#Alejandro Ricaño

[thenewmeafteryourearthake]

“…Y volteo a verme y luego volteo a ver los barcos. Como si el también temiera no volver a verme, y como si quisiera que los contemplará con él por el resto de su vida. Con tal que hiciera algo con él por el resto de su vida.”

-El amor de las luciérnagas

Alejandro Ricaño

[ayzrules]

quiz - which random piece of spanish-language literature that i like are you?

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tú me quieres blanca (you who want me white)

you are an angry, defiant protest to the people who want to organize the world into separate boxes. you will not be contained by a society that will not accept you for who you are and who you want to be. || by alfonsina storni

te dejo, amor, en prenda el mar (i leave you, my love, the sea as my pledge)

you are a story of forbidden love being found out. you are nostalgic for what once was, and even though you've moved on, you can't help but to remember the time you spent in the arms of your lover, when the world was beautiful but sad, and when only the waters and the wild bore witness to your yearning... || carme riera

fractales (fractals)

you are a play that somehow feels disjointed, one mind split into three. you have big dreams and you love with all your heart, but more often than not, the world is cruel to you. you think that you might be blocked, emotionally. || by alejandro ricaño

(pt 2/3)

[aevyk-ing]

Review “Cada vez nos despedimos mejor” with Diego Luna

Yesterday, I had the chance to see Diego Luna’s play “Cada vez nos despedimos mejor” (”We’re getting better at saying goodbye”). The play is a monologue where Mateo, the main character, tells his story and the story of Sara, his first and only love. Diego Luna goes through all the emotions in a passionate performance that would make you laugh, cry and even care for the happiness of the character. He switches characters from time to time, using only a couple of chairs and old cameras as props. The story cleverly uses important dates of the Mexico history to reunite and separate the characters while Luna’s intense performance and Alejandro Ricaño’s script makes you feel you’re watching a movie, able to clearly picture what’s happening in each one of the scenes. I want to make a special mention to Darío Bernal, whose music all along the play helps enhance Luna’s performance even more and creates a great ambiance that transports you from scene to scene. Overall, a 75 minute rollercoaster that makes you want more. If you have the chance to see it, I highly recommend it.

[nomoregoldfish]

Polvo (2019) dir. José María Yázpik ↳ nominated for eleven Ariel Awards 2020 including: - Best film - Best director (José María Yázpik) - Best directorial debut (José María Yázpik) - Best actor in a leading role (José María Yázpik) - Best actress in a leading role - Best male performance - Best original script (Alejandro Ricaño, José María Yázpik) - Best editing - Best production design - Best costume design - Best cinematography

[sergioosvaldovaldesarriaga]

El Rincón de la Reseña: Fin de año (2019)

Por Sergio Osvaldo Valdés Arriaga, 31/12/19. 

Los últimos meses han sido una maravilla para los cinéfilos mexicanos, quienes hemos gozado de un excelente catálogo de argumentos originales que, en muchos casos, se atreven a cuestionar, representar y reflejar el fracturado mundo en el que vivimos, demostrando que el 2019 fue todo menos un año flojo para las propuestas cinematográficas, de haberlo sido, difícilmente me hubiera mantenido vigente con el Rincón de la Reseña, y es por eso que ahora me he decidido a compensar la ausencia de los últimos meses, hablando de 5 películas que, en lo personal, me ofrecieron experiencias bastante satisfactorias. 

También aprovecho para desearles un feliz año nuevo a todos mis estimados lectores. Espero que tengan un próspero inicio de año y que, en el 2020, podamos volver a encontrarnos y seguir hablando de esta bonita actividad que representa el séptimo arte. ¡Hasta entonces!

Joker

El origen lo decido yo

No podía haber una película del Joker sin que antes de su estreno el mundo perdiera un poco la cabeza, cosa que justo sucedió con esta película. Sucedió desde su concepción como una historia independiente al fallido universo de DC Comics, continuó ante el inesperado anuncio de Todd Phillips como el director encargado del proyecto y, por último, cuando confirmaron el casting de Joaquin Phoenix en el papel titular. 

Durante su campaña publicitaria y posterior a su estreno en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde ganó el León de Oro, se desataron fuertes rumores y especulaciones del impacto negativo que el filme podría generar en las audiencias, entre ellos, la posible amenaza de que incentivara a la violencia (cosa que nunca pasó). Nada de esto, sin embargo, desestimó su impulso, sino que, por el contrario, cautivó aún más el interés del público, a tal punto de convertirse en uno de los estrenos más exitosos, controversiales y discutidos en el año. 

Lo que hizo Todd Phillips con el acercamiento del personaje y la construcción de la película tiene mayor influencia en el cine norteamericano de los setentas y ochentas —incluyendo entre las más obvias de ellas, Taxi Driver (1976) y The King of Comedy (1983) de Martin Scorsese, así como de Serpico (1973), One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975) y The Man Who Laughs (1928), según el propio Phillips—, que en el de los propios cómics, usando únicamente la popular novela gráfica escrita por Alan Moore, Batman: The Killing Joke (1988), como una inspiración. 

El resultado es el estudio de un personaje solitario que nos recuerda a las cintas que se hicieron en aquella época, en las que también se presentaba una ciudad de Nueva York desolada por el crimen y la desigualdad social y económica, un lienzo mediante el cual florecían estos antiheroes conflictivos que, a su vez, eran frutos inequívocos de su propio contexto adverso. 

Entre aquí Arthur Fleck (Phoenix), un payaso aspirante a comediante con problemas mentales y una condición patológica de risa incontrolable, que vive en una Ciudad Gótica al borde del colapso, cuya suciedad es tanto literal como espiritual y un símbolo de su propia corrupción. Su lento descenso a la locura se debe al abandono de la sociedad misma en todos sus niveles: psicológica, económica, emocional y política.

