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diarioelpepazo · 10 months ago

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Aceleran su ansias de un anillo. Primer equipo clasificado para los playoffs e intratables en casa (30-3) con recital triplista (25/50) y un Jaylen Brown estelar (37+5+3) JOSÉ LUIS MARTÍNEZ Los Celtics barrieron a los Suns con una suficiencia pasmosa (127-112) en el duelo estelar de una jornada de la NBA con seis partidos en la que los Clippers resurgieron en Chicago (111-126) con Paul George y Kawhi Leonard rayando la perfección. Además, un Antetokounpo superlativo comandó el triunfo de los Bucks (114-105) ante unos Sixers en caida libre sin Joel Embiid. Mientras los Mavericks, sin Luka Doncic, cayeron en Oklahoma (126-119) pese al buen partido de Kyrie Irving. Luka es mucho Luka. Boston Celtics - Phoenix Suns 127-112 Chicago Bulls - Los Angeles Clippers Nets 111-126 Houston Rockets - Washington Wizards 135-119 Milwaukee Bucks - Philadelphia 76ers 114-105 Oklahoma City Thunder - Dallas Mavericks 126-119 Portland Trail Blazers - New York Knicks 93-105 Los Celtics acapararon todos los focos de la noche en la NBA tras doblegar a los Suns (127-112) y convertirse en el primer equipo clasificado matemáticamente para los playoffs (51-14). Un balance tan apabullante como el que presentan en el TD Garden, donde llevan 30 victorias y 3 derrotas, un registro que no se veía en Boston desde la época de Larry Bird. Los de Joe Mazulla están intratables en su guarida y van de cabeza a por el anillo que se les ha resistido las últimas campañas. Y el TD Garden puede ser el factor diferencial para asaltar el título si acaban con el mejor récord (con permiso de los Nuggets) y tienen el factor cancha a favor en todos los cruces de playoffs. Demoledor acierto en tiros (47/89) y en triples (25/50) En su última demostración de poderío ante los Suns exhibieron todas las virtudes que les han convertido en la gran alternativa al título que defienden los Nuggets. Un ataque demoledor con al menos un 50% de acierto en tiros de campo (47/89) y en triples (25/50) que resulta demoledor para sus rivales. La maquinaria ofensiva de los orgullosos verdes funciona como una picadora de carne. No hay rival que se resista a su prolífico caudal ofensivo. "Son los mejores de la liga en eso", admitió resignado el entrenador de los Suns, Frank Vogel. "Es un equipo muy difícil de defender. Hablas de todas las formas en que intentas limitarlo. Hicimos lo mejor que pudimos para lograrlo, pero esta noche no hicimos lo suficiente", lamentó. Son los mejores de la liga en ataque, es un equipo muy difícil de defender. Hicimos lo mejor que pudimos para lograrlo, pero esta noche no hicimos lo suficiente Frank Vogel (Entrenador de los Suns) Entre Brown, Tatum y Horford: 15/27 triples Los Celtics no echaron de menos al letón Kristaps Porzingis, que se perdió su cuarto partido por lesión. Poco o nada lo acusan si tiene a la columna vertebral de su equipo tan enchufada. Un Jaylen Brown estratosférico (37+5+3) lideró la brutal ofensiva de su equipo con Jayson Tatum (26) y Al Horford (24) dando también rienda suelta a sus muñecas. Entre los tres firmaron 15/27 triples, 5/9 el primero, 4/8 el segundo y 6/10 el tercero. Al descanso (65-60) entre Brown y Tatum llevaban 43 puntos (17/24 tc y 6/10 t3). Y Al Horford se sumó al festival convirtiendose a sus 37 años (en junio cumplirá 38) en el jugador más veterano en la historia de la NBA que firma un partido con al menos 5 triples y 3 robos de balón. Jaylen Brown explicó tras el partido su mejoría de un año a otro: "Simplemente ataqué mis debilidades", dijo. "Siento que algunas de las cosas que dijísteis sobre mí el año pasado no podéis decirlas este año". Simplemente ataqué mis debilidades. Siento que algunas de las cosas que dijísteis sobre mí el año pasado no podéis decirlas este año Jaylen Brown (Jugador de los Celtics) Ante tal avalancha ofensiva poco pudieron hacer los Suns, séptimos del Oeste (38-27) y en zona de Play-In. Y eso que recuperaron al lesionado Devin Booker (23+7 asistecias). Pero

ni él ni Bradley Beal (22) ni Kevin Durant (20) ni Grayson Allen (20) ni siquiera Jusuf Nuric (8+20+6), primer jugador de los Suns que firmaba un partido con al menos 15 rebotes y 6 asistencias desde Charles Barkley, pudieron capear el temporal ofensivo de unos Celtics absolutamente incontenibles. Su ataque (11/35 triples) no estuvo a la altura del de su enrachado rival. Paul George roza la perfección para aupar a los Clippers Los Clippers zanjaron su racha de dos derrotas consecutivas con un convincente triunfo en Chicago (111-126) gracias sobre todo a la colosal actuación de un Paul George que rayó la perfección con 28 puntos y un 91% de efectividad en sus lanzamientos (11/12 tc y 6/7 triples), a los que añadió 5 rebotes, 7 asistencias y una sola pérdida de balón. El alero de los angelinos no firmaba una línea estadística tan formidable desde su época de rookie. Claro que George no estuvo solo. Sin Russel Westbrook (fractura en una mano) ni James Harden (problemas en un hombro) fue su habitual pareja de baile, Kawhi Leonard, su mejor escudero con 27 puntos (12/17 tc), 5 rebotes y 3 asistencias. Además, Norman Powell aportó 18 puntos y Bones Hyland se destapó con 17 puntos, 5 rebotes, 11 asistencias, 4 robos y una sola pérdida, el primer 'clipper' que firma una estadística así desde Chris Paul. En los Bulls, que acusaron el cansancio de la noche anterior en su victoria en la prórroga ante los Pacers, DeMar DeRozan (21+5+4) y Nikola Vukcevic (19+6+5) no bastaron para frenar el acierto ofensivo de Paul George y Kawhi Leonard, que mantienen a los Clippers en la cuarta posición del Oeste (42-23). Jalen Brunson fulmina a los Blazers con 45 puntos Jalen Brunson es uno de los jugadores más en forma de la NBA y volvió a constatarlo en la victoria de los Knicks en Portland (93-105). El base de los de Nueva York firmó un partido superlativo con 45 puntos y un 47% de acierto (14/30 tc y 15/17 tl) a los que añadió 4 asistencias, un robo de balón y un tapón. O.J. Anunoby (12+9) y DiVincenzo (12+5+3) también pusieron su granito de arena para consolidar a los Knicks en la cuarta posición del Este (39-27), tres triunfos por encima del Play-In que marcan ahora mismo los Sixers (36-30). LAPRESSE En los Blazers el mejor fue un día más DeAndre Ayton con 31 puntos y 14 rebotes. El pívot bahameño apodado 'DominAyton' está en el mejor momento de la temporada tras promediar 27 puntos y 16 rebotes con un 64% en tiros de campo en los últimos seis partidos. Pero estuvo muy solo en unos Blazers desahuciados en la penúltima posición del Oeste (19-47). Antetokounmpo, en modo 'killer' para hundir más a los Sixers Giannis Antetokounmpo volvió a sacar a relucir su mejor versión para liderar el triunfo de los Bucks ante los Sixers (114-105). El griego facturó 32 puntos (9/12 tiros de campo), 11 rebotes y 7 asistencias en una demostración de poderío y versatilidad. Para poner en valor su estadística, baste señalar que sólo LeBron James tiene más partidos que él con al menos 30 puntos, 10 rebotes y 5 asistencias en las últimas 40 temporadas de la NBA. Antetokounmpo contó con la colaboración de Damian Lillard (17+9) y Brook Lopez (19+7+5) ante unos Sixers que sumaron su quinta derrota en los últimos seis partidos y que no levantan cabeza desde que Joel Embiid, se lesionase el menisco de una rodilla a principios de enero. Sin su estrella su balance es de 8-13, lo que les sitúa en la séptima plaza del Este, en puestos de Play-In. Y a este ritmo puede peligrar incluso esa opción. Para recibir en tu celular esta y otras informaciones, únete a nuestras redes sociales, síguenos en Instagram, Twitter y Facebook como @DiarioElPepazo El Pepazo/Marca

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vinushuka · 4 years ago

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It’s been a while since 2009... Found this pic of Dir en grey on my memory stick.

