#producteur musical

[claude1966]

(Claude Forgues (dj/producteur))

[evitachristine]

Ok why is no one talking about the French production of The Producers???

I normally HATE translated versions of musicals (which includes my country’s version of this one lol) but this seems cool.

Also their Max looks just like Nathan Lane, or I’m tripping.

Also I found this:

I think the translation is pretty accurate lol.

And I found the audition poster in my drafts but I completely forgot about it until now. It was like way before Covid when they announced it.

[musitechnicformation]

Vous souhaitez faire carrière dans la production musicale ? Montréal propose une variété de cours de production musicale qui vous aideront à développer vos compétences en enregistrement audio, mixage, mastering et production musicale électronique. Ces cours sont adaptés aux débutants comme aux apprenants avancés, avec une formation pratique et des instructeurs experts qui vous guideront à travers les dernières techniques et les logiciels de l'industrie. Que vous soyez intéressé par la production pour le cinéma, la télévision ou la musique, les cours de production musicale à Montréal vous offrent les connaissances et l'expérience nécessaires pour réussir dans l'industrie musicale compétitive.

[radiofreealbemut]

Full tape in free download here https://maisonderetraite.bandcamp.com/album/the-baumelle-tapes

[basilepesso]

REM, Murmur and Carnival of Sorts, Live 1 983 (USA)

Absolument (le son du live 1 est moins bon que celui du 2).

Ca fait toujours bizarre de voir Stipe avec ses superbes cheveux...

Murmur est très particulier dans la discographie du groupe, production extrêmement nette et sans fioritures, avec une basse qui sonne magnifiquement et est très audible, quasiment comme dans Violent Femmes.

Mike Mills est probablement un des meilleurs bassistes des 80's, sinon plus. Son jeu au médiator est ce qui donne ce son, en plus de la marque de sa basse.

Comme le dit ce remarquable texte anglais de Decade 7787, l'histoire de la production du disque est intéressante puisque le groupe a cessé la collaboration avec le 1er producteur, jugé trop perfectionniste.

Basile Pesso, 13 avril 2 024 avec le double live (Fb)

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"On this date in 1983, R.E.M. released their debut studio album MURMUR, (April 12, 1983).

NOTE: The video here features RADIO FREE EUROPE from MURMUR and CARNIVAL OF SORTS (the third song on the band's 1982 debut EP Chronic Town)

40 years after its original release, MURMUR is still fascinating in its eerie sense of musical space.

Back in 1983, REM were most often compared to the Byrds, and thanks to Peter Buck's ringing guitar on songs like ‘Talk About The Passion’, ‘Catapult’, or ‘Sitting Still’, along with Michael Stipes' lead vocals over soaring harmonies, it was easy to see why.

But that was merely one influence, and a misleading one at that, because with no one source dominating, R.E.M. faintly recalled a host of mid-'60s L.A. bands from The Leaves to "underground” faves like Kaleidoscope, David Lindley's first band. R.E.M. might have thoroughly transformed their influences but the result sounded both familiar and wholly original.

Murmur's oddness was affecting because it wove itself around structures and riffs that sounded familiar – a strange system hum, for instance, winds itself up into the catchiest opener, RADIO FREE EUROPE.

In these efforts, Buck's guitar solos were capable of breaking through the mix and soaring, and any band that could come up with melodies this rich knew a thing or two about pop music.

The lyrics, however, were a flight of ideas from the mind of a meditative 23-year-old. Trying to unravel them, it still feels as though you're divining the deepest of riddles for meaning.

“Early sessions for the album with Stephen Hague, the synth-pop producer who later worked on New Order's True Faith, were quickly rejected, and American producers Mitch Easter and Don Dixon were brought in instead,” wrote Jude Rogers for Word in 2009.

“They seemed to understand that although REM had the rhythms of rock, the jangle of the Byrds and the raw grit of Gang Of Four in their belly, they also needed to create a sound-world of their own. Easter and Dixon brought in strange noises – bangs and bells — and recorded instruments at varying distances from the microphone, so you couldn't place where the ghostly figures were coming from.”

“At the album's centre point, like a pearl in an oyster, is a song that tells us as much about REM today as the REM that existed a quarter of a century ago. This is 'Perfect Circle', a masterpiece of simple melody and melancholy, and one of the few REM songs to be attributed mainly to the band's former drummer, Bill Berry, who also wrote most of 'Everybody Hurts'.”

[culturedub]

Prince Fatty – Dub Battle For Seattle – Quand le producteur anglais revisite le répertoire de Nirvana en mode Dub, un chef-d’oeuvre musical !

[unknown171204]

Before starting the big piece ...

The French singer, composer and pianist Michel Berger is known for having created only two musicals in his career

Starmania which became a MONUMENT of French musical culture and La légende de Jimmy which despite its two versions was a bitter failure compared to his elder

But in reality his desire to create a musical dates back to 1976, when for a television show he presented :

To summarize the story :

Émilie is the youngest daughter of a television lighting designer, she is a young girl with limitless imagination who loves music

She tries her luck by infiltrating a television set where she meets Sébastien, a cameraman with whom she falls in love

Unfortunately, even if their feelings do exist, their needs and their visions of the future are different

Disappointed, Émilie will persevere and become, thanks to the advice of her godmother Cécile, a famous singer unfortunately solitary without passion or love to give or receive ...

Distribution :

France Gall : Emilie

Patrick Bouchitey : Sébastien

Nicole Croisille : Cécile ( Émilie’s godmother )

Christophe : Émilie’s father

Vannick Le Poulain and Rima Vetter : Émilie’s sisters

Françoise Hardy : The actress / star

Eddy Mitchell : the rock teacher

Michel Berger and Martine Kelly : the famous producers

Rod Stewart : useless cameo of himself

France Gall , Berger's wife plays , as she will later play later in Starmania the main female role

Françoise Hardy and Eddie Mitchel would later play in the very first version of "Emilie Jolie" and Christophe participated in the original album of La Révolution Française

This strange show which is not really one ( never played live / broadcast only once on television without promotion / no album to sell ) will sink INCREDIBLY QUICKLY into oblivion and collective indifference

It's a miracle that some songs have survived the test of time and are still available today :

Anecdotes :

The budget was quite limited for the costumes and the stage at the time these “ little musical stories” were not perceived as important, we will have to wait Emilie Jolie in 1979 so that money was really paid to television musical creatives

Michel Berge seems to have taken this with humor as evidenced by these few lines from " La chansons des producteurs " :

Si on vivait à Hollywood

If we lived in Hollywood

where the music is in the mood

ça changerait mais regardez un peu nos coudes

that would change, but look at our elbows

c’est une bonne machine à coudre qu’il nous faudrait !

