#movimento arte concreta

[excentricidadebanal]

Hélio Oiticica: a elevação da forma concreta

Escrito em 02/09/2023

Já faz alguns dias que a obra de Hélio Oiticica não me sai da cabeça, mesmo que já conhecia e admirava seu trabalho, nunca tinha parado pra pensar no que via, seus diferentes períodos me pareciam incoerentes. Mas ao revisitar sua arte minha visão mudou completamente: a experimentação com a forma em seus trabalhos nos anos 60 é, não só, um resultado lógico da ideia neoconcreta, mas a solução ideal no dilema modernista das funções da arte e da arquitetura.

O neoconcretismo, da onde surge as primeiras obras de Hélio (Metaesquemas), retomava no pós-guerra e inaugurava no Brasil a experimentação abstrata das vanguardas do início do século, tanto no Concretismo pioneiro de Van Doesburg, quanto no Suprematismo russo, ambos movimentos que, ao investigar as formas no espaço, propunham a ruptura com o plano da imagem de um jeito ou de outro, com seus avanços para a arquitetura e escultura. Esse movimento à tridimensionalidade teve um avanço significativo com os brasileiros (como por exemplo os Bichos da Lygia Clark), mas foi nas obras posteriores de Hélio Oiticica onde as ideias concretas atingiram sua mais alta complexidade, ao interferir no espaço real e envolver o espectador na sua forma. Para caracterizar o que digo, vou focar em duas séries que eu acho simbolizam essa transformação: os Penetráveis e os Parangolés.

Começando com os Penetráveis, as cores e formas presentes no seu trabalho em guache são transportadas para a escala humana, possibilitando literalmente a penetração do espectador nas ideias concretistas. Essas estruturas, ao encararem a proporção arquitetônica, questionam sua função e concluem a longa tentativa vanguardista de construção do espaço abstrato, resultando em construções puramente contemplativa. A obra Tropicália (1967) se apresenta como o ápice das ideias desenvolvidas na série: ao colocar suas caixas neoconcretas sobre a areia e o cascalho em forma de barracos, dialogam com a arquitetura das favelas, tocando sambas e convidando o espectador à experiência marginal.

Já os Parangolés dialogam ainda mais profundamente com a realidade, fazendo o espectador incorporar a obra de arte, vestindo e levando-a aos caminhos que deseja. Similar à Tropicália, os Parangolés são híbridos da cultura popular que o artista tinha entrado em contato desde que passou a frequentar a Mangueira com sua formação vanguardista, e ao mostrar as contradições desses dois mundos, como no episódio onde é barrado de entrar no MAM com a escola de samba na abertura da Opinião 65, propõe uma antropofagia artística com protagonismo finalmente popular.

Até o momento, o caminho de Hélio Oiticica me parece o ideal nas duas questões: o balanço da arte/arquitetura e no desenvolvimento de um intelectualismo nacional-popular, sem medo de ser expulso das instituições e servir unicamente ao povo.

[chez-mimich]

FONDAZIONE ANGELO BOZZOLA

Secondo il grande poeta francese Paul Valery la massima libertà deriva solo dal massimo rigore. Questa riflessione mi è tornata alla mente visitando la magnifica Fondazione Angelo Bozzola di Galliate, ad una manciata di chilometri da Novara, aperta per le giornate di primavera del FAI e curata da quello spirito indomito che è Giorgia Bozzola che con il fratello, non solo ha conservato il patrimonio artistico del nonno, ma lo ha reso visitabile e ne sta facendo un centro di attrazione per molte iniziative. Ma chi era Angelo Bozzola? Potremmo dire che è stato un grande poeta della forma, un artista alla ricerca dell’unicità nella ripetizione. Bozzola la cui attività ha inizio negli anni Cinquanta come artigiano del legno, si persuade dell’idea non già di trovare la forma perfetta in pittura, nel disegno e nella scultura, ma di coniugare una forma dalla irregolare lirica geometrica, come il “trapezio ovoidale” e di poterla poi variare in una combinatoria pressoché infinita, senza mutarne il presupposto geometrico. Cos’è il trapezio ovoidale? È, naturalmente, un trapezio scaleno irregolare inscritto in una sorta di ogiva, anch’essa irregolare. Questa forma, disegnata, fotografata, sbalzata, fusa, scolpita diverrà non già o non solo una cifra stilistica, ma un limite dato. Questo limite, grazie alle sue infinite variazioni, secondo Angelo Bozzola, avrebbe potuto diventare, grazie alla continua sperimentazione e ad abbinamenti seriali mutanti, bellezza “in purezza”. E così è stato, solo che Angelo Bozzola non ci ha donato il frutto finale e definitivo di questa ricerca, ma ci ha dimostrato che la bellezza (o la verità) è, un po’ hegelianamente, il movimento della bellezza (o della verità) stessa. Nell’edificio principale, su diversi piani, sono conservate le piccole sculture, i bassorilievi, i dipinti, i bozzetti, mentre all’esterno le sculture di grandi dimensioni. Angelo Bozzola fu esponente del MAC, il Movimento Arte Concreta fondato a Milano nel 1948 da Atanasio Soldati, Bruno Munari, Gianni Monnet, Gillo Dorfles e che annoverò tra le proprie fila, tra gli altri, anche architetti e designer come Ettore Sottsass, Vittoriano Viganò, Carlo Perogalli, Marco Zanuso. Influenzò i giovani artisti di allora come Carla Accardi, Piero Dorazio e tanti altri. Una magnifica opera di Angelo Bozzola è ancora esposta al Palazzo della Triennale di Milano, fucina di idee e progetti e sempre uno dei cuori pulsanti dell’architettura e del design milanese ed italiano. Ci potremmo anche fermare qui, ma mi piace sottolineare come l’Italia sia davvero il paese delle “isole del tesoro” per riprendere il titolo di un famoso volume di Allemandi scritto da Umberto Eco, Renzo Piano, Augusto Graziani e Federico Zeri. Questo piccolo gioiello che è la Fondazione Angelo Bozzola è stata ampliato e abbellito con un magnifico giardino che ospita le grandi sculture in pietra e impreziosito, spiritualmente e architettonicamente, da una microscopica cappella voluta dagli indomiti nipoti dell’artista, dove si può ammirare uno dei più bei Crocifissi dell’arte contemporanea (e non è cosa semplice trovarne di raffinati). La bellezza è spesso, molto spesso, a portata di mano, basta cercarla e volerne la sua verità.

[fashionbooksmilano]

Luigi Veronesi

saggio critico di Luciano Caramel

Fotografie di Giovanni Ricci

Nuove Ed.Gabriele Mazzotta, Milano 1992, 94 pagine,  22 x 24 cm, ISBN  9788820210298

euro 35,00

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copia firmata con dedica da Luigi Veronesi 1992

mostra galleria ARTE 92, Milano 26 marzo - 30 maggio 1992

Luigi Veronesi nasce a Milano nel 1908.Si iscrive all'istituto tecnico, segue un corso per disegnatore tessile e studia pittura sotto la guida del professor Violante. Mentre approfondisce le sue cognizioni matematiche e fisiche che saranno fondamentali per comprendere l'insieme della sua opera, si avvicina agli artisti che gravitano attorno alla galleria milanese Il Milione dove, appena diciassettenne, espone per la prima volta opere influenzate da Sironi e Modigliani. Si avvicina, anche grazie all'amicizia con Léger conosciuto a Parigi, all'arte non figurativa aderendo nel 1934 al gruppo "Abstraction-Création" e contemporaneamente lavora con la rivista "Campo Grafico". Evidenzia subito interessi molteplici: i lavori grafici lo porteranno a collaborare con le riviste "Casabella" e "Ferrania", la pittura astratta lo avvicina alla musica (alle sue "Quattordici variazioni di un tema pittorico" del 1939 si ispira Riccardo Malipiero con le "Quattordici variazioni di un tema musicale") mentre la fotografia comincia a emergere con tutta la sua forza espressiva. Molte sono le ricerche realizzate tra gli anni Trenta e Quaranta sia in bianco e nero che a colori sperimentando ogni genere di tecnica con una particolare attenzione ai fotogrammi. Nel 1947 entra a far parte del gruppo fotografico "La Bussola" e ne firma il manifesto programmatico, l'anno dopo del MAC ("Movimento Arte Concreta"). Negli anni Cinquanta e Sessanta riceve i primi importanti riconoscimenti (premi per le più diverse attività, partecipazioni a Biennali come quelle di Venezia e San Paolo, mostre personali in Italia e all'estero) e inizia la sua attività didattica all'Accademia di Belle Arti di Brera e poi alla Nuova Accademia di Milano. Negli anni Ottanta e Novanta al rinnovato interesse per la fotografia si accostano interventi di arti applicate con affreschi, progetti di piazze, interventi grafici in esterni. Luigi Veronesi muore a Milano il 25 febbraio 1998.

