#jesús lópez cobos

[elmartillosinmetre]

Breviario de directores

[El director rumano Sergiu Celibidache (1912-1996) es el más ampliamente tratado del libro. / D.S.]

La editorial Fórcola publica un estudio sobre la evolución de la dirección de orquesta

Dos críticos bien conocidos de la prensa musical española, Rafael Ortega Basagoiti y Enrique Pérez Adrián, habituales de la revista Scherzo desde hace décadas, acaban de publicar en la editorial madrileña Fórcola un volumen en que radiografían el oficio de director de orquesta. En quince capítulos y un epílogo, en este libro se hace repaso a una amplísima nómina de maestros, desde Weber, Berlioz y Mendelssohn a los nacidos después de 1980, mediante un somero repaso a sus carreras y sus tendencias estéticas.

Tuve la oportunidad de hablar con Rafael Ortega Basagoiti (Madrid, 1957) sobre este trabajo, del que no hay antecedentes en la bibliografía española.

–Se trata de un libro a dos, pero en él se encuentran muchas valoraciones, muchos juicios. ¿Cómo lo plantearon?

–Lo contamos en las consideraciones previas, se trataba de respetar lo que ha escrito el otro. Los capítulos están en general muy repartidos de manera casi íntegra, hay pocos en los que hayamos metido mano los dos, y además cuando lo hemos hecho cada uno se ha dedicado a una figura distinta. Por supuesto cada uno tiene su visión y no siempre coincidimos, pero asumimos los criterios del otro, porque tampoco se trataba de establecer un debate entre nosotros. 

–¿Podemos ver la historia de la dirección de orquesta como un eterno Toscanini vs Furtwängler, es decir, objetivismo frente a subjetividad o se trata de una simplificación excesiva?

–Yo creo que es simplificar demasiado. Hay una parte de eso que efectivamente se mantiene en cierto modo. Pero no afecta sólo a la dirección de orquesta, sino a la interpretación musical en general: hay una parte de los intérpretes que se decanta por lo analítico y racional y otra parte que lo hace por lo intuitivo y emocional. Lo vemos sobre todo en la música anterior a Wagner: la tendencia historicista rompe con una manera de dirigir ese repertorio muy furtwängleriana y retrocede, no a lo Toscanini, pero sí a unas maneras desprovistas de la parte poswagneriana. Pero en el caso de la dirección hay otros componentes. Las orquestas han evolucionado a grupos que están mucho mejor organizados y preparados profesionalmente, los directores también, pero han tenido que cambiar sus formas. El mundo ya no es el mismo, ya no hay posibilidad de ensayos determinados, el director tiene un poder más limitado, tiene que cuidar las formas… De repente se puede encontrar con una orquesta respondona, que es cosa que hace siglo y medio era impensable. A principios del siglo XX a nadie se le ocurriría pensar en un levantamiento orquestal contra un director más o menos ilustre, aquello no cabía en la cabeza, y sin embargo hoy, si un director se pasa de la raya, sea quien sea, la orquesta se levanta y se va. Eso ha cambiado mucho. Entran otros ingredientes.

–El modelo de dirección autocrática pasó a mejor vida, sustituido por el primus inter pares, ¿podemos poner una fecha a ese cambio?

–El cambio es muy evidente, pero progresivo. Es algo que a partir de finales de los 50 va cambiando progresivamente. Pero, ¿hemos abandonado del todo los modos autocráticos? Hay un componente de apariencia. Hoy ya no tienes a un Toscanini que se dirija a gritos a los músicos o a un Celibidache que pueda llegar al desprecio más absoluto en el trato. Está ese famoso documental de Celibidache ensayando la 7ª de Bruckner con la Filarmónica de Berlín, y ese tono con que se dirige a los profesores de la orquesta hoy es imposible de ver… Hemos perdido esos exabruptos, incluidos los tacos de Toscanini, y hemos dado con maneras más sutiles. Hay quien dice que Claudio Abbado, que parecía muy amable, muy dialogante, si en un ensayo se le atravesaba un músico al salir podía decírle tranquilamente al gerente de la orquesta: "A ese no me lo vuelvas a poner…". Así que el cambio es real, porque los directores saben que no pueden ir con el martillo pilón, pero también hay un componente de apariencia. Sobreviven directores que vienen de generaciones más antiguas, que tienen determinada formación y han tenido sus más y sus menos, pero los maestros de 70 años para abajo se tienen que manejar de otra manera porque si no, no tienen ningún futuro.

[Rafael Ortega Basagoiti (Madrid, 1957) / D.S.]

–¿Es posible una democracia en una orquesta?

–Al final la dirección de orquesta, si dejamos la parte de teoría musical, es un liderazgo de grupos. El líder moderno en la orquesta, la empresa y cualquier sitio, tiene que liderar por convicción, por persuasión, pero es una persona que tiene que tomar decisiones. Tú tienes 100 músicos y cada uno tendrá su idea de cómo hacer esa música, y tú puedes convencerlo y crear cierto consenso, pero alguien tiene que tomar la decisión. Al final, por mucho que se intente vestir de alguna manera, esa decisión la tiene que tomar el director, eso es indiscutible. Cómo tomarla. Hay un punto de convicción, persuasión, carisma, pero también hay algo que choca con eso, es el tiempo que tienes, sobre todo cuando hablamos de directores invitados,  porque en las orquestas modernas, y no digamos ya si hablamos de las inglesas, tú qué puedes tener, siete, ocho, diez horas de ensayo, tirando por lo muy alto, doce. En esas horas tienes que preparar un programa y llevar al huerto a las orquestas. Hay veces que no tienes tiempo de enrollarte. Tienes que tener la capacidad de convencerlos de que tu camino es el bueno, pero no tienes mucho tiempo. El director de orquesta moderno tiene que tener mucho de psicólogo…

–¿Siguen existiendo las escuelas nacionales?

–Hay cuestiones de sonido que tienen que ver con los instrumentos: por ejemplo, los metales de las orquestas del Este no son como los de las occidentales, lo que genera diferencias de sonido. Pero estamos en un mundo global, hay muchos músicos españoles en orquestas alemanas y rusos o polacos tocando a mansalva en orquestas españolas, y eso hace que las diferencias se diluyan. No son las que eran antes.

–Hablando de dirección de orquesta, ¿cualquier tiempo pasado fue mejor?

–Uf, ese es un tema para otro libro. Habrá gente que piense que es así. Conozco muchos melómanos y críticos que piensan que es así. Otros que de ninguna manera. Y otros que pensamos que para algunas cosas, sí y para otras, no. Tengo una opinión muy personal al respecto. Para cuáles sí. Pues es verdad que en función de las presiones económicas y de las necesidades de tiempo, hemos perdido la capacidad de trabajar en profundidad un programa.

