#Centro Pompidou

[darioalvarez]

La mayor retrospectiva sobre Norman Foster: hasta el 7 de agosto en el Centro Pompidou (Nota de Prensa)

Textos y fotografías vía Norman Foster Foundation Con una superficie de casi 2.200 metros cuadrados, la exposición repasa los diferentes periodos de la obra del arquitecto a través de siete temas: ‘Nature and Urbanity’; ‘Skin and Bones’; ‘Vertical City’; ‘History and Tradition’; ‘Planning and Place’; ‘Networks and Mobility’ y ‘Future’. Fotografía vía Norman Foster Foundation A la entrada de la…

[gustavomirabalcastro]

El desfile otoño-invierno 2023-2024 de Chloé fue dedicada a la protección del planeta

El desfile otoño-invierno 2023-2024 firma la tercera parte de una obra dedicada a la protección del medio ambiente. Gabriela Hearst imagina sus desfiles de Chloé como capítulos; cada uno de los cuales destaca soluciones contra el calentamiento global. El desfile otoño-invierno 2023-2024, presentado el 2 de marzo en el Centro Pompidou de París, no fue la excepción. Con la pintora Artemisia…

[iamainhoa]

Suzanne Valadon

La habitación azul, 1923 oil on canvas,  90 x 116 centímetros Postimpresionismo

La odalisca de La habitación azul retoma un cliché pictórico para reformularlo.

La mujer tumbada en la cama no está desnuda, sino vestida, no al estilo oriental como las odaliscas de Matisse, sino como una mujer moderna.

Su camisa con tirantes, su pijama de rayas no sólo evocan erotismo o expectativa sexual sino también el descanso de un cuerpo en la comodidad de una ropa suelta y colorida. El detalle del cigarrillo, aparentemente metido en la boca, caracteriza entonces a mujeres de "poca virtud", como las gigolletas de Kupka o las mujeres artistas.

La composición, que retoma el esquema tradicional del desnudo voluptuoso enmarcado por cortinas, nos lleva a la intimidad bohemia del estudio saturado de azules intensos.

Perdida en sus pensamientos, la mujer olvida la intrusión del pintor: es un momento robado.

📍Centro Georges Pompidou, París, Francia

[cimentandoideas]

Gesto arquitectónico y la creación de identidad.

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 -Prof. J. Isado

2 de septiembre de 2024

Un aspecto fundamental del gesto arquitectónico es su capacidad para responder al contexto en el cual un arquitecto se puede inspirar, este puede ser natural, urbano, histórico o cultural. Un ejemplo puede ser Peter Zumthor, en sus Termas de Vals utiliza la piedra local para construir un edificio que parece que sale de la montaña. Igualmente el centro Pompidou en Paris diseñado por Renzo Piano y Richard Rogers ofrece un gesto completamente diferente al presentar un edificio colorido y un diseño industrial en el medio de la ciudad. Estos gestos son elementos que sobresalen de la composición general en la que normalmente los arquitectos diseñan.

Zumthor utiliza muy bien el gesto arquitectónico en su proyecto, establece un diálogo armónico entre el paisaje y los edificios a su alrededor. Cada arquitecto tiene su propio estilo e inspiración para realizar un proyecto. Muchos se enfocan en la estética de su diseño y otros en los elementos naturales y que se puede lograr con esos espacios. En el caso de Zumthor el supo organizar bien sus ideas para lograr crearla armonía que le pidieron para que las vistas de los hoteles a sus alrededor no se afectara y lo logró. Este proyecto demuestra las horas que tuvo que pasar Zumthor creando un gesto arquitectónico que estuviera acorde a su identidad y a la forma en la que el trabaja. Aquí, el gesto no es un mero capricho formal, sino una respuesta al contexto geográfico y material que busca conectar profundamente el edificio con su entorno.

El Centro Pompidou en Paris, como dije anteriormente ofrece un gesto completamente distinto, creando un monumento distinto a todo a su alrededor a simple vista. Este gesto con su estructura externa expuesta nos permite observar el punto al que querían llegar los arquitectos de este proyecto. Ellos buscando hacer algo muy distinto a todo lo que ya había sido construido en un país tan conservador. Esto es el gesto arquitectónico que los define, así ellos demuestran su identidad ante el ojo público.

En conclusión, el gesto arquitectónico es más que un capricho estilístico, es un elemento muy importante al realizar un proyecto arquitectónico que comunica intensiones y comunica un contexto y crea una identidad. Ya sea mediante el uso de materiales locales, la integración con el entorno natural, la creación de formar simétricas o la implementación de recursos sostenibles. El gesto arquitectónico ofrece que los arquitectos puedan proyectar algo, un pensamiento o un sentimiento a través de sus diseños. Esto hace que sus edificios hablen, provoquen emociones y dialoguen con su entorno.

Referencias:

Zumthor, Peter (2006). Thinking Architecture. Birkhäuser.

Libesking, Kind (2008). Breaking Ground: Adventures in Life and Architecture. Riverhead Books.

[jartita-me-teneis]

Fano Messan (18 de febrero de 1902 - 11 de febrero de 1998) fue una actriz, escultora, pintora y modelo francesa conocida por su colaboración con artistas como Luís Buñuel , Salvador Dalí , Man Ray , Kees Van Dongen y por su participación en la escena cultural parisina de finales de los años 20. También es famosa por su androginia .

