълнявам, усетих онова много специално привличане, което определени автори ми оказват. Това мигновено емоционално въздействие на музиката му, абсолютно директната емоция, е вероятно едно от най-големите ѝ качества. Свирил съм многократно негови произведения, с различни формации, и не преставам да ѝ се възхищавам и обичам“. За Людмил Ангелов ще споменем и малко по-късно.

В контекста на годишнините на „Празниците“ ще отбележат и един тъжен юбилей – 30 години от смъртта на признатия за от най-великите вокалисти Фреди Меркюри на 4 септември от 21 часа в Амфитеатъра. Точно 30 години след като Фреди Меркюри отлетя от този свят, българските музиканти почитат великите Queen. Acoustic Queen Project включва над двайсет от най-големите хитове на групата. Те ще прозвучат за пръв път на „Аполония“. Това е една от премиерите в Созопол. Тръгнахме с Фреди на минорна вълна и затова не можем да не споменем като акцент в програмата два вълнуващи концерта за талантливи хора, загубили битката с Корона вируса. На 2 септември от 21 часа в Амфитеатъра „В памет на Димо Стоянов - P.I.F.“ с участието на Ерсин Мустафов, Влади Ампов – Графа, Влади Михайлов, Дичо. А групата написаха: „Миналата година, няколко дни преди Коледа почина Димо Стоянов, вокалист на P.I.F., всеотдаен музикант, безрезервно вярващ и подкрепящ младите, човекът, който прибираше сутрин звездите…Този концерт е посветен на него.“. А на 4 септември от 19 часа в Амфитеатъра е концертът „Спомен за Камен Чанев“ с участието на Иван Момиров, Кирил Манолов /един от най-близките му приятели/, Юлиян Константинов и Вяра Шуперлиева пиано.В края на ноември 2020 се сбогувахме с Камен Чанев, певеца, покорил с гласа си световните сцени, изключителния професионалист и скъп приятел. Камен Чанев беше най-успешният български тенор с международна кариера. Той беше солист на Националната опера и балет – София и на Пражката опера. Завършва Националната музикална академия Проф. Панчо Владигеров. Специализира в Римската академия за изкуство и култура при Борис Христов. Работил е с Александрина Милчева, Гена Димитрова, Леоне Маджера . Лауреат е на конкурса Йоси Бьорлинг, Швеция. Името му се свързва преди всичко със сцените на Виенската Щатсопера и Арена Ди Верона, гостува и на големите оперни театри в Европа, Азия и САЩ.Неговата звезда продължава ярко да блести, красивият му глас звучи в спомена за великолепните и неповторими образи, които създаде…

Ако се вгледаме детайлно в Програмата на Празниците, те е винаги имат някак своя драматургия, а не само акценти. Тази година се налага в концертите и квартетът. С усмивка Маргарита Димитрова казва дали е на добро тази четворка. Убеждаваме я, че с такива програми и изпълнители не може да не е за добро. На 1 септември от 19 часа в Амфитеатъра са Клавирните квартети на Йоханес Брамс със звездни музиканти Лия Петрова - цигулка, Румен Цветков - виола, Александър Сомов - виолончело и Людмил Ангелов – пиано.

Александрина Пендачанска и Людмил Ангелов на "Аполония", снимка: Стефан Джамбазов

Маестро Ангелов и първият носител на наградата на фондация „Аполония“ Аполон Токсофорос и почти всяка година в Созопол ни радва с концертите си – рецитали или съвместно със забележителни музиканти Александрина Пендачанска, Веско Пантелеев-Ешкенази, Живко Петров… А на 31 август четиримата пианисти, които ни възхитиха още през 2015 година зала 1 на НДК Ангел Заберски, Георги Черкин, Живко Петров и Иван Янъков ще са специалният квартет, който в изпълненията си преплита класиката и джаза виртуозно. Прекрасни музиканти – челисти Атанас Кръстев, Виктор Трайков, Теодора Атанасова и Момчил Пандев, обединени в Underground Cello Quartet премиерно ще ни представят програмата си. Вълнуващо, нали? Но и да пропускаме и рецитала на изключително талантливия пианист Сергей Редкин на 3 септември. Той има забележителна кариера, а тази година спечели втора награда на един от най-престижните музикални конкурси Кралица Елизабет в Брюксел, Белгия.