#dir en grey #Maquinaria festival #2009

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xcrisxedge · 8 years ago

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D E F T O N E S

(Maquinaria Fest 2012 - Chile)

#deftones #chino moreno #chino #sunset #sunrise #music #live #show #chile #maquinaria festival #maquinaria #maquinariafest #crowed #band #sun

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karupoeg11 · 2 years ago

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Come pull the sheet over my eyes / So I can sleep tonight / Despite what I've seen today / I found you guilty of a crime of sleeping at a time / When you should have been wide awake

Beautiful Chris Cornell performing 'Wide Awake" at Maquinaria Festival in Santiago, Chile on November 12, 2011 💗✨🎵🎤

#i'm watching the sunset and listening to him and that's all i need #chris cornell

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crushesducinema · 2 years ago

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Mad God

Mad God: Un tedioso ejercicio en lo grotesco.

Phil Tippet puede que no sea un nombre familiar para el espectador promedio, pero para los fans del terror, los efectos visuales, y la animación stop-motion definitivamente resuena como un maestro en su oficio, con una carrera brillante como supervisor de efectos especiales en la cual ha sido galardonado con dos premios de la Academia por su trabajo en Jurassic Park y Star Wars: Regreso del Jedi. Su trabajo más reciente es Mad God, una película experimental de animación stop-motion la cual Tippet encabezó completamente, haciendo de escritor, productor, director, y por supuesto, supervisor de efectos especiales, resultando en una labor de amor producida a lo largo de 30 años hasta ser finalmente estrenada en el Locarno Film Festival en Suiza. El largometraje vagamente sigue el camino de el Asesino, una misteriosa figura encubierta en una máscara de gas y un mapa en deterioro que deambula alrededor de una grotesca distopía poblada por criaturas asquerosas y maquinaria industrial imponente, trabajando miserablemente en conjunto con una meta que el espectador solo puede imaginar.

Este fantasioso mundo y sus pobladores son traídos a la vida a través de una combinación de stop-motion, títeres, e incluso actores de carne y hueso, manipulados intrincadamente para crear una tenebrosa y grotesca atmósfera, llena de mugre, sangre y fluidos que se apoderan de la pantalla, explotando lo repulsivo con tal de agobiar las sensibilidades. A pesar del trabajo extraordinario del diseño de producción, este no deja mucho espacio para cosas como desarrollo de personajes, o complejidad en la trama. Sin ser tanto una historia tradicional con personajes tridimensionales, o una narración coherente, es más una serie de secuencias de explotación y miseria que están ligeramente ligadas a través de un personaje cuya característica más notable es su falta de características, simplemente siguiendo un mapa desmoronándose a través de este mundo fantasioso.

Mad God se adhiere firmemente a un sentimiento onírico, absteniéndose de diálogos a favor de un inquietante diseño sonoro, encubierto en un aire de aterrador surrealismo de la misma manera que una pesadilla, y al igual que estas se esmera en crear un mundo que es sin lugar a duda horrible pero al pensarlo tiene poco sentido. Los escenarios, las máquinas, los monstruos, todo está cuidadosamente construido con tal de crear una suntuosa experiencia visual de la asquerosidad, pero todo es en servicio de una narrativa que apenas se sostiene sobre sí misma, cargada por un frágil hilo narrativo que no tarda en perder el camino entre más y más se aventura uno en esta distopía. Mucho como el mapa que el Asesino carga, poco a poco se va desbaratando la coherencia de la historia.

Al inicio de Mad God se muestra un fragmento bíblico del libro de Levítico, donde Dios amenaza con castigar a quienes no obedecen y actúan en hostilidad contra Él, describiendo como devastaría sus ciudades en su furia, dejando a las tierras desoladas y en caos, no muy diferente al mundo distópico que el filme presenta. Considerando el título que se puede traducir de igual manera como “Dios loco” y “Dios enojado”, no sería erróneo mirar los hechos de la película como una cuestión religiosa en el intento de encontrar significado a lo visto. En un mundo lleno de muerte, tortura, miseria y depravación como el que construye Tippet, ¿qué tipo de dios puede existir que permitiría eso? ¿y con qué fin se justifica?. Con la falta de verdadera substancia narrativa o temática, sustituida por secuencias de míseros y grotescos sucesos sin evidente razón de ser lo mismo se puede preguntar el espectador. Aunque para los fans del género escenas de muerte, víscera y asquerosos fluidos corporales sea suficiente para salir satisfecho, para aquellos espectadores que buscan más que un excelente diseño de producción se pueden terminar preguntando ¿por qué vi esto? ¿qué fin tenia? No puedo decir que tenga una respuesta.

Ana Isis Cisneros

Estudiante de cine que busca algún día hacer el tipo de películas sobre las cuales la gente hace video ensayos y/o pone en memes de icebergs de cine raro. Aparte del cine le gusta la televisión, la música, arte, y los gatos y espera que estés teniendo un buen día.

#isis #escritos #reseñas

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allthatchernobyl · 4 years ago

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Ayer, después de un breve intercambio con Marcos sobre la labor y el sonido de Tommy Flanagan, me puse a recordar algunas de sus más valiosas colaboraciones o, mejor dicho, mis favoritas. Volví a escuchar algunos discos que hacía mucho no escuchaba entre la tarde y la madrugada de ayer y hace un rato completé los que me había anotado. A propósito de eso y sin mayores pretensiones, acá enlisté y le dediqué un párrafo a diez colaboraciones superlativas de Flanagan. Están ordenadas según las fui recordando y ya. No hay mucho para agregar, solo que me gustaría subir cada disco pero los tengo a todos en FLAC y con el internet paupérrimo que estoy padeciendo sería lo más engorroso del mes así que, por lo pronto, dejo links para escuchar online.

#1 At Ease with Coleman Hawkins (Coleman Hawkins, 1960) Moodsville

Para empezar, uno de mis discos favoritos del mundo y la historia entera. El mejor baladista que dio el jazz se pone acá al frente de un cuarteto magistral que tiene a Flanagan en el piano y al que lo completan Wendell Marshall en contrabajo y Osie Johnson en batería. De la enorme lista de músicos con los que trabajó Flanagan, Hawkins es sin duda con el que mejor se entendió. Y es que el estilo lírico de uno y otro fueron siempre por el mismo camino. Acá se explota hasta el infinito el sonido melancólico del piano y la suavidad de Hawkins en el tenor. El resultado son cuarenta minutos de paz como pocas puedan encontrarse en el mundo. No hay ni una sola alteración, ni un solo soplido afuera, ni una sola nota mal puesta. La perfección, que le dicen.

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#2 The Many Faces of Art Farmer (Art Farmer, 1964) Scepter

Después de Hawkins, si hay otro musico capaz de sumarse con la misma organicidad al registro de Flanagan (aunque en principio sería al revés, ya que estamos revisando colaboraciones de Flanagan) es Art Farmer. Sirva de prueba este disco lleno de polvo y siempre ninguneado con un elocuente registro formal que sería, si no me equivoco, la anteúltima colaboración entre ellos. Acá la cosa discurre en un quinteto completado por el gran Charles McPherson en saxo alto -y su única colaboración con Farmer-, Bobby Thomas en batería y Ron Carter y Steve Swallow intercambiando en el contrabajo. Lo más interesante de todo es la selección de canciones que incluye tres composiciones del trombonista Tom McIntosh y LA ÚNICA VERSIÓN GRABADA de All About Art, compuesta por nuestro Sergio Mihanovich. Y digo que lo más interesante son los temas elegidos no solo para sacar pecho por patriotismo sino porque son las composiciones (ninguna original) las que abren un espectro infinito dentro del disco. Es cierto, no tiene nada de la homogeneidad que rezuma At Ease with Coleman Hawkins, pero a cambio es un catálogo de las virtudes y posibilidades que la sinergia entre estos músicos hacían posible.

