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deepinsideyourbeing · 8 months ago

Note

Necesito saber cómo creés que sería Enzo en el sexo. Aspectos generales, gustos, kinks, si gime, etc.

Gracias por la investigación de mercado jajaja

+18!

-NSFW ALPHABET-

A = Aftercare (what they’re like after sex)

Le gusta masajear tu espalda, tus brazos o cualquier parte de tu cuerpo hasta que recobrás el aliento y podés beber el agua que te ofrece, luego te acompaña hasta el baño y de ser necesario entra en la ducha para ayudarte y/o acompañarte (y más...). Siempre tiene a mano algún snack o prepara algo para comer y ambos lo disfrutan mientras ven alguna película o acurrucados.

B = Body part (their favorite body part of theirs and also their partner’s)

A Enzo le gustan sus manos pero sólo porque adora cómo se ven sobre tu cuerpo. Le gusta ver el contraste cuando sujeta tus muñecas sobre tu cabeza, mientras acaricia tus pechos o tu cadera, cuando sus dedos aprisionan tu garganta o tu cara.

Tiene un punto débil cuando se trata de tu boca y tu lengua, tus muslos y la curva de tu abdomen donde siempre coloca sus manos. Son sus lugares favoritos para marcarte con su semen y eso nos lleva a...

C = Cum (anything to do with cum, basically)

Hiperespermia, nada más que agregar.

D = Dirty secret (pretty self explanatory, a dirty secret of theirs)

Un poquito de CNC y polaroids comprometedoras en su billetera. Adora someterte y saber que si no cooperás puede amenazarte con enseñar a sus amigos y conocidos las imágenes que tomó cuando eras un desastre, en las cuales se aprecia tu expresión de satisfacción y los fluidos que manchan tu rostro y cuerpo.

E = Experience (how experienced are they? do they know what they’re doing?)

Suele decir que no tiene mucha experiencia y tal vez sea cierto, pero no es impedimento alguno para que sus dedos, su lengua y su miembro te brinden los orgasmos más intensos que tuviste en toda tu vida. Siempre está dispuesto a probar cosas nuevas, es un firme creyente de que uno no debe dejar de educarse.

F = Favorite position (this goes without saying)

Missionary, vainilla pero romántico como a él le gusta. Le encanta poder ver tu rostro mientras te da placer, la forma en que tus pechos se mueven con cada una de sus estocadas y besarte cuando se desespera porque siente tu interior muy apretado y muy caliente :)

G = Goofy (are they more serious in the moment? are they humorous? etc.)

Es bastante serio y jamás pierde la concentración, prefiere mantenerse atento a tus reacciones para actuar rápidamente en caso de que algo te genere incomodidad o te haga sentir abrumada.

H = Hair (how well groomed are they? does the carpet match the drapes? etc.)

Siempre mantiene el vello corto y prolijo, pero cuando se depila por completo su miembro parece todavía más grande y la imagen por sí misma te hace delirar.

I = Intimacy (how are they during the moment? the romantic aspect)

Enzo es muy romántico, le gusta tenerte lo más cerca posible en todo momento para besarte y abrazarte con fuerza. Si está arriba tuyo siempre va a reposar su frente en la tuya y mirarte con una intensidad casi abrasadora, todo mientras te retorcés de placer debido a sus movimientos.

J = Jack off (masturbation headcanon)

Las polaroid en su billetera y algún que otro video que guarda en una carpeta oculta en su celular son lo único que puede utilizar para masturbarse cuando no te tiene cerca. Está obsesionado con vos y con tu cuerpo y al pasar tanto tiempo en el set de rodaje y en zonas horarias incompatibles no tiene otra opción.

K = Kink (one or more of their kinks)

Breeding kink porque es posesivo y le encanta marcarte de esa forma. Además disfruta ver la forma en que su semen escapa de tu entrada antes de -ignorando tus quejidos- empujarlo hacia dentro con sus dedos.

Cockwarming si está demasiado cansado y decidís ser caprichosa. Te ordena quedarte quieta mientras sentís cómo palpita entre tus paredes, muy de vez en cuando sujetando tu cadera para moverte lentamente, y sólo cuando le rogás entre lágrimas te permite hacer el trabajo.

Dacrifilia... No puede evitarlo, sos demasiado tierna cuando llorás y adora ver la forma en que tus labios tiemblan o las lágrimas corriendo por tus mejillas.

Daddy kink. (Controversial pero...) Cada vez que tu voz entrecortada pronuncia esa palabra y tus ojos suplican por más, tiene que hacer un gran esfuerzo para poder controlar la fuerza que utiliza para manipular tu cuerpo -que está enteramente a su disposición-.

Finger-sucking porque además de ser la única forma que tiene a veces para mantenerte callada, también le gusta ver cómo cerrás los ojos y simulás que lo que está entre tus labios es otra parte de su anatomía.

L = Location (favorite places to do the do)

Nada se compara con la comodidad de su cama o el sofá de la sala, pero puede que surja la ocasión en que no resiste y te sienta sobre la mesa o el mármol para poder tener fácil acceso a tu entrada. No vamos a hablar del asiento trasero del auto o el parque.

M = Motivation (what turns them on, gets them going)

Todo tu ser lo excita, pero le cuesta contenerse cuando lo sentás en la cama para enseñarle alguna prenda nueva o la lencería que acaba de llegarte por correo.

Tiene un pequeño problema con la particular forma en que comés helado y se niega a tener citas si implican permanecer dentro de una heladería.

N = No (something they wouldn’t do, turn offs)

No le gusta incorporar ningún elemento si cree que tienen el potencial de herirte verdaderamente, por lo que el knife play y objetos como látigos o nipple clamps quedan descartados por completo.

O = Oral (preference in giving or receiving, skill, etc.)

Ama pasar horas entre tus piernas, succionar tu clítoris o acariciar tus pliegues y tu entrada con su lengua hasta volverte loca. También le fascina ver cómo besás su miembro y la forma en que tu lengua lo recorre o forzarte a tomar toda su extensión y hacer que te ahogues cuando golpea tu garganta una y otra vez ♡

P = Pace (are they fast and rough? slow and sensual? etc.)

Un pequeño drabble dedicado a este punto ♡

Q = Quickie (their opinions on quickies, how often, etc.)

Le gusta tomarse todo el tiempo del mundo cuando se trata de darte placer, pero si están más desesperados de lo usual no va a dudar en arrastrarte hasta la superficie más cercana o hacia algún escondite.

S = Stamina (how many rounds can they go for? how long do they last?)

Un poquito más de hiperespermia (qué linda palabra).

T = Toys (do they own toys? do they use them? on a partner or themselves?)

Bajo la cama tienen una caja llena de juguetes, todos en tu color favorito: un pequeño vibrador, dildos de diferentes tamaños, butt plugs, collares, correas, cuerdas para shibari, antifaces, cock rings y más.

V = Volume (how loud they are, what sounds they make, etc.)

Enzo no oculta sus gemidos y siempre se encarga de hacerte saber lo bien que lo hacés sentir, ya sea con sonidos o con palabras de aliento similares a las que repite cuando es él quien te lleva hacia el orgasmo. Cuando estás moviéndote sobre su cuerpo le es imposible contener sus suspiros y jadeos o maldiciones.

Me comí un par de letras pero sé que Enzo me va a perdonar y ustedes también 😌❤️

#letters to enzo #deep in thought #deep answers #enzo vogrincic #enzo vogrincic smut #enzo vogrincic x reader #lsdln cast

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jartita-me-teneis · 2 months ago

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La fotografía fue tomada en 1925 por el fotógrafo puneño Martín Chambi, en su estudio en la ciudad del Cusco. En la imagen aparece el señor Juan de la Cruz Sihuana junto al joven dibujante cusqueño Víctor Mendívil.

Juan de la Cruz, fue un poblador nacido en el anexo de Molle, en el distrito de Santo Tomás en la provincia de Chumbivilcas en 1868, llegó a medir hasta los 2.31 metros, de acuerdo con la última talla.

Sobre él se escribieron varios reportajes, el primero de ellos del periodista cusqueño Carlos Ríos Pagaza o "Urashima", en 1925 en donde presumía que no sufría gigantismo sino que se trataba de un quechua de sangre pura.

Chambi conoció a Sihuana en el Mercado de Cusco y, habiendo sido impresionado por su altura, le invitó a ser fotografiado en su estudio de la calle Marqués. Desconocida su identidad por mucho tiempo, fue llamado gigante de Paruro. Tras una investigación realizada por el fotoperiodista Herman Schwarz, se pudo establecer que se trataba de un personaje de la provincia de Chumbivilcas. Schwarz encontró la imagen del gigante publicada en La Crónica, con fecha de 1925 en un reportaje sobre el viaje del aviador Alejandro Velasco Astete al Cuzco. La fotografía posee un pie de imagen con los datos del personaje: «Juan de la Cruz Sihuana, gigante de Llusco, provincia de Chumbivilcas.

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azul-maria-elias · 1 month ago

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Tertulia Beatleana. Retrospectiva y análisis de la discografía de los Beatles.

«Help!» (1965)

Historia y contexto

Esta publicación forma parte de una serie de trabajos que estoy redactando sobre The Beatles que conforman una sección a la que llamo “Tertulia Beatleana”. Si querés conocer más sobre este proyecto te dejo el enlace a dicha entrada en mi blog donde explico un poco más y podrás encontrar todas las publicaciones listadas en orden.

¡Aclaración!

Quien se encuentre decidido a sumergirse en la lectura de mis publicaciones debe entender que escribo para entretenerme y para entrenarme en el arte de la escritura. Por naturaleza, habrá decenas de errores de información equívoca, mala ortografía y redacción, pobres análisis, etcétera. A pesar de esta decepcionante aclaración estoy convencida de que si te gustan e interesan los Beatles mis publicaciones te van a encantar. Le dedico muchas horas y cariño a ellos, lo que logra contrarrestar a mis poco pulidas habilidades de escritura e investigación.

Es por ello que mi trabajo será meramente recopilatorio, presentando de forma ordenada toda la información necesaria para empezar a comprender su música. Esto significa que encontrarás descenas de citas textuales no solo de los miembros de The Beatles y otros protagonistas de su historia, sino también de páginas, videos y artículos que analizaron y documentaron sobre su discografía.

Si encuentras algún error o quieras realizar una aclaración respecto a la información expuesta, te invito a que me lo escribas en un mensaje o comentario.

Un fenómeno que no se acaba

Foto 1: John Lennon escapando de un fan en Italia, 1965. Foto 2: Sesión de fotos de Los Beatles sin fecha, 1965. Foto de Robert Whitaker. Foto 3: Los policías luchan por contener a los jóvenes fanáticos de los Beatles afuera del Palacio de Buckingham, octubre de 1965.

1964 había sido él año para los Beatles. Conquistaron el anhelado mercado estadounidense junto a otros compatriotas en la llamada "invasión británica". Eran aún más célebres en Europa, realizaban giras con entradas agotadas, eran los primeros en las listas y habían tenido su debut cinematográfico que fue un éxito en taquilla.

Tras un gran año repleto de logros, la banda no tenía planes menores para 1965. Brian Epstein consiguió apartar un espacio entre los innumerables compromisos de los Beatles para grabar su segunda película con United Artist, lo que significaba la preparación de una nueva banda sonora.

John Lennon y Paul McCartney venían de una racha creativa que había dado como resultado obras tales como "All My Loving", "Can't Buy Me Love", "She Loves You", "A Hard Day's Night", "And I Love Her" entre tantos otros clásicos. La crítica e incluso el productor George Martin eran excépticos a que la creatividad del dúo continuara entregando éxitos y obras maravillosas. Lo que no sabían es que era tan solo el comienzo de una de las carreras más exitosas e importantes de la historia de la música.

Al principio, pensé: «Dios mío, esto no puede durar para siempre». (...) Me dieron tanto material excelente que no podía esperar que lo sigan haciendo. Pero lo hicieron. Me sorprendieron con su fertilidad. — George Martin, (All You Need Is Ears)

Fotos: Los Beatles condecorados como miembros del Imperio Británico, 1965.

Otro hecho importante ocurrió el 26 de octubre de 1965, cuando los Beatles fueron condecorados por la Reina Isabel II como miembros del Imperio Británico. Dicho suceso se considera histórico ya que nunca antes se le había otorgado ese reconocimiento a alguien menor de 25 años, además que se le otorgaba a héroes de guerra o a filántropos del país. Si quedaban dudas sobre la importancia del fenómeno beatle para la época, fueron despejadas.

