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elmartillosinmetre · 3 years ago

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El medievo cantado a los niños

[Emilio Villalba y Sara Marina con la marioneta de la pequeña juglaresa. / JUAN CARLOS VÁZQUEZ]

En su segundo álbum pensado para los niños, Emilio Villalba y Sara Marina presentan un paseo por el medievo a través de una serie de historias protagonizadas por un personaje infantil

Llevan años Emilio Villalba y Sara Marina trabajando en el entorno de la música medieval con proyectos diversos, tanto en el terreno de la interpretación como en el del rescate de instrumentos. En 2014 dieron otro paso cuando se plantearon hacer un disco destinado a los niños. “Muchos amigos nos preguntaban si podían ir con sus hijos pequeños a nuestros conciertos. Y les decíamos que por supuesto, e incluso empezamos a poner cartelitos de ‘Reservado para niños’ en la primera fila. Así que decidimos hacer trabajos especialmente dedicados a ellos con piezas más cortitas, arregladas de forma asequible y acompañadas de historias”. Así nació Música para princesas, dragones y caballeros. “Aquello fue un simple compendio de historias medievales”, comenta Sara.

Para su segundo trabajo infantil han ido más allá: “Teníamos la idea clara de mostrar a los niños personas (reales o imaginarias) que se dedicaron a la música y podían contarles algo desde su experiencia vital”. Y Emilio añade: “La Pequeña juglaresa es una marioneta que va conociendo a diversos personajes, a un ciego de romances, a Alfonso X, a una trovadora, a Hildegarda de Bingen, a un constructor de instrumentos… Es una fantasía, una historia sin fronteras ni temporales ni espaciales. Es una niña que viaja por la Edad Media para acabar convirtiéndose ella misma en música”.

El guion es del propio Emilio Villalba, aunque hay pasajes extraídos literalmente de tratados y libros de la época: “Por ejemplo, las recetas que aparecen en el cuento de las monjas las saqué de un tratado medieval sobre recetas curativas. Fray Bermudo habla con algunas frases extraídas de su libro de música. El personaje que explica cómo se lee la música en el cuento de Alfonso X usa una frase sacada de un tratado de clave...” “Sí, y además ese personajes habla con acento sevillano, porque ese relato lo ambientamos en el Alcázar y nos resultó divertido”.

En el proceso de grabación, el trabajo casi duplicó su contenido: “Teníamos el disco preparado para grabar antes de la pandemia, escrito el guion, seleccionadas las piezas, pero no veíamos el momento de hacerlo. Llega la pandemia. Nos ponemos a grabar y surgen más historias. Por eso hicimos dos cedés: el primero era lo que teníamos pensado; el segundo fue surgiendo sobre la marcha”, aclara el músico sevillano. Y su compañera añade: “Surgió la dama de la torre, surgió el tema de la peste, que en un primer momento dudamos de meterlo, porque no sabíamos si iba a dar miedo a los niños, pero luego pensamos que sí, porque vivíamos un momento único, con la pandemia”.

La idea de usar una marioneta en escena vino “siguiendo las recomendaciones de algunas madres y nuestra propia experiencia anterior. Los niños necesitan visualizar a la protagonista, que en este caso es una niña, una juglaresa que nos sirve para unir todas las historias. Pensamos que los niños podrían identificarse mejor y motivarse más con la imagen en vivo de ese personaje que es una niña, como ellos, una niña capaz de aprender todas esas cosas”.

Emma Zahonero y Jesús Mendiola, de MV Arte, se encargaron de hacer la marioneta. “Son especialistas en restauraciones antiguas de todo tipo. Y como era un personaje medieval, decidieron hacerlo con técnicas medievales. El aspecto de la cara está basado en algunas vírgenes niñas. Pero además aplicaron todas las técnicas medievales en la fabricación: cortar la madera con hachas, pintarla al temple al huevo, con los pigmentos mezclados en conchas de Santiago, y con articulaciones hechas como en la Edad Media, con cuerdas de hilo. La forma de manipulación es completamente medieval”. El vestuario es de Sara: “Lo hice fijándome en la iconografía. Empecé con patrones de ropa de niños adaptados a la marioneta, haciendo muchas pruebas. La tela es de terciopelo muy antiguo, tiene cien años”.