(Si esto les interesa particularmente, no dejen de ir a Art, disco de Farmer de 1960, donde Flanagan se supera a sí mismo en elegancia y distinción con algunas pinceladas de genio total.)

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#3 Booker Little (Booker Little, 1960) Time Records

Un disco que amo con locura tanto por lo que ofrece a nivel musical como histórico. Estamos frente a la única colaboración entre Booker Little y Scott LaFaro, dos muertes que son de los errores imperdonables del destino. Además de eso, y como no, Flanagan. El homónimo del prodigioso trompetista que fue Booker Little en sus 23 años de vida es el segundo de los cuatro que grabó y es una obra maestra que en media hora configura con paso firme la búsqueda de forma y estilo que el neoyorquino estaba llevando a cabo. El aporte de Flanagan es el de siempre: poesía por un lado y capacidad de adaptación por el otro, galopando a la par de la mente creadora de Booker Little sin perder nunca el horizonte.

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#4 Jeru (Gerry Mulligan, 1962) Columbia

Según la gente de AllMusic estamos frente a un disco que "no es esencial pero sí disfrutable". Me atrevo a disentir a medias, porque si bien no es un disco clave para entender el sonido de ninguno de los que participaron en él, sí es un disco bisagra en la carrera del barítono y también una lección de destreza y profesionalismo. Primero que nada, porque Mulligan venía jugando con la idea de "jazz sin piano" en su unión con Chet Baker y es acá cuando las teclas vuelven a aparecer. Y fue Mulligan el que le pidió a Dave Bailey (su baterista estrella) que consiga a Flanagan para semejante tarea. Lo cierto es que como banda no tuvieron rodaje y, según tengo entendido, Jeru es fruto de una única sesión de cuatro horas en la que tocaron juntos. De ahí un aire enrarecido, entre íntimo y formal, con cierta rigidez pero con un andar muy armonioso. No es un disco que maraville por su despliegue de originalidad sino por lo contrario: la capacidad de concentrar conceptos clásicos en un formato novedoso y en tiempos reducidos. Tal vez lo más destacable del disco sea su riqueza rítmica, fruto de la grata participación de Alec Dorsey además del trabajo del ya mencionado Dave Bailey y el bajista Ben Tucker.

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#5 Lucky Is Back! (Then, So Is Love) (Lucky Thompson, 1965) Rivoli

Después de su viaje a Europa, Lucky Thompson vuelve a Estados Unidos y graba dos discos en un par de meses. El aliado sería Tommy Flanagan, pilar fundamental para la realización de los dos álbumes que se recogen en este Lucky is Back!. Para los que no lo conozcan, Thompson es otra de las anomalías engendradas en el género musical que más anomalías guarda en su vientre histórico. Era esquizofrénico y mal llevado como pocos y, los que lo tuvieron cerca, dicen que no tenía nada que envidiarle a Coltrane. Su carrera fue errática y complicada siempre. Las discográficas que no le cerraban la puerta de entrada se la cerraban a la salida por lo difícil que era tratar con él. Por eso esto que tenemos en frente lo grabó a pulmón -no solo literalmente- en una movida independiente que ahora es moneda corriente pero que en la década del 60 para un negro esquizoide y con las capacidades sociales desarmadas... bueno, se imaginarán. La historia es cruel, una vez más. Thompson murió en la calle a los 81 años pero había dejado la música mucho antes. Tiene una discografía tan breve como perfecta y estos dos discos no son la excepción. Flannagan es el yang perfecto para el ying caótico y celestial que era Thompson en cada minuto de este registro. Un estilo único que derrama belleza a cada paso mientras Lucky intercala Soprano y Tenor entre tema y tema. Y sí, era un tenor brillante, pero atentos especialmente al sonido inconfundible que lograba con el Soprano.

(La participación de Flanagan acaba en el tema 13, los 3 restantes lo reemplazan un órgano y una guitarra.)

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#6 Clarinescapade (Bobby Jaspar Quartet & Quintet, 1957) Fresh Sound

Un disco que además de ocupar su lugar en esta lista bien puede ocupar uno en una lista que seguro ya se ha hecho muchas veces: Jazz con instrumentos atípicos (ahí donde estaría Dorothy Ashby y Jean Tielemans). Bebop, en este caso, con el clarinete de Bobby Jaspar. Y sí, en principio es una rareza, pero andando se acomodan los melones y la maquinaria de Jaspar funciona perfectamente en cuarteto y en quinteto. El andamiaje rítmico sostiene por todo lo alto los fraseos típicos del BeBop y los tonos cremosos (pienso en ciertos tabacos, en ciertos vinos y en cierta canción de Los Redondos que dice "juega quietita y cremosa" de cada melodía.) que el bueno de Flanagan se encarga de ejecutar. Un gran disco.

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#7 Giant Steps (John Coltrane, 1959) Atlantic

Quinto y sustancial disco de Coltrane, primero con todas composiciones originales y último de Flanagan con Trane en estudio. Según muchos, el punto de partida perfecto de una discografía abrumadora como no hay otra. Flanagan funciona en la primera etapa de Trane como un cable a tierra fenomenal, siempre imponiendo su estilo melancólico y poético a cualquier festival de destreza, talento y virtuosismo que el resto esté dispuesto a ejecutar. Y es que Giant Steps, a pesar de ser un conglomerado de magia y genialidad, necesita la contención del segmento rítmico para no resultar en un farragoso ejercicio de casi-free-jazz. Si hay alguien que ha sabido siempre comprender y tensionar hasta los límites más abstractos esa sensación, ese es Coltrane. Y si hubo un músico capaz de ponerse a la altura de esa tarea invisible pero titánica, ese fue Flanagan. Obra maestra absoluta.

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#8 Collector's Items (Miles Davis, 1956) Prestige

Una de las primeras apariciones en estudio de Flanagan en este maravilloso y no siempre celebrado disco de Miles, que hizo tanto y tan bien que es difícil abarcarlo todo. Además de la presencia sublime del joven Flanagan, acá está también uno de los poquísimos registros que hay de Charlie Parker con el tenor. Lamentablemente el amigo Bird y el amigo Flanagan no coinciden, porque Collector's Items es en realidad dos sesiones diferentes unidas: la primera grabada en enero de 1953, en la que están Parker, Sonny Rollins y Philly Joe Jones entre otros y una segunda grabada en marzo del 56 en la que aparece Flanagan junto a Paul Chambers, Art Taylor y Rollins, que es el único que repite además de Miles. El disco es lisa y llanamente una obra maestra de aquellos primeros años de Miles en Prestige y sin distinción entre la primera y la segunda parte más allá de sus 3 años de diferencia. Y es que en ambas sesiones hay un espíritu para descubrir, una cadencia en común y el genio creativo de Miles llevándose todo por delante. La labor de Flanagan acá ya es notable (sobre todo para ser de sus primeros trabajos) en tanto que su estilo está presente: un sonido redondo, orgánico, pausado y cadencioso. Parece que el tipo nació maestro.

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#9 The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery (Wes Montgomery, 1960) Riverside/OJC

Flanagan está acá en primer plano. Su piano tiene tanto peso y presencia como la guitarra de Wes. Vease D-Natural Blues como ejemplo supremo de un juego de contrapuntos y tonalidades mixtas formidable. Por esto, tal vez una de sus colaboraciones más recordadas. Y es que la presencia de Flanagan no hace más que engrandecer al álbum de Montgomery abandonando de arranque el papel de mero sesionista para convertirse en un creativo más de la obra.