La exploración de nuevas sustancias.

Foto 1: Bob Dylan grabando 'Bringing It All Back Home', 1965. Foto 2: Los Beatles celebrando el cumpleaños número 23 de Paul, el 18 de junio de 1965.

Las primeras canciones de Help! fueron esbozadas por Lennon y McCartney durante un descanso de su show navideño en el Hammersmith Oden de Londres a finales de 1964. Se encerraron en la casa nueva de Lennon en Weybridge con su arsenal acostumbrado de cigarrillos, tazas de té, cuadernos con espiral y guitarras. Sin embargo, esta vez le agregaron un elemento a su ritual de composición: fumaron marihuana todo el tiempo (Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013).

La primera vez que fumamos marihuana fue con otro baterista que era más grande que nosotros, en Liverpool. (...) Fumams en un auditorio en un recital de Shouthport, y esa noche aprendimos a bailar el twist. Todos dijimos «Esto no pega nada.» — George Harrison

La mala experiencia que resultó su primer acercamiento a la marihuana hizo que los Beatles se decantaran por las afetaminas durante le siguiente par de años. Pero horas después de terminar un recital en el Forest Hills Tenis Stadium, el 28 de agosto, Bob Dylan pasó por la suite de los Beatles en el hotel Delmonico de Nueva York, con gran cantidad de marihuana de mucho mejor calidad. Armó un porro que se lo pasó a Lennon, que se lo pasó a Ringo Starr, a quien designó "probador oficial". Como la policia apostaba afuera de la suite para mantener a raya a la caterva de fans enloquecidos, Starr tuvo que llevarse el porro a un cuartito y poner una toalla debajo de la puerta (Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013).

Le preguntamos «¿Y, qué tal?». Nos dijo: «El techo se me viene encima». Y nosotros dijimos: «¡Wow!». Nos paramos de un salto: «Tenemos que probar eso». Así que nos metimos en el cuartito: primero John, después George y yo, después Brian". — Paul McCartney

Actuar naturalmente

Fotos: Los Beatles en la película Help! 1965.

El título provisional de la película fue Beatles II, hasta que se sugirió Eight Arms To Hold You. Se utilizó durante unas tres semanas entre marzo y abril de 1965, y Capitol Records incluso anunció que sería el título de su primer sencillo estadounidense del año.

Al final se decidió por el título Help! y, como ya había hecho con A Hard Day's Night, John Lennon aceptó el desafío de componer el tema principal.

Apenas una semana después de iniciadas las sesiones de grabación, los Beatles tuvieron que ir a las Bahamas para empezar el rodaje de la película. Se involucraron lo mínimo posible con la trama rebuscada y pasaron la mayor parte del tiempo drogados.

Fumamos muchísimo porro durante el rodaje. (...) Dick Lester sabía que después del almuerzo se podía hacer muy poco. A la tarde, muy rara vez pasábamos de la primera línea del guion. Estábamos tan fumados que nadie podía hacer nada. [El director] Dick Lester nos decía: «No, muchachos, ¿podemos hacerlo de vuelta?». Es que nos divertíamos mucho, mucho de verdad, en esa época. — Ringo Starr, 1995

La película, a diferencia de su antecesora, fue grabada a color y triplicó su presupuesto. Con odas a James Bond, fue concebida como una obra de aventura surrealista. La producción tuvo de vuelta al director Richard Lester, que los había dirigido en A Hard Day's Night.

Apesar de haberla criticado duramente durante casi toda su carrera, poco antes de su muerte, en 1980, Lennon la revalorizó:

En retrospectiva, me doy cuenta de lo avanzada que era. (...) Fue precursora de la serie de TV Batman, con su ¡pow! y sus ¡wow!, esas cosas. Pero Lester no nos explicó nada. En parte porque no habíamos pasado mucho tiempo juntos entre A Hard Day's Night y Help!, y en parte porque en esa época desayunábamos marihuana. Nadie podía comunicarse con nosotros: nos pasábamos el día con los ojos rojos y riéndonos todo el tiempo, en nuestro propio mundo. Era como no hacer nada la mayor parte del tiempo, pero aun así tener que levantarse a las siete de la mañana. Así que nos aburrimos. — John Lennon, 1980

Grabación del álbum

Fotos: Los Beatles grabando Help!, fotografía de Michael Peto, 1965.

La primera canción que Lennon y McCartney produjeron para el álbum fue "Ticket to Ride", que grabaron el mismo día que Lennon sacó su licencia de conducir. Luego de dos tomas la dieron por terminada y continuaron con "I Need You", el segundo temaque compuso George Harrison para los Beatles.

Cuando los Beatles empezaron a grabar Help! en febrero 1965, sabían que era el momento en ampliar sus miras. Había nuevos grupos como los Zombies, los Kinks y los Animales, que estaba consiguiendo hits con un sonido más agresivo, y a los Beatles les interesaba cada vez más la música que escapaba del formato rígido de la canción pop de dos minutos. Si su disco anterior, Beatles For Sale, había sido grabado en los días libres que les quedaban en medio e sus giras, para concentrarse en Help! la banda tuvo un poco más de tiempo, y lo aprovechó para explorar por primera vez las posiblidades del long play como forma artística, más que como un conjunto de canciones. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Los escritos de Lennon para el LP Help! continuaron la reflexión interior explorada por primera vez en Beatles For Sale , con la canción principal hablando de su inseguridad durante el auge de la fama de los Beatles.

Todo el asunto de los Beatles era incomprensible. Comía y bebía como un cerdo, estaba gordo como un cerdo, insatisfecho conmigo mismo y, subconscientemente, clamaba por ayuda... Cuando salió "Help!", en realidad estaba pidiendo ayuda a gritos. La mayoría de la gente piensa que es solo una canción rápida de rock & roll. No me di cuenta en ese momento; simplemente escribí la canción porque me la encargaron para la película. Pero más tarde, supe que realmente estaba pidiendo ayuda a gritos. Así que fue mi período de Elvis gordo. Ves la película: él -yo- es muy gordo, muy inseguro y se ha perdido por completo. Y yo estoy cantando sobre cuando era mucho más joven y todo lo demás, recordando lo fácil que fue. — John Lennon, 1980

Entre las sesiones de grabación, Ringo Starr y Maureen Starkey se casaron de manera improvisada ante la noticia de que esperaban un hijo juntos. Lamentablemente los novios no tuvieron luna de miel ya que tan solo cuatro días después el baterista debía volver a los estudios Abbey Road.

Help! fue quizás el álbum con el que los Beatles comenzaron a madurar, iniciando un proceso que daría como resultado la asombrosa creatividad de su trabajo de finales de los años 1960. El álbum abarcó estilos country y western, bluegrass, folk, clásico y rock, lo que lo convierte en su colección más diversa hasta la fecha. El álbum implicó un nuevo método de grabación para The Beatles. En lugar de que el grupo hiciera varias tomas y seleccionara las mejores para seguir trabajando en ellas, empezaron a grabar primero la pista rítmica y luego añadieron una serie de sobregrabaciones no numeradas de voces e instrumentos adicionales. Los Beatles también comenzaron a explorar diferentes sonidos en Help!, y Ringo Starr en particular incorporó una variedad de instrumentos de percusión. Paul McCartney superpuso la guitarra principal en tres de las canciones; George Harrison utilizó un pedal de volumen/tono de guitarra en otras tres; y en otras se utilizaron piano eléctrico y guitarras acústicas de 12 cuerdas. — Extraído de BeatlesBible.com

Portada

Foto 1: Fotografía para la portada de Help! por Robert Freeman. Foto 2: Abecedario en lenguaje semáforo.

Como ya era una constante en sus anteriores portadas, la fotografía fue tomada por Robert Freeman. La imágen presenta a los miembros de la banda deletreando una palabra en lenguaje semáforo (un sistema de comunicación en el que se utiliza la posición de los brazos para representar cada letra del alfabeto). Se pretendía que la palabra formada fuera Help, pero la disposición de los brazos con dichas letras no se veía del todo bien, así que decidieron improvisar y el resutado fue la palabra "NUJV".

Recepción de la crítica

La banda sonora de Help! se editó en Reino Unido el 6 de agosto de 1965. Alcanzo el puesto 1, manteniéndose 44 semanas en esa posición en los rankings.

Las críticas fueron mayoritariamente favorables. La prensa estadounidense, que se había concentrado en burlarse de la beatlemanía, empezó a asimilar al rock & roll y a los Beatles de otra forma, pues con Help! la prensa comenzó a reconocer más artísticamente a los Beatles.

Puedo garantizar que este LP es la cura ideal de la depresión. — New Musical Express, 1965

Fue nominada en la categoría de álbum del año en los premios grammy de 1966, siendo la primera vez que una banda de rock lograba entrar en esa categoría.

Luego del exitoso lanzamiento de Help!, la banda programó una gira por Estados Unidos, Canadá y Europa. En dicha gira, los Beatles se convertirían en el primer grupo que tocaba en estadios.

Canción por canción

Foto: Set de fotografías de los Beatles en la película Help! por Robert Whitaker, 1965.

1. Help!

Nunca había surgido un conjunto de canciones tan brillantes de una película tan antojadiza. El título tentativo de la película de Richard Lester era Eight Arms to Hold You, pero después de que lo cambiaron, Lennon compuso esta canción en su nueva casa de Weybridge, Inglaterra. "Era un pedido de ayuda", le dijo Lennon a Playboy en 1980, acerca de esta frenética oda pop al miedo y la alienación. "Canto acerca de cuando era mucho más joven y todo eso, y pienso en lo fácil que era." — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Al momento de componer Help!, Lennon se encontraba en un matrimonio infelíz con Cynthia Lennon, tenía a su hijo Julian y vivia en un suburbio de Weybridge. La diversión de los primeros días de la beatlemanía se estaban acabando, y la fama empezaba a parecer una cárcel.

Compuse «Help!» porque me encargaron componerla para la película. Pero luego me di cuenta de que era mi forma de pedir ayuda... Todo el fenómeno beatle escapaba a mi comprensión, insatisfecho conmigo mismo, e inconscientemente estaba pidiendo ayuda. Fue mi época de Elvis gordo. — John Lennon, 1980

El coro fue ideado por McCartney y la subida de velocidad por George Martin. Luego de 12 tomas, la canción estaba lista.

Si hay algo que me obseciona de esta canción son sus armonías de voz. Sabemos que los Beatles (sobre todo en esta época) eran expertos en crear hermosas armonías de voz.

2. The Night Before

Impulsada por una vibrante línea de órgano R&B, "The Night Before" es una canción de amor sin pretensiones de McCartney, con armonías y guitarra solista a cargo de Harrison. En la película, los Beatles tocan la canción en la ladera de una colina mientras, sin que se den cuenta, una pandilla de mafiosos ponen cajones de dinamita debajo de ellos. Tienen todavía menos sentido si uno ve todo en contexto. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Con una letra que habla acerca de las discusiones y el amor, la segunda pista del álbum desentona llamativamente con la primera al ser una canción mucho más optimista.

Una de las características más notables de "The Night Before" fue el solo de guitarra, grabado en dos pistas con una octava de diferencia e interpretado por McCartney y George Harrison . John Lennon, por su parte, tocó un piano eléctrico Hohner Pianet, que le dio a la canción gran parte de su dinamismo. — Extraído de BeatlesBible.com

3. You've Got to Hide Your Love Away

Uno de los mejores momentos del álbum lo encontramos en la tercera pista. Lennon prioriza la letra antes que a la música, hablando de como por años escondió sus sentimientos.

Estaba en Kenwood y me dedicaba a escribir canciones. El tiempo era para escribir canciones, así que todos los días intentaba escribir una canción, y es una de esas que cantas un poco tristemente para ti mismo: "Aquí estoy, con la cabeza entre las manos..." Empecé a pensar en mis propias emociones -no sé exactamente cuándo empezó, como en “I’m A Loser” o “Hide Your Love Away” o cosas así- en lugar de proyectarme en una situación. Intentaba expresar lo que sentía sobre mí, como lo había hecho en mis libros. (...) Tenía un John Lennon compositor aparte, que escribía canciones para una especie de mercado de carne, y yo no consideraba que tuvieran ninguna profundidad –ni las letras ni nada–. Eran sólo una broma. Luego comencé a ser yo mismo con respecto a las canciones, no a escribirlas objetivamente, sino subjetivamente. — John Lennon, 1970

You've Got To Hide Your Love Away fue la primera grabación de los Beatles desde "Love Me Do" en la que participó un músico de sesión. En este caso el elegido fue Johnnie Scott, quien recibió un salario estándar de 6 libras por sus partes de flauta tenor y alto.