Por las pistas que vamos descubriendo a lo largo del argumento, sabemos que Arthur no tiene mucho de haber salido de un hospital psiquiátrico y que depende de medicamentos para sobrellevar su día a día. Los recortes de presupuesto que se mencionan durante el principio imposibilitan su tratamiento, recluyéndolo en la prisión de su propia mente, entre constantes pensamientos negativos, existenciales y desesperados; la violencia infligida por los habitantes de la ciudad —ejemplificada en su escena inicial en donde es asaltado por jóvenes del barrio, así como los arrogantes empleados de Industrias Wayne, su humillación en el show de Murray (Robert De Niro) y el resto del abuso que sufre y lleva sufriendo desde pequeño—; los eventos que llevan a su despido; la prepotencia y descaro de Thomas Wayne (Brett Cullen) como candidato a la alcaldía, la triste verdad detrás de su niñez y, en sí, la falta de empatía de este mundo tan inhóspito y cruel son lo que producen el alter ego de Arthur: Joker.

Ser el Joker representa ser un “payaso” ante los ojos de los magnates, ricos y poderosos, una burla sin gracia y de muy mal gusto para los privilegiados, una grieta en el sistema que, sin pretenderlo, se vuelve una poderosa chispa que desencadena el enfurecimiento de los marginados y de los más desfavorecidos, de aquellos que, así como Arthur, son víctimas del mismo abuso y que, por consecuente, también son posibles abusadores en potencia. La ironía del asunto, o quizás el punto débil que nos hace cuestionar la veracidad de los acontecimientos del argumento, es que Arthur no tiene ninguna postura ideológica; él no es un líder ni mucho menos un brillante estratega a la altura del mejor detective del mundo, sino mas bien, una anomalía y casualidad, una consecuencia directa que se deriva de su propio historial abusivo. 

Arthur no sale en busca de un cambio ni lo desea y, sin embargo, lo que produce es una aparente sublevación del fallido sistema que ha roto con las esperanzas de miles de ciudadanos. 

Pero, ¿qué pasa si Arthur miente? Es decir, ¿cómo saber si lo que lo que estamos viendo no es más que otro elaborado producto de su imaginación, tal y como fue en el caso de su inexistente romance con Sophie (Zazie Beetz)? ¿Por qué asumimos que esta es la versión definitiva de los hechos y no un majestuoso delirio en el que, casualmente, por fin es reconocido, aplaudido y vitoreado por una audiencia que lo respalda? Insisto, ¿por qué habríamos de creerle a Arthur en primer lugar? 

El guion de Todd Phillips y Scott Silver no ofrece respuestas inmediatas sobre nada de esto, en su lugar nos ofrece pura simpatía para su protagonista. Esta ambigüedad deliberada se refleja en cada una de las escenas, contadas desde el punto de vista de Arthur, pues no hay lugar para ningún otro y permitiendo múltiples lecturas a la vez. Por eso no es casualidad que cuando Arthur conoce al joven Bruce Wayne (Dante Pereira-Olson), ambos vistan los mismos colores de sus respectivos atuendos, como si fueran parte de un solo reflejo, de una misma familia. 

Como dato curioso, esta cualidad de narrador no confiable es incluso parte de la naturaleza misma del personaje impreso, como bien es señalado en determinado momento de Batman: The Killing Joke, sin embargo, vista como parte de la narrativa audiovisual de la película, se deja abierto el discurso y las distintas temáticas del argumento desde su guion, sin tener la fuerza suficiente para aferrarse a ninguna de sus ideas, cuestión que sucede, por ejemplo, ante el severo comentario social que presenta sin establecernos nunca una postura oficial, puesto que el personaje ni siquiera la tiene, lo que termina por hacer cuestionarnos a dónde quieren llegar los mensajes de esta película, o siquiera cuáles son estos.

Dicho en otras palabras, ¿qué es lo que debería importarnos de Joker al final del día? ¿Sobre los peligros de la salud mental? ¿De la cada vez más notoria desigualdad social? ¿Que el poder para ejercer un cambio radica en la gente y llegó la hora de despertar? ¿Que alguien como el Joker es el producto de nuestra sociedad y, por lo tanto, una responsabilidad con la que debemos asumir? 

Aún y con sus deficiencias, el Joker de Todd Phillips es un ejemplo sobresaliente de lo que la reimaginación de uno de los personajes más populares de DC Comics puede hacer en el género de los superhéroes, en el que no todas las historias necesitan formar parte de un mismo universo cinematográfico y que hay cabida para explorar estos nuevos territorios, en busca de resultados más frescos, autorales y visionarios.

Joaquin Phoenix nos entrega una actuación memorable y feroz, destacando la escena climática que comparte con Robert De Niro como uno de los momentos más tensos vistos por el cine comercial este año. También hay que reconocer la fotografía de Lawrence Sher —cuyos juegos de luces y contrastes, en conjunto con la paleta de colores, revelan el psique fracturado de Arthur y de la ciudad misma—, así como de la compositora Hildur Guðnadóttir, cuya atmósfera desoladora y majestuosa por igual, es un indispensable recurso que acompaña y complementa al protagonista, al igual que el resto del excelente soundtrack seleccionado para la cinta.

En Joker, la historia de Arthur, el origen de un icónico villano, se construye a base de suposiciones y verdades a medias, en el que si decides tener un pasado, es preferible que este sea de opción múltiple. De esta manera, cualquier respuesta es válida, aunque la constante sigue siendo la misma: sólo se necesita de un mal día, o en este caso, de una mala vida, para perder el juicio. 

