#sergiu celibidache

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Claude Debussy, La mer. Sergiu Celibidache, director

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Sergiu Celibidache was a Romanian conductor, composer, musical theorist, and teacher. Educated in his native Romania, and later in Paris and Berlin, Celibidache...

Link: Sergiu Celibidache

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Breviario de directores

[El director rumano Sergiu Celibidache (1912-1996) es el más ampliamente tratado del libro. / D.S.]

La editorial Fórcola publica un estudio sobre la evolución de la dirección de orquesta

Dos críticos bien conocidos de la prensa musical española, Rafael Ortega Basagoiti y Enrique Pérez Adrián, habituales de la revista Scherzo desde hace décadas, acaban de publicar en la editorial madrileña Fórcola un volumen en que radiografían el oficio de director de orquesta. En quince capítulos y un epílogo, en este libro se hace repaso a una amplísima nómina de maestros, desde Weber, Berlioz y Mendelssohn a los nacidos después de 1980, mediante un somero repaso a sus carreras y sus tendencias estéticas.

Tuve la oportunidad de hablar con Rafael Ortega Basagoiti (Madrid, 1957) sobre este trabajo, del que no hay antecedentes en la bibliografía española.

–Se trata de un libro a dos, pero en él se encuentran muchas valoraciones, muchos juicios. ¿Cómo lo plantearon?

–Lo contamos en las consideraciones previas, se trataba de respetar lo que ha escrito el otro. Los capítulos están en general muy repartidos de manera casi íntegra, hay pocos en los que hayamos metido mano los dos, y además cuando lo hemos hecho cada uno se ha dedicado a una figura distinta. Por supuesto cada uno tiene su visión y no siempre coincidimos, pero asumimos los criterios del otro, porque tampoco se trataba de establecer un debate entre nosotros. 

–¿Podemos ver la historia de la dirección de orquesta como un eterno Toscanini vs Furtwängler, es decir, objetivismo frente a subjetividad o se trata de una simplificación excesiva?

–Yo creo que es simplificar demasiado. Hay una parte de eso que efectivamente se mantiene en cierto modo. Pero no afecta sólo a la dirección de orquesta, sino a la interpretación musical en general: hay una parte de los intérpretes que se decanta por lo analítico y racional y otra parte que lo hace por lo intuitivo y emocional. Lo vemos sobre todo en la música anterior a Wagner: la tendencia historicista rompe con una manera de dirigir ese repertorio muy furtwängleriana y retrocede, no a lo Toscanini, pero sí a unas maneras desprovistas de la parte poswagneriana. Pero en el caso de la dirección hay otros componentes. Las orquestas han evolucionado a grupos que están mucho mejor organizados y preparados profesionalmente, los directores también, pero han tenido que cambiar sus formas. El mundo ya no es el mismo, ya no hay posibilidad de ensayos determinados, el director tiene un poder más limitado, tiene que cuidar las formas… De repente se puede encontrar con una orquesta respondona, que es cosa que hace siglo y medio era impensable. A principios del siglo XX a nadie se le ocurriría pensar en un levantamiento orquestal contra un director más o menos ilustre, aquello no cabía en la cabeza, y sin embargo hoy, si un director se pasa de la raya, sea quien sea, la orquesta se levanta y se va. Eso ha cambiado mucho. Entran otros ingredientes.

–El modelo de dirección autocrática pasó a mejor vida, sustituido por el primus inter pares, ¿podemos poner una fecha a ese cambio?

–El cambio es muy evidente, pero progresivo. Es algo que a partir de finales de los 50 va cambiando progresivamente. Pero, ¿hemos abandonado del todo los modos autocráticos? Hay un componente de apariencia. Hoy ya no tienes a un Toscanini que se dirija a gritos a los músicos o a un Celibidache que pueda llegar al desprecio más absoluto en el trato. Está ese famoso documental de Celibidache ensayando la 7ª de Bruckner con la Filarmónica de Berlín, y ese tono con que se dirige a los profesores de la orquesta hoy es imposible de ver… Hemos perdido esos exabruptos, incluidos los tacos de Toscanini, y hemos dado con maneras más sutiles. Hay quien dice que Claudio Abbado, que parecía muy amable, muy dialogante, si en un ensayo se le atravesaba un músico al salir podía decírle tranquilamente al gerente de la orquesta: "A ese no me lo vuelvas a poner…". Así que el cambio es real, porque los directores saben que no pueden ir con el martillo pilón, pero también hay un componente de apariencia. Sobreviven directores que vienen de generaciones más antiguas, que tienen determinada formación y han tenido sus más y sus menos, pero los maestros de 70 años para abajo se tienen que manejar de otra manera porque si no, no tienen ningún futuro.

