#post-impresionismo

[someday-dreamlands]

𝑩𝒂𝒓𝒄𝒐𝒔 𝒑𝒆𝒔𝒒𝒖𝒆𝒓𝒐𝒔 𝒆𝒏 𝒍𝒂 𝒑𝒍𝒂𝒚𝒂 𝒅𝒆 𝑺𝒂𝒊𝒏𝒕𝒆𝒔-𝑴𝒂𝒓𝒊𝒆𝒔 (𝑽𝒊𝒏𝒄𝒆𝒏𝒕 𝒗𝒂𝒏 𝑮𝒐𝒈𝒉, 1888)

[iamainhoa]

Paul Cézanne

El niño del chaleco rojo (Le Garçon au gilet rouge)- 1890 Oil on canvas, 79.5 x 64 cm Post-impresionismo.

 El artista pintó cuatro retratos al óleo de Michelangelo Di Rosa, el chico italiano del chaleco rojo que observamos en esta obra.

Esta pintura representa al muchacho en clave melancólica, sentado con el codo sobre una mesa y con su cabeza apoyada en la mano.

Sobre la mesa, aparece una carta por escribir, quizá el chico esté pensando en que redactar en un papel en blanco, por su condición y su pose, podemos imaginar de que se tratarán sus versos.

El carácter de esta pintura, los colores, las largas extremidades, las grandes orejas del chico y el aura nostálgica que aparece en esta pintura, la hacen que sea para mi, una auténtica obra maestra del post-impresionismo y una de mis favoritas del género.

⭐Favorite Painting

📍Foundation E. G. Bührle, Suiza

[notasfilosoficas]

“Prefiero morir de pasión que de aburrimiento”

Vincent Van Gogh

Vincent Willem Van Gogh fue un pintor neerlandés nacido en Zundert en marzo de 1853, fue uno de los principales exponentes del post impresionismo.

 Era hijo de un austero y humilde pastor protestante llamado Theodorus y de su mujer llamada Anna Cornelia. Fue el mayor de 5 hermanos.

Durante su infancia acudió a la escuela de manera irregular pues sus padres lo enviaron a diferentes internados, dejando los estudios de manera definitiva a la edad de 15 años. Sobre su infancia Vincent comentaba “Mi juventud fue triste, fría y estéril”.

Desde muy joven mostró un carácter difícil y un temperamento fuerte, a la edad de 16 años comenzó a trabajar en una importante compañía internacional de comercio de arte de la que su tío Vincent fue socio, y cuatro años más tarde fue enviado a Londres para suministrar obras de arte, y en donde se enamora de la hija de la señora del lugar en donde se hospedó, siendo rechazado por estar comprometida.

En mayo de 1875 fue destinado a París en donde creció su amor por el arte. En 1878 fue despedido de la galería pues anteponía sus gustos personales sobre las ventas que debía realizar.

En mayo de 1877 se traslado a Amsterdam donde quiso hacerse teólogo, en donde fue rechazado por no saber latín ni griego. Pero debido a su profundo fervor fue enviado de misionero a la región de Mons, a las minas de Borinage en Bélgica realizando 22 meses de trabajo evangelizador en condiciones de extrema pobreza, después sus superiores lo enviaron a Cuesmes viviendo un año en absoluta pobreza y en contacto con mineros por quienes sentía una gran simpatía.

En 1880, por recomendación de su hermano Theo quien lo apoyaba económicamente, se inscribió en la Academia de las Bellas artes en Bruselas en donde estudió dibujo y perspectiva. Por esas fechas se hizo amigo del pintor neerlandés Anthon Van Rappard, con quien mas tarde debido a las críticas a sus pinturas rompería su amistad, debido a la sensibilidad y carácter de Van Gogh a la crítica.

Para 1886 y con el apoyo de su hermano Theo, Vincent se mudó a París, instalándose en Montmartre en donde entró en contacto con artistas de la época como Émile Bernard, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Camille Pissarro y Paul Cézanne entre otros, es ahi en donde comienza a utilizar los colores complementarios pintando paisajes urbanos y naturaleza muertas con colores más vivos.