Se ha sugerido que la canción fue escrita para Brian Epstein, quien era homosexual (de ahí lo de "tienes que esconder tu amor"). Algo que potenciaría dicha sugerencia es el hecho de que Lennon y Epstein se fueron de vacaciones juntos a Barcelona en abril de 1963. A su regreso, se comenzaron a difundir rumores en Liverpool de que ambos habían tenido una experiencia sexual.

Una de las canciones de los Beatles más claramente influenciadas por Bob Dylan, "You've Got to Hide Your Love Away" ha suscitado décadas de dicursiones sobre qué puede haber sido exactamente lo que llevó a Lennon a escribir sobre un amor oculto. Algunos piensan que podía tratarse de la homosexualidad del manager Brian Epstein, otros que tal vez sea tal forma de Lennon de reconocer los numeros affaires que tuvo mientras estaba casado con Cynthia. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

4. I Need You

El disco anterior, A Hard Day's Night, no dejó lugar para una composición de George Harrison. Sin embargo, Harrison convenció a George Martin de incluirla en Help!. No solo logró ingresar en el disco, sino que también obtuvo su participación en el filme.

La voz de Harrison está doblada, técnica que fue bastante usada en el disco.

Mientras filmaba la primera película de los Beatles, A Hard Day's Night, Harrison conoció a la modelo Pattie Boyd y se enamoró de ella. Poco antes de viajar a las Bahamas para filmar Help!, escribió esta canción reflexiva sobre una devoción romántica inmortal, prbablemente inspirada en su novia nueva. Las cadencias de guitarra solista con un delay extraño son más memorables que la letra, pero la canción marca el comienzo de una de las relaciones más complicadas de la historia del rock. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

La canción logra ser sencilla y algo melancólica.

5. Another Girl

Another Girl fue obra de Paul McCartney. En ella podemos encontrar líneas conuna letra inusualmente dura, expresando sin ningún pudor su infidelidad.

En la película Help!, McCartney toca esta canción rápida, de infuencia rockabilly, con una chica en bikini agarrada, a la que rasguea como si fuera una guitarra. La letra admite con franqueza la infidelidad, lo cual se ajustaba a la realidad, dado que McCartney en esa época engañaba a su novia Jane Asher con otras varias mujeres. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

La técnica del doblaje de voz que se utilizó en la pista anterior sigue presente.

6. You're Going to Lose That Girl

Coescrita por John Lennon y Paul McCartney, fue una de las primeras canciones en ser escritas para el álbum, justo antes de iniciar el rodaje del film en las Bahamas.

"You're Going To Lose That Girl" se destaca por su cambio de tonalidad, algo poco común en las canciones de los Beatles. Durante el puente, la canción cambia de mi mayor a sol mayor. — Extraído de BeatlesBible.com

Los Beatles regresaron a los grupos femeninos de color, de los cuales habían reversionado varios temas como "Boys" de The Miracles, para referenciarlos en esta canción. Harrison lleva acabo, no solo una excelente acompañación vocal junto a McCartney a la áspera voz de Lennon, sino que también realiza un maravilloso acompañamiento de guitarra.

Muchas de las canciones de Help! fueron compuestas con plazos muy estrictos; los Beatles grabaron ésta el día antes de irse a las Bahamas a filmar Help!. El resultado es una de las mejores canciones del disco, con armonías elegantes y voces que se llaman y se responden. Doce años después, los Ramones redoblaron la apuesta con "You're Gonna Kill that Girl" ["Va a matar a esa chica"]. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

7. Ticket to Ride

«Ticket to Ride» tenía un sonido un poco diferente para la época. Era bastante heavy para el momento. — John Lennon, 1980

El punto más alto del disco es sin dudas "Ticket to Ride", innovadora y asombrosa. Marcó un antes y un después en las canciones de los Beatles y en el camino de la banda en el estudio. McCartney toca la guitarra líder y Ringo aporta uno de sus mejores trabajos en la batería. Teniendo en cuenta las actividades del grupo por estos años, la letra puede estar haciendo doble sentido hacia el viaje.

El primer sencillo de Help! fue un hito en varios sentidos: fue la primera canción de los Beatles armada pista por pista en vez de ser grabada en vivo (epezaron cn la batería y el bajo), y la primera con McCartney en guitarra solista. También fue la primera grabación de hevy metal de la historia puede resultar extaña en la actualidad, pero para la época, sus guitarras en cascadas y sus tom-toms furiosos eran llamativamente intensos. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Además de todo aquello, es la primera canción de los Beatles en cruzar la barrera de los tres minutos.

Escribimos la melodía juntos. En el disco se puede escuchar que John toma la melodía y yo canto la armonía. A menudo, las resolvíamos a medida que las escribíamos. Como John la cantaba, era posible que tuvieras que darle el 60 por ciento. Fue más bien un trabajo que resultó bastante bien. (...) John simplemente no se tomó el tiempo de explicar que nos sentamos juntos y trabajamos en esa canción durante una sesión completa de composición de tres horas, y al final teníamos todas las palabras, teníamos las armonías y teníamos todos los pequeños detalles. — Paul McCartney, 1994

8. Act Naturally

La canción original de Johnny Russell y Voni Morrison fue elegida por el propio Ringo para reversionarla en el disco, en reemplazo a "You've Got a Trouble", la cual detestaba. Fue grabada en la última sesión del álbum.

Para 1965, los Beatles estaban coponiendo canciones propias a un ritmo tan furioso que ya no necesitaban llenar su disco de covers. Esta versión ligerita del éxito country de Buck Owens de 1963 fue el último que grabaron que luego fue a parar a un disco. "Act Natully" era la canción perfecta para la voz despreciativa de Starr, y en 1989 volvió a grabar la canción a dúo con Owens. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

9. It's Only Love

It's Only Love fue detruida por la crítica de su propio autor, John Lennon, durante toda su carrera. Lennon la consideraba de las peores de la banda, apuntando especialmente hacía la letra de la misma.

Lennon opinaba que esta balada amorosa endulcorada era uno de los puntos más bajos de su carrera. "Siempre me pareció una canción pedorra", le dijo a Playboy en 1980. "La letra es horrible." Sin embargo, musicalmente, la banda se interesó lo suficiente para grabar cinco guitarras diferentes en overdub. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

En su libro Revolution In The Head , Ian MacDonald explicó cómo las melodías de Lennon tendían a ser de naturaleza "horizontal", a menudo basadas en una única nota repetida, mientras que las de McCartney subían y bajaban en las escalas "verticalmente". Sin embargo, "It's Only Love" es más "vertical" melódicamente que muchas de las composiciones de Lennon de la época. La melodía sinuosa y la secuencia exploratoria de acordes demostraron que no se limitaba a seguir el ritmo de la composición de canciones, y evidentemente apreciaba ambas lo suficiente como para rehacerlas en 1967 para la canción de Sgt Pepper "Being For The Benefit Of Mr Kite!". — Extraído de BeatlesBible.com

10. You Like Me Too Much

La creatividad compositora de Harrison nos otorga un segundo tema original para el álbum. Con odas al country, al western y al rockabilly hace guiños líricos a Pattie Boyd. Aunque George Harrison quería que formara parte de la película, ésta no contó con la misma suerte que "I Need You".

Harrison todavía estaba madurando como compositor cuando los Beatles grabaron "You Like Me To Much" en febrero de 1965. La leta, que muestra arrepentimiento tras de una pelea con una novia, desborda amor por Pattie Boyd, pero a pesar de un interesante trabajo de George Martin en el piano y una línea de órgano muy copada, cortesía de Lennon, la canción nunca logra despegar. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Lennon vuelve a recurrir al piano eléctrico Hohner Pianet que había tocado en "The Night Befoe". Además, nos encontramos con un solo de guitarra de Harrison y a McCartney en el piano piano durante el solo y la coda.

11. Tell Me What You See

La influencia latina que podémos encontrar en esta balada ligera del disco se le atribuye principalmente a McCartney. Ringo realiza una gran aportación en las percusiones.

Cuando lo entrevistaron para el proyecto Beatre Anthology a mediados de la década de 1990, McCartney no se acrdaba bien de este relajado temita folk. "Creo que es mío", dijo. "No del todo memorable." McCartney estaba siendo un poco duro con la canción, que tenía percusión latina y sonidos de batería comprimidos que los Beatles usarían cno mucho provecho en trabajos posteriores, y una melodía suave y vivificante que iba perfecto con una letra llena de frágil romanticismo. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Esta canción es una demotración más de que los Beatles buscaban constantemente nuevos sonidos. George Harrison toca el güiro, un instrumento latinoamericano que se toca golpeando una vara de madera a lo largo de una serie de muescas. Ringo Starr no se quedó atrás y también tocó las claves. Además podemos oir el ya utilizado piano eléctrico Hohner Pianet.

12. I've Just Seen A Face

A pesar de no ser una de las canciones más conocidas de la banda, es un interesante ejercicio de country mejor logrados por la banda. Probablemente la canción formaría parte de la película de no ser por que fue grabada tarde.

El orgullo de su autor, McCartney, por ella es evidente ya que la ha cantado en muchísimas de sus giras desde 1975.

Mucho antes de que los Beatles grabaran "I've Just Seen A Face" en junio de 1965, McCartney tocaba una versión instrumental de la canción en reuniones familiares. "Era un poco country y western desde mi punto de vista", declaró. "Pero era más rápida: era una csa rápida extraña. La letra funciona: te engancha para adelante, te lleva al verso siguiente, tiene una insistencia que me gusta." — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

13. Yesterday

Aunque Ticker to Ride es probablemente el punto más alto de todo el disco, el impacto de Yesterday es innegable. Ostenta el título de la canción más reversionada de la historia al ser grabada por más de 3.000 artistas diferentes.

Según lo cuenta su propio autor, McCartney la soñó y apenas se levantó la tocó en el piano. Para 1965, Paul McCartney llevaba un año y medio buscando de donde venía la melodía. No creía que hubiera aparecido mágicamente y por meses estuvo buscando si alguien la conocía. Pensaba que quizás se trataba de alguna de las viejas canciones que su padre ponía, pero tras buscar y buscar, Paul se decidió por fin a grabarla como suya.

McCartney estuvo dos años con esta melodía dándole vueltas por la cabeza hasta que finalmente le cayó la ficha durante un viaje a Portugal en mayo de 1965. Semanas después, fue al estudio (sin ninguno de los otrs Beatles) y grabó la canción en dos tomas. Más tarde, ese mismo día, Martin le agregó un cuarteto de cuerdas. En 2001, McCartney le reveló a Rolling Stone qu le moletaba el hecho de que "Yesterday" fuera atribuida a Lennon-McCartney, cuando Lennon no tuvo nada que ver con la canción. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

En un inicio, la canción fue cuestionada por el grupo. A diferencia del resto del disco, Yesterday huía del rock & roll y de las temáticas adolescentes. Era completamente madura y atemporal.

Llevé la canción a la banda y, aunque a veces la tocábamos en concierto con cuatro integrantes, para la grabación Ringo dijo: "No creo que pueda tocar la batería en eso". George agregó: "Bueno, tampoco estoy seguro de poder tocar mucha guitarra". Y luego John dijo: "No se me ocurre nada. Creo que deberías hacerlo tú solo. Es realmente una canción solista". Ahora bien, esto fue algo muy importante en ese momento, porque nunca antes habíamos grabado así. Siempre había sido la banda. — Paul McCartney

La letra anhelaba a su difunta madre. De este modo y a sus 22 años, Paul grabaría lo que muchos consideran la obra cumbre de su carrera.

A algunas personas les cuesta creer que yo tenía veintidós años cuando escribí "Yesterday". Cada vez que llego al verso "No soy la mitad del hombre que solía ser", recuerdo que había perdido a mi madre unos ocho años antes. Me han sugerido que esta es una canción sobre "perder a mi madre", a lo que siempre he dicho: "No, no lo creo". Pero, ya sabes, cuanto más lo pienso -"No sé por qué tuvo que irse, no lo quiso decir"- puedo ver que eso podría haber sido parte del trasfondo, la inconsciencia detrás de esta canción después de todo. Fue muy extraño que simplemente no se hablara de la pérdida de nuestra madre por cáncer. Apenas sabíamos lo que era el cáncer, pero ahora no me sorprende que toda la experiencia saliera a la superficie en esta canción donde la dulzura compite con un dolor que no se puede describir con exactitud. — Paul McCartney

George Martin fue quien sugirió añadir un cuarteto de cuerdas, abriendo puertas a nuevos caminos sonoros para el grupo.

