#Centro Pompidou

[darioalvarez]

La mayor retrospectiva sobre Norman Foster: hasta el 7 de agosto en el Centro Pompidou (Nota de Prensa)

Textos y fotografías vía Norman Foster Foundation Con una superficie de casi 2.200 metros cuadrados, la exposición repasa los diferentes periodos de la obra del arquitecto a través de siete temas: ‘Nature and Urbanity’; ‘Skin and Bones’; ‘Vertical City’; ‘History and Tradition’; ‘Planning and Place’; ‘Networks and Mobility’ y ‘Future’. Fotografía vía Norman Foster Foundation A la entrada de la…

[gustavomirabalcastro]

El desfile otoño-invierno 2023-2024 de Chloé fue dedicada a la protección del planeta

El desfile otoño-invierno 2023-2024 firma la tercera parte de una obra dedicada a la protección del medio ambiente. Gabriela Hearst imagina sus desfiles de Chloé como capítulos; cada uno de los cuales destaca soluciones contra el calentamiento global. El desfile otoño-invierno 2023-2024, presentado el 2 de marzo en el Centro Pompidou de París, no fue la excepción. Con la pintora Artemisia…

[iamainhoa]

Suzanne Valadon

La habitación azul, 1923 oil on canvas,  90 x 116 centímetros Postimpresionismo

La odalisca de La habitación azul retoma un cliché pictórico para reformularlo.

La mujer tumbada en la cama no está desnuda, sino vestida, no al estilo oriental como las odaliscas de Matisse, sino como una mujer moderna.

Su camisa con tirantes, su pijama de rayas no sólo evocan erotismo o expectativa sexual sino también el descanso de un cuerpo en la comodidad de una ropa suelta y colorida. El detalle del cigarrillo, aparentemente metido en la boca, caracteriza entonces a mujeres de "poca virtud", como las gigolletas de Kupka o las mujeres artistas.

La composición, que retoma el esquema tradicional del desnudo voluptuoso enmarcado por cortinas, nos lleva a la intimidad bohemia del estudio saturado de azules intensos.

Perdida en sus pensamientos, la mujer olvida la intrusión del pintor: es un momento robado.

📍Centro Georges Pompidou, París, Francia

[cimentandoideas]

Gesto arquitectónico y la creación de identidad.

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 -Prof. J. Isado

2 de septiembre de 2024

Un aspecto fundamental del gesto arquitectónico es su capacidad para responder al contexto en el cual un arquitecto se puede inspirar, este puede ser natural, urbano, histórico o cultural. Un ejemplo puede ser Peter Zumthor, en sus Termas de Vals utiliza la piedra local para construir un edificio que parece que sale de la montaña. Igualmente el centro Pompidou en Paris diseñado por Renzo Piano y Richard Rogers ofrece un gesto completamente diferente al presentar un edificio colorido y un diseño industrial en el medio de la ciudad. Estos gestos son elementos que sobresalen de la composición general en la que normalmente los arquitectos diseñan.

Zumthor utiliza muy bien el gesto arquitectónico en su proyecto, establece un diálogo armónico entre el paisaje y los edificios a su alrededor. Cada arquitecto tiene su propio estilo e inspiración para realizar un proyecto. Muchos se enfocan en la estética de su diseño y otros en los elementos naturales y que se puede lograr con esos espacios. En el caso de Zumthor el supo organizar bien sus ideas para lograr crearla armonía que le pidieron para que las vistas de los hoteles a sus alrededor no se afectara y lo logró. Este proyecto demuestra las horas que tuvo que pasar Zumthor creando un gesto arquitectónico que estuviera acorde a su identidad y a la forma en la que el trabaja. Aquí, el gesto no es un mero capricho formal, sino una respuesta al contexto geográfico y material que busca conectar profundamente el edificio con su entorno.

El Centro Pompidou en Paris, como dije anteriormente ofrece un gesto completamente distinto, creando un monumento distinto a todo a su alrededor a simple vista. Este gesto con su estructura externa expuesta nos permite observar el punto al que querían llegar los arquitectos de este proyecto. Ellos buscando hacer algo muy distinto a todo lo que ya había sido construido en un país tan conservador. Esto es el gesto arquitectónico que los define, así ellos demuestran su identidad ante el ojo público.

En conclusión, el gesto arquitectónico es más que un capricho estilístico, es un elemento muy importante al realizar un proyecto arquitectónico que comunica intensiones y comunica un contexto y crea una identidad. Ya sea mediante el uso de materiales locales, la integración con el entorno natural, la creación de formar simétricas o la implementación de recursos sostenibles. El gesto arquitectónico ofrece que los arquitectos puedan proyectar algo, un pensamiento o un sentimiento a través de sus diseños. Esto hace que sus edificios hablen, provoquen emociones y dialoguen con su entorno.

Referencias:

Zumthor, Peter (2006). Thinking Architecture. Birkhäuser.

Libesking, Kind (2008). Breaking Ground: Adventures in Life and Architecture. Riverhead Books.

[jartita-me-teneis]

Fano Messan (18 de febrero de 1902 - 11 de febrero de 1998) fue una actriz, escultora, pintora y modelo francesa conocida por su colaboración con artistas como Luís Buñuel , Salvador Dalí , Man Ray , Kees Van Dongen y por su participación en la escena cultural parisina de finales de los años 20. También es famosa por su androginia .

Fano nació en Tarbes , Hautes-Pyrénées, Francia, en 1902. A los 16 años abandonó la École supérieure des beaux-arts de Toulouse (conocida a partir de 2011 como isdaT – institut supérieur des arts et du design de Toulouse ) para probar suerte como escultora en París. Las mujeres no eran bienvenidas en los talleres de escultura, por lo que hizo su aprendizaje haciéndose pasar por un hombre, especialmente en el estudio de Jan Martel . Messan se convirtió rápidamente en una figura familiar en las escuelas de nudistas , galerías de arte y bistrós bohemios de París. Vestida de hombre, con un corte de pelo muy corto y una belleza impactante, Fano perfeccionó sus habilidades escultóricas mientras dejaba una huella en las obras de los más grandes artistas de Montparnasse .