–Lo de las dos semanas que se dejaban a algunos directores para un programa es casi imposible hoy, claro…

–Eso es muy difícil. El último caso que he visto fue poco antes de la pandemia y fue excepcional. Semyon Bychkov vino a dirigir la ONE, que hacía una obra que no sé si en España se ha hecho íntegra alguna vez, Mi patria de Smetana. Pidió dos semanas, y se las dieron. El resultado fue una maravilla. Pero la realidad es que esto hace 40 o 50 años era habitual. Con Celibidache o Giulini era normal. Erich Kleiber pidió 120 ensayos para el estreno de Wozzeck en 1925. Esto hoy no puede ser. En el otro extremo están pasando cosas. En Bayreuth por ejemplo estaba previsto que Valery Gergiev dirigiera el Tannhäuser. Pero Gergiev se ha metido en tal dinámica de óperas y conciertos que lo cortaron porque no tragaban con un señor que estuviera presente en un ensayo de cada tres. La realidad es que hoy se ha dejado de trabajar con el tiempo y la profundidad de antes. Si hoy te dan tres días de ensayo ya vas que ardes; eso si no es una orquesta inglesa, que a lo mejor tienes día y medio. En esto cualquier tiempo pasado fue mejor. Sin duda. La precariedad de tiempos de ensayo se nota mucho. 

–Los músicos están mejor preparados...

–Sí, eso es verdad, pero por muy bien preparados que estén… En los conciertos con solista, por ejemplo, tienen un ensayo y el general, y eso se nota. Y por eso Sokolov, que es un señor muy riguroso, ha dejado de trabajar con orquesta, porque vio que las orquestas trabajaban con tanta premura que no había forma de conseguir el nivel al que él aspira. Los músicos y los directores están mejor preparados, sí, pero hay límites, sobre todo para las obras poco habituales. A lo mejor sacas una interpretación correcta, pero nada más. No te puedes tirar 20 minutos ensayando el trémolo inicial de la 7ª de Bruckner, como Celibidache en el concierto al que me refería antes.

–El mundo de los directores es un mundo donde abunda (o abundaba al menos) el divismo. ¿Es necesario un ego enorme para brillar como director o los que son muy humildes también pueden destacar en el oficio?

–El ego es un componente de cualquier artista. Cuando uno se sube a un escenario o está muy seguro de sí mismo o te tiemblan hasta las costillas. El ego es inevitable y hasta necesario. Y es que los directores además de enfrentarse al público tienen delante a una orquesta. Si no vas seguro con lo que haces te pueden comer. Sobre todo si la orquesta es de las gordas. Recuerdo uno de los muchos documentales que hay sobre Leonard Bernstein, en que contaba cómo fue la primera vez que se enfrentó a la Filarmónica de Viena. Y para entonces él era ya un director muy establecido, y sin embargo confesaba que le temblaban las canillas. Porque la Filarmónica de Viena era la Filarmónica de Viena. Y él explica que empezó a hablarles y se dio cuenta de que se estaba empezando a poner nervioso y estaba hablando demasiado. Y entonces se puso a ensayar y ya fue bien, pero también tuvieron sus momentos tensos, porque no le gustaba cómo tocaban a Mahler… Así que una parte de ego es imprescindible, pero donde está el secreto es en gobernar el ego de forma que la orquesta te perciba como alguien seguro pero no prepotente. Hay que poner límites a ese ego. Tú sabes lo que quieres hacer pero no puedes ir levantando la nariz por encima de la orquesta. Y eso ha cambiado. Hace 50 años daba exactamente igual que levantases la nariz, pero hoy no lo puedes hacer. Y eso es posible. Yo he conocido directores que pueden ser duros en el podio, pero luego en el trato son gente muy normal y pueden ser perfectamente humildes. Por ejemplo, Harnoncourt. Era un señor de una energía, una pasión y una seguridad contagiosas, pero luego hablabas con él y era un tipo encantador, y los músicos lo adoraban.

–¿Un gran director es capaz de rescatar a una orquesta mediocre?

–Lo que no puede hacer es milagros. ¿Es capaz de reconstruir y con el tiempo llevar a una orquesta mediocre a otro nivel? Sí. Un buen trabajador de orquestas, un buen discriminador de lo que necesita un conjunto, puede hacerlo. Por ejemplo, el señor George Szell, que ha sido muy machacado porque tenía un carácter de mil pares de narices, pues llega a Cleveland y le da la vuelta por completo. Con el tiempo y la libertad para hacerlo, un buen director puede transformar una orquesta discreta en una de primer nivel. Ahora bien, de la noche a la mañana, vengo como invitado a una orquesta discreta y la hago de primer nivel, mira, no, eso no. Sí puede ocurrir que una orquesta medianamente decente, aunque no grande, se eleve a un gran nivel por un director invitado muy bueno. En una semana la transforma no en algo excepcional, pero sí en algo mucho mejor. Eso lo hemos vivido en España con gente como Celibidache o Lorin Maazel. Yo a Maazel lo vi una vez con la Orquesta de la RTVE y aquello fue apoteósico. ¿La hizo excepcional? No, pero la transformó en algo mucho mejor de a lo que estábamos acostumbrados.

–¿Están bien dirigidas las orquestas españolas?

–Sólo conozco de cerca las madrileñas, del resto no me atrevo a hablar. La Nacional y la de RTVE están en muy buenas manos, que son las de David Afkham y Pablo González. La Sinfónica ha estado en situación rara, después de López Cobos. Creo que fue Mortier quien decidió que no hubiera un titular y eso fue un error. Y en la de la Comunidad de Madrid, Víctor Pablo hizo una labor excelente y ahora está la polaca Marzena Diakun, a la que todavía no conozco lo suficiente como para opinar.

Un compositor, un director

Propongo a Rafael Ortega Basagoiti un juego: el nombre del director idóneo para cada compositor sugerido... Este es el resultado: Mozart. Nikolaus Harnoncourt. Beethoven. El último Claudio Abbado. Mahler. Leonard Bernstein. Bach. Nikolaus Harnoncourt o Philippe Herreweghe. Shostakóvich. Kurt Sanderling. Brahms. Ahí está muy alto en mi lista el mismo Sanderling y también Claudio Abbado, pero luego está Carlo Maria Giulini, que es muy especial. Chaikovski. Eugene Mravinski, aunque también me ha sorprendido Semyon Bychkov en su ciclo con la Filarmónica Checa. Haydn. Harnoncourt otra vez. Wagner. Hans Knappertsbuch entre los antiguos; Christian Thielemann, hoy. Haendel. John Eliot Gardiner. Falla. Ataúlfo Argenta.

[Diario de Sevilla. 11-12-2022]

Música, maestro: De Mahler a Dudamel. Rafael Ortega Basagoiti y Enrique Pérez Adrián. Madrid: Fórcola, 2022. 425 páginas. 34,50 euros.