En 1888, derivado de los consejos de su hermano y motivado por su interés en el color y por la captación de la naturaleza, Vincent fue inducido a trasladarse a Arlés en la soleada Provenza en donde su obra fue cada día representando sus estados de ánimo y sus propios sentimientos. Ese mismo año, el pintor Paul Gauguin se instaló junto con Vincent en la denominada “casa amarilla” en donde debido al temperamento mutuo, en el transcurso de una discusión Van Gogh llegó a atacar a Gauguin con una navaja de afeitar. Arrepentido por ese arranque y para expiar su culpa se hizo cortar el lóbulo de su oreja, haciéndola llegar a Gauguin quien lejos de perdonarlo, ya lo juzgaba como un loco peligroso.

Tras la marcha de Gauguin, Theo lo hizo ingresar en el hospital de Arles, y en mayo de 1889 ante el temor de perder su capacidad de trabajar, pidió voluntariamente se ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció un año.

Derivado por sus sentimientos de culpa debido a su dependencia de su hermano, y sintiéndose un fracaso como artista, Vincent cayó en una profunda depresión. En julio de 1890 muere de un disparo en el pecho sin haber cumplido los 37 años de edad y sin saberse a ciencia cierta si se trató de un suicidio o de un accidente. Su legado de más de 800 cuadros, dibujos y aguafuertes reflejan tanto sus periodos mas oscuros como los de su mayor esplendor.

La calidad de su obra fue reconocida sólo después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, y en donde actualmente es considerado como uno de los grandes maestros de la historia de la pintura.

Fuentes: Wikipedia y biosgrafiasyvidas.com 

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Post-impresionismo: Diversas corrientes que exploraron nuevas formas de expresión artística.

El arte es una forma de expresión humana que abarca una amplia variedad de actividades creativas, desde las artes visuales como la pintura, la escultura y la arquitectura hasta las artes escénicas como la música, la danza y el teatro. A través del arte, los humanos exploran sus emociones, ideas y experiencias, compartiéndola con otros y dejando un registro duradero de su cultura y…

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Objeto de conocimiento 3 - Ejercicio 4

Catálogo Pinturas Europeas del Siglo XIX

Neoclásico

Romanticismo

Realismo

Impresionismo

Post-Impresionismo

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Cuerpo y figura humana

El cuerpo humano y el cuerpo inanimado ( como la famosa “naturaleza muerta") es una de las formas más comunes de representación en las artes visuales. Los artistas exploran la anatomía humana y la naturaleza muerta para crear figuras realistas o estilizadas, expresando emociones, movimientos y narrativas a través de la pose y la composición. 

La representación de la figura humana ha sido, a lo largo de la historia del arte, uno de los mayores desafíos y una de las representaciones que mayores controversias ha traído.

La figura humana ha sido un tema central en las artes visuales, simbolizando tanto la anatomía como los valores culturales. Desde las antiguas pinturas rupestres hasta el Renacimiento, artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel buscaron capturar la perfección y las emociones humanas con precisión científica, enfrentando desafíos técnicos complejos.

Con el tiempo, la representación de la figura humana se transformó. En el Barroco, se destacó el dramatismo y el movimiento, mientras que en el Impresionismo y el Expresionismo, la figura se distorsionó para expresar percepciones y emociones internas. Estos estilos presentan un nuevo desafío: transmitir la subjetividad y la emoción más allá de la fidelidad anatómica.

En el arte contemporáneo, representar la figura humana es un desafío conceptual y crítico. Artistas como Cindy Sherman y Jenny Saville usan la figura para explorar y cuestionar temas de identidad, género y poder. Así, la figura humana no solo refleja la forma física, sino que también sirve como una herramienta para la crítica social y la exploración personal.  Al respecto Argentina tiene una rica historia en cuanto a la representación de la figura humana en las artes visuales, teniendo a grandes referentes como Antonio Berni, Xul Solar y Lola Mora, de quienes podrás saber en el post sobre entrevistas. 

Si te interesa saber más sobre este tema, te recomendamos que indagues sobre algunas palabras clave: Anatomía, proporción, narrativa, simbolismo, movimiento y pose.