Очакват ни и други премиери в киното, в литературата и не само. Една е много специална, поне за нас – „Ангелски хроники“ е първата книга на директора на Софийска филхармония маестро Найден Тодоров на 2 септември от 19 часа в двора на Художествената галерия.

Найден Тодоров, снимка: Кирил Христов

Тогава ще бъде представена и последната книга на Мария Касимова-Моасе “Записки от Шато Лакрот“. И двете на издателство „Колибри“. А на 5 септември на същото място и в същия час Георги Господинов ще представи най-новата си книга „В пукнатините на канона“ на издателство „Жанет 45“. Час преди това от него ще научим и как е минал майсторския му клас, към който има изключителен интерес, както сподели Маргарита Димитрова.

На 2 септември от 22 часа в лятното кино предпремиерно ще гледаме филма „Февруари“ на Камен Калев. Да не забравяме и документалното кино, пристрастие на селекционера на филмовата програма на Празниците“ проф. Божидар Манов. На 1 септември от 20 часа е премиерата на документалния филм „Живот от живота“ на Стефан Командарев, посветен на драматичната тема за донорството в България.

Стефан Командарев /л/ и Божидар Манов /д/ на "Аполония", снимка Стефан Джамбазов

За втори път след 2019 година майсторски клас ще има и Александрина Пендачанска. Тогава на концерта на учениците ѝ тя каза, че открила за себе си, че работата като преподавател е като родителството – отглеждаш от едно цветенце, което да стане красиво и силно дърво. Какво се изисква? „Търпение, щедрост и критичност, която не съди, а дава варианти за решаване на проблеми и въпроси. Аз съм го научила от майка ми /Валери Попова/ и като родител. Тя е била и вокален педагог, и нейният път е този, който се опитвам да следвам“. Джиджи беше първата, с която започна през 2012 година реализацията на вълнуващите срещи „Цената на успеха“ в програмата на Празниците на изкуствата „Аполония“. Нейната искреност и топлота даде великолепно начало на тези почти интимни и вълнуващи срещи с публиката. Те предстоят, като първата среща е с маестро Пламен Джуров и Софийски солисти, ще чуем писателя Захари Карабашлиев, ще почетем Камен Чанев…Ще си припомним забележителното списание за култура на БТА ЛИК, което спря през 2013 година. После се появи с един два специализирани броя, но сега на „Аполония“ генералният директор на Агенцията Кирил Вълчев ще съобщи неговото възраждане. Специално за “въпреки.com” той написа: „БТА ще представи броя на завръщащото се емблематично за българската култура списание “ЛИК”, посветен на изкуството по време на пандемията, на “Аполония” в Созопол.

Маргарита Димитрова и Кирил Вълчев, снимка: БТА

Аполон е едновременно покровител на изкуствата и предводител на музите, но и лечител, включително срещу чума. Според мита през Троянската война той девет дни изпращал със стрели чума в лагера на ахейците, а след жертвоприношения за омилостивяването му спрял заразата. Аполон спрял и чумата в Атина след като загинали 100 хиляди души и полисът загубил Пелопонеската война срещу Спарта през V век преди Христа, за която чума Тукидид пише, че била “толкова голяма и страшна като заплаха, че в човешката памет няма сравнима с нея”. Двете начала в Аполон - на изкуството и на лечителството намерили продължение в синовете му - най-великия певец на Древностра Орфей и бога на медицината Асклепий. На “Аполония” със списание “ЛИК” за изкуството през пандемията БТА иска да покаже, че изкуството лекува и грижата за душата ни е лекарство, което е не по-малко важно от лечението на телата ни. За да “ваксинира” с новини за изкуството през тази година БТА създава и нова редакция за знание и култура, наречена “ЛИК” по името на емблематичното списание, издавано от националната информационна агенция на България. “Post nubila Phoebus” (“След мрачно време - Феб”), ни уверява древната сентенция как след неприятностите идва Феб (Слънце, както наричали Аполон). Със следващия брой на “ЛИК” БТА планира да покаже, че това е вярно, като разкаже за идващата в края на лятото “Аполония” в Созопол“. На добър час на ЛИК, списание, създадено още през далечната 1965 година, което винаги очаквахме и четяхме, като бързахме и да се абонираме, за да го имаме…

