#solistas del lincoln center

[lamilanomagazine]

Trieste, in arrivo gli appuntamenti della rassegna culturale “Una luce sempre accesa”

Trieste, in arrivo gli appuntamenti della rassegna culturale “Una luce sempre accesa”.   Il Comune di Trieste informa che, il 19 e 22 gennaio, alla Sala Luttazzi del Magazzino 26 di Porto Vecchio, ora Porto Vivo, nell’ambito della rassegna “Una luce sempre accesa" sono in programma i seguenti appuntamenti: Giovedì 19 gennaio alle ore 21.00: Sinatra. My Way. A Modo Mio. Ci sono due protagonisti in questo spettacolo: la passione, il talento di Andrea Santonastaso assieme alla voce di Sinatra, con l’accompagnamento delle sue canzoni originali. Porterà sul palco il sogno di una vita vissuta coraggiosamente, magicamente, intensamente, ma soprattutto vissuta a modo suo. Sarà la notte del “My Way” di Frank Sinatra. Prevendite sul portale Eventbrite. La sera dello spettacolo sarà attiva la biglietteria in Sala Luttazzi, ma si consiglia di prenotare via WhatsApp (3932630937) o via e-mail (schiene.gm@gmail.com). Evento promosso dall’Associazione Andrej. Ingresso a pagamento. Domenica 22 gennaio alle ore 11.00: Mattinate Musicali Internazionali. Le 8 Stagioni. La Nuova Orchestra da Camera “Ferruccio Busoni”, diretta da Massimo Belli, propone le celeberrime Quattro Stagioni di Antonio Vivaldi e le Estaciones Portenas di Astor Piazzolla. Solista il violinista Lucio Degani che si è esibito nelle più prestigiose sale del mondo come il Lincoln Center di New York, la Suntory Hall di Tokyo, il Musikverein di Vienna, il Mozarteum di Salisburgo, la Schauspielhaus di Berlino, La Scala di Milano, l’Opéra e Salle Pleyel di Parigi, la sala del Conservatorio Tchajkovskij di Mosca. Concerto promosso dall’Associazione Nuova Orchestra da Camera “Ferruccio Busoni”. Ingresso a pagamento. Per ulteriori informazioni e aggiornamenti è attiva la pagina web: https://salaluttazzi.comune.trieste.it    ... #notizie #news #breakingnews #cronaca #politica #eventi #sport #moda Read the full article

[elmartillosinmetre]

Vivir y grabar en Granada

[Paco Moya ha hecho de Granada el centro del disco clásico en España. La foto es de Carmen Navarro]

En apenas siete años de existencia, el profesor y productor granadino Paco Moya ha convertido IBS Classical en uno de los sellos discográficos más importantes de España

Obviamente en su DNI figura el nombre de Francisco, pero para todo el mundo de la música es Paco, Paco Moya, un granadino que ha revolucionado el sector del disco clásico, y lo ha hecho manteniendo de forma paralela su puesto de profesor en el Conservatorio Superior Victoria Eugenia de Granada hasta este mismo mes de septiembre en que ha pedido la excedencia.

–33 años de profesor de música en conservatorio le dan una posición estupenda para decirme qué falla en el sistema educativo musical español. –Desde la perspectiva del alumno, la formación es demasiado teórica. En el momento en que salen de España todos se dan cuenta. Sobre el profesorado, el sistema está mal planteado. Hay grandes figuras que no pueden acceder a los Conservatorios Superiores porque no tienen un doctorado o un máster; a algunos te los encuentras incluso dando piano complementario en un Conservatorio Profesional. Es un desperdicio. ¿Qué necesidad hay de que en un Superior todos los profesores sean catedráticos? ¿Por qué no se han desarrollado esos puntos de la ley que permitían el acceso a la docencia a los grandes intérpretes? Le pongo un ejemplo: el guitarrista Ricardo Gallén, uno de los mejores del mundo, puede dar clases en conservatorios superiores de Noruega o de Suiza, pero no de España. Es absurdo. Y luego alguien, sin necesidad de tener experiencia, por el hecho de tener un máster en cualquier tema de musicología y de pasar una prueba, se pone a dar clases en un Superior. Los profesores no tienen la culpa, por supuesto, pero el sistema no es el mejor, y yo decidí no entrar en este juego y dedicarme en exclusiva al sello.

–¿Cómo se hizo productor discográfico en una época en la que no se venden discos? –Siempre tuve mucha preocupación por la tecnología, por lo que la tecnología podía aportar a la música. Empecé con los primeros editores informáticos de partituras y luego salté al sonido. Compré mis primeros equipos básicos en 2005, aconsejado por lo que me decían en España. Hice mis primeras pruebas y llegué a la conclusión de que era todo un desastre, en España no existía especialización ninguna en registro de música clásica. En la Orquesta Ciudad de Granada me dijeron que a ellos venían a grabarlos de Berlín. Pedí estar en algunas sesiones para aprender y luego me fui directamente a Berlín. Entre lo que vi aquí y lo que allí me enseñaron, empecé a hacerme poco a poco de un equipo profesional dedicado a la música clásica de verdad. Y con mi mujer [Gloria Medina] decidimos montar un estudio de grabación, Iberia.

–¿Por qué decide dar el salto a la producción y crear IBS Classical, su propio sello? –Después de seis años trabajando para muchos intérpretes nos dimos cuenta de que nuestro trabajo no tenía trascendencia pública ni difusión. Le dábamos un máster impecable a un músico, sí, pero, ¿qué podían hacer con eso? En 2011 decidimos lanzarnos a por el sello, que empieza a funcionar al año siguiente.

–Los problemas se multiplicarían, claro. –Totalmente. El más importante de todos, el de la distribución. Sin catálogo los distribuidores no te atienden. Contactamos con Klaus Heymann, de Naxos, que nos dijo que le gustaba nuestro trabajo, que cuando tuviéramos un catálogo volviéramos a llamar. Si no tienes distribución no aumentas el catálogo, y sin el catálogo no entras en las redes de distribución. Fueron 3 o 4 años duros, de una auténtica travesía del desierto, de hacer discos a pulmón, sin esperar que hubiera el mínimo retorno económico, reduciéndonos a una distribución nacional. Todo cambió cuando en 2016 nos nominan a los Grammy un disco de la pianista Edith Peña, Danzas en todos los tiempos. Naxos nos llamó entonces y gracias a ellos tenemos hoy distribución física en todos los grandes países de Europa y América. La clave es que el producto (en formato físico o digital) llegue a todo el mundo.

–Pero el formato físico se extingue. –Sony ha cerrado ya su fábrica de cedés vírgenes. Acabo de volver de Estados Unidos, donde nos llevan la distribución digital, y me dicen que el soporte físico tiene los días contados.

–¿Y por qué cree que está resistiendo tanto? –Hay un sector aferrado al disco físico: el crítico, el locutor de radio, el distribuidor que necesita enseñarlo. Y hay todavía aficionados enamorados del objeto, como en el caso de los libros.

–¿Se puede vivir de los stores digitales, de las plataformas? –Son fundamentales. Spotify te paga 0,004 euros por escucha. Pero yo tengo discos que han tenido medio millón de escuchas, y eso son 2 mil euros. Qué disco físico me da eso. Mandar un cedé en España me cuesta 5 euros, el coste de fabricación del objeto físico otros 4 o 5 euros, y si se agota hay que reeditar. En cambio, el producto digital llega instantáneamente a Nueva Zelanda, a Asia, a Groenlandia... No se acaba nunca y no necesita ni mantenimiento ni transporte. Además, nosotros grabamos ya en sistema DXD (Digital eXtreme Definition), que da una resolución de 352,8 KHz. Un CD te da 44 KHz. Spotify no puede absorber aún esa resolución, pero están surgiendo portales que sí. Así que un melómano exigente con un portátil y un conversor de 700-800 euros está escuchando a la misma resolución que yo en mi estudio. No hay color.

–¿Cuenta cuesta hacer un disco, y quién lo paga, el sello o el intérprete? –Incluido todo, la comunicación y la distribución también, un CD puede salir por 15 o 16 mil euros. Hacemos un contrato de coproducción al 50%.

–¿Cuántos discos están haciendo por año? –En 2017 fueron 25, pero este año llegaremos a 30 y tenemos el plan de 2019 completo: damos fecha ya para 2020.

–¿Puede adelantar algo de esos planes? –De forma natural, Asier Polo se ha convertido en nuestro artista de referencia y vamos a hacer varios discos con él: grabará las Suites de Bach, hará un disco con Eldar Nebolsin, un Don Quijote con la Jonde, que ya está grabado, y un disco de conciertos de Haydn y Boccherini con la Orquesta Barroca de Sevilla. También grabará para nosotros Josu de Solaun, y nos vienen diversos músicos españoles que trabajan en Estados Unidos y algunos grupos americanos, como los Solistas del Lincoln Center o de la Orquesta de Pittsburgh. Hay también un proyecto Elgar con la ONE y otras muchas cosas. Ahora estoy contentísimo porque acabamos de lograr dos nominaciones para los Grammy de este año: mejor disco clásico, las Goyescas de Granados que grabó José Menor, y mejor composición contemporánea, el Montuno en forma de chacona de Roberto Sierra, que fue un encargo del Festival de Música Española de Cádiz e hizo Silvia Márquez al clave en su CD Chaconnerie.

–Algún sueño. –Uno que se cumplió ya. Lo de Alfred Brendel. Cuando entré en su casa de Londres se me saltaron las lágrimas de la emoción. Y me encantaría coger mis trastos e irme a grabar a cualquiera de las grandes orquestas, Concertgebouw, Berliner... No sé si podría resistir la primera prueba de sonido.

[Diario de Sevilla. 24-09-2018]

[thedeacanedous]

Tenor peruano, Juan Diego Florez.

JUAN DIEGO FLÓREZ SALOM ...