Xul Solar:

Antonio Berni:

Lola Mora:

[rovint]

ʚ pinned post: please read!

te cuento un poquis sobre mí, para que te des una idea de lo que hay en éste blog :)

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hola, soy Robin, pero usualmente en internet me hago llamar rovint. Soy un artista y universitario, hago producciones audiovisuales y musicales, canciones y beats desde 0, con letras originales. También hago guionismo, dirección cinematográfica, fotografía profesional, me agrada enfocarme en temáticas surrealistas, pero sólo por gusto jajajsks, también he escrito más de 1 libro, me encanta el género splatterpunk, es lo que suelo escribir más con mucha pasión :3 también hago poesía, o escritos que usualmente son los que tiempo después de haberlos creado, los utilizo para una que otra canción. También hago pintura, especialmente al óleo, mi género artístico favorito es el impresionismo francés, tengo muchos más, pero diría que con el impresionismo francés tengo una especie de apego emocional xD también he hecho animación 2D y 3D (aunque personalmente me agrada animar, no lo suelo hacer con tanta frecuencia, ya que aún toma mucha de mi energía mental). También hago joyería, como pulseras, diges, y ese tipo de cosas, aunque por el momento sólo he experimentado con Latón; Dibujo con frecuencia y estoy iniciando en el tatuaje también; he hecho muuuucho grabado así que esa área también la domino bastante bien (sin embargo nunca fué mucho de mi agrado) también practico escultura, en barro y arcilla, también sé sobre diseño digital, por ejemplo diseñar portadas o contenido de revistas, pósters, publicidad, marketing, etc.

En fin, en éste blog habrá un poco de todo lo que mencioné previamente.

Quiero aclarar que con éste blog no pretendo obtener fama o cosas así, simplemente es un espacio que usaré como un diario/bitácora creativa de mis proyectos y de mi arte ʕ≧㉨≦ʔ

[arte-mx]

"Arte más allá de solo una pintura"

¿QUÉ ES EL ARTE?

El arte es una forma de expresión humana que utiliza una gama de materiales y técnicas para dar forma a un concepto o sentimiento. Aunque en su origen podría parecer una simple actividad estética, el arte es mucho más que eso: es una forma de comunicación y, a menudo, una forma de protesta o de entendimiento.

¿CUAL ES SU ORIGEN?

La historia del arte se remonta miles de años atrás. La práctica artística inició con la representación y la decoración de los cuerpos humanos, los animales y la naturaleza. En un primer momento, el arte era algo impuesto al entorno natural, como la pintura de cuevas, y no existía una conciencia de cómo podría afectar a la comunidad. Posteriormente, la influencia del arte se extendió más allá. Mientras avanzaba la civilización, la sociedad se desarrolló y se dieron cuenta de que el arte tenía un poder emocional y cognitivo, pues podía modificar la percepción, la emoción y la conciencia humana. A partir de aquí, se desarrollaron distintas corrientes artísticas y estilos visuales que cambiaron a medida que la sociedad avanzaba.

LOS TIPOS DE ARTE

Al hablar de arte podemos empezar con las artes plásticas, que incluyen la pintura, la escultura, la instalación y el dibujo. También podrías hablar sobre las artes aplicadas, que incluyen las artes gráficas, la arquitectura, la fotografía y la moda. Además, podrías mencionar las artes escénicas como el teatro. Una manera en que se pueden clasificar de manera más simplificada el arte es clasificandolas en expresionismo y surrealismo.

EXPRESIONISMO

El expresionismo se refiere a un estilo artístico que intenta representar una reacción emocional o una sensación, más que la representación realista del mundo. El artista intenta transmitir sus emociones y sentimientos a través de sus obras. Los colores, las formas y las composiciones, son siempre exagerados y se alejan de la realidad. Los artistas más importantes de este movimiento son Van Gogh, Munch y Kirchner.

SURREALISMO

El surrealismo es un movimiento artístico, literario y cinematográfico que floreció en la primera mitad del siglo XX. Se caracteriza por intentar expresar el inconsciente y la imaginación en la creación artística. Sus manifestaciones más conocidas son la pintura, la escultura y la literatura, que intentan combinar elementos de la realidad con fantasía.

LA MUSICA UNA FORMA DE ARTE

La música es considerada arte porque es una forma de expresión humana que puede transmitir emociones, ideologías y mensajes. La música puede ser usada para contar historias, transmitir una experiencia o recrear emociones en el oído del oyente. A menudo, la música es considerada una forma de arte porque requiere de la capacidad y la habilidad del compositor o intérprete, y puede también ser apreciada como una forma puramente estética de arte, sin ningún mensaje o narrativa por detrás. A través de instrumentos, composición y ejecución, la música puede convertirse en una forma abstracta de expresión artística. La música también es un arte que puede ser transmitido a través de otros medios, como el cine, la televisión y las redes sociales.