[21peky1150]

Johannes Brahms. Danza húngara nº 5. Dir.:Jesús López Cobos

[mfm-mielec]

"Wielcy kompozytorzy, mistrzowskie interpretacje" Łukasz Długosz - flet Carlos Peña Montoya (Kostaryka) - harfa

15 września 2024, godz. 19.00 Park Oborskich, ul. Legionów 73 bezpłatne bilety wstępu

Carlos Roberto Peña Montoya - jeden z najwybitniejszych harfistów młodego pokolenia. Naukę gry na harfie rozpoczął w wieku 11 lat pod kierunkiem prof. Ruth Garita, pierwszej harfistki Narodowej Orkiestry Symfonicznej w Kostaryce, a następnie prof. Eileen Mason, pierwszej harfistki Orkiestry Symfonicznej Baltimore. W 2011 roku z wyróżnieniem ukończył studia na Uniwersytecie Mozarteum w Salzburgu w klasie prof. Helgi Storck. Od 2007 roku przebywa w Europie, realizując się jako solista, kameralista i pedagog. Występował z recitalami m.in. w Carnegie Hall w Nowym Yorku, Goldener Sala i Gläseneer Saal w wiedeńskim Musikverein oraz w Gasteig w Monachium. Współpracował z orkiestrami i zespołami symfonicznymi w Niemczech i Austrii, z którymi odbył liczne tournée. W 2012 roku wygrał 6. edycję konkursu orkiestrowego Summa Cum Laude w Wiedniu, będąc członkiem Tajlandzkiej Orkiestry Symfonicznej, z którą pozostaje w stałym kontakcie artystycznym. Od 2012 roku jest I harfistą Orkiestry Symfonicznej Polskiej Filharmonii Bałtyckiej im. F. Chopina w Gdańsku. Aktywnie uczestniczy w życiu kulturalnym Trójmiasta jako solista, kameralista, jak również pedagog. Współpracuje z czołowymi orkiestrami polskimi pod batutą znamienitych dyrygentów, a także bierze udział w licznych nagraniach fonograficznych, radiowych i telewizyjnych.

ŁUKASZ DŁUGOSZ uznany przez międzynarodowych krytyków za jednego z najwybitniejszych flecistów. Jest również najliczniej uhonorowanym w historii polskim flecistą. Luxemburskie PIZZICATO za płytę „Flute Stories" okrzyknęło Długosza jednym z najwybitniejszych flecistów na świecie. Artysta nagrał 76 albumów płytowych, które zostały wysoko ocenione przez krytykę europejską i za które otrzymał wiele prestiżowych międzynarodowych nagród fonograficznych, w tym wielokrotnie nagrodę International Classical Music Award (ICMA), Pizzicato Supersonic Award, Gasteig Musik Preis oraz Fryderyki. Zwycięzca kilkunastu konkursów międzynarodowych, w tym tak prestiżowych jak w Paryżu, Monachium, Odense. Współpracuje z wieloma renomowanymi orkiestrami. Jako solista występował m.in.: w Carnegie Hall, Musikverein Goldener Saal oraz Konzerthaus w Wiedniu, Konzerthaus w Berlinie, Gasteig Carl Orff Saal oraz Herkulessaal w Monachium, Poly Theatre w Pekinie, Xinghai Concert Hall w Guangzhou, Shanghai Concert Hall, Opera House w Katarze, sala koncertowa im.Piotra Czajkowskiego w Moskwie. Grał pod batutą takich gwiazd jak Zubin Mehta, James Levine, Mariss Jansons, Walerij Giergijew, Jesús López Cobos, Jerzy Maksymiuk, Jan Krenz, Jerzy Semkow, Jacek Kaspszyk, Gabriel Chmura, Agnieszka Duczmal. Był wielokrotnie zapraszany do wykonania koncertu fletowego Krzysztofa Pendereckiego pod batutą kompozytora. W 2010 roku Łukasz Długosz miał swój debiut fonograficzny z London Symphony Orchestra. Artysta dokonał wielu nagrań radiowych i telewizyjnych w kraju i za granicą. Jego koncerty były wielokrotnie transmitowane przez najważniejsze rozgłośnie radiowe takie jak: BBC Radio 3, NDR, SWR, BR4, Deutschland Radio Kultur, Polskie Radio 2, Radio France, RMF Classic. Do tej pory powstało ponad 250 utworów jemu dedykowanych, które po prawykonaniu nadal są promowane i uwieczniane fonograficznie. Zarząd Główny Stowarzyszenia Polskich Artystów Muzyków przyznał artyście statuetkę Orfeusz 2016. Prezydium Zarządu Głównego Związku Kompozytorów Polskich przyznało artyście Nagrodę Honorową Związku Kompozytorów Polskich. Za wybitną działalność kulturalną i promocję kultury polskiej Łukasz Długosz otrzymał Nagrodę Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz medal Zasłużony Kulturze Gloria Artis oraz został odznaczony przez Prezydenta RP zaszczytnym Orderem Odrodzenia Polski i otrzymał tytuł profesora sztuki. Prowadzi klasę fletu w Akademii Muzycznej w Gdańsku.

[ulkaralakbarova]

Madrid, summer 2011. Economic crisis. 15-M movement and 1.5 million pilgrims waiting for the Pope’s arrival live side by side in a Madrid that’s hotter and more chaotic than ever. In this context, detectives Velarde and Alfaro must find what seems to be a serial killer. Their against-the-clock hunt will make them realise something they’d never imagined: neither of them are so very different from the killer. Credits: TheMovieDb. Film Cast: Luis Velarde: Antonio de la Torre Javier Alfaro: Roberto Álamo Andrés Bosque: Javier Pereira Alonso: Luis Zahera Bermejo: Raúl Prieto Rosario: María Ballesteros Amalia: Teresa Lozano Juana: Rocío Muñoz-Cobo Sancho: José Luis García Pérez Amparo: Mónica López Padre Raúl: Andrés Gertrúdix Rubio: Jesús Caba Céspedes: Alfonso Bassave Forense: Raquel Pérez Lorna: Anna Laserna Nico: Aitor Calderón Cano: Javier Tolosa Travesti 1: Estefanía de los Santos Travesti 2: Diego París Gabriel: Ciro Miró Mariño: Josean Bengoetxea Juanma: Chema Tena Sobrina Barrio Salamanca: Andrea Dueso Vecina Cotilla: Carmen Utrilla Conserje Casa Alfaro: Luis del Valle Anciana 1: María Antonia Pérez Anciana 2: Carmen Esteban Anciana 3: Silvia Casanova Médico Amalia: Juan Verdú Elena: María de Nati Rafael March: Francisco Nortes Film Crew: Producer: Gerardo Herrero Editor: Fernando Franco Executive Producer: Mariela Besuievsky Writer: Rodrigo Sorogoyen Producer: Mercedes Gamero Casting: Juana Martínez Producer: Mikel Lejarza Assistant Director: David Pareja Writer: Isabel Peña Director of Photography: Alejandro de Pablo Editor: Alberto del Campo Production Design: Miguel Ángel Rebollo Producer: Javier López Blanco Delegated Producer: José Torrescusa Hairdresser: Paco Rodríguez H. Line Producer: Iñaki Ros Original Music Composer: Olivier Arson Casting: Natalia Rodríguez Delegated Producer: Winnie Baert Makeup & Hair: Milu Cabrer Movie Reviews:

[khwethemule]

Ancient Airs and Dances, Suite No. 2, P 138: IV. Bergamasca · Ottorino Respighi - Jesús López-Cobos - Orchestre de Chambre de Lausanne

I found this song with #BeatFind

Ancient Airs and Dances, Suite No. 2, P 138: IV. Bergamasca · Ottorino Respighi - Jesús López-Cobos - Orchestre de Chambre de Lausanne

http://www.deezer.com/track/7515470

[jackredfieldwasmyjacob]

i just found this article from february (2022) in which they list the most listened to artist from each spanish province. i thought it would be fun to list them here with a link to one of their songs in case you want to listen to more spanish music and don't know where to start!

everything will be under the cut, as there's 50 provinces (plus the 2 autonomous cities, also listed!)