Y justo así es cómo construimos el mito del mal, una versión a la vez. 

Calificación: ***1/2

Polvo

Hasta que el dinero nos separe

José María Yazpik escribe, dirige y protagoniza Polvo, ópera prima en la que aborda la situación del narcotráfico, tan recurrente en el cine mexicano, pero desde un ángulo nuevo, refrescante, divertido y original. La cinta sigue la historia del Chato (Yazpik), quien debe volver a su pueblo natal después de 10 años, para recuperar un cargamento de cocaína que cayó tras un accidente aéreo. El Chato abandonó la localidad de San Ignacio con la intención de convertirse en un actor de Hollywood y, por azares del destino, termina siendo enviado a cumplir esta misión por el Cartel de Tijuana, o de lo contrario, su patrón arrasará con el lugar. Volver a casa ante semejante responsabilidad no sólo le implica confrontar su pasado sino también cuestionar lo que pudo haber sido de su vida si se hubiera quedado. 

El guion, escrito por Yazpik y Alejandro Ricaño, se remonta en la década de los ochentas en una comunidad ubicada en medio de la nada, lo que permite concentrar la acción en sus personajes y dinámicas al estar aislados de la tecnología e información que trajeron consigo la revolución digital. El Chato toma ventaja de su situación pidiéndoles ayuda a sus habitantes, explicándoles que el cargamento es un “polvo farmacéutico” de una importante empresa para la que trabaja y que, por cada paquete que le sea entregado, les dará 100 dólares a cambio. 

A partir de aquí, los integrantes del pueblo se dejan llevar por la promesa del Chato y, una vez que reciben el dinero, empiezan a gozar de lujos, vanidades y cambios que ofrecen los momentos más cómicos, pero que estos trazan a su vez una triste realidad sobre un pueblo abandonado que no volverá a ser el mismo. La dirección de Yazpik le otorga un encanto bastante natural a todos sus personajes, sin perder de vista los elementos dramáticos del guion, que recaen en la relación entre el Chato y Jacinta (Mariana Treviño), una ex-novia que siguió con su vida tras su partida y que ahora se encuentra casada con Toto (Adrián Vázquez), el alguacil del pueblo, quien sospecha que las intenciones del Chato son ilícitas. 

Al elenco también lo acompañan las actuaciones de Joaquín Cosío, Jesús Ochoa y Carlos Valencia. Por otra parte, la fotografía, a cargo de Tonatiuh Martínez, pinta con nostalgia y calurosos atardeceres las distintas locaciones del pueblo originario de Yazpik. 

Polvo es una historia sencilla, personal y ligera que retrata con calidez tiempos de inocencia que se han perdido para siempre. Y, sin embargo, ahora queda preguntarnos qué ha sido de nosotros desde entonces, si nuestros sueños han sido igual de corrompidos que esa época, si por el contrario los hemos marchitado a lo largo de los años, si nuestras decisiones han sido las más sabias, o si las consecuencias no han sido lo suficientemente duras para ejercer un nuevo rumbo. 

Calificación: ***1/2

Knives Out

El mayor misterio es aquel que ya se resolvió

Rian Johnson teje un misterio irresoluble, al menos en apariencia, con su más reciente película, Knives Out. que brilla por su excelente elenco, argumento original y estilo irreverente de comedia combinado con una trama whodunnit —término que se le atribuye a las historias de detectives en donde se resuelve el complejo misterio de un asesinato—, que tiene como protagonistas y principales sospechosos, a una disfuncional familia privilegiada. 

La inesperada muerte del padre, Harlan Thrombey (Christopher Plummer), un aclamado escritor de novelas de misterio, detona una rigurosa investigación bajo la supervisión del detective privado, Benoit Blanc (Daniel Craig), en donde cualquiera de los miembros familiares figura como un posible asesino, después de todo, los motivos obran y cada uno de ellos los tienen bien puestos. 

Es así como se nos introduce a Marta Cabrera (Ana de Armas), la enfermera personal de Harlan, con quien compartió sus últimos momentos de vida, y que encabezará el misterio detrás de su complicada muerte junto con Blanc. Para sorpresa de los investigadores —y no por menos, de la audiencia misma—, se revela que Marta padece de una extraña condición que no le permite mentir sin vomitar, además de resguardar una pieza clave sobre lo que ocurrió esa fatídica noche. 

Rian Johnson nos prueba su devoción por estas historias al construir una red familiar compleja como epicentro para su guion y, como cualquier otro gran autor del género, nos sigue dejando lugar para las sorpresas, giros y revelaciones en un devenir constante entre las expectativas y anticipaciones de la audiencia. Todo esto lo hace con una personalidad palpable y carismática que, además, toca temas de privilegio y discriminación. Ana de Armas se luce en el rol protagónico, dotando de corazón y vulnerabilidad a la noble enfermera de madre migrante que se ve envuelta en un drama que nunca pidió ni creyó corresponder, pero que termina por convertirse en la heroína del mismo relato. 

Knives Out es una experiencia de alto entretenimiento que retoma los clásicos del género del misterio y le da su propio toque distintivo para asegurar una velada sorpresiva y muy especial. 

Calificación: ****

Ya no estoy aquí

Hijo de nadie, corazón kolombiano

En el 2014, la compañía productora Agencia Bengala inauguró la primera edición del Premio Bengala en el que buscaban argumentos con un potencial de desarrollo cinematográfico para su eventual realización. El ganador de esta convocatoria fue el director y guionista Fernando Frías De la Parra con su historia Ya no estoy aquí. Cinco años después, y tras una exitosa recorrida por los distintos festivales de cine nacionales e internacionales, el ahora largometraje del mismo nombre, que tiene como escenarios principales la colonia Independencia de la ciudad de Monterrey, así como los barrios multiculturales de Nueva York, tuvo una función doble en Colegio Civil Centro Cultural Universitario ante la abarrote y la expectativa total de los regiomontanos. 