И за финал на този въвеждащ текст към 37-то издание на Празниците на изкуствата Аполония за една изненада и необичайно представена, която ни очаква от 31 август в двора на Художествената галерия – Фотоизложба на Димитър Караниколов „Нечовешки поглед“, куратор Елена Филипчева. Той е архитект и любител травъл фотограф. Завършва архитектура в София през 2002 и специализира в Oosterhuis NL – Ротердам. През 2004-2006 работи за Foster+Partners – Лондон, след което създава студио MESHROOM за архитектурни визуализации. Той води уъркшопи за постпродукция и експериментира с интериорен дизайн и създаване на мобилни игри. Неговият проект Loft 9b е номиниран за най-добър проект на Archilovers за 2015, а фотографите му са публикувани от National Geographic, Lonely Planet, Fubiz и Designboom.

Димитър Караниколов, снимка: архив на фондация "Аполония"

В последните години пътува на специализирани фотографски експедиции в Монголия, Мианмар, Ботсвана, Исландия, Етиопия и други в опит да заснеме автентични места и хора и непознати гледни точки със своя дрон. През 2019 печели IPA (International Photography Awards) в категорията травъл фотография, а през 2020 става Aerial Photographer of the Year в категория изящн�� изкуство. До момента има 4 самостоятелни фотоизложби.

И ако миналата година винилите със снимките от фотоизложбата на Стефан Джамбазов „Андрей Даниел – последните седем години“ (светла да е паметта и на двамата, обичаха/обичат Аполонския Созопол) бяха изложени на оградата на двора, сега фотографиите на Димитър Караниколов ще са на земята. И посетителите ще ги гледат „отгоре“, като дронове ниско летящи, ако можем да си го представим с повече въображение…

Фотография на Димитър Караниколов, снимка: архив

И да очакваме в деня на откриването на Празниците новия носител на наградата Аполон Токсофорос.

Не е възможно да разкажем за всички вълнуващи събития на „Аполония“ - повече за програмата на фестивала може да прочетете на https://apollonia.bg/.

Текст: Зелма Алмалех

Снимки: Стефан Джамбазов и архив на фондация „Аполония“

#Аполония #Маргарита Димитрова #Софийски солисти #Пламен Джуров #Людмил Ангелов #Димитър Караниколов #Георги Господинов #Созопол

0 notes

vprki · 5 years ago

Text

Новогодишният музикален фестивал с поклон към Николай Гяуров

„Музиката е енергия“ е мотото на 33-ия Новогодишен музикален фестивал в НДК, който се посвещава на 90 години от рождението на един от най-ярките оперни певци на нашето време Николай Гяуров. Той заедно с най-големи звезди на оперната сцена беше сред желаните и очаквани артисти в първите години на фестивала, създаден от диригента Емил Чакъров /на снимката двамата/.

Миналата година 32-ият Новогодишен фестивал беше под знака на 70 години от неговото рождение. Той с подкрепата държавата, много приятели и световни музиканти сложи началото му през 1987 година, а последните му концерти бяха през 1990 година. Напусна нашия свят през 1991 година едва навършил 43 години, а това изключително събитие за България създаде преди да е навършил 40 години… В годините на прехода не беше лесна съдбата на Фестивала като художествено равнище, особено след блясъка, който му даде маестро Чакъров. Причините са много, но преди всичко обяснението е сложното време на прехода, на липсата на средства, а и може би на въображение и невъзможност да се преодолее стагнацията по отношение на културата и изкуството. Но няколко години вече се усеща стремежът на ръководствата на НДК да върнат блясъка на фестивала, въпреки проблемите да се организира и реализира такова мащабно събитие в днешно време в България.