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#10 Saxophone Colossus (Sonny Rollins, 1956) Prestige

No podía dejar afuera uno de los discos más importantes de la historia: el maravilloso cuarteto que formaron Rollins, Flanagan, Watkins y Max Roach te deja sin palabras. Uno de los ejercicios de Hard Bop mas resonantes y potentes que se puedan imaginar. Todas las bases del estilo están acá. Cuando el Bop separó sus aguas y abrió los caminos, Flanagan estuvo en cada uno de ellos, empapados, siempre a la altura, siempre fascinante. Acá se amolda a la base rítmica de Watkins (dicho sea de paso, uno de los bajistas más sobrios y perfectos del Hard Bop) y se prende al juego siempre descabellado de Roach al tiempo que comulga con el fuego tenor de Rollins. Una demostración cabal de la clase de músico que fue y de paso una excusa para volver siempre a este Santo Grial de las progresiones complejas y las improvisaciones volcánicas.

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#tommy flanagan #jazz #modal #be bop #bop #hard bop #sonny rollins #john coltrane #miles davis #lucky thompson #gerry mulligan #booker little #art farmer #wes montgomery #bobby jaspar #coleman hawkins

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elmartillosinmetre · 4 years ago

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“Me siento más protegido por Bruselas que por Madrid”

[Ventura Rico la semana pasada en una calle del centro de Sevilla]

En el año de su veinticinco aniversario, la OBS publica un nuevo disco salido del Proyecto Atalaya, mientras su fundador y coordinador Ventura Rico se plantea la salida a la crítica situación actual

En medio de la incertidumbre absoluta que pesa sobre el sector musical, Ventura Rico (Sevilla, 1963) presenta el último disco de la OBS.

–Este álbum nace de grabaciones de los años 2015 y 2017. ¿Por qué ese desfase en la publicación? –Hemos acumulado retraso, y además Passacaille tiene su política de secuenciación de artistas, no puede sacar tres discos de la orquesta en un año. Nos interesa la relación con este sello, porque tiene una distribución internacional importante y nos va a dar mayor proyección que la que teníamos con nuestro sello, pero tenemos que adaptarnos a su tempo. Vamos muy tarde, es cierto. Pero lo importante es que van saliendo y al público que compre el disco no le va a importar mucho que se grabase en 2015.

–Vuelven a la música de Rabassa, pero en compañía de otros. –Sí, en este caso se trata de un pequeño remix de varios proyectos Atalaya. Además de obras de Rabassa, incluida una rara Sonata para clave, hay un aria de Juan Pascual Valdivia, un músico que trabajó en la Colegiata de Olivares, y dos cantatas de Juan Manuel González Gaitán, maestro de capilla en Córdoba.

–¿Queda aún algo del Proyecto Atalaya por publicar? –Sí, el próximo disco será el Stabat Mater de Pergolesi en la versión de Iribarren, que hicimos con Carlos Mena y María Espada de solistas. Vamos cumpliendo, con retraso pero cumplimos. Es verdad que la universidad no nos está presionando, cosa que les agradezco.

–Un proyecto, el de Atalaya, que desapareció. –Por nuestra parte, sí. El último fue justo ese del Stabat Mater en 2017. El problema es que se trata de una actividad que necesita una preparación previa muy larga. Antiguamente, un año antes conocíamos el presupuesto del que íbamos a disponer. Pero al aumentar los controles burocráticos contra la corrupción, se hizo imposible: empezaron a decirnos en octubre de cuánto dinero disponíamos para un proyecto que había que ejecutar antes de fin de año. Buscar la música, editarla y contratar a los solistas sabiendo en octubre de cuántos recursos disponemos es imposible. Nosotros no podemos cumplir con esos plazos, es por completo imposible.

–El confinamiento de marzo los cogió en el peor momento, con una ópera en el Real a punto de estrenarse y una Misa en si menor en el Maestranza a principios de abril... –En efecto. Nos pilló con la ópera de Corselli en el Real, que casi llegamos al ensayo general. Era un proyecto buenísimo, con grandes solistas, con un gran director como Ivor Bolton, que estaba encantado con nosotros. Además nos perdimos la Misa en si menor para el Femás, que era un proyecto soñado. Y luego hemos perdido tres conciertos más: uno en la Fundación March, otro en Toledo y otro en Getafe, que estamos intentando repescar. Era un año muy bueno, el vigésimo quinto aniversario de la orquesta era espléndido, habiendo hecho Agrippina, los conciertos de Haendel con Enrico que fueron muy bien, la publicación del disco con Asier Polo. Pintaba estupendo, pero bueno. Te pilla un camión, y tampoco está en tus planes… Es una pena.

–¿Y cuál es la situación actual del conjunto? –Como practicamos una política de austeridad todos los días, nos ha pillado con un remanente como para poder mantener nuestra estructura administrativa hasta diciembre. Si en diciembre la cosa no ha mejorado, cierro la empresa. No es sostenible. Si no hay perspectiva de trabajo para el año que viene no podemos seguir abiertos, porque habremos quemado nuestros ahorros. Hemos limitado los gastos a la mínima expresión, pero no es suficiente. Estamos a la expectativa de lo que pasa con nuestra temporada del año próximo, si se ratifica el presupuesto o no, y si se puede contar con ello, lo tenemos todo organizado, solistas, directores, programas, hasta el cartel, porque pensábamos presentar antes del verano. Pero mientras no tenga la confirmación de que el Ayuntamiento tiene el dinero para respaldarlo no puedo dar el paso adelante. Si tengo que cancelar, cuanto antes mejor, porque estoy ocupando fechas a gente que a lo mejor podía coger otros trabajos. Vamos a ver. Estamos en un momento un poco volátil.

–¿Qué significa cerrar la empresa? –Hay dos tipos de empresa cultural: la que es capaz de tener una maquinaria de gestión, y la que no. Hoy día es imposible subsistir con una actividad de cierto volumen si no tienes una maquinaria administrativa detrás. Es imposible firmar un contrato, estar al corriente de tus obligaciones tributarias, tener una gestoría, pedir una subvención... En el momento en que no seamos capaces de sostener nuestra estructura administrativa, cambiaremos de división. Así de claro. La orquesta seguirá funcionando, pero a otro nivel.

[En primer plano, Enrico Onofri y Julia Doyle durante la grabación de Astro Nuevo. La foto es de José Manuel Villarreal]

–¿Qué pensó cuando escuchó que se cancelaba el Femás? –Cuando se canceló en marzo, que era lógico. Pero se nos dijo que se iba a reorganizar. Me consta que el director del festival hizo el trabajo de reorganización. Nosotros nos tomamos también el trabajo de reorganizar nuestro recital, que no es fácil, no se hace dándole a un botón, hay que llamar al director, a los solistas, a la plantilla, hacer varios presupuestos, y además hacerlo en estas circunstancias... El Ayuntamiento comunicó que no se iba a hacer por la inseguridad de que vengan artistas extranjeros. Es comprensible. Pero quizás no se le ha ocurrido al Ayuntamiento que con artistas locales también se hace, y se hace un muy buen festival. Quizá no se lo han planteado. La Asociación de Amigos de la OBS, que tiene para nosotros una importancia enorme, su papel es excepcional, ha sacado un comunicado en el que dice que se puede hacer, animando a apoyar la iniciativa. Y vamos a hacer un festival se llame Femás o no, porque hay público y para el músico es algo importante, ese concierto que puede dar en los meses que quedan para acabar el año no es algo despreciable. Si no vienen artistas internacionales no pasa nada. En Sevilla hay solistas suficientemente competentes para tocar en conciertos con orquesta y para una programación de cámara sólida. Yo, de hecho, ya tengo hecha una programación. Si el Ayuntamiento quiere participar, estupendo, y si no, se va a hacer de todas formas, porque yo lo voy a hacer. He hablado con muchos músicos, y todos están sorprendidos de que no se pueda hacer un festival en Sevilla que lleva 37 años realizándose y que es patrimonio de todos los sevillanos porque no puedan venir artistas de fuera. Hemos decidido que lo podemos hacer.

