#escena fractal

[elfinaldelcamino]

Hechizo: Enunciado del Reto 3 del Projecte I

Queda claro: el objetivo de la práctica del Projecte I es crear y documentar tu propia producción cultural. Mientras avanzo, reflexiono y evalúo los detalles de cada etapa, pero ahora llega la hora de la verdad: hacer realidad mi idea soñada de creación performática sobre el tema de la filiación bastarda!

Semilla + Símbolo de El Final del Camino, collage producido mezclando la semilla bastarda del primer reto con la luna que preside las Constelaciones Bastardas del segundo y que simboliza la fuente primordial de toda existencia

Es la hora de obrar la magia y producir una obra cultural. En mi caso tendrá vocación interdisciplinar, pués es la nota común del resto de creaciones que he producido hasta el momento. Mi última creación estrenada Nou Leiermann (2022) sirve de ejemplo sobre performance que atraviesa disciplinas: música, performance, happening, videoproyecciones, creación comunitaria... Ahora quiero partir de la performance para despliegar un entorno virtual que reproduce el espacio donde esta se dará virtualmente. Aunque la obra final que presentaré será un vídeo de alrededor de 20 minutos, no será más que una maqueta de El Final del Camino, un espectáculo a cavallo entre la escena y la performance incluyendo la creación de un entorno tridimensional.

Videoteaser de 'Nou Leiermann', que firmo con mi alias DJ Leiermann

Encendamos pués los fogones donde combinaremos los ingredientes deseados, obrando la alquimia de la creación de algo nuevo. Soñemos con el momento en que todos los elementos estarán en su sitio: atrezzo, vestuario, movimientos, música, proyecciones en una sucesión que impacta en el espectador moviendo su ser en sus múltiples planos físicos y metafísicos.

Como en el resto de mis obras estrenadas, la naturaleza de esta es también co-creativa, así que me interesa de manera especial la relación con los co-cocreadores, tanto con los amateur como con los profesionales. Visualizo a estas personas formando parte de la obra y, a la vez que la transforman, siendo transformadas por ella a través de emociones, sensaciones, reflexiones y reacciones.

En el proyecto Sempre Neu (2021-22) desplegué co-creativamente un proceso de creación comunitaria con tres actores culturales del tercer sector en Barcelona. En las fotos, proceso y resultado de la creación de cianotipias inspiradas en el Viaje de Invierno de Wilhelm Müller i Franz Schubert que produjeron las mujeres del colectivo Hèlia, que hacen acompañamiento a mujeres que sufren o han sufrido procesos de violencia machista.

La idea de transformación puede entenderse intuitivamente observando el collage en forma de postal Màgia, de Marta Sureda. En él, las burbujas de jabón producidas por una niña se convierten en uvas, ¿o es al revés? Se muestra así la naturaleza cambiante y sorpresiva de toda producción cultural.

Marta Sureda, Màgia, postal

Y es que las etapas de un proceso creativo se solapan muy a menudo y pueden representar nuevos puntos de inicio en cualquier momento del desarrollo del proyecto. No existe principio, tampoco final. En su lugar tenemos una continuidad que une los diversos momentos materializados en la obra producida, tal y como decía el filósofo francés Gilles Deleuze.

Gilles Deleuze (1925-1995)

El proceso puede también contener giros inesperados tanto en el fondo como en la forma. Roc Parés resalta esta idea en su novela Tzompantli, donde la lectura puede ordenarse de casi infinitas maneras. En realidad cualquier punto de partida (conceptual, simbólico, metodológico, productivo o documentativo) podría ser bueno. Eso sí, la meta será la misma en todos los casos: el hechizo obrado con la nueva obra.

Estructura fractal de Tzompantli de Roc Parés

El proceso existe interconectado con su medio tanto cultural como humano. Es necesario tener presente al público durante el desarrollo del proyecto, pués la obra deberá ser presentada en un espacio adecuado a sus necesidades, en el caso que nos ocupa a la vez físico y digital, y ser experimentada por unas personas concretas. Haré esfuerzos para adecuar los contenidos y forma de El Final del Camino al posible impacto buscado en los espectadores.

Vídeo documentant un moment de l'aproximació als referents culturals bastards del projecte (abril de 2024).

[astroluch]

Me prendo fuego porque a mi alrededor todo esta muy frio, quien quiera que venga ya no entra porque cerras la puerta y la llave se fundio en el espacio, te diste cuenta de la importancia que tiene interpretar? El angulo de tu mirada se desvia porque la balanza se inclina hacia un lado, lazos llenos de resonancia son los que abundan.

Cuenta la leyenda que los dioses en cadenas caminaban entrearroz y las campanas sonaban desde el interior de las flores, puesta en escena del sol que ilumina todo y te quema la cara, nos empujamos, y caemos en lugares incomodos, y los arboles nos imitan cayendo.

Felicidad en los errores, podemos hacer lo que queramos, el espacio nos vuelve infinitos y la soledad es cuestionable porque el inconciente se comparte, la alquimia nos muestra la importancia de los elementos y clasificamos a nuestra especie para que la locura de la obsesion archive todo, la guitarra llena de distorcion me apunta con violencia y los fractales giran complentando mi contorno, aprendimos a no controlar el control, delegamos, porque si asi no fuera podriamos desaparecer, disipados como suspiro de humo.

[infacundia]

25 de abril, 2020

           Ah, me basta con una foto aleatoria del otoño patagónico para ya entrar en una. Mi sensibilidad se torna vívidamente evocativa y ya me siento como estando ahí: como si tal paisaje fuera o formara con mi aparato emocional una sola cosa. La foto que hoy vi está compuesta por unos árboles coníferos en primer plano y abajo, algunos bien naranjas y otros verdes bien oscuros, pero todos iluminados por una neblina que también cae sobre los pocos postes eléctricos que se cuelan entre la alameda del primer plano. Más atrás, cruzando la pantalla dos pendientes de montañas paralelas, por entre las que desciende un río de nubes blanquecino que contrasta y combina a la vez con el bosque, grisáceo y lejano, de las montañas. Tras ellas, el cielo es nubes todo.

           Tres planos, solamente, con sus colores de otoño grave amalgamados, bastan para situarme ahí, percibiendo todo como si los movimientos del espacio aquellos, su erosión y su viento, ocurriesen también adentro mío, como si la resaca de todo lo sufrido de empozara en el alma. Ah, el bosque como experiencia más que como espacio o paisaje. Me digo que, ahora, el que siente en mí es una versión ya no pasada sino futura mía, que escindida llegó a mi yo contemporáneo a través de la ventana fugaz que fue esa foto que vi, perdida en el escroleo fractal de tuíter. El otoño, en el espacio urbano que habito, ocurriría de manera mucho más pequeña, si no fuera por el viaje en tren. Es posible reducir, desde aquí, toda la estación a la escena de un portal que forman en medio de una vereda algunos árboles arqueados, cuyas hojas se amarrillan y caen, no todas, desplegando un puente y una alfombra unidos por un tronco.

           De esos portales naturales, a día de hoy, saliendo sólo para hacer las compras, no he visto más de uno en este último mes. En cuarentena el otoño es un fondo de pantalla que discurre, con sus climas, a veces sigilosos y tenues, otras más lluviosos, detrás de las cortinas. Es un alivio, de algún modo, sin embargo, que estas fronteras entre el afuera y el adentro, con la estación se tornen difusas, se muestren como mareadas, porque acá también estamos mareadas y da la impresión de que salir es lo mismo que entrar y viceversa.

[vikitamis]

A way to go

Antes de comenzar la experiencia, las únicas primicias que tenía eran que era algo involucrado al National Film Board of Canada, por lo que supuse que sería una experiencia particularmente audiovisual, y que su título es “A way to go”, que significa un camino a seguir. Nunca imaginé encontrarme con algo tan único como fue este paseo, me pareció verdaderamente asombroso, que ampliamente superó mis expectativas.