En 1924 fue invitada a exponer sus esculturas en Chicago, Estados Unidos. El periodista del Chicago Tribune , Lorimer Hammond, incluso escribió un artículo titulado “ El Barrio Latino se divierte tratando de determinar el sexo de Fano Messan ”, en el que anuncia la exposición de la escultora. Al año siguiente mostró su obra en el Salón de Otoño , celebrado en el Grand Palais . Una de las imágenes más famosas de Messan fue tomada durante esa exposición: Fano, con traje y corbata, posa junto a una de sus esculturas “l’Androgyne”. En el periódico independiente Le Réveil du Nord se la presenta como “la escultora más joven del mundo”.

Las obras de Fano Messan están impregnadas de una sensibilidad sin artificios, de líneas sencillas y armoniosas. También domestica la madera, la piedra, el marfil o el cristal para dar vida a sus temas favoritos. Las decoraciones del Grand Cercle Casino de Aix-les-Bains y el friso de "La danse" que adornaba la pared del Bal Tabarin , desnudos como la serie "l'Androgyne" presentada en el Salón de 1925, animales o figuras como las de Valéry Larbaud o Kees van Dongen, que la retrató ( "Le garçonne, Fano Messan" ) a cambio del busto que ella le hizo en 1929, año de su naturalización francesa . Este retrato (que permaneció en poder de la familia de Messan al menos hasta 2008) muestra a una Fano frágil y decidida, con la mirada profunda y distante, la boca roja brillante ligeramente entreabierta desafiando al tiempo. Los colores naranja, verde y rojo, tan frecuentes en la obra de van Dongen, no impiden que la mirada de Fano domine la composición del cuadro en contraste con el blanco de la blusa. Los retratos fotográficos de Messan realizados por Man Ray (como el realizado en 1928 y adquirido por el Centro Pompidou en 1994) comparten esta característica de la modelo.

Luis Buñuel la eligió para interpretar a "la chica andrógina" en el cortometraje Un Chien Andalou (1929) después de verla interpretar a una operadora telefónica en el largometraje L'Argent de 1928 , basado en el romance homónimo de Émile Zola . La película de Buñuel fue escrita con su entonces amigo Salvador Dalí, y presentó una serie de escenas tenuemente relacionadas. Messan interpreta a una joven andrógina, con el pelo corto y vestida con un atuendo bastante masculino. Empuja una mano humana cortada con su bastón mientras está rodeada por una gran multitud retenida por policías. La multitud se dispersa cuando el policía coloca la mano en una caja a rayas y se la da a la joven. La joven andrógina contempla algo felizmente mientras está de pie en medio de la ahora concurrida calle agarrando la caja. Luego es atropellada por un automóvil y algunos transeúntes se reúnen a su alrededor. Un joven parece disfrutar sádicamente del peligro y la posterior muerte de la joven andrógina y, mientras hace un gesto hacia la sorprendida joven que está en la habitación con él, la mira lascivamente y le toca los pechos.

La primera proyección de Un perro andaluz tuvo lugar en el Studio des Ursulines, con un público de todo París . Entre los asistentes notables al estreno se encontraban Pablo Picasso , Le Corbusier , Jean Cocteau , Christian Bérard y Georges Auric , además de todo el grupo surrealista de André Breton . La recepción positiva de la película por parte del público sorprendió a Buñuel, que se sintió aliviado de que no se produjeran actos violentos. Dalí, por el contrario, se dijo que estaba decepcionado, pues sintió que la reacción del público hizo que la noche fuera "menos emocionante". Los dos actores principales de la película finalmente se suicidaron: Pierre Batcheff sufrió una sobredosis de veronal el 13 de abril de 1932, en un hotel de París, y Simone Mareuil se inmoló el 24 de octubre de 1954, rociándose con gasolina y quemándose hasta morir en una plaza pública de Périgueux , Dordoña. Fano Messan murió a los 95 años en Juvignac , Hérault, Francia.

📸Fano Messan, 1921, París. Foto de Emmanuel Sougez.

Fano Messan (1902-1998) fue un artista dedicado a la escultura, recordado como el hermafrodita de Un perro andaluz (1929), la primera película de Luis Buñuel.

Debido a su participación en esta película y por su costumbre de usar ropa de hombre, a menudo se la confunde con un hombre.

Fue fotografiada por Man Ray y participó en la escena cultural parisina de finales de los años 20.

[dakota-zen]

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, Ciudad de México, 6 de julio de 1907-13 de julio de 1954),​ conocida como Frida Kahlo, fue una pintora mexicana. Su obra gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de 150 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. También es considerada como un icono pop de la cultura de México.

Su vida estuvo marcada por el infortunio de sufrir un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse a hasta 32 operaciones quirúrgicas.​ Llevó una vida poco convencional. ​La obra de Frida y la de su marido, el pintor Diego Rivera, se influyeron mutuamente. Ambos compartieron el gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo posrevolucionario.

En 1939 expuso sus pinturas en Francia gracias a una invitación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición (Autorretrato-El marco, que actualmente se encuentra en el Centro Pompidou) se convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre. Hasta entonces, Frida Kahlo había pintado solo privadamente y a ella misma le costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Aunque gozó de la admiración de destacados pintores e intelectuales de su época como Pablo Picasso, Vasili Kandinski, André Breton, Marcel Duchamp, Tina Modotti y Concha Michel, su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional después de su muerte, especialmente a finales de los años de 1980 y principios de 1990 por coleccionistas.

[miguelmazon]

Concepto y diseño del libro para la artista brasileña Anna Bella Geiger.

“Rrose Sélavy mesmo” es el título que corresponde a la la serie de obras que Anna Bella viene realizando desde 1997 hasta hoy. El libro tiene un texto inicial donde la artista, a modo de carta dirigida a Marcel Duchamp, describe cómo se originó la serie, hace hincapié en la importancia de los procesos artísticos a la hora del hallazgo, así como su planteamiento en la selección de periódicos para sus intervenciones en ellos utilizando la imagen de Rrose Sélavy que Man Ray le hizo a Marcel Duchamp. Los periódicos elegidos son varios aunque predominan Folha da Tarde, Globo, Le Monde, El País, Frankfurter Allgemeine o New York Times.