Juan Diego Flórez Salom (nascido em 13 de janeiro de 1973) é um peruano de ópera tenor , particularmente conhecido por seus papéis em bel canto óperas. Em 4 de junho de 2007, ele recebeu a mais alta condecoração do seu país, a Gran Cruz de la Orden del Sol del Perú . [Juan Diego Flórez nasceu em Lima , Peru , em 13 de janeiro de 1973, onde seu pai, Rubén Flórez, foi um notável guitarrista e vocalista do popular e do Peru Criolla música. Em uma entrevista ao jornal peruano Ojo , Flórez contou seus primeiros dias, quando sua mãe conseguiu um pub com música ao vivo e trabalhou como cantor de substituição sempre que a atração principal ficou doente. "Foi uma grande experiência para mim, pois a maioria dos que foram regulares no pub eram de uma certa idade, então eu tinha que estar pronto para cantar qualquer coisa de Huaynos de Elvis Presley da música e, na minha mente, que me serviu um grande negócio, porque, em última análise, qualquer música que é bem estruturado, se é jazz, ópera, ou pop-é boa música ". Inicialmente, a intenção de seguir uma carreira na música popular, ele entrou no Conservatório Nacional de Música, em Lima, com a idade de 17 anos. Sua voz clássica surgiu no decorrer de seus estudos sob Maestro Andrés de Santa María . Durante este tempo, ele tornou-se membro do Coro Nacional do Peru e cantou como solista em Mozart 's Coronation Mass e Rossini 's Petite Messe solennelle . Ele recebeu uma bolsa de estudos para o Instituto Curtis na Filadélfia , onde estudou 1993-1996 e começou a cantar na ópera estudante produções no  repertório, que ainda hoje é a sua especialidade, Rossini e as bel canto óperas de Bellini e Donizetti . Durante este período, ele também estudou com Marilyn Horne na Academia de Música do Oeste em Santa Barbara. Em 1994, o tenor peruano Ernesto Palacio convidou-o para a Itália para trabalhar em uma gravação de Vicente Martín y Soler da ópera Il Tutore Burlato . Em seguida, ele se tornou professor de Flórez, mentor e gestor e teve uma profunda influência na sua carreira. Este artigo está desatualizado . favor atualizar este artigo para refletir eventos recentes ou novas informações disponíveis. (Abril de 2011) Primeiro avanço do Flórez e estréia profissional aconteceu em 1996, no Festival Rossini na cidade italiana de Pesaro, cidade natal de Rossini. Na idade de 23 anos, ele entrou em cena para interpretar o papel principal tenor em Matilde di Shabran quando Bruce Ford ficou doente. Ele fez sua estréia no La Scala , no mesmo ano como o Chevalier danois (Danish Knight) em Gluck 's Armide , e no final do ano ele cantou o papel de Georges em Meyerbeer 's L'étoile du nord com Wexford Festival Opera . Sua Covent Garden estreia seguido, em 1997, onde cantou o papel do Conde Potoski em um mundo de desempenho de Donizetti concerto estréia Elisabetta . Estréias seguidas na Ópera Estatal de Viena , em 1999, como o Conde Almaviva em Il Barbiere di Siviglia e no New York Metropolitan Opera em 2002, novamente como o Conde Almaviva. Em 20 de fevereiro de 2007, a noite de Donizetti abertura La fille du Regiment no La Scala , Flórez quebrou 74 anos de idade tradição de não encores do teatro, quando ele repetiu "Ah mes amis" com seus nove alta C está seguindo uma "esmagadora "ovação da platéia. Ele repetiu esse bis individual no Metropolitan Opera House de Nova York em 21 de abril de 2008, o primeiro cantor a fazê-lo a partir de 1994.  Flórez também atua nos palcos da Europa, América do Norte e América do Sul. Entre os muitos locais em que ele deu concertos e recitais são o Wigmore Hall , em Londres, o Théâtre des Champs-Élysées , em Paris, Lincoln Center e no Carnegie Hall , em Nova York, o Palau de la Música em Barcelona ???O Teatro Segura em Lima , eo Mozarteum , em Salzburgo. Em uma partida de seu repertório habitual, ele cantou "Você nunca andará sozinho" da Broadway musical Carousel no Berlin Live 8 concerto em 2005. Ele foi assinado pela Decca em 2001 e desde então lançou seis CDs individuais recital na etiqueta Decca: Rossini Arias , que ganhou o Cannes Classical  Award 2003; Una furtiva lágrima , que ganhou o Cannes Classical Award 2004; Grandes Arias Tenor que ganhou o 2005 Eco Klassik prêmio para as melhores árias e duetos considerando; Sentimiento Latino ; Arias para Rubini e, mais recentemente, Bel Canto Espetacular . Sua gravação mais recente é Gluck 's Orphée et Eurydice , gravado ao vivo em maio de 2008. Além de sua discografia oficial, quase todos seus papéis profissionalmente realizados foram preservados em emissoras de rádio, e muitos também pela televisão. Flórez tem um tenor leggiero voz de excepcional beleza que, embora não seja de grande tamanho, [ carece de fontes ] , no entanto, é audível, mesmo nas maiores casas devido à predominância de altas freuências em sua estrutura harmônica. (carece de fontes???) Sua bússola é duas oitavas , até e inclusive o alto mi bemol ( Zelmira de 2009, em performance ao vivo, também em CD em uma ária de Bellini - "Tudo udir de padre afflitto", no CD Arias para Rubini ), a maior parte da sua gama sendo particularmente forte e brilhante, com quase nenhuma sensação de esforço, enquanto as notas mais baixas são comparativamente mais fraco. (carece de fontes)??? A cabeça e o peito registros estão perfeitamente integrados, sem pausa audível no PASSAGIO . [Seu controle da respiração é impecável, permitindo as frases mais longas para ser sustentada com aparente facilidade. ( carece de fontes ) Os ornamentos do bel canto , incluindo o trinado , são bem executados, e os erros estilísticos, tais como intrusivas aspirados geralmente evitavam. Talvez a realização técnica mais marcante é o cantor de domínio de coloratura ouvido para melhor efeito em seu Idreno ( Semiramide ) e Corradino ( Matilde di Shabran ). [ 10 ] [ editar ] Prémios e distinções Juan Diego Flórez foi reconhecido por seu país natal com vários prémios e distinções. Em maio de 2004, ele recebeu o Orden al Mérito Cultural de Lima , do prefeito de Lima, a Orden al Mérito POR distinguidos servicios en el grado de Gran Cruz do presidente Alejandro Toledo, e foi nomeado professor honorário de Martín de Porres Universidade de San . Em 4 de junho de 2007, ele recebeu a maior honra de seu país, a Gran Cruz de la Orden El Sol del Peru , do presidente Alan García. Flórez também apareceu no 2 - sol selo, parte de uma série de cinco selos homenageando músicos peruanos contemporâneos emitidas em 29 de novembro de 2004. É muito raro para uma cantora de ópera viva ter sido homenageado em seu país natal desta forma, especialmente alguém tão jovem. (Flórez foi de 31 na época). (O retrato de Flórez usada no selo foi pelo fotógrafo britânico, Trevor Leighton, e também foi usada para a capa de seu CD 2003 Una Furtiva Lagrima ). 

Do mundo da música clássica, ele recebeu o Premio Abbiati 2000 (atribuído pelos críticos italianos para o melhor cantor do ano), o Rossini d'oro , o Bellini d'oro , o Premio Aureliano Pertile , o Prêmio Tamagno , eo L 'Opera prêmio (Migliore Tenore) por seu desempenho de 2001, em La sonnambula no La Scala. Em 2009, Flórez foi nomeado para a Melhor Performance Vocal Clássica nas 52 prêmios Grammy por seu álbum, Bel Canto Spectacular (Decca). Vida pessoal. Flórez casado, nascido na Alemanha australiano Julia Trappe em uma cerimônia civil privada em 23 de abril de 2007, em Viena. Eles realizaram uma cerimônia religiosa na Catedral Basílica, em Lima no dia 5 de abril de 2008, que algumas das maiores celebridades do Peru, incluindo o presidente Alan García e escritor Mario Vargas Llosa , compareceram. Flórez estava presente no nascimento de seu filho, Leandro , que nasceu em 9 de abril de 2011, menos de uma hora antes Flórez subiu ao palco em Le Comte Ory , transmitido ao vivo em todo o mundo a partir do Met. Funções cantadas no palco

[pangeanews]

Quando Lou Reed, l’uomo che voleva distruggere se stesso, decise di abbandonare il palco e di fare il poeta