Fano nació en Tarbes , Hautes-Pyrénées, Francia, en 1902. A los 16 años abandonó la École supérieure des beaux-arts de Toulouse (conocida a partir de 2011 como isdaT – institut supérieur des arts et du design de Toulouse ) para probar suerte como escultora en París. Las mujeres no eran bienvenidas en los talleres de escultura, por lo que hizo su aprendizaje haciéndose pasar por un hombre, especialmente en el estudio de Jan Martel . Messan se convirtió rápidamente en una figura familiar en las escuelas de nudistas , galerías de arte y bistrós bohemios de París. Vestida de hombre, con un corte de pelo muy corto y una belleza impactante, Fano perfeccionó sus habilidades escultóricas mientras dejaba una huella en las obras de los más grandes artistas de Montparnasse .

En 1924 fue invitada a exponer sus esculturas en Chicago, Estados Unidos. El periodista del Chicago Tribune , Lorimer Hammond, incluso escribió un artículo titulado “ El Barrio Latino se divierte tratando de determinar el sexo de Fano Messan ”, en el que anuncia la exposición de la escultora. Al año siguiente mostró su obra en el Salón de Otoño , celebrado en el Grand Palais . Una de las imágenes más famosas de Messan fue tomada durante esa exposición: Fano, con traje y corbata, posa junto a una de sus esculturas “l’Androgyne”. En el periódico independiente Le Réveil du Nord se la presenta como “la escultora más joven del mundo”.

Las obras de Fano Messan están impregnadas de una sensibilidad sin artificios, de líneas sencillas y armoniosas. También domestica la madera, la piedra, el marfil o el cristal para dar vida a sus temas favoritos. Las decoraciones del Grand Cercle Casino de Aix-les-Bains y el friso de "La danse" que adornaba la pared del Bal Tabarin , desnudos como la serie "l'Androgyne" presentada en el Salón de 1925, animales o figuras como las de Valéry Larbaud o Kees van Dongen, que la retrató ( "Le garçonne, Fano Messan" ) a cambio del busto que ella le hizo en 1929, año de su naturalización francesa . Este retrato (que permaneció en poder de la familia de Messan al menos hasta 2008) muestra a una Fano frágil y decidida, con la mirada profunda y distante, la boca roja brillante ligeramente entreabierta desafiando al tiempo. Los colores naranja, verde y rojo, tan frecuentes en la obra de van Dongen, no impiden que la mirada de Fano domine la composición del cuadro en contraste con el blanco de la blusa. Los retratos fotográficos de Messan realizados por Man Ray (como el realizado en 1928 y adquirido por el Centro Pompidou en 1994) comparten esta característica de la modelo.

Luis Buñuel la eligió para interpretar a "la chica andrógina" en el cortometraje Un Chien Andalou (1929) después de verla interpretar a una operadora telefónica en el largometraje L'Argent de 1928 , basado en el romance homónimo de Émile Zola . La película de Buñuel fue escrita con su entonces amigo Salvador Dalí, y presentó una serie de escenas tenuemente relacionadas. Messan interpreta a una joven andrógina, con el pelo corto y vestida con un atuendo bastante masculino. Empuja una mano humana cortada con su bastón mientras está rodeada por una gran multitud retenida por policías. La multitud se dispersa cuando el policía coloca la mano en una caja a rayas y se la da a la joven. La joven andrógina contempla algo felizmente mientras está de pie en medio de la ahora concurrida calle agarrando la caja. Luego es atropellada por un automóvil y algunos transeúntes se reúnen a su alrededor. Un joven parece disfrutar sádicamente del peligro y la posterior muerte de la joven andrógina y, mientras hace un gesto hacia la sorprendida joven que está en la habitación con él, la mira lascivamente y le toca los pechos.

La primera proyección de Un perro andaluz tuvo lugar en el Studio des Ursulines, con un público de todo París . Entre los asistentes notables al estreno se encontraban Pablo Picasso , Le Corbusier , Jean Cocteau , Christian Bérard y Georges Auric , además de todo el grupo surrealista de André Breton . La recepción positiva de la película por parte del público sorprendió a Buñuel, que se sintió aliviado de que no se produjeran actos violentos. Dalí, por el contrario, se dijo que estaba decepcionado, pues sintió que la reacción del público hizo que la noche fuera "menos emocionante". Los dos actores principales de la película finalmente se suicidaron: Pierre Batcheff sufrió una sobredosis de veronal el 13 de abril de 1932, en un hotel de París, y Simone Mareuil se inmoló el 24 de octubre de 1954, rociándose con gasolina y quemándose hasta morir en una plaza pública de Périgueux , Dordoña. Fano Messan murió a los 95 años en Juvignac , Hérault, Francia.

📸Fano Messan, 1921, París. Foto de Emmanuel Sougez.

Fano Messan (1902-1998) fue un artista dedicado a la escultura, recordado como el hermafrodita de Un perro andaluz (1929), la primera película de Luis Buñuel.

Debido a su participación en esta película y por su costumbre de usar ropa de hombre, a menudo se la confunde con un hombre.

Fue fotografiada por Man Ray y participó en la escena cultural parisina de finales de los años 20.