Anna Bella Geiger es una de las artistas brasileñas más valoradas en la escena internacional, considerada una de las pioneras en el uso de medios no convencionales para experimentar otras formas de plantear y cuestionar el presente. Su obra está presente en todo el mundo en las colecciones del Museo de Arte Moderno, Nueva York; Centro Pompidou de Paris, Fogg Museo, Cambridge; Getty Fundación, Los Ángeles; Museu Serralves, Porto; Frankfurter Kunstverein, Fráncfort; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo, Chicago entre otros.

Cliente: Aural Galería

[bongianimuseum]

BIOGRAFIA DI SHOZO SHIMAMOTO

BIOGRAFIA DI SHOZO SHIMAMOTO

Nato nel 1928 a Osaka, in Giappone.

1947 / Frequenta l'atelier del maestro Jiro Yoshihara, dove produce la sua prima opera "Høie".                       

1948 / Prende parte alla mostra "Sette artisti d'avanguardia" presso il department store Kintet-su a Osaka.                                                                                                                                                          

1950 / I laureati del Gakuin University Kansai in Hyugo.                                                                              

1953 / Partecipa alla prima mostra del gruppo Genbi, con Jiro Yoshihara,. Diver si giovani artisti che espongono si uniranno al gruppo Gutai .                       

1954 / Fonda Gutai con Jiro Yoshihara. Partecipa alle più importanti mostre Gutai.                                         

1955/ Alla prima mostra Gutai presenta un lavoro rivoluzionario per essere vissuto e goduto dal corpo: "Prego, camminate qui". Il lavoro è stato ricostruito nel 1993. 1956 / In occasione della mostra a cielo aperto Gutai mostra la sua opera realizzata attraverso l'utilizzo di un cannone a mano che verrà presentata alla Biennale di Venezia del 1993, in cui bottiglie di vetro contenenti pigmenti sono gettati ed esplodere il colore direttamente sulla tela 1957 / Mostra il suo video pionieristico arte alla mostra Gutai prestazioni. Un altro dei suoi lavori, un lavoro sonoro, che può essere considerato come musica concreta, è inserito nella Raccolta Centro Pompidou...                

1970 / Produttore artistico per 1000 spose al Festival EXPO

1976 / Partecipa a un progetto di Mail Art che coinvolge 60 paesi e con una rete di 8000 scambi. Crea una strada con 10.000 giornali lungo il lato del fiume Mukogawa 1992 / Mentre continua a produrre nuove opere, diventa Presidente della Japan Society Arte e Cultura di disabili-persona (ora Arte Giappone) e organizza la prima mostra su larga scala di persone disabili in Osaka. Nello stesso anno viene intervistato di Jane Kennedy Smith per il quotidiano più famoso giapponese, Mainichi Shinbun 1993 / Invitato a partecipare alla Biennale di Venezia come membro del Gutai 1994 / Invitato ad esporre al Guggenheim (New York) 1996 / Shimamoto viene proposto come candidato per il Premio Nobel per la Pace in riconoscimento delle sue attività pacifiste da numerose riunioni Bern Porter, il medico che ha fatto la bomba atomica sganciata su Hiroshima.

1997 / Unico artista giapponese dopo la Restaurazione Meiji ad avere la sua foto in Storia dell'Arte, pubblicato da l'America Album

1998 / Invitato come uno dei primi quattro migliori artisti del mondo dal dopoguerra, insieme a Jackson Pollock, John Cage e Lucio Fontana, a partecipare a una mostra al MOMA (USA) 1999 / Invitato ancora una volta a partecipare alla Biennale di Venezia, con David Bowie e Yoko Ono 2000 / Tiene una mostra a Parigi (Unesco) e propone una collaborazione artistica in Francia, co-sponsorizzata dall'Unesco del Giappone e dalla Felissimo Museo. Inizia la creazione di un lavoro enorme che sarà conservata da 100 anni a Shin Nishinomiya (Prefettura di Hyogo. 

2001/ Invitato alla manifestazione Giappone Anno a Londra. Alcune opere sono assegnati alla Tate Modern da inserire nella collezione.

2003 / Invitato a partecipare alla Biennale di Venezia (Extra 50)

2004 / Performance con un elicottero vicino a Venezia.  Performance Nyotaku a Ca 'Pesaro Galleria Internazionale d'Arte Moderna (Venezia). Tre opere ora appartengono alla collezione della galleria.

2005 / Performance con Elicottero a Trevi e mostra al Trevi Flash Art Museum.  Mostra personale a Reggio Emilia (Pari & Dispari Agency, Italia). Realizzazione dell'opera piccola d'arte nel mondo, utilizzando nanotecnologie, per realizzare immagini sulle estremità delle setole di uno spazzolino da denti (in collaborazione con Ritsumeikan Università di Kyoto)

2006 / Invitato ad esporre alla ZONE ZERO a Duesseldorf. Invitato ad esporre alla Hsinchu City International Glass Art Festival. Exhibition e Performance della gru a Napoli. Invitato ad esporre alla Tokyo International Art Fair

2007 / Espone quaranta opere prodotte dal periodo Gutai ai giorni attuali nella mostra "Shozo Shimamoto: Action Colors 1950-2006" presso la Galleria Pier Giuseppe Carini di San Giovanni Valdarno. Presso il Fashion Museum di Kobe tiene la performance Felissimo WHITE PROJECT; le opere realizzate vengono esposte allo Hyogo Prefectural Diplomatic Estabilishment e al Kobe Fashion Museum. Presenzia al P3 Project per la Biennale di Venezia; qui si cimenta in una performance, Bottle Crash, nel Chiostro di San Nicolò, organizzata in collaborazione con l’Architetto Luigi de Marchi presidente del “ABCOnlus”. Viene coinvolto nell'organizzazione di un evento a Pechino, "Art Challenged Project", cui partecipano molti artisti disabili arrivati dal Giappone. Alcuni dei suoi lavori più rappresentativi vengono esposti nella collettiva "Artempo" organizzata da Mattijs Visser e Axel Vervoordt nel Palazzo Fortuny di Venezia. 2008 / Il 7 maggio realizza una performance a Punta Campanella, Napoli, coinvolgendo un gruppo di danzatrici vestite da spose con la testa ricoperta da bicchieri saturi di colore. Il 9 maggio fa una performance nel chiostro della Certosa di San Giacomo di Capri lanciando il colore su otto tele disposte a terra e su due contrabbassi disposti a lato delle tele, ricoperti da spartiti musicali e sorretti da due giovani donne. Sempre alla Certosa di San Giacomo di Capri espone alcuni suoi lavori nella mostra "Vento d'Oriente".   Presso il Museo Magi ‘900 di Pieve Di Cento (BO) si tiene la mostra Shozo Shimamoto / Yasuo Sumi - I colori della pace, con una performance nella sala Modigliani del Museo. Il 13 novembre 2008 presso il Museo d' Arte Contemporanea di Villa Croce di Genova “Shozo Shimamoto. Samurai, acrobata dello sguardo”, curata da Achille Bonito Oliva.