It's a good sewing machine that we need !

...

The song " ça balance pas mal à Paris " is the only memorable song from the show, it had its small success because it was marketed as the first duet Berger + Gall and not as a musical extract :

I invite you to follow the path of my main masterlist to learn more about French musicals and their stories :)

[ckut-latinmusicmondays]

NOUVEL ALBUM: BITÁCORA DE VIAJE

Connectez votre radio lundi prochain le 20 mai de 9h à 11h sur les ondes de www.ckut.ca et profitez d'une autre découverte d'album avec Dj The most high et Latin Music Mondays !

BITÁCORA DE VIAJE, PAR EL EXTRAVAGANTE !

Cette nouvelle livraison d'El Extravagante est un livre ouvert sur son voyage magique et musical, du Chili à Toronto et au Québec en Canada, de la France au reste de l'Europe, et ce n'est que le départ....avec El Extravagante, le voyage est sans fin....

Ce nouvel album est à l'image de la famille d'El Extravagante : amis, amis et amis partout dans le monde entier. Mais la musique ne se présente pas d'elle-même, derrière nous avons un professionnel très talentueux qui organise Cosmovisión Records et maintenant, avec ce nouvel album, El Extravagante et la famille lancent un nouveau label : Ritmos del Sur....

Boom !

Dj The most high

Producteur - Latin Music Mondays - CKUT 90.3 FM

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

LENA HORNE, CHANTEUSE, ACTRICE ET ACTIVISTE

Née le 30 juin 1917 à Bedford–Stuyvesant, près de Brooklyn, Lena Mary Calhoun Horne était la fille d’Edwin Fletcher "Teddy" Horne Jr. (1893–1970) et d’Edna Louise Scottron. L’arrière-grand-mère maternelle de Horne était originaire du Sénégal.

Le père de Horne était co-propriétaire du Belmont Hotel sur l’avenue Wylie avec son associé Gus Greenlee, un parieur et philanthrope. Joueur lui-même, le père de Lena avait abandonné sa famille alors qu’elle était âgée de trois ans. Après le départ de son père, Horne avait principalement été élevée par ses grand-parents, Cora Calhoun et Edwin Horne.

À l’âge de cinq ans, Horne était allée habiter avec sa mère en Georgie. Horne avait voyagé avec sa mère durant plusieurs années. Horne était âgée de douze ans lorsqu’elle était retournée à New York avec sa mère. À New York, Horne avait étudié à la St Peter Claver School de Brooklyn. Par la suite, elle avait fréquenté le Girls High School, une école publique pour filles à Brooklyn, mais elle avait abandonné ses études à l’âge de seize ans afin de venir en aide à sa mère.

De 1927 à 1929, Horne a vécu avec son oncle, Frank S. Horne, qui était doyen du Fort Valley Junior Industrial Institute (maintenant intégré à la Fort Valley State University). Plus tard, Frank avait été conseiller du président Franklin Delano Roosevelt.

À l’âge de dix-huit ans, Lena avait rejoint son père à Pittsburgh, en Pennsylvanie. À Pittsburgh, Horne avait habité dans le quartier de Little Harlem durant environ cinq ans. C’est là qu’elle avait appris la musique avec des musiciens originaires de Pittsburgh comme Billy Strayhorn et Billy Eckstine.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

À l’automne 1933, Horne s’était jointe aux choristes du Cotton Club de New York. Au printemps suivant, Horne avait obtenu un rôle dans la revue Cotton Club Parade aux côtés de la chanteuse Adelaide Hall, qui était rapidement devenue son mentor. En 1935, Horne avait fait ses débuts au cinéma dans le court-métrage de Cab Calloway ''Jitterbug Party.’’ La même année, Horne s’était jointe à l’orchestre de Noble Sissle, avec lequel elle était partie en tournée et avait enregistré ses premiers disques sur étiquette Decca.

Après s’être séparée de son premier époux Louis Jordan Jones qu’elle avait épousé à l’âge de dix-neuf ans en 1937, Horne avait fait une tournée avec le groupe de Charlie Barnet en 1940-41 sous le nom de scène d’Helena Horne.

Horne, qui n’avait pas tellement apprécié la tournée, avait quitté le groupe pour aller travailler au Cafe Society de New York. Horne avait obtenu une des plus grandes chances de sa carrière lorsqu’elle avait remplacé Dinah Shore comme chanteuse vedette de la populaire série du réseau NBC The Chamber Music Society of Lower Basin Street. Les deux chefs d’orchestre résidents de l’émission, Henry Levine et Paul Laval, avaient enregistré avec Horne pour les disques RCA Victor en juin 1941. Horne avait quitté l’émission après six mois lorsqu’elle avait été recrutée par l’ancien gérant du Cafe Trocadero de Los Angeles, Felix Young, pour aller jouer dans une revue de style Cotton Club au Sunset Strip d’Hollywood. Après avoir été découverte par le producteur John Hammond, Horne s’était produite par la suite en solo à Carnegie Hall.

En 1946, Horne avait joué le rôle de Julie LaVerne dans la revue ‘’Till the Clouds Roll By’’, dans laquelle elle avait interprété la chanson "Can't Help Lovin' Dat Man". En janvier 1942, Horne avait également fait ses débuts dans la revue ‘’Little Troc’’ de Felix Young qui était présentée au Sunset Strip à Hollywood. En novembre 1944, Horne avait aussi été en vedette dans un épisode de la populaire série radiophonique ‘’Suspense’’ dans lequel elle incarnait une chanteuse de club fictive. En plus de chanter, Horne avait également eu d’importantes répliques comme actrice. En 1945-46, Horne avait aussi été chanteuse dans l’orchestre de Billy Eckstine.