[darquitectura]

Centro Pompidou

(vía 46 años del Centro Pompidou - Arquine)

[dakota-zen]

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, Ciudad de México, 6 de julio de 1907-13 de julio de 1954),​ conocida como Frida Kahlo, fue una pintora mexicana. Su obra gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de 150 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. También es considerada como un icono pop de la cultura de México.

Su vida estuvo marcada por el infortunio de sufrir un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse a hasta 32 operaciones quirúrgicas.​ Llevó una vida poco convencional. ​La obra de Frida y la de su marido, el pintor Diego Rivera, se influyeron mutuamente. Ambos compartieron el gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo posrevolucionario.

En 1939 expuso sus pinturas en Francia gracias a una invitación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición (Autorretrato-El marco, que actualmente se encuentra en el Centro Pompidou) se convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre. Hasta entonces, Frida Kahlo había pintado solo privadamente y a ella misma le costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Aunque gozó de la admiración de destacados pintores e intelectuales de su época como Pablo Picasso, Vasili Kandinski, André Breton, Marcel Duchamp, Tina Modotti y Concha Michel, su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional después de su muerte, especialmente a finales de los años de 1980 y principios de 1990 por coleccionistas.

[bishopsbox]

source: bishopsbox

Robert Delaunay, Self-portrait, 1909, Centre Pompidou, Paris.

Robert Delaunay, Autorretrato, 1909, Centro Pompidou, Paris.

[miguelmazon]

Concepto y diseño del libro para la artista brasileña Anna Bella Geiger.

“Rrose Sélavy mesmo” es el título que corresponde a la la serie de obras que Anna Bella viene realizando desde 1997 hasta hoy. El libro tiene un texto inicial donde la artista, a modo de carta dirigida a Marcel Duchamp, describe cómo se originó la serie, hace hincapié en la importancia de los procesos artísticos a la hora del hallazgo, así como su planteamiento en la selección de periódicos para sus intervenciones en ellos utilizando la imagen de Rrose Sélavy que Man Ray le hizo a Marcel Duchamp. Los periódicos elegidos son varios aunque predominan Folha da Tarde, Globo, Le Monde, El País, Frankfurter Allgemeine o New York Times.

Anna Bella Geiger es una de las artistas brasileñas más valoradas en la escena internacional, considerada una de las pioneras en el uso de medios no convencionales para experimentar otras formas de plantear y cuestionar el presente. Su obra está presente en todo el mundo en las colecciones del Museo de Arte Moderno, Nueva York; Centro Pompidou de Paris, Fogg Museo, Cambridge; Getty Fundación, Los Ángeles; Museu Serralves, Porto; Frankfurter Kunstverein, Fráncfort; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo, Chicago entre otros.

Cliente: Aural Galería

[bongianimuseum]

BIOGRAFIA DI SHOZO SHIMAMOTO

BIOGRAFIA DI SHOZO SHIMAMOTO

Nato nel 1928 a Osaka, in Giappone.

1947 / Frequenta l'atelier del maestro Jiro Yoshihara, dove produce la sua prima opera "Høie".                       

1948 / Prende parte alla mostra "Sette artisti d'avanguardia" presso il department store Kintet-su a Osaka.                                                                                                                                                          

1950 / I laureati del Gakuin University Kansai in Hyugo.                                                                              

1953 / Partecipa alla prima mostra del gruppo Genbi, con Jiro Yoshihara,. Diver si giovani artisti che espongono si uniranno al gruppo Gutai .                       

1954 / Fonda Gutai con Jiro Yoshihara. Partecipa alle più importanti mostre Gutai.                                         

1955/ Alla prima mostra Gutai presenta un lavoro rivoluzionario per essere vissuto e goduto dal corpo: "Prego, camminate qui". Il lavoro è stato ricostruito nel 1993. 1956 / In occasione della mostra a cielo aperto Gutai mostra la sua opera realizzata attraverso l'utilizzo di un cannone a mano che verrà presentata alla Biennale di Venezia del 1993, in cui bottiglie di vetro contenenti pigmenti sono gettati ed esplodere il colore direttamente sulla tela 1957 / Mostra il suo video pionieristico arte alla mostra Gutai prestazioni. Un altro dei suoi lavori, un lavoro sonoro, che può essere considerato come musica concreta, è inserito nella Raccolta Centro Pompidou...                

1970 / Produttore artistico per 1000 spose al Festival EXPO

1976 / Partecipa a un progetto di Mail Art che coinvolge 60 paesi e con una rete di 8000 scambi. Crea una strada con 10.000 giornali lungo il lato del fiume Mukogawa 1992 / Mentre continua a produrre nuove opere, diventa Presidente della Japan Society Arte e Cultura di disabili-persona (ora Arte Giappone) e organizza la prima mostra su larga scala di persone disabili in Osaka. Nello stesso anno viene intervistato di Jane Kennedy Smith per il quotidiano più famoso giapponese, Mainichi Shinbun 1993 / Invitato a partecipare alla Biennale di Venezia come membro del Gutai 1994 / Invitato ad esporre al Guggenheim (New York) 1996 / Shimamoto viene proposto come candidato per il Premio Nobel per la Pace in riconoscimento delle sue attività pacifiste da numerose riunioni Bern Porter, il medico che ha fatto la bomba atomica sganciata su Hiroshima.

