#orquesta de pittsburgh

[sonyclasica]

GEORGE SZELL

BEETHOVEN

La colección, con remasterizaciones antes solo disponibles en George Szell - The Complete Columbia Album Collection, incluye el legendario ciclo de sinfonías y oberturas de Beethoven de Szell en una colección a precio especial. Disponible el 13 de diciembre.

Resérvalo AQUÍ

En este álbum confluyen muchas facetas de George Szell: aunque nació en Budapest en el seno de una familia judía húngara, era un auténtico músico vienés, de talento supremo y rudamente arrogante. Beethoven era fundamental en su repertorio, incluso más que para la mayoría de los directores de orquesta. La Orquesta de Cleveland era la perla de la corona de Szell. Artur Rodzinski convirtió un grupo mediocre en un conjunto excelente; Szell lo pulió hasta la perfección. Donal Henahan, de The New York Times, lo llamó "el instrumento sinfónico más afinado del mundo". Una década después de la muerte de Szell, el director musical de Cleveland, Christoph von Dohnanyi, se quejó: "Damos un gran concierto, y George Szell recibe una gran crítica".

Algunos escépticos se han quejado de que las interpretaciones de Szell eran demasiado rápidas, demasiado duras, sin calidez; su respuesta fue: "No puedo echar salsa de chocolate a los espárragos". Riguroso como pocos, no era ni un genial Bruno Walter ni un despreocupado Charles Munch. Las interpretaciones de Szell igualaban a las de Toscanini en precisión y corrección, pero carecían de las cuerdas cantarinas de aquel maestro. Algunos músicos de Cleveland afirmaron que la orquesta era aún mejor en los ensayos, que a menudo “se les veía demasiado ensayados” o “tensos” en concierto. Las interpretaciones de Szell no siempre fueron un éxito; una Octava de Beethoven de enero de 1959 fue criticada por "el sorprendente número de entradas desgarradas" (Frank Hruby en el Cleveland Free Press). Sin embargo, cualquier problema parecía resolverse siempre en las sesiones de grabación; esta Octava de Beethoven de 1961 es la perfección, mi interpretación favorita de todas. Cuando se escuchan estas nueve sinfonías de Beethoven, no se oye ni una nota equivocada, ni una entrada manchada, ni un momento mal afinado, ni una frase torpe.

El Severance Hall, sede de la Orquesta de Cleveland desde 1931, adolecía de una acústica excesivamente seca, lo último que necesitaba una actuación de Szell. La primera de estas grabaciones, la "Eroica" de 1957, se grabó en el Templo Masónico de Cleveland, un auditorio de 2.200 plazas donde la orquesta tocó de 1921 a 1930. En el verano de 1958 se llevaron a cabo importantes reformas acústicas, incluida la instalación de lo que se conocería como el Szell Shell. Tuvieron éxito, así que el resto de las sinfonías se grabaron en el reformado Severance Hall, de 1959 a 1964; cuatro oberturas (Egmont, Coriolan, Rey Esteban y Leonore No. 2) se grabaron allí en 1966, Fidelio y Leonore nº 1 en los estudios EMI de St. John's Wood, en Londres, en 1967.

Epic Records, un sello de CBS se fundó en 1953, para difundir música que "no encajaba en la temática de su sello Columbia, más dominante" (Wikipedia). Cleveland no encajaba porque no había sitio para ella; Columbia ya tenía a la Orquesta de Filadelfia, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Pittsburgh y muchas orquestas menores produciendo grabaciones para su sello principal. Cleveland se convirtió en la orquesta insignia de Epic. Las sinfonías de Beethoven y la Obertura Leonore nº 3 se publicaron en LPs de Epic; las otras seis oberturas, en Columbia.

Szell pensó que Columbia había dejado de lado a Cleveland en favor de la Orquesta de Filadelfia de Ormandy y la Filarmónica de Nueva York de Mitropoulos, que estaban haciendo muchas más grabaciones. Parte del motivo fue el limitado repertorio de Szell: los clásicos austroalemanes de los siglos XVIII y XIX, a los que admitió a Dvořák. Nunca grabó una sinfonía francesa: ni Berlioz, ni Bizet, ni Franck, ni Saint-Saëns. Le disgustaba profundamente la música del siglo XX (de una nueva partitura de Stravinsky: "Está escrita con la técnica post-weberniana de los ruidos corporales") y grabó muy poco.

En Cleveland siempre había poco dinero y los músicos estaban muy mal pagados. En la época de Rodzinski, la orquesta tenía unos 80 músicos, es decir, una sección de cuerda de tamaño medio. Szell consiguió elevarlo a 100 en el momento de estas grabaciones. Fueron temporadas enormemente problemáticas, con continuas batallas entre Szell, los músicos, su sindicato (que mandaba en lugar de apoyarlos), la dirección y la junta directiva. Nada de eso se percibe en estas actuaciones impecables.

James H. North

SET CONTENTS

DISC 1:

Beethoven: Symphony No. 1 in C Major, Op. 21 (2018 Remastered Version)   

Beethoven: Symphony No. 2 in D Major, Op. 36 (2018 Remastered Version)   

DISC 2:

Beethoven: Symphony No. 3 in E-Flat Major, Op. 55, "Eroica" (Remastered)   

DISC 3:

Beethoven: Symphony No. 4 in B-Flat Major, Op. 60 (2018 Remastered Version)   

Beethoven: Leonore Overture No. 3, Op. 72b (2018 Remastered Version)   

Beethoven: Symphony No. 5 in C Minor, Op. 67 (2018 Remastered Version)   

DISC 4:

Beethoven: Symphony No. 6 in F Major, Op. 68 "Pastoral" (2018 Remastered Version)   

DISC 5:

Beethoven: Symphony No. 7 in A Major, Op. 92 (2018 Remastered Version)   

Beethoven: Symphony No. 8 in F Major, Op. 93 (2018 Remastered Version)   

DISC 6:

Beethoven: Symphony No. 9 in D Minor, Op. 125 "Choral" (2018 Remastered Version)   

DISC 7:

Beethoven: Egmont Overture, Op. 84 (2018 Remastered Version)   

Beethoven: Coriolan Overture, Op. 62 (2018 Remastered Version)   

Beethoven: Overture "King Stephen", Op. 117 (2018 Remastered Version)   

Beethoven: Leonore Overture No. 2, Op. 72a (2018 Remastered Version)   

Beethoven: Leonore Overture No. 1, Op. 138 (2018 Remastered Version)   

Beethoven: Fidelio, Op. 72: Overture (2018 Remastered Version)      

[laguaridadelnagual]

Muere el gran pianista de jazz Ahmad Jamal a los 92 años

Ahmad Jamal, famoso pianista, compositor y director de orquesta de jazz estadounidense, murió a los 92 años el domingo, según informes de prensa. La viuda de Jamal, Laura Hess-Hey, confirmó su muerte, informó The Washington Post, mientras que su hija Sumayah Jamal le dijo a The New York Times que la causa fue un cáncer de próstata. Los medios de noticias musicales en Francia y Reino Unido también informaron sobre su muerte. Jamal era amigo de grandes de la música como Miles Davis e influyó en su trabajo y en el de otros músicos, incluido el pianista McCoy Tyner. Nacido como Frederick Russell Jones en Pittsburgh, Jamal se convirtió al Islam en 1950. Ganó innumerables premios a lo largo de su carrera, entre ellos la prestigiosa distinción Orden de las Artes y las Letras de Francia en 2007 y un premio Grammy por toda su carrera en 2017. https://youtu.be/SiARr9JhLEo Afroestadounidense, comenzó su carrera en la década de 1940 durante la revolución del bebop y ayudó a atraer a un público más amplio al jazz. Su estilo se describe como basado en la sorpresa, las rupturas, el uso de los silencios, con acentos románticos, con un fraseo a la vez dinámico y ligero. The New Yorker dijo el año pasado que en la década de 1950 “su concepto musical fue una de las grandes innovaciones de la época". El álbum “Ahmad Jamal at the Pershing: But Not for Me“, lanzado en 1958, marcó el comienzo de su éxito. Estuvo más de 100 semanas en la lista Billboard, el ranking estadounidense de los títulos más populares. Según el New York Times, se convirtió en uno de los discos instrumentales más vendidos de la época. Docenas más siguieron en lo que The Times llamó un “catálogo repleto de joyas“. En una entrevista con The Times a fines de 2022, Jamal dijo: “Sigo evolucionando, cada vez que me siento al piano“. “Todavía se me ocurren algunas ideas nuevas”, agregó. Read the full article

[elmartillosinmetre]

Vivir y grabar en Granada

[Paco Moya ha hecho de Granada el centro del disco clásico en España. La foto es de Carmen Navarro]

En apenas siete años de existencia, el profesor y productor granadino Paco Moya ha convertido IBS Classical en uno de los sellos discográficos más importantes de España

Obviamente en su DNI figura el nombre de Francisco, pero para todo el mundo de la música es Paco, Paco Moya, un granadino que ha revolucionado el sector del disco clásico, y lo ha hecho manteniendo de forma paralela su puesto de profesor en el Conservatorio Superior Victoria Eugenia de Granada hasta este mismo mes de septiembre en que ha pedido la excedencia.

–33 años de profesor de música en conservatorio le dan una posición estupenda para decirme qué falla en el sistema educativo musical español. –Desde la perspectiva del alumno, la formación es demasiado teórica. En el momento en que salen de España todos se dan cuenta. Sobre el profesorado, el sistema está mal planteado. Hay grandes figuras que no pueden acceder a los Conservatorios Superiores porque no tienen un doctorado o un máster; a algunos te los encuentras incluso dando piano complementario en un Conservatorio Profesional. Es un desperdicio. ¿Qué necesidad hay de que en un Superior todos los profesores sean catedráticos? ¿Por qué no se han desarrollado esos puntos de la ley que permitían el acceso a la docencia a los grandes intérpretes? Le pongo un ejemplo: el guitarrista Ricardo Gallén, uno de los mejores del mundo, puede dar clases en conservatorios superiores de Noruega o de Suiza, pero no de España. Es absurdo. Y luego alguien, sin necesidad de tener experiencia, por el hecho de tener un máster en cualquier tema de musicología y de pasar una prueba, se pone a dar clases en un Superior. Los profesores no tienen la culpa, por supuesto, pero el sistema no es el mejor, y yo decidí no entrar en este juego y dedicarme en exclusiva al sello.

–¿Cómo se hizo productor discográfico en una época en la que no se venden discos? –Siempre tuve mucha preocupación por la tecnología, por lo que la tecnología podía aportar a la música. Empecé con los primeros editores informáticos de partituras y luego salt�� al sonido. Compré mis primeros equipos básicos en 2005, aconsejado por lo que me decían en España. Hice mis primeras pruebas y llegué a la conclusión de que era todo un desastre, en España no existía especialización ninguna en registro de música clásica. En la Orquesta Ciudad de Granada me dijeron que a ellos venían a grabarlos de Berlín. Pedí estar en algunas sesiones para aprender y luego me fui directamente a Berlín. Entre lo que vi aquí y lo que allí me enseñaron, empecé a hacerme poco a poco de un equipo profesional dedicado a la música clásica de verdad. Y con mi mujer [Gloria Medina] decidimos montar un estudio de grabación, Iberia.

–¿Por qué decide dar el salto a la producción y crear IBS Classical, su propio sello? –Después de seis años trabajando para muchos intérpretes nos dimos cuenta de que nuestro trabajo no tenía trascendencia pública ni difusión. Le dábamos un máster impecable a un músico, sí, pero, ¿qué podían hacer con eso? En 2011 decidimos lanzarnos a por el sello, que empieza a funcionar al año siguiente.