El pasado miércoles 18 de diciembre, horas antes su función en el Aula Magna, la gente empezó a hacer fila, superando con prontitud el límite de los 200 espectadores en una de las responsivas más grandes a un evento cultural del estado. La estrategia por parte de los organizadores fue clara e inmediata: se haría una segunda función al aire libre, pues tan sólo en semejante explanada cabrían tantos interesados. Y así fue cómo se llevaron a cabo ambas funciones, en un ambiente lleno de emoción, curiosidad, buena vibra y comunidad al son de unas buenas cumbias. 

Rescato esta anécdota en particular no sólo porque así me tocó vivirla, sino porque nunca antes había presenciado una manifestación de esta índole en la ciudad; celebro a su vez esta importante victoria para todos los involucrados del evento, con la ilusión de que esta no sea la última vez que nos pase. ¡Y qué bonito que fuera con una película mexicana de valores locales! Sin embargo, ahora nos corresponde seguir corriendo la voz, como es de costumbre, pues sólo de esta manera el cine mexicano podrá seguir creciendo y, al mismo tiempo, reconciliarse con el público. 

En la última década, el cine mexicano ha resurgido ante una gran variedad de propuestas de alto calibre y con éxito internacional que luchan por mantener un espacio digno de exhibición en las salas nacionales, situación que ha llevado, entre otras cosas, a un continuo proceso de descentralización, estímulo y regeneración de espacios, comunidades y nuevas audiencias. Ya no estoy aquí forma parte de una generación de películas que sobresale por su reconocible valor artístico, así como el diálogo que producen acerca de las problemáticas que hemos vivido y seguimos viviendo en la actualidad. 

Estamos hablando de un cine que responde a los cambios que ha enfrentado el país con el paso del tiempo, un cine que nos reconoce y refleja, que se atreve a contar nuevas historias explorando nuevos puntos de vista; un cine que necesita ser visto con urgencia por nuestra propia comunidad y que, paso a pasito, parece que cada día se disminuye más esta brecha. 

Frías De la Parra construye un argumento que parte de la migración forzada, la lucha por preservar una identidad, la discriminación, la violencia y la desigualdad social, estas últimas ejercidas durante la guerra contra el narcotráfico del ex-presidente Felipe Calderón. La narrativa de Ya no estoy aquí deambula entre un jovial pero turbulento pasado que se yuxtapone ante el arduo y solitario presente de Ulises (Juan Daniel García Treviño), un joven migrante regiomontano que reside a muy duras penas en Jackson Heights, Queens —uno de los vecindarios más diversos de los Estados Unidos—, pero que porta en su vestimenta, corazón y memoria la subcultura Kolombiana. 

Líder del clan “Los Terkos” en su natal Monterrey, Ulises revive con nostalgia los recuerdos de una época consumida por los estragos de la inseguridad, y es a través de estos consecuentes flashbacks, que iremos descubriendo las razones por las que se encuentra fuera del país. Este constante ir y venir resulta en una excelente herramienta del guion pues, además de entender y apreciar mejor al personaje y su contexto, se justifica en su estructura narrativa, al ser estos flashbacks, las memorias a las que se aferra con terquedad y añoranza un adolescente que no quiere desprenderse de sus raíces. 

Para Ulises, su incomprendida identidad es lo que único que le queda y la difícil barrera del lenguaje le imposibilita entablar una conexión real con Lin (Xueming Angelina Chen), una joven asiática que se interesa genuinamente por él. 

A través de la música, el uso de actores naturales y la delicada fotografía de Damián García, Ya no estoy aquí es una mirada auténtica de la contracultura regia protagonizada por los “cholombianos”, de los múltiples retos que enfrentan las comunidades más marginadas de la sociedad y un ejemplo de la resiliencia de los cineastas mexicanos por seguir contando nuestras propias historias. 

Calificación: ***1/2

Parasite

La erosión de la esperanza

Parasite, del director surcoreano Bong Joon-Ho, tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Cannes donde haría historia tras convertirse en la primera cinta coreana en ganar la Palma de Oro. Desde entonces, no ha hecho más que obtener múltiples reconocimientos que la consagran, no sólo como una de las mejores películas del año, sino de la última década, una prueba más de la impecable trayectoria que ha tenido el cine surcoreano a lo largo de los años. 

El argumento sitúa a dos familias de clases sociales opuestas con una relación simbiótica que desencadenará el caos entre ambos mundos. La familia de los Kim vive en condiciones muy precarias y entre empleos mal pagados hasta que el hijo mayor, Ki-woo (Choi Woo-shik), se convierte en el nuevo tutor de inglés de la hija de los Park, una familia adinerada. Esto marcará el inicio de un elaborado plan en el que el resto de los integrantes de la familia Kim conspiran para infiltrarse en la mansión Park, fingiendo nuevas identidades para burlarlos y obtener un empleo digno que no existe para ellos en el mundo real, incluyendo un rol inventado para su hija, Ki-jeong (Park So-dam), como una terapeuta de arte asignada para el niño más joven de los Parks, así como el eventual despido del chofer y el ama de llaves (Lee Jung-eun) de la familia, siendo reemplazados por el padre, Ki-taek (Song Kang-ho), y la madre, Chung-sook (Chang Hyae-jin). 