07/03/23

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[carmenvicinanza]

Carol Rama

https://www.unadonnalgiorno.it/carol-rama/

La rabbia è la mia condizione di vita da sempre. Sono l’ira e la violenza a spingermi a dipingere.

Carol Rama, artista visionaria, tormentata e trasgressiva, che ha conquistato il plauso della critica mondiale grazie al suo inedito punto di vista. Una donna che ha cambiato il modo di fare arte.

Le sue opere sono protagoniste nelle mostre di arte contemporanea in molti paesi del mondo.

Nata a Torino il 17 aprile 1918 col nome di Olga Carolina Rama, ha avuto un’infanzia difficile dovuta alla prematura e tragica scomparsa del padre e della conseguente malattia psichiatrica che aveva colpito sua madre.Si è avvicinata all’arte da autodidatta, negli anni Trenta, rievocando il suo tormentato vissuto in acquerelli che raffigurano donne nude, amputate, in sedia a rotelle, cariche di un erotismo spinto e perverso. Soggetti accompagnati da animali, protesi e parti anatomiche del corpo come falli, piedi e lingue, rappresentazioni scabrose e inaccettabili per i suoi tempi. La sua prima personale del 1945, infatti, venne bloccata e le opere sequestrate.

Si è poi rivolta all’astrattismo e ha fatto parte del MAC – Movimento Arte Concreta. Ha partecipato alla Biennale di Venezia del 1948 e del 1950.

Le sue opere più conosciute, che l’amico Edoardo Sanguineti aveva definito Bricolage sono progetti polimaterici in cui macchie informali si combinano a denti, unghie e occhi di vetro. Utilizzando camere d’aria di bicicletta ha realizzato tele in apparenza astratte in cui compaiono riferimenti all’anatomia umana e alla sessualità (pelle, carne, budella, falli).

La sua sensibilità provocatoria ha vantato estimatori come Italo Calvino, Andy Warhol, Orson Welles e Man Ray.

Un’importante evoluzione della sua carriera è avvenuta grazie all’incontro con la critica e curatrice Lea Vergine, nel 1980, che l’ha invitata a esporre i suoi lavori nella mostra itinerante sulle più grandi artiste del Novecento, intitolata L’altra metà dell’avanguardia.

Nel 1985, sempre con la cura di Lea Vergine, ha allestito la sua prima antologica nel sagrato del Duomo di Milano.

Oltre a figure e personaggi ispirati alla sua storia personale, che raccontano anche di desideri e fantasie inespresse, tra gli anni Ottanta e Novanta il suo immaginario si è popolato di nuovi soggetti, come la Mucca Pazza, dipinti o disegnati sopra mappe catastali e disegni tecnici prescritti.

Nel 1993 ha avuto una sala personale alla Biennale di Venezia.

La sua prima personale negli Stati Uniti è stata a New York, nel 1997. Ha poi esposto nel Regno Unito, Germania, Austria, Australia, Paesi Bassi e in numerosi luoghi cardine dell’arte contemporanea del nostro paese e non solo.

Nel 2003 la Biennale di Venezia le ha conferito il Leone d’oro alla carriera.

Il 14 gennaio 2010 ha ricevuto il Premio del Presidente della Repubblica da Giorgio Napolitano, su segnalazione degli Accademici Nazionali di San Luca.

Ha lasciato la terra il 24 settembre 2015 a Torino. La sua casa studio è diventata un museo.

Carol Rama ha imposto nuovi punti di vista alla contemporaneità. Attratta da ciò che normalmente disgusta l’opinione pubblica, il suo stile trasgressivo è stato conseguenza delle sue esperienze profonde e traumatiche che ne hanno segnato l’estetica e la poetica.

Nelle sue opere ha ricercato l’inusuale e giocato con materiali poco convenzionali dando loro nuova forma e significato. Ha usato l’assemblage in maniera nuova e con esiti mai visti, in un periodo storico in cui provocazione faceva rima con volgarità e in un contesto sociale in cui una donna non poteva permettersi di essere poco elegante.

È stata trasgressiva, libera e dissacrante, ho osato come nessuna prima, cambiando inesorabilmente il corso dell’arte contemporanea.

[mybeingthere]

Atanasio Soldati was born in Parma, Italy, in 1896. 

In 1920 he obtained a degree in architecture in his hometown, then moved to Milan in 1925.In 1948 he created the Movimento Arte Concreta, together with Bruno Munari, Gillo Dorfles, Augusto Garau and Gianni Monnet; the event that celebrated the official birth of the movement was the exhibition at the Salto bookshop in Milan in December of that year.

Following a serious illness, he died in his hometown in 1953.

[fazteuslance]

não  é  surpresa  contar  com  a  presença  de  DANIEL  NAM  no  instituto  de  rosis  esse  ano!  todos  sabem  que  ele  é  um  VENEFICU  da  ordem  dos  TELEKIS,  vindo  de  FIJI,  porque  aqui  as  fofocas  correm  rápido.  ouvi  dizer  que  apesar  de  seus  VINTE  E  NOVE  anos,  ele  pode  ser  bastante  EGOÍSTA  quando  está  de  mau  humor,  mas  sua  SERENIDADE  compensa.  além  disso,  se  parece  muito  com  uma  celebridade  do  antigo  mundo  chamada  SONG  KANG.  você  não  acha?  

RESUMO + HEADCANONS

suas  habilidades  se  manifestaram  aos  oito  anos.  nascido  e,  até  então,  criado  em  fiji,  sede  do  coven  qual  se  mostrou  pertencer,  não  houve  frustração  ou  angustia.  seus  pais,  também  telekis,  sabiam  como  educar  e  instrui-lo.  sua  mãe,  na  época  instrutora  conseguiu  mais  tarde  ingressar  a  equipe  de  guardas  do  instituto  de  rosis,  sendo  assim,  é  possível  dizer  que  comparado  à  maioria,  daniel  teve  a  presença  de  sua  mãe.  há  quase  três  anos,  contudo,  a  mulher  voltou  para  fiji  como  instrutora.  nessa  mesma  época,  ela  perdeu  o  marido  -  daniel  viu  o  pai  morrer  para  proteger  dois  humanos  em  uma  batalha  contra  monstros,  no  méxico.  havia  sido  a  primeira  experiência  real  de  dan,  mas  não  foi  a  última. 

graças  ao  tio  por  parte  de  mãe,  veneficu  parte  do  império  sueco,  teve  seu  nome  chamado  para  a  equipe  que  faria  uma  missão  para  a  nação.  poucas  informações  concretas  lhe  fora  dado,  ou  melhor,  o  real  objetivo  não  lhe  foi  informado,  afinal,  não  iriam  arriscar  compartilhar  com  estudantes  o  fato  de  estarem  roubando  arte.  na  segunda  vez  que  participou  da  equipe,  contudo,  danial  passou  a  desconfiar  -  pegou  um  dos  humanos  da  corte  deslizando  uma  piadinha  suspeita.  hoje,  levado  à  intriga,  tem  os  herdeiros  da  suécia  como  um  de  seus  principais  alvos  de  cortejo.  

pode-se  dizer  que  há  anos  não  tem  férias,  considerando  que  as  usa  para  tarefas  e  missões  lhes  proposta  por  nobres.  daniel  até  agora  não  recusou  nenhuma,  e  embora  tenha  viva  a  cena  de  seu  pai  na  batalha  do méxico,  é  nesse  cenário  que  mais  se  ver  atuando:  lutando  e  matando  monstros.  procura  manter-se  unido  e  próximo  de  todos  os  outros  feiticeiros  que  enxergam  da  mesma  forma,  ajudando  os  mesmo  com  treinos  e  afins  se  necessário. 

confrontando  o  daniel  da  prática,  tem  grande  interesse  por  literatura  e  artes.  no  caso  do  primeiro,  negaria  por  segurança,  mas  procura  por  livros  que  seriam  apontado  como  heresia.  o  motivo?  curiosidade  e,  mais  uma  vez,  intriga.  aparentemente,  dan  é  bastante  movido  quando  está  intrigado. 