Yesterday fue un gran avance: la grabaron solo Paul y un grupo de otros músicos. Ningún otro Beatle participó en esa grabación y ningún otro Beatle escuchó la canción hasta que la reproducimos. John la escuchó y hay un fragmento en particular en el que el violonchelo pasa a una nota blusera que le pareció estupenda, así que la aplaudió. — George Martin

Antes de lanzarla como sencillo, la canción se le fue ofrecida al cantante británico Billy J. Kramer, pero fue rechazada. Alcanzo el puesto n°1 y (antes de la llegada de la era del straming) se consagró como la canción más reproducida de la historia. Su autor la considera su obra más completa.

Hace un tiempo, alguien me preguntó si me relaciono de manera diferente con mis canciones a medida que me hago mayor. Una grabación no envejece, pero, por supuesto, seguimos envejeciendo y creciendo, y a medida que te haces mayor, tu relación con una canción también puede crecer. Cuando escribí "Yesterday", me acababa de mudar a Londres desde Liverpool y estaba empezando a ver un mundo completamente nuevo de posibilidades que se abría ante mí. Pero todos mis ayeres cubrían un período bastante pequeño en ese momento. Ahora la canción parece incluso más significativa -sí, más conmovedora- debido al tiempo que ha pasado desde que la escribí. Debo admitir que ese es un aspecto de escribir canciones y tocar música que realmente me gusta. — Paul McCartney

14. Dizzy Miss Lazzy

El paisaje y la atmósfera de Yesterday mueren con este cierre. El rock & roll original de Larry William cantado por John Lennon, se convertiría en una pieza clave de su proxima gira. Como aún el grupo no concebían al disco como una obra artística, poco les importó el orden de las canciones. La presión por acabar el disco llevó a repetir la vieja fórmula de cerrar con un rock & roll como Twist and Shout o Money (That's What I Want).

Un regreso a los días de la banda en The Cavern Club, este frenétic cover de un rock & roll de los cincuenta de Larry Williams fue grabado en gran medida para contentar a Capitol, que necesitaba material con desesperación para llenar el disco Beatles VI, editado en Estados Unidos. El tema se convirtió en uno de los platos fuertes de la gira mundial de los Beatles de 1965, y Lennon incluso resucitó la canción en el Sweet Toronto Peace Festival de 1969. — Pablo Plotkin; Revista Rolling Stone, 2013

Foto: Los Beatles en la película Help! 1965.

Si llegaste hasta aquí, ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Si este escrito escrito ha sido de tu agrado te dejo por aquí mi siguiente publicación: Las canciones sin álbum: entre «Help!» y «Rubber Soul». También y por qué no, te invito a seguirme para no perderte ninguno de los siguientes.

Bibliografía

“Help!”. The Beatles Bible. Recuperado de https://www.beatlesbible.com/albums/help/

La Hemeroteca. (2024, febrero 3). “El Auxilio de The Beatles | La historia de Help | #ÁlbumHistórico”. Recuperado de https://youtu.be/xhU1Q5EQEuM

Plootkin P. (2013). “The Beatles. La guía definitiva, disco por disco”. Revista Rolling Stone.

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campo-de-accion10 · 2 months ago

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Campo de Accion

https://www.campodeaccion.com

El campo de acción se refiere al conjunto de áreas o actividades en las que una persona, empresa o profesión puede desarrollarse o aplicar su conocimiento y habilidades. Dependiendo del contexto, puede implicar los límites, objetivos, responsabilidades y tareas específicas dentro de un área de trabajo.

En términos generales, el campo de acción puede incluir aspectos como:

1. Profesional

Las áreas en las que una persona o profesión específica puede ejercer su conocimiento.

Ejemplo: El campo de acción de un médico laboral incluye la evaluación de riesgos laborales, prevención de enfermedades profesionales, manejo de la salud en entornos laborales, y asesoramiento a empresas sobre medidas de seguridad y bienestar en el trabajo.

2. Empresarial

Los sectores o mercados en los que una empresa opera o puede expandirse.

Ejemplo: Una empresa de tecnología puede tener como campo de acción el desarrollo de software, soluciones en la nube, servicios de consultoría IT, entre otros.

3. Académico

Las disciplinas o áreas de estudio en las que un académico o investigador desarrolla su trabajo.

Ejemplo: El campo de acción de un profesor universitario puede incluir la docencia, investigación, participación en congresos, y publicación de trabajos científicos.

4. Legal

Las competencias y áreas en las que una legislación o norma tiene efecto o se puede aplicar.

Ejemplo: El campo de acción de una ley laboral abarca la protección de los derechos de los trabajadores y la regulación de las condiciones de empleo.

Ejemplo en Medicina Laboral

En el contexto de la medicina laboral, el campo de acción abarca:

Evaluación y control de riesgos laborales: Identificación de peligros y mitigaci��n de riesgos en el lugar de trabajo.

Prevención de enfermedades profesionales: Implementación de programas para evitar el desarrollo de enfermedades derivadas del entorno laboral.

Ergonomía: Estudio y aplicación de prácticas que mejoren la adaptación del trabajo al ser humano para evitar lesiones.

Salud mental en el trabajo: Programas de promoción del bienestar emocional y psicológico de los empleados.

Asesoría a empresas: Consultoría sobre prácticas seguras, cumplimiento normativo y estrategias para mejorar el entorno laboral.

#https://www.campodeaccion.com

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theconchaverse · 2 months ago

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no les puedo explicar lo miserable que me hace sentir cursar investigación de mercado

#y dios sabe que no me puedo dar el lujo de cursarla el año que viene

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notihardware21 · 8 months ago

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Impulsando el Futuro: El Éxito de NVIDIA y sus Chips de IA

NVIDIA ha experimentado un impresionante aumento del 30% en sus ganancias trimestrales, gracias a la creciente demanda de sus chips de inteligencia artificial (IA). Estos chips están revolucionando sectores como vehículos autónomos, investigación médica y supercomputación. Con más de 10 millones de vehículos equipados con su tecnología y una penetración del 70% en las principales instalaciones de investigación, NVIDIA lidera la revolución de la IA. Su enfoque integral en hardware y software está acelerando la innovación y promete un emocionante futuro impulsado por la inteligencia artificial.

https://www.eleconomista.com.mx/mercados/Ganancias-trimestrales-de-Nvidia-superan-los-pronosticos-20240221-0078.html

#hardware #nvidia

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iagoglez · 7 months ago

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Libertadores y libertades

Hay una serie de diferencias entre estas dos portadas. Por ejemplo, las fechas: una es de 1982, la otra del 86.

En una hay una mujer, en la otra hay una pareja muy masculina.

Una es descaradamente pOp, la otra aparentemente seria.

Pero lo más interesante son las coincidencias: en ambos títulos está la palabra "force", y en ambas imágenes vemos llamativos vehículos que se pueden distinguir con una cierta facilidad: buggys, motos y helicópteros.

Hay otra coincidencia asociada a estas portadas, y es que de un modo u otro se convirtieron en iconografía destacada de las infancias de los 80, aunque de nuevo aquí hay asociada una gran diferencia, tal vez importante.

Plano y contraculo

En un mundo paralelo existió algo llamado "cultura de videoclub", directamente relacionado con la cinematográfica pero no limitado. Podía suceder, por ejemplo, que aquello que había sido un fracaso en salas se convirtiera, en cierto modo, en un hito de los alquileres.

Esto, más o menos, sucedió con MegaForce.

Hal Needham fue una de esas personas a las que se les puede aplicar aquello de que "tuvo una vida de película". Con un papel innovador en el ámbito de los especialistas de cine, terminó ampliando su campo de acción a la dirección y al diseño técnico dentro de la industria. Un tipo lo suficientemente particular como para llegar a inspirar a Tarantino para Érase Una Vez En Hollywood.

Needham tiene, seguro, una de esas biografías que esperas que algún día sean publicadas con honores. Un tipo capaz de vivir sin expectativas de futuro, jugándosela por costumbre, que probablemente tenía una agenda lo suficientemente poderosa como para no tener que pedir favores para sobrevivir, pero sí para hacer que Sinatra participara en una basura como Los Locos de Cannoball II.

Needham tuvo suerte con su primera película como director, Los Caraduras, y mantuvo una cierta capacidad de recaudación hasta que convoca a estrellas para esa gran broma que es la primera de Cannonball.

Es también con esta peli cuando aparece en acción la Golden Harvest, productora hongkonesa de éxito que tras la eclosión de Bruce Lee dirige más su mirada al mercado occidental, siendo Los Locos de Cannonball una de sus apuestas.

Y entonces, llega MegaForce.

Sin hacer una investigación exhaustiva, a estas alturas de la vida sigue sin quedarme claro el origen del desastre, aunque parece claro el hecho de que la peli se había planteado como una serie de televisión, y no como un largometraje. Eso explica cosas como el que figuren tres guionistas para semejante despropósito, pero también para esta interesante cita del propio Needham que recogen en la wikipedia:

Es como ninguna otra película jamás realizada antes. Y las máquinas que hemos construido son extraordinarias. Hay otra cosa. Aunque hay mucha acción, no ves que maten a nadie. Creo que la gente está empezando a cansarse de ese tipo de cosas. Lo que hemos intentado hacer aquí es hacer una película entretenida con algunos héroes creíbles que el público pueda animar.

Esto puede parecer irrelevante, pero es importante. Desde la difusa perspectiva que provoca el paso del tiempo olvidamos que los 80 no fueron únicamente los años en que el aguerrido héroe de turno masacraba, y con razón, a la gente mala. No. El Equipo A se estrena en el año 83, y otro gran hito de la violencia televisiva, la lucha libre de la WWE, se fundamentaba en subrayar la necesidad de coreografiar cualquier agresión de manera evidente.

Pero hay otra cita de Needham en esa entrada de la Wiki aún más interesante:

Pensé que tenía mejor cogido el pulso al país. Me estaba desviando de que se había elegido a Reagan y otras perspectivas.

O dicho de otra manera, descubrieron demasiado tarde que habían construido una película bienintencionada cuando probablemente la realidad empezaba a no querer esas cosas. Tal vez eso explique que a mitad de metraje se dé este dialogo:

youtube

Si se revisan listados de las peores películas de la historia, es costumbre que MegaForce figure entre ellas. ¿Se lo merece? No lo creo, fue una apuesta naif por una aventura militarizada que no ofendiera, capaz de escaparse de la conflictividad política del momento para no generar suspicacias, y, si me apuran, de intentar cosificar la figura masculina al mismo nivel que la femenina.

Obviamente, para mucha gente esto no funcionó, y se convirtió en objeto de burlas y chistes. Pronto de ella solo se recordaron los ejes básicos que tenían que haber servido para generar una franquicia:

Cuerpo de élite que combate el mal

El uso de la palabra "force" para designar al batallón

Vehículos chulísimos, con protagonismo de buggys y motos

Un protagonista barbudo

Cosas de la vida, unos pocos años después se estrena Delta Force.

La misma cultura de videoclub que permitía recuperar fiascos como MegaForce fue la misma que hizo que Cannon Group se convirtiera en una irreverente máquina de generar dinero.

Creada en los años 60, la productora lo peta con el desembarco de Menahem Golan y Yoram Globus en el año 79, dos caballeros que venían de crear una fructífera filmografía en Israel basada en el cine de explotación.

A Golan y Globus se les quedaba pequeño el territorio, y la quiebra de Cannon en manos de sus fundadores era la oportunidad para dar el salto al mercado (norte)americano, y una vez ahí el empezar a poner en marcha sus mecanismos para generar dinero: vender los títulos en los mercados antes de rodarlos, limitar los gastos de producción, maximizar los ingresos en el ámbito doméstico sin depender de las salas de cine, y, sobre todo, saber explotar cualquier filón de actualidad para estamparle su firma y convertirlo en algo lucrativo.

Teniendo incluso algún éxito de crítica entre su heterodoxa producción, en Cannon sabían que el dinero no vendría de los escrúpulos, y solo eso puede explicar que llegaran a pergeñar atentados a la razón como Superman IV, absoluto fracaso que marcó el inicio de la cuesta abajo para la productora por culpa de no saber salirse de sus parámetros de Serie B (o Z).