Proclamarsi cristiani nel mondo del rock equivale a dichiararsi satanisti nel mondo della Chiesa. Sul finire del 1969, Lou Reed viveva in un appartamento costoso dell’Upper East Side, a New York. Reed era il chitarrista e cantante dei Velvet Underground, autori di tre album che avevano fatto gridare al capolavoro gli appassionati ma avevano lasciato indifferente il pubblico. Il 1970 doveva essere l’anno dei Velvet. La consacrazione sembrava a un passo. Usciti dalla sfera d’influenza di Andy Warhol, primo mentore, ed entrati nella scuderia della Atlantic Records, si accingevano a incidere Loaded, un disco che guardava negli occhi i fan della musica pop senza rimangiarsi il marchio della fabbrica: rock distorto (Rock’n’roll) e ballate eteree (New Age). In Loaded ci sono almeno due classici studiati per scalare le classifiche: Sweet Jane e Rock’n’Roll. Nonostante le premesse, la lavorazione fu drammatica. Lou perse rapidamente interesse al disco e lasciò il gruppo prima della fine delle incisioni. Cosa stava succedendo? L’appartamento costoso di Lou Reed è completamente vuoto, come scopre Sterling Morrison, l’altro chitarrista dei Velvet. Ci sono una cassa di legno in un angolo, un registratore, una chitarra acustica. Il frigorifero contiene un cartone di succo di papaya. Nient’altro. Reed è in piena crisi d’identità. Ha cacciato dal gruppo il geniale polistrumentista John Cale e lo ha sostituito con il più servizievole Doug Yule. Sterling Morrison è infuriato per i modi dispotici di Lou. La batterista Moe Tucker è incinta e viene sostituita dal fratello di Youle. Ora Lou sente che il manager punta proprio su Youle, il volto pulito dei Velvet. Altro che la faccia da teppista del minaccioso Lou Reed. Non è tutto. Reed avverte che sta perdendo il controllo della situazione. Non vuole il successo a tutti i costi. Vuole innanzi tutto essere riconosciuto come un artista vero. I suoi testi cercano di portare l’arte nella musica rock in disaccordo col suo maestro all’università di Syracuse, il poeta Delmore Schwartz, che detestava i parolieri da canzonetta. Invece Lou si trova a dire nelle interviste che gli piacerebbe se i Velvet diventassero un gruppo da discoteca. Per quanto sia offuscato dalle droghe, Lou capisce di non essere se stesso. Al termine di un concerto al Max’s di New York, lascia di stucco il resto della band e se ne va. La batterista Moe Tucker lo trova seduto in disparte, in attesa dell’arrivo dei genitori. Cerca di farlo tornare sui suoi passi, senza riuscirci. Quindi Lou saluta Sterling Morrison e gli presenta Toby e Sidney Reed. Morrison ne è sorpreso. Reed aveva sempre parlato dei suoi genitori come aguzzini che lo avevano sottoposto all’elettroshock per scuoterlo dall’apatia e dalla depressione ma soprattutto per correggere una latente omosessualità. Lou non perdonò mai Toby e Sidney. Ma nel momento del bisogno si rifugia da loro, a Freeport, benestante sobborgo di New York.

Nell’autunno del 1970, Lou lotta contro l’astinenza dalle droghe e dalla musica. Torna dallo psicanalista. Abita dai suoi genitori. Accetta un posto nella ditta di famiglia non come erede dell’attività ma come dattilografo a quaranta dollari alla settimana. Prova anche a fare lo spazzino ma resiste un solo giorno. Nel frattempo Loaded viene pubblicato con discreto successo. Doug Yule è il nuovo volto dei Velvet, la stampa a stento si ricorda dell’autore di tutti i brani, il dattilografo Lou Reed. Il 1971 coglie Lou Reed nello spaesamento e nella indecisione. Ha fatto causa al vecchio manager, riprendendosi i diritti delle canzoni dei Velvet ma perdendo la proprietà del nome della band. Poco male. I Velvet senza Reed produrranno un solo disco, il debole Squeeze. Lou non si decide a ritornare nel circo del rock pur sapendo che è il suo destino. Per un attimo, decide di dedicarsi completamente alla poesia, come avrebbe voluto Schwarz. Il 10 marzo 1971 è invitato a leggere le sue poesie alla chiesa di San Marco, a New York. Tra il pubblico ci sono Allen Ginsberg e Jim Carroll. Sono poesie su politica, sesso e whiskey. Il sapore è vagamente beat ma molti testi sono chiaramente pronti per essere cantati su base rock. E in qualche caso era già stato così, The Murder Mistery era finita nel terzo e omonimo album dei Velvet. Oggi quelle poesie, recuperate da un nastro trovato nell’immenso archivio lasciato da Reed alla Public Library for the Performing Arts al Lincoln Center di New York, sono oggetto di un piccolo ma prezioso libro edito da Anthology, Do Angels Need Haircuts? Ogni testo è introdotto da Reed e il libro offre anche la postfazione della musicista d’avanguardia Laurie Anderson, moglie di Lou. Siamo solo al primo frutto di una pianta rigogliosa. Nell’archivio ci sono infatti tonnellate di carte, contratti, fotografie e cassette dove Lou appuntava verbalmente testi e melodie. C’è un 45 dei Byrds, Eight Miles High, con una scritta: «Forse preferirai John Coltrane». Firmato Jimmy Page, all’epoca chitarrista degli Yardbirds. Ci sono i contratti con i musicisti e con David Bowie, produttore di Transformer. Ci sono immagini provenienti dalla Factory di Andy Warhol. Comunque quella famosa serata finì con Lou così gasato dall’entusiasmo del pubblico da fingere di boxare, declamare qualche poesia per la fidanzata Bettye e qualche altra sull’amore omosessuale. Al termine, Lou afferma di aver mollato per sempre il rock, anche per non far infuriare lo spettro di Delmore Schwartz. Pochi mesi dopo, lo troviamo in partenza per Londra dove lo attende lo studio affittato per incidere il primo omonimo album solista, composto quasi per intero da brani scartati dai Velvet Underground, suonati da turnisti esperti ma estranei all’estetica selvaggia di Reed. Il risultato è un flop.

La contraddizione non deve stupire. È nel carattere di Lou. Anche il controllo è nel carattere di Lou. Se non può controllare qualcosa, la distrugge e riparte da zero. La sua carriera musicale è proprio così, un saliscendi vertiginoso tra grandi successi e altrettanto grandi cadute. David Bowie, che da tempo suonava I’m Waiting for the Man, uno dei classici del repertorio Velvet, decide di prendersi in carico, assieme al chitarrista Mick Ronson, la produzione dell’amatissimo Reed. Il risultato è noto a quasi tutti: Transformer, l’album di Walk on the Wild Side, Vicious, Perfect Day e Satellite of Love. È un successo. Lou Reed prende subito a detestare il disco perché suonava come se fosse di Bowie. Cosa vera solo in parte, visto che Transformer non naviga troppo lontano dalle acque glam di Loaded. A questo punto, mentre la casa discografica si aspetta un “Transformer 2”, Lou recluta il produttore Bob Ezrin per mettere in musica un drammone, ambientato a Berlino, su una coppia che abusa di tutto: sesso, violenza, droga. L’atmosfera è quanto mai decadente, il suono è in continuità con i Velvet, anche se si sente la mano di Ezrin nelle aperture orchestrali e nella teatralità di alcuni brani. Restano nelle orecchie dell’ascoltatore le urla e i pianti dei figli della coppia. Dal punto di vista commerciale è un bagno di sangue. Inoltre la stampa fa a gara per la stroncatura più feroce. Oggi Berlin è considerato uno dei miglior dischi della storia del rock.

La copertina di ‘O Magazine di luglio, da cui è tratto l’articolo di Alessandro Gnocchi

Per la carriera di Reed è una grave battuta d’arresto. A Berlin seguiranno i tour nei quali Reed, eseguendo soprattutto brani dei Velvet, si presenta come il rock’n’roll animal, una belva da palco. Il suono hard rock della band è segnato dai duelli chitarristici tra Dick Wagner e Steve Hunter. Il pubblico gradisce. Il problema è che Lou Reed non gradisce proprio ma fa buon viso a cattivo gioco. Quando è tempo di tornare in studio, Reed non ne può più. È strafatto al punto da dichiarare di non ricordarsi neppure di essere stato presente alle incisioni del nuovo disco. Ironia della sorte, Sally Can’t Dance, album di moderno rhythm and blues, rimarrà il più grande successo di Lou Reed, che ne trasse questa morale: «È fantastico: più faccio schifo, più il disco vende. Se la prossima volta non compaio nemmeno nel disco, probabilmente arrivo al primo posto in classifica». Non comparire nel disco… La battuta si trasforma in profezia. Lou infatti sembra deciso a far deragliare la sua carriera ogni volta che rischia di diventare una star. Insomma, gli piace auto-boicottarsi. Quando Loaded potrebbe aprire le porte al successo dei Velvet, Reed se ne va per tornare a Freeport a fare il dattilografo. Quando Transformer lo impone come esponente di spicco del glam rock, Reed manda tutti a casa quelli che si aspettavano una festa. Ora Sally Can’t Dance è addirittura salito ai vertici della classifica del 1974. Ci vuole una risposta adeguata, un fallimento glorioso, un tonfo spaventoso. Nel 1975, i negozi si vedono recapitare Metal Machine Music. Quattro facciate di feedback chitarristico senza alcuna melodia. Roba da far sanguinare le orecchie. Specialmente alla casa discografica. Il disco è invendibile. E chi lo compra, spesso lo riporta al negozio, protestando. In effetti in copertina c’è Lou Reed versione rock’n’roll animal, immagine quanto mai ingannevole, visto il contenuto del disco. Sul retro, c’è una autogiustificazione firmata dall’autore: «A molti di voi, questo disco non piacerà». Lou Reed descrive con entusiasmo la sua nuova scoperta: il noise delle chitarre cela armonie e sinfonie segrete. Per la stampa, invece, trattasi di un disco pubblicato per “onorare” nel peggiore dei modi il contratto discografico. Eppure Metal Machine Music ha seguito la strada di Berlin. Rivalutato da una generazione di musicisti abituata al gelo dell’elettronica, finirà trascritto dal gruppo d’avanguardia Zeitkratzer ed eseguito con lo stesso Lou Reed nel 2002. Il risultato è stupefacente e lascia intravedere una delle strade che Lou forse avrebbe percorso se fosse ancora tra noi. Il noise come musica d’ambiente capace di risvegliare forze assopite. La musica da ascoltare mentre si praticano le discipline orientali come il Tai Chi, che Lou Reed adorava. A riprova c’è il “Metal Machine Trio” (Lou Reed, Ulrich Krieger e Sarth Calhoun) che, oltre a esibirsi dal vivo, incide The Creation of the Universe, uno splendido disco di ambient “rumorosa” con improvvise esplosioni strumentali. Nel modo in cui il vecchio Lou suona la chitarra si riconosce il giovane Lou che prova a far suonare il suo strumento come il sassofono di Ornette Coleman, pioniere del free jazz.

Alessandro Gnocchi

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Le poesie di Lou Reed

  Pensò all’amore nell’indolente oscurità

Pensavo alle nostre notti insieme A noi due e a come tu non mi abbia ferito E capisco che sei stata davvero brava, Ti ho accusata di avere un sapore scadente (mentre mi amavi) E pensai, in quell’istante Che si erge oltre ogni riflessione, Di annullarti come una zecca o Schiacciarti… Come una coccinella.