–Los problemas se multiplicarían, claro. –Totalmente. El más importante de todos, el de la distribución. Sin catálogo los distribuidores no te atienden. Contactamos con Klaus Heymann, de Naxos, que nos dijo que le gustaba nuestro trabajo, que cuando tuviéramos un catálogo volviéramos a llamar. Si no tienes distribución no aumentas el catálogo, y sin el catálogo no entras en las redes de distribución. Fueron 3 o 4 años duros, de una auténtica travesía del desierto, de hacer discos a pulmón, sin esperar que hubiera el mínimo retorno económico, reduciéndonos a una distribución nacional. Todo cambió cuando en 2016 nos nominan a los Grammy un disco de la pianista Edith Peña, Danzas en todos los tiempos. Naxos nos llamó entonces y gracias a ellos tenemos hoy distribución física en todos los grandes países de Europa y América. La clave es que el producto (en formato físico o digital) llegue a todo el mundo.

–Pero el formato físico se extingue. –Sony ha cerrado ya su fábrica de cedés vírgenes. Acabo de volver de Estados Unidos, donde nos llevan la distribución digital, y me dicen que el soporte físico tiene los días contados.

–¿Y por qué cree que está resistiendo tanto? –Hay un sector aferrado al disco físico: el crítico, el locutor de radio, el distribuidor que necesita enseñarlo. Y hay todavía aficionados enamorados del objeto, como en el caso de los libros.

–¿Se puede vivir de los stores digitales, de las plataformas? –Son fundamentales. Spotify te paga 0,004 euros por escucha. Pero yo tengo discos que han tenido medio millón de escuchas, y eso son 2 mil euros. Qué disco físico me da eso. Mandar un cedé en España me cuesta 5 euros, el coste de fabricación del objeto físico otros 4 o 5 euros, y si se agota hay que reeditar. En cambio, el producto digital llega instantáneamente a Nueva Zelanda, a Asia, a Groenlandia... No se acaba nunca y no necesita ni mantenimiento ni transporte. Además, nosotros grabamos ya en sistema DXD (Digital eXtreme Definition), que da una resolución de 352,8 KHz. Un CD te da 44 KHz. Spotify no puede absorber aún esa resolución, pero están surgiendo portales que sí. Así que un melómano exigente con un portátil y un conversor de 700-800 euros está escuchando a la misma resolución que yo en mi estudio. No hay color.

–¿Cuenta cuesta hacer un disco, y quién lo paga, el sello o el intérprete? –Incluido todo, la comunicación y la distribución también, un CD puede salir por 15 o 16 mil euros. Hacemos un contrato de coproducción al 50%.

–¿Cuántos discos están haciendo por año? –En 2017 fueron 25, pero este año llegaremos a 30 y tenemos el plan de 2019 completo: damos fecha ya para 2020.

–¿Puede adelantar algo de esos planes? –De forma natural, Asier Polo se ha convertido en nuestro artista de referencia y vamos a hacer varios discos con él: grabará las Suites de Bach, hará un disco con Eldar Nebolsin, un Don Quijote con la Jonde, que ya está grabado, y un disco de conciertos de Haydn y Boccherini con la Orquesta Barroca de Sevilla. También grabará para nosotros Josu de Solaun, y nos vienen diversos músicos españoles que trabajan en Estados Unidos y algunos grupos americanos, como los Solistas del Lincoln Center o de la Orquesta de Pittsburgh. Hay también un proyecto Elgar con la ONE y otras muchas cosas. Ahora estoy contentísimo porque acabamos de lograr dos nominaciones para los Grammy de este año: mejor disco clásico, las Goyescas de Granados que grabó José Menor, y mejor composición contemporánea, el Montuno en forma de chacona de Roberto Sierra, que fue un encargo del Festival de Música Española de Cádiz e hizo Silvia Márquez al clave en su CD Chaconnerie.

–Algún sueño. –Uno que se cumplió ya. Lo de Alfred Brendel. Cuando entré en su casa de Londres se me saltaron las lágrimas de la emoción. Y me encantaría coger mis trastos e irme a grabar a cualquiera de las grandes orquestas, Concertgebouw, Berliner... No sé si podría resistir la primera prueba de sonido.

[Diario de Sevilla. 24-09-2018]

[andreeeamartin]

HENRY MANCINI

Compositor estadounidense reconocido como uno de los grandes creadores de bandas sonoras para el cine. Formado musicalmente en Pittsburgh y Nueva York,inclinado hacia el jazz, llegando a ser pianista de la orquesta de Glenn Miller. Se mantuvo en ella desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta 1952, año en el que ingresó en el departamento musical de la Universal Pictures.

Muy poco después de empezar a componer para el cine demostró sus dotes como arreglista en Música y lágrimas (1954). Compuso partituras y canciones para numerosas películas, pero serían sus temas para la serie de televisión Peter Gunn (1959) y la partitura para Mr. Lucky (1960) los que asentaron su prestigio en la industria. La banda sonora de Peter Gunn cautivó a la audiencia con su aire jazzístico propio de las grandes orquestas.

Su estilo se integraba muy bien en la acción cinematográfica y encajaba a la perfección en los temas satíricos o de suspense. Es el caso de Desayuno con diamantes (1961), adaptación de la novela de Truman Capote protagonizada por Audrey Hepburn: la música de Mancini, que se llevó un Oscar y no sólo por el conjunto de la banda sonora, sino también por la canción Moon River con letra de Johnny Mercer, terminó de dar homogeneidad al conjunto. También está presente el espléndido tema musical con toque latino que acompaña el impresionante plano-secuencia con que el que se da a conocer, “Sed de mal“(1958), de Orson Welles.

La partitura de La pantera rosa fue sin duda una de las más populares. Mancini ganó de nuevo el Oscar por la canción de Días de vino y rosas y por la partitura de ¿Víctor o Victoria? (1982). Entre sus restantes bandas sonoras merecen destacarse las de las películas de Stanley Donen Charada (1963) y Dos en la carretera (1967), la de ¡Hatari! (1962), filme de Howard Hawks protagonizado por John Wayne, y las que compuso para El guateque (1968), Los indomables (1970), Basil, el ratón superdetective (1986) y El zoo de cristal (1987).

Algunas de sus obras más sobresalientes son:

“DESAYUNO CON DIAMANTES”(1961)

“DÍAS DE VINO Y ROSAS” (1963)

“LA PANTERA ROSA”(1964)

“DEAR HEART”(1964)

[bongaboi]

2018 Grammy Awards: The Winners.

Album of the Year: “24K Magic” — Bruno Mars

Record of the Year: “24K Magic” — Bruno Mars

Song of the Year: “That’s What I Like” — Christopher Brody Brown, James Fauntleroy, Philip Lawrence, Bruno Mars, Ray Charles McCullough II, Jeremy Reeves, Ray Romulus and Jonathan Yip, songwriters (Bruno Mars)

Best New Artist: Alessia Cara

Best Pop Solo Performance: “Shape of You” — Ed Sheeran

Best Pop Duo/Group Performance: “Feel It Still” — Portugal. The Man

Best Traditional Pop Vocal Album: “Tony Bennett Celebrates 90” — Various Artists; Dae Bennett, producer

Best Pop Vocal Album: “÷” — Ed Sheeran

Best Dance Recording: “Tonite” — LCD Soundsystem

Best Dance/Electronic Album: “3-D The Catalogue” — Kraftwerk

Best Contemporary Instrumental Album: “Prototype” — Jeff Lorber Fusion

Best Rock Performance: “You Want It Darker” — Leonard Cohen

Best Metal Performance: “Sultan’s Curse” — Mastodon

Best Rock Song: “Run” — Foo Fighters, songwriters

Best Rock Album: “A Deeper Understanding” — The War on Drugs

Best Alternative Music Album: “Sleep Well Beast” — The National

Best R&B Performance: “That’s What I Like” — Bruno Mars

Best Traditional R&B Performance: “Redbone” — Childish Gambino

Best R&B Song: “That’s What I Like” — Christopher Brody Brown, James Fauntleroy, Philip Lawrence, Bruno Mars, Ray Charles McCullough II, Jeremy Reeves, Ray Romulus and Jonathan Yip, songwriters (Bruno Mars)

Best Urban Contemporary Album: “Starboy” — The Weeknd

Best R&B Album: “24K Magic” — Bruno Mars

Best Rap Performance: “HUMBLE.” — Kendrick Lamar

Best Rap/Sung Performance: “LOYALTY.” — Kendrick Lamar featuring Rihanna

Best Rap Song: “HUMBLE.” — K. Duckworth, Asheton Hogan and M. Williams II, songwriters (Kendrick Lamar)

Best Rap Album: “DAMN.” — Kendrick Lamar

Best Country Solo Performance: “Either Way” — Chris Stapleton

Best Country Duo/Group Performance: “Better Man” — Little Big Town

Best Country Song: “Broken Halos” — Mike Henderson and Chris Stapleton, songwriters (Chris Stapleton)

Best Country Album: “From A Room: Volume 1” — Chris Stapleton

Best New Age Album: “Dancing on Water” — Peter Kater

Best Improvised Jazz Solo: “Miles Beyond” — John McLaughlin, soloist

Best Jazz Vocal Album: “Dreams and Daggers” — Cécile McLorin Salvant

Best Jazz Instrumental Album: “Rebirth” — Billy Childs

Best Large Jazz Ensemble Album: “Bringin’ It” — Christian McBride Big Band

Best Latin Jazz Album: “Jazz Tango” — Pablo Ziegler Trio

Best Gospel Performance/Song: “Never Have to Be Alone” — CeCe Winans; Dwan Hill & Alvin Love III, songwriters

Best Contemporary Christian Music Performance/Song: “What a Beautiful Name” — Hillsong Worship; Ben Fielding & Brooke Ligertwood, songwriters

Best Gospel Album: “Let Them Fall in Love” — CeCe Winans

Best Contemporary Christian Music Album: “Chain Breaker” — Zach Williams

Best Roots Gospel Album: “Sing It Now: Songs of Faith & Hope” — Reba McEntire

Best Latin Pop Album: “El Dorado” — Shakira

Best Latin Rock, Urban or Alternative Album: “Residente” — Residente

Best Regional Mexican Music Album (Including Tejano): “Arriero Somos Versiones Acústicas” — Aida Cuevas

Best Tropical Latin Album: “Salsa Big Band” — Rubén Blades con Roberto Delgado y Orquesta

Best American Roots Performance: “Killer Diller Blues” — Alabama Shakes

Best American Roots Song: “If We Were Vampires” — Jason Isbell, songwriter (Jason Isbell and the 400 Unit)

Best Americana Album: “The Nashville Sound” — Jason Isbell and the 400 Unit

Best Bluegrass Album: tie, “Laws of Gravity” — The Infamous Stringdusters and “All the Rage — In Concert Volume One” — Rhonda Vincent and the Rage

Best Traditional Blues Album: “Blue & Lonesome” — The Rolling Stones

Best Contemporary Blues Album: “TajMo” — Taj Mahal and Keb’ Mo’

Best Folk Album: “Mental Illness” — Aimee Mann

Best Regional Roots Music Album: “Kalenda” — Lost Bayou Ramblers

Best Reggae Album: “Stony Hill” — Damian “Jr. Gong” Marley

Best World Music Album: “Shaka Zulu Revisited: 30th Anniversary Celebration” — Ladysmith Black Mambazo

Best Children’s Album: “Feel What U Feel” — Lisa Loeb

Best Spoken Word Album (Includes Poetry, Audio Books and Storytelling): “The Princess Diarist” — Carrie Fisher

Best Comedy Album: “The Age of Spin/Deep in the Heart of Texas” — Dave Chappelle

Best Musical Theater Album: “Dear Evan Hansen” — Ben Platt, principal soloist; Alex Lacamoire, Stacey Mindich, Benj Pasek and Justin Paul, producers; Benj Pasek and Justin Paul, composers/lyricists (original Broadway cast recording)

Best Compilation Soundtrack for Visual Media: “La La Land” — Various Artists

Best Score Soundtrack for Visual Media: “La La Land” — Justin Hurwitz, composer

Best Song Written for Visual Media: “How Far I’ll Go” — Lin-Manuel Miranda, songwriter (Auli’i Cravalho)