2009 / In occasione di Roma. Road to Contemporary Art , sono esposte sue opere in diverse mostre: Hofficina d’Arte, a cura di Achille Bonito Oliva; Palazzo Barberini, “Cose mai viste II” a cura di Achille Bonito Oliva, dedicata alle opere delle collezioni private degli artisti. Palazzo delle Esposizioni, in collaborazione con la Fondazione Morra, l’Archivio Pari & Dispari e l’Associazione Shozo Shimamoto. Partecipa alla mostra collettiva “Madre Coraggio: l’arte” a cura di Achille Bonito Oliva che si tiene all’interno del Festival di Ravello. Tiene una mostra personale presso la galleria “VV8 artecontemporanea” di Reggio Emilia, in collaborazione con l’Associazione Shozo Shimamoto, dal titolo “La danza del colore”, in occasione della quale ha luogo una performance del coreografo Mauro Bigonzetti e quattro ballerini della Fondazione nazionale di danza Aterballetto che animano gli abiti da sposa realizzati da Shimamoto nell’azione di Punta Campanella.

2011 / Sculture e grandi tele provenienti dalle performance di Venezia, Punta Campanella, Capri e Genova sono esposte nella basilica di Santo Stefano di Bologna in occasione di Arte Fiera OFF in una mostra a cura di Achille Bonito Oliva. Mostra personale presso la galleria “Nicola Pedana” di Caserta. Mostra personale presso la Fondazione Morra di Napoli. Assieme a opere di grandi dimensioni sono proiettati due video di Mario Franco che documentano le performance di Piazza Dante a Napoli (2006) e Punta Campanella. Viene invitato a condurre due performance presso il Moderna Museet di Stoccolma in Svezia in occasione dell’evento “AN EXPERIMENTAL CONFERENCE ON ART AND SCIENCE TO CHALLENGE THE MID-SUMMER SUN” dove reinterpreta la performance con il cannone del 1956 e quella su palcoscenico del 1957.

2012 / Dal 14 marzo al 5 maggio 2012 la mostra personale “SHOZO SHIMAMOTO” c/o la Axel Vervoordt Gallery di Anversa (Belgio). Mostra personale "Shozo Shimamoto, Opere 1950-2011" a Palazzo Magnani a Reggio Emilia. Partecipa alla mostra "Explosion: Pittura in Azione" al Moderna Museet di Stoccolma. Mostra "Dipingere il Vuoto" al MOCA di Los Angeles con una sala dedicata a Shimamoto.

2013 / Partecipa a Milano  al  progetto internazionale di Mail Art  "INviso" curato da Ruggero Maggi. Prima del 25 gennaio  2013,  l'anno della morte, partecipa a Salerno al Progetto Internazionale "Wunderkammer Artistamps " a cura di Giovanni Bonanno, con  una delle ultime partecipazioni alla mostra Collettiva Internazionale in omaggio ai 70 anni di Marcello Diotallevi svoltasi  a giugno. Prima retrospettiva dopo la morte alla Galerie Hofburg a Bressanone con una ventina di dipinti  a cura di  Vittoria Coen. Prima antologica milanese di Shozo Shimamoto  allo Studio Giangaleazzo Visconti di Milano  con 30 opere presentate  in grado di ripercorrere la ricerca dell’artista giapponese.

 2015 / Collettiva internazionale “Add &  Return” con la partecipazione di 97 artisti dal titolo: “VIRTUAL FLUXUS POETRY” che lo Spazio  Ophen Virtual Art Gallery di Salerno dedica all’artista giapponese Shozo  Shimamoto come  evento  contemporaneo ed indipendente  progettato in concomitanza con la 56th Biennale Internazionale d’Arte di Venezia 2015, a cura di Sandro  Bongiani.

2016 / CRUCIFIXION - Shozo Shimamoto, ArtVerona I Art Project Fair 2016 - i7 Spazi Indipendenti Italiani, a cura di Sandro  Bongiani, Spazio Ophen Virtual Art Gallery di Salerno.

2019 / SHIMAMOTO - CAVELLINI – COHEN, IDENTITY OF ARTIST / Marginal Active Resistances, a cura di Sandro  Bongiani, Spazio Ophen Virtual Art Gallery di Salerno

2023 / MEMORIAL SHOZO SHIMAMOTO 2013-2023 . ”Relazioni marginali sostenibili “avere un’idea per capello”.  Mostra Collettiva Internazionale, per il decennale della scomparsa dell’artista giapponese  a cura di Sandro Bongiani e Ruggero Maggi. -  Galleria Sandro Bongiani VRspace e Spazio Ophen Virtual Art Gallery di Salerno.

  COLLEZIONI:

In  Giappone

Museo d’Arte Contemporanea di Tokyo, Museo d’Arte di Fukuoka, Museo di Kitakyushu, Museo d’Arte di Hyogo, Museo d’Arte Moderna di Osaka, Museo di Nara, Museo d’Arte di Takamatsu, Museo d’Arte di Ashiya, Museo d’Arte di Miyagi, Museo d’Arte di Shizuoka, Museo di Gifu, Museo d’Arte Contemporanea di Osaka, etc.