[Rafael Ortega Basagoiti (Madrid, 1957) / D.S.]

–¿Es posible una democracia en una orquesta?

–Al final la dirección de orquesta, si dejamos la parte de teoría musical, es un liderazgo de grupos. El líder moderno en la orquesta, la empresa y cualquier sitio, tiene que liderar por convicción, por persuasión, pero es una persona que tiene que tomar decisiones. Tú tienes 100 músicos y cada uno tendrá su idea de cómo hacer esa música, y tú puedes convencerlo y crear cierto consenso, pero alguien tiene que tomar la decisión. Al final, por mucho que se intente vestir de alguna manera, esa decisión la tiene que tomar el director, eso es indiscutible. Cómo tomarla. Hay un punto de convicción, persuasión, carisma, pero también hay algo que choca con eso, es el tiempo que tienes, sobre todo cuando hablamos de directores invitados,  porque en las orquestas modernas, y no digamos ya si hablamos de las inglesas, tú qué puedes tener, siete, ocho, diez horas de ensayo, tirando por lo muy alto, doce. En esas horas tienes que preparar un programa y llevar al huerto a las orquestas. Hay veces que no tienes tiempo de enrollarte. Tienes que tener la capacidad de convencerlos de que tu camino es el bueno, pero no tienes mucho tiempo. El director de orquesta moderno tiene que tener mucho de psicólogo…

–¿Siguen existiendo las escuelas nacionales?

–Hay cuestiones de sonido que tienen que ver con los instrumentos: por ejemplo, los metales de las orquestas del Este no son como los de las occidentales, lo que genera diferencias de sonido. Pero estamos en un mundo global, hay muchos músicos españoles en orquestas alemanas y rusos o polacos tocando a mansalva en orquestas españolas, y eso hace que las diferencias se diluyan. No son las que eran antes.

–Hablando de dirección de orquesta, ¿cualquier tiempo pasado fue mejor?

–Uf, ese es un tema para otro libro. Habrá gente que piense que es así. Conozco muchos melómanos y críticos que piensan que es así. Otros que de ninguna manera. Y otros que pensamos que para algunas cosas, sí y para otras, no. Tengo una opinión muy personal al respecto. Para cuáles sí. Pues es verdad que en función de las presiones económicas y de las necesidades de tiempo, hemos perdido la capacidad de trabajar en profundidad un programa.

–Lo de las dos semanas que se dejaban a algunos directores para un programa es casi imposible hoy, claro…

–Eso es muy difícil. El último caso que he visto fue poco antes de la pandemia y fue excepcional. Semyon Bychkov vino a dirigir la ONE, que hacía una obra que no sé si en España se ha hecho íntegra alguna vez, Mi patria de Smetana. Pidió dos semanas, y se las dieron. El resultado fue una maravilla. Pero la realidad es que esto hace 40 o 50 años era habitual. Con Celibidache o Giulini era normal. Erich Kleiber pidió 120 ensayos para el estreno de Wozzeck en 1925. Esto hoy no puede ser. En el otro extremo están pasando cosas. En Bayreuth por ejemplo estaba previsto que Valery Gergiev dirigiera el Tannhäuser. Pero Gergiev se ha metido en tal dinámica de óperas y conciertos que lo cortaron porque no tragaban con un señor que estuviera presente en un ensayo de cada tres. La realidad es que hoy se ha dejado de trabajar con el tiempo y la profundidad de antes. Si hoy te dan tres días de ensayo ya vas que ardes; eso si no es una orquesta inglesa, que a lo mejor tienes día y medio. En esto cualquier tiempo pasado fue mejor. Sin duda. La precariedad de tiempos de ensayo se nota mucho. 

–Los músicos están mejor preparados...

–Sí, eso es verdad, pero por muy bien preparados que estén… En los conciertos con solista, por ejemplo, tienen un ensayo y el general, y eso se nota. Y por eso Sokolov, que es un señor muy riguroso, ha dejado de trabajar con orquesta, porque vio que las orquestas trabajaban con tanta premura que no había forma de conseguir el nivel al que él aspira. Los músicos y los directores están mejor preparados, sí, pero hay límites, sobre todo para las obras poco habituales. A lo mejor sacas una interpretación correcta, pero nada más. No te puedes tirar 20 minutos ensayando el trémolo inicial de la 7ª de Bruckner, como Celibidache en el concierto al que me refería antes.