Best Instrumental Composition: “Three Revolutions” — Arturo O’Farrill, composer (Arturo O’Farrill and Chucho Valdés)

Best Arrangement, Instrumental or A Cappella: “Escapades for Alto Saxophone and Orchestra From ‘Catch Me If You Can’” — John Williams, arranger (John Williams)

Best Arrangement, Instruments and Vocals: “Putin” — Randy Newman, arranger (Randy Newman)

Best Recording Package: tie, “Pure Comedy (Deluxe Edition)” — Sasha Barr, Ed Steed and Josh Tillman, art directors (Father John Misty) and “El Orisha de la Rosa” — Claudio Roncoli and Cactus Taller, art directors (Magín Díaz)

Best Boxed or Special Limited-Edition Package: “The Voyager Golden Record: 40th Anniversary Edition” — Lawrence Azerrad, Timothy Daly and David Pescovitz, art directors (Various Artists)

Best Album Notes: “Live at the Whisky A Go Go: The Complete Recordings” — Lynell George, writer (Otis Redding)

Best Historical Album: “Leonard Bernstein — The Composer” — Robert Russ, compilation producer; Martin Kistner and Andreas K. Meyer, mastering engineers (Leonard Bernstein)

Best Engineered Album, Non-Classical: “24K Magic” — Serban Ghenea, John Hanes and Charles Moniz, engineers; Tom Coyne, mastering engineer (Bruno Mars)

Producer of the Year, Non-Classical: Greg Kurstin

Best Remixed Recording: “You Move (Latroit Remix)” — Dennis White, remixer (Depeche Mode)

Best Surround Sound Album: “Early Americans” — Jim Anderson, surround mix engineer; Darcy Proper, surround mastering engineer; Jim Anderson and Jane Ira Bloom, surround producers (Jane Ira Bloom)

Best Engineered Album, Classical: “Shostakovich: Symphony No. 5; Barber: Adagio” — Mark Donahue, engineer (Manfred Honeck and Pittsburgh Symphony Orchestra)

Producer of the Year, Classical: David Frost

Best Orchestral Performance: “Shostakovich: Symphony No. 5; Barber: Adagio” — Manfred Honeck, conductor (Pittsburgh Symphony Orchestra)

Best Opera Recording: “Berg: Wozzeck” — Hans Graf, conductor; Anne Schwanewilms and Roman Trekel; Hans Graf and Brad Sayles, producers (Houston Symphony; Chorus of Students and Alumni, Shepherd School of Music, Rice University and Houston Grand Opera Children’s Chorus)

Best Choral Performance: “Bryars: The Fifth Century” — Donald Nally, conductor (PRISM Quartet and The Crossing)

Best Chamber Music/Small Ensemble Performance: “Death & the Maiden” — Patricia Kopatchinskaja and the Saint Paul Chamber Orchestra

Best Classical Instrumental Solo: “Transcendental” — Daniil Trifonov

Best Classical Solo Vocal Album: “Crazy Girl Crazy” — Barbara Hannigan (Ludwig Orchestra)

Best Classical Compendium: “Higdon: All Things Majestic, Viola Concerto & Oboe Concerto” — Giancarlo Guerrero, conductor; Tim Handley, producer

Best Contemporary Classical Composition: “Viola Concerto” — Jennifer Higdon, composer (Roberto Díaz, Giancarlo Guerrero and Nashville Symphony)

Best Music Video: “HUMBLE.” — Kendrick Lamar

Best Music Film: “The Defiant Ones” — Various Artists

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Chaikovski y Drake: rap para la orquesta sinfónica de Pittsburgh Aunque el rapero canadiense Drake (30) y el compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893) tienen en principio poco en común, la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, en el estado de Pennsylvania, los unirá en un atípico concierto el 22 de marzo. Source:: Elcomercio

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BERLINER BAROCK SOLISTEN

MOZART: VIOLA CONCERTO/SINFONIA CONCERTANTE

El famoso concierto para clarinete con viola solista y la popular Sinfonía Concertante en una nueva grabación a cargo del excelente conjunto barroco y los solistas de la Filarmónica de Berlín.

La Berliner Barock Solisten, fundada en 1995 por Rainer Kussmaul, Raimar Orlovsky y otros destacados miembros de la Filarmónica de Berlín, destaca en el ámbito de los conjuntos de música antigua. Utilizan instrumentos antiguos pero modernizados y arcos específicos de la época, creando un enfoque único de las obras de los siglos XVII y XVIII. Su excepcional homogeneidad y sus solistas de primera fila han asegurado su reputación internacional. Conocidos por su capacidad para presentar composiciones históricas desde una perspectiva contemporánea, destacan en la interpretación de los maestros italianos, Telemann y Bach. A lo largo de 26 años, su característico estilo interpretativo ha sido aclamado por el público y la crítica de todo el mundo. Las colaboraciones con artistas de renombre como Thomas Quasthoff, Anne Sofie von Otter y Emmanuel Pahud aumentan aún más su prestigio. Bajo la dirección artística del maestro Reinhard Goebel, los Berliner Barock Solisten siguen causando un impacto significativo en el mundo de la música antigua. Su grabación del Concierto de Brandemburgo de Bach para Sony Classical se convirtió en un éxito de ventas y recibió un OPUS KLASSIK como grabación de concierto del año.

Desde el notable éxito del violista Diyang Mei en el Concurso Internacional de Música ARD 2018, no ha dejado de avanzar en su carrera internacional. Como solista, ha actuado con orquestas prestigiosas como la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera y la Konzerthausorchester de Berlín, y en festivales notables como el Festival de Mecklemburgo-Pomerania Occidental. Mei ha colaborado con estimados músicos como András Schiff y Sabine Meyer. Desde octubre de 2022, ocupa el puesto de violista solista de la Filarmónica de Berlín, tras su cargo de primer viola principal de la Orquesta Filarmónica de Múnich. Mei también actúa como músico solista y ha recibido numerosos elogios a lo largo de su carrera.

Noah Bendix-Balgley es el concertino y primer violín de la Filarmónica de Berlín, cargo que ocupa desde que en 2014 abandonó la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, donde desempeñaba la misma función. Como solista, ha actuado con orquestas de renombre como la Filarmónica de Dresde, la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, la Orquesta Filarmónica de Auckland y la Orquesta Filarmónica de Nagoya, así como con las orquestas sinfónicas de Shanghai, Utah, Pittsburgh y Baltimore. Apasionado de la música de cámara, Bendix-Balgley es miembro de varios conjuntos, entre ellos el Cuarteto de cuerda Rosamunde y el septeto Philharmonix, que fusiona varios géneros.

TRACKLIST

CD 1

       W. A. Mozart - Clarinet Concerto in A Major, K.622 (Arr. for Viola & Orchestra by Diyang Mei)       

1     I. Allegro      

2     II. Adagio      

3     III. Rondo. Allegro  

       W.A. Mozart - Sinfonia Concertante in E-Flat Major, K.364

4     I. Allegro maestoso      

5     II. Andante      

6     III. Presto      

[yoymialterego]

Ah, el Oscar... otra vez...

Como cada año, la Academia de Hollywood acapara los reflectores para presentar su fastuosa ceremonia de entrega de estatuillas doradas, con gigantescos índices de audiencia y desfile de estrellas en la alfombra roja, cosas que nunca han tenido nada realmente qué ver con el cine, pero que quiérase o no, siempre ha elevado el interés de la gente por ver películas. ¿Cuáles películas? Pues bueno, las que Hollywood indica, por lo general. Pero algo es algo, digo yo, y para darse una idea de lo que Hollywood considera como "lo mejor" para premiar del 2016, aquí les va una pequeña reseña de las nueve cintas que están nominadas como "mejor película". En orden alfabético.

ARRIVAL Director: Denis Villeneuve

El director Denis Villeneuve está definitivamente en "la zona". Su racha de buenas películas que incluye "Incendies" (2010), "Prisoners" (2013), "Enemy" (2013) y "Sicario" (2015), se alarga manufacturando ahora una ambiciosa cinta de ciencia ficción que maneja elementos que sobrepasan los márgenes del género, y son capaces de ofrecer una sensible y delicada meditación sobre la existencia. El eje de la historia es simple y a la vez fascinante. Visitantes extraterrestres llegan al planeta y los gobiernos del mundo tratan de entablar comunicación con ellos. En la nave estacionada en cielos de Estados Unidos, las fuerzas armadas y los científicos encargados de la tarea tienen poco éxito hasta la llegada al equipo de la lingüista Louise Banks, (Amy Adams), quien al mismo tiempo que empieza a entender y expresarse con el idioma extraterrestre, va descubriendo en ella el desarrollo de otro tipo de capacidades excepcionales que tienen qué ver con la percepción del tiempo. El ambiente general de la cinta está muy logrado. Villeneuve nos presenta por ejemplo a unos extraterrestres algo veleidosos y despistados, pero uno termina amando a esos monigotes por su socarrona manera de darse a entender, o por su espíritu libre de compromisos innecesarios, o en fin, por su concepto de una relación de entendimiento entre seres diferentes, y eso no sería posible sin la guía consistente del director y las sólidas actuaciones del elenco, además, claro, del buen guión. Es bello observar que dentro de una película de "género" y de gran presupuesto, los efectos especiales y la "acción" no toman el lugar del buen hacer cinematográfico, y todavía es posible eludir la indiferencia y experimentar la efusión.

FENCES Director: Denzel Washington

Se acepta de buena gana el planteamiento antirracista de éste afanoso drama dirigido por Denzel Washington, pero tiene una tan marcada vocación teatral de la que no puede escapar (está basada desde luego en una exitosa obra de teatro) que la hace proclive a la franca verborrea, sobre todo con el personaje de Denzel, que parece traer la lengua caliente y la boca descosida, y da la impresión de que no para de hablar jamás. Supongo que tal cosa no era necesaria al dar el salto del teatro a la pantalla grande y podría haberse limitado. En todo caso esboza un vivo -aunque previsible- retrato familiar típicamente machista de la época (está ambientada en la ciudad de Pittsburgh de los años 50) en la comunidad negra de los Estados Unidos, y maneja el concepto simbólico -y muy básico también- de la cerca que el padre de familia va construyendo en el patio de su casa a través del tiempo, que supone variadas interpretaciones: aislamiento, protección, autosuficiencia, egoísmo... ustedes digan. No hay duda de la solvencia de los actores de "Fences". Denzel es Denzel, por más verborréico que resulte, aunque aquí la mandamás es una portentosa Viola Davis, quien despliega su conocido talento balanceando el ímpetu de la cinta, y logrando los momentos más profundos. Decía que se acepta la propuesta antirracista de la obra, pero tengo un poco de confusión con lo del machismo. ¿Es admisible finalmente ser un padre proveedor aunque se sea infiel, alcohólico y estricto hasta el escarnio? Denzel, me debes una respuesta...