Primero nos encontramos con un personaje y lo que parece ser su guía. Es todo muy realista, excepto ellos, que están caricaturizados inmersos en ese mundo real. Se puede ver que al clickear distintas zonas de este bosque mientras el personaje camina o corre, van apareciendo distintas escenas pertenecientes a dicha realidad, como insectos en hojas, o ardillas en los árboles. Todo es muy armónico y estético. A la vez, voy descubriendo que según las acciones de mi personaje, los sonidos van cambiando, y junto con dichos cambios se va formando una creación integrada entre música y visual. Es decir, por ejemplo, cuando el personaje inspecciona en determinados sectores para encontrarse con los insectos, suenan notas musicales, lo mismo cuando salta. También cambia su ritmo y velocidad según si el personaje está caminando o corriendo.

Después de un rato, descubrí que el personaje podía volar. En uno de los momentos en los que está volando, se sumerge automáticamente en el agua y de pronto el panorama ya no es el mismo, es como si hubiera pasado a otro plano, a una realidad paralela a la del bosque en blanco y negro. 

Aquí los colores son distintos. Todo el bosque está en tonalidades de rojos, naranjas y azules. También cambio la música. Pero el personaje sigue siendo el mismo, aunque ya no está presente su guía. Otro detalle importante es que va dejando su sombra, una estela a su paso. Cuando inspecciona en los árboles o el suelo, las imágenes que ve ya no son tan realistas, son fractales, formas de los colores del bosque. En determinado momento del recorrido en este ambiente, aparece otro personaje similar al que antiguamente era su guía. Hago a mi personaje correr hacia él, cuesta alcanzarlo pero lo hace, y pasan de nuevo al anterior bosque en blanco y negro.

Estando allí vuelve a aparecer el guía del inicio, y comienzan a correr a la par. El lugar ya no es exactamente igual que al principio, por ejemplo, se suman cantos de pájaros que anteriormente no estaban. Al comenzar a volar, vuelve a suceder algo similar a lo de antes, pierde a sus compañeros, el cielo nuevamente se pone azul, rojo y naranja y cambia de espacio, pero ya no se encuentra un bosque. Cuando clickeo aparecen haces de luz de distintos colores vívidos, acompañados de notas musicales. Se encuentra con 3 personajes de los anteriores más el guía. Ahora, las imágenes con las que se encuentra son realistas nuevamente, pero a color.

Como era de esperar, al volar rápidamente se vuelve a cambiar de espacio otra vez. Por unos segundos queda todo negro, y luego se transporta a un bosque que es todo en blanco y negro, a excepción del cielo que es a color. Cuando se encuentra aquí, al clickear cambia el ambiente. Deja de estar acompañado, ahora siempre está solo, pero reaparece en lugares en los que ya estuvo, porque aún esta su estela en el aire, dejo su huella y su rastro allí. En un momento llega a un claro nuevo, en el que repentinamente aparecen letras que dicen “The end. Or is it the end?”.

Lo que aparentaba ser el final no lo es realmente, esta experiencia puede continuar, si uno lo desea, una eternidad. Es etéreo, utópico. Si deseamos continuar transportándonos a través de ese mundo, vemos que luego de haber finalizado ya no hay un único camino a seguir, como lo había anteriormente, sino que podemos dejar que nuestro personaje vaya en todas direcciones. Su rumbo cambió: es muy rápido y no está predefinido. También cabe resaltar que  en este mundo nuevo los paisajes nunca son blancos y negros, siempre son a color, particularmente colores vívidos, colores nuevos. Aparecen gamas de colores de atardeceres, auroras boreales. Todo es perfecto y sublime. Ya no es un camino a seguir, esa limitación fue superada.

En el camino atravesado a lo largo de toda la experiencia, observé que cuando las escenas transcurrían en blanco y negro era todo más realista, mientras que cuando era a color todo era mucho más fantasioso. Estos planos que parecían ser efímeros resultaron ser en los cuales el personaje se queda en el final. Es interesante como en ciertos puntos en el correr de la historia a veces dejamos de ver al personaje en tercera persona y todo comienza a suceder, por unos instantes, en primera persona. Nos hace sumergirnos aún más que antes con la vivencia, terminamos experimentándola nosotros mismos, y no solo a través de un personaje animado. Después de terminar el recorrido leí lo que explican los creadores acerca de la experiencia, y se refieren a ella como un viaje, una aventura, una colección de momentos, y puedo afirmar que logran lo que desean hacer sentir. No se termina de definir si es un sueño de nuestro personaje por momentos, si es su realidad cambiante, si está solo o acompañado, pero lo que es seguro es que nos atrapa completamente compartir el camino con él.

[musexplat]

Entrevista a Wilder González Agreda: hay una gentrificación en la música underground

Conversamos con Wilder González Agreda fundador del sello Superspace Records y el portal Perú Avantgarde. Hablamos de su trayectoria y su paso por Crisálida Sónica, de las vicisitudes del quehacer musical y la escena under latinoamericana. 🇵🇪 🖤🎙️

Wilder González Agreda es licenciado en comunicaciones, autodenominado no-músico, que se dedica al sonido post- psicodélico y el ruido desde el año 1995 como parte de la escena peruana de Shoegaze y Post-rock. A mediados de los noventa, formó parte de Crisálida Sónica, un colectivo musical peruano de sonidos vanguardistas, junto a sus proyectos Avalonia y Fractal. Si bien el colectivo se…

[campodeservicio]

¡Te tenemos el plan perfecto para ti!

La salida del sol

La obra es una coproducción entre la Comisión de la Verdad y el Idartes. Que narra desde el teatro, de manera fractal y polifónica, escenas que den cuenta del conflicto social y armado en Colombia, sus consecuencias, la resistencia y, sobre todo, la salida iluminadora desde la memoria y la verdad hacia la celebración de la vida y la construcción de la paz.

Lugar: Teatro Jorge Eliecer Gaitán, en la carrera 7 # 22-47 centro de Bogotá Hora y fecha: 7:00 pm el 24 de noviembre del 2021. Entrada libre hasta llenar aforo

¡Te esperamos!

[gautama-und-noise]

El juego de la cobra - El legado de Zorn en el Multiforo Alicia

Cobra, más que una pieza o una puesta en escena, es una metodología de improvisación, e incluso una especie de juego. En este, un mediador dirige a los distintos participantes a través de señas, tarjetas, letras y códigos antes establecidos. Por lo general se usa la simbología de John Zorn (inventor y primer facilitador del juego), aunque en cada caso pueden agregarse nuevos gestos con distintos significados. Tal es el caso del Ensamble Cobra de la Ciudad de México. Mauricio Delgadillo nos cuenta de algunas didascalias agregadas a la metodología, tales como el puño cerrado verticalmente, que simboliza: ‘mantén’, además de muchos elementos prestados del sistema de Sound-painting de Walter Thompson.

“David Cortés tuvo una gran participación en la planeación del evento […] además de que nos pusimos en contacto con Oscar Alarcia, el autor de ‘Universo John Zorn’, que es la guía más completa para entender no solo su música, sino también sus métodos composicionales”

Sin embargo, Cobra no es la única pieza de Zorn que asimila en su ejecución una suerte de deporte sonoro. El compositor y saxofonista neoyorquino, ha extendido esta idea a procedimientos similares bautizados como ‘Hockey’, ‘Fencing’1, ‘Archery’2 y ‘Curling’3 las cuales se realizan en ciclos denominados olimpiadas. Además, es común en el saxofonista valerse de códigos visuales tanto para improvisar como para componer, como en su disco ‘Spillane’ (homónimo al autor neoyorquino de misterio y thriller Mickey Spillane), para el cual creó una serie de tarjetas con nombres de personajes o señalizaciones de escenas específicas que evocaban un tema específico para cada uno de ellos.