All’estero  

Tate Modern (Londra), Museo Nazionale di Arte Moderna di Roma, Art Center di Milano, Paris Gallery, Mail Art Museum (Berna, Svizzera), Galleria Internazionale di Arte Moderna Ca’ Pesaro, Collezione Bongiani Ophen Art Museum di Salerno, etc.

Il sito ufficiale di  www.shozo.net  

[sentidoysensibilidad]

EFEMÉRIDES HISTÓRICAS

Tal día como hoy 31 de enero ...

1999: En la Universidad de Alabama (Estados Unidos) descubren en los restos de un chimpacé muerto en 1985 (llamado Marylin) el virus VIH-1 causante del SIDA y procedente de este animal.

1999: La cadena de televisión Fox, de Estados Unidos, emite el primer episodio de la serie animada "Padre de familia".

1994: Un incendio destruye el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, volvió a abrir sus puertas en 1999.

1990: En Moscú (Rusia) abre la primera sucursal de la empresa estadounidense de comida rápida McDonald's.

1977: Se inaugura el Centro Pompidou en París.

SANTORAL HOY

San Waldo y San Ciro

[notiziariofinanziario]

Dua Lipa e Callum Turner danzano, si abbracciano e si baciano, sotto la torre Eiffel. “Sembravano una qualsiasi coppia di innamorati, avevano occhi solo l’uno per l’altra, non importava loro di farsi vedere dalla gente, erano assolutamente a loro agio”, ha raccontato un testimone al Daily Mail.La cantante, 29, ha iniziato a frequentare l’attore Callum Turner, 34, circa un anno fa e poco prima di Natale lui le ha chiesto di sposarlo con un diamante da due carati che lei non toglie mai dal dito. Le feste le hanno trascorse insieme, hanno conosciuto le rispettive famiglie ed è probabile che il matrimonio si tenga proprio quest’anno, anche se i dettagli sono ancora top secret. La cantante britannica di origine albanese ha avuto precedenti storie d’amore con il regista francese Romain Gavra e con Anwar Hadid, fratello delle modelle Gigi e Bella, con cui Dua ha un legame di amicizia. Turner, che è stato cresciuto in un blocco di case popolari a Londra, dalla madre single promotrice di discoteche, ha avuto una lunga relazione con l’attrice Vanessa Kirby, che ha interpretato la principessa Margaret in The Crown.La coppia è stata avvistata anche al ristorante stellato Parcelles in Rue Chapon vicino al centro Pompidou. Entrambi sono impegnati nella fashion week, la cantante era in prima fila alla sfilata di Chanel e Turner ha partecipato a diversi eventi legati alle passerelle. Turner ha iniziato la sua carriera come modello e ha debuttato al cinema nel film Queen and country. Tra i suoi ruoli più importanti quello di Eli della serie tv Glue e di Theseus Scamander in Animali fantastici. È stato anche diretto da George Clooney in Erano ragazzi in barca. In tv ha recitato nella miniserie a puntate Guerra e pace e recentemente in Masters of the air. Read the full article

[darioalvarez]

Norman Foster, seis décadas de su obra se expondrán en el Centre Pompidou

A major figure of world architecture who is often seen as a leader of the “high tech” trend, British architect Norman Foster has designed many iconic creations throughout the world.  via https://www.centrepompidou.fr/en/program/calendar/event/Lan1nnY Norman Foster, afirma: «Esta exposición se centra en la sostenibilidad y la anticipación del futuro. El nacimiento del estudio, en los años…

[sossupummit]