*

Noi siamo il popolo senza terra. Noi siamo il popolo privo di tradizione. Noi siamo il popolo che non sa come morire pacificamente e a proprio agio. Noi siamo i pensieri dei dolenti. Il termine dei domani. Siamo le ciocche dei governanti e i burloni dei re. Noi siamo il popolo senza diritti. Noi siamo il popolo che ha conosciuto soltanto menzogne e disperazione. Noi siamo il popolo senza un paese, una voce o uno specchio. Noi siamo lo sguardo di cristallo che ritorna attraverso la densità e l’immensità di una nazione bizzarra. Noi siamo le vittime del manifesto indicibile della mancanza di profondità del pieno, pesante vuoto. Noi siamo il popolo senza dolore che si è spostato oltre l’orgoglio nazionale e l’indifferenza verso una parodia dell’istinto. Noi siamo il popolo disperato al di là delle emozioni che sfidano il pensiero. Noi siamo il popolo che concepisce la propria distruzione e la porta a termine legittimamente. Noi siamo gli insetti del pensiero di qualcun altro. L’incidente del giorno, della notte, dello spazio e di dio senza razza, nazionalità o religione. Noi siamo il popolo. Il popolo. Il popolo.

*

Tutto questo è perché ho sempre desiderato qualcuno che creasse un rossetto nero, così un giorno incontrai un mio amico che lo metteva e gli ho detto, “Dove l’hai preso?” e lui mi ha risposto, “Ehi, amico, tutti lo mettono”. Io gli dissi, “Pensavo di aver fatto qualcosa di nuovo”. Mi dissero, “No, amico”.

Rossetto

(Se il rossetto fosse nero tu lo metteresti Se l’amore fosse dritto tu lo torceresti Se la vita fosse bagnata tu la incendieresti. Se la morte fosse assolta tu l’adempiresti Se tu fossi la morte ti sussurrerei Se tu fossi la vita ti afferrerei Se tu fossi qui ti bacerei Ma visto che non ci sei mi mancherai)

trad. it. di Matilde Casagrande

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L’articolo di Alessandro Gnocchi, “Il canto malinconico di Lou Reed”, è pubblicato per gentile concessione del mensile ’O Magazine.

L'articolo Quando Lou Reed, l’uomo che voleva distruggere se stesso, decise di abbandonare il palco e di fare il poeta proviene da Pangea.

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[acapulcopress]

Muere el jazzista Ellis Marsalis Jr por coronavirus

] NUEVA ORLEÁNS. * 2 de abril de 2020. | AP. Ellis Marsalis Jr., el pianista de jazz, maestro y patriarca de una célebre familia musical de Nueva Orleáns, falleció el miércoles por la noche de una neumonía ocasionada por el coronavirus, dejando seis hijos y un profundo legado. Tenía 85 años. “Mi papá fue un músico y un maestro gigante, pero un padre aún mejor. Dio todo de sí mismo para que nosotros desarrolláramos todo nuestro potencial”, dijo su hijo Branford. Cuatro de los seis hijos del patriarca son músicos: Wynton, trompetista, es un ícono del jazz norteamericano y es director de jazz del Lincoln Center de Nueva York. Branford, saxofonista, lideró la banda musical de “The Tonight Show” y salió de gira con Sting. Delfeayo, trombonista, es un prominente productor musical y artista. Y Jason, percusionista, tiene su propia banda y acompaña a otros también. Ellis III, quien decidió que la música no era lo suyo, es fotógrafo y poeta en Baltimore. ADVERTISEMENT “La neumonía fue la causa directa de defunción, pero fue ocasionada por el COVID-19”, confirmó a la AP Ellis Marsalis III en una entrevista telefónica. Contó que el domingo condujo desde Baltimore para acompañar a su padre, quien estaba hospitalizado en Luisiana, un estado que ha sido gravemente afectado por la pandemia. Otros familiares también pasaron tiempo con él. “Se fue de la misma manera en que vivió: aceptando la realidad”, tuiteó Wynton en un mensaje con fotos de su padre. Branford incluyó en su misiva un texto que dijo que recibió del profesor de derecho Harvard David Wilkins: “Todos podemos maravillarnos de la absoluta audacia de un hombre que creyó que podía enseñarles a sus hijos negros a ser excelentes en un mundo que rechazaba esa posibilidad, y entonces verlos llegar a redefinir lo que significa la excelencia para siempre”. En un comunicado, la alcaldesa LaToya Cantrell afirmó: “Ellis Marsalis era una leyenda. Era el prototipo de lo que queremos decir cuando hablamos del jazz de Nueva Orleáns. Era un maestro, un padre y un ícono _ y no hay palabras para describir el arte, la alegría y la maravilla que le mostró al mundo”. Debido a que Marsalis optó por quedarse en Nueva Orleáns la mayor parte de su carrera, su reputación fue limitada hasta que sus hijos alcanzaron la fama y lo sacaron a la luz, generándole nuevos contratos discográficos, conciertos, presentaciones televisivas y giras. ″Él era como el entrenador del jazz. Se ponía la sudadera, soplaba el silbato y ponía al equipo a trabajar”, expresó Nick Spitzer, presentador del programa de radio American Routes y profesor de antropología de la Universidad de Tulane. Los Marsalis rara vez tocaron juntos cuando los chicos eran más jóvenes, pero salieron de gira en 2003 en un evento derivado de una celebración familiar que se convirtió en un especial de PBS cuando el viejo Marsalis se retiró como profesor de la Universidad de Nueva Orleáns. Harry Connick Jr., uno de sus estudiantes en el Centro para las Artes Creativas de Nueva Orleáns, participó como invitado. Es uno de los muchos jazzistas hoy famosos que pasaron por la escuela Marsalis. Otros son los trompetistas Nicholas Payton y Terence Blanchard, los saxofonistas Donald Harrison y Victor Goines, y el bajista Reginald Veal. Marsalis nació en Nueva Orleáns, hijo de un operador de un hotel donde conoció a músicos negros de gira que no podían quedarse en los hoteles del centro donde actuaban debido a la segregación racial. Tocó el saxofón en la escuela secundaria; también tocaba el piano para cuando se fue a estudiar en Dillard University. Aunque Nueva Orleáns estaba inmersa en el jazz tradicional, y el rock ‘n’ roll era un sonido nuevo en los 50, Marsalis prefería el bebop y el jazz moderno. Spitzer lo describió como un “modernista en una ciudad de tradicionalistas”. “Su gran amor era el jazz a la bebop — era un amante de Thelonious Monk y de la idea de que el bebop era una música de libertad. Pero cuando tuvo que alimentar a su familia, tocó R&B y soul y rock ‘n’ roll en Bourbon Street”, dijo Spitzer. El cuarteto universitario del músico incluyó al baterista Ed Blackwell, el clarinetista Alvin Batiste y el saxofonista Harold Battiste, tocando ritmos modernos. Ornette Coleman se encontraba en la ciudad en aquella época. En 1956, cuando Coleman se fue California, Marsalis y otros lo siguieron, pero tras unos pocos meses Marsalis volvió a casa. El año pasado le dijo al New Orleans Times-Picayune, cuando él y Coleman ya estaban viejos, que nunca entendió qué podría hacer un pianista detrás del jazz libre de Coleman. De vuelta en Nueva Orleáns, Marsalis se incorporó a la Infantería de Marina y fue asignado a acompañar solistas en los programas de TV de servicio semanales de la CBS en Nueva York. Allí, dijo, aprendió a manejar todo tipo de estilos musicales. Al regresar a casa, trabajó en el Playboy Club y se aventuró a abrir su propio club nocturno, pero fracasó. En 1967 el trompetista Al Hirt lo contrató. Cuando no estaba en Bourbon Street, la banda de Hirt tocaba en TV nacional, en programas como “The Tonight Show” y “The Ed Sullivan Show”. Marsalis incursionó en la docencia por la misma época, enseñando improvisación en la Xavier University en Nueva Orleáns. A mediados de los 70, se unió al profesorado de la escuela secundaria imán de Nueva Orleáns e influyó a una nueva generación de jazzistas. En 1986 se mudó a la Virginia Commonwealth University en Richmond. En 1989, la Universidad de Nueva Orleáns lo volvió a contratar para crear un programa de estudios de jazz. Marsalis se retiró de la UNO en 2001 pero continuó actuando, particularmente en Snug Harbor, un pequeño club arraigado en la escena del jazz contemporáneo de la ciudad que apoyaba con frecuencia a jóvenes músicos prometedores. Su estilo melódico, repleto de improvisaciones, ha sido descrito distintamente como romántico, contemporáneo, o simplemente “jazz de Louisiana”. Siempre tocó piano acústico, no eléctrico, y aun interpretando viejos clásicos podía oírse un claro vínculo al bebop de sus primeros años. Fundó una compañía discográfica, ELM, pero sus grabaciones fueron limitadas hasta que sus hijos se hicieron famosos. Después de eso los acompañó a ellos y a otros en sellos establecidos y lanzó sus propios discos. A menudo tocó en el Festival de Jazz y Herencia de Nueva Orleáns. Y por más de tres décadas tocó dos sets de 75 minutos todos los viernes por la noche en Snug Harbor, hasta que decidió que era agotador. Sin embago, siguió presentándose ocasionalmente en el club como invitado especial. El miércoles por la noche, Ellis III recordó cómo su padre le enseñó el significado de la integridad antes de que siquiera conociera esa palabra. Él y Delfeayo, que aún no tenían ni 10 años, habían ido a ver a su padre tocar en un club. Sólo un hombre — dormido y borracho — quedaba en el público para el segundo set. Los niños preguntaron por qué no se podían ir. “Nos miró y nos dijo, ‘No puedo irme. Tengo un concierto’. Mientras tocaba, dijo, ‘Un concierto es un trato. Me han pagado para tocar este set. Voy a tocar este set. No importa que no haya nadie aquí’”. La esposa de Marsalis, Dolores, falleció en 2017. Le sobreviven sus hijos Branford, Wynton, Ellis III, Delfeayo, Mboya y Jason. Read the full article

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MACERATA –  Sabato 1 febbraio, alle 21, al Teatro Lauro Rossi di Macerata concerto evento della star italiana del pianoforte, Beatrice Rana, per la stagione di Appassionata grazie alla collaborazione della Società Civile dello Sferisterio-Eredi dei Cento Consorti.