HACKSAW RIDGE Director: Mel Gibson

Es cierto que "Hacksaw Ridge" es fehaciente muestra de la sinrazón de la guerra y las terribles consecuencias de la violencia, pero Mel Gibson, su director, parece regodearse en los excesos. Hay tripas regadas por el suelo como si hubieran llovido desde el cielo, hay hombres cercenados o cuerpos mutilados y amontonados como cargas de leña, hay borbotones de sangre en tal exceso que la producción debió haberla comprado por metros cúbicos, y hasta parece que si uno se acerca demasiado a la pantalla, puede recibir un salpicón rojo, o un pedazo de menudencias. ¿Suena asqueroso? Bueno, la guerra es asquerosa, sólo que Gibson la sublima. Debemos suponer que "Hacksaw Ridge" tiene la intención de ser una cinta anti-bélica, pero todas esas espectaculares tomas de las batallas armadas y las luchas cuerpo a cuerpo, tienen un acento épico que más que repudiar la guerra, parece que la glorifica. El discurso de la cinta se pertrecha en la increíble hazaña, basada en hechos reales, de un recluta que por sus principios morales y religiosos, rechaza manejar (o siquiera tocar) un arma de fuego cuando va a la guerra, es decir, la Segunda Guerra Mundial, por lo que es hostigado y casi torturado física y psicológicamente por la milicia en pleno para hacerle renunciar, cosa que evidentemente (toooodos lo sabemos desde el principio) nadie consigue hacer, porque... bueno, porque él "tiene una misión", caray. Y la cumple con integridad allá en Okinawa, Japón, donde se viste de héroe para sorpresa de todos y abjuración de muchos, especialmente del Sargento Howell (Vince Vaughn, aferrándose a cualquier remanente de su aptitud actoral para evitar la indignidad en esa ridícula escena del "arrastre" hacia el final de la cinta). Y mientras la segunda mitad de "Hacksaw Ridge" tiene como telón de fondo el infierno en la tierra mencionado, la primera parte transcurre en un bucólico Estados Unidos de los años 40, donde todo parece sacado de tarjetas postales Hallmark. Sí, Gibson no atina bien a casi nada, ni siquiera a la elección de su protagonista principal, Andrew Garfield, quien no actúa mal, pero que no puede con su cara y sus expresiones de venerable cómico anciano.

HELL OR HIGH WATER Director: David Mackenzie

Es una trama simple la de “Hell or High Water”: dos jóvenes hermanos emprenden un pequeño maratón de asaltos a minúsculas sucursales de un solo banco en pueblos polvorientos de Texas, y ese patrón de comportamiento no escapa al ojo agudo de un viejo Texas Ranger a punto del retiro, quien se aventura a la cacería de los rapaces. Aquí, sin embargo, la simpleza encierra mucho más que un rudimentario thriller rural. En la cinta del director David Mackenzie hay por principio, una logradísima historia, bien redondeada y compacta, que tiene el mérito de mantenernos siempre pendientes y constantemente conmovidos, y que esboza entre otras cosas, una idea de la condición actual de la vida en esa Norteamérica rústica y de medio pelo, asusada por los cambios externos que cuestionan su herencia dominante, y ahogada en el sopor de su tradicionalismo redneck (esa que dio el triunfo a Donald Trump, por ejemplo). La historia es también un tapiz curtido con tramas vigorosas, perfectamente apuntaladas por un guión fenomenal. El elenco completo tiene un desempeño en verdad destacado, pero Jeff Bridges está en estado de gracia (¿cuándo no?) y nos sigue demostrando sus tamaños de actorazo irrepetible, al que no le son necesarios los grandes aspavientos para manufacturar grandes actuaciones. "Hell or High Water” es una de esas joyas de Hollywood que aparecen de vez en vez casi de la nada, lo cual es sólo un decir, porque este gran elenco no atendería el llamado a actuar en un thriller de bajísimo presupuesto si no tuviera como base un guión superlativo. Esa es la riqueza por partida doble de la cinta, grandes actuaciones y un guión impecable. ¿Alguien necesita más para regocijarse monumentalmente con el cine de estos días?

HIDDEN FIGURES Director: Theodore Melfi

Si se tratara de una serie estándard para la TV, sería una obra muy propia y pertinente, pero nominar a "Hidden figures" como mejor película del 2016 parece ser sólo uno más de los movimientos hacia la "diversidad" de la Academia del Oscar. La cinta es entretenida y seguramente instructiva, porque está basada en hechos reales de la vida de tres mujeres negras (de ahí lo conveniente de su inclusión en los premios) de los años 60 que trabajaban nada menos que para la NASA, en una época oscura de la segregación de género y de raza. Además pone el dedo en la llaga contando detalles que parecían como muy "normales" (hasta para los propios negros) en aquella época: salarios mayores y mejores condiciones de trabajo para los blancos que realizaban tareas de igual o menor calidad, separación por raza de las herramientas de trabajo, de los consumibles de la oficina, de los lugares en el transporte y hasta de los baños. Todo, superado de una manera valiente, leal e insigne por el trío de mujeres pioneras de la ciencia aeronáutica. No entrecomillo palabra alguna de ese último párrafo porque son cosas densas las segregaciones. Y reales. Y dolorosas. Pero créanme que "Hideen Figures" es la clásica cinta de "superación" que nos hará pensar menos en la emancipaciòn de la raza negra de los Estados Unidos que en las delicias que provocará y en los récords que romperá en todo aquél taller o curso de auto-ayuda que se digne de serlo. (No, tampoco voy a terminar escrbiendo un "¡ja, ja, ja!" después de ese párrafo).

LA LA LAND Director: Damien Chazele

A mí, todos los musicales del cine me hacen chicharrón el hígado. Pero aparte de mi muy particular aversión por todo ese oropel de las coreografías de adefesio y las melodías que salen de la nada -o como si las orquestas estuvieran escondidas en las alcantarillas o en las macetas-, la nueva cinta de Damien Chazele tiene la aptitud de entretener y hasta de conmover, si uno no se apanica mucho con los numeritos cantados y bailados principalmente por la entrañable pareja -entrañable a pesar de todo- que forman Ryan Gosling y Emma Stone (Emma tiene cierta gracia para el baile, pero mi amigo Ryan es un tronco). La relación de la aspirante a actriz (Stone) y el devoto músico de jazz (Gosling) se ubica en la actualidad de la ciudad de Los Angeles, pero su relato es, dado el contexto, inevitablemente retro, como si fueran unos cenicientos evocativos, pero a la vez flamantes y adorables. La cinta tiene entonces su historia. Una historia algo ñoña, como la mayor parte de los musicales que he tenido la valentía de ver, y desde luego muy cercana a lo predecible. Pero con esos elementos básicos y simplones, y con una vuelta de tuerca del relato muy al estilo de su anterior cinta "Whiplash", Chazele logra sacar emociones, y provoca empatía con lo que nos presenta en la pantalla, a pesar de mantenerse atrapado en ese universo de relumbrón artificial que tienen los musicales. En fin, Chazele se arriesgó jugando con fuego, y al menos no salió chamuscado.

LION Director: Garth Davis

Las buenas intenciones de esta cinta debut del director Garth Davis son evidentes. Nos habla con humanidad, aunque no exento de sensiblería, sobre la búsqueda de las raíces, el enfrentamiento con la adversidad, la formación del carácter, el encuentro con uno mismo... Sí, todas esas premisas que son tan caras a Hollywood para construir un producto cinematográfico se encuentran en "Lion", con el plus de que están basadas en un caso real, lo cual es como maná caído del cielo para la Academia del Óscar. Lamentablemente la producción se queda sólo en esas buenas intenciones, que se solazan en la superficie de los acontecimientos sin realmente profundizar en cosas sustanciales, o al menos ilustrar un poco más el conflicto o esclarecer las inquietudes que mueven al protagonista. La historia de "Lion" es la historia de Saroo, un niño hindú de cinco años que por accidente es abandonado en Calcuta, a miles de kilómetros de su pueblo natal. Después de vagar y padecer por la ciudad, es llevado a un orfanato donde es adoptado por una pareja australiana. Veinte años después, Saroo es golpeado por la punzada de la nostalgia y de la identidad, lo que le lleva a buscar sus orígenes (con una pequeña ayuda de la tecnología) para encontrar a su familia biológica en aquel pueblito donde nació. La primera parte de "Lion", la de Saroo a los cinco años, es la más convincente. El pequeño Sunny Pawar tiene el suficiente carisma para hacer creíble toda aquella odisea vagabunda. La segunda parte, la de Saroo adulto, navega en un mar de calma chicha que no tiene nada qué ver con las buenas aptitudes actorales de Dev Patel, Nicole Kidman, Rooney Mara o David Wenham, sino con el vacío en el que los deja abandonados el guión, al que le falta médula. Ni modo, no todas las historias potencialmente emotivas tienen la aptitud de emocionar cuando pasan a la pantalla grande, por más reales que sean.

MANCHESTER BY THE SEA Director: Kenneth Lonergan

Un drama agudo aunque algo estereotipado es éste "Manchester by the sea" que dirige Kenneth Lonergan. Es verdad que sus muy consistentes actuaciones y los buenos momentos conseguidos por la mano de Lonegan no son suficientes para que la cinta se convierta en una obra maestra, pero alcanza ciertas cotas de alta calidad, y el buen Casey Affleck logra mantener la tensión siempre, con esa facha de proletario indolente, jeta de pendenciero y actitud de hielo. Lee, el personaje encarnado por Affleck, tiene un regreso forzado a su pueblo natal luego de la muerte de su hermano, ya que éste le encargó en su testamento la responsabilidad de hacerse cargo de su hijo. Allí, en Manchester by the sea, además de buscar encauzar con sus mejores luces -aunque a regañadientes- la vida de su sobrino adolescente Patrick (un también brillante Lucas Hedges) del que ahora es responsable, debe al mismo tiempo enfrentar un recóndito y lacerante pasado. La historia entonces toma forma, pero ya vemos desde el arranque que esa forma no será melodramática, sino casi todo lo contrario: contenida, arisca, tirante, e hilvanada por los constantes y secos flashbacks que nos van dando el contexto y el rumbo del drama. Un riesgo por cierto, bien planteado y bien resuelto. Así, dados todos los elementos desde casi el principio, como si fuera póker abierto, el director termina por jugar bien sus cartas y ganar la partida.

MOONLIGHT Director Barry Jenkins

Si con "Fences" y "Hidden Figures" la Academia de Hollywood se anotó un punto a favor de la "diversidad", con "Moonlight" se anota un doblete: por diversidad de género y por diversidad de raza. La película de Barry Jenkins es una exposición sencilla y transparente de la experiencia de un chico de color que lidia con el sentimiento del amor, pero también con la identificación de su sexualidad. Dividida en tres grandes capítulos, "Moonlight" sigue la vida de Chiron -primero como niño, luego adolescente y al final como joven adulto- en un barrio de Miami junto a Paula, su insensata madre adicta al crack (Naomie Harris, espectacular en su rol). El tímido Chiron sufre de bullying desde pequeño, y aunque encuentra una figura paterna y protectora en Juan (Mahershala Ali), las circunstancias le llevan revelarse de algún modo, hasta convertirse en una ser casi opuesto al de su niñez. Chiron es entonces un traficante musculoso e inflexible, un camello fuerte y suficiente que sin embargo mantiene en su interior un espacio para el sentimiento, y guarda un recuerdo muy especial de su crush de la adolescencia. El tema está tratado con sensibilidad y sutileza, sin gesticulaciones exageradas ni excesos dramáticos. Incluso en sus silencios es un documento expresivo. Todo abona en su favor para considerarla un fino y apreciable logro.

[sonyclasica]

WILLIAM STEIMBERG

THE COMPLETE RCA VICTOR RECORDINGS

Las grabaciones completas para RCA Victor remasterizadas a partir de las cintas multipista analógicas con 3 grabaciones inéditas Grabaciones para RCA de William Steinberg y la Orquesta Sinfónica de Boston.

William Steinberg alcanzó la cima de su carrera cuando fue nombrado director musical de la Sinfónica de Boston en 1969, como sucesor de Erich Leinsdorf. Ningún director anterior había dirigido simultáneamente dos de las diez mejores orquestas de Estados Unidos. La condición que había puesto para asumir esa posición en Boston era que pudiera seguir trabajando en Pittsburgh con la orquesta que dirigía desde 1952.

Nacido con el nombre de Hans Wilhelm Steinberg en Colonia el 1 de agosto de 1899, estudió en el conservatorio local con el director de orquesta Hermann Abendroth y el pianista Lazzaro Uzielli, alumno de Clara Schumann. Tras licenciarse en 1920, se convirtió en ayudante de Otto Klemperer en la Ópera de Colonia. En 1929 fue nombrado director musical en Fráncfort. Relevado de su cargo por los nazis en 1933, dirigió conciertos en Fráncfort y Berlín bajo el patrocinio de la Liga Cultural Judía antes de emigrar a Palestina en 1936 para hacerse cargo de la Orquesta de Palestina (actual Orquesta Filarmónica de Israel). Invitado por Toscanini, viajó a Estados Unidos en 1938 para colaborar en la formación de la nueva Orquesta Sinfónica de la NBC. En 1945 asumió la dirección musical de la Filarmónica de Búfalo, donde le gustaba referirse a sí mismo como "Búfalo Bill".