–¿Con qué soporte? –Podemos ser nosotros mismos los patrocinadores, ofreciendo nuestro trabajo gratis, o podemos encontrar patrocinadores, con dificultades, porque las circunstancias de la covid lo hacen todo más difícil, pero lo intentaremos. Necesitamos un espacio con personal para las medidas de desinfección que son obligadas. Si el Ayuntamiento cede la Sala Turina, perfecto. Si no, pues buscaremos otros espacios. Se puede montar una programación muy bonita, incluso rescatar la idea de la Misa en si menor, aunque no sea completa. El Coro del Maestranza la preparó durante meses y los músicos pagaríamos por tocar en algo así. Lo genial sería que el Ayuntamiento fuera sensible a esta idea y la hiciera suya. Y es que a la única puerta a la que se puede llamar en España es a la de las instituciones públicas, qué le vamos a hacer.

[La OBS con Onofri y Doyle en la iglesia de la Magdalena de Córdoba en noviembre de 2015. La foto es de José Manuel Villarreal]

–Jordi Savall está promoviendo una federación de conjuntos europeos de música antigua en cuyos primeros pasos la OBS se está mostrando muy activa. ¿Puede hablarnos de la iniciativa? –A sus 78 años, Jordi Savall sigue siendo un entusiasta defensor del patrimonio europeo. Ha sido muy activo en los últimos meses en el seno de las agrupaciones españolas de música antigua y, en efecto, está promoviendo una asociación a nivel europeo a la que ya se han incorporado muchos grupos [FEIPIMHE, esto es Federación de conjuntos e intérpretes profesionales independientes de músicas históricas de Europa en sus siglas en francés]. Me ofreció coordinar la sección española y creo que lo voy a aceptar, porque es una iniciativa muy interesante. Existe la sensación general de que hace falta moverse a nivel europeo. No hay una homogeneidad legal, fiscal, laboral… Hay países con situaciones muy buenas, promovidas por sus gobiernos, y otros, como los casos de Italia y España, en los que existe un total absentismo de las autoridades culturales. Algunas cuestiones tienen que ver con el dinero, con cuánto se invierte. Pero otras no son de dinero, son de pensar: tener una ley de la música, organizar la política de subvenciones, pensar c��mo distribuyes tus medios… En España si hay una cosa paradójica es que las ayudas oficiales van a los organizadores de ciclos y festivales. Al no estar compensadas estas ayudas con otras a los grupos, resulta que los conjuntos españoles somos mucho menos competitivos que los que sí tienen leyes de mecenazgo y ayudas importantes de sus estados. Así que, a causa de este modelo, en España los grupos españoles somos menos competitivos que los extranjeros para nuestros propios ciclos y festivales. Nuestro dinero, el dinero público, el de todos, va a los organizadores y estos acaban contratando a grupos extranjeros, que llegan subvencionados por sus estados y son, por ello, más baratos que nosotros. Es demencial. En el seno de GEMA [Grupos Españoles de Música Antigua], que ahora preside Raquel Andueza, que está muy ilusionada y haciendo muchas cosas, hemos tenido muchos contactos, y de hecho los tres grupos que tenemos el Premio Nacional de Música (el de Savall, el de López Banzo y nosotros) hemos ingresado en la asociación, que le pidió al ministerio que hiciera un esfuerzo en su programación del Auditorio Nacional para integrar a los grupos españoles, que normalmente recibimos el 10% del presupuesto de contratación, un pequeño esfuerzo que pudiera servirnos de balón de oxígeno en estas circunstancias. Ha salido la programación y es más de lo mismo. Ni siquiera eso han sido capaces de hacer por nosotros.

–¿Hablamos entonces de un problema estructural? –Exacto. Detecto en todas las administraciones culturales un error básico de planteamiento. Ya no es cuestión de tener más o menos dinero o unas políticas más o menos adecuadas. Es de qué papel representa cada uno. Ninguna administración (ni local ni autonómica ni nacional) siente sobre sí la obligación de cuidarnos a nosotros. Igual que el Ministerio de Industria tiene muy claro que tiene que cuidar las empresas españolas, el Ministerio de Cultura y los responsables culturales no tienen en mente que una de sus obligaciones es cuidarnos a nosotros. En 25 años de gestor de una iniciativa musical como la de la OBS jamás he recibido una llamada de una administración pública para preguntar por mis necesidades, por lo que pueden ofrecerme, por la optimización de los recursos públicos que conseguimos. Falta ese enfoque. Lo que pasa en el Auditorio Nacional sería impensable en cualquier otro ámbito. ¿Se puede alguien imaginar que el Ministerio de Agricultura organizara una feria de productos de excelencia marroquíes, franceses, italianos y portugueses en Madrid, con dinero de todos los españoles para que vengan a mostrar sus productos, desatendiendo a los productores españoles? Eso está bien que se haga, pero después, cuando has atendido a tus propios productores. Las medidas estructurales que serían necesarias para cambiar esta dinámica no las toma nadie. El Ministerio te dice que están transferidas y en las autonomías te dicen que no tienen competencias. Y unos por otros, la casa sin barrer. Pasan los años y no se hace nada: una ley de mecenazgo, seguridad jurídica en cuanto a Seguridad Social y Hacienda, ordenar el tema de las subvenciones, que es por completo demencial, la protección del patrimonio... Pasan los años y se sigue sin hacer nada. No hay una sola institución en España que vele por el patrimonio musical español. Por eso me estoy implicando mucho con la iniciativa europea, porque pienso que es más fácil que en Bruselas se interesen por nosotros como personas que leen un patrimonio cultural europeo que alguien se interese en España. Aquí he tirado la toalla. Creo que puedo trabajar por mi país mejor desde Europa que en la propia España.

[La OBS, con María Hinojosa y Filippo Mineccia de solistas, en el Auditorio Nacional en noviembre de 2016. La foto es del CNDM]

–¿Con qué objetivos concretos nace esta Federación europea? –De momento, coordinarse. La asociación hace suyos los argumentos de Savall, que son muy básicos, pero son la clave de todo. Todos los estados hacen un esfuerzo presupuestario grandísimo para la lectura de la música de los siglos XIX y XX (orquestas sinfónicas, teatros de ópera, básicamente). El resto del repertorio desde la Edad Media hasta el siglo XVIII no recibe ayudas. Hay una descompensación absoluta. Hay que decir que los grupos de música antigua (y estas son palabras de Savall) representamos el museo viviente de la música, y si algo así existe es por el voluntarismo de algunos entusiastas y por el acierto empresarial de otros, pero hace falta dar la batalla en toda Europa para que la gente sepa que estamos ahí. En Europa se aplica la llamada excepcionalidad cultural, que significa que la Unión no se mete en la política cultural de los distintos estados, porque se considera que cada cual debe promover su propia idiosincrasia y tener autonomía. Esto vale para los estados responsables con su cultura, pero no para los que no son responsables. Yo intentaré que la excepcionalidad cultural dé un paso atrás, porque me siento mucho más protegido por Bruselas que por Madrid.

–Eso es duro. ¿En qué consisten básicamente esos desequilibrios entre estados a los que se refiere? –Por ejemplo, Francia es un sistema fuertemente estatalizado, y puede funcionar porque protege a sus músicos, sus grupos y su patrimonio. Hay otros países con un sistema extremadamente liberal, y también funciona, porque hay poca carga fiscal, bajos costes laborales y leyes de mecenazgo. Puede funcionar de las dos formas. Pero en España tenemos lo peor de los dos sistemas: costes laborales altísimos, un estado que aparece poco y de forma insuficiente y una burocracia paralizante. Sería hora de que copiásemos uno de los dos sistemas, pero estamos en tierra de nadie. En estas conversaciones que estamos teniendo, al conocer la realidad española, los colegas europeos se sorprenden de cómo podemos sobrevivir. No es operativo lo que tenemos. A principios de la pandemia lancé un mensaje en redes sociales: señores, hay un problema presupuestario, pero sobre todo estructural. Hay que hacer mejores leyes, hay que coordinarse. Hay que sentarse, copiar sistemas de otros países. A mí me quedan diez años para jubilarme, pero la próxima generación va a estar muy mal. Hay que esforzarse por dejar esto mejor de lo que nos lo encontramos y lo vamos a dejar peor.