Dotata di un talento travolgente, rigore tecnico e appassionato virtuosismo restituiti al pubblico grazie ad una spiccata capacità comunicativa oltre che interpretativa, Beatrice Rana ha conquistato la ribalta mondiale a soli diciotto anni vincendo il primo premio e tutti i premi speciali al Concorso internazionale di Montréal.

Da allora, era il 2011, e ancora più due anni dopo con il secondo premio e il premio del pubblico al prestigioso concorso Van Cliburn, è stata una felice e inarrestabile fila di successi che ha scosso il mondo della musica classica internazionale e suscitato ammirazione e interesse da parte di sedi concertistiche, direttori d’orchestra, critici e pubblico in molti paesi.

A Macerata la pianista ventisettenne salentina propone un suggestivo viaggio fra le pagine più significative della letteratura pianistica: comincia con il Concerto nach Italienischen Gusto (Concerto alla maniera italiana) BWV 971 di Johann Sebastian Bach, compositore molto amato dalla Rana per l’umanità e la ricchezza di emozioni che riesce a trasmettere con la sua musica.

Il programma del concerto di sabato prevede poi la Sonata n.3 op. 14 di Robert Schumann: nota anche come Concerto senza orchestra, è considerata un autentico capolavoro del Romanticismo musicale, pervaso com’è da una tensione febbrile e percorso da una successione di idee musicali che rivelano l’aspetto più immaginifico del compositore tedesco.

La seconda parte del concerto si apre con il terzo quaderno di Iberia di Isaac Albéniz, opera simbolo del repertorio pianistico di primo Novecento intriso dei profumi della Andalusia, terra natale del compositore, e, come quella, evocativo di misteri e soffuso di nostalgia.

La serata si conclude nel segno di Igor’ Stravinskij, genio assoluto e profondo innovatore del quale Beatrice Rana suonerà Petruška. Riduzione pianistica del celebre balletto, quest’opera del 1921 rifugge dalle morbidezze romantiche e tardo-romantiche per mostrare una natura inedita: percussiva, tagliente, ritmicamente incisiva, ricca di timbri inauditi per l’epoca, che colpiscono ancora oggi l’ascoltatore.

Un programma denso e impervio per la giovane, già affermatissima interprete che si esibisce nelle sale da concerto e nei festival più rinomati al mondo, tra cui la Konzerthaus e il Musikverein di Vienna, la Philharmonie di Berlino, il Concertgebouw di Amsterdam, il Lincoln Center e la Carnegie Hall di New York, la Tonhalle di Zurigo, la Wigmore Hall di Londra, il Théâtre des Champs-Elysées di Parigi, per citarne alcuni. Collabora con direttori del calibro di Yannick Nézet-Séguin, Antonio Pappano, Fabio Luisi, Riccardo Chailly, Yuri Temirkanov, Gianandrea Noseda, fra gli altri, e registra in esclusiva per Warner Classics.

Nel 2015, il suo primo album con il Concerto per pianoforte n. 2 di Prokofiev e il Concerto per pianoforte n. 1 di Tchaikovsky, registrato insieme ad Antonio Pappano e all’Accademia Nazionale Santa Cecilia di Roma, ha ricevuto riconoscimenti internazionali tra cui il prestigioso Editor’s Choice del Gramophone Magazine e il Premio Newcomer of the Year del BBC Music Magazine.

L’anno 2017 rimarrà una pietra miliare nella sua carriera grazie alla pubblicazione delle Variazioni Goldberg di Bach, registrazione elogiata in tutto il mondo ed è stata incoronata da due importanti riconoscimenti, “Young Artist of the Year” ai Gramophone Awards e “Discovery of the year” agli Edison Awards. Premio Abbiati come miglior solista nel 2016 e Cavaliere della Repubblica nel 2017, nel 2018 Beatrice Rana è stata scelta come ‘artista femminile dell’anno’ ai Classic BRIT Awards della Royal Albert Hall di Londra per la sua registrazione Bach.

La stagione 2019-2020 dei Concerti di Appassionata è organizzata dall’assessorato alla Cultura del Comune di Macerata insieme all’Associazione Musicale Appassionata, con il sostegno di MiBACT, Regione Marche, Società Civile dello Sferisterio-Eredi dei Cento Consorti, APM, Fondazione Cassa di Risparmio di Macerata, Università degli studi di Macerata, Istituto Confucio, ANMIG.

In collaborazione con Marche Concerti, Consorzio Marche Spettacolo e Accademia di Belle Arti di Macerata. Valli Pianoforti è partner tecnico.

Biglietti a 5, 15 e 20 euro presso la Biglietteria dei Teatri (mart.-sab. 10-12, 16.30-19.30, T 0733-230735) e online su Vivaticket (con diritti di prevendita). Per informazioni www.comune.macerata.it, www.appassionataonline.it, T 0733-230777.

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Flores Chaviano Jiménez: apología de un gran talento condenado

Flores Chaviano en Caibarién (Foto del autor)

VILLA CLARA, Cuba. – Profesor titular, virtuoso guitarrista, director coral, fundador de concursos y ganador de innúmeros reconocimientos internacionales, Flores Chaviano Jiménez (Caibarién, 1946) continúa relegado al ninguneo más obtuso.

En 1959, comenzó a adiestrarse en la guitarra –mientras cantaba en el coro de la Parroquia local–, instrumento predilecto que tutelaba otro grande precursor: Pedro Julio del Valle (Siendo ambos hondamente católicos, antepusieron su credo a la fatalidad de asistir al desconcierto nacional).

Su temprano arraigo a vertientes populares de la música popular –tocando en el Combo de Ofelita F. Calancha–, le demostró la utilidad formativa del folclor en la integralidad y ya a partir de 1965, residiendo en La Habana, fue alumno de Isacc Nicola, Sergio Fernández Barroso y Jorge Ardévol. También asistió a clases magistrales de Leo Brower y del venezolano Alirio Díaz.

En 1974 conquistó el Premio UNEAC de guitarra “por la excelsa ejecución”, superando a consagrados. Fue profesor de la Escuela Nacional de Arte (ENA), del Instituto Superior de Arte (ISA) y del Conservatorio “Esteban Salas” (1970-79).

Luego, fue enviado a cumplir el servicio social en Santiago de Cuba. Flores Chaviano aprovechó “aquel malsano castigo” para –graduado también en dirección coral– retomar el Coro Madrigalista que se volvió a desmembrar en cuanto partió. Entre labores, fungió como solista con las Orquestas Sinfónicas de Matanzas, La Habana y Santiago de Cuba.

En 1979 acompañó en vivo el ballet “Encuentro” (1978) con Alicia Alonso y el Ballet Nacional de Cuba en el Metropolitan Opera House de Nueva York. De aquellos inflamados EEUU no regresarían algunos, pero él sí. Chaviano estuvo siempre convencido del valor de la independencia para crecerse.

La desesperación política que sumió al país en los años ochenta y la experiencia en carne propia de las repudiables turbas fascistoides demostraron la imposibilidad de desarrollar carrera plena dentro del engendro “comunista”, razón por la que pasó al exilio en Madrid en 1981 junto a su esposa de ascendencia hispana. Allí, recomenzó la docencia en Institutos y Conservatorios, concluyendo su formación con el máster Demetrio Ballesteros, y revalidando el título.

Impartió cursos de guitarra clásica en 1983 y de música contemporánea en Salamanca y Granada  entre 1984–87. En algunos, incluso, como el de Segovia (1989–91), fue rector, fundando el Concurso homónimo de carácter anual auspiciado por la SGAE y que aún existe  en memoria de Andrés Segovia.

Flores Chaviano en un concierto navideño en la Parroquia Caibarién (Foto del autor)

En 1987 murió su padre y años después su madre. A ninguno de los dos los pudo volver a ver vivos. Se lo prohibieron las “humanitarias autoridades”, castigadoras de “traidores y descarriados”. Ni certificados médicos ni intercesión de la Cruz Roja valieron de algo.

Cuando por fin pudo retornar al terruño, ninguna potestad “enterada de sus logros” le invitó absolutamente a nada. Les parecía bastante dejarlo entrar al feudo. Secamente lo incluyeron en la ECURED porque habría sido demasiado escandaloso silenciarlo, como sí hicieron con otros grandes cubanos de la negra lista.

“Me sentía frenado y controlado en todos los sentidos antes de exiliarme” expresa hoy sin merodeos, “lo que he logrado es fruto neto de mi trabajo, y gracias a ese país que me acogió”.

En los dosmiles, reabiertos ya ciertos espacios, un grupo de amigos/músicos/admiradores organizó una presentación para que el “Nova Ensemble” –del cual esposa e hija forman parte–, se presentara junto a conjuntos del patio en un espacio público capitalino. A última hora cancelaron el evento sin explicaciones. La frustración cobró vapores y hubo tibias protestas.

Desde entonces Chaviano no acepta propuesta alguna de funcionarios. Me satisface pulsar una vez por año la guitarra en la Parroquia, que es mi refugio, como hice este 24 por navidad”.

El 10 de Octubre pasado le entregaron la Medalla “Ignacio Cervantes” del Centro de Arte Cubano, en el Lincoln Center de NY, la misma condecoración que antes dieran a Paquito de Rivera y Arturo Sandoval. En 2017 ganó la beca Oscar B. Cintas Fellowship for Music, de la fundación floridana.