“Escena del crimen #1 – Armónicos agudos de arpa, sonoridades de drone de trombón, bajos y guitarra, sonido de agua goteando y narración sobre de la música”

Cobra, por su parte, posee una característica de tradición oral, que en palabras de Delgadillo y Julio Funk, a quienes entrevisté para la sección del podcast, fue creado para ser transmitido de manera oral. Ningún juego de la Cobra tiene, ni debe ser idéntico a otro, ya que está pensado para que cada ensamble (o equipo), reinterprete las dinámicas, la alineación, e incluso las letras y señas establecidas en primer lugar por el compositor neoyorquino. Como en este caso particular, en el cual instrumentos como la tornamesa, el bajo, la voz y el silbido tuvieron un papel fundamental.

La obra de Zorn, a pesar de abarcar un sinfín de géneros, es reconocida particularmente por dejar su huella en la música underground -particularmente la vanguardia No Wave- Y la música judía radical. Sus propuestas intrépidas, sus composiciones de naturaleza ecléctica y sus aportaciones al mundo de la experimentación sonora, lo han colocado entre los músicos de jazz contemporáneo más célebres. Esto, claro, puede ser un factor de riesgo hasta cierto punto, de que su música -al igual que la de otros músicos de Jazz- se centralice en un nicho elitista, reservando este arte para el ‘público distinguido y conocedor’.

Por otro lado, el Multi-foro Cultural Alicia, si bien ha cobijado bandas icónicas de la escena punk mexicana, tales como las ultrasónicas, suele ser un espacio igualmente abierto para la música experimental, tal es el caso de la banda mexicana de Rock In Opposition; Decibel (Carlos Robledo, Alex Einsenring, Carlos Vivanco y Walter Schmidt) y por supuesto los invitados por el ensamble (quienes fueron anunciados en el cartel publicitaro del evento; Alex Otaola (Santa Sabina) y Todd Clouser (A Love Electric), quienes grabaron en el último libro de Masada y que tienen también sus propios proyectos experimentales (véase Fractales de Otaola). A pesar de que no es la primera vez, ni será la última en la que música de este estilo se presente en espacios similares al Foro Alicia, el hecho de que una pieza de un compositor normalmente reservado a una supuesta élite, abre un camino más fértil para los compositores e improvisadores experimentales actuales y del futuro.

Glosario:

1- Esgrima

2- Tiro con arco

3- Deporte que consiste en deslizar una piedra de granito por un corredor de hielo, dirigiéndolo con ayuda la fricción efectuada por cepillos.

[areumnari]

SHIFT Performance, 30min 2014, Escena Fractal, Pereira, Colombia I looked back at the common actions and objects from the past performances to officially wrap up the trip through this performance. I wrote down words such as threading, sewing, breaking, destroying, cutting, words, hair, temple, glasses, and picked the three most related performances.  ‘Fire pipe’ - action of taking off the mask of a crab ‘Rota’ - rebirth through broken squares ‘Reposition’ - to reposition oneself These works share the purpose of this trip and its overall context. I ask questions to myself from this.

How much did I change before, after, and at the end of this trip? Did I take off the mask of a crab? Did I break the window? Did I reposition myself? Where am I heading to and where am I now? With the actions derived from each performance, the paper with questions is painted (Fire pipe), stepped on and broken (Rota), and repositioned (Reposition).

[elmartillosinmetre]

“Hemos llegado al final de la historia de la música”

[El malagueño Eneko Vadillo]

IBS Classical publica un monográfico que el conjunto sevillano Zahir Ensemble ha ido grabando con obras del compositor Eneko Vadillo (Málaga, 1973) en los últimos diez años

Para el malagueño Eneko Vadillo el año de la pandemia está siendo muy productivo. En julio presentaba un libro (El sinfonismo en los siglos XX y XXI) y hace unos días IBS Classical sacó al mercado un trabajo monográfico con siete de sus obras que el conjunto sevillano Zahir Ensemble ha ido registrando en la última década.

–¿Cómo surge la idea de este proyecto de tan larga secuencia temporal? –Coincidí en París en 2008 con Juan García Rodríguez. Hablamos de la necesidad de dejar documentos sonoros de las obras interesantes. En otras especialidades artísticas, quedan papers, artículos, y se sacan como churros. En música, no, las obras se tocan y se olvidan. Claro que es más caro hacerlo, más complejo; hay que reunir a músicos y pagarles… y eso no se puede hacer siempre. Así que decidimos ir haciéndolo poco a poco. Y así surgió. Sin prisas. Pensamos que no hacían falta las prisas.

–Su música se vincula al espectralismo. ¿Usted cómo la definiría? –La respuesta es compleja. Me gusta la que me dio Magnus Lindberg la primera vez que coincidimos en Londres, mientras yo hacía sobre él mi tesis de máster. Todo el mundo daba por hecho que es un espectralista. Y él me dijo: 'Mi estilo es una ensalada, y esa ensalada es mezcla de millones de cosas'. Así lo siento yo también. Yo no estoy en una corriente, porque yo nací en un mundo ya libre. Es más complejo y más fácil al mismo tiempo. Desde la primera nota que escribí, todo ha sido un proceso de búsqueda. Es una propuesta de básicos. Qué elementos son los parámetros que funcionan y que operan en mi música de manera primordial. Cuál es el elemento rector. El elemento rector es la armonía y la figuración, esto es, el gesto primordial. Beethoveniano, si quiere. Un modelo.

–¿No es entonces el timbre como tantos pueden pensar? –No. El timbre es un elemento que actúa dentro de unos parámetros armónicos. Detrás hay mucho trabajo de ensayo y error. Podemos coger Antibes, que es una pieza para flauta sola, y detrás hay modelos de Sciarrino, Lachenmann, Verdú, Carretero, Camarero, amigos y compañeros míos, que hacen música maravillosa, pero también están Debussy, Varèse, Luis de Pablo. Me gustan todos, pero yo quiero hacer lo mío y quiero hacerlo desde lo beethoveniano: una figura mínima desarrollada de manera rizomática. Un rizoma es una evolución no ordenada, es una arborescencia, una evolución fractal, por copia, cubista. Hablo de crecimiento orgánico, a partir de lo mínimo generar lo máximo. Y eso ha sido lo principal en mi música, las transformaciones progresivas de material dentro de las armonías que me gustan y exploro desde que tenía 18 años. Por ensayo y error. Después de Stella, que es una obra para orquesta, muy importante para mí, que escribí en el año 2005, hice cinco obras sinfónicas más hasta 2010; todas están borradas, porque fueron cinco estrepitosos fallos. Las obras grabadas en este disco son la mitad de las que compuse. El resto están borradas, quemadas. Fueron errores. Y es que no somos genios. Fíjese: Brahms, Mozart, Beethoven, Wagner, Debussy: hubo uno por generación, y nosotros no somos como ellos, no somos genios. Yo por lo menos no me considero así. ¿Cuál es entonces mi escuela? Yo la música la escucho siempre desde un punto de vista armónico en el que se integran forma, timbre y textura. A partir de ahí, haber trabajado con Lindberg y Harvey, mis contactos con Luis de Pablo, el estar en EEUU… hacen una mezcla donde se van integrando todas las herramientas en lo que yo considero que es la música más mía. Pero por ejemplo, todas las obras anteriores a 2012 son mucho más abstractas y complejas, aunque sean los mismos gestos. Selene que es de 2010 es como Renascencias, de 2015, pero Renascencias es más figurativa, en ella es todo más físico, más claro, más concreto.