Andalucía:

Almería: David Bisbal

Cádiz: Niña Pastori

Córdoba: India Martínez

Granada: Lola Índigo

Huelva: Manuel Carrasco

Jaén: Joaquín Sabina

Málaga: Pablo Alborán

Sevilla: Beret

Aragón:

Uesca: Jarabe de Palo

Teruel: David Civera

Zaragoza: Bunbury

Asturias:

Melendi

Balears:

Rels B

Canarias:

Las Palmas: PtaZeta

Santa Cruz de Tenerife: Don Patricio

Cantabria:

Bustamante

Castilla-la Mancha:

Albacete: Rozalén

Ciudad Real: Dani Fernández

Cuenca: Jose Luis Perales

Guadalajara: Despistaos

Toledo: Pole.

Castilla y León:

Ávila: Marazu

Burgos: La M.O.D.A.

León: Café Quijano

Palencia: La La Love You

Salamanca: Pignoise

Segovia: Hens

Soria: Bordón 4

Valladolid: Celtas Cortos

Zamora: Jesús López-Cobos

Catalunya:

Barcelona: Rosalía

Girona: Mónica Naranjo

Lleida: Ezvit 810

Tarragona: Bongo Botrako

Ceuta:

La Shica

València:

Alacant: Kidd Keo

Castelló: Guitarricadelafuente

València: Zzoilo

Extremadura:

Badajoz: Azúcar Moreno

Cáceres: Extremoduro

Galiza:

A Coruña: Tanxugueiras

Lugo: Lucía Pérez

Ourense: Cepeda

Pontevedra: Sen Senra

La Rioja:

Baccara

Madrid:

Enrique Iglesias

Melilla:

Yosh

Murcia:

Blas Cantó

Nafarroa:

Natalia Lacunza

Euskadi:

Araba: Alex Ubago

Gipuzkoa: La Oreja de Van Gogh

Bizkaia: Fito y los Fitipaldis

[mamusiq]

It's Renée  Fleming Week at the MET!

7 operas in 7 days, streamed free from the Metropolitan Opera.

Mon, Jan 11- Mozart’s Le Nozze di Figaro with Cecilia Bartoli, Susanne Mentzer, Dwayne Croft, and Bryn Terfel, conducted by James Levine

Tues, Jan 12- Massenet’s Thaïs with Michael Schade, and Thomas Hampson, conducted by Jesús López-Cobos

Wed, Jan 13- Strauss’s Der Rosenkavalier with Christine Schäfer, Susan Graham, Eric Cutler, Thomas Allen, and Kristinn Sigmundsson, conducted by Edo de Waart

Thurs, Jan 14- Rossini’s Armida with Lawrence Brownlee, Barry Banks, John Osborn, and Kobie van Rensburg, conducted by Riccardo Frizza

Fri, Jan 15- Strauss’s Capriccio with Sarah Connolly, Joseph Kaiser, Russell Braun, Morten Frank Larsen, and Peter Rose, conducted by Sir Andrew Davis

Sat, Jan 16- Handel’s Rodelinda with Stephanie Blythe, Andreas Scholl, Iestyn Davies, Joseph Kaiser, and Shenyang, conducted by Harry Bicket

Sun, Jan 17- Dvořák’s Rusalka with Emily Magee, Dolora Zajick, Piotr Beczala, and John Relyea, conducted by Yannick Nézet-Séguin Visit metopera.org to watch. Each performance is available for a period of 23 hours, from 7:30 p.m. EDT until 6:30 p.m. the following day. And Wednesday at 6:30 pm, catch Renée with Kelli O'Hara, Julia Bullock, and a host of other stars in the first episode of Adam Guettel’s theatrical song cycle, Myths and Hymns at Master Voices.

[whileiamdying]

Renée Fleming's singing voice has been described as "double cream." She remembers being "jelly" at the end of her first rehearsal for her professional debut. In this episode, she talks about performing and the challenges of being heard, without amplification, over an orchestra, but also about the pleasure of being in the audience “where I have literally been sobbing at the end” of an opera.  

Music excerpts included in Here’s the Thing’s conversation with Renée Fleming (in order of appearance):

“Glück, das mir verblieb (Marietta’s Lied)” from Korngold’s Die Tote Stadt

(Live performance from the Met’s 125th Anniversary Gala, March 15, 2009; Conductor: James Levine)

“I’ll Be Seeing You” (Renée Fleming with the Eastman Jazz Ensemble/”Arranger’s Holiday” recorded Fall 1981 (archive tape courtesy Renée Fleming; special thanks to Ed Fleming)

"Contessa, perdono!" from Mozart’s Le Nozze di Figaro, Houston Grand Opera.  Conductor; Christoph Eschenbach. 1991

“Glück, das mir verblieb (Marietta’s Lied)” from Korngold’s Die Tote Stadt

(Live performance from the Met’s 125th Anniversary Gala, March 15, 2009; Conductor: James Levine)

“Dis-moi que je suis belle” from Massenet’s Thaïs

(Live Met performance, December 20th, 2008; Conductor: Jesús López-Cobos)

“Hab’ mir’s gelobt” from Richard Strauss’s Der Rosenkavalier

(Live Met performance, January 9, 2010, with Susan Graham as Octavian and Christine Schäfer as Sophie; Conductor: Edo de Waart)

“Mio caro bene” from Handel’s Rodelinda

(Live Met performance, January 1, 2005; Conductor: Harry Bicket)

Finale from Tchaikovsky’s The Queen of Spades

(Live Met performance, March 26, 2011; Conductor: Andris Nelsons)

Finale from Mozart’s Le Nozze di Figaro

(Live Met performance, February 12, 1994, with Dwayne Croft (Count Almaviva), Marie McLaughlin (Susanna), James Morris (Figaro), Jane Bunnell (Cherubino), François Loup (Dr. Bartolo), Judith Christin (Marcellina), Michel Sénéchal (Don Basilio), James Courtney (Antonio), and Korliss Uecker (Barbarina); Conductor: Julius Rudel)

Special thanks this week to The Metropolitan Opera and the Houston Grand Opera for providing archival musical excerpts.  In particular, thanks to Peter Clark, Mary Jo Heath, Brent Ness, Sam Neuman, Elena Park, and Claire Vince.  And thanks to Paul Batsel at the Office of Renée Fleming.

[pierreism]

'Roman Festivals’ by Ottorino Respighi

performed by NHK Symphony Orchestra and conductor Jesús López Cobos. 28 minutes.

[ocioenlinea]

Videosalas del 5 al 11 de julio 2019

VIDEOSALA CAAV

Lerdo de Tejada 2071, entre Marsella y Chapultepec. T/3615-8470. Precio: entrada general $25 y estudiantes y maestros con credencial vigente $15.

 DRAMA

VENGANZA DEL DESTINO

UNDER MY SKIN

D: Jean Negulesco

Con John Garfield, Micheline Presle, Luther Adler

Estados Unidos, 1950. d: 86 min.

Un jockey viudo y su hijo huyen de Italia, después de una carrera amañada que sale mal; se instalan en París, pero el pasado lejano en forma de mujer y el más inmediato y amenazante representado por un gangster que busca venganza se cruzan en su camino.