é  muito  bem  educado;  sorrisos   reconfortantes  é  possível  encontrar  em  sua  feição. . .  até  mesmo  quando  com  alguém  que  não  gosta  ou  ao  ouvir  merda.  não  é  falsidade,  mas  um  constante  policiamento  interno  para  que  não  saia  da  linha;  para  que  se  mantenha  em  seu  lugar  e  postura. infelizmente,  é  péssimo  em  mentir,  tendo  muitas  vezes,  nesses  casos,  o  sorriso  trocado  por  uma  carranca  ou  olhos  fechados.  

PODERES

 domina  a  telecinese  que  cabe  ao  movimento,  levitação  e  pressão  de  objetos  e  de  outras  pessoas,  não  conseguindo  fazer  o  mesmo  para  consigo.  no  último  ano,   além  de  desenvolver  o  campo  de  força  para  além  da  área  em  que  está  inserido  e  aumentá-lo  para  -  se  sozinho  -  abranger  o  tamanho  de  até  um  carro,  passou  a  polir  a  habilidade  de  replicação  e  propagação  de  energia  cinética  para  até  dois  metros  de  distância.  tal  capacidade  funciona  como  uma  extensão  de  ondas  -  por  exemplo:  ao  socar  o  que  poderia  ser  o  ar,  é  capaz  de  estender  essas  ondas  e  fazê-la  alcançar  mais  além  -  e  muitas  vezes  poupa  seu  físico  no  sentido  de,  por  exemplo,  os  ossos  da  mão  não  sofrer  o  impacto  que  normalmente  sofre  com  socos.  hoje,  tenta  conseguir  manejar  tal  habilidade  em  outras  pessoas,  ou  seja,  conseguir  replicar  e  propagar  energia  cinética  produzida  por  outras  pessoas  e  objetos  que  não  segura/lança.  

SOBRE 

vozes,   o  que  o  sonda.  nascido  em  um  dos  berços  de  coven,  mau  tratos  foram  míseros.  até  os  oito  anos  de  idade,  tinha  a  leitura  como  sua  melhor  amiga  para  além  de  outros  como  ele.  daniel  passou   tempo  suficiente  em  um  mundo  onde  histórias,  e  somente  histórias,  dançavam  por  sua  mente.  havia  se  tornado  o  garoto  que  acreditava  em  heróis,  em  mocinhos,  em  destino  e  quase,  quase,  afogou-se  na  síndrome  de  herói.  de  certo,  dentro  daquele  mundinho  cuja  ciência  da  realidade  de  todo  venéficu  é  muito  bem  conhecida,  não  surpreenderia  um  pai  ou  mãe  saber  que  tentaram  proteger  seu  filho  do  futuro  limitado  e. . .  injusto;  escravo,  quase.  daniel  ouvia  a  voz  daqueles  que  amava;  ouvia  a  voz  daqueles  que  venciam  a  jornada  de  herói,  em  livros.  ouvia  vozes  e,  mesmo  quando  passou  a  descobrir  a  realidade  dura,  escolheu  continuar  a  ouvi-las.  hoje  algumas  delas  não  são  tão  benéficas  ou  acalentadoras  assim.

mãe,  por  quem  luta.  a  doçura  cuja  memória  insiste  em  pintar  as  lembranças  envolvendo  o  olhar  da  mulher  será  eterna.  sua  mãe  era  para  si  a  imagem  do  equilíbrio  perfeito  de  gentileza  e  exército  de  mil  pessoas.  teve  sorte.  pode  ter  sua  mãe  até  para  além  do  ano  em  que  sua  habilidade  custou  algumas  porcelanas  ou  janelas,  pois  não  tardou  mais  que  dois  anos  para  sua  mãe  juntar-se  aos  guardas  da  academia,  na  ilha.  teve  um  pouco  de  azar,  também,  pois  a  presença  de  sua  mãe  fazia  os  treinos  serem  quinhentas  vezes  mais  puxado.  daniel  enxergava  nos  olhos  doces  uma  enorme  rocha  e  um  punhal  que  tentavam  esconder  o  medo  do  futuro  miserável  reservado  para  o  próprio  filho.  tal  olhar  pouco  vê  hoje  em  dia,  considerando  que  voltou  a  ser  treinadora  em  fiji,  mas  continuam  vivos  em  toda  carta  trocada  ou  chamada  atendida.

pai,  quem  jamais  irá  esquecer.  contrariava  a  figura  tradicional  de  pai  e  mãe  quando  era  seu  pai  quem  cuidava  de  seus  machucados  e  divagava  sobre  amor  e  amar.  romântico  até  o  último  segundo  de  vida,  as  últimas  palavras  foram  aquelas  três  direcionadas  para  o  filho  -  e  para  a  esposa,  um  último  recado.  daniel  viu  o  pai  morrer  em  uma  das  batalhas  do  méxico,  quando  teve  sua  primeira  experiência.  haviam  dançado,  pai  e  filho;  haviam  sido  implacáveis. . .  até  seu  pai  sair  como  um  daqueles  garotos  das  historinhas  da  sua  infância.  ele  não  podia  ter  feito  isso;  ele  não  podia  ter  escolhido  a  própria  vida  em  troca  de  uma  humana  já  meio acabada,  mas  assim  o  fez  pois  deveria.  um  soldado,  tanto  quanto  a  mulher  que  jurou  amar  por  toda  a  vida  e  como  esperava  que  o  filho  fosse.

dever,  o  que  lhe  rouba  a  paz  de  espírito.  como  poderia  ele  mudar  sua  realidade?  acreditar  na  própria  irrelevância  o  faz  escolher  fechar  os  olhos  e  cobri-los  com  os  textos  dos  livros  sobre  mocinhos.  era  mais  fácil  levar  a  vida  com  menos  rancor  e  frustração  se  acreditar  que  há  nobreza  em  seu  papel.  um  soldado  poderia  ter  uma  história  forte;  poderia  estar  em  um  daqueles  livros.  mas  assistir  um  soldado  morrer  da  forma  que  viu  seu  pai  fazer,  por  mais  bonito  que  fosse  soar  na  televisão  de  um  mundo  antigo,  não  lhe  tinha  o  gosto  doce,  pois  lembrava-o  constantemente  do  valor  de  sua  vida  -  e  do  que  lhe  espera.  aceitou,  então,  que  para  si  há  a  máscara  de  um  soldado  e  que  matar  monstros,  entre  outros  trabalhos  de  falso  herói,  foi  para  o  que  nasceu.  prazer  faria  disso.  

futuro,  aquilo  que  soa  como  um  enfeite  tão  bonito  quanto  a  palavra  em  si  -  e  somente  só.  o  que  poderia  dizer?  até  mesmo  entre  os  miseráveis  há  privilégio  e  sorte.  a  de  daniel,  em  um  geral,  havia  sido  os  contatos.  foi  por  seu  pai  que  conseguiu  sua  primeira  ação  em  campo,  em  uma  de  suas  férias.  sua  segunda  vez  foi  resultado  da  performance  bem  feito  na  primeira  vez  ganhada.  foi  por  sua  mãe  que  atraiu  alguns  dos  olhares  ainda  dentro  da  academia,  e  ainda  era  por  ela  que  sabia  ainda  tê-los.  foi  por  seu  tio,  irmão  de  sua  mãe,  que  conseguiu  o  primeiro  trabalho  como  telekis  que  não  envolvesse  arrancar  membros  de  uma  criatura  inumana  -   foi  por  seu  tio  que  seu  nome  caiu  na  lista  daqueles  que  seriam  ladrões  sem  saber,  e  roubariam  para  a  própria  suécia.  e  fez  muito  bem,  como  um  bom  soldado.  infelizmente,  contudo,  como  um  ainda  tem  muito  o  que  melhorar.  afinal,  soldado  assente,  aceita  e  faz  -  daniel  ainda  pensa  e  reflete  demais,  especialmente  sobre  o  futuro.  

[acidblacknerds]

O Brasil foi tomado de assalto com a chegada do técnico MARÇAL na eleição para prefeito de São Paulo, a maior cidade do país. Sem nenhum apoio político, ele capturou a atenção de todos com polêmicas e virou ele mesmo o assunto principal da eleição.

Pablo Marçal, condenado por roubo, virou um empresário de sucesso e depois um técnico milionário, misturando discursos motivacionais e o evangelho da prosperidade protestante. Ele conseguiu fazer nome na internet graças a declarações muito agressivas e polêmicas.

Marçal demonstra grande inteligência em ser demagogo e explorar questões sociais, quase sem propostas concretas para a cidade, só fala o que a direita ideológica quer ouvir.

Ao atacar violentamente a esquerda, ele se apresenta como o único candidato conservador a prefeito.