Su currículum parece interminable; educó generaciones en los conservatorios Real de Madrid (1988), Ponferrada (1989–91). Impartió cursos en Universidades de Puerto Rico y Miami y alternó en similares  de Pekín, México, Berlín y Rostock en calidad de consultor–visitante.

Los escenarios de Estocolmo, Praga o Viena se llenaron con arpegios cubanos, pues la larga estela de su cosecha está sembrada de tributos criollos.

Ofreció recitales en la Academia de Música de Gdansk, Polonia, la Sociedad Chopin de Varsovia y el Kennedy Center de Washington, entre muchos escenarios de renombre.

En 1989 fundó el Ensemble de Segovia, al cual proseguirían la Capilla Musical “Esteban Salas” de Madrid (con la cual dio a conocer en Europa la obra inédita del barroco cubano), el Cuarteto “Fin de Siglo” y la Trova Lírica Cubana. Ha compuesto música por encargo del CDMC, el Conservatorio del Nalón, la Fundación Príncipe de Asturias y Radio Nacional de España. Su catálogo engloba casi un centenar de obras para combinaciones de cuerdas, corales y sinfonías.

Preguntado sobre las expresiones actuales que “vulgarizan el arte insular hasta hacerlo cuestión de estado”, prefirió abundar en esa insostenibilidad diciendo que “en el caso de la música, es de quien desee consumirla”.

Tras varios años como profesor en el Conservatorio Federico Moreno Torroba de Madrid, se retiró, y hoy vive de ordenar/distribuir/ejecutar su obra por doquier, excepto en su amada patria donde continúa prohibida. Disfrutan de tal privilegio los escasos familiares y sus amigos feligreses, una vez por año.

“Me duele constatar que si en algo se ha crecido aquí es en cantidad de ruinas”, dice.

La otrora próspera parcela que dios regaló a su generación hacendosa –avasallada hasta hoy por una casta de genízaros incultos que nada terrenal pueden ofrecer a semejante estrella mundial–, es motivo de congoja para quien se autoproclamó “soberano” hace ya mucho, porque –justo a tiempo– se libró de ellos.

Flores Chaviano Jiménez: apología de un gran talento condenado

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DAVID GREILSAMMER

SOUNDS OF TRANSFORMATION

David Greilsammer vuelve a unir la música clásica y el jazz en su nuevo álbum Sounds of Transformation. Hoy a la venta.

Consíguelo en iTunes

El pianista y director de orquesta francés David Greilsammer lanza un nuevo disco, Sounds of Transformation, en el que piezas clásicas y barrocas se funden con el jazz. En esta ocasión cuenta con la colaboración de la Camerata Geneva, el pianista de jazz Yaron Herman y el batería Ziv Ravitz.

Greilsammer ya ha sido elogiado por sus lanzamientos recientes para Sony Classical, destacando por su selección de repertorio interesante y versátil. Para este nuevo álbum fue un paso más allá. Presenta obras clásicas y barrocas de Lully, Purcell, Rameau o Marais, así como un trabajo de Ives (The Unanswered Question) en su versión original y, además, con sus propios arreglos de swing a cargo de  Massimo Pinca y Jonathan Keren con títulos como Lully's Diabolic Swing, Purcell in Transformation o Rameau and the Flying Big Band. Estas piezas recolectan hábilmente los elementos de la música clásica y los combinan con los del jazz.

Greilsammer es reconocido como uno de los artistas clásicos más audaces de la actualidad. The New York Times recientemente seleccionó su recital “Scarlatti & Cage Sonatas” como uno de los diez eventos musicales más importantes del año. Previamente, el mismo diario situó a dos de los álbumes de David Greilsammer, Baroque Conversations y Mozart-In-Between, entre las mejores grabaciones del año.

Desde 2013 Greilsammer es Director de Música y Arte de la Camerata Geneva (GECA). Con esta innovadora orquesta, da más de cuarenta conciertos por temporada, incluyendo giras internacionales que lo han llevado a París, Berlín, Londres, Pekín, Shanghai, Gstaad, Lausana, México, Morelia, Eilat y Estambul. David Greilsammer y GECA trabajan regularmente con coreógrafos, actores, artistas visuales, videoartistas, así como músicos de jazz, mundiales, electrónicos y rock.

Ha lanzado cuatro discos aclamados por la crítica en el sello Naïve, y en 2011 firmó un contrato exclusivo con Sony Classical, con el que ha grabado tres álbumes galardonados como pianista y director de orquesta.

Recientemente, ha actuado con la Sinfónica de San Francisco, la Orquesta de Mozarteum de Salzburgo, la Sinfonía Metropolitana de Tokio, la Filarmónica de Radio de Francia, la Filarmónica de Taipei, la Sinfónica de Hamburguesas, la Filarmónica de Turín, la Sinfónica de Israel y la Sinfonía de Bournemouth. También ha actuado en los festivales Ravinia, Mostly Mozart y Verbier, así como en el Tokyo Suntory Hall, la Salle Pleyel en París, el Lincoln Center en Nueva York y el Kennedy Center en Washington.

Audaz, innovadora y aventurera, la Camerata Geneva está compuesta por los solistas más brillantes y creativos de la generación joven. Elogiado por la prensa como uno de los conjuntos más cautivadores del mundo, GECA interpreta música de todos los períodos y estilos, desde barroco y clásico hasta contemporáneo, electrónico, jazz, rock y world music. Presentando más de treinta y cinco conciertos por temporada, la Camerata de Ginebra también crea un proyecto multidisciplinario ecléctico, que reúne música, danza, teatro, vídeo, circo y artes visuales.

GECA colabora con los solistas más prestigiosos de la actualidad, como Emmanuel Pahud, Andreas Scholl, Viktoria Mullova, Steven Isserlis, Daniel Hope, Christian Tetzlaff, Nemanja Radulovic, Anne Sofie von Otter, Véronique Gens, Sandrine Piau y Avi. La orquesta también ha actuado con muchos artistas célebres del jazz, como Richard Galliano, Didier Lockwood, Tigran Hamasyan, Stefano Bollani y Jacky Terrasson.

1. Lully - Bourrée from Le Mariage Forcé 2. Lully’s Diabolic Swing* 3. Purcell - Prelude from The Fairy Queen 4. Purcell in Transformation* 5. Ives - The Unanswered Question 6. Rameau - Contredanse en Rondeau from Les Boréades 7. Rameau and the Flying Big Band** 8. Marais’s Night Ballad** 9-11. Ravel - Piano Concerto in G – Allegramente  / Adagio assai  / Presto 12. Marais - Le Badinage 13. Rameau’s Secret Cavern 14. Rameau - L’Orage from Platée 15. Ives Asks the Moon** 16. Purcell Danced with the Planets* 17. Purcell - Hornpipe from the Fairy Queen 18. Lully’s Last Dream** 19. Lully - Marche pour la Cérémonie des Turcs from Le Bourgeois Gentilhomme

*Pieza compuesta/con arreglos de Massimo Pinca ** Pieza compuesta/con arreglos de Jonathan Keren

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CONCIERTO DE LA OFECH EN HOMENAJE A MOZART

** Entrada gratuita, viernes 19 de enero a las 20:00 horas en el Teatro de los Héroes

** Primer concierto de la Temporada de Invierno

Este viernes 19 de enero, la Orquesta Filarmónica del Estado de Chihuahua (OFECH) presenta el primer concierto de la Temporada de Invierno “Gala de Mozart”, que se llevará a cabo de manera gratuita en el Teatro de los Héroes en punto de las 20:00 horas.

Bajo la dirección del maestro Armando Pesqueira, “Gala de Mozart” hace un homenaje al compositor Wolfang Amadeus Mozart, para recordar piezas como “El concierto para clarinete y orquesta”, en donde se contará con la participación del solista Emiliano López, clarinetista Principal de la Orquesta de Baja California.

Emiliano López Guadarrama es originario de Córdoba, Veracruz y residente en Tijuana, Baja California, desde el año 2000. Ha tocado en las principales salas de conciertos y festivales de México como miembro de la Orquesta de Baja California, entre las que destacan el Palacio de Bellas Artes, el Centro Cultural Tijuana, el Festival Hispanoamericano de Guitarra, el Festival Cervantino, el Auditorio Blas Galindo, el Gran Teatro Nacional de Lima y el Lincoln Center de Nueva York.

Para mayor información llamar al teléfono (614) 2144800, extensiones 258, 138 y 240.

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di Antonio De Signoribus

ALTIDONA – È bene non perdersi, presso l’Accademia Malibran di Altidona (Sala Colonna, sabato 28 settembre, ore 21.15), “A vol come frecce gli augel” con il soprano Patrizia Biccirè e con Ayako Kotani al pianoforte. Un concerto unico, straordinario perché è una musica che fa sognare e crea delle indispensabili emozioni in questo ruvido e triste momento della storia del pianeta. La musica, poi, per dirla con Beethoven “È una rivelazione, più alta di qualsiasi saggezza e di qualsiasi filosofia”.

“Grandi nomi della musica classica, del jazz e della canzone d’autore fanno parte della Rassegna Concerti Oro 2019. La mia attenzione, però-ci dice la passionale direttrice Rossella Marcantoni, che ha creato a Altidona un’isola felice- è rivolta anche alle eccellenze, ai musicisti e cantanti della “Terra di Marca” che vantano una carriera internazionale.

Quest’anno in cartellone sono presenti il brillante soprano sangiorgese Patrizia Biccirè, che si esibirà domani e lo straordinario bandoneonista Daniele Di Bonaventura di Fermo, presente nei festival jazz più importanti del mondo e che a dicembre presenterà, in Accademia,  il suo cd per piano solo “Romanze senza parole”. Con Patrizia  e Daniele siamo amici fin dai tempi del Conservatorio Rossini di Pesaro, allora sezione staccata di Fermo”.