Viernes 5, 16:00 y 18:00 h

 DRAMA

LA NOVIA DEL VIENTO

BRIDE OF THE WIND

D: Bruce Beresford

Con Sarah Wynter, Jonathan Pryce, Vincent Pérez

Reino Unido, 2001. d: 99 min.

Viena. 1902. Alma Schindler, una joven y apasionada compositora, se enamora del compositor checo Gustav Mahler. Tras contraer matrimonio, Gustav obliga a Alma a abandonar la música y dedicarse exclusivamente a su familia. La repentina muerte de uno de sus hijos hace que Alma se aleje de su marido para redescubrir el amor y recuperar su pasión por la música.

Sábado 6 y domingo 7, 16:00 y 18:00 h

 DRAMA

EL CORONEL CHABERT

D: René Le Hénaff

Con Raimu, Marie Bell, Jacques Baumer, Aimé Clariond

Estados Unidos, 1943. d: 102 min.

Cuenta la historia de un oficial francés que se supone muerto durante las Guerras Napoleónicas, pero diez años después regresa a una Francia muy diferente. La película está basada en la novela Coronel Chabert de Honoré de Balzac.

Lunes 8, 16:00 y 18:00 h

 DRAMA

ROSIE

D: Marcel Gisler

Con Sibylle Brunner, Fabian Krüger

Alemania, 2014. d: 106 min.

¿Hay algo más complicado que una relación gay con la mamá de uno viviendo con ellos? El escritor Lorenz regresa de Berlín a su hogar, un pequeño pueblo en Suiza piensa en cómo relajarse después de estar con otros escritores. Pero es confrontado con el problema de que su mamá ya no puede valerse por sí misma. Así conoce a Mario, un fan que entra en su vida en ese momento.

Martes 9, 16:00, 18:00 y 20:00 h

 DRAMA

EUROPA 51

D: Roberto Rossellini

Con Ingrid Bergman, Alexander Knox, Ettore Giannini

Italia, 1952. d: 113 min.

Un rico matrimonio estadounidense, ve cómo su hijo se suicida. La madre, traumatizada y sintiéndose culpable por no haber atendido más a su hijo desde la infancia, decide ayudar a la gente más necesitada en los barrios más humildes de la ciudad. Festival de Venecia: Premio Internacional.

Miércoles 10, 16:00 y 18:00 h

 DRAMA

RIGOLETTO

Con Carlos Álvarez, Marcelo Álvarez, Inva Mula

Conductor: Jesús-López Cobos

Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatro Liceu, 2004. d: 130 min.

Es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi (Bussetto, 1813 – Milán, 1901) y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la obra teatral Le Roi s’amuse (El rey se divierte) de Víctor Hugo. Drama de pasión, engaño, amor filial y venganza que tiene como protagonista a Rigoletto, el bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua.

Jueves 11, 16:00 h

[felipeandletizia]

December 6, 2003: Exactly a month after her petición de mano, Letizia undertook her first official engagement. The Royal Family thought that the commemoration of the 25th anniversary of the Constitution was the perfect event for the official presentation of the future Princess of Asturias. For the occasion, she chose an elegant and discreet jacket in brown tones (very similar to the color chosen by the Queen and the Infanta Cristina), in contrast with the very bright red chosen by Infanta Elena. She stayed together with the guests at the tribune, next to the husbands of the infantas, Jaime de Marichalar and Inaki Urdangarín.

After the ceremony, the whole Royal Family went to the Los pasos perdidos hall. Doña Letizia stood between her fiancé, the Prince of Asturias, and Doña Elena to greet the political representatives. The Prince's betrothed shook more than five hundred hands with a smile on her lips. Afterwards they attended a parade of the three Armies. This has been the first time that Letizia has lived what it means for the Royal Family to be honored by the Spanish Armed Forces.

After the morning events, the whole Royal Family came together again in the evening to attended the concert in commemoration of the 25th anniversary of the Constitution held at the Teatro Real de Madrid.

It was raining, but that did not stop a group of bystanders from standing at the door of the Teatro Real to see the Royal Family arrive. They wanted to see Letizia, the television queen who had, less than a month before, been set to become the future Princess of Asturias. And she did not disappoint. Dressed, like the infantas, with an elegant two-piece dress skirt suit in black, the fiancee of Felipe de Borbón showed the crowd and the media that that she renounced the leading role to become, definitely, one more member of the Royal House. Always with the Prince, who at all times was very attentive of his fiancée, Letizia entered the Royal Theater to enjoy the concert.

The Royal Theatre was full for the concert directed by Jesús López Cobos, and interpreted by the Madrid Community Choir and the Madrid Symphony, with pieces by Ramón Carnicer, such as the Anthem to the Constitution of 1812, or Trails of freedom, composed by Tomás Marco.

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To celebrate Felipe and Letizia’s 15th anniversary of their engagement (November 1, 2018) and their 15th wedding anniversary (May 22, 2019) I’ll publish a series highlighting moments of these past few years.

[elmartillosinmetre]

"El flamenco se aprende"

[María Toledo ha grabado por primera vez música de Falla / CUCO CUERVO]

María Toledo graba para IBS Classical 'El amor brujo’ y las ‘Siete canciones populares españolas’ de Falla

Formada como pianista y cantante, María Rodríguez del Álamo, de nombre artístico María Toledo, porque nació en la capital imperial en 1983, tenía ya seis discos a sus espaldas cuando le llegó la ocasión de hacer su primer registro clásico, un álbum que acaba de publicar IBS Classical (no llegará a las plataformas digitales hasta el 4 de febrero) con El amor brujo y las Siete canciones populares españolas de Falla.

–¿Cómo concibe una obra como El amor brujo, escrita en realidad para una orquesta clásica y una voz de mezzosoprano?

–Respetando mucho lo que dejó escrito Falla. Tú puedes ser muy flamenca y llevar muy bien el soniquete y todo lo que tú quieras, pero la partitura es lo que es, y si no la sigues te cargas a la orquesta. Tienes que entrar cuando lo dice la partitura. Y si hay una negra con puntillo que ha puesto Falla ahí, tienes que hacerla. Ese fue el motivo por el que pienso que me llamaron tanto para hacer El amor brujo, porque sigo la partitura, pero sin perder el punto de flamencura. No es fácil unir las dos cosas. Tienes que ir a tu aire, pero dentro de la pauta de la orquestación de la obra.

–¿Recuerda cuándo fue su primera vez?

–Fue con Josep Pons en Glasgow. Él es un erudito, que conoce extraordinariamente bien la obra, y la aprendí con él. En España la hice por primera vez en el Auditorio Nacional.

–¿Y cómo llegó a esa primera vez? ¿Mucho respeto?

–Él me esperaba para una prueba con piano. Yo me lo había estudiado como nada en mi vida. Se sorprendió porque yo llegué con mi partitura, y me dijo: ‘Nos vamos a entender perfectamente’. Y a partir de ahí nunca ha dejado de llamarme, salvo que le hayan impuesto a otra solista.

–¿Cómo prefiere que la llamen, cantautora, cantaora, cantante?