¿QUIEN ES VAN GOGH?

Vincent van Gogh fue un artista holandés nacido en 1853. Fue uno de los artistas más influyentes de la historia y uno de los representantes más importantes del impresionismo y el post-impresionismo. Sus pinturas, a menudo caligrafías y vibrantes, son una manifestación de sus emociones y la forma en que veía el mundo. Una de sus pinturas más famosas es "El café de noche" (1888), una pintura que presenta una sala llena de personas en un bar de una ciudad. La composición y el estilo del cuadro son característicos de la obra de Van Gogh y el impresionismo, con colores vibrantes y sincopados toques, es una pintura especialmente famosa.

A continuación te compartimos un video con más información sobre el gran Vincent van Gogh

CONCLUSIÓN

En conclusión, el arte es una forma de expresión humana que puede transmitir mensajes, sentimientos y ideas, y también puede tener una función puramente estética. Ha evolucionado a lo largo de la historia y ha sido representado en diversas formas y medios, desde las pinturas de las cavernas a las creaciones digitales actuales. El arte es un medio de expresión humana que puede emocionar a través del lenguaje visual y sonoro, y que puede ser una fuente de inspiración, curiosidad y transformación. Ha sido y será una de las formas fundamentales de la cultura humana y una fuente de creatividad y emoción para generaciones de personas. De esta manera, podemos decir que el arte es una expresión de la esencia humana y un testimonio de la historia humana.

[bitacorart]

Postimpresionismo

También llamado "Neo impresionismo" o "Post impresionismo" es un movimiento artístico que nace en Francia a finales del siglo XVIII, es representado como continuación y contraposición al Impresionismo, toma elementos de este, pero a la vez rechaza de las limitaciones que supone.

Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores puros, paisajes de la naturaleza, diferentes tipos de pinceladas, etc. Por ello para entender el postimpresionismo se debe saber que a éste se le debe la libertad artística en su conjunto y es la base de los estilos modernos y contemporáneos.

[yomi22]

Arte Moderno y Contemporáneo

INTRODUCCIÓN:

A finales del siglo XIX y principios del siglo XX Europa experimento grandes cambios

políticos y económicos. Especialmente debido a la industrialización, al auge de las nacionalizaciones y la formación de nuevos imperios coloniales.

Sin embargo, esta época no solo se caracterizó por los cambios en la economía y la política sino también por una gran revolución en la literatura y las artes.

Surgieron una serie de estilos artísticos que se rebelan contra las ideas artísticas tradicionales que habían dominado la vida cultural europea desde la época del renacimiento.

Estos nuevos artísticos fueron el simbolismo, el impresionismo, el posimpresionismo, el cubismo y el arte abstracto.

La literatura estuvo dominada por una corriente.

Sostenía que debía ser realista, expresar la realidad del mundo material.

Su representante más destacado fue el escritor francés Émile Zola. Sus obras trataban temas como la lucha por la supervivencia y la importancia del ambiente.

Al principio del siglo XX un nuevo grupo de escritores comenzó a manifestarse contra las corrientes realistas y naturalistas.

Ellos crearon un nuevo estilo literario que sería conocido como simbolismo.

Estaban interesados ​​en escribir poesía, para ellos el mundo externo no era real sino solo una colección de símbolos que reflejaban la verdadera realidad de la mente humana individual.

Pensaban que el arte debía funcionar para su propio bien. En lugar de ser utilizado para criticar o buscar entendimiento de la sociedad humana.

Uno de los simbolistas más destacados fue Arthur Rimbaud.

La pintura desde la época del renacimiento, los artistas habían intentado representar al mundo de la manera mas fielmente sin embargo a finales del siglo XIX muchos artistas buscaban nuevas formas de expresión y así surgió un novedoso estilo artístico llamado el impresionismo.

Se origino en Francia cuando diversos artistas se dirigían al campo para pintar la naturaleza directamente.