La treta funciona, demostrando el talento y compromiso de los Kim, así como la ingenuidad de los Park y, por un momento, nuestros protagonistas alcanzan a disfrutar de los nuevos lujos que antes carecían, lujos que hubieran sido imposibles dada la falta de oportunidades, el adverso clima del país y, por consecuente, la enorme brecha desigual. Esta brecha se describe entre las abismales distancias que tienen que recorrer los personajes para deambular entre los dos escenarios principales, ya sea la mansión de los Park —un paraíso ubicado en las alturas, privilegiado incluso por la luz solar—, o el humilde hogar de los Kim, un departamento semi-subterráneo —con problemas de iluminación y plagas—, cuya ventana es lo único que los comunica con el mundo exterior. 

La fachada se desmorona a mitad del argumento con el regreso de la ama de llaves y el secreto que guarda en el sótano oculto de la mansión, trazando a partir de aquí, una montaña rusa de emociones que ponen en riesgo todo lo que conocemos y que eleva las tensiones a nuevos niveles dramáticos. Bong Joon-Ho no sólo tiene la habilidad de sorprendernos, sino de conmover y desgarrar con su relato, de ofrecernos momentos de simpatía, gozo y comedia, al igual que de terror, suspenso y tragedia, que nos conducen por un profundo vacío cuando llegamos hasta su última escena, en la que nos invade una tristeza por el destino y futuro de sus personajes. Porque Parasite no trata sobre una lucha de clases, sino de la erosión de la esperanza que se produce en el actual sistema en el que vivimos y al que llamamos capitalismo. 

Una prisión que nos segrega, demuele y carcome hasta deshumanizarnos. O mejor dicho, una prisión que nos hace creer que puede haber esperanza en un mundo tan imparcial e injusto. 

Calificación: *****

[locurateatralmx-blog]

El Amor de la Luciérnagas.

Por Hugo Scopo

Después de cortar con su novio, María se va a Noruega a encontrarse a sí misma. Lo logra: compra una máquina de escribir maldita que produce una doble exacta de ella, sólo que es mejor en todo lo que hace. María entonces tiene que perseguir a su doble de regreso a México, para evitar que le robe la vida a la que creía haber renunciado. 

El amor de las luciérnagas convierte así el viaje exterior en interior, y a lo interno lo exterioriza. Esa tensión entre dentro y fuera, mundo privado y público, se expresa también en escena: tres actrices interpretan simultáneamente a María, tomándose turnos y reaccionando a los parlamentos de la otra. Su profundidad de carácter se torna física. La escenografía es sencilla: tres maletas, una silla, focos. Viajamos por el mundo y por María gracias a que la historia avanza con narraciones. Los personajes, en vez de mostrar cada acción, nos la cuentan. De pronto, otro actor interviene en el monólogo, personificando lo que se relata. Sucede sobre todo en los diálogos. Eso subraya elementos, vuelve memorables ciertos instantes. Así, la dramaturgia Alejandro Ricaño logra una fecunda mezcla de recursos teatrales y de cuentacuentos. Ésta se anuncia como la última temporada, pero no es la primera vez. Quizá sea porque, a pesar de lo que afirma su autor, El amor de las luciérnagas está descubriendo un público cada vez más amplio, que la pide y la pide de vuelta. Ya no está tan fija en su contexto. Tal vez dé ese salto al que toda obra secretamente aspira, y nos siga conmoviendo y haciendo reír por generaciones.

Dramaturgia: Alejandro Ricaño Dirección: Alejandro Ricaño Elenco:  Adriana Montes de Oca, Sara Pinet, Sofía Sylwin*, Assira Abbate*, Ximena Sastrias*, Pablo Marín*, Álvaro Zúñiga*, Luis Eduardo Yee y Ricardo Rodríguez. *Alternando funciones. Horario: Lunes 8:30pm Duración:90 minutos Precio:$250

[qoctc]

Titah Migoya Presenta: “Lo que nos queda de nosotros” de Alejandro Ricaño y Sara Pinet. No te lo puedes perder este viernes 11 de noviembre en punto de las 8:30 PM en @stoacancun (en Stoa Auditorio Cancún) https://www.instagram.com/p/CkmuQk1DN4e/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[vidaenxalapa]

Los “Idiotas contemplando la nieve” vuelven al Teatro del Estado.

Los “Idiotas contemplando la nieve” vuelven al Teatro del Estado.

Idiotas contemplando la nieve fue escrita ex profeso para la Orteuv por Alejandro Ricaño (more…)

[ayzrules]

tagged by @morningstar1399 !! <3

Rule: Tag 9 people you want to know better

Top 3 Ships: uhhhhhh well OBVIOUSLY i gotta include my parasolverse faves - biffy/lyall is TOO PURE for this world (wholesome werewolf bfs gnnnnnnnnnngggg, and their freaking novella!!! had me shooketh!!!!!!!), and alexia/conall is the funniest thing EVER. i’ve been seeing spoilers saying prim/tasherit (<< did i spell that right) which seems like it’d be fucking Q U A L I T Y, but i’ve yet to read reticence & competence so!!!! 

angelique/madame lefoux (vieve) is also a ship that i find very interesting. tragic and sad but still very interesting (and i love that they’re hinted at in the last finishing school book!!!)

runner up: sophronia & soap. they’re just so good together and i love them so much. also omfg the lil bit about how ‘wicker chicken’ and phineas (soap) were separating so that soap could be sidheag’s beta in romancing the werewolf. i get SUCH a kick out of soph and her wicker chicken name lkejaf;dlfjas;

Lipstick or chapstick: chapstick, i can’t leave the house w/o it, i have like eczema on my lips or something so they’re constantly cracked/dry

Last song: “feel special” by twice!!!! i’m normally not into twice (never have been into the cutesy bubblegum pop genre) but feel special is so freaking wholesome and such a feel good song (and also doesn’t fall into cutesy bubblegum pop category, lol). daeyhung’s (? spelled wrong probably) rap like “you make everything alright” AHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHH i can’t. also just the events surrounding that particular comeback w/ mina make me think that it’s primarily about platonic love which makes me super happy b/c we don’t see that as much in kpop

(and also the song sounds like some kind of late 2000s american pop song? which gives it points in my book bc i LOVE that nostalgic shit)

Last movie: little women!