Marçal será eleito e enfrenta uma ameaça real à liderança fracassada de Bolsonaro na direita. Ambos são populistas, mas Marçal domina a arte da manipulação na comunicação, é mais carismático e, na oposição a Bolsonaro, é um campeão.

Concluindo, esta eleição para prefeito de São Paulo pode ser o fim do reinado de Bolsonaro e a consolidação do movimento populista de direita com um representante muito melhor do que o messiânico técnico (e vigarista) Marçal.

Para a democracia, a ascensão de Marçal é boa. Seus métodos são tão horríveis quanto eficazes, mas se ele falhar, e ele irá falhar, pode significar o fim do vírus populista que infectou a direita e pode levar ao nascimento de uma nova direita, madura e democrática.

[fredborges98]

O ódio é uma coisa cansativa, não acha? Eu me pergunto que respeito próprio têm aqueles que são incapazes de respeitar a singularidade dos outros. Quem não entende, quem não respeita, quem não escuta a singularidade dos outros são pessoas azaradas porque não se permitem a liberdade de se inspirarem nos pensamentos dos outros. É uma prisão que eu não desejaria a ninguém!

Fascinado pela pintura de Vermeer, Garota com Brinco de Pérola. O que ela está pensando? Às vezes ela parece querer seduzir, às vezes parece triste. Às vezes acreditamos que ela tem treze anos e outras trinta.

Fascinado pela pintura de Pietro Antonio Rotari Garota com Livro. O que ela está pensando? Às vezes ela parece querer seduzir, às vezes parece sarcástica. Às vezes acreditamos que ela tem treze anos e outras trinta.

Mas interpretamos aquilo que estamos vivenciando e a obra de arte recebe interpretações, refletem nosso estado da alma, cada um é único, singular, cabe a todos respeitar a inspiração e expiração do outro, mesmo porque não vivemos sem respirar ou amar.

Um simples olhar pode transformar toda uma humanidade!

Singularidade.

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Tempo do Vídeo: 2 minutos e 22 segundos.

Por: Fred Borges

A fragmentação das imagens nos sonhos é o resultado de um processo de desejo repreendido e reeditado numa forma pouco confusa – se comparada à realidade concreta – mas aceitável a quem sonha (ou quem deseja) – e possível em um ambiente onírico. São os conteúdos ou pensamentos latentes.

A repreensão do pensamento (ou desejo) pode ser entendida como aquilo que não fazemos – seja pela cultura em que estamos inseridos ou por valores nossos ou mesmo medos sociais – mas faríamos se nada nos contivesse. Aí, no sonho, o desejo se descarrega, se alivia, se concretiza. De modo ameno. E a vida segue ou seguia.

Mas se existe essa repreensão é que existe o repressor e o repressor pode se dar por alteridade ou por livre arbítrio ou escolha e decisão de se reprimir ou simplesmente admitir a recusa ou distanciamento do sentir ou do pensar.

A singularidade requer coragem.Coragem de olhar olho no olho, espelho do outro ou de si próprio, de expressar o que tem que ser expresso.

Ambos os quadros refletem a alteridade dos artistas em olhar a sociedade que os reprimiu ou intimidou,possível também teria sido tê-los punido.Por essa razão o olhar é uma incógnita, é um código que a cada um cabe sua decodificação ou significação, desconstruído como um enigma, como um segredo guardado a sete chaves.

Não é uma paisagem expressada na tela, não é uma miragem, nem fantasia, é uma sintomatologia de doenças latentes, patentes ou potenciais gatilhos prontos para disparar.É a ponta de um novelo de lã a ser procurada, a ponta de um fio de um novelo de seda, onde desejo, somente o desejo, pode encontrar e se saciar ou saciar a curiosidade lançada por ambos os olhares.

O olhar revela a singularidade de traumas ou situações traumáticas, a psicanálise é constituída pelas revelações da semiótica nos ou dos sonhos.A reação do cérebro às cenas dos sonhos é a mesma de quando vemos imagens acordados. A sigla R.E.M., que utilizamos para uma das fases do sono, significa “rapid eye movement”, ou “movimento rápido dos olhos”, em tradução livre.

Vinte e quatro horas por dia é o Estado permanente ou contínuo de nossa singularidade, mas algo muito prejudicial tem acontecido, algo que tem nos levado a extremos, estamos pouco a pouco perdendo a capacidade,habilidade e competência da arte de observar ou percorrer o horizonte, de contemplar, de experimentar,admirar,de se espantar, e muito disso decorre da tela significante ou limitante do celular, da quantidade em detrimento da qualidade de dados, informações e a nossa capacidade e competência básica em se emocionar,amar, seduzir,conversar ou dialogar,de se apaixonar,entusiasmar, e assim, não é por um simples acaso que a depressão é a doença crescente,gado semovente manipulado do final do século XX e XXI.

O ódio é uma coisa cansativa, não acha?

Eu me pergunto que respeito próprio têm aqueles que são incapazes de respeitar a singularidade dos outros.

Quem não entende, quem não respeita, quem não escuta a singularidade dos outros são pessoas mal afortunadas porque não se permitem a liberdade de se inspirarem nos seus pensamentos e no dos outros.

É uma prisão que eu não desejaria a ninguém, pois se aprisionando ou aprisionando o outro e jogando as chaves da originalidade, autenticidade ou da singularidade fora ou num lugar somente revelado nos sonhos mais secretos dentro de si ou dentro do outro, ficam sem horizonte, logo em terra desertificada ou salinizada pelo ódio,pela mediocridade, mesquinhez, egoísmo, dos olhares, percepções, perspectivas, tratativas, das relações baseadas no ódio, logo naquilo que mais torna rico ao homem, sua essência,sua capacidade ou competência de se relacionar, de construir um relacionamento tolerante,de respeito,de amor e aceitação da singularidade do outro em mim e de mim no outro.

O simples exercício da singularidade pode transformar toda uma humanidade!

[alessandro55]

Sottsass Glass Works

editor Marino Barovier, Bruno Bischofberger, Milco Carboni

Vitrum, Dublin 1998, 155 pages, 29x29cm, ISBN 1 902 535065

euro 58,00

email if you want to buy booksinprogressmilano@yahoo.it

Catalogo pubblicato in occasione dell salone "Vitrum" presso Fieramilano, Rho (MI), 1998

Contents: Glass; by Ettore Sottsass - Glass for the 8th Triennale of Milan, 1947 - Glass for Vistosi, 1974 - Glass for Memphis (first series), 1982-83 - Glass for Memphis (second series), 1986 - "15 Lamps for Yamagiwa" Series, 1990 - "Rovine" Series, 1992 - Glass for Bischofberger Gallery, 1994 - "Big and Small Works" Series, 1995 - "27 legni per un fiore artificiale cinese" Series, 1995 Glass for Venini - "Esercizi e Capricci" Series, 1998 - Biographical notes - Museums and Galleries - List of Glass Works - List of Drawings for Glass - Bibliography.

Ettore Sottsass si laurea in architettura al Politecnico di Torino nel 1939, quindi inizia la sua attività a Milano nel 1947 dove apre uno studio di design, collaborando con Giuseppe Pagano. Nel 1949 sposa Fernanda Pivano. Fa in un primo tempo parte del Movimento Arte Concreta per aderire poi allo Spazialismo. Dal 1958 inizia la sua collaborazione, che durerà per oltre trent'anni, con la Olivetti in qualità di computer design. L'anno successivo vince il Compasso d'oro, primo di una serie di importanti riconoscimenti internazionali. Nel 1980 apre lo studio "Sottsass e associati" e nel 1981 fonda il gruppo Memphis insieme ad architetti di prestigio di tutto il mondo. Vari sono i campi artistici in cui si sperimenta, in particolare nelle arti visive. Nel 1988 esce Terrazzo, rivista da lui ideata e realizzata, e che uscirà fino al 1996. Grandi mostre internazionali e grande fama: Sottsass è stato uno dei più grandi nomi del design e uno dei maggiori architetti del secolo scorso. Morì il 31 dicembre 2007

30/06/24

[capitalflutuante]