À l’époque, Horne avait déjà joué dans deux films à petit budget: une comédie musicale intitulée ‘’The Duke is Tops’’ (1938) et ‘’Boogie Woogie Dream’’ (1941) mettant en vedette les pianistes Pete Johnson et Albert Ammons. Les chansons que Horne avait interprétées dans ce dernier film avaient plus tard été publiées sur disque. Horne avait décroché son premier rôle important au cinéma dans le film ‘’Panama Hattie’’ en 1942. L’année suivante, Horne avait interprété la chanson-titre du film ‘’Stormy Weather’’ qui était devenue son plus grand succcès en carrière. Le film était largement inspiré de la vie de son mentor Adelaide Hall.

Horne avait également fait des apparitions dans plusieurs comédies musicales de MGM, dont ‘’Cabin in the Sky’’ (1943), qui avait été tourné avec une distribution principalement afro-américaine. Horne n’avait cependant pas obtenu un rôle principal dans le film en raison de sa couleur, et aussi parce que la production devait être présentée dans des villes dont les cinémas refusaient de diffuser des films mettant en vedette des artistes de couleur. Une des scènes du film avait aussi été coupée avant sa présentation parce qu’elle avait été considérée trop suggestive par les censeurs (la scène montrait Horne en train d’interpréter la chanson "Ain't It the Truth" dans son bain). La scène et la chanson avaient été éventuellement reprises dans le film ‘’That’s Entertainment ! III’’ en 1994 qui comprenait aussi des commentaires de Horne dans lesquelles elle expliquait pourquoi la scène avait été coupée avant la publication du film. Horne avait également été la première personne de couleur à avoir été élue sur le bureau de direction de la Screen Actors Guild.

Dans le film ‘’Ziegfeld Follies’’ (1946), Horne avait interprété la chanson "Love" de Hugh Martin et Ralph Blane. En 1951, Horne avait présenté sa candidature pour jouer le rôle de Julie LaVerne dans la comédie musicale ‘’Show Boat’’, car elle avait déjà interprété le rôle dans le film ‘’Till the Clouds Roll By’’, mais on lui avait préféré Ava Gardner. Horne avait prétendu plus tard qu’on lui avait refusé le rôle en raison de l’interdiction des relations interraciales dans l’industrie du cinéma. Pour leur part, les dirigeants de MGM s’étaient défendus en déclarant que Horne n’avait jamais été sérieusement considérée pour le rôle. Ironiquement, les producteurs du film avaient demandé à Gardner de pratiquer les chansons en utilisant les enregistrements de Horne, ce qui avait insulté les deux actrices. Horne et Gardner étaient d’ailleurs de grandes amies. Éventuellement, la voix de Gardner avait été doublée par l’actrice Annette Warren Smith.

Découragée des rôles stéréotypés que lui offraient les producteurs d’Hollywood (et ce, même si une clause dans ses contrats prévoyait qu'on ne lui ferait jamais jouer des rôles de domestique) et plus particulièrement de l’attitude des studios MGM, Horne avait commencé à se concentrer sur sa carrière dans les clubs. Horne avait fait seulement deux apparitions majeures au cinéma dans les années 1950: d’abord dans le film ‘’Duchess of Idaho’’ (1950) aux côtés de l’actrice Eleanor Powell dont c’était le dernier rôle en carrière, puis dans la comédie musicale ‘’Meet Me in Las Vegas’’ (1956). Horne avait déclaré par la suite qu’elle en avait eu assez ‘’of being typecast as a Negro who stands against a pillar singing a song. I did that 20 times too often."

Mise sur une liste noire dans les années 1950 pour s’être impliquée dans des organisations appuyées par le Parti communiste, Horne avait éventuellement coupé tout lien avec ce dernier. Après avoir repris sa carrière au cinéma, Horne a joué le rôle de Claire Quintana, une tenancière de maison close, dans le film ‘’Death of a Gunfighter’’ (1969) aux côtés de Richard Widmark. C’était la première fois de la carrière de Horne qu’on lui offrait un rôle qui ne faisait aucune référence à la couleur de sa peau. Horne a fait deux dernières apparitions au cinéma dans les films ‘’The Wiz’’ (1978), qui était dirigé par son beau-fils Sidney Lumet, et ‘’That's Entertainment! III’’ (1994), une rétrospective dans laquelle elle avait témoigné de la façon disgracieuse dont elle avait été traitée par MGM.

Après avoir quitté Hollywood, Horne s’était établie comme une des principales chanteuses de l’après-guerre, se produisant dans les clubs et les hôtels tant aux États-Unis qu’au Canada et en Europe, plus particulièrement au Sands Hotel de Las Vegas, au Cocoanut Grove de Los Angeles et au Waldorf-Astoria de New York. En 1957, Horne a d’ailleurs publié un album live intitulé ‘’Lena Horne at the Waldorf-Astoria’’, qui était devenu l’album le plus vendu par une artiste féminine dans l’histoire des disques RCA. L’année suivante, Horne était aussi devenue la première Afro-Américaine à obtenir une nomination aux Tony Awards dans la catégorie de la meilleure actrice dans une comédie musicale pour son rôle dans la revue "Jamaica ". À la demande de Horne, la revue mettait également en vedette son amie de longue date et mentor Adelaide Hall. La performance de Horne lui avait mérité un Drama Critics’ Poll Award en 1958.