–El mundo de los directores es un mundo donde abunda (o abundaba al menos) el divismo. ¿Es necesario un ego enorme para brillar como director o los que son muy humildes también pueden destacar en el oficio?

–El ego es un componente de cualquier artista. Cuando uno se sube a un escenario o está muy seguro de sí mismo o te tiemblan hasta las costillas. El ego es inevitable y hasta necesario. Y es que los directores además de enfrentarse al público tienen delante a una orquesta. Si no vas seguro con lo que haces te pueden comer. Sobre todo si la orquesta es de las gordas. Recuerdo uno de los muchos documentales que hay sobre Leonard Bernstein, en que contaba cómo fue la primera vez que se enfrentó a la Filarmónica de Viena. Y para entonces él era ya un director muy establecido, y sin embargo confesaba que le temblaban las canillas. Porque la Filarmónica de Viena era la Filarmónica de Viena. Y él explica que empezó a hablarles y se dio cuenta de que se estaba empezando a poner nervioso y estaba hablando demasiado. Y entonces se puso a ensayar y ya fue bien, pero también tuvieron sus momentos tensos, porque no le gustaba cómo tocaban a Mahler… Así que una parte de ego es imprescindible, pero donde está el secreto es en gobernar el ego de forma que la orquesta te perciba como alguien seguro pero no prepotente. Hay que poner límites a ese ego. Tú sabes lo que quieres hacer pero no puedes ir levantando la nariz por encima de la orquesta. Y eso ha cambiado. Hace 50 años daba exactamente igual que levantases la nariz, pero hoy no lo puedes hacer. Y eso es posible. Yo he conocido directores que pueden ser duros en el podio, pero luego en el trato son gente muy normal y pueden ser perfectamente humildes. Por ejemplo, Harnoncourt. Era un señor de una energía, una pasión y una seguridad contagiosas, pero luego hablabas con él y era un tipo encantador, y los músicos lo adoraban.

–¿Un gran director es capaz de rescatar a una orquesta mediocre?

–Lo que no puede hacer es milagros. ¿Es capaz de reconstruir y con el tiempo llevar a una orquesta mediocre a otro nivel? Sí. Un buen trabajador de orquestas, un buen discriminador de lo que necesita un conjunto, puede hacerlo. Por ejemplo, el señor George Szell, que ha sido muy machacado porque tenía un carácter de mil pares de narices, pues llega a Cleveland y le da la vuelta por completo. Con el tiempo y la libertad para hacerlo, un buen director puede transformar una orquesta discreta en una de primer nivel. Ahora bien, de la noche a la mañana, vengo como invitado a una orquesta discreta y la hago de primer nivel, mira, no, eso no. Sí puede ocurrir que una orquesta medianamente decente, aunque no grande, se eleve a un gran nivel por un director invitado muy bueno. En una semana la transforma no en algo excepcional, pero sí en algo mucho mejor. Eso lo hemos vivido en España con gente como Celibidache o Lorin Maazel. Yo a Maazel lo vi una vez con la Orquesta de la RTVE y aquello fue apoteósico. ¿La hizo excepcional? No, pero la transformó en algo mucho mejor de a lo que estábamos acostumbrados.

–¿Están bien dirigidas las orquestas españolas?

–Sólo conozco de cerca las madrileñas, del resto no me atrevo a hablar. La Nacional y la de RTVE están en muy buenas manos, que son las de David Afkham y Pablo González. La Sinfónica ha estado en situación rara, después de López Cobos. Creo que fue Mortier quien decidió que no hubiera un titular y eso fue un error. Y en la de la Comunidad de Madrid, Víctor Pablo hizo una labor excelente y ahora está la polaca Marzena Diakun, a la que todavía no conozco lo suficiente como para opinar.