Todo ello parte además de dibujos y diseños gráficos realizados para el álbum por el propio Emilio Villalba: “El arte gráfico me apasiona desde pequeñito. Queremos darle una identidad, que vean que es un producto nuestro. A los niños les gustan esos dibujitos. A veces algunos padres nos han mandado por mail esos dibujos copiados por los niños. Es emocionante”.

Para la selección musical “partimos de la premisa de no aburrir. Tenían que ser temas que pudieran ser bailados o cantados”, cuenta Sara. “Y luego, el timbre –sigue Emilio–. Como tenemos tantos instrumentos, la riqueza tímbrica, el color, es esencial. Buscamos variedad de sonoridades y colores en escalas, ritmos..., tenemos dos saltarelos, una cantiga de Santa María, un tema andalusí, saltamos también al principio del Renacimiento, siempre con el repertorio que, como instrumentistas podemos asumir, danzas, estampidas...”

A ello se añaden algunos temas de composición propia. “Me consta que hay músicos que en discos de antigua meten cosas propias, pero no lo dicen, las ponen como anónimas, porque les da vergüenza. Pero hay que hacerlo. En este álbum hay alguna pieza singular, como La nana de los sueños que es una pieza que soñé. Soñé que estaba en una conferencia sobre música y había una mujer que cantaba acompañándose de un instrumento, un laúd muy pequeñito. Me desperté, tenía la melodía en la cabeza, fui y la grabé”.

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Un par de temas (Ecco la primavera de Landini y el romance de La mañana de San Juan) son cantados por niños. “Había niños que cantaban nuestras canciones de Sephardica. Así que pensamos que en un disco dedicado a ellos las voces tenían que ser suyas. Pero niños normales, que supiesen afinar, pero no buscamos voces educadas, sino lo más naturales posible. Son hijos de amigos, de músicos, que más o menos saben cantar. Son temas difíciles para ellos. El romance parece fácil, pero no, les costó. Me encantó ese corte de respiración en medio de las palabras, me parece tan natural, tan bonito. Además esto incluye una segunda lección: escúchalo, que tú puedes cantarlo igual. Cualquier niño puede cantar. Eso queremos transmitirlo. Cualquiera puede estudiar y aprender música. Nuestra juglaresa es una niña aventurera, que quiere aprenderlo todo porque es curiosa. Y ese espíritu de curiosidad es el que queremos transmitir con nuestro disco y en nuestro espectáculo”.

Presentado en el pasado Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, el espectáculo de La pequeña juglaresa se podrá ver próximamente en el Circuito de la Diputación provincial de Sevilla. “Estamos también en negociaciones con el Teatro de la Maestranza, que han abierto un programa pedagógico muy interesante. Esperemos que ese sea el estreno en Sevilla”. Y mientras, estos dos juglares siguen con sus otros proyectos: “Tenemos un interesante programa sobre Ibn Gabirol, que haremos en Málaga y en el ciclo de las Noches del Alcázar. A principios de agosto, estrenamos en el Palacio de los Marqueses de la Algaba junto a la compañía de teatro de María de Melo un espectáculo en torno a Alfonso X. Tenemos también un proyecto titulado La dézima musa que va a ser precioso. Y con nuestra fundación, dedicada a los instrumentos históricos, vamos a montar una exposición guiada y con miniconciertos con copias de instrumentos de las cantigas, que posiblemente pase por Murcia, Cuenca, Cádiz, quizás también Sevilla”.

[Diario de Sevilla. 17-05-2021]

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elmartillosinmetre · 6 years ago

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Una mirada al Femás

[ Un momento de Il Terremoto de Draghi en su reestreno moderno en Cracovia hace dos años]

Entre el 23 de marzo y el 13 de abril se celebrará en Sevilla una nueva edición del festival de música antigua más veterano y prestigioso de España, este año con una especial dedicación a la música de la Iberia medieval

La apertura del Femás'19 nos conducirá a la Viena de 1682, la del emperador Leopoldo I, gran melómano y compositor notable. El conjunto francés Le Poème Harmonique ofrecerá El terremoto, un oratorio del maestro italiano Antonio Draghi, que aquel mismo año había sido nombrado maestro de capilla de la Corte imperial. El terremoto pertenece al género de los sepolcri, un tipo de oratorio exclusivo de Viena, donde se representaron entre 1660 y 1705. Draghi, prolífico autor teatral, dejó 27 de ellos. Los sepolcri eran piezas breves (en torno a una hora de duración) y en general austeras, aunque algo menos que los oratorios vieneses comunes del tiempo, ya que al acompañamiento tradicional del bajo continuo solían añadir cuerdas y algunos instrumentos solistas. Se ofrecían además con puestas en escena y vestuarios ante una réplica del Santo Sepulcro y una tela de fondo pintada como decorado. Eran obras puramente cortesanas de temática pasional, que podían oírse cada Jueves Santo en la capilla de la emperatriz viuda Eleonora y al día siguiente en la propia Capilla Imperial.