Por desgracia, la colaboración de Steinberg/Boston con la RCA fue desafortunada y efímera. No por el repertorio, sino por la caída en picado de las ventas y la espiral de costes que asolaba a la industria discográfica estadounidense en general, lo que convenció a RCA de que su contrato con la Sinfónica de Boston caducara tras 52 años de asociación. Peter Quantrill, de la revista Gramophone, afirmó en 2018 que Steinberg era "el más infragrabado de los grandes directores de orquesta de la segunda mitad del siglo pasado".

En 2004, el crítico Richard Freed escribió sobre la Novena Sinfonía de Schubert (CD 1) y la Sexta Sinfonía de Bruckner (CD 2): "Ambas [son] interpretaciones vitales e inspiradoras, libres de la monumentalización que con demasiada frecuencia se inflige a dicha música: se encuentran entre las mejores aportaciones de su discografía y entre las mejores grabaciones de las obras". Según John L. Holmes en Conductors on Record, también eran las favoritas de Steinberg entre sus propias grabaciones. La orquestación del Scherzo del Octeto del propio Mendelssohn y el Scherzo fantastique y el Scherzo à la russe de Stravinsky, combinados en el CD 3 con formidables interpretaciones virtuosas de piezas orquestales de Dukas, Richard Strauss y Saint-Saëns, se prepararon originalmente para su publicación en el LP LSC-3155, pero permanecían inéditos, hasta ahora.

Este repaso a las grabaciones de la Sinfónica de Boston para la RCA durante la época de Steinberg se completa con grabaciones de 1970 de la Sinfonía del "Nuevo Mundo" de Dvořák y la Obertura de Carnaval (CD 4) de la misma época grabadas por Arthur Fiedler, antiguo violinista de la BSO y director durante muchos años de la Boston Pops. Sus grabaciones de repertorio principalmente ligero para RCA generaron unas ventas totales de más de 50 millones. Sin embargo, su ambición era grabar una gran sinfonía, y aquí RCA le concedió su deseo con retraso, poniendo a su disposición por primera y única vez a la Orquesta Sinfónica de Boston al completo.

Todas las grabaciones del conjunto se han transferido y remasterizado desde las cintas analógicas de 3 pistas (CD 1), 4 pistas (CD 2, 3 [1-6], 4) y 2 pistas (CD 3 [7-9]) utilizando tecnología de 24 bits / 192 kHz.

CONTENIDO DEL SET

DISC 1:

Schubert: Symphony No. 9 in C Major, D.944 "The Great"

DISC 2:

Bruckner: Symphony No. 6 in A Major, WAB 106

DISC 3:

Dukas: The Sorcerer's Apprentice

Strauss, R.: Till Eulenspiegels lustige Streiche Op. 28

Mendelssohn: Octet in E-flat Major, Op. 20, MWV R20: III. Scherzo [first release]

Saint-Saëns: Danse Macabre

Stravinsky: Scherzo fantastique [first release]

Stravinsky: Scherzo à la russe [first release]

Stravinsky: Pétrouchka: Russian Dance (S. Ozawa)

Kodály: Háry János: Viennese Musical Clock, Entrance of the Emperor and his Court (E. Leinsdorf)

DISC 4:

Dvořák: Symphony No. 9 in E Minor, Op. 95 "From the New World" (A. Fiedler)

Dvořák: Carnival Overture (A. Fiedler)

[elmartillosinmetre]

Retrato de un director

[Mariss Jansons (Riga, 1943 - San Petersburgo (2019) / PETER MEISEL]

El sello discográfico de la Radio de Baviera publica una monumental edición dedicada al maestro letón Mariss Jansons

En los años gloriosos del formato CD, esos que fueron aproximadamente de 1982 al 2000, las más importantes empresas discográficas nos acostumbraron a las grandes ediciones, cajas más o menos voluminosas que celebraban a compositores o intérpretes a precios muy especiales. El producto no ha dejado de tener atractivo, pero los importantes cambios producidos en la industria en las últimas décadas lo han democratizado, en cuanto son ahora muchas de las orquestas o teatros que gestionan sus grabaciones en sellos propios los que se atreven a poner en el mercado colecciones de ese estilo.

BR-Klassik, el sello de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, acaba de hacerlo para celebrar al que ha sido su último titular, el letón Mariss Jansons (Riga, 1943 -San Petersburgo, 2019) con una impresionante edición de 70 discos (dos de ellos en formato audiovisual), que recoge el grueso de lo que en sus diecis��is años de titularidad Jansons grabó con el conjunto, incluidos registros que permanecían inéditos.

Hijo del director Arvids Jansons, que trabajó como asistente del mítico Mravinski en la Filarmónica de Leningrado, Mariss Jansons tuvo una formación musical canónica pasando por las manos de Swarowski en Viena y de Karajan en Salzburgo. Como su padre, fue asistente de Mravinski en Leningrado, aunque su primer nombramiento importante no le llegó hasta 1979 al ser elegido titular de la Filarmónica de Oslo, un conjunto al que, en dos décadas, convirtió en popular en toda Europa gracias a sus giras y sus innumerables grabaciones. En los años 90 trabajó habitualmente con orquestas londinenses y en 1997 fue elegido como titular de la Sinfónica de Pittsburgh, puesto que mantuvo hasta 2004.

El gran espaldarazo a su carrera le llegó justo a principios de siglo. En el otoño de 2003, la Sinfónica de la Radio de Baviera lo eligió como sucesor de Lorin Maazel, en principio por tres años, pero su contrato fue renovándose hasta la fecha misma de su muerte, que lo alcanzó cuando aún le quedaban dos temporadas de titularidad garantizada. En 2004, la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam lo escogió como sucesor de Riccardo Chailly. Que una misma batuta simultaneara la titularidad de dos de las más importantes orquestas europeas era sólo la confirmación de su prestigio ascendente, no sólo como un extraordinario músico, sino como alguien capaz de comandar conjuntos humanos de la complejidad de una orquesta sinfónica. Lejos ya los modelos de los directores dictadores, de Jansons siempre se destacó su bonhomía, su exquisitez en el trato con los profesores de los conjuntos que dirigía y su capacidad para convencerlos de que sus decisiones y sus elecciones musicales eran siempre las correctas.

Una doble titularidad de esas características suponía sin duda una carga notable para un hombre que había sufrido en 1996 un ataque al corazón mientras dirigía en el foso de la Ópera de Oslo, tras lo que le instalaron un desfibrilador en el pecho, por lo que en 2015 decidió dejar su puesto en la orquesta holandesa. Poco antes, su relación con Múnich se había estrechado cuando en 2013 decidió donar la generosa cantidad de dinero que le correspondía por recibir el Premio Ernst von Siemens como contribución a la construcción de una nueva sede para la orquesta. La Radio Bávara ha querido corresponder a la dedicación de Jansons con esta edición monumental de más de 60 horas de música.

La caja incluye integrales sinfónicas de Beethoven, Brahms y Mahler. Registrado en 2012, el ciclo beethoveniano se complementa además con obras de autores contemporáneos vinculados a la obra del genial sordo. La 4ª de Brahms aparece dos veces, ya que se incluía en el último concierto que Jansons dio con la orquesta (en el Carnegie Hall de Nueva York), apenas una semana antes de su muerte, un concierto que se completó con los interludios sinfónicos de Intermezzo de Strauss. 3ª, 4ª, 6ª y 8ª de Mahler se editan por primera vez.Entre los inéditos se incluyen también la Misa nº3 de Bruckner, el Réquiem de Mozart, la Misa berlinesa de Pärt, el Stabat Mater de Poulenc, el Concierto para piano nº1 y la 9ª sinfonía de Shostakóvich, el Romeo y Julieta de Chaikovski y El pájaro de fuego de Stravinski (aunque estas dos últimas sí estaban accesibles para la escucha digital). Una Dama de picas de Chaikovski es la única ópera del contenido de la caja. Se incluye también la grabación del estreno del Requiem-Strophen de Wolfgang Rihm, un Requiem de Verdi, el War Requiem de Britten, los ballets parisinos de Stravinski y lo más granado del repertorio sinfónico de Schubert, Schumann, Bruckner, Shostakóvich o Chaikovski, además de muchos de los grandes poemas sinfónicos de Strauss. Hay poco Dvorák (solo la 8ª) y Sibelius (2ª) y apenas conciertos.De los dos DVD, uno (Sinfonías 77 y 88 y Harmoniemesse de Haydn) está también en formato SACD. El otro contiene un registro de los Gurrelieder de Schoenberg. Además se incluyen tres discos de ensayos (Fantástica de Berlioz, 5ª de Chaikovski y Till Eulenspiegel de Strauss), pero no hay traducción de su contenido, por lo que sólo serán verdaderamente disfrutables para los que entiendan el alemán.

Una orquesta casi centenaria

La Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera es la tercera orquesta radicada en Múnich si atendemos a la antigüedad. A su lado, conviven la Orquesta Estatal de Baviera, titular de la Ópera de igual nombre, que funciona desde 1653, y la Filarmónica de Múnich, fundada en 1893.

La Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, que ese es su nombre oficial en alemán, fue fundada en 1949, tras el duro proceso de desnazificación que siguió a la derrota germana de 1945. Pero el conjunto tiene antecedentes casi desde el mismo año en que se fundó la Radio muniquesa, hace justo un siglo (1922). El primer concierto sinfónico transmitido por la emisora con un conjunto propio tuvo lugar en agosto de 1924.

Desde 1949, el conjunto ha tenido cinco directores titulares que lo han encumbrado a un lugar de privilegio en el universo sinfónico internacional. Eugen Jochum fue el primer líder del conjunto. Mantuvo su puesto hasta 1960. Al año siguiente fue sustituido por el checo Rafael Kubelík, que se mantuvo en la titularidad hasta 1979. Su sustituto se hizo esperar cuatro años, pues no sería hasta 1983 que el británico Colin Davis asumió un cargo en el que permaneció hasta 1992. En 1993 tomó el relevo Lorin Maazel, que repitió el período de nueve años de su antecesor, pues dejó su puesto en 2002. A su muerte en 2019, Mariss Jansons llevaba dieciséis años al frente de la orquesta y tenía contrato hasta 2021. El letón ya tiene sucesor: será Sir Simon Rattle quien acceda al puesto en 2023.

[Diario de Sevilla. 31-01-2022]

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PABLO SÁINZ-VILLEGAS

PABLO SÁINZ-VILLEGAS + FILARMÓNICA DE BERLÍN

Pablo Sáinz-Villegas actuará junto a la Filarmónica de Berlín en el Concierto de Año Nuevo en directo el 31 de diciembre de 2020.

Consigue el álbum AQUÍ

Actualmente considerado como uno de los solistas más importantes del mundo en su instrumento, Pablo Sáinz-Villegas encarna “el alma de la guitarra española” y ha sido varias veces aclamado internacionalmente como embajador de la cultura española. Es el primer guitarrista, en cuatro décadas, que invita la Berliner Philharmoniker para actuar con la Berlin Philharmonie, y el primer guitarrista en ese periodo que actúa en el tradicional concierto de Fin de Año que ofrece la orquesta. A finales de 2020 interpretará el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo bajo la dirección de Kirill Petrenko. Tras recoger una treintena de premios en concursos internacionales y ofrecer conciertos en más de cuarenta países, Pablo Sáinz-Villegas es considerado, y con razón, el digno sucesor del legendario padre de la guitarra clásica, Andrés Segovia. En el sello Sony Classical ocupa un lugar destacado en la tradición de grandes guitarristas como John Williams y Julian Bream.