Un compositor, un director

Propongo a Rafael Ortega Basagoiti un juego: el nombre del director idóneo para cada compositor sugerido... Este es el resultado: Mozart. Nikolaus Harnoncourt. Beethoven. El último Claudio Abbado. Mahler. Leonard Bernstein. Bach. Nikolaus Harnoncourt o Philippe Herreweghe. Shostakóvich. Kurt Sanderling. Brahms. Ahí está muy alto en mi lista el mismo Sanderling y también Claudio Abbado, pero luego está Carlo Maria Giulini, que es muy especial. Chaikovski. Eugene Mravinski, aunque también me ha sorprendido Semyon Bychkov en su ciclo con la Filarmónica Checa. Haydn. Harnoncourt otra vez. Wagner. Hans Knappertsbuch entre los antiguos; Christian Thielemann, hoy. Haendel. John Eliot Gardiner. Falla. Ataúlfo Argenta.

[Diario de Sevilla. 11-12-2022]

Música, maestro: De Mahler a Dudamel. Rafael Ortega Basagoiti y Enrique Pérez Adrián. Madrid: Fórcola, 2022. 425 páginas. 34,50 euros.

[beyourselfchulanmaria]

Chopin Piano Concerto no. 2 Koczalski/Celibidache/Berliner SO 1948 (1/3) 

Frédéric Chopin (1810-1849):

Concerto no. 2 in F minor opus 21

1. Maestoso 2. Larghetto 3. Allegro Vivace

Radio broadcast, Berlin 1948 Raoul Koczalski piano Berliner Sinfonie-Orchester conducted by Sergiu Celibidache

[peymanfarzinpour-blog]

One of the most wonderful conductors in the world- Emilio Pomarico- conducting a reduction of Arnold Schoenberg's magnificent Five Orchestra Pieces, Op. 16 with Klangforum Wien. I confess that I'm a bit biased here in that I had the great pleasure and honor of having studied with Emilio, who himself had studied with the great Sergiu Celibidache (conductor of the Berlin Phil before Karajan and then for many years, the music director of the Munich Philharmonic). For any aficionados of avant-garde 20th c. & contemporary music, you can find a huge amount of Pomarico's recordings of new music, always impeccably performed under his direction with a number of German orchestras and especially with the new music group, Klangforum Wien on various music channels as well as YouTube.

[johnmyersart]

Ravel - Bolero. Sergiu Celibidache 1971

[biglisbonnews]

Harassment, hierarchies and discreetly rubbed trousers: the exhausting politics of orchestras Cate Blanchett film Tár shows how damaging a maniacal conductor can be – but, as musicians explain, orchestras are riven with other serious structural issues‘They can’t all conduct, honey”, Lydia Tár informs her daughter as she hands each of her dolls a pencil to use as a makeshift baton. “It’s not a democracy.”In her sharp put-downs, sidelining of procedure, and singular, maniacal artistry, Tár – played by Cate Blanchett in the film of the same name – embodies all the tropes of the autocratic conductor. The first of a glut of forthcoming “maestro movies” (Bradley Cooper’s Leonard Bernstein biographical drama Maestro is currently in production, as is The Yellow Tie, on the life of firebrand Romanian conductor Sergiu Celibidache), Tár isn’t just a character study, though – it depicts the intertwined social and artistic hierarchies, subtle codes and often grotesque power dynamics of the orchestra as a workplace. Continue reading... https://www.theguardian.com/music/2023/mar/01/tar-conductor-orchestra-harassment

[cydrone-studios]

Sergiu Celibidache, filozoful cu bagheta

Puţine personalităţi din România au atins vreodată gradul de complexitate al fostului mare dirijor. Doctor în patru discipline, obsedat de muzică şi de budism, creator de sisteme de interpretare revoluţionare, perfecţionist agresiv, Celibidache rămâne şi astăzi unul dintre cei mai fascinanţi şi controversaţi muzicieni ai secolului trecut. Pe 15 august 1996, la o zi de la decesul lui Sergiu…

[aschenblumen]

Jan Schmitd-Garre, Celibidache. Documental sobre el director rumano Sergiu Celibidache. Subtítulos en español incrustados.