1997 / Unico artista giapponese dopo la Restaurazione Meiji ad avere la sua foto in Storia dell'Arte, pubblicato da l'America Album

1998 / Invitato come uno dei primi quattro migliori artisti del mondo dal dopoguerra, insieme a Jackson Pollock, John Cage e Lucio Fontana, a partecipare a una mostra al MOMA (USA) 1999 / Invitato ancora una volta a partecipare alla Biennale di Venezia, con David Bowie e Yoko Ono 2000 / Tiene una mostra a Parigi (Unesco) e propone una collaborazione artistica in Francia, co-sponsorizzata dall'Unesco del Giappone e dalla Felissimo Museo. Inizia la creazione di un lavoro enorme che sarà conservata da 100 anni a Shin Nishinomiya (Prefettura di Hyogo. 

2001/ Invitato alla manifestazione Giappone Anno a Londra. Alcune opere sono assegnati alla Tate Modern da inserire nella collezione.

2003 / Invitato a partecipare alla Biennale di Venezia (Extra 50)

2004 / Performance con un elicottero vicino a Venezia.  Performance Nyotaku a Ca 'Pesaro Galleria Internazionale d'Arte Moderna (Venezia). Tre opere ora appartengono alla collezione della galleria.

2005 / Performance con Elicottero a Trevi e mostra al Trevi Flash Art Museum.  Mostra personale a Reggio Emilia (Pari & Dispari Agency, Italia). Realizzazione dell'opera piccola d'arte nel mondo, utilizzando nanotecnologie, per realizzare immagini sulle estremità delle setole di uno spazzolino da denti (in collaborazione con Ritsumeikan Università di Kyoto)

2006 / Invitato ad esporre alla ZONE ZERO a Duesseldorf. Invitato ad esporre alla Hsinchu City International Glass Art Festival. Exhibition e Performance della gru a Napoli. Invitato ad esporre alla Tokyo International Art Fair

2007 / Espone quaranta opere prodotte dal periodo Gutai ai giorni attuali nella mostra "Shozo Shimamoto: Action Colors 1950-2006" presso la Galleria Pier Giuseppe Carini di San Giovanni Valdarno. Presso il Fashion Museum di Kobe tiene la performance Felissimo WHITE PROJECT; le opere realizzate vengono esposte allo Hyogo Prefectural Diplomatic Estabilishment e al Kobe Fashion Museum. Presenzia al P3 Project per la Biennale di Venezia; qui si cimenta in una performance, Bottle Crash, nel Chiostro di San Nicolò, organizzata in collaborazione con l’Architetto Luigi de Marchi presidente del “ABCOnlus”. Viene coinvolto nell'organizzazione di un evento a Pechino, "Art Challenged Project", cui partecipano molti artisti disabili arrivati dal Giappone. Alcuni dei suoi lavori più rappresentativi vengono esposti nella collettiva "Artempo" organizzata da Mattijs Visser e Axel Vervoordt nel Palazzo Fortuny di Venezia. 2008 / Il 7 maggio realizza una performance a Punta Campanella, Napoli, coinvolgendo un gruppo di danzatrici vestite da spose con la testa ricoperta da bicchieri saturi di colore. Il 9 maggio fa una performance nel chiostro della Certosa di San Giacomo di Capri lanciando il colore su otto tele disposte a terra e su due contrabbassi disposti a lato delle tele, ricoperti da spartiti musicali e sorretti da due giovani donne. Sempre alla Certosa di San Giacomo di Capri espone alcuni suoi lavori nella mostra "Vento d'Oriente".   Presso il Museo Magi ‘900 di Pieve Di Cento (BO) si tiene la mostra Shozo Shimamoto / Yasuo Sumi - I colori della pace, con una performance nella sala Modigliani del Museo. Il 13 novembre 2008 presso il Museo d' Arte Contemporanea di Villa Croce di Genova “Shozo Shimamoto. Samurai, acrobata dello sguardo”, curata da Achille Bonito Oliva.

2009 / In occasione di Roma. Road to Contemporary Art , sono esposte sue opere in diverse mostre: Hofficina d’Arte, a cura di Achille Bonito Oliva; Palazzo Barberini, “Cose mai viste II” a cura di Achille Bonito Oliva, dedicata alle opere delle collezioni private degli artisti. Palazzo delle Esposizioni, in collaborazione con la Fondazione Morra, l’Archivio Pari & Dispari e l’Associazione Shozo Shimamoto. Partecipa alla mostra collettiva “Madre Coraggio: l’arte” a cura di Achille Bonito Oliva che si tiene all’interno del Festival di Ravello. Tiene una mostra personale presso la galleria “VV8 artecontemporanea” di Reggio Emilia, in collaborazione con l’Associazione Shozo Shimamoto, dal titolo “La danza del colore”, in occasione della quale ha luogo una performance del coreografo Mauro Bigonzetti e quattro ballerini della Fondazione nazionale di danza Aterballetto che animano gli abiti da sposa realizzati da Shimamoto nell’azione di Punta Campanella.