–Renascencias parte de poemas de Juan Ramón Jiménez. ¿Cómo se integran las referencias extramusicales en su música? –Eso es lo que yo llamo la influencia de los modelos exógenos en la estructura musical. Si haces una sonata, un preludio, una suite, eso lo eludes. Pues vamos a coger un modelo exógeno, a ver qué podemos hacer con él. Y esta obra partía del modelo de la maravillosa poesía última de Juan Ramón Jiménez, inmaterial, casi mística. Este poema me encantaba, porque hablaba de la relación del ser humano con la naturaleza y de la necesidad del equilibrio que hemos perdido. En ese terreno soy muy combativo. Todos somos polvo de estrellas. Sobre esta filosofía, Juan Ramón nos plantea la evolución del material: somos piedra, agua, nos podemos convertir en fuego, volver a nosotros. Y trabajo con esa transformación del material como modelo. Sobre la mínima figura musical desarrollo el OpenMusic [un software de programación orientado a la composición musical]. Qué te da la informática, estructuras arborescentes, armonías calculadas a partir de ciertos acordes, que son muy míos y otros procedimientos demasiado complejos para que el cerebro solo te los saque. Los cinco movimientos empiezan con la misma figura, pero modificada según el material de que se trate. O es acuático o ventoso o es granulado o es superrígido, en bloque. El material del primer compás ya dirige al resto. De esa pieza hice cinco versiones; fui probando hasta que el oído me confirmó lo que el cálculo matemático me iba dando. El ser humano, mi oído, está siempre al final.

–Casi todas sus obras se presentan revisadas. ¿Considera terminadas las siete de este disco? –Sí. Están terminadas. Son así. Puedes trabajar sobre algún aspecto de ellas, pero ya no para modificarlas: haces otra.

–¿Algún día pensará que estas obras también son errores y las eliminará de su catálogo igual que todas esas anteriores? –No. Desde pequeño tuve una educación excelente en algunos momentos y horrorosa en otros, horrorosa por parte de profesores horrorosos. En aquella Andalucía de los años 80 se cometieron auténticos atentados intelectuales a causa de muchos profesores lamentables que llegaron de fuera. Pero nunca les podré dar suficientemente las gracias, me faltaría vida. Porque: uno, me enseñaron lo que no hay que hacer; y dos, me dieron libertad para pensar por mí mismo. No recibí clases guiadas ni doctrinas ni dogmas. El crítico de turno me decía que Boulez era el mejor; pero luego aparecía otro que decía que no, que el mejor era Antón García Abril; otro que no, que Halffter; otro, para nada, el mejor es John Williams; no, no, el mejor es ese otro... Todos no pueden ser el mejor, pensé en principio, pero luego me di cuenta de que sí, porque cada uno está expresándose de una manera determinada; otra cosa es que pueda estar más o menos cerca de un lenguaje que es producto de una evolución. Eso que llamaban lenguaje a mí me parecía una visión dogmática, nadie puede decir que aquello era la modernidad. Así que básicamente me fui a la esencia, qué manejan y cómo. Y empezaron a surgir nombres que sí me gustaba escuchar: Lutoslawski, Xenakis, Ligeti, el último Anton Webern, el Strauss atonal de Salomé, las bandas sonoras texturales, o el mismo John Williams, quién no se ha emocionado de adolescente con ET. Y a partir de todo eso yo me hice como músico. Todas las obras de este disco en el fondo se parecen mucho, porque son producto de una reflexión de lo que yo considero que debe ser la música. Algunas veces, como en un jardín, la música va a surgir más melódica, en otras, no. No voy a plantearme mi música como los cuadros de Rothko, planos todos. Eso es para conseguir un determinado tipo de emoción, pero para conseguir otra tendrás que meter otro tipo de elementos. He borrado y seguiré borrando obras que no me gusten. De todas formas no pasará ya mucho, porque compongo poco. Como yo no vivo directamente de la composición, cada dos o tres años, me puedo permitir el lujo de parar un año, para reflexionar, que creo que hace mucha falta. Desde 2005 todas mis obras tienen una misma esencia aunque algunos procedimientos lógicamente hayan ido cambiando. Antibes es la única pieza que yo estaba dudando de si vendría bien en este disco, pues está un poco en un mundo de nadie, pero Zahir la quería grabar, y bien está.

[Eneko Vadillo]

–¿Cómo es ahora, en medio de la pandemia, la vida de un compositor en España? –Está muy mal la cosa. Ha habido una saturación de gente que quería hacer determinado tipo de música, porque hay menos recursos, menos medios para hacerla y menos posibilidades de que el esfuerzo real esté compensado con mínimos medios de situación en escena, esto es, posibilidades de grabación y encargos pagados. Pero la creación es libre. Cada cual puede hacer lo que quiera. Otra cosa es que encuentre medios para difundirla. En España hubo un momento que funcionó muy bien con Jorge Fernández Guerra y el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, pero poco a poco se ha ido retrayendo, porque el público tampoco quería eso. De todos modos, va a seguir habiendo gente que escriba lo que le da la gana mientras funcionen conjuntos como Taller Sonoro, Zahir Ensemble o alguna orquesta que todavía promueve alguna obra contemporánea. La Filarmónica de Málaga por ejemplo después de muchos años al fin va tocar tres obritas actuales. Aunque eso sí, tienen que ser obritas de cinco minutos… Dile tú eso al solista de turno que viene a tocar con la orquesta, que va a tocar cinco minutos... Pero es que hay tanta música ya buena, que estamos viviendo una época de reiteración. Por eso, es importante que te prepares tu propia ensalada. Ya no va a poder inventarse un nuevo estilo. Veo en esto un fin de los tiempos.

–Quizás las últimas escuelas de gran influencia son la de minimalistas, espectralistas y la de Lachenmann… Hacia dónde va la música. ¿Ve posible que se consolide la vuelta a la tonalidad que preconizan algunos? –La tonalidad es consecuencia de dar jerarquía a determinas notas y eso ha existido desde el medievo. Schoenberg destruyó esa jerarquía porque fue un radical, aunque pretendiera que lo suyo se ajustaba a un proceso histórico que no dependía de su voluntad. Y es cierto que liberó a la música de determinadas cargas, cargas que la música tiene por su propia estructura física, y eso fue muy aprovechable para determinadas cosas. No habrían existido tantas cosas maravillosas, Wozzeck, por ejemplo, pero incluso ni Sciarrino, Lachenmann o Verdú. En Berg, en cualquier caso, algunos de los presupuestos de Schoenberg empezaron a traicionarse. Había acordes más importantes. Había ejes. Pero es que sin esos ejes no hay manera de sujetar una música más de dos minutos. Luego surgieron el espectralismo, la electroacústica, montones de escuelas... Como Lindberg, cada uno hacía su propia ensalada, dependiendo de lo que quisiera poner como prioridad en su música. Si hay textura y timbre, poca armonía va a haber, Ligeti. Si hay mucha armonía y melodía quizá el timbre va a estar integrado, un Lindberg. Cada gran maestro ha tomado una serie de cosas. Cendo es un punto final en el proceso histórico de liberación del timbre como límite de la escucha. De la escuela saturacionista, Lachenmann es un punto final. Quién ha hecho una síntesis de textura con ciertos elementos armónicos… Furrer. Beat Furrer es una síntesis en ese sentido entre técnicas tímbricas extremas y motivos temáticos. A partir de ahí, habrá mezclas, pero no se puede ir más allá. No puede haber música sin sonido.

–¿Hemos llegado entonces al final de la historia de la música? –Sí, puede decirse así. Hemos llegado al final de un tipo de historia de la música. Salvo que se empiecen a explorar otros elementos inexplorados, y alguien haga algo con la micromicrotonalidad o vayamos al continuo pianissimo extremo. Bueno, vale. Se puede ir al extremo que te dé la gana, pero en realidad todo está ya muy hecho. La cuestión ahora es cómo recombinamos los elementos.

[Zahir Ensemble en una interpretación de Transparences de Vadillo]

–Aparte de tener registro de esta música, ¿qué espera del disco? –Que la gente escuche Anima y diga, este tío tiene que escribir una ópera.