                                  La cara del terror, Konrad Klapheck, 1963.                                   Querida imaginación, lo que me gusta sobre todo de ti es que no perdonas                                                                                                                                  André Breton   El Centro Georges Pompidou de París, en consonancia con esa obsesión enfermiza por las efemérides del tiempo de la economía que se celebra a sí misma en el infame ritual de un dejà vu congelado que finge una eternidad ya sentenciada, se ha lanzado sobre el centenario del Manifiesto Surrealista de André Breton de 1924, y el (supuesto) cadáver (todavía y siempre) exquisito del surrealismo, para perpetrar una exposición tan descomunal como vacua, como por lo demás han hecho y harán otros museos y centros culturales de su mismo género y calaña. Nada nuevo bajo el sol podrido del capital delicuescente, viejo, cansino y previsible, y que por ello mismo ni nos sorprende ni indigna, incluyendo la alergia congénita, o tal vez el terror visceral, o seguramente las dos cosas juntas y revueltas, que esta exposición siente y padece hacia la dimensión revolucionaria del surrealismo y su subversión poética radical, que ha sido bochornosa y cómicamente reducida a la mínima expresión más diminuta y, suponemos que suponen, inofensiva: cuatro o cinco declaraciones políticas en cartelitos cuidadosamente ocultados y descontextualizados, y un puñado de panfletos y declaraciones convenientemente desactivados como “documentos” a archivar en las vitrinas entre y bajo un maremágnum de libros, revistas, catálogos, cartas, fotos de familia y toda la típica y previsible memorabilia que tanto hace las delicias de las almas curiosas. Y prácticamente ninguna referencia, y nunca jamás destacada en primer plano, de las bombas incendiarias del espíritu que Antonin Artaud y Robert Desnos dirigieron a pontífices, rectores, directores de manicomios y demás ralea, o el saludable acto de anticlericalismo primario de Benjamin Péret insultando a un cura, o el no menos necesario gesto antimilitarista de Jean-Pierre Duprey apagando con una larga y descarada meada la gélida e impía llama del Soldado Desconocido del Arco de Triunfo que desfigura París, o la magnífica acción de poesía indirecta y derrotismo revolucionario que Claude Cahun y Suzanne Malherbe emprendieron en la isla de Jersey durante la II Guerra Mundial para intentar confraternizar con los pocos o muchos soldados alemanes hartos de guerra y fascismo, o, en fin, todos los escándalos, tumultos, provocaciones, injurias, y exabruptos públicos y notorios contra cualquier institución, instancia, organismo, clase o persona al servicio de la dominación como….el Centro Georges Pompidou. Es tanta la incuria, y tan descomunal la deshonestidad intelectual, la falta de rigor y hasta la petulante y zafia ignorancia, dones innegables que adornan hoy la cultura burguesa en descomposición, que hasta nos podríamos preguntar si no estamos ante otro fenómeno psicológico tan célebre como el dejà vu: el retorno de lo reprimido que siempre afecta a las fuerzas indestructibles que más se pretenden negar y/o banalizar, haciendo en este caso de la amarga victoria mediática y mercantil del surrealismo museificado, y de la intensidad del núcleo del cometa irreductible que rescolda y reverbera en sus obras pese a toda la profilaxis curatorial, una dulce derrota que se inscribiría en el tiempo del oro de la inactualidad como jalón y promesa utopista del todavía-no para los tiempos mejores que sí serán en su imprevisible ahora. Tampoco nos importa demasiado la respuesta. Ni la exposición como tal. Pero sí el abominable «regalo» que sus comisarios han considerado oportuno ofrecer, tal vez como indeseable y ridícula guinda del pastel envenenado: la voz de André Breton manipulada por la «Inteligencia» Artificial para convertirla en una especie de guía de museo de la exposición. Pues tras Dalida y Charles de Gaulle (sic), los jovencitos Frankestein del Institut de recherche et coordination acoustique/musique, «lugar único donde convergen la vanguardia artística y la innovación científica y tecnológica» asociado «al Centro Pompidou bajo la tutela del ministerio de Cultura», y por tanto psicófonos mercenarios de última generación y limpia conciencia a prueba de dudas y remordimientos en pos de la Gran Singularidad, han logrado la «proeza científica» de clonar la voz de Breton utilizando «tres fuentes de sonido diferentes», entre ellas la del propio interesado a todo su pesar póstumo y voluntad manifiesta. Más allá del horror de asalariar después de muerto a Breton, el gran enemigo del trabajo, los responsables de semejante aberración perpetran así el más grande de los delitos contra su ejemplo revolucionario y memoria perturbadora: prostituir su voz para sus fines propios, que no son otros que los de todo aquello contra lo que Breton luchó: el lucro, la legitimización de la ideología dominante, lo académico, la burocratización y mercantilización del arte, la muerte de la Poesía. No estamos hablando aquí de utilizar una antigua grabación de su voz: estamos hablando de hacer decir a Breton, una vez muerto y sin posibilidad de defensa, justo lo que nunca quiso decir, y justo allí donde nunca quiso estar, apropiarse de su voz y usurparla para usos de mercachifles del arte y de quincalleros de la industria cultural. Nada le produciría más asco que esa reducción de las obras del espíritu humano a dinero f��cil y a entretenimiento masificado. Y ahora que una institución del Estado francés ha convertido su voz, mistificada y reificada cual quimera de la ingeniería genética, en espectáculo didáctico, en trivialidad cultural, en eslogan publicitario y, en suma, en la abominable voz del terror tecnológico, como surrealistas tenemos el derecho y la obligación de alzar la nuestra (una voz real, humana, material y corporal) contra semejante perversión del surrealismo, como parte de la gigantesca distorsión infográfica de la realidad que el capitalismo nos impone en esta época con el fin de deforestar lo más posible el campo de la experiencia sensible y convertirlo en una amputada «realidad aumentada», para con ello hacerlo y hacernos pasar por la fuerza por el circuito de la economía que necesita a toda costa marchitar por igual lo real y lo imaginario para imponer sus tristes sucedáneos.  En efecto, el capitalismo hipertecnologizado implanta una realidad que nos quiere obligar a confundir lo virtual-digital con lo imaginario, que vampiriza el cuerpo y el alma de las mejores obras del espíritu humano para prostituirlas y desnaturalizarlas. Los organizadores de semejante fraude deben (o quieren) ignorar que si bien Breton proponía en el mismo Primer Manifiesto del Surrealismo que «tan sólo la imaginación me permite llegar a saber lo que puede llegar a ser, y esto basta para mitigar un poco su terrible condena; y esto basta también para que me abandone a ella, sin miedo al engaño (como si pudiéramos engañarnos todavía más)», un año antes declaraba tajantemente en Plutôt la vie que lo único importante era «la vida de la presencia, nada más que de la presencia», mientras que en 1927 escribió un ensayo con el significativo título de Introducción al discurso de la poca realidad, donde a la par que defendía la imaginación como «esa facultad que en el tiempo se nos concede tan parsimoniosamente de conocer, de poseer aquello que no se conocía en absoluto antes de nosotros», se nos presenta a un hombre que contempla junto a sí a una mujer amada dormida en su inmediata y palpitante presencia corporal como catalizadora de sueño y de misterio.   Porque en efecto la imaginación querida, como la libertad una e indivisible, no perdona. Cualidad primordial, invariante irreductible e inmanente que no comprenden ni pueden comprender, pero sí repugnar y temer, los materialistas vulgares, los idealistas del más allá, y ahora los ingenieros transhumanistas del alma desalmada de la Megamáquina. Por todo ello, y en nombre del surrealismo y de su materialismo poético, en nombre del surrealismo y de nuestro deseo y hambre y sed insaciables e inconsolables de más realidad, proclamamos: muerte a la (pseudo)inteligencia artificial que falsea lo real para sumirnos en la oscuridad de lo diferido y del simulacro, que distorsiona la presencia para atarnos al fetichismo de la tecnología y sus pavorosos fantasmas. Muerte a un sistema que convierte las voces de los muertos en pregoneras de la mercancía y sus miserias. ¡Los robots no pasarán!                                                                                                                                                                Grupo Surrealista de Madrid, Enero de 2025    

[iamainhoa]

Marc Chagall

Los novios de la Torre Eiffel 1938-39 Óleo sobre tela. 150 cm x 136,5 cm. Expresionismo

 Los recién casados, representan al mismo Chagall junto a Bella, el amor de su vida, y la cabra, la vida campesina de su infancia.

Si se observa el cuadro de izquierda a derecha, se puede apreciar la celebración de su matrimonio en Rusia, la Torre Eiffel representa su llegada a Francia.