2011 / Sculture e grandi tele provenienti dalle performance di Venezia, Punta Campanella, Capri e Genova sono esposte nella basilica di Santo Stefano di Bologna in occasione di Arte Fiera OFF in una mostra a cura di Achille Bonito Oliva. Mostra personale presso la galleria “Nicola Pedana” di Caserta. Mostra personale presso la Fondazione Morra di Napoli. Assieme a opere di grandi dimensioni sono proiettati due video di Mario Franco che documentano le performance di Piazza Dante a Napoli (2006) e Punta Campanella. Viene invitato a condurre due performance presso il Moderna Museet di Stoccolma in Svezia in occasione dell’evento “AN EXPERIMENTAL CONFERENCE ON ART AND SCIENCE TO CHALLENGE THE MID-SUMMER SUN” dove reinterpreta la performance con il cannone del 1956 e quella su palcoscenico del 1957.

2012 / Dal 14 marzo al 5 maggio 2012 la mostra personale “SHOZO SHIMAMOTO” c/o la Axel Vervoordt Gallery di Anversa (Belgio). Mostra personale "Shozo Shimamoto, Opere 1950-2011" a Palazzo Magnani a Reggio Emilia. Partecipa alla mostra "Explosion: Pittura in Azione" al Moderna Museet di Stoccolma. Mostra "Dipingere il Vuoto" al MOCA di Los Angeles con una sala dedicata a Shimamoto.

2013 / Partecipa a Milano  al  progetto internazionale di Mail Art  "INviso" curato da Ruggero Maggi. Prima del 25 gennaio  2013,  l'anno della morte, partecipa a Salerno al Progetto Internazionale "Wunderkammer Artistamps " a cura di Giovanni Bonanno, con  una delle ultime partecipazioni alla mostra Collettiva Internazionale in omaggio ai 70 anni di Marcello Diotallevi svoltasi  a giugno. Prima retrospettiva dopo la morte alla Galerie Hofburg a Bressanone con una ventina di dipinti  a cura di  Vittoria Coen. Prima antologica milanese di Shozo Shimamoto  allo Studio Giangaleazzo Visconti di Milano  con 30 opere presentate  in grado di ripercorrere la ricerca dell’artista giapponese.

 2015 / Collettiva internazionale “Add &  Return” con la partecipazione di 97 artisti dal titolo: “VIRTUAL FLUXUS POETRY” che lo Spazio  Ophen Virtual Art Gallery di Salerno dedica all’artista giapponese Shozo  Shimamoto come  evento  contemporaneo ed indipendente  progettato in concomitanza con la 56th Biennale Internazionale d’Arte di Venezia 2015, a cura di Sandro  Bongiani.

2016 / CRUCIFIXION - Shozo Shimamoto, ArtVerona I Art Project Fair 2016 - i7 Spazi Indipendenti Italiani, a cura di Sandro  Bongiani, Spazio Ophen Virtual Art Gallery di Salerno.

2019 / SHIMAMOTO - CAVELLINI – COHEN, IDENTITY OF ARTIST / Marginal Active Resistances, a cura di Sandro  Bongiani, Spazio Ophen Virtual Art Gallery di Salerno

2023 / MEMORIAL SHOZO SHIMAMOTO 2013-2023 . ”Relazioni marginali sostenibili “avere un’idea per capello”.  Mostra Collettiva Internazionale, per il decennale della scomparsa dell’artista giapponese  a cura di Sandro Bongiani e Ruggero Maggi. -  Galleria Sandro Bongiani VRspace e Spazio Ophen Virtual Art Gallery di Salerno.

  COLLEZIONI:

In  Giappone

Museo d’Arte Contemporanea di Tokyo, Museo d’Arte di Fukuoka, Museo di Kitakyushu, Museo d’Arte di Hyogo, Museo d’Arte Moderna di Osaka, Museo di Nara, Museo d’Arte di Takamatsu, Museo d’Arte di Ashiya, Museo d’Arte di Miyagi, Museo d’Arte di Shizuoka, Museo di Gifu, Museo d’Arte Contemporanea di Osaka, etc.

All’estero  

Tate Modern (Londra), Museo Nazionale di Arte Moderna di Roma, Art Center di Milano, Paris Gallery, Mail Art Museum (Berna, Svizzera), Galleria Internazionale di Arte Moderna Ca’ Pesaro, Collezione Bongiani Ophen Art Museum di Salerno, etc.

Il sito ufficiale di  www.shozo.net  

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CASA EN TOLÓ

•ARQUITECTO:  Alvaro Siza

•UBICACIÓN: Cerva, Vila Real

•CRONOLOGÍA: 1999

•BIOGRAFÍA DEL AUTOR

Arquitecto portugués nacido en Matosinhos (próximo a Oporto) en 1933.

Aunque de adolescente se interesó por la pintura y la escultura, con 15 años decidió su vocación de arquitecto al descubrir a Gaudí. Comenzó sus estudios de arquitectura en 1949, en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Oporto, que finalizó en 1955. Durante sus años de estudiante realizó su primer proyecto construido en 1954. Entre 1955 y 1958 colaboró en el estudio del arquitecto Fernando Távora.

Impartió clases en la universidad de Oporto, desde 1966 hasta 1969, y se convirtió en catedrático de construcción en 1976. Trabajó como profesor invitado y conferenciante en las Universidades de Pennsylvania, Los Andes de Bogotá, la Escuela Politécnica de Lausana, y en la Escuela Graduada de diseño de la Universidad de Harvard.