Reading: probably the translated version of ‘fractales’ (fractals) by alejandro ricaño that me & my group worked on last semester

Tagging 9 people: @now-on-elissastillstands @bebemoon @vampirkaninchen @interluxetumbra @kzombi3 @atimefordragons @lehua19 @carelessmidnight + anyone else who wants to!!

@digidream

[entrepalabrasmx]

Astillero Teatro presenta una historia de libertad y solidaridad: La flauta de Hamelin

Versión libre adaptada a títeres de gran formato, a partir del cuento original de los hermanos Grimm

Del 10 de abril al 26 de junio, sábados y domingos a las 13:00 horas

La compañía Astillero Teatro se congratula por la presentación de La flauta de Hamelin, una historia de libertad y solidaridad que muestra los sentimientos más nobles del ser humano. La puesta en escena es interpretada por Itzel Casas, Miroslava Figueroa, Sandra Rosales, Zohar Salgado, Axel Agustín Castro y Oswaldo Valdovinos, quien también dirige la puesta en escena junto a María Teresa Adalid. Esta puesta se presentará del 10 de abril al 26 de junio, los sábados y domingos a las 13:00 horas, en el Teatro Helénico.

La flauta de Hamelin revisita el cuento homónimo de los hermanos Grimm y lo adapta a los nuevos tiempos; en este sentido, plantea los vicios que condenaron a Hamelin —los estragos del sistema gobernante, lainjusticia, la corrupción, e incluso la desilusión que embarga a la llamada “Ciudad del olvido”, un lugarperdido al cual llegan los niños abandonados—. Ahí, en ese espacio desolado, está al mando Strom, el pequeño personaje enmuletas del cuento original, representado en esta versión como un capataz resentidoque explota a los niños; él personifica a la voracidad y a la codicia material convertidas en una especie de ser antropomorfo, cuya finalidad es la de succionar todo lo que está a su paso para transformarlo en riqueza.

La contraparte de ese sistema que oprime a las personas es la libertad de los niños, especialmente la de Leonora, un personaje sordomudo que posee una notable capacidad para imaginar y soñar. Esta virtud la convertirá en la portadora de una visión de plenitud y solidaridad.

La puesta en escena retrata de manera paralela la discriminación y la violencia hacia las personas con capacidades diferentes; es, al mismo tiempo, una reflexión sobre la autonomía que ha sido aprisionada por quienes condicionan a sus trabajadores sin importarles la edad, la salud o el futuro.

Se reitera que La flauta de Hamelin se presentará del 10 de abril al 26 de junio, los sábados y domingos a las 13:00 horas, en el Teatro Helénico. El costo del boleto es de $155. Actualmente hay una preventa del 50% de descuento, válida hasta el 10 de abril. Las localidades pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, así como en la página de internet: helenico.gob.mx.

Se le recuerda al público que las funciones están supeditadas al semáforo epidemiológico de la Ciudad de México. Asimismo, se exhorta a las y los espectadores a acudir con responsabilidad y quedarse en casa si presentan algún síntoma (dolor de cabeza, garganta o temperatura superior a 37.5 grados).

Oswaldo Valdovinos

Diseñador, constructor y realizador de títeres. Estudió las licenciaturas de Lengua y Literaturas Hispánicas en la UNAM y Diseño de la Comunicación Gráfica en la UAM, Azcapotzalco. Cursó Teatro en la EIA 4 del INBAL, el Diplomado en Arte Contemporáneo Tránsitos en el Centro Nacional de las Artes, y el Diplomado en el Arte de los Títeres en la Escuela Latinoamericana de Títeres Mireya Cueto, Tlaxcala. Ha tomado diversos cursos: Taller experimental de invención de títeres, con Iker Vicente; Adaptación de textos para la escena, con Silvia Peláez; Drama y otras textualidades para la escena, con Edgar Chías; así como Principios de construcción dramática, con Alejandro Ricaño. Fue finalista del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2010 con la obra El temor llegó con el pozole. Becario del programa Creadores Escénicos 2015-2016 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

María Teresa Adalid

Productora de teatro y actriz. Se graduó de la licenciatura en Teatro en el INBAL y obtuvo los diplomados: Arte Latinoamericano Contemporáneo y Teatro por la Universidad Iberoamericana; Humanidades y Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. En el extranjero cursó estudios de teatro sobre: Historia del teatro cubano en la Academia de Teatro Mudra, en Cuba; en London Academy of Music and Dramatic Arts, LAMDA, en Londres, Acting Shakespeare, así como Art Managment en la Universidad de Sussex, en Brighton, Inglaterra. Becaria del programa Creadores Escénicos 2017-2018 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Itzel Casas

Licenciada en Diseño de la Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana, Azcapotzalco. Cuenta con estudios de Escenografía por la Escuela Nacional de Arte Teatral, además de haber tomado diversos cursos de iluminación, diseño y realización de títeres con maestros como: Philippe Amand, Mónica Hoth, Iker Vicente, Kay Pérez Sapien, entre otros. Ha realizado títeres para las compañías Figurat, de Emmanuel Márquez; Mond Ensamble, Danza contemporánea; y Teatro Mothus, de Canadá, por mencionar algunos.