[Ventura Rico]

–¿No hay esperanza? –Soy pesimista. Veo que estamos en un sistema en el que las administraciones públicas absorben el presupuesto de cultura para mantenerse a sí mismas. Mire, no es posible que, como pasa en Andalucía, haya un organismo público que gaste 23 millones y medio de euros para gestionar un millón. Tendría que ser al revés. Esa disfunción tendría que ser suficiente para mover a la reflexión a nuestros políticos. Señores, aquí hay algo que no funciona bien, vamos a ver qué se hace. Porque eso tiene el mismo efecto que la corrupción tradicional: el dinero que tiene que ir destinado a un fin se distrae y no va a ese fin. Esto es lo mismo, con el agravante de que es legal. Hay que plantearse este tema. Hay que tomar medidas estructurales que sirvan para una generación, y eso no se está haciendo. En tiempos de la primera legislatura de Aznar ya se hablaba de una ley de la música, y todavía no se ha hecho. Es desesperante. Me he cansado. He perdido la esperanza en que en España se pueda crear un sistema racional y razonable. Por eso voy a luchar en Europa todo lo que pueda para intentar que eso venga dictado desde Europa, porque de España no espero ya nada.

–Volviendo al tema del último cedé, el final del Proyecto Atalaya deja herida la recuperación patrimonial. –El tema del patrimonio es doloroso. Llevo 25 años administrando la OBS. No he visto a ninguna administración municipal (y las he conocido de tres colores diferentes, con varias mezclas) que se haya interesado por el tesoro musical de la Catedral de Sevilla. Eso es una mina. El archivo de la catedral es un tesoro. Ninguna ha hecho nada por poner en valor ese impresionante patrimonio sevillano. El IAPH (Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico) de la Junta de Andalucía no tiene ni una triste mesita dedicada al patrimonio musical andaluz. El Ministerio de Cultura, lo mismo. ¿Quién se ocupa en España de velar por nuestro patrimonio musical? Nadie. Lo que nosotros hemos hecho, un grano de arena en el desierto, ha sido de modo indirecto, a través de la Universidad de Sevilla por el Proyecto Atalaya; si no, no lo habríamos hecho tampoco. Falta interés. Y eso me lleva también a pensar en Europa, porque el patrimonio español es patrimonio europeo, y creo que será más fácil que un funcionario de Bruselas se interese por la España como potencia cultural en los siglos XVI y XVII que lo haga uno desde Madrid o desde Sevilla. En España entre el follón de competencias y el desinterés absoluto de unos y otros es algo que no se va a hacer.

Dentro de mi pesimismo general: puede ser que la situación mejore, no quiero ser agorero, pero si la situación no mejora y las administraciones públicas acaban de devorar los presupuestos en mantener sus estructuras, vamos muy mal, vamos hacia una privatización del hecho cultural. Desde la transición hemos funcionado con la idea de que la cultura era algo que el estado tomaba sobre sí para que fuera accesible a todos los ciudadanos, y esa idea se va abandonando progresivamente, y creo que esto le puede acabar de dar la puntilla. Muchos grupos, que somos empresas muy frágiles, no vamos a poder mantener nuestras estructuras administrativas, y eso va a generar una precariedad absoluta. Sobrevivirán los que carezcan de estructura administrativa y puedan hacerse un nicho en la economía sumergida. Las estructuras legales lo tienen muy difícil, porque sin una perspectiva de continuidad laboral, tú no puedes mantener una estructura empresarial, que se basa en unas expectativas de ingresos. Si esto no mejora y no hay cambios estructurales vamos a una privatización absoluta y a la muerte de las empresas culturales, que son muy frágiles en este momento.

[Xavier Sabata junto a la OBS en la iglesia sevillana de la Anunciación en el año 2013. La foto es de la OBS]

–¿Cómo va la programación municipal del año próximo? –Todo hecho. La temporada está cerrada. Tenemos un compromiso atrasado con Xavier Sabata y Hiro Kurosaki, que sería en octubre, y luego nuestra nueva temporada incluiría seis programas (algunos en dos días) de febrero a junio. Estamos a la espera de que el ICAS nos confirme que hay dinero.

–Después de la Agrippina del pasado curso cómo está la relación con el Maestranza. –Muy bien. Creo que Agrippina fue un éxito. Tenemos una buena relación. Tenemos este año el programa de Monteverdi en noviembre [Combattimento] y luego el ya tradicional concierto de enero, que será justamente con Julia Doyle. Pero supongo que el Maestranza está ahora como todas las instituciones culturales, con la absoluta incertidumbre sobre lo que viene. No va a haber dinero. Son malos tiempos para la farándula, que es lo primero que se va a restringir, como siempre.

–Del Real sólo llegaron elogios hacia el grupo. –Se han portado de maravilla. Ha sido una institución que se ha portado con una responsabilidad absoluta y admirable. Nos han pagado todos los días de trabajo. Y esto no es tan sencillo. La situación del músico freelance en España es terrible. Nuestro régimen laboral registra altas por días. Nunca se firma un contrato antes del primer día de trabajo, con lo cual un músico que ha perdido quince, veinte, veinticinco conciertos no tiene firmado ni un papel al que acogerse. Está en la absoluta indigencia. A las empresas nos pasa lo mismo. Firmamos los contratos días antes de que se produzca el evento. A veces yo he firmado una hora antes del concierto. No tenemos nada a lo que acogernos. Y en estos tiempos tan difíciles se nos ha cancelado con una alegría…, como si eso no tuviera ninguna trascendencia. Las empresas culturales se basan en los ingresos por los conciertos, y los músicos viven de esos conciertos. Si tú destruyes un tejido cultural, luego es muy difícil volver a empezar. Yo tardé cinco años en organizar la gestión profesional de la orquesta: durante cinco años lo hice yo de forma gratuita, poniendo mi trabajo al servicio de la orquesta. Si ahora volviera a empezar tendría que hacer algo parecido, y ya no tengo ni edad ni ganas.

–¿Y la relación con el CNDM? –Echo mucho de menos a Antonio Moral. Yo tuve mis más y mis menos con él, pero es un hombre resolutivo, y lo ha demostrado en Granada este año de forma espectacular. El CNDM debería tener un papel determinante en este país. Y si miras la proporción entre artistas españoles y extranjeros de sus programas (ojo, no sólo el número de conciertos, sino el tamaño de los conciertos, es decir, el presupuesto destinado a unos y otros) no hace falta decir nada más. Basta con mirar esa programación. Pero yo estoy cansado de mendigar.