Програмата тази година е поредното доказателство за радост на публиката. Колаборацията между НДК и БНТ да се покажат записи от тези знаменити концерти и оперни спектакли с участието на Николай Гяуров е не просто похвална, а особено важна и за младите поколения не само музиканти. На 16 декември в зала 4 публиката я очаква среща-разговор и дискусия с водещ Екатерина Дочева, музиковед с участието на интересни личности и музиканти работили с певеца. Тя е от хората, най-близки сътрудници на Емил Чакъров, продуцент на концертите му в НДК, на записите му в много, от които грее с участието си Николай Гяуров заедно със звездните си партньори. Екатерина Дочева от дълги години е музикален критик с остро перо, с независим и ярък поглед за случващото се в сферата на музиката не само в България. От миналото издание на фестивала заедно с музикалния продуцент на НДК Юлиана Караатанасова тя споделя тези специални моменти от фестивала като почит към големи артисти, като представяне на безценен национален архив. Това не е просто съживяване на красиви спомени, а преживяване наново, което за младите хора и не само за тях носи и определен образователен смисъл.

След срещата с Дочева, в кино „Люмиер Лидл“ от 18,30 часа почитателите на Гяуров могат да чуят и видят запис от концертното изпълнение на операта „Атила“ от Верди /1984 г./ с участието на оркестъра и хора на Софийската опера под диригентството на Владимир Гяуров на сцената на зала 1 на НДК. На 22 декември в същата зала от 17 часа зрителите ще имат изключителен шанс да гледат знаменития запис на „Аида“ от Верди /1985 г./ на Миланската скала със звездното участие на Мариа Киара, Лучано Павароти, Гена Димитрова, Николай Гяуров, Хуан Понс, Паата Бурчуладзе под диригентството на знаменит��я Лорин Маазел и режисьор Лука Ронкони. Невероятно преживяване с певци, които вече ни гледат от небесата. А на 28 декември от 18 часа отново в кино„Люмиер Лидл“ концертен запис със съдействието на БНТ Оперен рецитал на Мирелла Френи и Николай Гяуров от зала 1 на НДК 1982 година под диригентството на Емил Чакъров.

„Важно е фестивали като Новогодишния да се случват, защото по един или друг начин те взимат най-доброто от епохата, в която са създадени, надграждат го и го пренасят във времето. За нас като ръководство на НДК е ключово да съумеем да съхраним тази фестивална култура. Предизвикателството ни днес е как да адаптираме фестивала, така че той да бъде устойчив на днешното време и очакванията на публиката. Ние се опитваме да бъдем част от тази промяна без да нарушаваме традициите и устоите на изкуството“. Това каза председателят на Съвета на директорите на НДК Борислав Велков при представянето на програмата на Новогодишния музикален фестивал. И екипът на НДК като един сериозен продуцент на култура и изкуство се старае да върне блясъка на Фестивала. В това свое издание след не малко години предстои бляскаво концертно изпълнение на опера на 21 декември в зала 1– „Евгений Онегин“ на Чайковски с участието на световна прима Красимира Стоянова като Татяна – копродукция на БНР с НДК и диригента с авторитетна международна кариера Павел Балев с прекрасните български певци от по-новото поколение Атанас Младенов - Онегин, Михаил Михайлов – Ленский, Виолета Радомирска – Олга, Петър Найденов – Гремин. Специалистите определят Красимира Стоянова като най-прелестната вердиева певица в днешно време, но тя има своите пристрастия и към руската класика, към камерната музика и много още. Тя току-що завърши майсторския си клас в Националната музикална академия „Панчо Владигеров“. Припомняме разговора, който имахме с нея преди време, когато й предстоеше за първи път да има майсторски клас на Фестивала на изкуствата „Аполония“. Тогава отговори на въпросите ни по мейл във време, когато имаше няколко представления в „Аида“, а й предстояха участия под диригентството на Рикардо Мути в „Реквием“ на Верди.