–No sé si ecléctica es la palabra que mejor me define. Es difícil encasillarme. Si tuviéramos que entrar en un supermercado, yo no me pondría en ninguna sección, mejor al lado de la caja, junto a las pilas. Desde luego, me siento cantautora porque compongo mis propias canciones, pero soy también cantaora, por supuesto.

–¿Y a la hora de diseñar sus espectáculos tiene muy en cuenta el estilo?

–Hacer El amor brujo es para mí algo distinto, y eso sí requiere una especial concentración, de saber dónde estoy situada. La actitud es distinta de cuando estoy cantando mi último disco, que son rancheras flamencas. En los seis discos he hecho lo que me apetecía, sin ataduras, sin pensar si esto es más o menos flamenco. Me siento al piano, lo que sale, que me gusta, me lo quedo, que no, ya puede ser la cosa más flamenca del mundo, que no, no me dejo llevar por corrientes ni por modas. Mira qué cosa tan curiosa ha pasado, que esto de las rancheras lo hice porque me apetecía, una deuda que tenía pendiente con México, y ahora de repente todo el mundo está cantando rancheras. No sé, qué casualidad, estaba muerto, no se hacía nada. No me dejo llevar por modas.

–Con las rancheras flamencas estuvo en el Maestranza en octubre. ¿Qué otro tipo de programas hace ahora?

–Sólo estoy girando ahora con ese programa salvo cuando me llaman para El amor brujo. Hay también algunos festivales muy ortodoxos en los que quieren flamenco ortodoxo y entonces ofrezco un recital que se llama Encuentro flamenco, que voy a hacer también en el Auditorio Nacional en abril.

–Es que usted ganó importantes premios de flamenco ortodoxo...

–Soy muy abierta musicalmente: me puedes ver lo mismo cantando música clásica que con un grupo de músicos persas, que es algo que me gusta mucho. Lo que me importa es la calidad, me da igual de donde venga.

–¿Y esa calidad ha crecido en el mundo flamenco desde que ha empezado a entrar en los conservatorios o piensa que no era necesario?

–Lo veo como una oportunidad. Yo vi cómo a mi profesor de flamenco, que era un guitarrista excepcional, le quitó el puesto uno que tocaba bastante peor que él, pero tenía un título, y yo no quiero que eso siga sucediendo, porque hay flamencos muy formados que con la titulación tendrían acceso a muchos más trabajos, porque tienen esa capacidad de tocar y de enseñar. Si para entrar en algunos sitios es necesario el título, pues vamos a por el título. Como vivimos en el país de la titulitis y no lo vamos a cambiar, adelante, vamos a por el título, y no significa que por entrar en el Conservatorio estemos encorsetando al flamenco, que siempre será un arte libre. Necesitamos maestros. Yo sin maestro no cantaría flamenco. El flamenco se aprende.

[La Bilbao Sinfonietta grabando a Falla / UNAI FF]

–Se ha hecho ya bastante habitual escuchar El amor brujo en las voces flamencas, pero las Canciones no tanto, y orquestadas como aquí no se habían grabado.

–Se han orquestado las canciones por primera vez con la misma orquesta que Falla destinó al Amor brujo, es una orquestación muy compleja. Son muy difíciles de cantar; ahí sí que me puse un poco nerviosa. Las canciones del Amor brujo las ves venir, por lo menos yo, será que lo he hecho tantas veces, y aunque entrara mal en algún sitio me recuperaría, pero tú entras mal en la jota y ya no hay marcha atrás o en el Polo... el Polo es dificilísimo. Son además siete canciones muy variadas, cada una con su punto. Aunque sean melodías que muchos reconocemos, el público ha asumido una versión que no es la de la partitura, porque yo toda la vida he escuchado la nana mal, y a la hora de aprenderlas hay que olvidar todo lo que escuchaste en casa. Me ha costado mucho.

–El disco tuvo una primera presentación en Bilbao a finales de año, ¿no?

–El 28 de diciembre hicimos en Bilbao una presentación en un concierto benéfico por La Palma, pero hay que empezar a moverlo cuando a principios de febrero llegue a las plataformas.

–¿Cómo fue la grabación?

–Lo hicimos todo en directo con el auditorio vacío. Las tomas fueron completas. Paco Moya lo ha hecho sonar de forma increíble, me encanta. Y la selección de los músicos para esta Bilbao Sinfonietta fue estupenda. En Falla no vale con tocar bien, eso se da por hecho, hay mucha gente que toca muy bien. Lo más importante es darle ese carácter que requería Falla, ese ímpetu, ese arrebato. Y eso Iker [Sánchez Silva] y la orquesta lo han conseguido absolutamente. Yo al menos así lo he sentido.

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Falla y lo jondo

En el año en que se cumple el centenario del famoso Concurso de Cante Jondo que se celebró en Granada por iniciativa, entre otros, de Federico García Lorca y Manuel de Falla, este álbum reúne por primera vez El amor brujo del gaditano, sus Siete canciones populares españolas en versión orquestal y la voz de una cantaora.

Aunque Falla escribiera su Amor brujo atendiendo a un encargo de Pastora Imperio y dijera que había procurado "vivirla en gitano, sentirla hondamente", y no emplear "otros elementos que aquellos que he creído expresan el alma de la raza", en realidad la obra fue compuesta para una orquesta clásica y una voz de mezzosoprano. Son muchas las cantaoras que, en cualquier caso, han dejado ya testimonios grabados de la obra, algunas varias veces, como Esperanza Fernández, de la que hay tres registros (con Juan Udaeta, Edmon Colomer y Ángel Gil-Ordóñez), o Ginesa Ortega (dos; con Pons y Vicent). Entre las ilustres también está el nombre de Rocío Jurado (que la grabó con López Cobos para la película de Saura) o el de Estrella Morente, que lo hizo con la ONE y Josep Pons hará pronto una década.

Más raros son los acercamientos de las voces flamencas a las Siete Canciones. Morente las grabó también hace un lustro en un disco para Harmonia Mundi que llevaba como título Encuentro, y reunía a Falla con Lorca, pero el acompañamiento fue entonces el original pianístico, que se puso en las manos nada menos que de Javier Perianes.

[Diario de Sevilla. 10-01-2022]

[seehonduras]

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AUGUST 24, 1966, THE DOCTOR, WRITER AND POLITICIAN ESPERANZANO DR. VICENTE MEJÍA COLÍNDRES, HONDURAN RULER FROM 1929 TO 1933, DIED.

Dr.Vicente Mejía Colindres (1876, La Esperanza – August 24, 1966, Tegucigalpa)died today, was a surgeon, politician and radio narrator who became Provisional President in 1919 and then Thirty-seventh Constitutional President of the Republic of Honduras in the period from 1929 to 1933.