Daniel P. Vázquez

Compositor y director musical de Astillero Teatro. Es Técnico en Música (Corno Francés) por la Escuela de Artes y la Licenciatura en Composición en ENM-UNAM 2008-2015. Tiene un catálogo con más de 30 obras originales, con manejo de diferentes dotaciones, desde instrumentos solos hasta orquesta sinfónica. También ha realizado la grabación de 5 discos: Banda de música Águilas Doradas, Orquesta Sinfónica de la BUAP, Orquesta Sinfónica de la BUAP II, Orquesta Sinfónica de la BUAP y mariachi Águilas de México (disco no editado). Becario del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico del Estado de Puebla (PECDA) 2016-2017 en la modalidad Jóvenes Creadores.

Sandra Rosales

Licenciada de actuación de la Casa del Teatro y de l´École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq en Paris, Francia. Del 2002 al 2003 reside en la Cité International des Arts en Paris, Francia. Ha sido becaria en varias ocasiones en los Programas Artísticos de Creadores Escénicos del Fonca, 2004, 2007 y 2013; en el Programa de Excelencia Artística por parte de Francia, 2002-2003; y en Jóvenes Creadores, 2011. Con más de quince años de trayectoria artística ha trabajado como actriz con directores de escena como: Jorge Vargas, Luis de Tavira, David Olguín, Sandra Félix, Rodolfo Guerrero, José Alberto Gallardo y Juan Carillo, entre otros. Participó en la Compañía Nacional de Teatro con la obra Santa Juana de los Mataderos de Bertolt Brecht; por último, fue fundadora del Centro Dramático de Michoacán del 2003 al 2006.

Zohar Salgado

Teatrera activa desde 1997. Se ha presentado en distintos teatros de México, Bélgica, Argentina, Chile, Venezuela y República Dominicana. Estudió Lengua y Literaturas Hispánicas (UNAM). Ha colaborado como editora de textos pedagógicos y médico-científicos. Ha sido profesora de las asignaturas de español y teatro a nivel secundaria, preparatoria y casas de cultura. Como directora teatral, en 2004 obtiene el primer lugar en el Concurso de Pastorelas del Sistema Incorporado (UNAM). Como titiritera, en 2010, participa en el Bozar Theatre ¡México!/Festival Temático Multidisciplinario en Bélgica y en 2014 en el Festival Iberoamericano de Teatro Infantil y Juvenil en República Dominicana. Conductora del programa Aprende en casa de la SEP.

Miroslava Figueroa

Licenciada en Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Dentro del ámbito teatral se ha desempeñado como actriz y titiritera. Ha participado en más de 17 puestas en escena y en diversos festivales internacionales. Fue becaria de la Comisión de Formación de la UNIMA 2014 para atender el taller Ombre e altri fantasmi della scena, impartido por la compañía Teatro Gioco Vita en la ciudad de Piacenza, Italia. Actualmente se desempeña como actriz en la compañía Teatronautas, como actriz y titiritera de la compañía Los de Siempre Artes Escénicas. Actualmente se desempeña como asesora de teatro en el Centro Cultural Helénico Naucalpan de la UNAM, como docente de teatro de la UNIREMy en el Diplomado de Arteterapia en México.

Axel Agustín Castro

Actor, titiritero, danzante y tallerista. Realizador de títeres en el grupo Titereliches. Ha participado con el Colectivo Totehu Mazatl, Tepito Arte Acá, Figurat y Astillero Teatro, entre otros.

[saturdaynightmatinee]

CALIFICACIÓN PERSONAL: 6.5 / 10

Título Original: Polvo

Año: 2019

Duración: 88 min

País: México

Director: José María Yazpik

Guión: José María Yazpik, Alejandro Ricaño

Música: Sergio Acosta, Andrés Sánchez Maher

Fotografía: Tonatiuh Martínez

Reparto: José María Yazpik, Mariana Treviño, Joaquín Cosío, Jesús Ochoa, Angélica Aragón, Adrian Vazquez, Carlos Valencia, Carlos Olalla, Manuel Poncelis, Irineo Alvarez, Wendolee Ayala

Productora: Alebrije Producciones, Tintorera Producciones

Género: Comedy, Crime

https://www.imdb.com/title/tt11170942/

TRAILER:

[rafaelvolta]

Mayo 2019

En el fondo todos somos un vengador.

¿Qué escuche? 1.- Humanz. Gorillaz. 2.- Titanic Rising. Weyes Blood. 3.- Aquemini. Outkast. 4.- Live in Cook County Jail. B.B. King. 5.- Greatest Hits. Los Dynamite. 6.- The Stone Roses. The Stone Roses. 7.- White Blood Cells. The White Stripes. 8.- On the line. Jenny Lewis. 9.- Boz Scaggs. Boz Scaggs. 10.- Bonnie Raitt - Give It Up 11.- MGMT - Oracular Spectacular 12.- Wilco - Yankee Hotel Foxtrot 13.- Eurythmics - Touch 14.- Albert King - Born Under a Bad Sign 15.- ZZ Top - Tres Hombres ¿Qué leí? 1.- Esa melancolía que le da uno a veces. Dramaturgia de Alejandro Ricaño. 2.- Demetrius o la caducidad. Dramaturgia Legom. 3.- Un poco de paz. Dramaturgia de Luis Santillán. ¿Qué vi? 1.- Avengers Endgame. Dir. Anthony Russo, Joe Russo 2.- El complot Mongol. Dir. Sebastián del Amo. 3.- Atlanta. 2da temporada.