Красимира Стоянова

Тогава тя сподели съкровено: „Музиката е моят живот. Така ме е орисал баща ми, така и продължих и не мога да си представя всекидневието си без мисълта за нея. Не знам каква бих била, ако нямах на времето цигулката в ръцете си. Тя ми даде всичко. Операта за мен е само едно естествено продължение на любовта ми към цигулката. Чувствам живота си пълноценен и активен и съм безкрайно благодарна на Господ за това! Естествено, ние певците сме малко-по-особен вид и все трябва за нещо да внимаваме, да се пазим, да спазваме определена дисциплина. Режим…Това са нормални неща. И спортистите, и балетистите го правят, но смятам, че всеки човек, който уважава себе си се опитва да живее живота си организирано, за да е полезен на себе си и другите, колкото се може повече. Конкуренцията е стимул за развитие, но не трябва да бъде повод за прекалена амбициозност. Чух един много млад български оперен певец да казва, че човек трябва да се съревновава със себе си. Правилно, нали? Ако се научим да се владеем, да познаваме себе си, да се задълбочаваме в собственото си изграждане, тогава нещата ще стават естествено и леко. Мисля, че няма по-голям критик от собственото Аз…“. /Тук може да прочетете целия разговор с нея/.

На фестивала предстои и друго силно оперно преживяване – на 29 декември в кино „Люмиер Лидл“ публиката ще има късмета да гледа запис на спектакъла „Дон Карлос“ на Верди от 17 октомври 2017 година на Парижката опера със Соня Йончева, Елина Гаранча, Йонас Кауфман, Илдар Абдзазаков, Людовик Тезие и други с диригент Филип Жордан и режисьор Кшищоф Варликовски – звезден екип. Само да допълня, че през изминалата година имахме щастието,благодарение на Софийска филхармония да видим и слушаме оперните рецитали на невероятните певици Йончева и Гаранча. Изключителен шанс София да е част от световните сцени!

33-тият Новогодишен музикален фестивал се открива на 15 декември с концерт на Камерен оркестър на Театър Ла Скала – Милано – формация, популярна с многобройните си турнета на всички континенти. В зала 1 на НДК ще звучат популярни творби от италиански композитори с надслов „Италия – музиката е любов“. Концертът ще бъде открит с популярната Трета сюита от Антични танци и ария от Оторино Респиги. Ще чуем още много популярната Трета Соната „а куатро” на Джоакино Росини. Марко Енрико Босси, известен за времето си органист, композитор и педагог също е сред композиторите, чиито произведения ще чуем. Финалната пиеса от програмата на концерта е от нашия съвременник Емануеле Педрани. Той е известен контрабасист, в момента член на състава на оркестъра на Миланската скала, женен за българка - флейтистката Десислава Петева. Но ден преди това на 14 декември НДК ще посреща посетителите на вход на вход А4 с великолепна фото изложбата, която представя 33 вълнуващи момента от 33-те години на Новогодишния музикален фестивал, с които организаторите отдават почит на времето, ценностите и традициите, които фестивалът носи, както и на срещата на поколенията, която се случва на сцените на фестивала през годините.

Херберт фон Караян и Емил Чакъров

Тук е мястото да споменем, че фестивалът отбелязва и 30 години от смъртта на един от най-великите диригенти на отминалия 20-ти век Херберт фон Караян, който изключително ценеше и работеше с най-големите певци на България, с българските хорове и даде благословията си и за своя ученик, най-младия с приз от конкурса за диригенти на негово име – Емил Чакъров през 1971 година. Емил тогава беше на 23 години… Забележителни са срещите и работата на маестро Караян с българските артисти от ранга на Гяуров, Анна Томова - Синтова, Райна Кабаиванска и още, и още…Това е дълга и красива история от световната музикална сцена. Но на предстоящия фестивал ще имаме възможност отново да преживеем неговото гостуване в зала 1 на НДК с Виенска филхармония през 1983 година със Симфония № 1 от Йоханес Брамс на 27 декември от 19 часа в кино „Люмиер Лидл“. Тогава в друга част от концерта той представи поредното си откритие цигуларката Ан - Софи Мутер, която беше тогава на 20 години. Но той вече я беше поканил да солира едва 13 годишна с Берлинска филхармония.