De la fin des années 1950 jusqu’aux années 1960, Horne était devenue une incontournable de plusieurs émissions de variétés à la télévision. Elle a fait de nombreuses apparitions dans des émissions comme le Perry Como's Kraft Music Hall, The Ed Sullivan Show, The Dean Martin Show, et The Bell Telephone Hour. Parmi les autres émissions auxquelles Horne avait collaboré, on remarquait The Judy Garland Show, The Hollywood Palace et The Andy Williams Show. En plus de deux spéciaux télévisés de la BBC, Horne a été en vedette en 1969 dans une émission spéciale de télévision aux États-Unis intitulée ‘’Monsanto Night Presents Lena Horne.’’ Durant la même décennie, l’artiste Pete Hawley avait peint le portrait de Horne dans une oeuvre qui reflétait le style de ses performances sur scène.

DERNIÈRES ANNÉES

En 1970, Horne a partagé la vedette avec Harry Belafonte dans un spécial d’une heure intitulé ‘’Harry & Lena’’ sur le réseau ABC. Trois ans plus tard, Horne avait également été en vedette dans un spécial avec le chanteur Tony Bennett intitulé ‘’Tony and Lena.’’ Horne et Bennett avaient fait par la suite une tournée aux États-Unis et au Royaume-Uni. Dans le cadre d’un hommage au compositeur Richard Rogers intitulé ‘’America Salutes Richard Rodgers’’ en 1976, Horne avait également interprété un medley des chansons de Rodgers aux côtés de Peggy Lee et Vic Damone. Horne avait aussi fait de nombreuses apparitions dans le cadre du Flip Wilson Show. Dans les années 1970, Horne avait également interprété son propre rôle sur des émissions de télévision comme The Muppet Show, Sesame Street et Sanford and Son. En 1985, Horne a aussi été en vedette sur The Cosby Show. En 1993, Horne avait également fait une apparition sur l’émission A Different World. À l’été 1980, à l’âge de soixante-trois ans, Horne, qui se préparait à prendre sa retraite du showbusiness, avait présenté une série de concerts bénéfice d’une durée de deux mois. La tournée était commanditée par la compagnie Delta Sigma Theta. Même si ces concerts avaient été publicisés comme la tournée d’adieu de Horne, sa retraite avait duré moins d’un an.

Le 13 avril 1980, Horne, Luciano Pavarotti et l’animateur Gene Kelly devaient faire une apparition dans un gala de la Metropolitan Opera House qui avait pour but de rendre hommage à la Joffrey Ballet Company. Malheureusement, l’avion de Pavarotti était en retard et le chanteur n’avait pu se présenter. James Nederlander, qui était l’invité d’honneur du gala, avait plus tard déclaré que seulement trois spectateurs avaient exigé d’être remboursés. Après la performance de Horne, Nederlander avait demandé à lui être présenté. En mai 1981, la Nederlander Organization, Michael Frazier et Fred Walker avaient engagé Horne pour participer à un contrat de quatre semaines au nouveau Nederlander Theatre situé sur la 41e rue Ouest de New York. L’événement, qui avait remporté un succès immédiat, avait finalement été prolongé pendant un an et avait valu à Horne un Tony Award spécial ainsi que deux prix Grammy pour l’enregistrement de son concert intitulé ‘’Lena Horne: The Lady and Her Music.’’

Horne avait présenté le concert à 333 reprises. L'événement s’était terminé le jour-même du 65e anniversaire de Horne, le 30 juin 1982. Plus tard la même semaine, Horne avait de nouveau présenté le concert dans le cadre d’un enregistrement pour la télévision et sa publication sur vidéo. Quelques jours plus tard, Horne avait inauguré une tournée à Tanglewood au Massachusetts qui lui avait fait parcourir quarante et une villes aux États-Unis et au Canada jusqu’au 4 juillet 1982. Horne s’était par la suite produite à Londres durant un mois. La tournée avait pris fin à Stockholm, en Suède, le 14 septembre 1984. Malgré l’énorme succès remporté par la tournée (Horne détient toujours le record pour la plus longue performance en solo à Broadway), la chanteuse avait décidé de ne pas profiter du regain d’intérêt pour sa carrière et de ne pas se lancer dans de nouveaux projets. Un enregistrement avec Frank Sinatra qui devait être produit par Quincy Jones en 1983 avait même été abandonné. Le seul enregistrement de Horne durant cette décennie avait été l’album de 1988 ‘’The Men in My Life’’, qui comprenait des duos avec Sammy Davis Jr. et Joe Williams. L’année suivante, la carrière de Horne avait été couronnée par la remise d’un Grammy Lifetime Achievement Award. En 1984, le Kennedy Center avait également décerné un prix à Horne pour souligner sa contribution dans le domaine des arts.

En 1995, un album live reproduisant la performance de Horne au Supper Club a été publié. L’album s’était éventuellement mérité un prix Grammy dans la catégorie du meilleur disque de jazz vocal. En 1998, Horne a publié un autre album studio intitulé ‘’Being Myself.’’ Après la publication de l’album, Horne s’est retirée de la scène. Elle a fait de rares apparitions publiques jusqu’en 2000, alors qu’elle a collaboré à un album-hommage de Simon Rattle intitulé ‘’Classic Ellington.’’

L’ACTIVISTE

Impliquée depuis longtemps dans le mouvement des droits civiques, Horne a chanté au Café Society, le premier club multi-racial de New York. Elle a aussi travaillé avec Paul Robeson. Alors qu’elle assurait le divertissement des troupes dans le cadre de la Seconde Guerre mondiale, Horne avait catégoriquement refusé de se produire devant des auditoires où prévalait la ségrégation. L’armée américaine refusant d’autoriser les auditoires multi-raciaux, Horne avait présenté son spectacle devant une assistance mixte composée de soldats de couleur et de prisonniers allemands. Après s’être aperçue que les soldats noirs étaient forcés de s’asseoir à l’arrière, Horne était descendue de scène pour se rendre jusqu’aux sièges où les soldats de couleur étaient assis. Après avoir cessé de se produire devant les soldats en 1945, Horne a financé de sa poche des tournées des camps militaires.