Pero yo quería hablar de héroes barbudos.

Norris y la Cannon habían tenido un feliz encuentro unos pocos años atrás, concretamente en 1983, rodando Desaparecido en Combate 1 & 2, dos películas masacradas por la crítica pero que funcionan increíblemente bien, probablemente por entender los responsables aquello que se le había escapado a Needham: el pulso del país era otro, y había llegado Reagan.

No es que Golan y Globus necesitaran demasiado impulso para radicalizar el subtexto político de sus películas de explotación, pero estos dos éxitos marcan de manera clara una línea de producción de falso belicismo que culmina con Delta Force.

¿Por qué?

Pues porque mientras Mega Force huía de representar la realidad para no caer en el maniqueísmo ni en la simplificación, Golan se apropió de sus orígenes para poder agregar otro tipo de condimentos a la historia del escuadrón paramilitar que debía actuar en situaciones extremas, en este caso liberando un secuestro de un avión israelí por parte de terroristas palestinos. Y visto lo visto, acertó.

En el making of emitido en su momento por Televisión Española, y que alguien tuvo a bien de subir a youtube hace unos años, se hace hincapié de manera insistente en el carácter dramático de la película. Al contrario del espectáculo lúdico de Mega Force, en DeltaForce se quiere convencer al público de que va a asistir a la narración de hechos trágicos extraídos de la pura y dura realidad, algo más que cuestionable más allá de haberse sucedido una serie de secuestros de aviones entre finales de los 70 y principios de los 80.

Pero es fácil cuestionar la veracidad con el paso de los años. Si en 1986 se usaba este contexto para dramatizar una película de Chuck Norris, te lo creías, y punto.

Lo inquietante de todo esto es por qué con el paso del tiempo lo único que cae sobre este tipo de producciones es la condescendencia y la ironía. Al mismo tiempo que Mega Force sigue siendo calificada de basura, de DeltaForce como mucho se destaca el oportunismo de explotar la figura del héroe a partir de una reinterpretación de la realidad, sin cuestionar de ninguna manera que pasados sucesos históricos pudieran estar dando lugar a nuestro presente.

Dicho de otro modo, la mercantilización por parte de gente como Golan y Globus de lo que se suponía que eran sus dramas no ha provocado todavía una revisión del relato que se construyó durante esos años acerca de la política internacional. Es verdad que en casos como el de Rambo III los cambios en la actualidad marcaron la validez de la película (¿quién contaba con que se hundiera la URSS antes del estreno, eh?), pero en general es muy complicado que tras apelar a sus emociones, el público vaya a tener el menor interés en revisarlas.

En realidad es improbable que MegaForce se salvara económicamente gracias al mercado doméstico: fue un fracaso absoluto, sin más. En este caso, para lo que sí sirvió la cultura de videoclub fue para generar una corriente de simpatías por parte de quienes a determinadas edades preferíamos disfrutar un espectáculo descaradamente pOp antes que de la pretendida profundidad dramática del enfrentamiento con unos malos que no comprendes.

Mientras que la película de Needham siempre resultó simpática, de la producción de Cannon siempre se hizo esfuerzos por rescatar esa parte de acción con vehículos chulos y desentenderse del resto. Hasta tal punto fue así, que durante años llegaba a confundirse las fechas de estreno, y de manera inconsciente se asumía que MegaForce era una adaptación paródica de Delta Force.

Es curioso porque, a poco que uno lo piense, puede que fuera al revés: Golan y Globus parodiaron MegaForce, pero también la realidad al considerar que un conflicto político discutible lo arreglaba en dos patadas un barbudo montado a lomos de una moto con lanzamisiles.

A lo mejor el presente da la razón a esta posibilidad.

#Youtube

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jessurr07 · 7 months ago

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Seguridad

La seguridad informática en una Empresa que se encarga de realizar eventos es esencial para proteger la información sensible relacionada con la planificación, organización y ejecución de eventos.

Para esto indicare a continuación 8 pasos que se deben tener en cuenta:

1 Autenticación solida y control de acceso

2 Encriptación de datos

3 Actualizaciones y parches de seguridad

4 Sistema de detección de actividades sospechosas

5 Audotorias de seguridad regulares

6 Backup y recuperación de datos

7 Capacitación y concientización de los empleados

8 Gestión de proveedores

Esto con el fin de manterner salvagurdada la información de la organización, evitando programas maliciosos o virus que puedan afectar la operación.

IMPLEMENTACIÓN ERP

Para realizar la implementación de una ERP en la organización que se dedica a la realización de eventos a empresas de tecnologia, se debe tener en cuenta varios aspectos:

Se debe hacer una aevaluación de necesidades, donde se evidencie las areas que se quieren cubrir entre esas gestión de clientes, gestión de eventos, recursos humanos y contabilidad.

Investigar las soluciones de las ERP: Para esto se debe hacer una investigación de las ERP que estan en el mercado y seleccionar la que mejor se ajuste a las necesidades de la organización. entre esas esta SAP, Oracle, Eventpro, eventbrite entre otras.

Persoalización: Una vez se halla escogido la ERP que mejor se asocie a las necesidades de la empresa de eventos, esto puede requeriri la personalización de algunos modulos que se adapte al flujo de trabajo.

Implemenatación: Para esta etapa de la implemntación de la ERP se requiere migrar datos desde sistemas anteriores, en donde la capacitación del personal es escencial, para el uso del nuevo sistema, brindando herramientas de trabajo.

Pruebas: se realiza lo que conocemos como una prueba acida, en donde se evalua que el sistea funcione bien en caso de tener fallas se debe realizar las correciones pertinentes antes de hacer un lanzamiento oficial.

Lanzamiento: Una vez se halla determinado que el sistema funciona correctamente se realiza el lanzamiento oficial y de esta misma manera se estara apoyando el personal para abordar cualqueier problema que pueda surgir.

Mantenimiento: Se debe realizar mantenimiento regular al sistema, aplicar actualizaciones y realizar ajusres segun sea necesario.

Conclusiones

En conclusión la implementación de una ERP para una empresa que se encarga de realizar eventos a anivel nacional e internacional, requiere una planificación cuidadosa, un enfoque en la seguridad de la información y una capacitación adecuada del personal. Con la estrategia correcta, una ERP puede ayudar a la empresa a optimizar sus operaciones y a alcanzar sus objetivos comerciales de manera más efectiva.

Referencias

Solís Granda, I. I. (2016). Desarrollo e implementación de controles de seguridad informática para el sistema ERP Academium de la Unidad Educativa Javier, siguiendo la norma ISO 27001 (Master's thesis).

Balseca, A. S. (2014). Diseño del modelo de gestión de seguridad de la información del sistema ERP de EP Petroecuador de acuerdo a norma ISO/IEC 27002 y COBIT

Obtenido de Repositorio Digital ESPE: http://repositorio. espe. edu. ec/bitstream/21000/8152/1/AC-GRT-ESPE-047641. pdf.

Acosta Castaño, R. E. (2011). Buenas prácticas de seguridad para sistemas ERP.

Maldonado Palacios, R. C. (2015). Estudio para la implementación de un sistema ERP, análisis de la seguridad de la red al ejecutarlo.

#seguridadERP #erp implementation

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vallejos-nobel · 1 year ago

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En CNN lo denuncian: Estafas con cuentas bancarias hechas por el Bank of America, ..... pero también tienen decenas de modalidades de estafas y transferencias ilegales entre clientes (espías) y los servicios que dan estos clientes a los accionistas y el banco. Con servicios satelitales que se pagan entre el banco y clientes (espías). BANCOS VINCULADOS A LOS CASOS DE ESPIONAJE EN VENEZUELA Y LOS DESFALCOS Y ROBOS DE CUENTAS BANCARIAS DE DEUDA DEL BANCO A CLIENTES.

Se pide cierre del Bank of America por el mismo tipo de crímenes financieros y violaciones a los derechos humanos que hacia el Citi Bank cerrado en todo el mundo por el mismo tipo de crímenes.

El Citi Bank fue creado con CAPITALES DE DEUDA POR PAGAR que el Bank of America tenia acumulado en cuentas bancarias de deuda del Bank of America debiendo a millones de científicos a clientes y ajenos,

.... El Bank of America y el Citi Bank plagiaban y tomaban toda propiedad intelectual de científicos para incluirlas en millones de libros vendidos en todo el mundo.

.... También se le les prohibió al Citi Bank y el Bank of America el patrimonio y propiedades de clientes y patrimonio y propiedades ajenas.

.... El Citi Bank cerro en todo el mundo por la gran corrupción interna y los desfalcos que hicieron a clientes y ajenos sin ellos saberlo les vendían hasta las almas.

El largo adiós. El Citigroup se termina de deshacer de su banca minorista.

La venta de la red que opera con la marca Citibank en prácticamente todos los mercados internacionales significa el fin de una era para las finanzas globales caracterizada por la ambición.

Acusan a Bank of America de abrir cuentas falsas y cobrar comisiones basura ilegales.

Se observa que las comisiones basura, son transacciones por servicios basura de espionaje.

Nueva York (CNN) -- Los reguladores federales acusaron este martes a Bank of America de perjudicar a los clientes mediante el doble cobro de comisiones, la retención de recompensas de tarjetas de crédito y la apertura de cuentas falsas.

La Oficina de Protección Financiera del Consumidor (CFPB, por sus siglas en inglés) ordenó a Bank of America a pagar más de US$ 100 millones a los clientes y US$ 90 millones en penalizaciones. La Oficina del Interventor de la Moneda (OCC, por sus siglas en inglés) también ordenó a Bank of America pagar US$ 60 millones en multas.

Algunas de las acusaciones recuerdan al escándalo de Wells Fargo de la década pasada, que supuso la apertura de millones de cuentas bancarias sin autorización de los clientes.

Bank of America lanza advertencia de trabajos en EE.UU..

Url: https://cnnespanol.cnn.com/2023/07/11/bank-of-america-acusado-cuentas-falsas-comisiones-basura-ilegales-trax/

Publica Anonymous datos de Bank of America para vengarse de espionaje.

El portal de Anonymous Par:AnoIA (Potentially Alarming Research: Anonymous Intelligence Agency), un sitio web parecido a WikiLeaks, subió a su página web archivos que demuestran que la entidad financiera dedica grandes esfuerzos a espiar a este movimiento.

Los archivos contienen informes de la empresa contratista de Bank of America, TEKsystems, dirigidos al servicio de seguridad del banco con su investigación sobre las actividades de Anonymous realizadas en redes sociales y chats. También incluyen el código fuente de OneCalais, un programa para analizar la información en chats.

"Nos divertimos mucho al descubrir que pagaban a analistas para leer enormes cantidades de basura en grandes canales públicos, como #anopops y #voxanon", comentó Par:AnoIA. "La lista de las palabras clave para su búsqueda es aún más graciosa, ya que contiene palabras como 'yihad' u 'homosexual'", señala la página, sosteniendo que "los datos demuestran que la investigación estaba muy mal planteada y no tenía valor".

The Bank of America estuvo vinculado a actividades para recolectar información sobre los miembros de Anonymous y sus organizaciones asociadas, sobre todo Aaron Barr, que anteriormente anunció que había logrado desenmascarar a las personalidades clave de la organización.

Url: https://cubasi.cu/es/cubasi-noticias-cuba-mundo-ultima-hora/item/14790-publica-anonymous-datos-de-bank-of-america-para-vengarse-de-su-espionaje

Url: https://www.spanish.alahednews.com.lb/article.php?id=7016&cid=23

También relacionado al caso de espionaje y desfalcos de cuentas bancarias de deuda entre bancos.

En Venezuela el BBVA es banco Provincial.

Llaman a declarar al presidente del BBVA, Carlos Torres, en caso de presunto espionaje.

El presidente del banco español BBVA, Carlos Torres, ha sido llamado a declarar en el marco de una investigación relacionada con un presunto espionaje empresarial en España, informó el banco hoy.

Url:

https://www.milenio.com/negocios/llaman-declarar-carlos-torres-bbva-caso-espionaje.

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yasmira-pongo · 1 year ago

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¿El Design Thinking en la Pedagogia?

El modelo #DesignThinking aplicado como una estrategia pedagógica mejora la calidad de la enseñanza-aprendizaje en la educación superior, porque introduce un método innovador y creativo, centrado en los estudiantes, quienes desarrollan habilidades de empatía, trabajo en equipo, investigación y creatividad.