Uno de estos artistas fue Camille Pissarro. El buscaba efectos cambiantes de la luz en los objetos de la naturaleza.

Para el se tenia que pintar lo que se observa y siente.

Sus recomendaciones inspiraron las obras de muchos artistas de su época. Incluyendo las del pintor francés Claude Monet.

Estaba encantado con el agua. Busco capturar la armonía de la luz, el lago, el rio, y el mar.

Otra importante representante fue la pintora Berthe Marisot una de las primeras mujeres en convertirse en pintora profesional.

Su obra se caracterizo por los colores claros y por las pinceladas sueltas.

En la década de 1880 surgió otro importante movimiento llamado el post impresionismo.

Prestaban mayor atención a la forma y a la estructura.

Intentaron usar tanto el color como la línea para expresar sus sentimientos y así producir una expresión personal del mundo y no una imitación de los objetos.

Esto significa un punto de inflexión en la historia del arte.

Paul Cézanne fue uno de los pintores impresionistas mas importantes. Al principio fue influenciado por los impresionistas, pero pronto le dio un carácter mas personal. Sus pinturas buscaban expresar visualmente.

Las estructuras geométricas subyacentes en todo lo que pintaba tal como lo hizo en una de sus obras mas conocidas “la mujer cafetera”

Otro de los representantes mas famoso del posimpresionismo fue el pintor neerlandés   Vincent Van Gogh para él, el arte era una experiencia espiritual. Él estaba interesado especialmente en los colores vivos. Sus obras fueron muy originales y contaban con un gran poder de expresión. Quizás su obra mas llamativa fue la noche estrellada. Una obra donde los cielos parecen vivos con remolinos que dan la impresión de ser impulsados por una fuerza espiritual misteriosa.

A principios del siglo XX los artistas se alejaban cada vez mas de la idea de que el arte debía ser una representación del mundo externo.

Debido al desarrollo de la fotografía muchos artistas rechazaron aun mas el realismo visual pues muchos de ellos creían que no tenia sentido hacer lo mismo y una cámara así que los artistas comenzaron a enfocarse en la creatividad y en la expresión individual ya que estos eran valores de una cámara no podía producir fue en ese momento.

Surgieron nuevo estilo artísticos que se centraron en la expresión individual los cuales tendrán un gran impacto en el mundo del arte sobre todo después de la primera guerra mundial uno de estos estilos.

Artísticos fue el cubismo el cual creado por el pintor español Pablo Picasso.

Las figuras geométricas como este lo visual para recrear la realidad en la mente del espectador. Otro de los más creativos, estilos fue la pintora abstracta la cual fue el fundador por el pintor ruso Wassily Kandinsk.

Busco evitar por completo la representación. El creía que el arte debía hablarle en forma directa al alma y para hacerlo debía evitar cualquier referencia al realismo visual y concentrarse en el color. Por otra parte, los nuevos estilos artísticos también tuvieron un gran impacto en la música por ejemplo el impresionismo también se convirtió en un estilo musical hacia énfasis en las sensaciones obsesivas y en los estados de ánimo. Su máximo representante fue el compositor Francés de Debuussy las composiciones musicales de Debussy  a menudo fueron inspiradas por las artes visuales. Pero él no narraba una historia en la música si no que recreaba en sonidos el sentimiento general del poema.

PINTORES IMPRESIONISTAS

Frente al Salón oficial de la Academia francesa, dominado por la pintura académica, los impresionistas se darán a conocer desde 1870 (con gran escándalo del público y ciertos críticos) inicialmente en el Salón de los rechazados donde se exponía lo no admitido por el Salón oficial y, posteriormente desde 1874, en exposiciones colectivas hasta que comienzan a alcanzar cierto éxito (a partir de 1886).

Edouard Manet (1832-1883)

 Más que un impresionista es un precursor, un símbolo del anti academicismo. Su formación es clásica, con influencias de Tiziano, Velázquez o Goya, aunque concibe sus obras con un sentido muy moderno del color y del dibujo a base de grandes manchas de colores planos aplicados con una pincelada suelta. Dentro de su obra destacan temas con referentes clásicos pero contextualizados en su época: El almuerzo campestre, inspirado en una obra veneciana del siglo XVI, o la Olimpia, inspirada en la Venus de Urbino de Tiziano. 