[benschnetzerfan]

‘The Yellow Tie’ Heading To Cannes Market

VMI Worldwide has boarded worldwide sales on The Yellow Tie, a biopic about the famed Romanian conductor Sergiu Celibidache starring John Malkovich, Sean Bean, and Ben Schnetzer.  Scott Freije and Julie Paquit at VMI are handling sales and will introduce the pic to buyers at the forthcoming Cannes market. The film is directed by Celibidache’s son, Serge Ioan Celebidachi, who also co-wrote the screenplay with James Olivier. The cast is rounded out by Kate Phillips, Miranda Richardson, and Charlie Rowe. The film’s synopsis reads: The Yellow Tie follows the extraordinary life of Sergiu Celibidache, one of the most celebrated classical music conductors of the twentieth century. Brilliantly portrayed by John Malkovich and Ben Schnetzer, he was a unique artist, revered and misunderstood in equal measure. From his childhood in Romania under the draconian authority of a disciplinarian father (Sean Bean), to his painful flight from home to pursue his dream of a career in music, his struggle for survival in wartime Germany, and his rise, fall, and rise again, in an unimaginable career and life path, spanning seven decades and all four corners of the globe. This is the true story of a singular individual with a remarkable destiny. An artist’s battle against prejudice, compromise, convention, and commercialism. A man’s inspirational, lifelong quest to follow his dream and win the elusive acceptance of those dearest to his heart.

(Source)

[elgallinero]

La Musica e Vita

The Nutcracker – Ballet Suite, Op. 71a, Danses Caractéristiques: Valse Des Fleurs (Tempo Di Valse) by Munich Philharmonic & Sergiu Celibidache https://www.shazam.com/track/63114618/the-nutcracker-ballet-suite-op-71a-danses-caract%25C3%25A9ristiques?referrer=share

[radsiarai]

Hector Berlioz Overture, Les Francs Juges

Publication date 1951

SYMPHONY ORCHESTRA

OF RADIO BERLIN

SERGIU CELIBIDACHE, conductor

Hector Berlioz, a visionary composer of the Romantic era, left an enduring legacy in the realm of orchestral music. His overture "Les Francs Juges" stands as a testament to his innovative approach to orchestration, thematic development, and dramatic storytelling.

Composed in 1826, "Les Francs Juges" Overture represents a significant milestone in Berlioz's early career and showcases his penchant for dramatic expression and innovative orchestration. The overture is inspired by a play of the same name by Auguste Anicet-Bourgeois and Amable de Saint-Hilaire, which revolves around themes of justice, loyalty, and the struggle for freedom. Berlioz's musical interpretation of this dramatic narrative is characterized by its bold, expansive orchestral palette and its evocative portrayal of the play's thematic depth.

The overture opens with a commanding and majestic introduction, immediately drawing the listener into a world of grandeur and intrigue. Berlioz's masterful use of orchestration becomes apparent as the music unfolds, with sweeping melodies, vibrant harmonies, and dynamic contrasts that capture the essence of the dramatic narrative. The interplay of thematic material conveys a sense of urgency, heroism, and conflict, reflecting the overarching themes of the play and immersing the listener in a world of emotional intensity.

One of the most striking aspects of "Les Francs Juges" Overture is Berlioz's bold and innovative approach to orchestration. The work features a rich symphonic tapestry, characterized by the interweaving of brass, strings, woodwinds, and percussion to create a vivid and dynamic sonic landscape. The orchestration heightens the dramatic tension of the narrative, with powerful climaxes, poignant lyrical passages, and intricate contrapuntal textures that showcase Berlioz's mastery of symphonic expression.

Despite its initial reception being somewhat muted, "Les Francs Juges" Overture has garnered appreciation for its bold and innovative approach to orchestration and its evocative portrayal of dramatic narrative. Berlioz's ability to infuse the overture with thematic depth and emotional resonance has solidified its place as a landmark in the repertoire of Romantic symphonic music.

In conclusion, Hector Berlioz's "Les Francs Juges" Overture stands as a triumph of Romantic grandeur, showcasing the composer's visionary approach to orchestration and his ability to convey dramatic narrative through the transformative power of music. Its bold thematic development, innovative orchestration, and emotional intensity invite listeners to embark on a compelling sonic journey, immersing them in a world of heroism, conflict, and emotional depth.

[ralphdvd]

"Orice arta are acelas scop: libertatea."

"All Art has but one goal: Liberty"

Sergiu Celibidache

[denk-weisen]

WIE IST DEINE BEZIEHUNG ZU... ?

... Geld? ... dem Leben? ... deiner Arbeit? ... deiner Sexualität? ... deinen Mitmenschen? ... deinen Gedanken? ... ?

Wenn wir etwas verändern wollen, dann versuchen wir meist "es" zu verändern - und übersehen dabei "Beziehung zu". Wir arbeiten fast immer an dem Was, viel zu selten an dem Wie der Beziehung zu diesem Was. Und dabei geht uns eine Fülle von Möglichkeiten und Veränderungsansätzen verloren.

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Du wirst entdecken:

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