–¿Su pesimismo es compartido por la profesión? –Los artistas en España formamos un gremio muy cobarde. No nos atrevemos a decir lo que pensamos, justamente por nuestro carácter mendicante. Y es que para pedir limosna sólo hay una familia: la administración pública. Nadie se atreve a decir lo que piensa porque no quiere morder esa mano. Pero en algún momento tenemos que decir lo que pensamos. Es más, lo que pensamos lo comparten la mayoría de los responsables públicos. Cuando he hablado con personas que tienen altas responsabilidades culturales, todos te dicen que la maquinaria que arrastran les impide mover un cenicero de sitio. Hay toda una trama de intereses creados, de temas laborales detrás y no pueden hacer nada. La incapacidad para abordar problemas estructurales se perpetúa: unos que no dicen lo que hace falta decir por miedo y otros que se sienten impotentes para actuar. Yo estuve veinte años dando clase en conservatorios. En España, los Conservatorios Superiores se rigen por la misma legislación que los centros de enseñanza secundaria. A partir de ahí, todas las disposiciones que llegan son surrealistas: el recreo, las evaluaciones... Todos nos reíamos en el bar cada vez que nos llegaba una cosa nueva, pero nadie hacía nada, porque al final cada cual tiene su trabajito y nadie quiere arriesgarlo. Todos saben que muchas de esas cosas son absurdas, que el rey está desnudo, pero nadie se atreve a decirlo. Pues en el mundo de la gestión cultural pasa lo mismo. Todo el mundo sabe que esto es un desastre, pero nadie hace nada. Yo no pienso que los políticos sean unos malvados. He conocido a gente con auténtica vocación de servicio público, pero no pueden hacer nada, están atados de pies y manos. Ese es el drama. Nosotros con la orquesta hemos cometido todos los errores del mundo. Afirmo, con Pessoa, que no hay aspecto de la existencia en que no haya conocido el fracaso. Lo he conocido en todas las facetas imaginables, haciendo presupuestos, pidiendo subvenciones, en las relaciones dentro de la orquesta, en la organización de las plantillas..., pero tenemos capacidad para hacer crítica y resolver problemas. Sin embargo, la administración no tiene capacidad para resolver los problemas que sabe que existen. Y el que la administración no pueda corregir sus errores es un drama que va más allá de la situación de tal o cual grupo, de tal o cual programa o política concretos.

[Diario de Sevilla. 7-09-2020]

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ASTRO NUEVO EN SPOTIFY

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vaniariveros · 6 years ago

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Faith No More

Maquinaria Festival

Club Hípico de Santiago, CHILE, 11/12/11

#music #Faith No More #Mike Patton #black and white

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claudi-rock · 8 years ago

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#chris cornell #thank you #maquinaria festival

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kannabia · 6 years ago

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Arranca mañana la Feria EXPOGROW con su espacio PRO dedicado a empresas y profesionales. Hemp Business Day 2019

EXPOGROW PRO. - 2.000 profesionales, empresas, asociaciones y tiendas se darán cita mañana en FICOBA. Dedicarán toda una jornada a estrechar alianzas en un ambiente de negocio donde prima, por encima de todo, el trato individual y el B2B exclusivo.

EXPOGROW FUN. - El sábado 27 de abrirá al público a partir de las 11 h. y hasta el domingo a las 19 h.. Se podrá disfrutar del recorrido por los stands expositivos, el Festival de Música con Emir Kusturica y Danakil como platos fuertes, el Cannabis Box Forum, donde participan expertos referentes en el sector, actividades paralelas y zona exterior de ocio y gastronomía.

Más info en: http://bit.ly/2UVxqVS

Expogrow, algo más que una Feria del Cannabis 26, 27 y 28 de abril de 2019. FICOBA, Irún - Euskadi (España)

Info: https://www.kannabia.com/es/blog/la-gran-fiesta-del-cannabis-expogrow-2019

Llega EXPOGROW, la Feria más verde cumple ocho años reivindicando que es algo más que una Feria cannábica, es diferente y marca una línea entre las ferias clásicas y el progreso y el avance en el sector del cannabis, cada vez más de actualidad. Mañana viernes 26, por primera vez y dentro de las novedades de este año, se amplía la jornada profesional a todo un día. EXPOGROW PRO da su comienzo con la participación de 2.000 profesionales y empresas referentes llegadas de todas las partes del mundo, desde China, Rusia, Canadá, Reino Unido, Francia, Italia, República Checa, Suiza y España, entre muchos otros.

Kannabia Seeds, Plantasur Distribuciones, Dinafem Seeds, Biobizz, Canna, Mills, Advanced Nutrients, Sensi Seeds, Trimpro, HPS…son algunas de las empresas participantes que presentarán las distintas novedades en sus productos tanto de parafernalia como de banco de semillas, maquinaria, fertilizantes, vaporizadores, iluminación, distribución, etc.

Esta cita B2B pionera, en su momento de creación ninguna feria cannábica tenía este espacio de negocio, es el único encuentro de toda Europa que apuesta de forma amplia y exclusiva por el fomento del networking, las relaciones comerciales y la consecución de negocios entre las empresas de la industria del cannabis.

Con el fin de aprovechar al máximo la sesión B2B, EXPOGROW PRO ha puesto en marcha una herramienta en línea que permite contactar de forma previa con los profesionales para así poder anticipar las citas de negocio. (www.expogrow.net)

El sábado 27 se abrirá al público Expogrow Fun a partir de las 11h donde tanto profesional como visitante podrán hacer el recorrido de Feria por los tres pabellones de Ficoba y la zona exterior de recreo, gastronomía y actividades. Como novedad, sábado y domingo, habrá un escenario exclusivo en el Pabellón A donde las empresas y profesionales podrán presentar sus proyectos y productos.

Recordamos que dentro de la programación y durante el fin de semana se desarrollarán las actividades que siempre marcan la diferencia de la Feria como es el Festival de Música con Emir Kusturica y Danakil al frente y el Cannabis Box Forum con importantes expertos invitados como Milton Romaní, exSecretario General de la Junta Nacional de Drogas de Uruguay y Carola Pérez, presidenta del Observatorio Español de Cannabis Medicinal.

EXPOGROW apuesta, una vez más, por el cambio y el progreso.

SPONSOR PRINCIPAL: DINAFEM

SPONSOR CARPA DEL FESTIVAL DE MÚSICA y CANNABIS BOX FORUM: BIOBIZZ

SPONSOR VIII EXPOGROW OPEN CANNABIS CUP: CANNA

SPONSORS: MILLS | SNAIL | CANNAMOUR

ORGANIZADORES: PLANTASUR, EL PUNTO, POSITRONICS, KANNABIA

COLABORADORES: UNDERGROW TV | CANNAWEED.COM | BELEAF MAGAZINE

Mas info en el blog de KANNABIA: http://bit.ly/2UVxqVS

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cineyotrascosas · 2 years ago

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Máquinas defectuosas

Sobre Crimes of the future de David Cronenberg

20·07·2022

Sobre Crimes of the future, la nueva película de David Cronenberg que se estrenó en el último festival de Cannes, me sobrevino un pensamiento que lleva dándome vueltas en el cabeza por varios días después verla. Es eso que hace maravilloso y único al cine y a sólo algunas películas. La digestión retardada de su maquinaria defectuosa.

Cuando vi por primera vez una película de Cronenberg, Naked Lunch 1991, adaptación de la novela del mismo nombre de William Burroughs, comencé a disfrutar de la encarnación del surrealismo Cronenbergiano conjugado con lo que podría llamarse, animatrónicos experimentales de la industria independiente. Aunque dada la época, era una costumbre obligar a la imaginación a tolerar y aceptar los efectos prácticos en las películas de ciencia-ficción, casi como una realidad estética intrínseca dentro del género, tenía la esperanza o quizás la obvia previsión que con el pasar de los años dichos efectos mejorarían su calidad, acercando al ‘efecto’ a la supuesta representación real que debían representar. Sin embargo si ha habido alguien que decepciona mi esperanza con cada película que hace es Cronenberg y eso que han pasado más de dos décadas desde la última vez que el director canadiense exploró el género con eXistenZ en el 99’.

Las maquinas de sus películas parecieran ser cada vez más defectuosas, no solamente dentro de la narrativa, como una extensión metafórica de los personajes, perjudicándolos dentro de la ficción y sirviendo como alegoría a nuestra propia naturaleza mecánica, sino también fuera ella, planteando por momentos a las maquinas como la consecuencia de un futuro donde os ingenieros mecatrónicos están más libres y traumatizados que nunca. Algunas maquinas de Cronenberg como la silla que alimenta a Saul Tenser (Viggo Mortensen) pareciera que están incluso sin terminar, con varios defectos, partes inútiles y aparentemente en una versión demo o experimental.