Según estas fases se comienza con empatizar con el grupo para el que se está diseñando,

es a partir de esto que se definen los puntos de vistas de las necesidades, y aparecen las soluciones creativas, de aquí se proponen prototipos e ideas que se pueden mostrar y como última fase está la evaluación del proceso de las ideas iniciales, siendo presentados como prueba a un grupo de usuarios para finalmente ser evaluado por expertos para pulir las fallas que necesite el producto antes de ser lanzado al mercado.

#educacion superior #DesingThinking #trabajo social

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jartita-me-teneis · 7 months ago

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[Libro] La sociedad contra el estado Pierre Clastres

La antropología, a partir de una concepción unívoca y lineal de la historia, ha presentado a las sociedades primitivas como sociedades incompletas, menos evolucionadas, por carecer de Estado; se trataría, en definitiva, de sociedades que aún no han alcanzado la edad adulta, aún estancadas en la infancia de la humanidad.

Los prejuicios etnocéntricos también han llevado a afirmar que estas sociedades tienen una economía de subsistencia —es decir, que son sociedades sin mercado o sin excedentes, sociedades de la escasez— o una tecnología inferior, ignorando que se trata de sociedades que han desarrollado una tecnología suficiente para sobrevivir en condiciones óptimas en su medio, teniendo que dedicar sólo una pequeña parte de su tiempo a tareas de reproducción y alimentación.

En la obra de Clastres subyace una preocupación de fondo: la cuestión del poder. Para él, la aparición del Estado es el mayor accidente histórico. En el Estado reside el origen de la dominación y la desigualdad. A fin de conocer la ruptura que lleva a la aparición del Estado y a la división en clases, analiza la cuestión del poder entre las sociedades primitivas, sociedades para las que el poder no significa coerción. Su investigación etnográfica sobre diferentes pueblos indios sudamericanos y sus estancias entre los yanomami, los guayaquís y los guaraníes, le permitieron un conocimiento profundo sobre los múltiples mecanismos de que se han valido las sociedades aestatales para impedir la acumulación de poder y riqueza, poniendo así los cimientos para el desarrollo de una antropología política rigurosa.

Pierre Clastres, antropólogo y anarquista, nació en París en 1934. Fue director de investigaciones del CNRS (Centre National de la Recherche Scientifique) de París, y miembro del Laboratoire d’Anthropologie Sociale del Collège de France. Durante más de diez años, entre 1963 y 1974, realizó trabajo de campo etnográfico entre varios pueblos indios de Sudamérica. Entre 1963 y 1964 convivió con los indios guayaquís, cazadores nómadas del este de Paraguay. A partir de esta experiencia elaboraría su tesis en 1965, La vie sociale d’une tribu nomade: les Indiens Guayaki du Paraguay, y la monografía posterior Crónica de los indios guayaquís (1972). En 1965 pasa una temporada con los indios guaraníes de Paraguay. Entre 1966 y 1968 hace trabajo de campo entre los chulupi de ese mismo país y prosigue su producción científica e intelectual. Entre 1970 y 1971 vuelve a pasar una temporada con los yanomami de Venezuela, que en la revista Temps modernes describe como «la última sociedad primitiva libre, seguro en América del Sur, y sin duda también de todo el mundo». Su última expedición tuvo lugar en 1974, para visitar a los yanomami en el estado de Sao Paolo de Brasil. En la década de los setenta es cuando publica la mayor parte de sus trabajos. En 1974 salían a la luz dos libros muy influyentes: La sociedad contra el Estado, y La palabra luminosa: mitos y cantos sagrados de los guaraníes. En 1977 un accidente de coche puso fin a su vida.

Fuente: https://anarkobiblioteka3.wordpress.com/

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azul-maria-elias · 1 month ago

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Tertulia Beatleana. Retrospectiva y análisis de la discografía de los Beatles.

«Beatles For Sale» (1964)

¡Aclaración!

Si encuentras algún error o quieras realizar una aclaración respecto a la información expuesta, te invito a que me lo escribas en un mensaje o comentario.

Agotados por la fama

Beatles For Sale fue el segundo álbum que los Beatles lanzaron en 1964, junto a A Hard Day's Night. Pero no se quedaron allí, ese mismo año hicieron su debut cinematográfico, lanzaron el EP "Long Tall Sally", dieron innumerables entrevistas, apariciones en radio y televisión y realizaron giras históricas por todo el mundo. Sin mencionar que consiguieron conquistar el anhelado mercado estadounidense.

Álbumes, singles, EPs y giras se atropellaban unos sobre otros sin apenas descanso. Los propios Beatles estaban cambiando el funcionamiento del negocio y la industria discográfica seguía dudando de sus estrellas. Tratarían de explotar hasta el último centavo antes de que, según sus pronósticos, explotara la burbuja que mantenía con fama el grupo. El resultado de esto fue Beatles For Sale: un disco que hasta en su título reflejaba un grupo cansado. — La Hemeroteca

En este contexto, EMI presionó a George Martin y a los Beatles a lanzar un disco nuevo para la temporada navideña. Su apretada agenda los obligó a empezar las grabaciones del álbum apenas dos meses después de haber lanzado A Hard Day's Night, el 11 de agosto de 1964, a pesar de que el lanzamiento estaba previsto para diciembre de ese mismo año. A Hard Day's Night había agotado su impulso creativo (no olvidemos que se trató del primer disco de la banda en no incluir reversiones de otras canciones), los Beatles volvieron a sumergirse en su cancionero de la era Cavern, lo que les permitió trabajar con rapidez al dominar el material.

Mientras que John Lennon había dominado la composición de A Hard Day's Night , Beatles For Sale fue más un esfuerzo colaborativo. "Baby's In Black" , "Eight Days A Week" , "What You're Doing" y "I Don't Want To Spoil The Party" fueron colaboraciones de Lennon y McCartney. McCartney también contribuyó con "Every Little Thing" y una de las primeras canciones, "I'll Follow The Sun" , mientras que Lennon se le ocurrió la apertura "No Reply" y "I'm A Loser" . — The Beatles Bible

A pesar de haber sido concebidos con pocos meses de diferencia, Beatles for Sale se presenta como la antítesis de lo que fue A Hard Day's Night. Mientras que en este último se muestra el lado descarado y encantador del grupo, Beatles for Sale contiene un notorio tono deprimente y melancólico en sus composiciones originales. A esto se le suma la creciente influencia de Bob Dylan sobre la banda, que se comienza a notar en A Hard Day's Night en pistas como "I Should Have Know Better" y continúa en Beatles For Sale en las letras, los acordes y los arreglos.

En el álbum también se destaca el comienzo de un trabajo instrospectivo del propio Lennon y un crecimiento como compositor en canciones como "No Reply", "Im A Loser" y "Baby's In Black", que perduraría en el proximo álbum con la destacada pista homónima "Help!".

A pesar de que el álbum se cataloga como uno de los peores del catálogo de los Beatles, su concepción es un logró en sí mismo. Hay que se justos y reflexionar sobre el contexto de su creación. El dúo de Lennon y McCartney se vió obligado a trabajar bajo presión, teniendo la difícil tarea de componer nueva música entre conciertos y presentaciones, lo que los obligó a utilizar los pequeños ratos libres en habitaciones de hotel, vuelos y trayectos para hacerlo. Teniendo en cuenta esto y sin olvidar que los Beatles habían grabado tres álbumes e innumerables sencillos en menos de dos años, resulta impresionante los límites que fue capaz de alcanzar la capacidad creativa y laborativa del grupo. Aunque el resultado de Beatles For Sale se derrumbe en comparación con sus demás obras, es un disco bastante bueno, lo que debe ser celebrado como un hito dadas sus circunstancias.

Aunque se convertiría ante la opinión pública en el más irregular y menos acogedor de sus primeros discos, es un hecho que cualquier banda de la época hubiera dado su vida por tener un álbum de ese nivel. — La Hemeroteca

Grabación del álbum

Fotos: Los Beatles grabando Beatles for Sale, 30 de septiembre de 1964; fotografías de Robert Whitaker.

La grabación de Beatles For Sale duró siete días que fueron repartidos entre agosto y octubre de 1964 debido a la apretada agenda de la banda.

Entre el primer día de trabajo, el 11 de agosto, y la última sesión, el 26 de octubre, tocaron 40 shows: 26 en EE.UU. y Canadá, 14 en Reino Unido. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

El grupo sabía que les faltaba material, por lo que grabó una selección de canciones que les causaran menos problemas. Durante la grabación del álbum, también grabaron ambas caras del sencillo independiente "I Feel Fine" / "She's A Woman" y el segundo disco navideño del club de fans del grupo.

Aunque los Beatles tuvieron un tiempo limitado en el estudio en la segunda mitad de 1964, una serie de innovaciones de estudio encontraron su camino hacia Beatles For Sale (The Beatles Bible).

Nuestros discos iban avanzando. Empezamos como cualquier persona que pasa su primera experiencia en un estudio: nerviosos e ingenuos y buscando el éxito. Para entonces, ya habíamos tenido muchos éxitos y algunas giras, y nos estábamos relajando más con nosotros mismos y sintiéndonos más cómodos en el estudio. Y la música estaba mejorando. Para este álbum ensayamos sólo las canciones nuevas. Canciones como "Honey Don't" y "Everybody's Trying To Be My Baby" las habíamos tocado en vivo tantas veces que sólo teníamos que conseguir un sonido y grabarlas. Pero con canciones como "Baby's In Black", tuvimos que aprenderlas y ensayarlas. También estábamos empezando a hacer un poco de sobregrabación, probablemente un cuatro pistas. Y George Martin sugería algunos cambios; no demasiados, pero siempre fue una parte integral de todo. — George Harrison, Anthology.

La banda no solo experimento con los métodos de grabación sino que también incluyó nuevos instrumentos, como los timbales de Ringo Starr en "Every Little Thing" y Harrison tocando un tambor africano en "Mr Moonlight", a lo que McCartney también agregó un órgano Hammond.

Otra novedad para el grupo fue el estar presentes en las sesiones de mezcla, que hasta ese momento se habían contentado con dejar que George Martin y sus ingenieros las llevaran a cabo en soledad.

Sentí que estábamos progresando a pasos agigantados, musicalmente. Parte del material de Beatles For Sale y del álbum Rubber Soul de 1965 era simplemente brillante; lo que estaba sucediendo en otros lugares no tenía comparación. Se estaba volviendo realmente emocionante en el estudio. Lo hacíamos todo allí: ensayar, grabar y terminar las canciones. Nunca alquilamos una sala de ensayo para repasar las canciones, porque muchas de ellas no estaban terminadas. Las ideas estaban ahí para la primera estrofa o un estribillo, pero los escritores podían cambiarlas mientras las estábamos haciendo, o si alguien tenía una buena idea. La primera forma en que escuchaba una melodía recién escrita era en la guitarra o el piano. Es genial escuchar la progresión a través de las tomas de varias canciones. Cambiaban drásticamente. Primero, quien la escribió decía: "Es así". La tocaba en la guitarra o el piano, cantándola cada vez; aprendían a cantar la canción mientras todos aprendíamos a tocarla, una y otra vez. La mayoría de nuestras primeras grabaciones eran en tres pistas porque guardábamos una pista para las sobregrabaciones. Eso también nos mantuvo unidos como banda: tocábamos, tocábamos y tocábamos. Si uno de ellos podía cantarla, los cuatro podíamos tocarla hasta el cansancio. No había nada de eso de "Pondremos el bajo más tarde, o las guitarras". Poníamos la mayor parte en el momento, incluidas las voces. Y las canciones se escribían en cualquier parte. — Ringo Starr, Anthology.

El grupo estaba empezando a absorber nuevas influencias. Más específicamente, estaban adentrándose en la música folk. En parte, debido a todos sus viajes en carretera durante la gira de 1964, pero sobretodo por su nueva amistad con Bob Dylan, a quién habían conocido hace poco. El reflejo de Dylan en el trabajo de Lennon fue casi inmediato y en este disco es notorio. Sus canciones estaban adquiriendo un tono más oscuro y melancólico.

Ese clip del documental Anthology (1995) en donde los Beatles (sin John) hablan sobre Dylan nunca me dejará de causar gracia.

La portada

Fue el primer disco en presentarse en formato de funda plegable, conteniendo tanto en su portada, contraportada y en su interior fotografías de los Beatles tomadas por Robert Freeman (fotógrafo tradicional para las portadas de sus discos desde With The Beatles) en el Hyde Park de Londres.