Óleo sobre lienzo 208cmx 264,5cm Localización: Museo de Orsay, París, Francia 1863

Claude Monet (1840-1926)

Es el impresionista por excelencia. Se interesa sobre todo por el paisaje y la incidencia de la luz a diferentes horas. Capta la vibración lumínica mediante pequeños y rápidos toques de colores puros que dan aspecto inacabado a sus obras desde cerca, pero que se funden a determinada distancia. Es amante de representar los efectos de la niebla, el humo, los reflejos de las aguas o la luz solar.

La Femme á l´ombrelle Museo: National Gallery, Washington D.C (Estados Unidos) Óleo  81x100cm

Auguste Renoir (1841-1919)

Comienza captando temas de la vida amable de diversiones en los que refleja las vibraciones de la luz (Le moulin de la Galette) o desnudos en los que estudia los efectos de luz y sombra en las carnaciones. Después de un viaje a Italia se obsesiona por el dibujo abandonando parcialmente el impresionismo.

La déjeneur des canotiers Francia Museo: Colección Phillips, Washington D.C Estados Unidos Oleo 129,5 cm x 172, 7 cm 1881

Edgard Degas (1834-1917)

Es un impresionista de la forma más que del color (utiliza el negro). Introduce temas nuevos en los que aparece el movimiento (carreras de caballos, bailarinas). No se limita al mundo elegante, sino que pinta también el cansancio (Planchadoras) o escenas íntimas de mujeres (Toilette).

La clase de ballet Impresionismo, arte moderno Musée d'Orsay (desde 1986) Pintura al óleo Pintura de historia

Camille Pissarro (1830-1903)

Considerado como uno de los padres del impresionismo, pintó la vida rural francesa, en concreto los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas en Montmartre. 

Fue también un teórico de la anarquía y frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. 

Fue también un teórico de la anarquía y frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. 

Boulevard Montmartre, morning, cloudy weather 1897 Óleo sobre lienzo 73cm (28,7 pulgadas) ancho 92 cm 36, 2 pulgadas.

Berthe Morisot (1841-1895)

:: demostró un gran dominio de la técnica al óleo prescindiendo del dibujo y la línea y construyendo las figuras de sus cuadros a partir de pinceladas gruesas, sueltas. No fue la única técnica que cultivó, pues también realizó pastel, carboncillo y grabados.

Berthe Morisot, “Un día de verano” Óleo sobre tela 1879

Pintores Postimpresionistas:

Se denomina postimpresionistas a una serie de pintores que, aunque vivieron una fase impresionista, evolucionan después en diferentes direcciones, constituyendo la base de las primeras vanguardias pictóricas del siglo XX: expresionismo, simbolismo, cubismo y pintura abstracta.

Seurat (1859-1891)

Es el mejor representante del impresionismo científico o puntillismo, al asumir la teoría de los colores de Chevreuil en su totalidad. Sus obras se basan en una suma de pequeños puntos de color colocados junto a sus complementarios, por lo que la elaboración de las mismas era muy lenta. El ojo del espectador al amalgamar los puntos debía recibir la impresión de realidad lumínica. En su obra destaca Domingo en la isla de la Grand Jatte.

Seurat-Tarde de Domingo en la Grande Jatte (1884)

Vincent Van Gogh (1853-1890)

Es el prototipo del artista maldito, perseguido por el fracaso, la locura y el suicidio. Comienza tratando temas sociales influido por su vocación de pastor protestante y por la obra de Millet (Los comedores de patatas) pero enseguida su pintura se ve influida por la viveza de colorido de los impresionistas y las estampas japonesas.

La noche estrellada 1889 Museo de Arte Moderno de Nueva York (Estados Unidos) Óleo y lienzo 73,7 centímetros x 92,1 centímetros y 36,25 pulgadas.

Toulouse-Lautrec (1864-1901)

Sufre la influencia impresionista en el color vivo y, sobre todo, de Degas en los temas y las composiciones. Su carácter de aristócrata bohemio y deforme le lleva a reflejar magistralmente lugares de diversión nocturna (Baile en el Moulin Rouge), burdeles, circos, etc. Igualmente eleva a la categoría de arte el cartel (Jane Avril). En sus carteles aparecen las líneas decorativas y sinuosas propias del modernismo.