Durant le weekend précédant l’assassinat du militant des droits civiques Medgar Evers en 1963, Horne avait participé à un ralliement de la National Association for the Advancement of Colored People (NAACP) à Jackson, au Mississippi. Lors de la Marche sur Washington la même année, Horne avait prononcé un discours et s’était produite à la demande de la NAACP, du Student Non Violent Committee (S.N.C.C. ) et du National Council of Negro Women. Horne avait également collaboré avec Eleanor Roosevelt dans une tentative visant à faire adopter des lois anti-lynchage. L’auteur-compositeur Tom Lehrer avait d’ailleurs mentionné Horne dans sa chanson "National Brotherhood Week" dans laquelle il avait dénoncé le Sheriff Jim Clark, qui avait été responsable de la répression des marcheurs lors de la manifestation de Selma, en Alabama, en 1965. En 1983, la NAACP a honoré Horne en lui décernant la Spingarn Medal.

Deux jours avant l’assassinat du président John F. Kennedy, Horne lui avait rendu visite à la Maison-Blanche le 20 novembre 1963. Participaient également à la visite le président du Democratic National Committee (D.N.C.) John Bailey, la vice-présidente Margaret B. Price, la secrétaire Carol Lawrence, Richard Adler et Sidney Salomon.

VIE FAMILIALE ET DÉCÈS

En janvier 1937, Horne a épousé à Pittsburgh Louis Jordan Jones, un homme politique. Le 21 décembre 1937, Horne a donné naissance à une fille Gail, une future écrivaine qui s’était fait connaître plus tard sous le nom de plume de Gail Lumet Buckley. En 1940, le couple avait aussi eu un fils, Edwin Jones, qui est mort d’une maladie des reins en 1970. Après s’être séparé en 1940, Horne et Jones avaient divorcé en 1944. Horne s’était remariée par la suite à Lennie Hayton, un directeur musical qui avait été un des premiers chefs d’orchestre et arrangeur des studios MGM à Paris en 1947. Le couple s’est séparé au début des années 1960, mais n’avait jamais divorcé. Hayton est décédé en 1971. Dans son autobiographie écrite en collaboration avec Richard Schickel, Horne a raconté les énormes pressions auxquelles elle et Hayton avaient dû faire face comme couple interracial. Même si Horne avait reconnu en mai 1980 dans une entrevue accordée au magazine Ebony qu’elle avait épousé Hayton afin de faire avancer sa carrière et de briser la barrière raciale, elle avait tenu à préciser qu’elle avait appris à l’aimer progressivement. Horne a aussi eu des liaisons avec le champion poids-lourd Jos Louis, le chef d’orchestre et clarinettiste Artie Shaw, l’acteur Orson Welles et le réalisateur Vincente Minnelli. Horne avait également eu une longue relation avec le musicien et arrangeur Billy Strayhorn qui étai.t rapidement devenu un de ses mentors. Strayhorn, qui était homosexuel, avait déclaré qu’il aurait épousé Horne s’il avait eu une orientation sexuelle différente.

La scénariste Jenny Lumet, qui avait remporté un Oscar pour le scénario du film ‘’Rachel Getting Married’’ (2008), était la petite-fille de Horne. Lumet était la fille du réalisateur Sidney Lumet et de la fille de Horne, Gail. Parmi les autres petits-enfants de Horne, on remarquait l’autre fille de Gail, Amy, et les quatre enfants de son fils Edwin: Thomas, William, Samadhi et Lena. Horne avait aussi des arrière-petits-enfants, dont l’acteur Jake Cannavale.

Catholique, Horne a habité à St. Albans, dans le Queens, de 1946 à 1962. À St. Albans, Horne avait comme voisins des sommités du jazz com àme Count Count Basie et Ella Fitzgerald. Dans les années 1980, Horne s’est installée au cinquième étage du Volney, un hôtel transformé en coopérative de logements, qui était situé sur la 74e rue.

Lena Horne est morte d’une crise cardiaque le 9 mai 2010. Elle était âgée de quatre-vingt-douze ans. Horne a été inhumée à la St. Ignatius Loyola Church à New York. Des milliers de personnes ont assisté à ses funérailles, dont Leontyne Price, Dionne Warwick, Liza Minnelli, Jessye Norman, Chita Rivera, Cicely Tyson, Diahann Carroll, Leslie Uggams, Lauren Bacall, Robert Osborne, Audra McDonald, et Vanessa Williams. Horne a été incinérée.

De nombreux artistes ont rendu hommage à Horne. En 2003, le réseau ABC avait annoncé que Janet Jackson interpréterait le rôle de Horne dans un film tourné pour la télévision. À la suite de l’incident qui s’était produit lors du spectacle de la mi-temps du Super Bowl de 2004, le magazine Variety avait rapporté que Horne avait demandé que Jackson soit retirée du projet. Même si les dirigeants du réseau ABC avaient manifesté des réticences à accéder à la requête de Horne, les représentants de Jackson avaient déclaré que la chanteuse avait décidé de respecter la demande de Horne. Au cours d’une entrevue avec la chanteuse Alicia Keys en 2005 dans le cadre de son talk show, l’animatrice Oprah Winfrey avait indiqué qu’elle projetait de produire le film elle-même, avec Keys dans le rôle de Horne.

Le 24 janvier 2006, les disques Blue Note, qui avaient produit les disques de Horne durant plus d’une décennie, avaient publié de nouvelles versions des chansons de la chanteuse. L’album intitulé ‘’Seasons of a Life’’, comprenait notamment les chansons "Something to Live For", "Chelsea Bridge" et "Stormy Weather". En 2009, le personnage de Horne a été incarné par Leslie Uggam et Nikki Crawford dans une nouvelle version de la comédie musicale Stormy Weather, qui a été présentée à la Pasadena Playhouse en Californie de janvier à mars 2009. En 2011, l’actrice Ryan Jillian a également joué le rôle de Horne dans son one-woman show intitulé ‘’Notes from A Horne.’’ Le spectacle a été présenté au Susan Batson studio de New York, de novembre 2011 à février 2012. L’actrice Halle Berry a aussi rendu hommage à Horne dans le cadre des 83e Academy Awards le 27 février 2011. En 2018, le Service postal des États-Unis a également émis un timbre en l’honneur de Horne, qui était devenue la 41e personne à être honorée dans le cadre de la série Black Heritage.