Cuando el virtuosismo supremo se combina con la ligereza del tacto, cuando la pasión se une a la melancolía y cuando las seis cuerdas de la guitarra vibran en un solo latido, entonces sabemos que Pablo Sáinz-Villegas está en su elemento. Para su último disco, este artista excepcional ha elegido diez obras muy especiales para él: “La música española es una mezcla de distintas influencias”, explica, porque en ella confluyen “las armonías, ritmos y melodías de todo un abanico de tradiciones populares”. Estas tradiciones no son solo árabes y cristianas, también hay otras. En la música que se ha escrito para la guitarra española, los oyentes pueden reconocer “la voz de toda una nación”. Aquí hay un lenguaje basado en “la convivencia pacífica secular de una variedad de culturas diferentes”.

 “Bienvenidos a mi país, que está dispuesto a abrirles su corazón”. El último álbum de Pablo Sáinz-Villegas presenta algunas de las obras más conocidas jamás escritas para guitarra. Pero son, sobre todo, dos los compositores que más le interesan: Francisco Tárrega, al que representan Recuerdos de la Alhambra, Capricho Árabe, Gran jota de concierto y Lágrima, mientras que las aportaciones de Isaac Albéniz incluyen Asturias y Mallorca. “Tengo una relación especialmente estrecha con cada una de estas piezas, ya que representan una parte diferente de la España que tanto amo”. En conjunto, las obras que aquí se han grabado forman ni más ni menos que “la esencia y el alma de la guitarra española”. Entre las principales fuentes de inspiración de estas obras se encuentra la música folclórica, en particular la jota, una danza que Pablo Sáinz-Villegas solía bailar en su juventud. El Intermezzo de La boda de Luis Alonso de Gerónimo Giménez constituye un homenaje a la zarzuela, género español por excelencia que es una síntesis de ópera, teatro, drama y comedia en un acto.

 Artista exclusivo de Sony, Pablo Sáinz-Villegas nació en Logroño (La Rioja). Ha estrenado a nivel mundial numerosas obras, incluida Rounds, la primera pieza de guitarra del compositor ganador de un Oscar, John Williams. En 2018 Pablo tuvo el privilegio de trabajar con Plácido Domingo en un álbum conjunto, el exitoso Volver, que llevó a Domingo a describirlo como un verdadero “maestro de la guitarra”. En 2006 Pablo fundó The Legacy of Music Without Borders, un proyecto cuyo objetivo es unir a las personas para fomentar una mayor comprensión de las diferentes culturas. Ya ha podido llegar a más de 45.000 niños. Pablo Sáinz-Villegas actualmente vive en Nueva York y Madrid.

 Tracklist:

           Isaac Albéniz

1        Asturias (Leyenda)

            Anonymous

2        Spanish Romance

           Gerónimo Giménez

3        La boda de Luis Alonso: Intermedio

           Francisco Tárrega

4        Recuerdos de la Alhambra

5        ¡Adelita! Mazurka

           Isaac Albéniz

6        Tórre Bermeja (Serenata)

           Francisco Tárrega

7        Capricho árabe

8        Gran Jota de concierto

           Isaac Albéniz

9        Mallorca

           Francisco Tárrega

10      Lágrima (Preludio)

           Pablo Sáinz-Villegas guitarra

  Fechas de Conciertos:

 Octubre 16, 2020       Riojaforum, Logroño, España

Programa: “El alma de la guitarra española”

 Diciembre 29, 30, 31, 2020    The Philharmonie, Berlin, Germany / New Year’s Eve Concert  

Con: Berlin Philharmonic

Programa: J. Rodrigo: Concierto de Aranjuez

 Enero 3, 2021 Elbphilharmonie Hamburg, Hamburg, Germany

Programa: Albéniz, Barrios, Granados, Tárrega, Gimenez, Rodrigo

 Enero 23, 2021           Carnegie Hall, New York, USA

Con: Orpheus Chamber Orchestra and special appearance by Branford Marsalis

Programa: J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

 Enero 29, 30, 2021      Abravanel Hall · Salt Lake City, USA  

Con: Utah Symphony

Programa:  J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

 Febrero 19, 2021       ��Winspear Centre for Music · Edmonton, Canada  

Con: Edmonton Symphony Orchestra

Programa: J. Rodrigo: Concierto de Aranjuez

 Mayo 10, 2021           Carnegie Music Hall of Oakland · Pittsburgh, USA  

Programa:  Solo guitar recital

 May0 28, 30, 2021      Auditorio Nacional de Música · Madrid, España  

Con: Orquesta Nacional de España

Programa: J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

[sonyclasica]

PABLO SÁINZ-VILLEGAS

PRESENTACIÓN DE SU NUEVO ÁLBUM EN STREAMING EN LA QUE  INTERPRETARÁ ALGUNOS DE LOS TEMAS DEL ÁLBUM

Consigue el álbum aquí

Actualmente considerado como uno de los solistas más importantes del mundo en su instrumento, Pablo Sáinz-Villegas encarna “el alma de la guitarra española” y ha sido varias veces aclamado internacionalmente como embajador de la cultura española. Es el primer guitarrista, en cuatro décadas, que invita la Berliner Philharmoniker para actuar con la Berlin Philharmonie, y el primer guitarrista en ese periodo que actúa en el tradicional concierto de Fin de Año que ofrece la orquesta. A finales de 2020 interpretará el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo bajo la dirección de Kirill Petrenko. Tras recoger una treintena de premios en concursos internacionales y ofrecer conciertos en más de cuarenta países, Pablo Sáinz-Villegas es considerado, y con razón, el digno sucesor del legendario padre de la guitarra clásica, Andrés Segovia. En el sello Sony Classical ocupa un lugar destacado en la tradición de grandes guitarristas como John Williams y Julian Bream.

Cuando el virtuosismo supremo se combina con la ligereza del tacto, cuando la pasión se une a la melancolía y cuando las seis cuerdas de la guitarra vibran en un solo latido, entonces sabemos que Pablo Sáinz-Villegas está en su elemento. Para su último disco, este artista excepcional ha elegido diez obras muy especiales para él: “La música española es una mezcla de distintas influencias”, explica, porque en ella confluyen “las armonías, ritmos y melodías de todo un abanico de tradiciones populares”. Estas tradiciones no son solo árabes y cristianas, también hay otras. En la música que se ha escrito para la guitarra española, los oyentes pueden reconocer “la voz de toda una nación”. Aquí hay un lenguaje basado en “la convivencia pacífica secular de una variedad de culturas diferentes”.

“Bienvenidos a mi país, que está dispuesto a abrirles su corazón”. El último álbum de Pablo Sáinz-Villegas presenta algunas de las obras más conocidas jamás escritas para guitarra. Pero son, sobre todo, dos los compositores que más le interesan: Francisco Tárrega, al que representan Recuerdos de la Alhambra, Capricho Árabe, Gran jota de concierto y Lágrima, mientras que las aportaciones de Isaac Albéniz incluyen Asturias y Mallorca. “Tengo una relación especialmente estrecha con cada una de estas piezas, ya que representan una parte diferente de la España que tanto amo”. En conjunto, las obras que aquí se han grabado forman ni más ni menos que “la esencia y el alma de la guitarra española”. Entre las principales fuentes de inspiración de estas obras se encuentra la música folclórica, en particular la jota, una danza que Pablo Sáinz-Villegas solía bailar en su juventud. El Intermezzo de La boda de Luis Alonso de Gerónimo Giménez constituye un homenaje a la zarzuela, género español por excelencia que es una síntesis de ópera, teatro, drama y comedia en un acto.

Artista exclusivo de Sony, Pablo Sáinz-Villegas nació en Logroño (La Rioja). Ha estrenado a nivel mundial numerosas obras, incluida Rounds, la primera pieza de guitarra del compositor ganador de un Oscar, John Williams. En 2018 Pablo tuvo el privilegio de trabajar con Plácido Domingo en un álbum conjunto, el exitoso Volver, que llevó a Domingo a describirlo como un verdadero “maestro de la guitarra”. En 2006 Pablo fundó The Legacy of Music Without Borders, un proyecto cuyo objetivo es unir a las personas para fomentar una mayor comprensión de las diferentes culturas. Ya ha podido llegar a más de 45.000 niños. Pablo Sáinz-Villegas actualmente vive en Nueva York y Madrid.

REPERTORIO DEL CD:

ISAAC ALBÉNIZ

1        Asturias (Leyenda)

ANONIMO

2        Spanish Romance

GERÓNIMO GIMÉNEZ

3        La boda de Luis Alonso: Intermedio

FRANCISCO TÁRREGA

4        Recuerdos de la Alhambra

5        ¡Adelita! Mazurka

ISAAC ALBÉNIZ

6        Tórre Bermeja (Serenata)

FRANCISCO TÁRREGA

7        Capricho árabe

8        Gran Jota de concierto

ISAAC ALBÉNIZ

9        Mallorca

FRANCISCO TÁRREGA

10      Lágrima (Preludio)

Pablo Sáinz-Villegas guitarra

Fechas de Conciertos:

Diciembre 29, 30, 31, 2020   The Philharmonie, Berlin, Germany / New Year’s Eve Concert

Con: Berlin Philharmonic

Programa: J. Rodrigo: Concierto de Aranjuez

Enero 3, 2021         Elbphilharmonie Hamburg, Hamburg, Germany

Programa: Albéniz, Barrios, Granados, Tárrega, Gimenez, Rodrigo

Enero 23, 2021       Carnegie Hall, New York, USA

Con: Orpheus Chamber Orchestra and special appearance by Branford Marsalis

Programa: J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

Enero 29, 30, 2021 Abravanel Hall · Salt Lake City, USA

Con: Utah Symphony

Programa:  J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

Febrero 19, 2021   Winspear Centre for Music · Edmonton, Canada

Con: Edmonton Symphony Orchestra

Programa: J. Rodrigo: Concierto de Aranjuez

Mayo 10, 2021       Carnegie Music Hall of Oakland · Pittsburgh, USA

Programa:  Solo guitar recital

May0 28, 30, 2021      Auditorio Nacional de Música · Madrid, España

Con: Orquesta Nacional de España

Programa: J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

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PABLO SÁINZ VILLEGAS

SOUL OF SPANISH GUITAR

El virtuoso de la guitarra Pablo Sáinz-Villegas publica su nuevo álbum Soul of Spanish Guitar el 20 de noviembre.

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Actualmente considerado como uno de los solistas más importantes del mundo en su instrumento, Pablo Sáinz-Villegas encarna “el alma de la guitarra española” y ha sido varias veces aclamado internacionalmente como embajador de la cultura española. Es el primer guitarrista, en cuatro décadas, que invita la Berliner Philharmoniker para actuar con la Berlin Philharmonie, y el primer guitarrista en ese periodo que actúa en el tradicional concierto de Fin de Año que ofrece la orquesta. A finales de 2020 interpretará el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo bajo la dirección de Kirill Petrenko. Tras recoger una treintena de premios en concursos internacionales y ofrecer conciertos en más de cuarenta países, Pablo Sáinz-Villegas es considerado, y con razón, el digno sucesor del legendario padre de la guitarra clásica, Andrés Segovia. En el sello Sony Classical ocupa un lugar destacado en la tradición de grandes guitarristas como John Williams y Julian Bream.

Cuando el virtuosismo supremo se combina con la ligereza del tacto, cuando la pasión se une a la melancolía y cuando las seis cuerdas de la guitarra vibran en un solo latido, entonces sabemos que Pablo Sáinz-Villegas está en su elemento. Para su último disco, este artista excepcional ha elegido diez obras muy especiales para él: ��La música española es una mezcla de distintas influencias”, explica, porque en ella confluyen “las armonías, ritmos y melodías de todo un abanico de tradiciones populares”. Estas tradiciones no son solo árabes y cristianas, también hay otras. En la música que se ha escrito para la guitarra española, los oyentes pueden reconocer “la voz de toda una nación”. Aquí hay un lenguaje basado en “la convivencia pacífica secular de una variedad de culturas diferentes”.