La portada del álbum era bastante bonita: fotografías de Robert Freeman. Fue fácil. Hicimos una sesión que duró un par de horas y teníamos algunas fotos razonables para usar. Nos presentamos en Hyde Park, cerca del Albert Memorial. Me impresionó mucho el pelo de George allí. Se las arregló para crear su pequeño rizo. El fotógrafo siempre podía decirnos: "Simplemente vengan", porque todos llevábamos el mismo tipo de equipo todo el tiempo. Ropa negra; camisas blancas y grandes bufandas negras. — Paul McCartney, Anthology.

Fotos: Imágenes extraídas de la web "Fab 4 Collectibles"

La portada describía a la perfección el carácter del álbum: los Beatles se presentaban con rostros apagados, pálidos y serios enmarcados por sus cabellos largos y cuellos arremangados. El título del álbum aparecía en un tamaño de letra pequeño, empequeñecido por los logotipos de EMI/Parlophone, y el nombre de los Beatles no aparecía en ningún otro lugar de la portada.

En el interior del disco y acompañando un montaje de fotografías del grupo, se podía leer la siguiente una nota del escritor y periodista británic Derek Taylor:

Esta es la cuarta de las cuatro. 'Please Please Me', 'With The Beatles', 'A Hard Day's Night'. Ya van tres. Ahora... 'Beatles For Sale'. Los jóvenes en sí no están a la venta. El dinero, por ruidoso que sea, no habla tan alto. Pero puedes comprar este álbum; probablemente lo hayas hecho, a menos que solo estés curioseando, en cuyo caso no dejes huellas dactilares sucias en la funda. Pero no todo es moneda corriente. Hay una historia inestimable entre estas portadas. Ninguno de nosotros se está volviendo más joven. Cuando, dentro de una generación, un niño radioactivo, fumador de puros, haciendo un picnic en Saturno, te pregunte de qué se trataba el asunto de los Beatles –«¿De verdad los conocías?»–, no intentes explicarle todo lo del pelo largo y los gritos. Simplemente ponle al niño algunas canciones de este álbum y probablemente entenderá de qué se trataba. Los niños del AD2000 obtendrán de la música la misma sensación de bienestar y calidez que nosotros hoy. Sospecho que la magia de los Beatles es eterna y no tiene edad. Ha roto todas las fronteras y barreras. Ha superado las diferencias de raza, edad y clase. Es adorada por el mundo. Este álbum contiene algunas muestras preciosas de la música de los Beatles. Tiene, por ejemplo, ocho nuevos títulos creados por los incomparables John Lennon y Paul McCartney , y, mezclados con lo nuevo, hay seis números seleccionados de la riqueza rítmica de la extraordinaria década pasada; piezas como "Kansas City" y "Rock And Roll Music". Maravilloso. Se han dedicado muchas horas y noches de duro trabajo a la producción de este álbum. No es una mezcla improvisada que sirve para vender cualquier cosa en Navidad. Al menos tres de las canciones de Lennon y McCartney fueron consideradas seriamente como singles hasta que John apareció con "I Feel Fine". Estas tres fueron "Eight Days A Week", "No Reply" y "I'm A Loser". Cada una de ellas habría encabezado las listas, pero tal como están las cosas son un adorno para este LP y una lección para otros artistas. Como en otros álbumes, los Beatles han incluido mucho más valor del que el mercado suele exigir. Hay pocos trucos o artilugios de grabación, aunque para lograr un mayor efecto, los Beatles y su manager de grabación George Martin, han incluido algunas novedades. Como Paul en el órgano Hammond para introducir dramatismo en Mr. Moonlight, que también, y por primera vez, tiene a George Harrison aplicando un golpe a un viejo tambor africano porque Ringo estaba ocupado en otra parte del estudio, tocando bongos. El golpe de George permanece en la pista. Los bongos fueron eliminados más tarde. Ringo toca timbales en "Every Little Thing", y en la pista "Rock And Roll Music" George Martin se une a John y Paul en un piano. En "Words Of Love" , Ringo toca una caja de embalaje. Más allá de esto, se trata de un disco de 1964, el mejor del mundo en su género. Hay poco o nada en el álbum que no pueda reproducirse en el escenario, lo que, como saben los estudiosos y críticos de la música pop, no siempre es así. Aquí está, pues. El mejor álbum hasta ahora –sin duda, dicen John, Paul, George y Ringo–, lleno de todo lo que hizo de los cuatro la mayor atracción que el mundo haya conocido jamás. Lleno de John crudo y Paul melódico; un tema de George y un extra de Ringo. Para aquellos a quienes les gusta saber quién hace exactamente qué, hay detalles junto a cada título. — Derek Taylor.

Canción por canción

Fotos 1 y 3: Letras de los Beatles durante la sesión de Beatles For Sale, 30 de septiembre de 1964. Foto de Robert Whitaker. Foto 2: Letra de "Baby's In Black", 11 de agosto de 1964. Foto de Leslie Bryce.

1. No Reply

El disco abre con una composición de Lennon para Tommy Quickly, otro de los artistas representado por Brian Epstein, aunque este nunca publicó una versión de la canción. El demo grabado por Los Beatles para el artista se publicó en 1993 en Anthology 1 junto con una segunda versión.

Esa es mi canción. Dick James, el editor, dijo: "Es la primera canción completa que has escrito donde todo se resuelve por sí solo". Ya sabes, con una historia completa. Era mi versión de 'Silhouettes': tenía esa imagen de caminar por la calle y ver su silueta en la ventana y que no conteste el teléfono, aunque nunca llamé por teléfono a una chica en mi vida. Porque los teléfonos no eran parte de la vida del niño inglés. — John Lennon, 1980

Lennon hace alusión a "Silhouettes", un éxito de 1957 de The Rays, un cuarteto de R&B de Nueva York. Las primeras líneas de la canción guardan cierta similitud con "No Reply":

Took a walk and passed your house late last night (Di un paseo y pasé por delante de tu casa anoche) All the shades were pulled and drawn way down tight (Todas las persianas estaban bajadas y bien cerradas) From within the dim light cast (Desde dentro la tenue luz proyectaba) Two silhouettes on the shade (Dos siluetas en la sombra) Oh what a lovely couple they made (Oh, qué encantadora pareja hacían)

"No Reply" huye de los clásicos temas de amor para dirigirse a temáticas mucho más amargas. Lennon muestra mucha más inseguridad, si llegar a ser autobiográfica.

A pesar de que compusieron esta canción para Tommy Quickly, también representado por Brian Epstein, los Beatles decidieron quedársela. El ritmo era una adaptación del de la bossa nova, que hacía furor en aquella época. Con un cominzo abrupto de voz grabada en dos pistas y eco para enfatizar el tono, abría el disco de manera dramática. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Esta es mi pista preferida del álbum y el mejor inicio que podía tener. Las guitarras rítmicas de John y George son adictivas, combinandose a la perfección con el rítmo de bossa nova de la batería de Ringo. Soy adicta al coro de esta canción, adoro la voz desesperada de John y Paul que transmiten a la perfección el dolor de un engaño, y son perfectamente acompañadas por los violentos rasgueos de las guitarras. El puente con el agregado de las palmas también me parece maravilloso. Todo me encanta de esta composición, pudiéndola escuchar una y otra vez sin cansarme.

2. I'm A Loser

"I'm A Loser" continúa con la temática negativa de la pista anterior, por lo que suele considerarse al incio de Beatle For Sale como el más oscuro de la discografía de la banda.

Ese soy yo en mi época de Dylan. Una parte de mí sospecha que soy un perdedor y otra piensa que soy Dios Todopoderoso. [Risas] — John Lennon

La composición acústica de Dylan y su profundidad lírica tuvieron un profundo efecto en Lennon; como resultado, comenzó a explorar más sus propios sentimientos en las canciones. (The Beatles Bible).

A su vez, un encuentro entre John y el periodista Kenneth Allsop lo incentivaría a escribir letras más profundas. Allsop le sugirió que intentara escribir de forma más autobiográfica, basando sus canciones en experiencias personales en lugar de sentimientos genéricos de amor.

"Cualquiera que sea el mejor en los suyo —como es el caso de Dylan— indefectiblemente va a influenciar a la gente", dijo Lennon. Es innegable el impacto de Bob Dylan en esta canción, aunque el arrepentido ncogiminto de hmbros de las letras (y el ritmo con swing) eran deudores, por lo menos en igual medida, de la música country que a los Beatles también les encantaba. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La canción inicia con la serpenteante voz de John y la voz de Paul en los coros, con ni más ni menos que la frase "soy un perdedor" que le da nombre a la canción. Esta intro es muy atrapante e intrigante para luego pasar aun tempo rápido y casi simpático. Una vez que inicia jamás se detiene. Me encanta lo que hacen las guitarras, pero sobre la línea de bajo que realiza Paul. Es maravilloso y embriagador una vez que lo notas, casi boogie y muy divertida. La voz de Lennon lo hace genial, agregandole una gran interpretación a la ya pintoresca letra. También destaco el agregao de Ringo tocando la pandereta. Toda esta energía se combina en el puente musical y en el final, donde la voz abre paso a los instrumentos y todo parece querer tener protagonismo al mismo tiempo: el bajo, las guitarras, la armónica, la pandereta. Es genial.

"I'm A Loser" inaugura una tendencia que Lennon arrastraría en algunas de sus letras en los años siguientes. Su carencia de felicidad, su insatisfacción personal que luego, y de manera mucho más notoria, reflejaría en Help! — La Hemeroteca

3. Baby's In Black

"Baby's In Black" fue compuesta por Lennon y McCartney en una habitación hotel mientras los Beatles estaban de gira en el verano de 1964.

Será mejor que explique lo que John y yo queríamos decir con este título, ¿no? La historia trata de una chica que viste de negro porque el chico que ama se ha ido para siempre. El chico que canta la canción también está enamorado de ella, pero no llega a ninguna parte. La escribimos originalmente en estilo vals, pero terminó como una mezcla de vals y ritmo. — Paul McCartney, 14 de noviembre de 1964

Se ha especulado que la canción trata sobre Astrid Kirchherr, la fotógrafa y artista alemana con la que los Beatles se hicieron amigos en Hamburgo. Estaba comprometida con el primer bajista de los Beatles, Stuart Sutcliffe, quien murió de una hemorragia cerebral en abril de 1962.

Hicimos "Baby's In Black" porque nos gusta el ritmo del vals. Solíamos hacer "If You Gotta Make A Fool Of Somebody", un blues genial en 3/4. Y otras bandas se daban cuenta y decían: "Mierda, hombre, estás haciendo algo en 3/4". Así que nos hicimos conocidos por eso. Y creo que también John y yo queríamos hacer algo blusero, un poco más oscuro, más adulto, en lugar de pop puro. Era más "mi nena va de negro", como de luto. Nuestro color favorito también era el negro. — Paul McCartney, Anthology

Para algunos críticos, hablando de un grupo que era magnífico interpretando gracias a todos su años de experiencia, "Baby's In Black" cae en una de las interpretaciones más flojas de la carrera del grupo.

En esta época, Lennon y McCartney acostumbraban pasarse canciones incompletas el uno al otro para ayudarse a terminarlas. "Baby's In Black", sin embargo, la escribieron los dos en la casa de Lennon, en Kenwood. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

En mi opinión, Baby's In Black es un pista clave del álbum debido a que representa que, a pesar de los contratiempos, la banda seguía con intenciones de sorprender y explorar nuevos sonidos con sus composiciones. Más allá de si el resultado fue memorable o no, la canción tiene mucha personalidad y es agradable encontrarse con ella en la escucha del álbum. Lo mejor en ella son las guitarras y su ritmo de vals, ya que rompe con el 2/4 o 4/4 tan cuadrado de la música pop, trayendo un sonido más redondo y de balanceo. También, me encanta en particular la voz de Paul en las líneas «Oh how long will it take/'Til she sees the mistake she has made?».

4. Rock And Roll Music

Los Beatles convertido esta canción de Chuck Berry en un elemento fundamental de sus conciertos en vivo entre 1959 y 1966. "Rock And Roll Music" representó un gran éxito para Berry en 1957, y los Beatles acudieron a ella cuando se estaban quedando sin material original para el álbum.