Dr. Mejía Colindres was born in the city of La Esperanza, department of Intibucá in 1878 and died on August 24, 1966. Son of the marriage between Vicente Mejía Velásquez and Juana Colindres Fortín. He obtained his medical and surgeon degree from the National University of Guatemalain 1899, back in his country in 1902 he married Gumersinda Inestroza.

political history:

Activist and inclined to the Liberal Party of Honduras he saw himself within the active currents of the party and came to serve in the following public offices: In 1907 he was appointed Governor of the Department of Intibucá; between the years of 1909 to 1911 he was appointed Minister of the Interior, during the presidency of Miguel Rafael Dávila Cuéllar;then between 1919 and 1921 Minister of Foreign Affairs, during the presidency of Rafael López Gutiérrez,he wasappointed Provisional President of Honduras between September 1, 1919 and October 5, 1919, in a Council of Ministers, his predecessor was the Minister of the Presidency Don Salvador Aguirre, he was elected President of Honduras in the year from 1929 to 1933 and as his predecessor was the Minister of the Presidency Don Salvador Aguirre,he waselected President of Honduras in the year from 1929 to 1933 and as his predecessor vice president engineer Rafael Díaz Chávez.

Facts

In 1902 he was part of the Board of Directors of the construction of the Hospital de Occidente4in Santa Rosa de Copán, together with the doctors: Doctor Ramón López Cobos, Doctor Ciro Mora, Doctor Francisco Bueso Cuéllar,Doctor Julio C. Bueso Cáceres, Doctor Filadelfo Bueso, Doctor J. J. Jones, Doctor Ramón López Cobos, Doctor Jesús H. Medina, Licenciado Jerónimo J. Reina, Señor Carlos Gauggel of German origin, Ingeniero Manuel Bueso Pineda,Doctor and General Tiburcio Carias Andino,Monsignor Emilio Morales Roque.

Decree No. 198 creating the National Aviation Schoolwas carried out under the administration ofDr. Mejía Colindres.

In 1932, during his stay in the city of Santa Rosa de Copán and in the house of the Bueso-Arias Family, (Today Casa Arias Shopping Center) Dr. Mejía Colindres founded the "COPANECO CASINO" an organization of notable partners among them standout: Abraham Bueso Pineda, Ramón López Cobos, Arturo Rodríguez, Daniel Rodríguez, Andrés Alvarado, Jesús Alvarado López, Ricardo Pineda Tabora, Francisco San Martín, Carlos Gauggel, Manuel Luna Castillo, Octavio Pineda, Guillermo Inestroza, Ricardo Madrid, Ramón López Recinos, Arturo Rendón Madrid, Rómulo Carvajal and José Francisco Contreras.

Vicente Mejía Colindres after his second term as president lived in exile in SanJosé, Republic of Costa Rica,as wascustomary in those decades (when one party overthrew another, the losing party fled to another country and then returned to take power). He died on August 24, 1966 and his remains rest in the General Cemetery of Tegucigalpa,M.D.C.

[valinaraii]

Here's the famous Méditation from Massenet's Thaïs, in memory of Jesús López Cobos, who just passed away. In this video he's conducting the Metropolitan Opera orchestra, with concertmaster Robert Chang playing the violin solo.

[acapulcopress]

Morricone y Williams, premios Asturias de las Artes

] ASTURIAS. * 5 de junio de 2020. | Efe. Los dos compositores que atesoran las bandas sonoras más reconocidas universalmente en la historia del cine, el estadounidense John Williams y el italiano Ennio Morricone, obtuvieron el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2020 por dos larguísimas trayectorias en las que enriquecieron con su talento cientos de películas. El jurado del galardón quiso reconocer "el valor fundamental de la creación musical para el cine premiando a dos de los compositores vivos más venerados en todo el mundo y dotados de una "inconfundible personalidad" reflejada en algunas de las composiciones musicales más icónicas del séptimo arte, que ya forman parte del imaginario colectivo. "Mientras Morricone construyó su reputación poniendo música desde Europa al lejano oeste americano, Williams trasladó el espíritu de la tradición sinfónica vienesa a grandes éxitos de Hollywood", señala el acta sobre estos dos compositores, cuya "extensa y variadísima obra" tiene en común "su deslumbrante capacidad para traspasar géneros y fronteras". Williams, el músico de Hollywood

Williams (Nueva York, 1932), el creador vivo que atesora más nominaciones a los Oscar de la historia, con 52, es el autor de cualquier banda sonora grabada en la memoria colectiva de varias generaciones y fue capaz de volverse eterno con solo dos notas, las que marcan la banda sonora de Tiburón que aterrorizaron a sus espectadores durante décadas. Hijo de un percusionista de jazz, que le animó a tocar el trombón aparte del piano -que era su favorito-, obtuvo su primer gran éxito con la banda sonora de Las Aventuras de Poseidón (1972), dos años antes de que un novato Steven Spielberg le contratara para su primer filme, Loca Evasión. Nunca dejaron de ser amigos y Williams escribió para él las dos notas míticas de Tiburón, su segundo Oscar tras El Violinista en el Tejado (1971). Spielberg le recomendó entonces a otro amigo, George Lucas, que necesitaba un compositor para su película épica espacial Star Wars y Williams regresó a la época dorada de Hollywood al utilizar una gran orquesta sinfónica (la de Londres) para crear la banda sonora sinfónica más vendida de la historia, con más de 4 millones de copias despachadas en todo el mundo. A la saga galáctica, en la que la famosa Marcha Imperial que identifica a Darth Vader no apareció hasta la segunda entrega (El Imperio Contraataca), le siguieron E.T.: El Extraterrestre, La Lista de Schindler, las cintas de Indiana Jones, Jurassic Park, Memorias de una Geisha o la tres primeras películas de la serie de Harry Potter, hasta completar más de cien películas. Morricone, música y silenciosa

Si Spielberg fue quien encumbró definitivamente a Williams, Sergio Leone y sus "spaghetti western" lanzaron a Morricone (Roma, 1928), un músico diplomado en composición, trompeta y canto coral que comenzó como compositor de música sinfónica y de cámara y se extendió a la música ligera y al cine con una primera banda sonora, Il Federale, de Luciano Salcio. Las frenéticas melodías, cargadas de dramatismo y tensión, de películas como Por un Puñado de Dólares (1964), El Bueno, El Malo y El Feo (1966), Érase una Vez en el Oeste (1968) o ¡Ágachate, maldito! (1971) lo llevaron a convertirse en uno de los compositores de cine más prestigiosos y a trabajar con Pier Paolo Pasolini, Roman Polanski, Oliver Stone o los españoles Juan Luis Buñuel en Leonor (1975) y Pedro Almodóvar en Átame (1990). Suyas son también las melodías de Cinema Paradiso (1988), de Giuseppe Tornatore; de la obra maestra de Bernardo Bertolucci, Novecento (1976), o la historia de aquel misionero jesuita de La Misión (1986). Una carrera distinguida con un Oscar honorario y uno más tardío que no llegó hasta 2016 con Los 8 más Odiados, de Quentin Tarantino. Sus composiciones se asientan sobre los pilares de Johann Sebastian Bach e Ígor Stravinski: "Son ellos dos los polos determinantes", reconoció en un libro-entrevista con su amigo Giuseppe Tornatore donde admitía: "El silencio es música, al menos tanto como los sonidos, quizá más. Si quieres entrar en el corazón de mi música, busca entre los vacíos, entre las pausas". Morricone y Williams recuperan así para el mundo de la música el Premio Princesa de las Artes, que no se había concedido a esta disciplina desde 2011, cuando fue distinguido el director de orquesta italiano Ricardo Mutti, y que incluye a una nómina en la que figuran, entre otros, Bob Dylan, Paco de Lucía, Barbara Hendricks, Joaquín Rodrigo y Jesús López Cobos. El de las Artes, concedido en 2019 al dramaturgo Peter Brook, ha sido el segundo galardón en fallarse esta 40ª edición de los galardones tras el de la Concordia, que recayó en los sanitarios españoles por su entrega y sacrificio para hacer frente a la pandemia del coronavirus. Read the full article