En la primavera de 2017, Le Poème Harmonique estrenó en tiempos modernos esta obra en el festival Mysteria Paschalia de Cracovia y lo hizo añadiendo a los ocho personajes del drama original a una actriz que va conduciendo la acción como narradora (en polaco). Habida cuenta de que esa misma actriz figura en la nómina que el grupo ha mandado al Femás puede pensarse que hará en Sevilla una labor similar (en español, cabe esperar). Existe una grabación en vídeo del espectáculo completo de Cracovia que puede verse en internet: El terremoto de Draghi. Los interesados podrán así ir a la inauguración sabiendo exactamente qué van a encontrarse. Los que prefieran asistir sin verlo antes quizás sí deberían saber que no se trata en absoluto de un oratorio escrito en el exuberante estilo italiano de principios del XVIII y que, desde luego, no tiene absolutamente nada que ver con los oratorios de Haendel.

Sí, el Femás se abre con un oratorio de notable singularidad, pero breve y austero. Y se cerrará con otro oratorio especial, pero este mucho más extenso y suntuoso. Aunque Haendel pasó por Italia y compuso allí en la primera década del XVIII un par de oratorios en brillantísimo estilo italiano, el tipo de oratorio que va a empezar a escribir en Londres en los años 1730 se acogía a una forma y un estilo diferentes, acaso más vinculados a los que había conocido en Hamburgo entre 1703 y 1705, escritos por sus colegas y amigos Keiser, Telemann y Mattheson. Para empezar, estaban escritos en inglés y, aunque también se articulaban mediante recitativos y arias, incluían muchas más partes corales. En esto, Israel en Egipto es en cualquier caso una excepción, y lo es por exceso. Estrenado con poco éxito en 1739, el oratorio es casi completamente coral, ya que 26 de sus 39 números son coros, 18 de ellos escritos en el venerable estilo policoral, que parece mirar a las majestuosas obras venecianas de principios del Barroco. The Sixteen, uno de los grandes grupos corales ingleses dedicados a la música antigua, parece garantía para una obra que tiene grabada en disco.

De los seis conciertos con temática medieval, el más relevante resulta sin duda el del conjunto italiano La Reverdie, aunque sólo sea porque este grupo, fundado por dos parejas de hermanas en 1986, jamás ha actuado en Sevilla, siendo, como es, uno de los más importantes en el repertorio del medievo. En sus más de veinte discos, fácilmente accesibles hoy en la red, han recorrido la música de la época en todas direcciones, con planteamientos temáticos de notable interés. A Sevilla vienen en cualquier caso con repertorio español, que no han hecho nunca en disco, en torno a tres grandes ejes temáticos: las Cantigas de Santa María de Alfonso X; el Codex Huelgas, importantísimo manuscrito elaborado en el primer cuarto del siglo XIV en el monasterio femenino de Las Huelgas (Burgos) y que recoge el repertorio que era habitual en el convento, por lo que convive en él música de diversos períodos; y el Llibre Vermell, un libro elaborado para los peregrinos que llegaban a Montserrat que incluye un cancionero con diez piezas recopilado a finales del siglo XIV.

El resto de grupos medievales son conocidos del festival y de la ciudad. En materia de repertorio, se insiste en el mundo de las cantigas (Artefactum), en el del Codex Huelgas (Alia Mvsica), se hace un recorrido interesante por el Ars Nova italiano y francés en versiones instrumentales (Guillermo Pérez) y se atiende al mundo de la tradición oral, con música andalusí (Ensemble Andalusí de Tetuán) y canciones sefardíes (Sephardica), medievales sólo porque nos hemos acostumbrado a verlas así.