[petitt-pois]

Obra Leída: El amor de las luciérnagas

El amor de las luciérnagas es una obra escrita por Alejandro Ricaño. Fue escrita en el 2013 en Buenos Aires, Argentina. Aunque sea una obra Argentina, la protagonista es mexicana. La obra trata de las desgracias de María y como ella termina creando una doble de sí misma con una máquina de escribir maldita.

María es una chica normal con sus problemas personales, que se va de pronto a Bergen, Noruega porque su novio tóxico la corto otra vez. Se da cuenta que Noruega es un país muy triste y se arrepiente de haber se ido, empieza a escribir borracha en su maquina de escribir que le pagaron que tomase ya que según el vendedor estaba maldita; y pues resulto ser verdad ya que lo que escribía en esa maquina se volvía realidad y por error creo un clon de si misma, sin imperfecciones y mejor que ella. De esta manera, empieza su búsqueda a encontrarse a si misma, literalmente. 

La verdad, a mi me pareció un texto divertidísimo, con el que entendía las referencias y podia reírme del humor por la forma en la que hablaban. Estaba muy dirigida para mexicanos o gente que conociera la cultura ya que hablaban con muchos modismos y hacían referencias a etapas importantes de México. María se sentía una persona verdadera y no solamente un personaje, era perfectamente imperfecta, y con eso bastaba para que el espectador pudiera ponerse en sus zapatos y entender mas a fondo como se sentía.

Opino que esta obra jugó con el tema de encontrarse a si mismo, primero literalmente al encontrar a su clon; pero de esta manera, después de recordar eventos del pasado y vivir nuevos, pudo encontrarse a si misma como  persona, tuvo una claritud en su mente donde se dio cuenta lo que realmente quería hacer con su vida. Me encantó esta forma tan sutil de ir en contra de lo que ya habían establecido: que ella se quería a encontrar a si misma, pero en el sentido de encontrar a su clon, no la frase cursi. 

Sentí un sentimiento de familiaridad, de cercanía con la historia de la obra. No se sentía lejos de casa, como una historia que le podría pasar a una amiga mías, o a una vecina. Claro que hubo momentos sacados de la realidad, pero los enfrentaban con tanta naturalidad que se sentía plausible que pasaran realmente. 

[whileiamdying]

Montan farsa sobre ‘‘una cruda violencia y crueldad emocional’’

La normalización de la violencia es tema de reflexión en la propuesta teatral Un torso, mierda y el secreto del carnicero, del dramaturgo Alejandro Ricaño, que con dirección de Sisu González presenta breve temporada en el Centro Cultural El Hormiguero. from La Jornada: Cultura https://www.jornada.com.mx/2020/02/11/cultura/a07n1cul?partner=rss via IFTTT

[sucolectivoblog-blog]

Teatro... ¿Se come?

Por Ally Bautista

No, no es una lección intelectual sobre lo que es el teatro. Esta vez queremos que se acerquen a este arte, tanto o mas que a la música. Y como en la música, hay un montón de proyectos teatrales que podría nombrar en este articulo, pero voy a empezar por hablarles, semanalmente, de algunas puestas en escena que ya he visto, que me han fascinado -muchísimo- y que podrían acercarlos de una manera impresionante a este arte.

Comenzare con una puesta en escena que está a cinco funciones de cerrar el telón... El Amor de la Luciérnagas de Alejandro Ricaño, es una de mis obras favoritas en la vida (pero enserio) la cual siempre recomiendo. Y es que ¿Cuantas veces nos sucede en la vida, que no sabemos decir adiós? Hay momentos en los que de manera muy sencilla podemos decirnos que es momento pero hablando de manera sentimental, la mayor de la veces es totalmente complicado y esta obra nos enseña que puede ser toda una expedición hacia nosotros mismos. María tiene un incidente verdaderamente extraño al irse “al fin del mundo” para poder olvidar a su ex, se encuentra a ella misma. Regresa a México y acompañada de su mejor amiga Lola, quien es ese amigo al que no le duele decir la verdad y el cual nos hace pasar momentos inolvidables con su peculiar forma de demostrar el cariño. María decide atravesar todo el país con la esperanza de encontrar a esta otra yo que se ha llevado a su querido ex novio a Guatemala. Entre anécdotas, un largo viaje y “maldiciones”, María descubre que “Es momento de soltar”. Con la dirección del mismo Alejandro Ricaño y las actuaciones de Sonia Franco, Ana Zavala, Ximena Satrías, Sofía Sylwin, Assira Abbate, Sara Pinet, Hamlet Ramírez, Luis Eduardo Yee, Pablo Marín y Ricardo Rodríguez, esta puesta en escena los llevara de la risa a las lagrimas y una grata experiencia con lo maravilloso que es el arte teatral.

 Todos los LUNES en el Teatro JULIO PRIETO (antes Xola) a las 8:30 pm. 

Tómense un ratito de la semana para salir de la rutina y ver un increíble trabajo. 

Mas info. sobre la obra en:  https://www.facebook.com/El-amor-de-las-luci%C3%A9rnagas-598810813510731/?fref=ts

[freelancia-blog]

"Todos los peces de la tierra" de Bárbara Perrín Rivemar Dirección: @Alejandro Ricaño Con: Sara Pinet Adriana Montes De Oca Gina Martí Madrinas de reestreno: Mónica Huarte. Actriz. y Monica Dionne Director residente: Ángel Luna. Iluminación: Roberto Paredes ¡Una obra contundente y reveladora! #escenariosquetransforman #HabitanTeatros #SomosNiños Fotografía: #VEC (@Vicente Vicente Eduardo Cervantes) #Freelancia https://www.instagram.com/p/BwSSEulDs0b/?utm_source=ig_tumblr_share&igshid=15n7juld6plvf