En juin 2021, le Prospect Park Bandshell de Brooklyn a été rebaptisé le Lena Horne Bandshell. En juin 2022, la Nederlander Organization avait également annoncé que le Brooks Atkinson Theatre de Broadway serait renommé le Lena Horne Theatre en l’honneur de Horne, qui devenait ainsi la première femme de couleur à avoir un théâtre de Broadway nommé en son honneur.

Artiste très charismatique, Horne avait été une des chanteuses les plus remarquables de son époque. Femme de conviction, un peu comme son amie la pianiste Hazel Scott, Horne n’avait pas hésité à risquer sa carrière pour défendre ses idées, notamment dans le cadre du mouvement des droits civiques.

©-2024, tous droits réservés, Les Productions de l’Imaginaire historique

SOURCES:

‘’Lena Horne.’’ Wikipedia, 2024. ‘’Lena Horne, American singer and actress.’’ Encyclopaedia Britannica, 2024. ‘’Lena Horne, American singer and actress.’’ Condé Nast, 2024. ‘’Lena Horne Biography.’’ Biography.com, 26 mars 2021é

[starmaniamania]

I translated (roughly) a "Les Echos" (business publication) Oct 2022 article about the spiralling costs of the 2022 production. Full original and abridged translation under the cut.

Salient points:

The show cost €7m to create, excluding running/touring costs, while a typical Broadway-type musical in France is 1.5m and a big "French-type" musical around 5m. (I think the final amount I heard was closer to €12.5m but maybe that included other costs.)

Vuitton donated the costumes, which would have cost too much otherwise

Delays (covid & related shortages) and inflation (fuel, hotel rooms...) drove up costs

They see the investment as a worthy one bc they're aiming for an Asian/international tour eventually

The goal was to bring a younger audience to the show so it would be passed down to a new generation and they'd "need a new production in 2045"

« Starmania » : la difficile gestation d'une comédie musicale hors normes - Martine Robert, Les Echos, Oct 4, 2022

L'opéra-rock mythique revient à Paris à partir du 8 novembre à La Seine Musicale.

Fimalac Entertainment n'a pas lésiné sur les moyens avec Thomas Jolly à la mise en scène, Sidi Larbi Cherkaoui à la chorégraphie et Nicolas Ghesquière aux costumes.

A Nice les 7 et 8 octobre, à Marseille les 14 et 15, à Nancy les 21 et 22, des milliers de privilégiés pourront découvrir la dernière version de « Starmania » . Le célèbre opéra-rock créé par Michel Berger et Luc Plamondon il y a plus de quarante ans investira ensuite Paris, du 8 novembre au 29 janvier, à La Seine Musicale, avant une tournée dans les plus grandes villes de France, Belgique et Suisse. Un énorme pari pour Fimalac Entertainment, d'autant plus que les coûts de cette superproduction ont explosé à cause du Covid puis de la guerre en Ukraine.

Programmé initialement fin 2020, le show a été reporté à deux reprises. « La billetterie était très forte en 2020 avec 100.000 tickets vendus à rembourser. Il y a eu un premier report, rebelote, puis un second au printemps 2021. Les réservations sont à 80.000 billets mais nous espérons en commercialiser 120.000 à 150.000 pour l'étape parisienne, et 315.000 avec la tournée » , expliquent Aurélien Binder, directeur général de Fimalac Entertainment, et Thierry Suc, à la tête de TS3, la société qui produit, entre autres, les spectacles grandioses de Mylène Farmer. La facture, hors contrat de location de La Seine Musicale et hors coût du plateau, s'élève déjà à 7 millions d'euros.

En comparaison, la plupart des « musicals » de type Broadway proposés par Jean-Luc Choplin quand il était aux commandes du Châtelet représentaient un coût de 1 à 1,5 million d'euros, et les grandes fresques musicales données au Palais des Sports/Dôme de Paris sont de l'ordre des 5 millions d'euros.

Il faut dire que les producteurs n'ont pas non plus bridé Thomas Jolly, qui signe la mise en scène. Le jeune prodige en charge de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques de Paris 2024 voit large comme en témoignent ses créations, notamment pour le Festival d'Avignon. Son « Starmania » ne lésine pas sur la robotisation, la vidéo...

Casting à refaire

Les moyens techniques sont tels qu'il a fallu construire une scène spéciale qui viendra se poser dans les différents sites de la tournée : « 45 tonnes de matériel accroché, c'est plus lourd qu'un spectacle de Johnny ! » , reconnaît Thierry Suc.

Dans cette aventure hors norme sont également embarqués le chorégraphe belge de renommée internationale Sidi Larbi Cherkaoui et le directeur artistique de Louis Vuitton, Nicolas Ghesquière, à qui l'on doit la centaine de costumes de la comédie musicale : ce dernier a été recommandé par les graphistes M/M, qui ont collaboré avec Björk et avec le Musée d'Orsay, chargés quant à eux de l'identité visuelle de « Starmania » .

La marque de luxe du groupe LVMH (également propriétaire des « Echos ») met gracieusement ces pièces exceptionnelles à disposition. « Si nous avions dû les payer, cela n'aurait pas été possible » , confie Thierry Suc. Enfin, les décors ont été fabriqués par Artefact à Avignon, qui travaille pour beaucoup d'opéras et pour Mylène Farmer.

Cinq semaines de répétitions

D'autres postes ont flambé. « Nous avons par exemple perdu les 600.000 euros de notre campagne de publicité de 2020 et réalisé un casting pour rien, les artistes ayant eu d'autres engagements en trois ans. Sans parler de l'inflation des prix des chambres d'hôtels, une fois et demie plus chères, des coûts du diesel pour les 19 semi-remorques nécessaires, du manque de techniciens qui a fait grimper leurs tarifs... » , déplorent les producteurs, heureusement soutenus par le propriétaire de Fimalac Entertainment, Marc Ladreit de Lacharrière.