Álvaro Siza es uno de los arquitectos más conocidos del panorama arquitectónico portugués en la actualidad. Entre su amplia producción caben destacar: el proyecto para 1.200 viviendas en la calle de Malagueira, en Évora (1977); la casa Avelino Duarte en Ovar (1981-85); el Centro Cultural de Sienes (1982-85); la Escuela Superior de Educación de Setúbal (1986-92); la nueva Escuela de Arquitectura de Oporto (1986-93); la Biblioteca de la Universidad de Aveiro (1988); el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela (1988-93); o el Centro Meteorológico de la Villa Olímpica de Barcelona (1989-92), entre otros.

Entre sus proyectos urbanísticos destacan: el plan urbanístico para Macao (1983-84); el plan de recuperación de Schilderswijk, La Haya (1985); el proyecto de renovación urbana de Giudecca, Venecia (1985); la reconstrucción de la zona incendiada de Chiado (1988); o el plan urbanístico de la Praça de Espanha (1989), ambos en Lisboa.

Ha participado en diversos concursos internacionales, y ha ganado el concurso de viviendas Schlesisches Tor, Berlín (1980); el concurso para la recuperación del Campo di Marte, Venecia (1985); el concurso para la renovación del Casino y Restaurante Winkler de Salzburgo (1986); o el concurso para el Centro Cultural de la Defensa (1988-89).

Obtuvo el Premio de Arquitectura de la Asociación de Críticos de Arte de Portugal en 1982, y fue galardonado por la Asociación de Arquitectos Portugueses en 1987. En 1988 consiguió la medalla de oro de Arquitectura del Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España; la medalla de oro de la Fundación Alvar Aalto; el premio de Diseño Urbano Príncipe de Gales de la Universidad de Harvard; y el Premio Europeo de Arquitectura de la Comunidad Económica Europea. En 1992 gana el Premio Pritzker, y un año más tarde fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Escuela de Lausana. En 2002 recibió el León de Oro de la Bienal de Venecia al mejor proyecto arquitectónico por su Fundación Ibere Camago, en Porto Alegre, y ese mismo año fue condecorado con la Medalla Internacional de las Artes de la Comunidad de Madrid.

Su obra es conocida en todo el mundo, gracias a las numerosas y variadas exposiciones -tanto individuales como colectivas- que realiza: en el Museo de Arquitectura de Helsinki (1982); en el Museo de Alvar Aalto en Finlandia (1992); en la Bienal de París (1985); en el Centro Georges Pompidou de París (1990); o en el MOPU de Madrid (1993), entre otras.

•DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Y CONTEXTO CULTURAL

En 1999 Siza nos deleita con este proyecto de vivienda unifamiliar convertida ya en un clásico de su obra.

Ubicada en Portugal, esta casa se distingue por su radical adaptación al problema de la pendiente en un terreno abruptamente inclinado y con una configuración particular: muy largo y angosto. Hecho que, por otro lado, no hace perder la simplicidad del proyecto.

La inestabilidad del terreno junto con un presupuesto reducido origina la necesidad de enterrar parcialmente la vivienda, consiguiendo un comportamiento termal positivo. La casa se une naturalmente al terreno mediante una posición lineal al centro de la parcela, se intentó salvar todos los árboles preexistentes, ya que mantienen una fuerte presencia en el área, así como para preservar la continuidad con los entornos inmediatos y para asegurar sus características originales. La abrupta topografía condiciona el espacio interior de la vivienda, con un acusado desarrollo longitudinal y una acusada pendiente.

Al enterrarse la vivienda los espacios exteriores adquieren mucho protagonismo: se organizan patios exteriores en las cubiertas de los diferentes niveles conformando un jardín, así como plataformas de descanso en su recorrido lineal, convirtiendo la casa en sí en un sendero.

La escalera externa que vincula los patios refleja la escalera interior que tiene la misma función de unir los compartimientos, los que también están desarrollados a través de niveles. De esta manera, las escaleras externas corresponden a los techos interiores. La elección del hormigón visto crea una idea similar a la de rocas masivas apareciendo naturalmente del sitio. De esta manera, la expresión se adquiere a partir de una estructura continua de hormigón, la más eficiente en un sitio de estas características, y una vez más se estaría haciendo uso de los modestos recursos económicos disponibles, motivo por el cual se creó la necesidad de enterrar parcialmente la casa

•BIBLIOGRAFÍA

https://arquitecturaviva.com/obras/casa-tolo

[darioalvarez]

Norman Foster, seis décadas de su obra se expondrán en el Centre Pompidou

A major figure of world architecture who is often seen as a leader of the “high tech” trend, British architect Norman Foster has designed many iconic creations throughout the world.  via https://www.centrepompidou.fr/en/program/calendar/event/Lan1nnY Norman Foster, afirma: «Esta exposición se centra en la sostenibilidad y la anticipación del futuro. El nacimiento del estudio, en los años…

[iamainhoa]

Marc Chagall

Los novios de la Torre Eiffel 1938-39 Óleo sobre tela. 150 cm x 136,5 cm. Expresionismo

 Los recién casados, representan al mismo Chagall junto a Bella, el amor de su vida, y la cabra, la vida campesina de su infancia.

Si se observa el cuadro de izquierda a derecha, se puede apreciar la celebración de su matrimonio en Rusia, la Torre Eiffel representa su llegada a Francia.