Ingresso 10 euro. Al termine del concerto seguirà un brindisi con i pregiati vini della Tenuta Cocci Grifoni di Ripatransone. Questo il programma

Prima parte

Ernest Chausson (1855 – 1899)

Sept Mélodies Op. 2: n.7 “Le Colibri”

Joseph Canteloube (1879 – 1957)

Chants d’Auvergne vol. IV “Lou coucut”

Nicolaj Andreevič Rimskij-Korsakov (1844 – 1908)

Op.2: n.2 “Aimant la rose le rossignol”

Enrique Granados (1867 –  1916)

Goyescas “La Maja y el ruisenor”

Gustav Mahler (1860 – 1911)

Des Knaben Wunderhorn

“Lob des hohen Verstandes”

Richard Strauss (1864 – 1949)

Vier letzte Lieder “Im Abendrot”

Seconda parte

Reynaldo Hahn (1874 – 1947)

“Si mes vers avaient des ailes”

“Le rossignol des Lilas”

J. Offenbach (1819 – 1880)

Les contes d’Hoffmann

Aria di Antonia: “Elle a fui la tourterelle”

Alfredo Casella (1883 – 1947)

Tre Canzoni trecentesche Op.36, n.2

“Fuor de la bella gaiba”

Domenico Alaleona (1881 – 1928)

Canti di Maggio n.4 “Il lusignolo”

Ottorino Respighi (1879 – 1936)

4 Rispetti toscani, P.103: n.4 “Razzolan, sopra a l’aja, le galline”

Giacomo Puccini (1858 – 1924)

La Rondine

Aria di Magda: “Chi il bel sogno di Doretta”

Ruggero Leoncavallo (1857 – 1919

Pagliacci

Ballatella di Nedda: “Qual fiamma avea nel guardo”.

Patrizia Biccirè soprano. Dopo aver conseguito il diploma di canto presso il Conservatorio Rossini di Pesaro, continua i suoi studi a Milano sotto la guida del soprano Rina Malatrasi e del M° Dante Mazzola. Frequenta vari corsi di perfezionamento con Leyla Gencer, Renata Scotto, Graziella Sciutti, William Matteuzzi.

Vincitrice del premio alla Miglior voce solista nel concorso “Cascina lirica” e Finalista nel Concorso Tito Schipa di Lecce e nel Concorso Viotti di Vercelli viene scelta dal Maestro Alberto Zedda come protagonista dell’opera “La scala di seta” con la quale fa il suo debutto ufficiale nel 1992 al Rossini Opera Festival di Pesaro.

Da allora Patrizia Biccirè ha intrapreso una carriera internazionale che l’ha vista esibirsi in molte delle principali scene d’opera mondiali fra le quali Teatro alla Scala di Milano, Teatro Comunale di Bologna, Teatro Massimo di Palermo, Gran Teatro La Fenice di Venezia, Teatro Regio di Torino, Royal Opera House Covent Garden (Londra), Barbican Center (Londra), Queen Elizabeth Hall (Londra), Théatre du Chatelet (Parigi), Théatre des Champs Elysées (Parigi), Glyndebourne Festival Opera (Inghilterra), Auditorium Rainier III (Montecarlo), Grand Théatre (Ginevra), Teatro Real (Madrid), Teatro Sao Carlo (Lisbona), Lincoln Center of Performing Arts (New York), ed altri.

Ha all’attivo varie incisioni discografiche e video fra cui “La rondine” di Puccini per l’etichetta EMI diretta dal M°Antonio Pappano; ” La pietra del paragone” di Rossini (CD e DVD) diretta dal M° Alberto Zedda, regia di Pier Luigi Pizzi ; “Notturno, music for the night” per Opera Rara, pianista M° Antoin Palloc; “L’incoronazione di Poppea” (ruolo Poppea) di Monteverdi per Brilliant Classics diretta dal M° Sergio Vartolo; “La serva padrona” (CD e DVD) diretta dal M° Sigiswald Kuijken, regia di Ferruccio Soleri; “Lo frate ‘nnamorato” (DVD) di Pergolesi diretta dal M° Fabio Biondi, regia di Willy Landin. Nel 2011 ha inciso l’opera “Aprima’t en 3 dies!” del compositore catalano Alberto Garcia Demestres, interpretando il ruolo della protagonista scritto espressamente per lei, con l’ensemble Conjunt XXI! diretta dal M° Miquel Ortega. Collabora regolarmente con il M° Ayako Kotani, membro della Japan Federation Musicians (Nihon ensou renmei) di Tokyo.

Ayako Kotani pianista

Laureata in magistero musicale presso l’università statale “OCIANOMIZU”di Tokyo ed ha conseguito il dottorato presso la stessa università. Ha svolto una intensa attività concertistica in Giappone sia per la radio e la televisione nazionale (NHK), sia nei vari teatri e sale da concerto. Ha suonato in numerose tournee in tutto il mondo.

Ha collaborato con i seguenti direttori d’orchestra: B. Campanella, M. Benini, A. Guingal, R. Palumbo, M. Viotti, D. Oren, D. Callegari, G. Carella, P. Olmi, A. Zedda e con i registi di fama internazionale quali: P. L. Pizzi, A. Fassini, P. Faggioni, F. Zeffirelli, H. Brockhaus, ha collaborato con i più grandi cantanti: M. Devia, A. Rost, D. Teodossiou, L. Vaduva, F. Cedolins, G. Casolla, N. Fantini, P. Marrocu, A. Nizza, L. D’Intino, M. Senn, E. Fiorillo, A. Baltsa, C. Colombara, I. D’Arcangelo, J. Pons, F. Furlanetto, R. Raimondi, R. Bruson, C. Guelfi, A. Gasale, G. Surian, R. Scandiuzzi, G. Sabattini, M. Martinucci, G. Kunde, A. CFupido, V. La Scola, R. Blake, A. Siragusa, G. Filianoti…

Inoltre da molto tempo è l’accompagnatrice ufficiale del recitals del tenore William Matteuzzi con il quale ha collaborato anche in numerosi mastre class in Italia, Giappone e Germania. Collabora con i più importanti teatri del mondo.

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ANCONA – Dopo il grande successo della ruota panoramica e della Festa di luci di sabato scorso – più di 20 mila le presenze registrate nel cuore della città – entrano nel pieno le manifestazioni del BiANCONAtale. In programma un fine settimana all’insegna della musica per il capoluogo vestito a festa.

Venerdì 1 Dicembre sotto l’albero in Piazza Roma primo appuntamento con i concerti del Christmas Jazz, realizzati con la collaborazione e l’ultraquarantennale esperienza di Ancona Jazz. Si esibisce Romina Capitani Quintet con “Swinging Xmas”. Romina Capitani ha vinto il premio come Miglior Solista Jazz al Festival Jazz dei Due Laghi  nel 2010 e ha cantato in alcuni tra i maggiori festival jazz italiani e internazionali: Lincoln Center – Avery Fisher Hall (New York City), Reduta Jazz Club (Praga), Auditorium Parco della Musica, Gezz Night (Roma), Dolomiti Ski Jazz Festival, Mediterraneo Jazz (Isola d’Elba), Memorial Day Teatro Duse (Bologna).

Ogni venerdì la musica prosegue dalle ore 20 in Piazza del Plebiscito. Questa settimana, concerto del duo Soul/Blues/Jazz Blue Snake Moan, composto da Cecilia Rossini (voce) e Umberto Ferretti (chitarra), in collaborazione con l’Accademia Musicale di Ancona.

Ancora venerdì 1 Dicembre, alle 21 (in occasione della Giornata mondiale lotta all’AIDS)  il Teatro Sperimentale ospita lo spettacolo musicale  “Voci Positive” concerto Gospel con le Corali Spazio Musica e Orlandini, a cura dell’Associazione “Il Focolare”, con lo scopo di raccogliere fondi per la casa alloggio Il Focolare.

Sabato 2 Dicembre, ore 18, sempre sotto l’albero di Piazza Roma, è il turno della Fisorchestra Marchigiana con il suo spettacolo giocoso e trascinante.  Alle 21.15 al Duomo di San Ciriaco, invece, concerto di S. Cecilia, con Coro e Orchestra della Corale “O. Burattini”.

Sono proprio le corali le protagoniste della domenica anconetana. Sotto l’Albero di Piazza Roma in programma dalle 16.30 le esibizioni della corale Mascagni, del coro di voci Bianche Orlandini e della Corale Ferretti.

Non mancano gli eventi dedicati ai bambini, i protagonisti del BiANCONAtale.

Nella casetta di Babbo Natale, Venerdì 1 Dicembre ore 16 Lettura animata natalizia a cura della Libreria Merlino e sabato, stessa ora, La ludoteca da Piazza: i bambini potranno dilettarsi con attrezzi circensi e di equilibrio sotto la guida degli operatori di circo ludico educativo. Al Museo Omero prosegue fino al 14 gennaio “La tavola celeste”, installazione interattiva che reinterpreta quattrocento anni di studi del cielo, del tempo e della navigazione attraverso un tavolo artisticamente apparecchiato con oggetti da cucina di ogni specie.

Da venerdì a domenica a Piazza Pertini torna la Fantafiera, a cura di Giocabene in collaborazione con Confartigianato imprese Ancona. Grande successo per l’appuntamento all’insegna del gioco dedicato a famiglie, ragazzi e bambini da 0 a 100 anni. Immancabili le esposizioni dei lego, i giochi da tavolo e di carte, le dimostrazioni di magia e i laboratori di robotica e realtà virtuale. Ingresso gratuito.

I mercatini natalizi proseguono a Piazza Cavour, ma aprono anche negli altri quartieri. Sabato e domenica appuntamento a Varano con Aspettando Natale: artigianato, cantastorie, musica e Babbo Natale con i suoi amici volanti. Cena e pranzo con le cuoche di Varano.

Viabilità e parcheggi.

Domenica aperti gratuitamente i Parcheggi Traiano, Cialdini e Umberto I. A disposizione per gli utenti dei parcheggi comunali due trenini. Il primo collega tutti giorni i parcheggi a Piazza Cavour, corso Stamira e Piazza Roma, con partenza dal parcheggio degli Archi ogni 35 minuti dalle 16 alle 20.