En outre, les cinq semaines de répétitions, toujours en cours, ont dû se dérouler au Palais Nikaïa de Nice, qu'il a fallu louer. « Cela a été très compliqué de trouver un lieu disponible avec la reprise des spectacles alors que nous détenons plusieurs théâtres à Paris et exploitons 25 salles en France de type Zénith » , souligne encore Aurélien Binder.

Une équipe de 120 personnes

Et pour ajouter quelques sueurs froides, l'approvisionnement en petites pièces électroniques, ces semi-conducteurs en provenance d'Asie, nécessaires au fonctionnement des télécommandes des consoles son, lumière, et des matériels de scène, sont arrivés avec retard du fait des pénuries. Mais les quelque 120 personnes nécessaires à la production de ce show dont 35 artistes sur scène, sont enfin prêts à jouer, et à allonger le palmarès de cette oeuvre futuriste, vue déjà par plus de 6 millions de spectateurs fredonnant des tubes incontournables : « Les uns contre les autres », « SOS d'un terrien en détresse », « Quand on arrive en ville », « Le Blues du Businessman », « Le Monde est stone », « Besoin d'amour », etc.

Inconditionnel de l'oeuvre, Marc Ladreit de Lacharrière espère jouer à guichets fermés malgré le contexte économique et exporter « Starmania » jusqu'en Asie. « Très peu de comédies musicales françaises y sont parvenues, comme 'Notre-Dame de Paris' de notre ami Luc Plamondon. Ce défi justifie qu'on y consacre des moyens considérables. » Toucher un public beaucoup plus jeune permettrait de continuer la transmission. « De sorte qu'en 2045, il faudrait réaliser une nouvelle version pour une autre génération » , ironise-t-il.

ENGLISH

Starmania : the birthing troubles of an extraordinary musical

The legendary rock-opera will be back in Paris from Nov 8 (2022) at the Seine Musicale

Fimalac Entertainment spared no expenses, with Thomas Jolly directing, Sidi Larbi Cherkaoui as choreographer, and Nicolas Ghesquière designing the wardrobe.

Thousands of lucky theatre goers will be able to discover the latest version of Starmania in Nice, Marseille and Nancy. The famous rock-opera will then move into the Seine Musicale in Paris for 3 months, before touring France, Belgique and Switzerland’s largest cities. Fimalac Entertainment is betting big, even bigger than expected as the costs of the blockbuster have ballooned, first due to Covid and then to the war in Ukraine.

Initially scheduled for 2020, the show had to be postponed twice. « Box office was very strong in 2020, and we had to refund 100,000 tickets. There was a first postponement, then a second one in the Spring of 2021. We’ve sold 80,000 tickets but hope to sell 120 to 150,000 in Paris, and 315,000 on tour, » explain Aurélien Binder, Fimalac Entertainment’s CEO, and Thierry Suc, owner of TS3, the production company for Mylène Farmer’s shows, amongst others. The bill, not counting the rental fees for the Seine Musicale or external expenses, has reached €7m already.

As a point of comparison, most Broadway-like musicals which Jean-Luc Choplin put on as director of the Châtelet theatre cost 1 to 1.5 million Euros, and the giant shows which play at the Palais des Sports/Dôme de Paris around €5m.

It must be said that the producers did not reign in Thomas Jolly, who is directing. The young prodigy, who will art direct the Paris Olympics’ opening ceremonie, has an ambitious vision. His Starmania lavishly utilizes robotisation, video etc.

The show requires such technical means that a custom stage had to be built, which will be set up in the tour’s various venues. «  With 45 tons of hanging material, it’s heavier than a Johnny Hallyday show, » concedes Thierre Suc.

[…]

Luxury group LVMH graciously donated the costumes. « If we’d had to pay for them, it would have been impossible, » admits Thierry Suc.

Other budget lines have skyrocketed, too. « We lost the 600,000€ of the 2020 advertising campaign, and went through a whole casting process for nothing, as artists were then hired elsewhere over the three years' delay. Plus there's inflation, which is making hotel rooms 1.5x more expensive, raising the cost of diesel for the 19 semis we need, and a shortage of techs which is driving up their prices… »

On top of that, the last 5 weeks of rehearsals had to take place in Nice, at the Palais Nikaïa, which had to be leased. « It was very hard to find an available venue, with all the shows starting up again, even though we own several Parisian theatres and manage 25 Zenith venues throughout France, » explains Aurélien Binder.

To make matters worse, the supply of Asian-made electronics needed for sound and light setups and other stage equipment was disrupted due to shortages.

But the 120 people needed to put on the show, including 35 artists on stage, are finally ready to go and grow the list of the futuristic work’s accomplishments. It has been seen by 6m people over its lifetime. […]

As a die-hard fan of the work, Marc Ladreit de Lacharrière hopes to sell out the show, despite the current economic context, and to export Starmania as far as Asia. « A select few French musicals have made it there, like our friend Luc Plamondon’s NDDP. This challenge merits investing considerable sums. »

Finding a younger audience would also allow a continued transmission, « so that in 2045, we’d need a new version, for a new generation. »

[claude1966]

(Claude Forgues (dj/producteur))

[coziimode]

Je critique les Robes de Mariée de Star: Sofia Richie

Le mariage est une tradition sacrée qui remonte à la nuit des temps. Il permet de célébrer l’amour entre deux êtres humains qui se jureront fidélité, bonheur et amour inconditionnel.

Mais mettons l’amour de côté et oublions les histoires de conte de fée parce qu’aujourd’hui je vais critiquer des robes de mariée, mais pas n’importe quelle robe de mariée, celles des stars.

Sofia Richie :

J’ai décidé de commencer par Sofia Richie, une mannequin/influenceuse/gosse de riche car il y a quelques mois la presse américaine parlait de son mariage et du "style old money" et cela m’a intriguée.

Je ne la connaissais pas mais ils l’ont vendu comme une grande star, plus connue que les sœurs Kardashian dans leurs magazines et d’après les rumeurs Sofia Richie (ou son papa riche) les auraient payé pour faire décoller sa carrière d’influenceuse.