[elmartillosinmetre]

“La música es pasión”

[La violinista Ana María Valderrama y el pianista Víctor del Valle. La foto es de Noah Shaye]

La violinista madrileña Ana María Valderrama ofrece, junto al pianista malagueño Víctor del Valle, nueva grabación de dos de las sonatas para violín y piano más célebres del repertorio

En su primer disco como solista, Ana María Valderrama (Madrid, 1985) se acercó a la figura tutelar de Pablo Sarasate, después de su triunfo en el premio internacional que lleva el nombre del músico navarro ("era casi una obligación para mí"). Para su segundo álbum con piano, Valderrama ha cambiado radicalmente su mirada, que se centra en dos de las obras esenciales del repertorio camerístico, la Tercera sonata de Johannes Brahms y la Sonata en la mayor de César Franck.

-¿Reunir Brahms con Franck ha sido mero gusto personal o hay alguna razón más? -Por un lado, era cuestión de gusto. Me apetecía mucho este cambio, después de ese disco tan virtuosístico dedicado a Sarasate. Y aunque entre medias hice otro, sentí la necesidad de meterme en la música de cámara a tope, hacer un trabajo en conjunto de análisis, de descubrimiento, de conversación musical con el pianista. A los dos nos apetecía mucho grabar estas sonatas. Las conocíamos desde hace mucho. Yo las toqué de jovencita, y Víctor, también. Además descubrimos que se habían compuesto casi a la vez. Dos compositores que no se llegaron a conocer escribieron esas dos sonatas tan increíbles casi a la vez. Nos pareció curioso, nos gustó esa coincidencia. Luego hubo también algo más íntimo que me empujó en esta dirección.

-¿Lo quiere contar? -Pasé por un proceso personal muy duro, y a la vez importante para mí: perdí a una persona muy querida y casi a la vez me quedé embarazada de mi primer hijo. Eso me llevó a una reflexión muy profunda acerca de la vida y de la muerte, que profesionalmente me condujo a este tipo de música de especial hondura.

-Son dos de las obras más conocidas del repertorio. ¿Se aisló para trabajar algo así o escuchó antes muchas versiones? -Las había escuchado miles de veces antes de decidir hacer el disco, montones de versiones diferentes. Cuando decidí que las iba a grabar dejé radicalmente de oírlas. Preferí aislarme, trabajar con Víctor y hacer nuestra propia versión a base de análisis, reflexión y búsqueda. Una vez grabado sí volví a escuchar algunas nuevas versiones, para ver qué hacían los demás. Es curioso acercarse, una vez pasado todo el proceso de construcción personal de esta música, a las ideas de los otros colegas sobre ella y entender sus decisiones.

-¿Reconoce consciente o inconscientemente influencias en la forma de abordar estas sonatas? -No especialmente. Hay muchos violinistas y músicos a los que admiro e intento tomar muchas cosas de ellos, pero con respecto a estas obras no creo que haya sentido la guía de nadie.

-¿Y qué es eso que admira de otros músicos? -Me gusta la gente que toca con energía y pasión.

-Por ejemplo... -Por ejemplo, Janine Jansen, Cecilia Bartoli, Gustavo Dudamel, Martha Argerich...

-Mucha pasión latina veo ahí. -Claro. La música es pasión.

-¿Y cómo hace congeniar esa pasión con la voluntad analítica a la que se refería antes? -El análisis es esencial. Un músico necesita descubrir lo que intentaba decir el compositor cuando escribió una cosa de una determinada forma; eso es fundamental, pero después hay que acercarse a la obra desde una visión personal. Sin el trabajo de análisis previo, nos equivocaríamos como intérpretes. Pero una vez hecho ese análisis y descubierta la idea que piensas que quiso transmitir el compositor, todo eso tiene que pasar por ti. Eso es crucial para comunicar. Como público, lo que me llega cuando asisto a un concierto es eso, la implicación personal de cada intérprete. Pasión y análisis tienen que ir de la mano. Una sin la otra no terminan de funcionar.

-Como complemento de las dos sonatas, incluyen el famoso Scherzo de Brahms para aquella obra de colaboración con Schumann, la Sonata F.A.E., y una pieza casi desconocida de Franck, Mélancolie. -La de Brahms es pieza bien conocida y nos pareció que encajaba como apertura del CD. La de Franck fue todo un descubrimiento. No la conocíamos ninguno de los dos. Está muy poco grabada. Cuando la encontré, en medio de ese proceso personal de interiorización del que le hablé, con el título de Melancolía además, me pareció perfecta.Es una melodía sencilla, pero bellísima.

-El disco de Sarasate lo grabó con Luis del Valle, y para este ha escogido a su hermano Víctor, ¿por qué este cambio? -Ellos forman como sabe un dúo de pianos formidable, uno de los más importantes de ahora mismo. Los admiro. Nos conocemos muy bien. Somos muy amigos los tres. Y sigo tocando mucho con Luis, pero este trabajo me apetecía hacerlo con Víctor, y de hecho lo llevábamos hablando desde hace mucho. Sabía que él había tocado las dos sonatas desde joven. Y la de la grabación era una ocasión magnífica para trabajar a fondo estas obras.

-¿Cómo está el panorama profesional para una solista de violín? -Es difícil, porque hay muchísima competencia. Gente muy buena... y hay poco sitio. No hay hueco para todos. Pero no me quejo. He tenido suerte. Tengo muchos conciertos en España esta temporada: debuto con la Filarmónica de Málaga y tenemos todavía algunos recitales con la presentación del disco (Zaragoza, Málaga). Voy también a Estonia y en verano por primera vez a Japón, donde tocaré con la Yomiuri Symphony Orchestra, que es una de las más importantes del país. Estoy muy ilusionada.

-Sigue además como profesora en el Superior de Madrid, ¿cómo compagina la docencia con su actividad de conciertos? -Lo llevo bastante bien. Hay unas reglas que cumplir, pero los conciertos suelen ser en viernes y sábado, que no tengo clases. Tampoco son tantas horas, y tengo tiempo para estudiar y preparar mi repertorio. Cuando lo necesito, solicito permiso y luego se recuperan las clases y ya está. Es verdad que mucho tiempo libre no me queda, sobre todo ahora con mi bebé.

-Me hablaba de otro disco entre los dos de cámara. -Sí, fue un Concierto para violín, guitarra y orquesta de Lorenzo Palomo [Fulgores se titula la obra] que grabé con la Orquesta de Castilla y León con López Cobos, creo que fue su última grabación. Recientemente he grabado también con la Sinfónica de Barcelona el Tercer concierto de Joan Manén, obra que estaba inédita en disco y que tiene que salir en enero. Ambos discos son para Naxos.

-¿Algún nuevo proyecto de música de cámara? -Muchas ideas, pero nada concreto. Dejaré reposar este.

EL CD EN SPOTIFY

[Diario de Sevilla. 29-10-2018]