“Bienvenidos a mi país, que está dispuesto a abrirles su corazón”. El último álbum de Pablo Sáinz-Villegas presenta algunas de las obras más conocidas jamás escritas para guitarra. Pero son, sobre todo, dos los compositores que más le interesan: Francisco Tárrega, al que representan Recuerdos de la Alhambra, Capricho Árabe, Gran jota de concierto y Lágrima, mientras que las aportaciones de Isaac Albéniz incluyen Asturias y Mallorca. “Tengo una relación especialmente estrecha con cada una de estas piezas, ya que representan una parte diferente de la España que tanto amo”. En conjunto, las obras que aquí se han grabado forman ni más ni menos que “la esencia y el alma de la guitarra española”. Entre las principales fuentes de inspiración de estas obras se encuentra la música folclórica, en particular la jota, una danza que Pablo Sáinz-Villegas solía bailar en su juventud. El Intermezzo de La boda de Luis Alonso de Gerónimo Giménez constituye un homenaje a la zarzuela, género español por excelencia que es una síntesis de ópera, teatro, drama y comedia en un acto.

Artista exclusivo de Sony, Pablo Sáinz-Villegas nació en Logroño (La Rioja). Ha estrenado a nivel mundial numerosas obras, incluida Rounds, la primera pieza de guitarra del compositor ganador de un Oscar, John Williams. En 2018 Pablo tuvo el privilegio de trabajar con Plácido Domingo en un álbum conjunto, el exitoso Volver, que llevó a Domingo a describirlo como un verdadero “maestro de la guitarra”. En 2006 Pablo fundó The Legacy of Music Without Borders, un proyecto cuyo objetivo es unir a las personas para fomentar una mayor comprensión de las diferentes culturas. Ya ha podido llegar a más de 45.000 niños. Pablo Sáinz-Villegas actualmente vive en Nueva York y Madrid.

Tracklist:

         ISAAC ALBÉNIZ

1        Asturias (Leyenda)

         ANONYMOUS

2        Spanish Romance

         GERÓNIMO GIMÉNEZ

3        La boda de Luis Alonso: Intermedio

         FRANCISCO TÁRREGA

4        Recuerdos de la Alhambra

5        ¡Adelita! Mazurka

         ISAAC ALBÉNIZ

6        Tórre Bermeja (Serenata)

         FRANCISCO TÁRREGA

7        Capricho árabe

8        Gran Jota de concierto

         ISAAC ALBÉNIZ

9        Mallorca

         FRANCISCO TÁRREGA

10      Lágrima (Preludio)

         Pablo Sáinz-Villegas guitarra

Fechas de Conciertos:

Diciembre 29, 30, 31, 2020   The Philharmonie, Berlin, Germany / New Year’s Eve Concert  

Con: Berlin Philharmonic

Programa: J. Rodrigo: Concierto de Aranjuez

Enero 3, 2021 Elbphilharmonie Hamburg, Hamburg, Germany

Programa: Albéniz, Barrios, Granados, Tárrega, Gimenez, Rodrigo

Enero 23, 2021           Carnegie Hall, New York, USA

Con: Orpheus Chamber Orchestra and special appearance by Branford Marsalis

Programa: J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

Enero 29, 30, 2021     Abravanel Hall · Salt Lake City, USA

Con: Utah Symphony

Programa:  J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

Febrero 19, 2021        Winspear Centre for Music · Edmonton, Canada

Con: Edmonton Symphony Orchestra

Programa: J. Rodrigo: Concierto de Aranjuez

Mayo 10, 2021           Carnegie Music Hall of Oakland · Pittsburgh, USA

Programa:  Solo guitar recital

Mayo 28, 30, 2021      Auditorio Nacional de Música · Madrid, España

Con: Orquesta Nacional de España

Programa: J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

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PABLO SÁINZ-VILLEGAS

SOUL OF SPANISH GUITAR

Pablo Sáinz-Villegas presenta su nuevo álbum Soul of Spanish Guitar a la venta el 20 de noviembre. Su primer single “Lágrima” estará disponible el 16 de octubre.

“Podemos decir que es el embajador global de la guitarra española”

Billboard Magazine

Actualmente considerado como uno de los solistas más importantes del mundo en su instrumento, Pablo Sáinz-Villegas encarna “el alma de la guitarra española” y ha sido varias veces aclamado internacionalmente como embajador de la cultura española. Es el primer guitarrista, en cuatro décadas, que invita la Berliner Philharmoniker para actuar con la Berlin Philharmonie, y el primer guitarrista en ese periodo que actúa en el tradicional concierto de Fin de Año que ofrece la orquesta. A finales de 2020 interpretará el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo bajo la dirección de Kirill Petrenko. Tras recoger una treintena de premios en concursos internacionales y ofrecer conciertos en más de cuarenta países, Pablo Sáinz-Villegas es considerado, y con razón, el digno sucesor del legendario padre de la guitarra clásica, Andrés Segovia. En el sello Sony Classical ocupa un lugar destacado en la tradición de grandes guitarristas como John Williams y Julian Bream.

Cuando el virtuosismo supremo se combina con la ligereza del tacto, cuando la pasión se une a la melancolía y cuando las seis cuerdas de la guitarra vibran en un solo latido, entonces sabemos que Pablo Sáinz-Villegas está en su elemento. Para su último disco, este artista excepcional ha elegido diez obras muy especiales para él: “La música española es una mezcla de distintas influencias”, explica, porque en ella confluyen “las armonías, ritmos y melodías de todo un abanico de tradiciones populares”. Estas tradiciones no son solo árabes y cristianas, también hay otras. En la música que se ha escrito para la guitarra española, los oyentes pueden reconocer “la voz de toda una nación”. Aquí hay un lenguaje basado en “la convivencia pacífica secular de una variedad de culturas diferentes”.

“Bienvenidos a mi país, que está dispuesto a abrirles su corazón”. El último álbum de Pablo Sáinz-Villegas presenta algunas de las obras más conocidas jamás escritas para guitarra. Pero son, sobre todo, dos los compositores que más le interesan: Francisco Tárrega, al que representan Recuerdos de la Alhambra, Capricho Árabe, Gran jota de concierto yLágrima, mientras que las aportaciones de Isaac Albéniz incluyen Asturias y Mallorca. “Tengo una relación especialmente estrecha con cada una de estas piezas, ya que representan una parte diferente de la España que tanto amo”. En conjunto, las obras que aquí se han grabado forman ni más ni menos que “la esencia y el alma de la guitarra española”. Entre las principales fuentes de inspiración de estas obras se encuentra la música folclórica, en particular la jota, una danza que Pablo Sáinz-Villegas solía bailar en su juventud. El Intermezzo de La boda de Luis Alonso de Gerónimo Giménez constituye un homenaje a la zarzuela, género español por excelencia que es una síntesis de ópera, teatro, drama y comedia en un acto.

Artista exclusivo de Sony, Pablo Sáinz-Villegas nació en Logroño (La Rioja). Ha estrenado a nivel mundial numerosas obras, incluidaRounds, la primera pieza de guitarra del compositor ganador de un Oscar, John Williams. En 2018 Pablo tuvo el privilegio de trabajar con Plácido Domingo en un álbum conjunto, el exitoso Volver, que llevó a Domingo a describirlo como un verdadero “maestro de la guitarra”. En 2006 Pablo fundóThe Legacy of Music Without Borders, un proyecto cuyo objetivo es unir a las personas para fomentar una mayor comprensión de las diferentes culturas. Ya ha podido llegar a más de 45.000 niños. Pablo Sáinz-Villegas actualmente vive en Nueva York y Madrid.

TRACKLIST:

ISAAC ALBÉNIZ

1        Asturias (Leyenda)

ANONYMOUS

2        Spanish Romance

GERÓNIMO GIMÉNEZ

3        La boda de Luis Alonso: Intermedio

FRANCISCO TÁRREGA

4        Recuerdos de la Alhambra

5        ¡Adelita! Mazurka

ISAAC ALBÉNIZ

6        Torre Bermeja (Serenata)

FRANCISCO TÁRREGA

7        Capricho árabe

8        Gran Jota de concierto

ISAAC ALBÉNIZ

9        Mallorca

FRANCISCO TÁRREGA

10      Lágrima (Preludio)

Pablo Sáinz-Villegas Guitarra

FECHAS DE CONCIERTOS:

Octubre 16, 2020       Riojaforum, Logroño, España

Programa: “El alma de la guitarra española”

Diciembre 29, 30, 31, 2020   The Philharmonie, Berlin, Germany / New Year’s Eve Concert

Con: Berlin Philharmonic

Programa: J. Rodrigo: Concierto de Aranjuez

Enero 3, 2021 Elbphilharmonie Hamburg, Hamburg, Germany

Programa: Albéniz, Barrios, Granados, Tárrega, Gimenez, Rodrigo

Enero 23, 2021           Carnegie Hall, New York, USA

Con: Orpheus Chamber Orchestra and special appearance by Branford Marsalis

Programa: J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

Enero 29, 30, 2021     Abravanel Hall · Salt Lake City, USA

Con: Utah Symphony

Programa:  J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

Febrero 19, 2021        Winspear Centre for Music · Edmonton, Canada

Con: Edmonton Symphony Orchestra

Programa: J. Rodrigo: Concierto de Aranjuez

Mayo 10, 2021           Carnegie Music Hall of Oakland · Pittsburgh, USA

Programa:  Solo guitar recital

May0 28, 30, 2021      Auditorio Nacional de Música · Madrid, España

Con: Orquesta Nacional de España

Programa: J. Rodrigo: Fantasía para un gentilhombre

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FRITZ REINER

THE COMPLETE COLUMBIA ALBUM COLLECTION

Sony Classical reúne la discografía completa de Fritz Reiner en Pittsburgh y Nueva York en 14 CD. A la venta el 11 de septiembre.

Cuando, a los 50 años, Fritz Reiner fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh en 1938, todavía era relativamente desconocido en Estados Unidos. Este alumno de Bartók en la Academia de Música de su Budapest natal, ex director de la Ópera Real de Dresde, donde trabajó con Richard Strauss, y durante los últimos 16 años, el director musical de la Orquesta Sinfónica de Cincinnati, rara vez era mencionado en la prensa estadounidense, aunque en realidad había hecho algunos discos en 1938 con la Filarmónica de Nueva York, que fueron emitidos de forma anónima.

Todo cambió para Reiner cuando su mudanza a Pittsburgh llevó a casi una década de grabaciones fundamentales para la Columbia Americana. Sony Classical ahora se complace en presentar una nueva caja de 14 CD que recoge toda la discografía de la Sinfónica de Pittsburgh de Reiner, junto con las grabaciones de Columbia que hizo después de mudarse a Nueva York en 1948, para convertirse en director principal de la Metropolitan Opera.

Reiner ya era un experimentado director de Wagner cuando llegó a Pittsburgh y, como era de esperar, sus primeras sesiones en febrero y marzo de 1940 incluyeron, entre otras selecciones populares, la Cabalgata de las valquirias. Esta es la grabación más antigua del nuevo set y el primer registro comercial acreditado de Reiner. Desafortunadamente, los problemas eléctricos arruinaron los masters de Wagner restantes de 1940, por lo que esas obras tuvieron que volver a grabarse en 1941, Otros que datan de antes de la guerra incluyen el Don Juan de Strauss (de enero de 1941) y Don Quijote, con el violonchelista Gregor Piatigorsky (noviembre de 1941), así como Iberia de Debussy (también de noviembre de 1941).

Tras la prohibición nacional de grabación en tiempos de guerra, Reiner y la orquesta regresaron a la Mezquita de Siria en marzo de 1945 para establecer algunos ejemplos principales del repertorio muy variado del director: la Sexta Sinfonía de Shostakovich; la grabación principal de la suite de Robert Russell Bennett de Porgy and Bess de Gershwin, encargada por Reiner; Divertimento No.1 de su amigo húngaro Léo Weiner; las Danzas de Galánta de otro compatriota, Zoltán Kodály; y la Segunda Sinfonía de Beethoven.