NUEVOS VICIOS

Es entonces cuando esta aparente decisión formal y estética que más allá de prestar un servicio sumamente expresivo y efectivo a la narrativa, también establece un ritmo interno de plano que estimula una especie de tensión inconsciente en el espectador. La repetición de los movimientos de las maquinas nos llevan a la sincronización, concentración y enfoque sobre algo especifico dentro del plano que no logramos descifrar porque debemos seguir atentos a los maravillosos diálogos de sus personajes, los cuales de manera brillante contrapuntean todo análisis racional.

Es quizás por que las maquinas en este universo de Cronenberg nos reflejan una realidad actual por la que está pasando nuestra especie con respecto al concepto de ‘maquina’. En Crimes of the future las relaciones entre ambos por momentos parecen reflejar un estado constante de desprogreso, involución y falta de terminación, así como la misma hechura de las mismas maquinas. El primer plano de la película refleja perfectamente un crucero similar al ‘Costa Concordia’, –una gran maquina– hundida a medias, abandonada a no ser rescatada jamás, y como recuerdo escultórico, artístico, de una de tantas tragedias de nuestro romance.

¿Será que nunca aprenderemos a construir una maquina verdaderamente funcional, que no sea también obsoleta como en algún momento lo será el estado de nuestro cuerpo, y mientras no podamos nosotros funcionar del todo bien?

DECADENCIA EXTERIOR

Para Cronenberg sin duda los humanos estaremos en una exploración existencial más abundante sin embargo también en completo detrimento y putrefacción, su única locación además del barco ya mencionado, es una vieja bodega donde las personas se encierran a buscar la libertad del placer de la experiencia artística pero que en realidad también es una cárcel del espíritu, una bodega de órganos semi-artificiales tatuados, un nido creativo con pestilencia a muerte.

Por eso “la maquina” que más le interesa a Cronenberg en su nueva película es el cuerpo humano, en donde la premisa ahonda más en su cuestionamiento. Porque el cuerpo para algunos es maquina fallida, sujeta a la descomposición del tiempo y al pecado original que nos encarcela y nos obliga a vivir una sola y limitada experiencia vital desde donde apenas podemos percibir una fracción de la realidad objetiva. Sin embargo como en las películas de Cronenberg, la razón no es la única dimensión desde donde se deben hacer lecturas de los cuerpos. El cuerpo en su imperfección y tendencia a la descomposición, contiene un secreto divino que revela aquello que trasciende al mismo.

Cronenberg plantea cómo el arte (performático) puede incluso perder su sentido con la ausencia del dolor, y cómo la percepción sensorial original del cuerpo humano, pasa a un segundo plano cuando hemos descubierto la forma de hackearla sin limitaciones. Esto podría llevarnos a preguntarnos si es posible vivir una experiencia extra-corporal, virtual, pero dentro del mismo cuerpo. De ser así habría algo más perteneciente al cuerpo que puede extraerse de él para observarse.

La disyuntiva clásica de la relación espíritu-cuerpo con respecto a la inmortalidad.

Espero eso que quizás el mayor ‘defecto’ del cuerpo humano sea la fragilidad en su diseño, tanto en el exterior, como en el interior. Sin parecer estar compuesto para la evolución de la velocidad de nuestra mente, las caídas de más de 10 metros o de las altas dosis de azúcar refinada, tampoco está preparado para el estrés, las glotonerías, la falta de sueño o el hambre.

Su estado actual de involución –más ahora en la modernidad– hace sufrir al cuerpo humano de la enajenación crónica en sí mismo, escapando de manera obsesiva al dolor, evitando a toda costa el sufrimiento y a la incomodidad de envejecer. Nos resistimos a permanecer en nuestra propia naturaleza como si añoráramos una muerte que nos hiciera romper con estás fronteras corporales y liberarnos hacia lo extra-corporal, incluso cuando eso puede materializarse de la manera tan genial como lo ha hecho Cronenberg.

Y entonces si la fragilidad es el mayor defecto del cuerpo, debe ser porque su fortaleza no radica en aquello que se ve, ni se toca, sino en aquello que también hace parte de nuestra misma esencia pero no se puede ver, tocar, cuantificar o incluso describir mediante símbolos materiales. Nuestra fortaleza entonces debe estar en eso que no es nosotros, porque su “estado natural” es fuera del cuerpo, lo trasciende. Es aquello de lo que carecen todas las maquinas y que según ciertas doctrinas teológicas no puede destruirse ni siquiera con la muerte… el espíritu.

LA REALIDAD ES EL CUERPO

Creo que es nuestra adicción al –muy efímero– placer material que nos provee nuestros sentidos, nuestro sistema nervioso, la que nos ha llevado al vacío de añorar esa ausencia propia, de sentirnos ajenos a nosotros mismos, del nuestro debilitamiento esencial y el olvido de ese espíritu. Ya que en teoría lo que es del cuerpo no es el espíritu (que quiere escapar) y viceversa. La fragilidad corpórea no es entonces un defecto y se convierte en nuestra mayor virtud, nuestra alerta existencial, nuestra puerta a la inmortalidad, nuestra respuesta a la búsqueda por hallar nuestra verdadera naturaleza y aquello que permanece en el tiempo, que no cambia. Cada vez que sentimos, percibimos o hacemos parte de un estado consciente, nuestros sentidos nos llaman al presente para que sepamos que sólo a través de ‘ese’ cuerpo podemos darle sentido a nuestra experiencia de vida y a nuestra experiencia humana.

Las maquinas podrán ser fuertes comparadas con nuestro cuerpo de cristal, sin embargo al carecer de esa fragilidad corpórea, son incapaces de acaparar la fortaleza y la potencia de un espíritu, y por ende, de una conciencia que pueda hacer significativa su paso por la “realidad” objetiva. Si muere el cuerpo y nadie lo sabe, no falta el cuerpo. Es verdad que cada día las maquinas se parecen más a nosotros, y que nosotros nos parecemos más a ellas, olvidándonos de sincronizarnos con la creación divina (la naturaleza p.e) y por consiguiente con la vida, con sus frecuencias y vibraciones, con los latidos de la conciencia, como si nunca hubiéramos entendido los deseos ocultos de nuestro progreso biológico –nuestra apariencia física–, desconectados completamente de miles de años de evolución.

Por eso finalmente Cronenberg nos muestra que el costo de esta desconexión estructural, mecánica, de la falta de empatía entre el espíritu y el cuerpo, nos lleva a depender de nuestros propios residuos, de nuestro plástico y de la basura que nuestro cerebro y nuestros cuerpos, han venido a dejar en la tierra. Construimos maquinas hechas de basura, para que hagan más basura que nosotros podamos comer. Basura que hará que nuestros cuerpos vivan pero no nuestros espíritus. Preferiremos comer residuos para mantenernos vivos que volver a disfrutar de la comida real que quizás no sabe tan bien pero alimenta algo más que el nuevo órgano que comienza a crecer, sin utilidad más que la de ser intervenido por una extraña para darle significado.

Sólo unos pocos –cada vez más– se dan cuenta que sin encontrar la armonía de la relación espíritu-cuerpo, desentrañando sus limitaciones y compuestos, potenciando sus virtudes y menguando sus defectos, no viviremos de verdad. Las cirugías estéticas prolongarán la apariencia de la vida y también la apariencia de la muerte. No hay otro vehículo posible para navegar por la existencia, ¿y qué si nuestro cuerpo fuera una maquina?, nuestra costumbre a la inmortalidad, destruiría cualquier sentido significativo de la vida misma para siempre. El secreto está hacer parte de experiencias donde el placer y el dolor también emerjan más allá de los umbrales de los sentidos, más allá de la inmediatez del orgasmo y del desangramiento, allá en el lugar que nunca conocerán las máquinas, los rincones secretos de la experiencia humana, que sólo puede ser plasmada con los remanentes de sus actos, quizás con el que represente mejor esa hermosa relación entre el espíritu y el cuerpo humano, ese que usa de forma tan magistral David Cronenberg.

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