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El conjunto Tasto Solo, que lidera Guillermo Pérez, era el encargado de rematar el recorrido por el universo medieval, pero su programa, en torno a lamentos y homenajes fúnebres, está hecho en realidad de obras de algunos de los más importantes compositores franco-flamencos del Renacimiento, en concreto de la generación de Josquin Desprez, tronco central de la polifonía renacentista europea. Tasto Solo tiene ya tres discos en el mercado, aunque ninguno con este repertorio.

El repertorio del Renacimiento trae otra de las grandes novedades del festival sevillano, la primera visita a la ciudad de Stile Antico, uno de los conjuntos que en las dos últimas décadas han renovado el panorama de los grupos de polifonía británicos. Con una discografía amplia y variada, el conjunto se mueve de forma especialmente brillante en la música inglesa, y será así, con un recital dedicado a músicas vinculadas a Isabel I de Inglaterra como debutará en el Femás.

Dentro de la música barroca, el Femás de este año propicia otro debut en la ciudad, el de la soprano francesa Sandrine Piau, que actuará junto a un grupo francés también neófito en el festival sevillano, Les Paladins. Nacida en 1965, Piau es soprano de amplia y diversa trayectoria, aunque sus orígenes están muy vinculados al mundo barroco, y es con la música antigua con la que más se la relaciona. En su discografía puede hallarse más de un álbum haendeliano, que puede ayudar a ir preparado a un concierto que es un monográfico dedicado a Haendel.

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También serán novedad en el ámbito barroco la actuación de dos jóvenes conjuntos españoles, Concerto 1700, que junto a otro grupo vocal madrileño, algo más veterano, Afectos Diversos, ofrecerán un interesante recital con cantatas tempranas de Bach; y L'Apothéose que acompañará a la soprano murciana Olalla Alemán en un recorrido por la música teatral española del siglo XVIII. Barroco será también el acercamiento de la Accademia del Piacere a la música francesa, con arreglos que Fahmi Alqhai ha hecho para un conjunto de violas de obras de Marais, Dieupart, Couperin y de la Obertura a la francesa de Bach. El conjunto de Alqhai es uno de los más internacionales de la música antigua española y, aunque no tienen grabado este programa, su discografía ofrece suficientes claves para acercarse a su visión de la música del período. Y también en el ámbito barroco cabe encuadrar la propuesta de los ganadores de la última Beca que la Asociación de Amigos de la OBS y el propio Festival conceden anualmente, el oboísta José Manuel Cuadrado y el violinista Andrés Murillo, que harán un programa de sonatas (la mayoría en trío) barrocas y galantes (Corelli, Telemann, Haendel, Janitsch, Platti).

Entre barroco y clásico será el programa que este año presente la Orquesta Barroca de Sevilla en el Femás. Con la novedosa intervención del violonchelista Asier Polo, quizás en su primera colaboración con un conjunto de instrumentos de época, se ofrecerán conciertos para violonchelo de Vivaldi, Boccherini y Haydn. La trayectoria tanto de la OBS como del violonchelista vasco son bien conocidas, aunque en la discografía de Polo no hay documentos de música del período para hacerse una idea de su concepción musical.

El flautista sevillano Rafael Ruibérriz ofrecerá con el cuarteto de cuerdas La Spagna una interesante novedad de repertorio, que juntos presentaron en el pasado Festival de Música Española de Cádiz: será la versión para cuarteto de Las Siete Últimas Palabras de Cristo en la Cruz de Haydn con el arreglo que hizo un jovencísimo Francisco Asenjo Barbieri en 1840 añadiendo una flauta. Se trata de un rescate patrimonial en absoluto desdeñable, que puede prepararse oyendo las distintas versiones de la obra de Haydn (orquestal, cuartetística, pianística o en forma de oratorio), de las que hay abundante documentación fonográfica.

Como siempre, el Femás ofrece algunas alternativas de carácter más heterodoxo, que este año se resumen en un acercamiento a Bach compartido por el conjunto Hippocampus, posiblemente el más bachiano grupo español del momento, y el flautista Jorge Pardo, habitual frecuentador del mundo del flamenco y el jazz; y en un concierto de dos formaciones corales que debutan en el Femás, los asturianos de El León de Oro y los vascos del Grupo Vocal Kea, con un programa que reúne algunas grandes obras renacentistas con un estreno de César Camarero y una partitura poco conocida del suizo Frank Martin, una espléndida Misa para doble coro que es sin duda una de las grandes obras religiosas escritas en el siglo XX.

[Diario de Sevilla. 18-03-19]

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