Очаква ни в зала 1 на 17 декември балетният спектакъл „Дон Кихот“ на Лудвиг Минкус на Държавната опера в Стара Загора с художествен ръководител прима балерината Силвия Томова. За трите години, от които е на тази позиция тя възроди по блестящ начин балета на най-стария ни оперен театър в България. Звезди от световна величина участват в този спектакъл. Сред тях блестят солистите на Щатсбалет Берлин примабалерината Яна Саленко и нейният партньор Мариан Валтер. Хореографията и режисурата са на Аршак Гарумян, също гост от Щатсбалет Берлин, сценографията и костюмите на италианеца Салваторе Русо. Яна Саленко е сред най-високо ценените прими на международната балетна сцена и е постоянен гост-солист в Кралската опера „Ковънт Гардън“ - Лондон и Мариинския театър - Санкт Петербург. В спектакъла участва международната балетна трупа на Държавна опера Стара Загора. При представянето на представлението Силвия Томова разказа звездната биография на двамата солисти. Самата тя също е възпитаничка на знаменитата Петербургска балетна школа. Извън знаменитите солисти Силвия Томова специално подчерта, че силата на спектакъла е и самата трупа на корди балета, от който тя не скри гордостта си и с право.

Тазгодишното издание на Фестивала предлага специално подбрани специални концерти за меломаните. На 14 декември в кино „Люмиер Лидл“ е хоровият концерт, който ще отбележи 25 години от създаването на женски хор „Ваня Монева“ с диригент Ваня Монева. В него имат специално участие обичаната певица Мария Илиева, дъщеря на Монева, Иван Цонков – ударни инструменти и оркестърът за народна музика на БНР. На 16 декември пък е клавирният рецитал на Антонина Бонева „Баладите на Фредерик Шопен по стиховете на Адам Мицкевич”. В концерта ще участва и талантливият ученик на Антонина Бонева – Теодор Пазов. Великолепната пианистка и преподавателка има специални пристрастия към Шопен, а сред ��ногобройните й ученици са музиканти от ранга на Виктория Василенко, Георги Черкин и много друго. Концертът следва линията зададена в тазгодишното издание на Новогодишния музикален фестивал, а именно да среща на една сцена млади таланти, редом до утвърдени вече имена. Друго младо дарование - Фидоси Керчев ще изнесе клавирен рецитал „Имена от бъдещето” в зала 9 на 20 декември.

Живко Петров

Джаз концерт предстои на 18 декември в кино „Люмиер Лидл“ – Живко Петров ще представи най-новия си албум „Ten“ . На 18 декември от 20:00 часа в кино „Люмиер Лидл“ той ще го представи пред своите почитатели. „Ten” е естествено продължение на линията, която пианистът задава в „After 4“ – дебютният му солов албум, но, докато в първия прави поклон пред великите класици, тук музиката е „на кръстопът“ между джаз и поп похватите, като последните две пиеси са отново класически. „Ten“ включва 10 композиции, които се слушат и като части от едно цялостно произведение. За албума Живко Петров споделя: „В „Ten“ представям десет лични истории, изживени от мен през последната година. Усещането ми за него е, че съм 100 % себе си”. Ключово за създаването на албума е общуването на мелодията с тишината. Неслучайно подзаглавието на диска е „The silence in between…“.

Специално събитие в навечерието на Рождество Христово ще е мултимедийният концерт по идея и музика на Петър Дундаков – „Песента на ветровете“ на 23 декември от 19:00 часа в Театър Азарян. „Песента на ветровете” представлява цикъл от пиеси за струнен оркестър, сопрано, флюгелхорн и фонограма, вдъхновени от метафората на „вятъра”. Представлението обединява съвременна класическа музика, джаз, фолклор, „narrative music”- театрална и филмова музика, представени като различни състояния и картини в рамките на една музикална цялост. Спектакълът обединява на сцената великолепни интерпретатори на класическата музика, сред които Камерен ансамбъл „Софийски солисти” под диригентството на проф. Пламен Джуров и майсторските изпълнения на познатите от съвременната музикална сцена джаз тромпетист Росен Захариев и сопраното Гергана Димитрова, солистка на „Мистерия на българските гласове” и „Ева квартет”. Петър Дундаков винаги ни изненадва в великолепните си музикални проекти, а много специална за него е съвместната им работа от години със „Софийски солисти“ и маестро Пламен Джуров. По този повод преди време за „въпреки.com” композиторът сподели: „Според мен това, което движи една музика е духът й, в смисъл дълбоките й принципи, които никога не са неподвижни. Подвижността на тези принципи, възможността да ги пресъживяваш, е всъщност липсата на граници. Това е вечността на заниманието, търсенето на подвижност на границите. Изключително преживяване за мен е да работя със „Софийски солисти”.