Chagall pintó esta obra en Niza, en el año 1939, poco antes de que comience la guerra, y de la cual deseaba huir, por lo cual pinta la pareja como "volando" y atajada por un gallo (símbolo de Francia)

Su arte tiene ese aire de inocencia que a mi tanto me encanta. Un mundo lleno de amor y de infancias felices, un mundo que irradia alegría y optimismo a través del colorido intenso (una evidente reacción contra el horror y desesperanza que vivió el mundo durante la primera mitad del siglo XX).

Toda esa lírica, esa energía poética que contienen sus obras, hace que muchos definan a Chagall como “el más poeta de los pintores”.

📍Centro Pompidou. París, Francia.

[hotnew-pt]

O artista visual suíço Daniel Spoerri, pai de "Eat-Art", morreu aos 94 anos - rts.ch #ÚltimasNotícias #Suiça

Hot News Morreu o artista visual suíço Daniel Spoerri, figura do movimento artístico do “Novo Realismo” e pai do “Eat-Art”, que consiste em fixar os vestígios de uma refeição numa obra, anunciou esta quarta-feira o Centro Pompidou. Ele tinha 94 anos. “Estamos profundamente tristes com a morte de Daniel Spoerri, uma figura emblemática e membro fundador do Novo Realismo”, disse o museu de arte…

[visionescontemporaneas]

Del 07 de noviembre al 16 de febrero del 2025

VC#036 DIEGO DEL POZO

La obra de Diego del Pozo está atravesada por las políticas de las emociones, las economías afectivas y por cómo se producen social y culturalmente dispositivos afectivos. A través de los cuerpos, protagonistas de la totalidad de su trabajo, se mueve por una coreografía diversa de gestos y cuidados, de erotismo y deseo, pero también del odio, el miedo y los malestares contemporáneos. En su búsqueda por re-presentar las formas de las emociones, las narrativas de ciencia ficción le sirven para experimentar con otras formas de ver y estar en el mundo, cuestionando las fronteras de las identidades normativas y visibilizando las disidencias. Su trabajo se vincula al video y al cine; al dibujo, a la escultura y a las instalaciones audiovisuales, creando sus obras a través de diferentes formatos y géneros artísticos.

Es miembro de los colectivos artísticos Subtramas, C.A.S.I.T.A. y Declinación Magnética, así como del grupo de investigación Las Lindes. Su obra forma parte, entre otras, de las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, CA2M: Museo Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles - Comunidad de Madrid y MUSAC de León. Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en la X Bienal Centroamericana de San José y Managua (Costa Rica y Nicaragua, 2016-2017); la Diputación de Huesca (2012), CAB de Burgos (2011), y más recientemente en el Palacio de la Madraza de Granada (2023) y la galería House of Chappaz de Barcelona (2024). También ha participado de exposiciones colectivas en Museo Reina Sofia (2021 y 2014), la III Bienal de La Habana (2019), Centre del Carme de Valencia (2018), Centro Cultural Conde Duque (2017), CentroCentro y Matadero en Madrid. Tabakalera de San Sebastián (2016), MUSAC de León (2014-15) entre otras. Y en programas de vídeo, festivales y otros proyectos como La Casa Encendida de Madrid, MACBA de Barcelona, Centro Montehermoso de Vitoria/Gasteiz, Nikolaj Kunsthal de Copenague, Haus der Kulturen der Welt de Berlin y en París en Jeu de Paume, Theatre Chatelet, Centre George Pompidou o el Palais de Tokio entre otros.

OBRAS:

Variaciones Keller. Sonido. Color. Digital. 2018. 8’27”

Tocar, no dominar. Sonido. Color. Digital. 2019. 6’50”

Oído-Odio. Sonido. Color. Digital. 2023. 43’44’’

El 7 de noviembre, Diego del Pozo impartirá una máster class bajo el título "Si tú me ves, pero yo no te veo nunca, por qué no puedo tocarte siempre?" a las 19h en el Salón de Actos del DA2. Con entrada libre hasta completar el aforo

[carmenvicinanza]

L’arte militante di Carla Accardi

L’arte è sempre stata il reame dell’uomo. Noi, nello stesso momento in cui entriamo in questo campo così maschile della creatività, abbiamo il bisogno di sfatare tutto il prestigio che lo circonda e che lo ha reso inaccessibile.

Carla Accardi, pioniera dell’arte contemporanea, dal dopoguerra, è riuscita a emergere in un contesto fortemente maschile e per prima ha ricevuto importanti riconoscimenti internazionali.

Figura cardine della cultura visiva contemporanea, è stata la prima donna a dedicarsi all’astrattismo, nel 1947, e prima a dare alla sua arte una connotazione politica.

Lavorando su forme indecifrabili in cui protagonista è stato soprattutto il colore, ha abbattuto i pregiudizi che vedevano le opere delle donne intrise di delicatezza e realismo.

La sua pittura costellata di confronti linguistici e sperimentazione, è riuscita a raggiungere vette altissime.

Si è espressa attraverso il segno, reinventandolo o reinterpretandolo per collaudare nuove convivenze e nuovi rapporti con lo spazio e la superficie.

Ha più volte partecipato alla Biennale di Venezia e nel 1997 è entrata a far parte della Commissione.

Ha esposto in personali e collettive in tutto il pianeta.