Algunas de sus grabaciones más memorables de Pittsburgh se hicieron en febrero de 1946: la primera producción en estudio del Concierto para orquesta de su antiguo maestro Bartók; Danzas húngaras de Brahms y el primer concierto para piano con Rudolf Serkin; El amor brujo de Falla, un perenne favorito de Reiner, con la excelente mezzo solista Carol Brice, que también grabó Lieder de Mahler eines fahrenden Gesellen durante esas sesiones; y la suite de Le Bourgeois Gentilhomme de Strauss, que Reiner había presentado en los Estados Unidos en Cincinnati. Ninguno de estos, excepto el concierto de Brahms y el Strauss, había aparecido en CD en Sony Classical.

Reiner realizó su última grabación en Pittsburgh, Ein Heldenleben de Strauss, en noviembre de 1947. Dos años más tarde, sus primeras sesiones de Nueva York para Columbia tuvieron lugar en el 30th Street Studio, produciendo un conjunto completo notablemente elegante de los Conciertos de Brandenburgo de Bach. También lanzado por Sony Classical en CD por primera vez, presenta nombres tan ilustres como los clavecistas Sylvia Marlowe y Fernando Valente, el flautista Julius Baker, el trompetista William Vacchiano, el oboista Robert Bloom, el violista William Lincer y el violonchelista Leonard Rose. Unos meses antes, Fritz Reiner hizo una de sus grabaciones más famosas de todas. Estuvo en el Metropolitan dirigiendo el Salomé de Strauss con el mejor exponente del papel principal, Ljuba Welitsch, haciendo su debut en la casa. En medio de la carrera en marzo, en el 30th Street Studio, Columbia capturó la escena final en el disco, una grabación que ha conservado su estado de referencia.

En 1953, el capítulo final de la larga carrera de Fritz Reiner comenzó cuando se convirtió en director musical de la Orquesta Sinfónica de Chicago y comenzó una famosa serie de grabaciones estéreo para RCA Victor. Pero cualquier apreciación completa del legado de este legendario director de orquesta debe incluir sus logros anteriores para Columbia Records en Pittsburgh y Nueva York. Para todos los innumerables aficionados de Reiner en todo el mundo, la nueva caja de 14 CD de Sony Classical será una escucha esencial.

Fritz Reiner – The Complete Columbia Album Collection

DISC 1:

Ravel: La Valse, M. 72 (Remastered)

Debussy: Images, L. 122: Ibéria (Remastered)

Berlioz: La damnation de Faust, H. 111: Marche hongroise (Remastered)

Debussy (orch. Ravel): Danse "Tarantelle styrienne", L. 69 (Remastered)

DISC 2:

Wagner: Die Meistersinger von Nürnberg, WWV 96: Prelude to Act I (Remastered)

Wagner: Siegfried, WWV 86C: Waldweben (Remastered)

Wagner: Lohengrin, WWV 75: Prelude to Act I (Remastered)

Wagner: Lohengrin, WWV 75: Prelude to Act III (Remastered)

Wagner: Die Walküre, WWV 86B: Walkürenritt (Remastered)

Wagner: Tannhäuser, WWV 70, Act I: Bacchanale and Venusberg Music (Remastered)

Wagner: Die Meistersinger von Nürnberg, WWV 96, Act III: Vorspiel (Remastered)

Wagner: Die Meistersinger von Nürnberg, WWV 96, Act III: Tanz der Lehrbuben (Dance of the apprentices) (Remastered)

Wagner: Die Meistersinger von Nürnberg, WWV 96, Act III: Aufzug der Meister (Entrance of the Meistersingers) (Remastered)

DISC 3:

Beethoven: Symphony No. 2 in D Major, Op. 36

Mussorgsky: A Night on Bald Mountain, IMM 43 (Remastered)

Gershwin (arr. Bennett): Porgy and Bess "A Symphonic Picture"

DISC 4:

Brahms: Concerto No. 1 in D Minor for Piano and Orchestra, Op. 15

DISC 5:

Bartók: Concerto for Orchestra, Sz. 116 (Remastered)

Glinka: Kamarinskaja "Wedding Song and Dance Song"

Rossini: Il signor Bruschino, IGR 64: Overture (Remastered)

DISC 6:

Mahler: Lieder eines fahrenden Gesellen (Remastered)

Bach: Magnificat in D Major, BWV 243, No. 2: Et exultavit (Remastered)

Bach: Magnificat in D Major, BWV 243, No. 9: Esurientes implevit bonis (Remastered)

Bach: Mass in B Minor, BWV 232, Part I, No. 10: Qui sedes ad dexteram Patris (Remastered)

Bach: Mass in B Minor, BWV 232, Part IV, No. 26: Agnus Dei (Remastered)

Falla: El amor brujo "Ballet-pantomime" (Remastered)

DISC 7:

Brahms: 21 Hungarian Dances, WoO 1: No. 5 in G Minor (Orch. Parlow) (Remastered)

Brahms: 21 Hungarian Dances, WoO 1: No. 7 in F Major (Orch. Schmeling) (Remastered)

Brahms: 21 Hungarian Dances, WoO 1: No. 12 in D Minor (Orch. Parlow) (Remastered)

Brahms: 21 Hungarian Dances, WoO 1: No. 13 in D Major (Orch. Parlow) (Remastered)

Brahms: 21 Hungarian Dances, WoO 1: No. 6 in D Major (Orch. Parlow) (Remastered)

Brahms: 21 Hungarian Dances, WoO 1: No. 21 in E Minor (Orch. Dvorák) (Remastered)

Brahms: 21 Hungarian Dances, WoO 1: No. 19 in B Minor (Orch. Dvorák) (Remastered)

Brahms: 21 Hungarian Dances, WoO 1: No. 1 in G Minor (Orch. Brahms) (Remastered)

Strauß, J. II: Rosen aus dem Süden, Op. 388 (Remastered)

Strauß, J. II: Schatz-Walzer, Op. 418 (Remastered)

Strauß, J. II: Wiener Blut, Op. 354 (Remastered)

Rodgers (arr. Don Walker): The Carousel Waltz (From "Carousel") (Remastered)

DISC 8:

Strauss, R.: Ein Heldenleben, Op. 40

Strauss, R.: Le bourgeois gentilhomme, Op. 60

DISC 9:

Mozart: Symphony No. 35 in D Major, KV. 385 "Haffner"

Bach, J. S.: Orchestral Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067 (Remastered)

Bach, J.S. (arr. Lucien Cailliet): Little Fugue in G Minor, BWV 578 (Remastered)

Mozart: Symphony No. 40 in G Minor, KV. 550

DISC 10:

Shostakovich: Symphony No. 6 in B Minor, Op. 54

Kabalewksy: Colas Breugnon, Op. 24: Overture

Kodály: Dances of Galánta (Galántai Táncok)

Weiner: Divertimento No. 1 for String Orchestra, Op. 20 "Nach alten ungarischen Tänzen"

Tchaikovsky: Suite No. 1 in D Major, Op. 43: V. Marche Miniature

Bartók: Hungarian Pictures, Sz. 97

DISC 11:

Bach, J.S.: Brandenburg Concerto No. 1 in F Major, BWV 1046 (Remastered)

Bach, J.S.: Brandenburg Concerto No. 2 in F Major, BWV 1047 (Remastered)

Bach, J.S.: Brandenburg Concerto No. 3 in G Major, BWV 1048 (Remastered)

DISC 12:

Bach, J.S.: Brandenburg Concerto No. 4 in G Major, BWV 1049 (Remastered)

Bach, J.S.: Brandenburg Concerto No. 5 in D Major, BWV 1050 (Remastered)

DISC 13:

Mozart: Don Giovanni, K. 527, Act I: "Don Ottavio! son morta!" (Recit.), "Or sai, chi l'onore" (Aria)

Mozart: Don Giovanni, K. 527, Act II: "Crudele! Crudele?..." (Recit.), "Non mi dir, bell'idol mio" (Aria)" (Voice)

Dargomizhsky: Songs and Romances, Volume I: 36. Mne grustno

Dargomizhsky: Songs and Romances, Volume I: 46. Melnik

Mussorgsky: Rustic Song in F Minor "Where are You Little Star"

Marx: Hat dich die Liebe berührt, IJM 11

Marx: Pierrot Lunaire, Op. 21: 5. Valse de Chopin

Strauss, R.: 8 Gedichte aus 'Letzte Blätter', Op. 10: 3. Die Nacht

Strauss, R.: 4 Lieder, Op. 27: 2. Cäcilie

Strauss, R.: Salome, Op. 54: Final Scene

DISC 14:

Strauss, R.: Don Quixote, Op. 35 (Remastered)

Strauss, R.: Don Juan, Op. 20

Honegger: Concertino for Piano and Orchestra, H. 55 (Remastered)

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MARISS JANSONS

GREAT RECORDINGS

Cuando Mariss Jansons murió el 1 de diciembre de 2019, se fue uno de los mejores directores de nuestro tiempo. Sony Music le rinde homenaje con el lanzamiento de Great Recordings, una colección de 7CD con piezas de Bartók, Sibelius y Tchaikovsky dirigidas por Jansons. Hoy 31 de enero a la venta.

Nacido en Riga (Letonia), hijo del director de orquesta Arvid Jansons y la mezzo-soprano Iraida Jansone, criado en Leningrado (ahora St. Petersburgo) y Viena, y receptor del segundo Premio Herbert von Karajan en 1971, Jansons comenzó su carrera —tras ser asistente del legendario Jewgenj Mravinskij— como director principal de la Filarmónica de Oslo.

Posteriormente, fue director en Pittsburgh y Ámsterdam. En 2003 Mariss Jansons se convirtió en director principal de la reconocida Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks de Múnich. Las grabaciones en directo (2003 a 2009) de esa fructífera colaboración se reeditan ahora por primera vez en una caja recopilatoria.

Estos siete CDs incluyen famosas versiones del repertorio central de Mariss Jansons, como la Cuarta y Sexta Sinfonía de Tchaikovsky y el Primer Concierto para piano (con el eminente Yefim Bronfman), la Primera Sinfonía de Sibelius y la Suite Firebird de Stravinsky. Además, hay un programa de Bartók y Ravel con el Concierto para orquesta, Suites de El mandarín milagroso y Daphnis y Chloe. También encontrarás a Joseph Haydn (Sinfonías No. 100 y 104, Sinfonia concertante), Benjamin Britten (Young Person’s Guide to the Orchestra), Arnold Schoenberg (Transfigured Night), Anton Webern (Im Sommerwind) y el quinto concierto para piano (1999) de Rodion Shshedrin con el joven virtuoso Denis Matsuev. Mariss Jansons fue un director de ópera apasionado,pero, por razones de salud, realizó muy pocas producciones para el teatro musical. Por lo tanto, es un honor escucharlo con Ouvertures, Preludes and Orchestral Pieces de Richard Wagner, incluido La cabalgata de las valquirias.

CD 1: Bartók, Concerto for Orchestra, The Miraculous Mandarin-Suite / Ravel, Daphnis et Chloe Suite No. 2

CD 2: Haydn, Symphonies Nos. 100 & 104, Sinfonia concertante

CD 3: Sibelius, Symphony No. 1 / Britten, The Young Person’s Guide to the Orchestra / Webern, Im Sommerwind

CD 4: Stravinsky, Firebird-Suite / Shchedrin, Piano Concerto No. 5 (with Denis Matsuev)

CD 5: Tchaikovsky, Piano Concerto No. 1 (with Yefim Bronfman), Symphony No. 4

CD 6: Tchaikovsky, Symphony No. 6 “Pathetique” / Schoenberg, Verklärte Nacht

CD 7: Wagner, Tannhäuser (Ouverture and Bacchanale), Lohengrin (Preludes Act 1 & Act 3), Die Walküre (The Ride of the Valkyries), Götterdämmerung (Siegfried’s Rhine Journey & Funeral March)