Петър Дундаков и Пламен Джуров

В цялата програма на Новогодишния музикален фестивал е трудно да се определи кулминацията, но все пак като че ли един от върховните моменти е Новогодишният празничен концерт на 1 януари 2020 година от 18.30 часа в зала 1. „Вдъхновени от зимата“ е темата, избрана от диригента маестро Емил Табаков. „Тази година програмата е доста различна с много нови произведения, които ще бъдат изпълнени за първи път – „Зимното момиче“ на Едвард Григ, валсовете „Кънкьорите” от Емил Валдтойфел и „Снежинки” от Жак Офенбах, Романс от „Виелицата” на Свиридов“, сподели маестро Табаков във видеообръщение при представянето на програмата на фестивала. Солисти на вечерта ще бъдат младите 28-годишни музиканти с успешна кариера на престижните концертни подиуми извън България – цигуларката Лия Петрова, която ще изпълни „Цигански напеви” от Сарасате и виолончелистът Михаил Петров, който ще чуем с „Унгарска рапсодия” на Попер. Тук е мястото да припомним как маестро Емил Табаков започна 2018 година с Новогодишния концерт в НДК, с който се сложи и началото на българското председателство на Съвета на Европейския съюз под надслов „Духът на Европа” с произведения от европейски композитори на 28 – те държави - членки на ЕС с брилянтното участие на цигуларя Светлин Русев като солист. Това беше един много интересен концерт - от една страна свързан тематично с европейското ни председателство, а от друга – различен от традиционния Новогодишен концерт.

Защото този път музиката имаше не само развлекателна, но и образователна функция. Наред с познати музикални творби, звучаха и изключително интересни произведения на малко познати композитори от различните европейски страни. Финалът на председателството отново беше с концерт в НДК и отново на пулта беше Емил Табаков. Това беше и един от концертите на годината – Осма симфония /Симфонията на хилядата/ на Густав Малер. Маестро Табаков дирижира това забележително произведение на Малер с участието на Софийска филхармония, Симфоничен оркестър на БНР, Национален филхармоничен хор „Светослав Обретенов”, Детски хор на БНР и Смесен хор на БНР заедно със силен солистичен състав от певци от Австрия. Маестро Емил Табаков дирижира и Празничния новогодишен концерт на финала на Фестивала и в началото на тази вече изтичаща 2019 година. Тогава танцова феерия с музика от Вагнер, Чайковски, Понкиели, Шостакович, Хачатурян, Хинастера, Маркес, Дворжак, Григ завладя публиката в първите часове на Новата година. Те традиционно бяха споделени с най-добрите музиканти на столичните оркестри в лицето на Фестивалния симфоничен оркестър с диригент маестро Емил Табаков, а солист на вечерта беше флейтистът със световна слава – Патрик Галоа.

Емил Табаков

Максимализмът на маестро Емил Табаков е известен и той нееднократно си е плащал за него с раздели и неразбиране. Преди време в разговор за „въпреки.com“ той каза много важни неща /можете да прочетете тук/. Припомняме всичко това, защото има смисъл да се връщаме в случилото се не толкова отдавна преди всичко, за да търсим и вярваме, че въпреки склонността ни към мрънкане и и самосъжаление ни се случват и прекрасни преживявания. И едно от тях безспорно е 33-ият Новогодишен музикален фестивал. А тази година организаторите са подготвили и богата програма с концерти за децата, което дава и празнично усещане за най-младата публика. ≈

Текст: Зелма Алмалех

Снимки: архив и Стефан Джамбазов

#Новогодишен музикален фестивал #НДК #Емил Чакъров #Николай Гяуров #Емил Табаков #Петър Дундаков #Пламен Джуров #Живко Петров

0 notes