Solo sabato e domenica un secondo trenino congiunge piazza Cavour con il Viale e corso Amendola. La navetta natalizia sabato e domenica pomeriggio collegherà gratuitamente Piazza Ugo Bassi  con il centro e il Viale: una corsa ogni 20 minuti dalle 16.30  alle 21.30.

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SIMONE DINNERSTEIN

MOZART IN HAVANA

La pianista Simone Dinnerstein lanza Mozart in Havana, grabado en Cuba con la Orquesta del Lyceum Mozartian de La Habana. A la venta el 21 de abril a través de Sony Classical.

¡Resérvalo ya en iTunes!

Sony Classical publicará el próximo 21 de abril Mozart en Havana, el nuevo álbum de la aclamada pianista Simone Dinnerstein. Este nuevo trabajo, grabado en Cuba, podría ser su trabajo más ambicioso hasta la fecha y es la prueba de que la música es capaz de cruzar todas las fronteras culturales y lingüísticas. Dinnerstein ha colaborado con la virtuosa Orquesta del Lyceum Mozartiano de La Habana para interpretar los Conciertos No.21 y No.23. El próximo mes de Junio, la Orquesta también debutará en Estados Unidos en una serie de conciertos: será la primera vez que una orquesta cubana de esta magnitud viaje a Estados Unidos desde la Revolución.

En cierto modo, Mozart in Havana es el regreso de Dinnerstein a sus orígenes. Su conexión con Cuba comenzó cuando la artista (con 9 años de edad) conoció a Solomon Mikowsky, un emigrante cubano, que se convirtió en su profesor de piano. Mikowsky le contaba historias sobre su niñez en Cuba y las numerosas influencias musicales del país. Dinnerstein recuerda: “Aprendí tantas cosas de Solomon... entre ellas, que la cultura musical no es algo con lo que naces, sino algo que tienes la posibilidad de elegir.”

A lo largo de las últimas décadas, Mikowsky ha sido un gran defensor de la rica cultura cubana. Cuando inauguró el “Encuentro de Jóvenes Pianistas” en La Habana en 2013, invitó a Dinnersein a participar. “Por supuesto acepté sin dudarlo, y resultó que La Habana era tal y como él me había contado,” cuenta Dinnerstein, “una ciudad absolutamente diferente a cualquiera que hubiera conocido, con un público cálido y agradecido, y muy comprometido con la música.”

Dinnerstein regresó al festival en 2015, esta vez para tocar un concierto de Mozart con la Orquesta del Lyceum Mozartiano de La Habana. Quedó profundamente impresionada: “Tocaban con gran sensibilidad y belleza, a pesar de que en algunos casos el material que utilizaban era de baja calidad. Estaba claro que el sonido que producían venía desde su interior, no solo de los instrumentos.”

Al año volvió al Oratorio San Felipe Neri de La Habana para grabar con la orquesta lo que se convertiría en Mozart in Havana. La grabación se llevó a cabo en tres largas noches con cuerdas donadas y equipo de grabación traído por el productor premiado en los Grammys Adam Abeshouse. Su inigualable conocimiento fue esencial para sortear los varios desafíos que presentaba el ruido de la noche en la ciudad, incluyendo los ladridos de perros callejeros, un vecino usando el martillo en su tejado y el ruido que producían los gorriones en los aleros del edificio.

Dinnestein recuerda: “Nunca olvidaré esas largas sesiones nocturnas... durante el descanso, la orquesta se apiñaba en la cabina de producción para escuchar lo que habían grabado. Los músicos compartían los auriculares. El director, José Antonio Méndez Padrón, estaba entre ellos y todos escuchábamos con intensidad compartida. Querían que la grabación capturara la mejor versión que fueran capaces de tocar, y estaban dispuestos a trabajar el tiempo que fuera necesario para conseguirlo. Y eso, también me recordaba a cuando estudiaba con Solomon Mikowsky hace tantos años.”

El próximo verano, la orquesta viajará a Estados Unidos por primera vez para ofrecer una serie de conciertos junto a Dinnerstein, incluyendo en el Naumburg Bandshell de Nueva York el 13 de junio, The Clarice Smith Performing Arts Center at the University of Maryland el 28 de junio en College Park, y también actuarán en el National Orchestral Institute + Festival, entre el 25 y el 28 de junio. Dinnerstein además interpretará el repertorio junto a la Orquesta Sinfónica Nacional el 21 y 23 de abril en el Centro Nacional de Música en Costa Rica.

Track Listing

1-3 Mozart: Concierto de Piano No. 21 en Do mayor, K 467 4-6 Mozart: Concierto de Piano No. 23 en LA mayor, K 488

Simone Dinnerstein:

Dinnerstein es una de las pianistas más aclamadas de su generación, a quien el Washington Post ha definido como “una artista de auténtica fuerza expresiva” y Slate como una vuelta a algunas sacerdotisas de la música como Wanda Landowska y Myra Hess”. También es una de las pianistas de mayor expansión, y ha trabajado en proyectos con la cantante y compositora Tift Merritt, la intérprete de theremín Pamelia Kurstin y el pianista de jazz Brad Mehldau entre otros. Simone Dinnerstein es una artista curiosa e innovadora que intenta encontrar el corazón musical de cada uno de los trabajos que aborda. La artista establecida en Nueva York ha ganado fama internacional con el éxito de su grabación de las Variaciones Goldberg de Bach (grabación para la cual ella se ha encargado de reunir el dinero personalmente). Grabado en 2007 en Telarc, alcanzó el #1 en la Lista de Música Clásica de Billboard en la primera semana tras su lanzamiento, y fue incluido en las listas con “Lo mejor de 200” de The New York Times, Los Angeles Times y New Yorker.

Dinnerstein ha recorrido el mundo con sus actuaciones desde que debutara en el Carnegie Hall (Weill Hall) de Nueva York en 2005 y en importantes recintos como El Centro Kennedy para las Artes Escénicas, el Vienna Konzerthaus, Berlin Philharmonie, La Ópera de Sídney, el Centro de Artes de Seúl y el Wigmore Hall de Londres; festivales entre los que se incluyen Lincoln Center Mostly Mozart Festival, Aspen, y los festivales de Verbier y Ravinia; y actuaciones con la Orquesta Filarmónica de Viena, la Filarmónica de Dresden, Staatskapelle Berlin, la Orquesta Sinfónica Nacional de la RAI, la Orquesta Real Nacional de Escocia, la Filarmónica Checa, la orquesta Sinfónica Nacional Danesa, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de Minnesota, la Sinfónica Atlanta, la Sinfónica de Baltimore, La Orquesta Sinfónica de Montreal, la Orquesta Sinfónica de Melbourne, la Orquesta Sinfónica Brasileña y la Sinfónica de Tokio.

Dinnerstein ha ofrecido conciertos a lo largo y ancho de Estados unidos para la Piatigorsky Foundation, una organización dedicada a llevar la música clásica a recintos no tradicionales. Dio su primer actuación en la prisión estatal de Luisiana en el Avoyelles Correctional Center, y actuó en el Maryland Correctional Institution for Women en un concierto organizado por la Orquesta Sinfónica de Baltimore. Dinnerstein es una artista comprometida con su comunidad, y en 2009 fundó Neighborhood Classics, una serie de conciertos abierto al público en las escuelas públicas de Nueva York. La fundación reúne fondos para los programas de educación musical de estas escuelas.

A lo largo de esta temporada, Dinnerstein comenzará una gira presentación del nuevo concierto para piano y cuerda escrito para ella por Philip Glass. Además, este otoño, Dinnerstein presentará una gira en colaboración con la coreógrafa Pam Tanowitz, titulada New Work for Goldberg Variations. Este trabajo —que llega en el décimo aniversario de la aclamada grabación de Dinnerstein— se trata de un espectáculo para piano y un sexteto de bailarinas.

José Antonio Méndez Padrón:

José Antonio Méndez Padrón es el director fundador de la Orquesta del Lyceum Mozartiano de La Habana. Ha actuado recorriendo Canadá, España, Francia, Austria, Estados Unidos, Ecuador y Nicaragua, y cinco de sus álbumes han recibido el premio Cubadisco a lo largo la década pasada. Desde 2011 ocupa el puesto de Director Adjunto de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba.

Padrón se graduó en la Universidad de Arte de La Habana (Cuba), donde se especializó en dirección coral con María Felicia Pérez y en dirección orquestal con Jorge López Marín. Ha recibido clases avanzadas con importantes directores musicales como Jorge Rotter, Thomas Hengelbrock, Shalev Ad El y el maestro Ronald Zollman. En 2011, estudió en la Academia de Verano de la Universidad Mozarteum con Peter Gülke y los solistas de la Orquesta de Cámara de Salzburgo.

La Orquesta del Lyceum Mozartiano de La Habana:

La Orquesta del Lyceum Mozartiano de La Habana se fundó en 2009 en colaboración con el Lyceum Mozartiano de La Habana, una institución co-financiada por la Fundación Mozarteum de Salzburgo de Austria. Reúne a estudiantes, graduados recientes y profesores de la Universidad de las Artes, La Escuela Nacional de Música y el Conservatorio Amadeo Roldán.

La Orquesta del Lyceum Mozartiano de La Habana se ha consolidado rápidamente como un elemento fundamental en la vida musical de Cuba. La Orquesta ha ofrecido numerosas actuaciones en Cuba y el exterior, y sus actuaciones han recibido excelentes críticas. En 2015, la Orquesta actuó en el Mozartewoche anual de Salzburgo en colaboración con la flautista cubana Niurka González. Sus numerosas grabaciones han ganado varios premios Cubadisco.

Official Artist website:   http://www.simonedinnerstein.com/

Official Facebook page: https://www.facebook.com/simonedinnerstein

Official Soundcloud page: https://soundcloud.com/simone-dinnerstein

Official Youtube channel: http://www.youtube.com/user/SimoneDinnerstein