–¿Le interesa entonces el mundo de la ópera? –Es evidente. Pero necesito un texto emocionante, que me inspire. Esta obra la escribí durante mi residencia en Roma en 2006. Venía de hacer Stella, para orquesta. Con esa obra me liberé de las tradiciones de escribir para orquesta y de pensar de manera lineal. Fue un experimento que salió bien. De ahí surge Sabah. Y Anima viene inmediatamente después. Quería hacer una escena dramática como si fuera una ópera en sí misma y en la que hubiera muchas cosas, del madrigalismo de Monteverdi y Gesualdo al espiritualismo del último Strauss, el misticismo de un Lutoslawski, el tenebrismo de un Victoria, Webern o Berg. Pedro Ordóñez [firmante de las notas a este CD] me dijo que es espectralismo expresionista, porque hay una expresión radical del texto llevando al límite muchas cosas. Junto con Memorae, para octeto de violonchelos y electrónica, que la compuse en 2008 en el homenaje a Tomás y Valiente y estrenó el Octeto Ibérico de violonchelos, son las dos únicas obras vocales que he escrito, y me refiero con voces solistas (soprano y mezzo). Luego también está Terra, de 2018 que es obra coral con orquesta a partir de la encíclica Laudato si del papa Francisco, que me dio el permiso personalmente. Es la primera vez (y única, que yo sepa) que se ha utilizado una encíclica para una obra de concierto. El próximo paso significativo sería hacer una ópera de cámara, y de hecho el argumento lo estoy haciendo, lo tengo en la cabeza.

–¿La música también está en la cabeza? –Seguro. Voy a tirar de mis propios gestos. Tú tienes una personalidad y no puedes cambiarla, salvo que quieras acabar convertido en un payaso.

–¿Cómo es el trabajo con Zahir Ensemble? –Es un grupo excepcional. Con dificultades y gran esfuerzo personal tocan siempre a un nivel extraordinario. A César Camarero le he oído decir que muchas de las interpretaciones de Zahir son mejores que las de cualquier conjunto europeo. En Sevilla tener a la vez a Taller Sonoro y a Zahir Ensemble es un lujo. Al final todo se lo tienen que hacer ellos. Quizás merecerían un poquito más de lo que les damos en Andalucía. Sin ellos, sin estos dos grupos mi carrera sería la mitad. No habría podido explorar, no habría podido borrar, no habría podido aprender. Juan García es un modelo de lo que tiene que ser un director del siglo XXI: conoce la tradición pero tiene un pie en la creación actual. Como fue siempre hasta mil novecientos y pico, cuando de repente para la mayor��a de los directores la música de su época pareció desaparecer.

[Diario de Sevilla. 14-12-2020]

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[aunqueudselocrea]

TÚNELES POR DEBAJO DE LAS PIRÁMIDES EGIPCIAS

Diversas investigaciones sostienen que debajo de la pata derecha de la Esfinge existen uno o más Cámaras y túneles de conexión. Aún el Gobierno Egipcio no autoriza a abrir las mismas.Nótese el desgaste en el cuerpo de la Esfinge producido por el agua y NO por la erosión del viento y la arena, según las investigaciones científicas llevadas a cabo. Además confirmaría una edad de más de 10.000 años para este monumento.(Julio-Agosto 2.001 G.D.G.)

(1) -TÚNELES POR DEBAJO DE LAS PIRÁMIDES EGIPCIAS

Asha’s Mural Gallery.  4 Marzo 2000

Los cuentos pintorescos entretienen… pero lo que me interesa es un cuadro más conciso de lo que está teniendo lugar en Gizeh, y en cualquier otro sitio relacionado con lo mismo.  Ayer, tuve la suerte de conseguir un vídeo donde el Dr. James Hurtak que hablaba en 1999 en una conferencia de NEXUS en Sydeney, Australia. Me acuerdo de aquel material interesante sobre el emplazamiento de Kent Steadman, del cual se dice que el equipo de Hurtak participó en unas excavaciones arqueológicas de Alto Secreto en Gizeh.  Bueno, Hurtak no estaba perdiendo el tiempo, sino haciendo negocios.  Debido a lo delicado de estos proyectos no pudo más que enseñarme un poco de todo lo filmado; mucho de ello era para los espectadores normales.  Por lo menos, para mí estaba claro que Hurtak estaba diciendo mucho menos de lo que a él le hubiera gustado decir, pero dijo que era realmente para hacer reflexionar.  Según él, existe un laberinto de túneles y cámaras enormes, algunas del tamaño de una catedral, debajo de Gizeh, que fueron puestas allí por una civilización avanzada, y había un equipo de científicos de Japón, Europa y de los Estados Unidos trabajando en los artefactos y los descubrimientos allí, en lo que parece ser un proyecto secreto.

Cuando Zawi Hawass puso en escena aquel vídeo Fox, en el que él descubre el esqueleto (que habían puesto previamente allí) y afirma haber descubierto la Tumba simbólica de Osiris, al buen doctor le tomaron el pelo como de costumbre.  No fue Hawass, sino el equipo de Hurtak, bien equipado con luces portátiles y otros aparatos, el que desenterró el sarcófago, lo cual es tan sólo la punta del iceberg. Hurtak no entró en detalles sobre qué tipo de artefactos fueron descubiertos allá abajo en las cámaras, llenas de agua (que fueron vaciadas con bombas). Dijo que los antepasados tenían un sistema de auto-iluminación que provenía de una fuente de energía; ¿qué clase de fuente de energía?  No lo sé.  Y mostró una estantería que parecía haber sido puesta con un taladro.  Mostró un túnel en el interior de la Esfinge y lo que parecían ser dos entradas por la parte de atrás, una vaciada por el equipo.  Dijo que éstas se comunicaban con las Pirámides y con un enorme sistema laberíntico de túneles. También enseñó pruebas hechas con un radar especial, las cuales muestran cámaras rectangulares debajo de la Esfinge.  Hizo muchas referencias a lo que él llamó los “Señores del Tiempo”, y sobre una raza avanzada de seres superiores versados en formas geométricas codificadas por medio de la luz.  Esas mismas formas geométricas y “números impares” están presentes en los fractales en los círculos de las cosechas cerca de Stone Henge (Inglaterra) y por todas partes. Son un lenguaje Enoquiano de luz y de influjo creciente espiritual.  Según él, la humanidad es un “experimento” que está a punto de ser “cosechado”, a medida que nos acercamos a un profundo cambio en la consciencia mundial, acompañado por descubrimientos que cambiarán totalmente los parámetros científicos; cambios como el punto cero de energía.

Según Hurtak, una raza avanzada de extraterrestres o seres superiores de la orden de Melchizedek, dejó una red de centros de poder, o cápsulas del tiempo, en el planeta, de la cual la red subterránea ubicada debajo de Gizeh es una parte.  Se refirió también a una excavación más importante que tuvo lugar bajo el Pacífico, donde se encontraron pirámides y cámaras parecidas. Y en China, donde también estuvo, mostró unas secuencias sorprendentes de personas momificadas que han sido ocultadas al público.  Para ser exacto, una de ellas fue denominada como “criatura”, ya que no se parecía a los humanos. Parte de esta filmación era de una zona conocida como “Shambala”.  Una ampliación fotográfica de lo que parecía un Tibetano momificado, con una marca extraordinaria, mostrando un motivo de una espiral tridimensional que parecía estar marcada, o ser una parte de su rostro, similar a una extraña mancha de nacimiento de color rojo.  Hurtak también mostró, una fotografía sacada por un colega, de una forma luminosa triangular sobre Stonehenge, con el vértice hacia arriba.  A esto se refirió como una forma luminosa o Merkaba, que como la pirámide en sí misma, es una representación simbólica de la ascendencia espiritual y el florecimiento de la consciencia.  Después dijo bastante más, pero su forma de hablar era difícil de entender a veces, y tendré que volver a repasarla otra vez.  Me recuerda a una especie de profeta salvaje Enoquiano, un atributo bastante encantador el cual sin duda será usado contra él por los mercaderes espantosos de la desinformación de este mundo, que mejor sería que se cocinaran en su propio estiércol, queridos y dulces idiotas.