Chagall pintó esta obra en Niza, en el año 1939, poco antes de que comience la guerra, y de la cual deseaba huir, por lo cual pinta la pareja como "volando" y atajada por un gallo (símbolo de Francia)

Su arte tiene ese aire de inocencia que a mi tanto me encanta. Un mundo lleno de amor y de infancias felices, un mundo que irradia alegría y optimismo a través del colorido intenso (una evidente reacción contra el horror y desesperanza que vivió el mundo durante la primera mitad del siglo XX).

Toda esa lírica, esa energía poética que contienen sus obras, hace que muchos definan a Chagall como “el más poeta de los pintores”.

📍Centro Pompidou. París, Francia.

[lapsicologiayarquitectura]

El diseño y el Arte

Los documentales "The Georges Pompidou Centre: Art, Design & Revolution" y "Deeper Shades of Green" nos dan a conocer las evolciones dentro de la arqitectra conteporeanea, cuyas exploraciones revlean como el diseño puede transformar la percepcion de el espacio donde estamos y nestra relacion con el entorno.

El primer documental se centra en el Centro Georges Pompidou de París, una obra maestra arquitectónica concebida por Renzo Piano y Richard Rogers. La película destaca la revolución que este edificio significó para la concepción tradicional de los museos, presentando una estructura innovadora caracterizada por su estética tecnológica y sus llamativos tubos de colores expuestos. El centro no solo fue un proyecto arquitectónico, sino una declaración radical sobre cómo los espacios culturales pueden ser reimaginados.

En contraste, "Deeper Shades of Green" se sumerge en el mundo de tres arquitectos visionarios: Ken Yeang, Werner Sobek y William McDonough. El documental explora su enfoque pionero en la arquitectura sostenible, donde el diseño no solo busca belleza estética, sino también un profundo respeto y integración con el medio ambiente.

Ambos documentales comparten un mensaje fundamental: la arquitectura va más allá de la mera construcción de estructuras. Representan una filosofía que desafía los paradigmas establecidos, apostando por soluciones innovadoras que equilibran funcionalidad, estética y responsabilidad social y ambiental.

La tematico similar dentro del parametro de estos documentlaes, revelan como los arquitectos tienen la habilidad de transcender las normas convencionales cuando tiene una mente clara.Demuestran que la innovación arquitectónica no es simplemente un ejercicio estético, sino una herramienta poderosa para generar cambios significativos en la sociedad y nuestra interacción con el entorno. Estos trabajos audiovisuales nos invitan a reconsiderar la arquitectura no como un elemento pasivo, sino como un agente dinámico de transformación cultural. Revelan cómo el diseño puede ser un medio para abordar desafíos sociales, ambientales y culturales, presentando edificios y proyectos que no solo cumplen con requisitos funcionales, sino que los superan ampliamente.

 La arquitectura contemporánea tiene el potencial de ser mucho más. Es una expresión de innovación, sostenibilidad y visión de futuro, capaz de reimaginar nuestra relación con el espacio construido y el mundo natural. Tanto el Centro Pompidou como los proyectos explorados en "Deeper Shades of Green" representan puntos de inflexión en el pensamiento arquitectónico, desafiando constantemente los límites de lo que es posible y proyectando nuevas formas de concebir nuestros espacios de vida y trabajo.

[eduardocantagalo]

Top destinos culturais para conhecer e mergulhar na história

Quando pensamos em lugares para vivenciar a culinária, por exemplo, Londres se destaca, com sua mistura de tradições e tendências modernas. Se estiver passeando pela cidade, considere explorar os melhores restaurantes londrina, que combinam um ambiente sofisticado com pratos que resgatam as mais diversas influências culinárias. Londres é uma cidade que pulsa cultura e história em cada esquina, com museus renomados, teatros e uma cena gastronômica que não pode ser ignorada.

Viajar é, sem dúvida, uma das melhores maneiras de conhecer e experienciar novas culturas. Para os amantes da história, da arte e das tradições locais, nada se compara a visitar destinos que oferecem uma rica tapeçaria cultural. A diversidade de povos e heranças ao redor do mundo nos permite ver o quanto a cultura pode ser variada e ao mesmo tempo fascinante. Se você deseja vivenciar a verdadeira essência de diferentes culturas, aqui estão alguns dos top destinos culturais no mundo para adicionar ao seu próximo roteiro.

Destinos Icônicos com Uma História Rica

Se há algo que fascina os viajantes ao redor do mundo, é poder caminhar por lugares imersos em história. Um destino que não pode faltar nesta lista é o Egito, com suas pirâmides e templos milenares, que contam histórias de civilizações antigas. Cairo, com seu Museu Egípcio, é um centro cultural onde arte e história se encontram de maneira única.

Outro destino cultural de peso é Roma, a capital da Itália, que dispensa apresentações. Com seus monumentos grandiosos, como o Coliseu e o Fórum Romano, você se sentirá transportado no tempo. Cada rua de Roma conta uma história, desde os antigos templos pagãos até os edifícios do Renascimento.

Ainda na Europa, Paris, a cidade das luzes, se destaca não apenas pela sua beleza, mas também pela herança artística que deixou ao longo dos séculos. Museus como o Louvre, o Musée d’Orsay e o Centro Pompidou guardam peças de arte mundialmente reconhecidas. Não podemos esquecer também dos cafés e bistrôs, que são palco de muitas discussões filosóficas e artísticas, que também fazem parte da cultura local.

Experiências Culturais no Brasil

O Brasil também oferece experiências culturais inesquecíveis. Fortaleza, por exemplo, é um destino encantador com suas praias deslumbrantes e uma cena gastronômica rica. Se você está planejando visitar a cidade, uma ótima dica é conhecer os restaurantes baratos em Fortaleza. Não há nada melhor do que aproveitar a culinária local, como a famosa carne de sol e o cuscuz, em lugares acessíveis, mas que entregam uma verdadeira explosão de sabores.

Ao planejar sua viagem, é importante escolher o melhor epoca para ir em Fortaleza, já que o clima tropical da cidade pode ser bastante quente durante o ano todo. Para quem quer evitar a alta temporada e curtir a cidade com mais tranquilidade, os meses de junho a setembro são ideais, quando o clima é mais ameno e as chuvas são menos frequentes.