Lautrec – La Goulue (1891

Paul Gauguin (1848-1903)

Abandona una inicial formación impresionista para marchar a Bretaña y, luego, a Tahití en busca de la autenticidad. En su pintura abandona la perspectiva y utiliza colores puros aplicados de forma plana, delimitados por un dibujo muy grueso y sin respetar el color local. Sus temas principales son bretones (Visión después del sermón) o tahitianos (Mujeres tahitianas). Se le considera el antecedente de los simbolistas, los fauves y de la pintura abstracta.

Paul Gauguin – Mujeres Tahitianas (1891)

 Paul Cézanne (1839-1906)

se halla ligado generacionalmente a los impresionistas, pero su búsqueda es diferente. A Cézanne le preocupa la búsqueda del volumen y de la esencia estructural de los objetos. Trata el color en grandes manchas que crean planos. Igualmente reduce las formas a volúmenes geométricos puros (cilindro, esfera, cono o cubo) puestos en perspectiva. Por todo ello su pintura vuelve a introducir el sentido plástico y revaloriza el volumen de los objetos por lo que se le considera antecedente del cubismo.

Paul Cézanne – Los Jugadores de Cartas (1891)

Marcel Duchamp (1887-1968 )

artista y ajedrecista francés. Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del dadaísmo. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.

Fontaine Tate Modern, Londres (Reino Unido)  Escultura  (63 × 48 × 35 cm.)

Man Ray  (1890-1976)

seudónimo de Emmanuel Radnitzky fue un artista visual estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Trabajó en varios medios pero se consideraba a sí mismo sobre todo pintor. Fue conocido en el mundo artístico sobre todo por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos y moda.

la hora del observatorio: Les amoureux Fecha: 1936 Estilo: dadaísmo , surrealismo

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

 fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Es considerado desde la génesis del siglo xx como uno de los mayores pintores que participaron en los variados movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Sus trabajos están presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. También tiene una breve obra literaria.

Período azul de Picasso 1903 Retrato pictórico

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Alphonse Mucha (1860-1939)

Alphonse Mucha fue uno de los artistas más influyentes y célebres del París de finales del siglo XX. Se le conoce sobre todo por su obra gráfica, como los carteles de teatro para la superestrella Sarah Bernhardt y los paneles decorativos y anuncios publicitarios con mujeres elegantes. Mucha creó un enfoque distintivo caracterizado por composiciones armoniosas, formas sinuosas, líneas orgánicas y colores apagados, que se convirtió en sinónimo del estilo decorativo llamado art nouveau.

Mucha creó carteles con colores vivos, motivos de jardín arremolinados y mujeres provocadoras como se ve en Poesía. Los carteles son similares a los de Toulouse-Lautrec con la adición de líneas fluidas y giratorias, dando un aspecto muy dramático a los carteles. Mezclar imágenes naturales tomó el lugar del look post-impresionismo. Las representaciones alargadas de mujeres en Bieres de la Mosa fueron sus ilustraciones típicas de las formas orgánicas que aún vemos hoy en día. El título se curva sobre su cabeza, que está cubierta de flores fluidas, su rostro con expresión divertida.

Poesía

Bieres de la Mosa

[almasmoons]

Georges Seurat

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-1886

Nacido en 1859, fue un pintor francés y una de las figuras más importantes del Post Impresionismo. Mejor conocido por su innovadora técnica del puntillismo, donde, al abordar cuestiones del color, la luz y la forma yuxtaponía pequeños puntos o trazos de color para crear una imagen cohesiva cuando se ve desde la distancia. Esto daba como resultado colores más intensos y luminosos.

Vida temprana: Georges-Pierre Seurat nació el 2 de diciembre de 1859 en París, Francia, en una familia acomodada. Mostró una aptitud temprana para el arte y comenzó su educación artística formal en la École des Beaux-Arts en 1878. Durante su estancia en la École, desarrolló un gran interés en los aspectos científicos del color y la luz, que más tarde influirían en su formación artística. estilo.