Al parecer, hay una segunda parte donde revelará más, ¿cuanto más?, ya se verá.  Pero no hay ninguna duda, según mi opinión, de que él mismo cree lo que está diciendo, y si alguien ha estado en una posición de saber lo que está pasando, probablemente es el Dr. Hurtak.

UN RADAR CUYAS ONDAS PENETRAN EN EL TERRENO ENCUENTRA CIUDADES OCULTAS8 Junio 2000, por Paul White

Justo después del Diluvio, al principio del actual ciclo de nuestro tiempo, una era a la cual los Egipcios llamaron “Zep Tepi” o “Los Primeros Tiempos”, apareció un misterioso grupo de “dioses” para iniciar a los supervivientes en los rudimentos de la civilización. Desde Thoth y Osiris en Egipto, hasta Quetzacoatl y Viracocha en las Américas, todas las tradiciones del mundo subscriben los orígenes de la civilización actual a ese sofisticado grupo.

A pesar de la engañosa popularidad del periodismo tipo Von Däniken, evidencias repartidas por todo el mundo indican que esas personas fueron supervivientes de una civilización anterior poseedora de una gran tecnología.  Fueron los “patriarcas antidiluvianos”, como Enoc y Matusalén, los “gigantes y los héroes de la antigüedad”, mencionados en el Génesis.  Los enigmáticos dioses de la antigua Sumeria, Egipto y la India, todos provienen de los fabulosos tiempos antes del Diluvio.

Es el legado de una civilización y una tecnología superior a la nuestra.  Una tecnología capaz de crear un enorme ciudad subterránea, de la cual la Esfinge y las Pirámides son solamente unos marcadores en la superficie.  El científico del proyecto, el Dr. James J. Hurtak, asemeja este descubrimiento al impacto del contacto con una cultura extraterrestre avanzada. El Dr. Hurtak lo describió como el descubrimiento de la cultura de la Cuarta (raza) Raíz, la denominada civilización Atlante, destruida por el último cataclismo terrestre.  Presenta evidencias inequívocas de que todos los idiomas, culturas y religiones se remontan a un origen común, al cual el Dr. Hurtak se refiere como la “Civilización Madre”.La tecnología descubierta está más allá de la tecnología de las máquinas, tal y como la conocemos. Como Arthur C. Clark una vez bromeó: “cualquier tecnología superior a la nuestra nos parecería magia”. Según el Dr. Hurtak, fue una cultura que descifró el código genético y poseía las claves del espectro físico,  la “Física de la Luz Superior” de los antepasados… todo lo que el antepasado Gilgamesh fue a buscar en su famoso viaje a la “Ciudad Perdida de los Dioses” eran los túneles situados debajo del “Monte Mashu” en las tierras desérticas.

Hurtak hace referencia al “Idioma de la Luz” y a un gran sacerdote-científico del ciclo del tiempo anterior, llamado Enoc, que está asociado con la construcción del Complejo de la Gran Pirámide.  Hurtak habla también de una gran ciencia espiritual, una ciencia que describe una escalera genética a las estrellas.

El Dr James J. Hurtak tiene distintos doctorados en Física, Matemáticas, Lingüística, Filosofía, etc. Trabajó en la NASA y además asesoró a la Ex-Unión Soviética en el lanzamiento de satélites y sondas espaciales. Participó en el lanzamiento de dos sondas Soviéticas que desaparecieron misteriosamente antes de tocar tierra marciana. También Hurtak es uno de los creadores y precursores en la tecnología de los Super-Conductores, además de descifrar jeroglíficos egipcios que nadie antes lo había podido hacer. Dentro de su currículum esta el haber descubierto una civilización en Asia que databa de millones de años atrás y es asimismo director de la “Academia para las Ciencias Futuras”. Además fue quién aconsejó a la NASA estudiar cierto sector del planeta Marte donde están las supuestas pirámides. Cabe señalar que en referencia a la esfinge o “cara de Marte”, el Dr. Hurtak señala que se trata solamente de un efecto visual geográfico.

NOTAS : YA LOS RUSOS USANDO RAYOS X SABIAN DE GALERIAS BAJO TIERRA DEBAJO DE LAS PIRAMIDES Y DE LA ESFINGE,Y HASTA DETECTARON EL EXTRAÑO COMPORTAMIENTO DE LOS RAYOS COSMICOS DENTRO DE LA GRAN PIRAMIDE Y EL PRESIDENTE RUSO KRUSHEV LLEVO SUS EXPERTOS A PRINCIPIOS DE LOS 60 A ESTUDIARLO…

LOS YANQUIS USANDO ROBOTS Y EL RADAR SUPIERON DE LAS GALERIAS Y CAMARAS SECRETAS Y USANDO UN ROBOT LOGRARON FILMAR LAS CAVIDADES,SE SABE QUE HAY TUNELES

CUYA FINALIDAD SE ESTUDIA AUN PERO NO SE TIENE CONCLUSIONES Y YA EL PSIQUICO EDGAR CAYCE PREDIJO ESTAS CAMARAS Y DIJO QUE CONTENIAN RESTOS DEL ORIGEN DE EGIPTO O SEA LOS PAPIROS QUE TOTH TRAJO DESDE LA ATLANTIDA Y CUYAS COPIAS ESTABAN EN LA BIBLIOTECA DE ALEJANDRIA,

COMO SEA CAYCE DIJO QUE CUANDO EL MUNDO CAIGA EN UNA ERA OSCURA ESAS GALERIAS SERIAN DESCUBIERTAS Y ESE SABER SALVARIA A LA HUMANIDAD…

HOY SABEMOS QUE ZAW HAWASS ARQUEOLOGO DESCUBRIO MUCHA COSAS PERO SE MANTUVIERON EN SECRETO PORQUE LA EXPLORACION ESTABA CONTROLADA POR LA CIA Y EL MOSSAD O SEA LAS POTENCIAS BUSCARON TECNOLOGIA PARA USARLA COMO ARMA Y TOMAR VENTAJA PARA DOMINAR A LOS DEMAS PAISES,…POLEMICO PERO ASI FUNCIONA LA ELITE EN SU PLAN Y ASI ACTUA,

NADA DE LO QUE DESCUBRAN Y SEA UTIL Y REVOLUCIONARIO LO DARIAN A CONOCER,SINO QUE LO RETORCERIAN Y FALSEARIAN PARA SACARLE PROVECHO A SU FAVOR…

HOY SABEMOS QUE ISRAEL BUSCO DEBAJO DE PIRAMIDE Y ESFINGE Y EXTRAJO Y ROBO EQUIPOS Y TECNOLOGIA ANTIGUA,ALGUNOS DICEN QUE UN OVNI O NAVE ATLANTE FUE RECUPERADO Y HASTA HAY DATOS DE ESA OPERACION QUE EL MOSSAD REALIZO EN EL CAIRO,OTROS DICEN QUE USA BUSCA UN REACTOR ANCESTRAL COMPLETO PORQUE A TRAVES DE SUS CAMPAÑAS E INVASIONES SE HA IDO HACIENDO CON RELIQUIAS Y OBJETOS ANTIGUOS O Y ALIENIGENAS PERO AUN NO ALCANZO A POSEER Y UTILIZAR TODA ESA TECNOLOGIA Y BUSCA DESESPERADO UN REACTOR ENTERO DE ANTIMATERIA O PLASMA QUE MENCIONAN EN EL RIG VEDA O EL POPUL VUH Y POR ESO LA CIA ACECHA BOSNIA,AFGANISTAN,IRAK,EL CAIRO,LIBIA Y CUBA EN BUSCA DE RELIQUIAS Y RESTOS DE ESA TECNOLOGIA ANCESTRAL PARA COMPLETAR SU PLAN DE DOMINAR EL MUNDO Y LOGRAR SU NUEVO ORDEN DE TIRANIA MUNDIAL TRAICIONANDO LA RAZA HUMANA EN FAVOR DE LA ELITE HIBRIDA QUE NOS TIENE A MALTRAER DESDE HACE 4 MILENIOS Y ES RESPONSABLE DEL SABOTAJE A MARAVILLAS ANTIGUAS COMO LA TORRE DE BABEL,EL INCENDIO DE LA BIBLIOTECA DE ALEJANDRIA,LA DESTRUCCION DEL COLEGIO DE DRUIDAS,LA INQUISICION Y GUERRAS Y PESTES PARA DIEZMAR Y SOMETER A LA RAZA HUMANA GRACIAS A SUS ESBIRROS LOS HOMBRES DE NEGRO O GUARDIANES DEL CONOCIMIENTO (O DEL SOMETIMIENTO)…