A Ásia e Seus Tesouros Culturais

A Ásia é um continente que mistura o moderno com o tradicional de maneira única. Destinos como Kyoto, no Japão, são a verdadeira porta de entrada para a cultura asiática. Seus templos budistas, jardins zen e casas de chá proporcionam uma experiência imersiva, que nos faz refletir sobre a filosofia e as práticas milenares de uma sociedade que preserva suas tradições com muito zelo.

Na Índia, cidades como Varanasi e Jaipur oferecem uma rica herança cultural, com templos hinduístas, palácios majestosos e mercados que exalam cores e aromas característicos. Cada esquina na Índia é um convite para mergulhar nas diferentes tradições religiosas e artísticas que fazem parte do tecido social deste país fascinante.

Destinos Africanos com Influências Culturais Únicas

Quando falamos de cultura, a África é um continente cheio de histórias de resistência, tradições milenares e uma arte vibrante. O Marrocos, com sua Medina de Marrakech, é um local onde a cultura árabe e berbere se encontram. Passear pelos souks da cidade, com suas lojas coloridas, ou explorar a arquitetura dos palácios e mesquitas, é como estar em um conto de fadas moderno.

Outro destino africano que carrega uma rica herança cultural é a África do Sul, especialmente a cidade do Cabo. Além das belíssimas paisagens naturais, como a Table Mountain, a cidade oferece uma mescla de tradições indígenas, africanas e europeias. Sua história de luta contra o apartheid é visível nos museus e monumentos espalhados pela cidade, sendo um lugar ideal para quem deseja aprender mais sobre os desafios e conquistas do povo sul-africano.

A América Latina e Suas Riquezas Culturais

Na América Latina, o México é um destino que não pode faltar quando se trata de cultura. Cidades como Oaxaca e Cidade do México oferecem uma rica herança indígena e colonial, com suas praças, mercados e templos que guardam a história do país. As celebrações como o Dia dos Mortos, que ocorrem em várias cidades mexicanas, são uma verdadeira manifestação cultural, onde arte, comida e religião se entrelaçam.

A América do Sul também tem seus encantos culturais. Cusco, no Peru, é a porta de entrada para a majestosa Machu Picchu, mas também é um destino que respira história e cultura. As tradições incaicas, que ainda são celebradas na cidade e na região, têm um impacto profundo sobre todos os visitantes. O Peru, com suas festas religiosas e culinária rica, é um exemplo perfeito de como um destino pode ser profundamente cultural.

A Cultura ao Redor do Mundo

Ao viajar para destinos culturais, a experiência vai além do que vemos. Ela se reflete no que sentimos e como interagimos com as pessoas locais, com suas histórias e tradições. Cada um desses destinos, seja na Europa, Ásia, África ou América, oferece algo único. E, ao incorporar a culinária local, como os melhores restaurantes londrina, ou as opções gastronômicas em Fortaleza, você consegue se conectar ainda mais com o destino que escolheu para a sua viagem.

E não importa onde você esteja, é sempre bom lembrar que a viagem cultural é uma forma de aprender, refletir e, acima de tudo, vivenciar novas experiências que ficam para toda a vida.

[lecodellariviera]

GIACOMO COSTA a Diano Marina. Infinitely delicate landscapes 7 dicembre 2024 – 5 gennaio 2025

Inaugurazione sabato 7 dicembre 2024 alle 17:00 -

Sala “R. Falchi”, Palazzo del Parco

Corso Garibaldi, 60 | Diano Marina (IM)

Orario di apertura al pubblico:

tutti i giorni 16:00 – 19:00

domenica e festivi su appuntamento

Dal 7 dicembre, l’Assessorato per i Beni e le Attività Culturali del Comune di Diano Marina in collaborazione con la Civiero Art Gallery e la Galleria Guidi&Schoen di Genova, presenta negli spazi della sala “R. Falchi” del Palazzo del Parco di Diano Marina l’artista fiorentino Giacomo Costa con la mostra “Infinitely delicate landscapes”.

La ricerca artistica di Giacomo Costa ha ottenuto un riconoscimento internazionale raro per un artista italiano. Le sue opere sono state esposte in prestigiose istituzioni come il Centre Pompidou e la Biennale di Venezia, il Leopold Museum e la Caixa Forum di Madrid, nei musei di Seoul e di Brisbane.

Il suo lavoro è stato pubblicato e commentato su magazine internazionali come il New York Times e El Pais.

La nuova serie di opere dell’artista approfondisce la sua indagine sul fragile rapporto tra l'uomo, i modelli di sviluppo e l'ambiente che ci circonda.

In un mondo sempre più dominato da logiche evolutive, economiche e sociali che minano la sostenibilità del futuro dell'essere umano, la necessità di rappresentare questo sottile equilibrio instabile diventa il centro del linguaggio visivo dell'artista e il fulcro dei suoi “paesaggi infinitamente delicati".

Paesaggio inteso non solo come elemento naturale ma come una complessa stratificazione di significati e relazioni tra l’uomo e gli ecosistemi. Costa ci fa riflettere sul fatto che ormai la gran parte di quello che consideriamo “paesaggio” è di natura antropica.

Per circa 20 anni le sue immagini sono state generate attraverso l'uso di software 3D, il processo di realizzazione delle immagini consisteva nel disegnare ogni singolo dettaglio, come se fosse una forma di modellazione virtuale. Il limite di questo approccio era l'impossibilità di creare scenari di dimensioni potenzialmente infinite.

In questa nuova serie Costa ha implementato l'algoritmo per poter elaborare nuovi tipi di dati che generano risultati molto diversi ma che si basano sulla stessa procedura. L'idea di generare mondi attraverso regole e dati permette di creare scenari con una grande percentuale di casualità, lasciando la libertà artistica di fotografare virtualmente un mondo creato nelle basi e nei principi, ma non nei singoli elementi. Pur essendo il creatore dello scenario, l’artista per ottenere le immagini deve esplorare questi mondi come se stesse realizzando un reportage fotografico, scoprendo punti di vista, scorci e luoghi inaspettati.

In occasione del vernissage, sabato 7 dicembre 2024 alle 17:00, sarà presente l’artista

servizio di Francesco Basso