Et moi dans tout cela, j’aime les histoires louches, donc on va parler de cette petite « menteuse » aujourd’hui.

Pour celles et ceux qui ne la connaissent pas, elle a 24 ans, c’est la fille de Lionel Richie, chanteur et musicien américain et Diane Alexander, une actrice.

Elle était très proche de la famille Kardashian, elle est même sortie avec Scott Disick, l’ex-mari de Kourtney Kardashian quand elle avait 21 ans et lui 34 ans, un petit peu bizarre leurs histoires.

En gros, elle est passée de ça à ça:

Un changement assez brutal, mais elle est aujourd'hui mariée à Elliott Grainge, 29 ans, un producteur de musique qui a un père très riche qui est lui-même président-directeur général d'Universal Music Group donc je suppose que c’est son père qui lui a filé son job (c’est donc l’union de deux gosses de riches si j’ai bien compris).

Les deux américains se sont mariés dans le sud de la France,en Côte d’Azur pour être exact, le 22 avril 2023.

Sofia Richie (sa sœur), Paris Hilton et Cameron Diaz étaient présentes au mariage.

La presse américaine spécule que le mariage aurait coûté 4 millions de dollars et la bague de fiançailles de Sofia Richie de 6 carats aurait coûté 1 million de dollars.

Mon avis sur les robes

A présent parlons de sa robe de mariée, devrais-je dire ses robes de mariée (parce qu’il y en avait trois)

Toutes les robes étaient faites sur mesure par Chanel et leurs prix seraient autour de $800,000 (environs 750 000 euros)

La première robe:

La robe est très jolie et les détails sur la dentelle (qui je pense sont faits à la main) sont magnifiques. Mais je trouve le col beaucoup trop épais et comme la dentelle et les perles sur la robe apporte de la légèreté et de la délicatesse, pour moi le col aurait dû être beaucoup plus fin.

Après je ne sais pas si c’est elle qui m’ennuie ou si c’est la robe mais il manque quelque chose (selon moi).

Même sur cette photo (à droite) où c’est la seule habillée en blanc, mes yeux ont envie de se reposer sur les invités. (Mais où sont ses talents de mannequin ?!?!?)

Le dos de la robe est magnifique et bien plus intéressant que le devant. Elle aurait peut-être dû se marier en faisant le moonwalk.

Si vous vous teniez à 2 cm d’elle et en plissant les yeux très fort vous auriez pu apercevoir un motif de cœur dans la dentelle au milieu de sa poitrine, et un autre cœur en dessous qui ont été brodé pour créer un motif caché, censé représenter leur amour. (beurk)

La longue traîne de la robe, je ne la trouve pas très pratique. Par exemple, sur cette photo, elle est obligée de la tenir comme un manteau, c’est étrange. Mais ça a dû donner un effet Waouh quand elle a marché pour dire oui à son mari.

Sur Instagram elle a remercié les artistes qui ont travaillé sur ses robes, et elle a ajouté : "J’ai toujours eu cette vision de la grande robe de princesse, mais en vieillissant, j’ai réalisé que je voulais quelque chose d’un peu plus simple... Peut-être que « simple » n’est pas le bon mot parce que ma robe n’est certainement pas simple!"

Si simple c’est le bon mot, la robe donne envie de dormir, mais il y a des gens qui préfèrent la simplicité et c’est totalement OK.

En soi, sa robe était mignonne, mais pour un mariage à 4 millions de dollars, je sais pas je m’attendais à quelque chose de plus spectaculaire.

Ma note pour la 1er robe est 4/10 Next.

Deuxième robe:

Pour la 2ème robe, je l’ADORE. Elle reste toujours très simple mais je trouve qu’elle lui va mieux que la 1ère.

J'aime la structure et le fait que le tissu soit rigide, la fleur emblématique Chanel (le Camélia) au milieu rajoute un petit côté mignon.

Cette robe représente vraiment la marque Chanel et elle a été inspirée d’un design porté par Claudia Schiffer dans les années 90.

Par contre, je n’aime pas les bretelles, je les trouve un peu trop larges.

Je donne à la robe numéro deux 7,5/10

Troisième robe:

Je ne l’aime pas, donc je ne vais même pas prendre le temps de la noter.

Voilà c’est tout pour moi, dites moi quelle est votre robe préférée parmi les trois et est-ce que vous connaissiez Sofia Richie?

Perso ma robe préférée est la deuxième, elle est trop belle.

Merci d’avoir lu cet article!!! 💕💕💕

XOXO, Cozii.

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Kendji Girac est un chanteur français d’origine gitane, né le 3 juillet 1996 à Bergerac, en Dordogne. Il a grandi dans une famille gitane et a appris très jeune à jouer de la guitare. Il a commencé à se produire en 2013 dans des festivals et des soirées gitanes avant d’être repéré par le producteur musical Christophe Porquet. En 2014, Kendji Girac a participé à la quatrième saison de l’émission…

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INTERVIEW

KAMIJO

Entretien avec un vampire

« KAMIJO : chanteur, guitariste, pianiste, claviériste, auteur, compositeur, interprète, musicien, producteur de disques, acteur, modèle »... La liste est longue et cette énumération n’apprend rien aux puristes. Néanmoins, une « profession » manque à l’appel, et pas des moindres ! Pour compléter cette nomenclature, rajoutez-y le mot « narrateur », car c’est ce qu’est cet artiste, qui s’évertue à conter, tel un ménestrel des temps modernes, la vie de protagonistes dont vous ne soupçonnez peut-être pas l’existence. Ce sont eux qui rythment chaque couplet et chaque refrain. Et c’est grâce à cette fusion que l’élaboration constante de suites toujours plus épiques que les précédentes peut prendre forme.

Parce qu’on ne devient pas « Roi » : on gagne le droit de le devenir. C’est de cette quête dont il est question, et VYPER Japanese Music est heureux de vous convier aujourd’hui à cet entretien avec un Vampire.

Redaction : Aurelie Amoretti - Crédits Photos : WarnerMusic Japan -

Remerciements à b7klan et à Kamijo France