[coliteratura]

Comentario de la obra de fractales

Comentario

Fractales es una obra de género dramático dirigida por Paco Novoa, fue presentada en el Foro y galería Pablo Silva el 9 de marzo del 2019, a las 20:00 hora.  Fractales tiene una estructura que representa un eterno retorno sobre acontecimientos de la vida de Anita. El lenguaje es claro y similar a la vida cotidiana de la gente común, por lo que los espectadores pueden sentirse algo identificado con la historia de la obra, por otro lado permanece filosóficamente “La poética de Aristóteles”, que hace conexión con la frase con la que termina la obra fractales “La vida se trata de soltar. –Fractales rompiendo el silencio hasta el infinito”.

Mientras que la presencia de las manifestaciones de movimientos artísticos en escena llevado a cabo por el actor y las actrices, dejan mucho que desear por parte de algunos de los integrantes, puesto dejan un pequeño vacío a la expectativa del espectador, pero por lo general en conclusión es una obra que te deja impactado y convencido de que uno debe de intentar conocerse, para ser alguien mejor y descubrirse más allá del todo limite existencial de sí mismo.

Fuente:

Obtenida información de algunas actrices del elenco de fractales.

Maestro Victor Gil Catañeda quien también nos informó de esta obra.

En la plataforma del Siceuc (Universidad de Colima).

[fracto]

Neon Fluxus · Hace un tiempo en ITERACIÓN Festival internacional de performance

Neon Fluxus · Hace un tiempo en ITERACIÓN Festival internacional de performance

Neón Fluxus nos comparte esta publicación con algunos de sus contenidos musicales creados en el contexto de sus experimentaciones para Iteraciones -Festival Internacional de Performance, circuito producido por Escena Fractal, y entre cuyas ciudades latinoamericanas y colombianas involucradas se realizaron activaciones en Pereira, Risaralda, Colombia, en el año 2014.

En aquel momento, para…

[cuadromagico]

La gente dice que soy pura luz como explicarlo, como decirlo que el sol esta quemando mi interior sin fingirlo la sociedad me aleja pone reja en mi fluir es pura destreza este vivir jamas es por dinero, entiendan y pierdan salgan de su  mierda banal Para llegar a ser, hay que dejar de parecer campeón Escucho la radio y suena a poca educación tu canción con las mejores wachas bacilon weon wachon zorron ilumino con neon mi escena allí estas tu siempre tan bella ya no te filmo ni te afirmo en esta vida virus soñé con Venus de milo tengo el flow y el filo, pero si puedo estoy dormido no te pido nada soy el rio, nunca adormecido camino al océano respeta al veterano y al manzano si bacilamo es porque amo yo no estoy vacío estamos ?  Estado Fractal,0 © All rights reserved.

[dianaspa]

No es la primera vez que Ángel León consigue llenar el auditorio de Madrid Fusión de aplausos y empujones para contemplar la magia que acababa de desplegar ante el público. Una vez más, la ponencia del chef del mar era de las más esperadas del congreso, y no defraudó. Se llevaron muchos comentarios los nuevos ingredientes marinos que este año se incorporan al menú de A Poniente, pero fue la deslumbrante puesta en escena de la nueva técnica de la sal la que terminó de emocionar al público.

El cocinero andaluz continúa en su reivindicación del mar como fuente más allá de a lo que estamos acostumbrados. Su línea de trabajo vuelve a partir de una investigación que empezó de una reflexión personal: “¿Qué buscamos en el mar? ¿Hacia dónde queremos ir?” La respuesta estaba en el propio mar; solo era necesaria una mirada diferente para descubrir nuevos ingredientes que en realidad siempre han estado ahí, como la sal. ¿Por qué ha dejado de emocionarnos? Para devolverla al lugar que se merece, León revoluciona nuestra forma de cocinar con sal con una técnica tan bella como fascinante.

En Directo al Paladar

Ángel León arrasa en Madrid Fusión con sus crustáceos de cáscara comestible y su morena-cochinillo

El sueño de encontrar flores, frutas y verduras en el mar

León confiesa que fue un descubrimiento a 27 metros de profundidad en el Estrecho de Gibraltar lo que marcó un antes y un después en su forma de entender su cocina. La visión de lo que parecía un bello ramo de flores, que en realidad no eran más que algas marinas, hizo replantearse su línea de investigación de cara a plantear la filosofía del restaurante. ¿Podría el mar ofrecer los mismos recursos que la tierra? ¿Acaso no se copió la tierra del mar a la hora de crear las flores? ¿Por qué limitar la riqueza marina a los mismos pescados y mariscos de siempre?

Desde entonces, en APoniente trabajan por descubrir nuevos productos e ingredientes, bien olvidados, bien nunca utilizados en la cocina, para sorprender al comensal con su menú en cada temporada. Es un trabajo difícil y comprometido con el medio marino que les lleva a colaborar con expertos de la Universidad para seleccionar productos que realmente sean comestibles, sin riesgos para la salud y que además ofrezcan juego en la cocina. Pero un buen cocinero se mueve por intuición, y eso le sobra a León y su equipo.

La idea es plantear una cocina en evolución constante, siempre reivindicando las posibilidades del mar para también protegerlo y cuidarlo, respetando su frágil ecosistema y sin olvidar la tradición. Mirando hacia un futuro comprometido con el agua, sorprendiendo con nuevos ingredientes y técnicas hasta ahora ignorados. Y, como ya dijo también Ricard Camarena en su intervención, la clave para empezar está en observar con detenimiento el propio medio para empezar a soñar con sus posibilidades.

En APoniente sueñan con encontrar frutas, verduras, cereales, tubérculos o legumbres en el mar, o al menos algo semejante para emocionar a través de sus platos, contar algo diferente desde el entorno marino. Y así han incorporado tras un año de trabajos nuevos productos que van a protagonizar el menú del restaurante en la nueva temporada, que abrirá sus puertas dentro de un mes. No han podido encontrar frutas hasta ahora, pero es fascinante la riqueza que ocultan las algas de nuestras aguas.

Un mundo de algas y otros productos marinos por descubrir (y degustar)

De esta forma, León ha presentado un nuevo juego de algas de formas y colores sorprendentes, que prometen nuevas sensaciones en el plato. Por ejemplo, el alga conocida como “la palma”, que llaman apio marino, con un tronco exactamente igual que un apio, con misma textura, y matices de yodo en su sabor. También muy curiosas son las algas bautizadas como peras marinas, que inicialmente parecían una fruta y que curiosamente aún no saben si la usarán en platos salados o dulces.

Actinia equina o “tomate de mar”

La bonita grosella marina la trabajan infusionándola con ingredientes como zumo de granada, cítricos y jengibre para acompañar proteínas, y ofrece una textura muy interesante que recuerda al alginato, con muchas posibilidades técnicas. Curioso es también el gran abanico de mar, que emplean para rellenar aprovechando su carnosidad. Y muy ligado a la tradición gaditana es lo que han llamado tomate marino, una anémona con dos estadíos que realmente recuerda a la hortaliza, con un sabor semejante a la ortiguilla pero con matices ácidos.