Dado que esta canción era parte del repertorio en vivo de los Beatles, desde 1959 en Hamburgo hasta su última actución en 1966, no llama la atención que la hayan grabado en una sola y furiosa toma, con una performance vocal ronca y apasionada de Lennon. El arma secreta de la versión de etudio era el tremendo piano de George Martin, ciertamente su interpretación más rockera jamás grabada. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Es uno de los mejores covers de la banda y cambia por completo el tono deprimente que llevaba el álbum hasta ahora.

5. I'll Follow The Sun

"I'll Follow The Sun" era una antigua composición de Lennon y McCartney. Fue escrita en 1959 en la casa familiar de McCartney en Allerton, Liverpool.

No se habría considerado lo bastante buena [para ser interpretada por el grupo]. Yo no la habría puesto. Como he dicho antes, en Liverpool teníamos esta imagen de R&B, una imagen de rock and roll, R&B, dura, con el cuero. Así que creo que canciones como "I'll Follow The Sun", baladas como esa, se dejaron para más tarde. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

Como sucedió con la mayoría de las pistas del disco, decidieron recuperarla y grabarla a falta de material nuevo.

En el disco hicimos que Ringo se golpeara las rodillas. Pensábamos en términos de singles y el siguiente tenía que ser siempre diferente. No queríamos caer en la trampa de las Supremes, donde todas sonaban muy parecidas, así que, para ello, siempre nos interesó tener una instrumentación variada. Ringo no podía cambiar continuamente de batería, pero sí de caja, golpear una caja de cartón o darse palmadas en las rodillas. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

"Había algunas canciones muy viejas que no había terminado, pero no me había olvidado de ellas", declaró McCartney. "[Esta] ra una". Esta canción suave y relajada se remonta a la época de los Quarry Men. A McCartney se le ocurrió la idea de que Starr marcara el ritmo golpeándose las rodillas, lo cual le dio a la canción un sabor aun más cercano a Buddy Holly. Era la canción preferida de Martin del disco. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

6. Mr Moonlight

"Mr Moonlight", canción original de Roy Lee Johnson, era otra de las canciones sacadas del repertorio en vivo habitual de la banda.

Esta es la segunda canción que no escribimos. Originalmente era el lado B de "Dr Feelgood" y uno de los temas que tocamos en The Cavern. Toco un poco de órgano suavemente de fondo y John y yo cantamos. Ringo consiguió una especie de conga con forma de cuerno para esta canción y tuvo un buen efecto. — Paul McCartney, 14 de noviembre de 1964

Uno de los puntos más bajos del catálogo de los Beatles; (...) La voz exagerada de Lennon y el ritmo clypso y shuffle son lo suficientemente raros; pero el solo de órgano de McCartney convierte la canción en una verdadera rareza. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

7. Kansas City / Hey-Hey-Hey-Hey

Una de las actuaciones de rock & roll más emocionantes de los Beatles, "Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey" fue grabada para el álbum en una sola toma.

"Kansas City" fue escrita por Jerry Leiber y Mike Stoller en 1952. Fue grabada en un principio por Little Willie Littlefield, pero la versión que la hizo popular fue la de Wilbert Harrison. Más tarde sería reversionada por Little Richard. Cuando la interpretaba en vivo, solía formar parte de un popurrí con su propia canción "Hey-Hey-Hey-Hey!", que se lanzó por primera vez en 1958 como cara B de "Good Golly Miss Molly".

Podría hacer la voz de Little Richard, que es una cosa salvaje, ronca y chillona; es como una experiencia extracorporal. Tienes que abandonar tu sensibilidad actual y elevarte unos treinta centímetros por encima de tu cabeza para cantarla. Tienes que salir de ti mismo. Es un truco curioso y, cuando lo encuentras, es muy interesante. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

A pesar de haberlo abandonado casi por completo en 1963, los Beatles revivieron el popurrí "Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey!" cuando su primera gira estadounidense llegó al Estadio Municipal de Kansas City, Missouri, el 17 de septiembre de 1964. El público lo recibió con entusiasmo, lo que llevó al grupo a considerar grabarlo en el estudio. Conocían tan bien la canción que la primera toma es la que se puede escuchar en el disco.

8. Eight Days A Week

"Eight Days A Week" fue compuesta como una posible canción principal para su segunda película, aunque en su lugar se utilizó "Help!".

Help! como película fue como "Eight Days A Week" como disco para nosotros. A mucha gente le gustó la película y a mucha gente le gustó el disco. Pero ninguno de los dos era lo que queríamos: sabíamos que no eramos realmente nosotros. No nos avergonzábamos de la película, pero los amigos íntimos sabían que la película y "Eight Days" no eran lo mejor que habíamos hecho. Ambas estaban un poco fabricadas. — John Lennon, Anthology

Esta canción dio muchos problemas a los Beatles durante su composición y grabación. Al llegar al estudio, no tenían claras muchas cosas del tema y el inicio era todo un problema. Experimentaron con varias cosas hasta que se les ocurrió quitar los coros e iniciar con un fundido. Nunca había pasado. Aunque muchas de las canciones terminaban así, no era nada común que iniciaran de esa forma. — La Hemeroteca

9. Words Of Love

Escrita y grabada por Buddy Holly en 1957, "Words Of Love" fue la única de sus canciones grabada por los Beatles en EMI Studios.

Los Beatles no eran ajenos a las composiciones de Buddy Holly e interpretaron en directo varias de ellas: "That'll Be The Day", "Peggy Sue", "Everyday", "It's So Easy", "Maybe Baby", "Think It Over", "Raining In My Heart" y "Crying, Waiting, Hoping".

Buddy Holly era completamente diferente; era de las afueras de Nashville, así que nos introdujo en la escena de la música country. Todavía me gusta el estilo vocal de Buddy. Y su escritura. Una de las principales características de los Beatles es que empezamos escribiendo nuestro propio material. Hoy en día la gente da por sentado que lo haces, pero entonces nadie lo hacía. John y yo empezamos a escribir por Buddy Holly. Fue como: "¡Vaya! Escribe y es músico". — Paul McCartney, Anthology

10. Honey Don't

La impresindible pista vocal de Ringo, que se había convertido en un constante en sus discos, no había estado presente en A Hard Day's Night. Para su regreso vocal en un álbum de los Beatles, se eligió la canción de Carl Perkins, "Honey Don't", lanzada originalmente en 1956.

Todos conocíamos "Honey Don't"; era una de esas canciones que tocaban todos los grupos de Liverpool. Me encantaba la música country y el country rock. Tuve mi propio espectáculo con Rory Storm, cuando hacía cinco o seis números. Así que cantar y actuar no era nuevo para mí; se trataba de encontrar medios para mí con los Beatles. Por eso lo hicimos en Beatles For Sale. Era cómodo. Y por fin tenía un tema en un disco: mi pequeño lugar destacado. — Ringo Starr, Anthology

La canción formaba parte de su repertorio en The Cavern, aunque la voz era intepretada por Lennon.

11. Every Little Thing

"Every Little Thing" fue escrita principalmente por Paul McCartney con la idea de que se convirtiera en un poderoso sencillo que prosiguiera a "A Hard Day's Night" pero no fue así. En sus propias palabras:

Era algo que me parecía bastante bueno, pero se convirtió en un relleno del álbum más que en el gran single todopoderoso. No tenía lo que se necesitaba. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

Las últimas tomas de la canción fueron grabadas en una sesión desenfadada, como recuerda el historiador oficial de los Beatles, Mark Lewisohn:

La toma seis fue interrumpida cuando Paul eructó una parte vocal en lugar de cantarla; la séptima estaba completa pero acabó entre carcajadas. Y Ringo se divertía con un instrumento nuevo en las grabaciones de los Beatles: los timbales. Aparecen por primera vez en la toma nueve, junto con la introducción de guitarra y la pieza de piano. — Mark Lewisohn, The Complete Beatles Recording Sessions

12. I Don't Want To Spoil The Party

"I Don't Want To Spoil The Party" fue compuesta por Lennon y McCartney con Ringo en mente.

Ringo tenía un gran estilo y una gran entrega. Tenía muchos fans, así que nos gustaba escribir algo para él en cada álbum. "I Don't Want To Spoil The Party" es una canción bastante bonita, coescrita por John y por mí. Suena más a John que a mí, así que 80-20 para él, sentado trabajando. Ciertas canciones eran inspiradoras y otras eran trabajo, no significaba que fueran menos divertidas de escribir, era sólo un oficio, y esto era realmente un trabajo por encargo, en el que Ringo hizo un buen trabajo. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

A pesar de lo que recuerda McCartney, Starr no cantó la canción. No se sabe con certeza por qué Lennon tomó la iniciativa, aunque afirmó que la canción había sido escrita con el corazón.

"I Don't Want To Spoil The Party" se compuso como una canción country. Starr era un aficionado del country, y se convirtió junto a "I'll Cry Instead" en una de las primeras canciones de los Beatles en ese estilo.

13. What You're Doing

Paul McCartney escribió "What You're Doing" inspirado en su tormentosa relación con Jane Asher.

Reflejo de los sentimiento más sombríos de McCartney acerca de u relación con Asher, "What You're Doing" tiene un ritmo poderoso y rodante y una estructura engañosamente complicada. No tiene estribillo, empieza con una intrducción de batería y una parte de guitarra de doce cuerdas —que de algún modo viene a anticipar el sonido folk rock de os Byrds— que se hace eco de cada estrofa. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Los Beatles experimentaron con los arreglos y la producción de diversas maneras durante la grabación de esta pista. Lo más notable, es la distorsión en los coros y el solo de guitarra, un sonido inusual en aquella época. La pausa de piano y bajo antes del final también muestra a los Beatles probando ideas y estableciendo técnicas de grabación que más tarde utilizarían con un efecto deslumbrante (The Beatles Bible).

14. Everybody's Trying To Be My Baby

"Everybody's Trying To Be My Baby" fue grabada originalmente por Carl Perkins en 1957.

George Harrison prestó su voz para el cierre del álbum, debido a que posiblemente el mayor fanático de Perkins del grupo. Lo homenajea durante todo el disco desde sus riffs de guitarra y había cantado "Glad All Over" para las grabacions de la BBC. Esto se confirma con el hecho de que durante la primera gira de los Beatles por Escocia en 1960, como banda de acompañamiento de Johnny Gentle, todos decidieron adoptar seudónimos. George pasó a ser conocido brevemente como Carl Harrison, en honor a su ídolo (The Beatles Bible).

Los Beatles insertaron una breve pausa entre los versos de la primera estrofa, un arreglo tomado de la grabación original de Perkins de "Blue Suede Shoes". El falso final, por su parte, parece haber sido una invención del grupo: una versión grabada en el Star-Club de Hamburgo en diciembre de 1962 incluye no menos de cuatro florituras instrumentales adicionales al final (The Beatles Bible).

Lanzamiento

Beatles For Sale salió a la venta el 4 de diciembre de 1964, contando con 700.000 pedidos anticipados. Ocupó e primer puesto durante nueve semanas seguidas, sacando del primer lugar a su disco previo, A Hard Day's Night.

Se volvió evidente que todo lo que tocaban los Beatles lo convertían en oro. Los fanáticos abrazaron al disco con entusiasmo y recibió críticas favorbles en la prensa musical del Reino Unido.

Aunque el título tenía un toque de cinismo al describir a los Beatles como un producto para verde, el hecho es que sí se vendió y cumplió su cometido. Marcaría un presente para que en el futuro, los Beatles exigieran mejores condiciones y tiempos para grabar sus nuevos materiales, pues con los números que arrojaban, poco podría hacer la disquera para en el futuro no ceder a sus exigencias. — La Hemeroteca

Foto: Sesión fotográfica para la portada de 'Beatles for Sale' por Robert Freeman en el Hyde Park.

Si llegaste hasta aquí, ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Si este escrito escrito ha sido de tu agrado te dejo por aquí mi siguiente publicación: Las canciones sin álbum: entre «Beatles for Sale» y «Help!». También y por qué no, te invito a seguirme para no perderte ninguno de los siguientes.

Bibliografía

"Beatles For Sale". The Beatles Bible. Recuperado de https://www.beatlesbible.com/albums/beatles-for-sale/

La Hemeroteca. (2024, febrero 3). "El tropiezo de The Beatles | La historia de los Beatles For Sale | #ÁlbumHistórico". Recuperado de https://youtu.be/W_pUaoDYl3Q

Plootkin P. (2013). “The Beatles. La guía definitiva, disco por disco”. Revista Rolling Stone.

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