A quarta Conferência Nacional de Cultura (4ª CNC), encerrada nessa sexta-feira (8), voltou a dar destaque à participação social nas políticas públicas sobre cultura, após mais de dez anos desde a última conferência nacional, em dezembro de 2013. O resultado foi a aprovação de 30 propostas prioritárias que irão compor o documento final do encontro para dar rumo ao setor no Brasil na próxima década. O Plano Nacional de Cultura será escrito com base nas decisões da conferência e com mais debates com os conselhos de cultura nos estados e municípios. De acordo com o Ministério da Cultura (MinC), responsável pela realização da conferência, quase cinco mil pessoas estiveram no Centro de Convenções Ulysses Guimarães, em Brasília, para o evento. Brasília (DF) - A ministra da Cultura, Margareth Menezes, durante entrevista coletiva sobre a 4ª Conferência Nacional de Cultura Foto:  Marcelo Camargo/Agência Brasil Após cinco dias de intensas atividades, como análises, consultas, escutas, sugestões, debates e embates e, por fim, as votações e as aprovações do que teve consenso da maioria dos votantes, as experiências vividas em Brasília, de forma geral, foram bem avaliadas pelos participantes: delegados eleitos de todas as regiões do país, representantes de governos municipais, estaduais e federal e convidados da classe artística e de variados segmentos da sociedade civil. Na abertura da plenária final, ainda na quinta-feira (7) à noite, a ministra da Cultura, Margareth Menezes, realçou o compromisso da atual gestão federal com a democracia, após dez anos de ausência de um debate nacional mais amplo e participativo. “Foi uma resistência da democracia e nós resistimos, nós merecemos essa Conferência, o setor cultural, a sociedade.” Em entrevista à Agência Brasil, a presidente da Fundação Nacional de Artes (Funarte), do MinC, Maria Marighella, defendeu o espaço democrático da 4ª CNC, que evidenciou o protagonismo dos fazedores de cultura em suas próprias histórias. “Agente fez uma vitória, primeiro a imensa vitória de reconstituir, de restituir a participação no país, numa conferência histórica maior da história do país. E o setor cultural realmente merecia e precisava do compromisso da democracia com a participação. Depois que não existe política pública sem participação e política pública se conjuga no plural e os fazedores de cultura são parte fundamental da política pública,” disse. O presidente do Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan), do Minc, Leandro Grass, comemorou o momento. “É um passo muito importante para consolidar a cultura como política de Estado e não só como política de governo; para fortalecer o Ministério da Cultura, as secretarias [de Cultura] e política cultural.” Grass realçou que a conferência foi histórica para o Brasil. “É um divisor de águas na história do Ministério da Cultura e que renderá frutos no curto, no médio e no longo prazo. Nosso papel é traduzir tudo isso em ações concretas, em orçamento para atender todas as necessidades que o movimento cultural.” Brasília (DF) 07/03/2024 – Presidente da Fundação Cultural Palmares, João Jorge Rodrigues dos Santos durante 4ª CNC Foto: José Cruz/Agência Brasil Outro órgão do MinC, a Fundação Cultural Palmares, foi representada pelo presidente, João Jorge Rodrigues. Ele, que também é fundador do grupo afro-percussivo Olodum, na Bahia, falou que a conferência fortalece a instituição que vem sendo reconstruída há pouco mais de um ano, no governo do presidente Luiz Inácio Lula da Silva. “A Palmares tem a missão de apoiar as ações de 102 milhões de brasileiros, os afro-brasileiros pretos e pardos, além de apoiar aqueles que não são pardos,” afirmou. “A cultura é um vestido ou um paletó com a gravata que um país veste. Se não está bem-vestido, não se apresenta bem. A cultura é isso: é o que nós somos, é o que nós seremos, é o que nós somos”, define o presidente da Fundação Cultural Palmares, João Jorge Rodrigues. O secretário Executivo do MinC, Márcio Tavares, fez um balanço positivo da conferência.

“Foram cinco dias de intenso debate. A plenária final, que é composta pela sociedade civil, pelos delegados que foram eleitos no processo das conferências estaduais e municipais, se expressa, dá sua opinião livremente e, com isso, conseguimos ter um conjunto de propostas que está muito alinhado com aquilo que o governo defende e que vai contribuir muito com as nossas diretrizes de trabalho, de reconstrução do Plano Nacional de Cultura”, afirmou. Sociedade Civil À Agência Brasil, o ator Francisco Díaz Rocha, conhecido como Chico Díaz, presente à 4ª CNC, considerou fundamental a retomada da construção da integração cultural promovida durante o encontro. E ainda defendeu os direitos dos trabalhadores da cultura. “Há que se reconhecer o terreno onde se vive as agruras do fazer cultural. Mas, há que se reconhecer o terreno que se vive primeiro. E o vasto espectro que a cultura brasileira oferece, da Amazônia a Porto Alegre, do Atlântico ao Peru, à Bolívia. Há que se reconhecer a potência criativa, a potência de como fazer sobreviver esses trabalhadores da cultura. Então, há que se diagnosticar primeiro para poder construir”, declarou o ator de TV, cinema e teatro. O ator Chico Diaz na 4ª Conferência Nacional de Cultura, por José Cruz/Agência Brasil A delegada da 4ª CNC de Pedreiras, no Maranhão, Francinete Braga, comemorou os avanços do grande encontro desta semana e fez um balanço, a partir do ponto de vista de quem contribui para escolha do que deve ser priorizado na cultura do Brasil. “Quase todas as propostas de diversos eixos que debatemos contemplam a questão da mulher negra, da mulher de terreiro. Ressalto a questão dos povos indígenas, dos ciganos, que é um povo que está um pouco visibilizado. Logo, esses segmentos, essas culturas, produtores culturais, esses fazedores de cultura, terão recursos para melhorar aquele fazer que eles já sabem tão bem”, projeta Francinete Braga. Outra delegada e representante dos povos indígenas no Conselho Nacional de Política Cultural Daiara Hori Figueroa Sampaio, do povo indígena Tukano, do Alto Rio Negro na Amazônia brasileira, informou que 60 delegados eleitos nas conferências estaduais, além de convidados que participaram dos conselhos anteriores, representantes de pontos de culturas e museus indígenas e articuladores de cultura indígena de todo o Brasil, reforçaram o diálogo sobre o setor das culturas indígenas. Brasília (DF) 07/03/2024 – 4ª Conferência Nacional de Cultura Foto: José Cruz/Agência Brasil - José Cruz/Agência Brasil Para Daiara Tukano, marcar a presença indígena em todos os eixos da conferência surtiu efeito. “Conseguimos aprovar diversos projetos que incluem os povos indígenas, com destaque ao projeto de criar um plano nacional para as culturas indígenas, levando em consideração a transversalidade de nosso setor. Afinal, estamos em todas as linguagens. Somos indígenas artistas, músicos do circo, temos patrimônio material, de patrimônio material”, disse. A professora Neide Rafael, do Distrito Federal, foi à conferência como convidada e entende que não existe cultura sem educação e vice-versa. Para ela, os desafios na afro educação ainda persistem no Brasil. “Salve toda a possibilidade de continuação de vida para a nossa juventude negra, onde o Hip-hop não será espaço de demérito, mas espaço de cultura viva e que a periferia esteja presente em todas as manifestações culturais no âmbito de respeito da cultura brasileira,” afirmou. Dentro do Hip-hop, destacado pela educadora, um dos 80 representantes do segmento nesta conferência foi Cristiano Martins de Souza, de Goiânia (GO). Nome de batismo que quase ninguém conhece. Em grupos de rappers, Cristiano é o Mc Baiano. Ele participou de todas as quatro conferências nacionais de cultura e se admira com o crescimento da categoria no evento. “Esta foi uma das melhores conferências de cultura que já participei. O Hip Hop vem aqui como movimento de inclusão social. Nós conquistamos aprovar a cadeira do Hip Hop nos municípios e nos estados. Esse era um dos nossos objetivos”, ressaltou.