Mirar al mar con otros ojos: piojos del pescado y cangrejo guisante

Hay que saber observar y mirar lo que ya conocemos con otros ojos para encontrar elementos nuevos, o redescubrir lo que ya se creía conocido. Por ejemplo, los típicos piojos del pescado que todo el mundo desecha también son comestibles, deliciosos según cuenta el chef, pelados y cocinados al ajillo.

Pinnotheres pisum o cangrejo guisante

Cuenta León la curiosa historia de un chiringuito de California que se hizo famoso por servir los cangrejos parásitos de las ostras, que precisamente se convertían en una exquisitez en un sabor único. De esta forma, en APoniente ahora están trabajando con el llamado cangrejo guisante, un pequeño animal invasor al que los esteros de Cádiz temen, pero que en el restaurante ya aprovechan por sus posibilidades culinarias. Es un cangrejo muy fino con puro sabor a ostra.

En APoniente intentan introducir unos 10-15 ingredientes nuevos en su menú cada año, productos que hasta ahora el ser humano nunca ha comido. No quieren hacer vanguardia, sino demostrar que se pueden contar muchas más cosas del agua si se sabe mirar de una forma diferente.

La reinvención de la sal: una técnica fascinante para cocinar y emocionar

El plato fuerte de la ponencia estaba reservado para el final. Todo el mundo quería saber qué era eso de la reinvención de la sal, un ingrediente tan común y, sin embargo, tan infravalorado. Porque el chef afirmaba que le apenaba comprobar cómo ya no nos emocionamos al hablar de la sal, un producto tan básico en la cocina desde los inicios de la humanidad, fundamental para la vida. ¿Y cómo se podía volver a llamar la atención de la sociedad sobre la sal? Había que emocionar.

En Directo al Paladar

Quique Dacosta deslumbra con sus nuevos platos, con la sal como protagonista (Madrid Fusión 2018 II)

El chef es consciente de que hoy en día es difícil sorprender y emocionar de verdad en un restaurante. Hace falta algo de espectáculo visual para destacar y generar expectación. Así que empezaron a indagar en las mismas propiedades de la sal que nos llega a la mesa, empezando por el tiempo. ¿Cuánto se tarda en obtener la sal marina? En Cádiz se necesitan unos dos meses en las salinas, un periodo en el que se produce esa mágica transformación natural. ¿Sería posible capturar ese tiempo en un instante, compartirlo con el público, hacerlo partícipe de esa belleza?

Porque la sal es pura belleza a muchos niveles, pero los detalles de su producción escapan a nuestra percepción. Habría que visitar unas salinas en silencio para ser testigos de esa cristalización en fractales microscópicos. ¿Y si se pudiera mostrar ese proceso en el propio restaurante?

Había que investigar, probar y jugar con las posibilidades técnicas de la sal, ahondando en su propia esencia química. Así, en colaboración con investigadores científicos, analizaron una gota de agua de mar para extraer la sal y jugar un poco con ella. Lo que buscaban era una saturación perfecta para que echando una mínima cantidad de sal más esta pudiera cristalizar al instante. Y lo lograron.

Olvida todo lo que sepas de la sal… Una técnica que será para todos! pero que fue la obsesión de un equipo, de una tripulación! Convertir el agua del mar en sal… Lo desvelaremos en @madridfusion 2018 junto a David Chamorro y @luiticalle Gracias una vez más a Attic Films! pic.twitter.com/tdgWqmlnZT

— Restaurante Aponiente. Ángel León (@chefdelmar) 3 de enero de 2019

Llegaron los primeros comentarios de asombro en el auditorio de Madrid Fusión cuando León vertió una jarra de agua sobre una bandeja metálica, logrando la cristalización instantánea de la sal. Pero, como rápidamente señaló, no era realmente una técnica, a pesar de su enorme belleza. Era esa saturación perfecta a la que aún faltaba poder aplicarle calor para cocinar con ella; los trabajos continuaron hasta lograr la reacción exoterma para que ese agua convertida en sal tuviera temperatura. Volvieron a lograrlo.

Esta es la fórmula mágica de la sal caliente que cristaliza al hacer contacto con un sólido:

Sal de mesa (cloruro de sodio).

Sal de mesa sin sodio (cloruro potásico).

Calcio (cloruro de calcio).

Sal de vinagre (anhidrido de acetato de sodio).

Sal viva.

La combinación precisa permite obtener una “sal” a la que se puede dar temperatura, hasta casi 135 grados, que abre todo un mundo de posibilidades culinarias. Para demostrarlo, León hizo una exhibición casi artística vertiendo su producto sobre pescados y mariscos, como unos magníficos percebes que al instante quedaban cubiertos por una bella capa de sal cristalizada, dejándolos cocinados y atemperados con la temperatura perfecta.

Los sentidos se despiertan al contemplar el proceso en vivo y en directo; química, técnica, cocina, belleza y también algo de magia se entrelazan en un proceso que fascina y que sin duda dará mucho que hablar en el futuro próximo. Y lo mejor de esta técnica es que, como ya avisó el chef, no está destinada a la cocina. Es el equipo de sala el que realmente dará brillo a esta nueva forma de tratar la sal, llevando a los ojos del comensal el espectáculo sensorial.

En Directo al Paladar

Angel León deslumbra al mundo con su luz del mar comestible

Recordando a aquel momento clave en el que Adrià mostró los secretos de la esferificación, León se dio cuenta de que un descubrimiento como este también había que compartirlo. Al fin y al cabo, la cocina y la gastronomía es fruto de un trabajo colectivo en el que todo el mundo coge influencias e influye al mismo tiempo en los demás. Ya ha anunciado que a partir del próximo agosto empezará a comercializarse el producto gracias a la colaboración con la empresa Sosa, para que cualquier profesional pueda empezar a explorar esta técnica en sus cocinas.

Y así, el chef del mar y su equipo de APoniente volvieron a brillar en Madrid Fusión, demostrando por qué este tipo de congresos sí pueden merecer mucho la pena. Ahora solo queda esperar otro año para descubrir con qué nos sorprenderán en la próxima edición.

Fotos | Madrid Fusión – Fabrizio P. – Bathynome en Wikimedia Commons

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– La noticia

Ángel León reconquista Madrid Fusión: el chef del mar emociona con nuevos ingredientes y la técnica de la sal que parece magia

fue publicada originalmente en

Directo al Paladar

por Liliana Fuchs

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Todos los caminos conducen a ROMA

Alfonso Cuarón, cineasta mexicano director de la premiada ‘Gravedad’, inventó con Roma todo un género: la novela audiovisual (sugiero verla como se empieza un libro que nos recomiendan: sin necesidad de saber el argumento).

Quienes no la hayan visto, no pierdan un segundo que su paso por las salas de cine es veloz (y simbólico, para poder participar de premios y festivales, ya que compite con su propio estreno casi simultáneo en Netflix). 

Filmada en blanco y negro, fluye como agua. Cuarón construye una narración tan sólida como un plano secuencia inmenso, repleto de detalles y generoso de sutilezas (¿cómo no ver un homenaje a Abbas Kiarostami y a Roberto Rossellini?).

La película (¿o debería decir ‘la novela’?) teje con hilos de oro prejuicios que se da el gusto de derrumbar, para volverlos a construir, con cemento, en la escena siguiente (la primera y segunda visita al hospital son un ejemplo inverso perfecto).

En Roma todo es fractal, cada escena es más inmensa que el mar, ese que muestra de perfil en una secuencia memorable: nos hace viajar a nuestra infancia (¿quién no se vio con esa abuela yendo al cine?), nos interpela con la naturalidad amorosa que presenta esa vida de esclavitud, esa forma de aceptación, sin adjetivos, de la protagonista. Y nos muestra ese México igualito al de hoy, solo que sin celulares.

MR