Le sue opere hanno fatto parte di importanti rassegne internazionali alla Royal Academy di Londra, al Guggenheim Museum di New York, al MOCA di Los Angeles, al Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain di Nizza e fanno parte delle collezioni di istituzioni come la Tate di Londra, il MoMa di New York, il Centro Pompidou di Parigi, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, il Palazzo Reale di Milano e il Museo Civico di Torino, sono per citarne qualcuna.

Nata a Trapani, il 9 ottobre 1924 aveva studiato Belle Arti a Palermo e Firenze prima di stabilirsi a Roma, subito dopo la guerra.

Nel 1947 è stata l’unica donna del gruppo che ha fondato Forma 1 collettivo artistico di ispirazione formalista e marxista e prima a basare la sua ricerca sull’astrazione mirata a un rinnovamento della cultura visiva italiana.

Del 1950 è la sua prima personale alla libreria L’Age d’Or di Roma, in cui sviluppava il suo originale linguaggio incentrato su segni bianchi e neri.

Successivamente, a Milano, tramite la Libreria Salto, ha iniziato a collaborare con il MAC – Movimento Arte Concreta, gruppo artistico di cui ricordiamo Bruno Munari.

Nel 1955 nella sua personale alla Galleria San Marco di Roma ha presentato una ricerca dedicata alla riduzione cromatica e segnica e partecipato alla collettiva Individualità d’oggi invitata dal critico d’arte francese Michel Tapié che ne ha consolidato la fama di prima pittrice astrattista conosciuta e apprezzata a livello internazionale.

Nei primi anni Sessanta è tornata a utilizzare il colore e a metà del decennio ha sperimentato nuovi supporti e pigmenti, utilizzando vernici colorate e fluorescenti applicate su supporti plastici trasparenti arrotolati o assemblati.

Negli ambienti e le tende – Tenda, 1965-66, Ambiente arancio, 1966-68, Triplice tenda, 1969-71 –, ha dialogato con le esperienze più radicali e innovative del design e dell’architettura italiani, costruendo spazi nomadi e anti-istituzionali, delle «stanze tutte per sé» che riecheggiano la necessità di creare uno spazio separato, precondizione alla pratica femminista dell’autocoscienza. Forme ibride in cui si intrecciano pittura, scultura e architettura, presupponendo la partecipazione attiva di chi guarda.

Nel 1969 è stata l’unica donna protagonista di Autoritratto, libro di conversazioni con artisti dell’allora critica d’arte Carla Lonzi, poi diventata la più importante teorica del femminismo della seconda ondata. I suoi interventi nel volume ruotano spesso attorno ai temi dei rapporti uomo-donna, alla condizione femminile e alle diverse forme di oppressione, con un interesse particolare per le lotte per i diritti civili delle persone afro-americane.

Nel 1970, insieme ad altre donne, Accardi e Lonzi, hanno dato vita a Rivolta femminile, uno dei primi gruppi femministi in Italia, fondato sul separatismo e sulla pratica dell’autocoscienza. Le due sono state legate da uno straordinario sodalizio durato circa un decennio che si è spezzato in seguito a una serie di conflitti e incomprensioni che ruotavano attorno alla difficile convivenza dell’arte con il femminismo.

Carla Lonzi non riusciva a pensare la creatività femminile al di fuori del coinvolgimento con l’ordine patriarcale, mentre Carla Accardi rivendicava un’identificazione come artista all’interno di una pratica femminista.

Fuoriuscita dal collettivo, insieme a Suzanne Santoro e Anna Maria Colucci, ha dato vita alla Cooperativa di via del Beato Angelico, una delle più significative esperienze artistiche femministe in Italia.

Nel maggio del 1976, la mostra Origine, rappresenta una sorta di risposta e di elaborazione dei temi discussi all’interno del gruppo. Ruota attorno ai temi della memoria personale e delle geneaologie femminili. Attraverso l’installazione di una tenda trasparente che serve da supporto a una serie di fotografie, ha costruito una narrazione non-lineare delle relazioni femminili all’interno della sua storia familiare. Ha utilizzato tecniche innovative per dialogare coi temi affrontati negli anni Sessanta, quando era alla ricerca di modalità che le consentissero di pensarsi come artista all’interno di un contesto che la escludeva a priori.

Negli anni Ottanta è ritornata all’uso della tela mentre il suo linguaggio si evolveva ulteriormente verso segni e giustapposizioni cromatiche inediti.

Nominata a far parte dell’Accademia di Brera nel 1996, l’anno dopo è diventata consigliera della Commissione per la Biennale di Venezia.

Si è spenta il 23 febbraio 2014, all’età di novanta anni. I suoi funerali si sono svolti nella sala del Carroccio in Campidoglio.

Per commemorare il centenario dalla nascita, da marzo a giugno 2024, il Palazzo delle Esposizioni di Roma le ha dedicato una ampia retrospettiva.

Carla Accardi è stata la prima artista femminista italiana. Il suo lavoro,  stato determinante per la nascita e lo sviluppo di nuovi modi di intendere l’opera d’arte, ha lasciato un segno indelebile.

Ha vissuto la sua militanza artistica in autonomia, approfondendo i temi dell’identità, della differenza e della creatività femminile.

Attraverso la creazione di un nuovo segno, ha inventato un linguaggio indecifrabile, testimonianza diretta della sua alterità nei confronti di un mondo occidentale di appannaggio maschile.