A produtora da área de audiovisual e mestra de cultura negra, Ângela Maria do Vale, de São Paulo, destacou o respeito aos elementos orais da cultura, preservados pelas pessoas idosas em vários fóruns de debates da conferência. Apesar dos diferentes pontos de vista em várias questões, Ângela disse que houve sensibilidade coletiva com os guardiões da memória da cultura brasileira. “Hoje, eu vejo resgatado nessas discussões que foram feitas aqui, a questão das matrizes africanas.  Houve respeito pela forma como foram colocados os saberes orais dos mestres de cultura tradicionais,” disse. A opinião sobre a valorização dos mestres da cultura foi compartilhada com Rita Santos, de Salvador (BA), que exerce o cargo de ekedi na religião Candomblé, que auxilia pai ou mãe de santo e trabalha como uma espécie de zeladora dos orixás, divindades da mitologia africana. “Nós conseguimos fazer a lei de mestres e mestras de culturas. Essa garantia é importante para todos eles. Nós temos muitos mestres que morrem à míngua em lugares distantes. Então, é uma vitória, na preservação dos valores e tradições da nossa cultura”, destacou. No encerramento da 4ª CNC, os participantes ainda tiveram a oportunidade de assistir ao show da cantora baiana Daniela Mercury, na noite dessa sexta-feira (8), no estacionamento do Centro de Convenções Ulysses Guimarães, gratuitamente. Com informações da Agência Brasil

[gazeta24br]

Com direção de Clara Carvalho, espetáculo é uma construção coreográfica e teatral inspirada no livro Das Tripas Coração, da autora pernambucana Ezter Liu Esta história lhe cortou por dentro ruidosamente. Tentou um final feliz. Mas pela janela não via paisagem. Via as manchas do vidro... Ela (a mulher que escreve) no lugar do coração usará tripas. (Ezter Liu. Das tripas coração) A Cia Mariana Muniz de Dança e Teatro investiga o universo dos contos da pernambucana Ezter Liu em Das Tripas: Sete Histórias, inspirado no livro Das Tripas Coração, que rendeu à escritora o V Prêmio Pernambuco de Literatura, em 2018. O espetáculo estreia em curta temporada na Oficina Cultural Oswald de Andrade, entre 21 e 26 de fevereiro. Com direção de Clara Carvalho e interpretação de Mariana Muniz, o espetáculo é uma construção coreográfica e teatral, na qual os movimentos e palavras dão voz e corpo ao universo poético e profundamente feminino retratado pela escrita de Liu. Em 2019, Mariana Muniz, que também é pernambucana, fez uma abertura de processo de criação em dança-teatro que envolveu a adaptação de alguns dos contos do livro, dirigida por Carvalho. A apresentação foi realizada via zoom e veiculada pelo Grupo Tapa em seu Festival de Inverno de 2021, com o título “Sete Histórias”. Agora, o que a Cia Mariana Muniz de Dança e Teatro propõe é o aprofundamento das descobertas cênicas desde essa abertura. Os contos escolhidos do livro têm em comum a temática feminina e se expandem em narrativas cênicas. Suas histórias, cheias de peripécias inusitadas e concretas, nos convidam a mergulhar no universo poético da dança-teatro. Segundo a autora, desses contos “vieram da imaginação mesmo, já outros são mais empíricos, mas nada autobiograficamente descarado”. O espetáculo ainda é a possibilidade de uma grande parcela do público jovem e amante das artes cênicas ter acesso direto às experimentações, vivências e processos de criação da Cia Mariana Muniz de Dança e Teatro. E nasce de inquietações como: Quando os movimentos e os gestos dançados são fundamentais para fazer emergir no corpo do espectador sensações e pensamentos que o coloquem em sintonia com a estrutura narrativa escolhida? Quando o texto falado, a rede de palavras se torna imprescindível para dar clareza e sentido à dramaturgia? Como constituímos uma trama de palavras e movimentos que expressam caminhos comunicantes, sem perder a conexão com o espírito de cada conto selecionado? Em sua escrita, Ezter Liu nos apresenta o "ser mulher" com uma força que se expande em múltiplas direções; são personas que coabitam e se revezam para descobrir o que faz de cada uma a protagonista da sua própria trama. A mulher que se sente deus, a mulher que escreve; a mulher que foge, a que acende fogueiras, que se torna parafuso, são algumas das várias faces do feminino que protagonizam as histórias criadas pela autora, que além de poeta é uma policial em Carpina, cidade da zona da Mata de Pernambuco. “Assim como a autora escolhe criar uma narrativa sem vírgulas, apontando para a necessidade de um contar sem pausas, nós acreditamos na força da tradução deste movimento literário em ação cênica, tirando da adversidade a sua força e atravessando os próprios limites para dizer o que precisa ser dito sobre a questão do feminino, num país onde o feminicídio é uma realidade muito cruel e que continua fazendo milhares de vítimas por minuto”, revela Mariana Muniz. Sobre Ezter Liu Ezter Liu nasceu no Recife e mora em Carpina. É graduada em Letras e destaca-se como escritora de prosa e poesia. Seus textos são publicados desde 2015 em coletâneas na região e no estado de Pernambuco. É policial e poeta e vencedora do título maior do Prêmio Pernambucano de Literatura. Das Tripas Coração é seu segundo livro publicado. “Todos os contos são sobre mulheres. Todos são em terceira pessoa. Retratos de universos femininos diferentes. Sobre amor, violência, angústias, realizações…”. Liu diz que escreve desde que se entende por gente, mas não mostrava para ninguém.

Diz que era uma escritora enrustida. A autora mantém o blog “Pancada do Vento”, mas não faz publicações constantes. Em 2018, Liu alcançou um marco em sua trajetória: tornou-se a primeira mulher a ganhar o Prêmio Pernambucano de Literatura com o livro Das Tripas Coração. Publicou depois as Breves Fogueiras (2021), e já está planejando o próximo lançamento. Ficha Técnica Coordenação Geral e intérprete: Mariana Muniz Assistente de Coordenação: Cláudio Gimenez Direção: Clara Carvalho Assistência de direção: Marcella Vicentini Iluminação: Wagner Pinto Espaço Cênico: Júlio Dojcsar Assistente de Iluminação: Gabriel Greghi e Carina Tavares Trilha Sonora: Mau Machado Figurino: Marichilene Artisevskis Assessoria de Imprensa: Pombo Correio Produção Geral: Movicena Produções Direção de Produção: Rafael Petri Produção Executiva: Jota Rafaelli Realização: Prefeitura de São Paulo – Secretaria Municipal de Cultura | Fomento à Dança Para a Cidade De São Paulo. Sinopse Das Tripas: Sete Histórias, é um espetáculo de dança-teatro livremente inspirado no livro Das Tripas Coração da escritora pernambucana Ezter Liu. O espetáculo é uma construção coreográfica e teatral, na qual os movimentos e palavras dão voz e corpo ao universo poético e profundamente feminino retratado pela escrita de Liu. Serviço Das Tripas Coração: Sete Histórias Temporada: 21 a 26 de fevereiro (exceto dia 25/2) Quarta, quinta, sexta e segunda, às 19h; sábado, às 18h Oficina Cultural Oswald de Andrade - Rua Três Rios, 363, Bom Retiro Ingressos: Gratuitos – retirar uma hora antes na bilheteria. Classificação: Livre Duração: 60 minutos Acessibilidade: rampa de acesso, banheiros acessíveis e plateia com reserva de lugares

[gabrielpardal]

Como manter e alimentar a inspiração

Como manter e alimentar a inspiração? Não é fácil. Quero dizer, muita gente tenta e espera a inspiração chegar, mas ela nem sempre chega quando a gente quer. Se ficarmos esperando a inspiração pra poder trabalhar, talvez esperaremos tempo demais. E é possível que com o tempo ela demore cada vez mais pra voltar. Certa vez li uma coisa do Chico Buarque, acho que foi no livro Estorvo, onde ele diz que a inspiração é como o sono que chega. Quando você está deitado para dormir, você vai perdendo a consciência devagarinho, acontece que de repente você dorme. Se ficar prestando atenção se o sono vai chegar, você nunca dorme. A inspiração é como o sono, você não deve dar muita atenção, não deve ficar procurando-a em tudo que é canto porque talvez não vá encontrar.

Mas sim, existem alguns métodos, ou melhor, jeitos que funcionam como gatilhos pra que a inspiração aconteça.

A inspiração precisa de alimento.

Quando a gente come, a gente cresce, fica mais forte, a gente fica vivo, certo? Precisamos de comida pra crescer. Esse processo é imperceptível, mas sabemos que está acontecendo. Pois bem, a inspiração se alimenta também. Ela se alimenta de música, livros, filmes, peças de teatro e, mais além, de cheiros, visões, sons, texturas, conversas, encontros, perigos, paixões, eventos grandes ou pequenos que alimentam nossas impressões e experiências. No nosso inconsciente não estão apenas informações factuais mas também informações reativas (que são nossos movimentos de aproximação e afastamento dos eventos vividos). Essas são as coisas, os gatilhos de onde a inspiração surge.

Com o tempo esses eventos vão se tornando um arquivo pessoal ao qual podemos voltar quando quisermos.

Nenhuma pessoa vê as mesmas coisas do mesmo modo. Duas pessoas que vêem o mesmo acidente fazem interpretações diferentes com base em suas referências. Algo acontece quando a gente acessa as coisas que nos tocam. Me lembro do meu pai contando histórias da juventude dele, coisas banais como quando entrou numa briga na escola. Ele não tinha essa história ensaiada dentro dele, mas quando acessava sua memória, ele contava tocado por uma inspiração que é o que artistas procuram na hora de compor uma música.

Do jeito que acontece com todo mundo quando conta algo que lhe comoveu, quando contam sobre algo que amaram ou odiaram, e não precisa nem ser um grande acontecimento, só perguntar pra alguém aí “Aconteceu alguma coisa que te deixou irritado hoje?”

*

Durante muito tempo artistas creditavam suas obras às musas. Mas veja, a musa não é alguém de carne e osso para quem o artista dedica um poema ou alguém que se quer conquistar, não é a musa do Vinícius de Moraes, não é a Garota de Ipanema que vem e que passa. A musa do e da artista não é uma pessoa, pois não é necessariamente concreta, mas sim uma entidade que coloca o artista em um estado de espírito capaz de criar.

A concepção da musa veio, como muitas das coisas, da mitologia grega. Eram nove musas, nove filhas de Zeus e Mnemósine (que significa Memória). Havia uma Musa para cada área da criação artística e científica… Musa da Poesia, da Música, da Dança, da História, da Astronomia, etc. O templo das Musas era o Museion, termo que deu origem à palavra Museu, local de cultivo, preservação e exposição de artes. Segundo a mitologia, as musas eram jovens alegres e festivas, vieram à terra para sussurrar ideias criativas nos ouvidos dos mortais. Se esses mortais conseguissem ouvi-las, produziriam obras maravilhosas que despertavam admiração. Quem não era visitado pelas musas acabava não criando nada.

Em um dos contos que Neil Gaiman escreveu nos quadrinhos Sandman, tem a história de um escritor em crise criativa que “compra” a musa Calíope, que é a musa da Poesia Épica. Ele a mantém refém em sua casa para conseguir inspiração para escrever um romance de sucesso atrás do outro. O problema é que a musa inspiradora desperta os mais abomináveis instintos no romancista. Além de mantê-la enclausurada, ele a estupra. Ao final da história, o escritor acaba pagando caro por seus atos.

Muitos escritores já disseram que não se deve contar com a inspiração para escrever. Escrever é um trabalho como qualquer outro. Exige dedicação, prática, rotina e disciplina. Deve-se duvidar daquilo que é posto no papel como um jorro inspirado, é necessário que esse jorro de palavras descanse e seja retrabalhado para evoluir.

*

As pessoas acham que as ideias vêm de fora, mas na verdade vem de dentro. Uma vez essas coisas estiveram fora, sim, claro, mas não na hora em que se senta pra escrever.

Assim como você deve escolher bem o que comer, para ficar bem nutrido, crescido, você também deveria alimentar seu inconsciente com um menu bem escolhido.

Ler poesia todos os dias da sua vida. Poesia é bom porque exercita músculos que não são utilizados sempre. Poesia expande os sentidos. Ouça música e somente isso. Não é ouvir música enquanto faz outra coisa, é colocar uma música, um disco e fechar os olhos e se deixar levar. Esteja sempre lendo um livro. Não precisa ser um clássico, não precisa ler 100 páginas por dia, mas tenha um livro como companhia, que você caminhe com ele, um livro aumenta as formas e o tamanho do mundo.

Tem mais, muito mais coisas que você pode fazer para manter e nutrir o estado de inspiração acordado e vivo. Você vai descobrindo isso, cada um tem o seu.

E isso, não é musa, não é entidade, não é uma inspiração mágica que vem, é mais como um velejador que está em alto mar observando o vento e sabe como se utilizar dele para chegar aonde quer.

Ao viver e ao observar enquanto se está vivendo, ao ler e observar enquanto lê e escreve, você alimenta seu inconsciente. A inspiração vem.

[mypickleoperapeanut]

"Dopo la staticità, finalmente il movimento, ora si passi al coordinamento" L'Italia ha necessità e bisogno di una metodologia regolata, condotta e guidata che si chiama "Sistema Italia", dove protagoniste sono tutte le peculiarità che caratterizzano e identificano le 20 Regioni. Quelli ottenuti sono risultati positivi, ma sempre contenuti se confrontati a quelli che si potrebbero ottenere con una politica di valorizzazione e di adeguata comunicazione, di tutte le peculiarità che rendono uniche le 20 Regioni d'Italia. L'errore perpetrato in molti decenni passati è accontentarsi delle briciole ottenute, nella convinzione di avere forme di pane fragrante. Dimenticando o non considerando in alcun modo che solo una piccolissima parte d’Italia è conosciuta nel mondo, se invece fossimo pienamente consapevoli della primaria necessità di censire in modo sistematico il nostro incommensurabile Patrimonio, materiale, immateriale, nella sua ampia e variegata potenzialità, saremmo la prima Nazione al mondo per offerta turistica, poiché ogni Luogo del nostro straordinario Paese ha affascinanti storie da raccontare, bellissimi posti da far, squisiti sapori da far assaggiare e coinvolgenti eventi da far vivere. Comunque va riconosciuto che per ciò che concerne l’osservazione, lo studio, l’analisi del fenomeno Turistico Italiano.non ci facciamo mancare assolutamente niente. Forse sarebbe opportuno passare dalla osservazione fine a se stessa alla fattibilità concreta, con una visione che permetta la realizzazione del "Sistema Italia" di cui abbiamo necessità e bisogno. Riccardo Rescio Presidente "Assaggia l'Italia Aps" Associazione di Promozione Sociale (no Profit) Firenze 6 marzo 2022 (presso I&f Arte Cultura Attualità) https://www.instagram.com/p/Cpcw6j0DkRG/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[carmenvicinanza]

Cristina Caprioli

L’arte deve disorientare, deve trasmettere una sensazione di cui non puoi appropriarti, non puoi “comprarla”, è questione di immaginazione, di accettazione, di “arrendersi”.

Cristina Caprioli è la danzatrice, coreografa, teorica sperimentale e accademica che ha vinto il Leone d’oro alla carriera della Biennale Danza 2024 come riconoscimento a chi lavora nella ricerca per salvare l’artedal consumismo.

Con un approccio artistico inclusivo e sostenibile, è autrice di lavori che scardinano le convenzioni linguistiche e percettive della danza.

La sua idea di coreografia è quella di discorso critico in continuo movimento, in cui l’atto creativo non è mai disgiunto dalla riflessione.

Figura di primo piano della scena internazionale della danza contemporanea, la sua opera è caratterizzata da precisione, complessità e forme nuove di virtuosismo fisico. Le basi filosofiche del suo canone bilanciano ricerca concettuale rigorosa ed esperienza concreta coinvolgente e altamente praticabile.

Tutte le sue produzioni sfidano le regole e le economie di scambio del settore.

È nata a Brescia il 22 ottobre 1953 da madre svedese, suo padre era il pittore Adriano Grasso Caprioli. 

Ha studiato danza da quando aveva sei anni, ma la convinzione che fosse la sua strada è arrivata qualche anno più tardi, dopo aver visto Rudol’f Nureev esibirsi.

Ha lavorato come ballerina professionista in giro per il mondo prima di trasferirsi definitivamente a Stoccolma, dove, nel 1998, ha fondato ccap (cristina caprioli artificial projects), organizzazione indipendente che gestisce progetti di ricerca interdisciplinari, produce spettacoli teatrali, installazioni, video e pubblicazioni.

Mescola insieme danza, arte, letteratura, scienza e architettura.

Lavorando con persone anziane e bambini e adulti con disabilità, soprattutto cognitive, crea danze meravigliose che fuoriescono dal contratto sociale.

Ha partecipato alla Biennale di Venezia per la prima volta nel 2010 con cut-outs & trees, che ancora oggi va in giro, dal MoMa di New York a Londra.

Alla periferia di Stoccolma gestisce la Hall dove, facendosi bastare le sovvenzioni dello stato, propone soltanto spettacoli gratuiti. 

In una concezione che rifiuta di comprare il diritto di consumare l’arte, la sua compagnia offre resistenza. Producono con pochissimi soldi, circa 180 spettacoli all’anno con un decimo delle risorse di cui avrebbero bisogno.

Nel 2008 è stata nominata docente di composizione coreografica presso la School of Dance and Circus (DOCH) di Stoccolma.

Ha curato e prodotto diversi festival come Talking Dancing (1997) e Movement is a Woman (2002), oltre ai progetti di ricerca t.lab (2004) e after cover (2009-2011).

È stata anche curatrice dell’antologia di danza Choreographies (2008) e ha curato e prodotto il simposio WEAVING POLITICS (2012). 

Nel 2021 è stata il governo svedese l’ha premiata con l’Illis Quorum meruere labores la medaglia d’oro assegnata a coloro che apportano contributi e benefici in ambito culturale, scientifico e di pubblica utilità.

Nel 2022 il festival berlinese Tanz im August le ha dedicato una retrospettiva completa.

Due anni dopo, anche la più importante manifestazione artistica italiana ha voluto renderle omaggio con il Leone d’Oro alla carriera.

[totherosie]

Bruno Munari Research Paper

“A designer is planner with an aesthetic sense”. This sentence quote from Bruno Munari (Milan, 1907– Milan, 1998) who is one of the people I have been most influenced by in my design learning journey. David Reinfurt insists that "Bruno Munari is a bit too well-known in the United States for children’s books. He’s less well-known for the breadth of his work" (53). He was one of the most independent and influential figures in the history of twentieth-century international art, design, graphics, and film. Associated with the second wave of the Italian Futurist movement, and one of the founders of the Italian movement for concrete art—Movimento Arte Concreta (MAC), his multifaceted practice allowed him to contribute to all fields of the visual arts, as well as literature, poetry, and teaching. He is considered one of the protagonists of programmed and kinetic art. His works contributed fundamentals to many fields of visual arts, and much high applicability with his research on games, didactic method, movement, tactile learning, kinesthetic learning, and creativity.

Claude Lichtenstein and Alfredo Haberli depict Bruno Munari as "a life as art" (9). According to Italian Modern Art, Munari was born on 24 October 1907 in Milan, he was raised and grew up in a family with a ten year younger brother Giordano Munari. In 1913, Munari moved to Badia Polesine (Veneto), where his parents converted a small palazzo that had belonged to the dukes of Este into an inn. From the guests at the inn, this is the first time Munari has heard of futurism. He shared about this story that "and thus I began to draw, but without any knowledge, inventing" (Claude Lichtenstein & Alfredo Haberli, 274). Munari returned to Milan in 1925, his uncle found him a position as a graphic designer. Munari's career his career began budding while searching around in bookstores, he meets the futurist poet Munari meets the futurist poet Escodamé (pseudonym of Lescovich), who introduces him to Filippo Tommaso Marinetti. Munari joined the second generation of Futurists (those born around 1900, including Depero, Dottori, and Soldati, and becomes especially close to Prampolini). Munari started to display his works in many exhibitions in 1927, and then he began his endless creative journey. In 1930, he worked as a graphic designer with Riccardo Castagnedi (Ricas), and from 1938 until 1943, he worked as a graphic designer for Mondadori, as well as for two of Mondadori’s magazines, Tempo Magazine, and Grazia. It was during this period that Munari created advertising collages for magazines and created sculptures and his abstract-geometrical works, but it was also the time when he strengthen his love for writing and publishing. After World War II, Munari became disillusioned by Italian Futurism due to its Fascist tones and decided to disassociate himself from it, and in 1948, Munari, along with Gillo Dorfles, Gianni Monnet, and Atanasio Soldati founded the Movimento Arte Concreta (MAC). It is during this time, the late 1940s and 1950s, that Munari developed a strong and playful style, away from a purely futurist or constructivist influence; a truly modernist style that is skeptical about futurist ideas, an approach that explores new materials and times defies logic, and that is much more narrative. Later in his life, Munari became increasingly interested in the design and publication of children’s books, as well as in designing toys, though he had been producing books for children since the 1930s. For his books, he often used textured and tactile surfaces, and cutouts to facilitate the teaching about touch, movement, and color through kinesthetic learning.

One of typical Munari's works can be specifically mentioned in his "useless machines", which represents a completely different understanding of technology and its function in the modern age. Although associated with the Futurism movement at the time, this work went quite further and was more in line with other major trends such as Russian Constructivism or Bauhaus. These are objects hung in the style of Man Ray's famous lampshade, Munari thought that instead of drawing squares, triangles, and other geometric shapes that still give a realistic feel, why not liberate abstract forms from still paintings and hang them in the air, piecing them together so they could live in the environment with us. With "useless machines", he was interested in exploring the constant time-space, how to make the work of art could interact with the environment and change accordingly. Making art to become truly dynamic, Munari was one of the first in Europe to create kinetic art which has become a dominant trend all over the world in the '50s and '60s. What's interesting about these sculptures is that they're built with very light materials like paper, thin wooden slats, and silk thread. I agree that design is an experimental process which means we must experiment until figuring out the best way to jump into. Thus, I was inspired by Munari when he constantly experiments. He experimented with so many things that he became his own, and completely different from anything else out there.

"The designer of today re-establishes the long-lost contact between art and the public, between living people and art as a living thing", this quote from Design as Art is Munari’s 1966 book of essays bringing together his thoughts and musings on design and art. It is also one of my favorite design books and I often refer back to it for inspiration. Munari insisted that design be beautiful, functional, and accessible, and this interesting book sets out his ideas about visual, graphic, and industrial design and the role it plays in the objects we use every day. Some of the subjects to which he turns his illuminating gaze such as lamps, road signs, typography, posters, children's books, advertising, cars, and chairs. The book made me think more about how to see the world and how to make forms from many things around us. Draw A Tree is Munari's illustrated book for children which I am fond of and was inspired by Leonardo da Vinci’s centuries-old diagrammatic study of tree growth. According to Maria Popova notes that "Munari — who made some wildly inventive 'interactive' picture-books before the Internet was born and who saw graphic literacy as the bridge between living people and art as a living thing." Observing the transformation of the tree and illustrating them through drawings has opened my mind about how to observe things around me and make new things out of them.

In sum up, Bruno Munari was among the most inspirational designers of all time, described by Picasso as “the new Leonardo.” His works are ahead of their time and have high learning value. He is also the person who has inspired and influenced a lot in my design style.

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Works cited

“Bruno Munari”. Casati Gallery. https://www.casatigallery.com/designers/bruno-munari/, Accessed 15 November 2022.

“Bruno Munari: The Child Within”. Italian Modern Art. https://www.italianmodernart.org/exhibition/bruno-munari-the-child-within/, Accessed 15 November 2022.

Lichtenstein, Claude & Haberli, Alfredo. A Visual Reader on Bruno Munari. 1st ed, Lars Müller Publishers, 2001.

Munari, Bruno. Design As Art. Illustrated ed, Penguin Classics, 2019.

Popova, Maria. “Drawing a Tree: Uncommon Vintage Italian Meditation on the Existential Poetics of Diversity and Resilience Through the Art and Science of Trees”, The Marginalian. https://www.themarginalian.org/2021/11/05/drawing-a-tree-bruno-munari/, Accessed 15 November 2022.

Reinfuirt, David. A *New* Program for Graphic Design. Inventory Press/D.A.P, 2019.

[fashionbooksmilano]

Mario Nigro

a cura di Angela Vettese con interventi di Saverio Vertone, Gianni Nigro e un’antologia di scritti di Mario Nigro

Vangelista, Milano 1994, 116 pagine

euro 40,00

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Catalogo mostra Galleria del Credito Valtellinese, Milano, marzo - aprile 1994

Dall' autoritratto del 1945 alle ultime Meditazioni, sono documentate tutte le fasi del suo lavoro, all' inizio in sintonia con le esperienze dei concretisti milanesi. Nigro continua a riflettere sui problemi costruttivi, progetta "spazi totali", studia vibrazioni cromatiche. La sua ricerca sulla linea costruita prosegue con le "strutture fisse" degli anni Settanta e più liberamente con gli "orizzonti" del decennio successivo. Chiude idealmente il percorso della mostra, curata da Angela Vettese, un foglio tracciato dopo aver saputo della malattia che lo porterà alla morte: un' "opera al nero", in cui la linea si dilata in una vasta, drammatica orma.

Fra i protagonisti dell’arte italiana del Secondo Dopoguerra, Mario Nigro (Pistoia, 1917 – Livorno, 1992) fu tra i fondatori, insieme a Voltolino Fontani e altri pittori livornesi, del Gruppo artistico moderno (G.A.M.), movimento orientato verso i grandi maestri della pittura italiana, come Sironi e De Chirico. Nel 1949 Nigro aderì al Movimento Arte Concreta (MAC) di Gillo Dorfles, seguendo la via dell’astrattismo. Lo fece in maniera molto personale, coniugando struttura e colore, rigore formale e fantasia, in una ricerca in cui la forma astratta costruita su principi geometrico-matematici incontra la tensione espressiva di linee e colori ritmati seguendo un andamento musicale.

17/12/19

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