Seurat fue un artista meticuloso y sistemático, y a menudo dedicaba una cantidad considerable de tiempo a planificar sus composiciones. Estaba interesado en combinar la ciencia de la óptica con la expresión artística, y su obra refleja un deseo de ir más allá del estilo espontáneo e impresionista de sus contemporáneos.

interés de Seurat por la teoría del color lo llevó a desarrollar la técnica puntillista, donde utilizó pequeños y distintos puntos de color puro que, vistos desde la distancia, se mezclaban para crear un efecto más luminoso y armonioso. Su obra más famosa, "Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte" (1884-1886), es una obra maestra del puntillismo y se considera un ejemplo icónico de esta técnica. Sus contribuciones al arte se extendieron más allá de su vida. Su enfoque innovador del color y la técnica sentó las bases para el desarrollo de los movimientos artísticos modernos, incluido el neoimpresionismo y movimientos posteriores como el fauvismo y el cubismo. Sus ideas sobre la teoría del color y el impacto emocional del arte tuvieron una influencia duradera en la dirección de la pintura moderna. Trágicamente, la carrera de Georges Seurat se vio truncada cuando murió de una enfermedad repentina a la temprana edad de 31 años el 29 de marzo de 1891, en París. A pesar de su carrera relativamente breve, su impacto en el mundo del arte fue significativo y su legado continúa siendo celebrado hoy.

Obras

Campesino con Oz, 1882

Un Baño en Asnieres, 1884

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Paul Gauguin

La Mère de l'artiste, 1893 Óleo sobre lienzo 41 x 33 cm Post-impresionismo

En esta preciosa pintura podemos observar a "Madame Gauguin" Aline Chazal Tristán (1825-1867), madre de Paul Gauguin e hija de la feminista Flora Tristán.

⭐Favorite Painting

📍 Galería Nacional Stuttgart, Alemania

[el-artemoderno-y-contemporaneo]

Movimientos del Siglo XX Post-Impresionismo

"Quedan a la deriva de como representar el mundo sin reproducir lo existente luego de la llegada de la fotografía"

Este movimiento tiene algunos puntos curiosos que no veremos en otros; Empezando por el hecho de que ninguno de sus integrantes supo o estuvo en tal movimiento, este concepto es apodado por Roger Fry en 1910, en la exposición Manet y los postimpresionistas, donde juntan obras de los grandes Paul Cézanne, Vincent van Gogh y Paul Gauguin; los cuales, junto a Georges Seurat, que fueron los más destacados representantes del final del siglo XIX.

Que es lo irónico o raro de esto?, es que todas estas obras y esta exposición fue póstuma, ya habían muerto los artistas, y realmente estos en su momento se consideraron parte del movimiento impresionista, ademas, de que estos no habian tenido poca o ninguna influencia en los circulos de la epoca. A estos personajes les quedaban cortas las normas que el impresionismo establecía, por ende, cada uno de su forma y de su búsqueda de conocimiento llevaron el impresionismo por distintos rumbos, aunque estos nunca abandonaron las base toda ley expresionista.

estos artistas al entrar al siglo XX se volvieron los responsables, y si se puede decir, los padres de los movimientos que conoceríamos como, fauvismo, cubismo, primitivismo y el expresionismo.

cuales son los puntos primordiales que alejan el post-impresionismo del impresionismo puro:

en el post-impresionismo, los artistas sienten que hay una carencia de sentimiento humano, quieren volver a retratar una realidad subjetiva y sintiente.

vuelve el dibujo, y se aparta un poco de la mancha directa al lienzo.

volvemos a ver objetos como parte esencial de alguna obra, además de exaltar su formas bases geométricas.

eso si, nada de esto deja atrás u olvida las manchas pastosas y los colores en su estado mas puro, consiguiendo la expresión de objetos, naturaleza y personas por medio del color y sus formas.

Paul Cézanne

Paul Gauguin

Vincent van Gogh

Henri de Toulouse-Lautrec

[artlimited]

ART LIMITED features Valen Aguilar with the art work "Impresionismo instantáneo". Visit the artist's profile https://www.artlimited.net/25114 Published Tuesday 10th, January 2023 at 22:51:49. For a chance to be featured follow our rules in the profile description of our Instagram account. Featured artists are welcome to respond to any comments posted for their art works. Thank you to our curators for their selections. #contemporaryphotography #instantfilm #analogforever #spring #photography #filmphotography #vegetal #analogphotography #analog #poppies #polaroidphoto #spirit #photographersonfilm #impressionism #impossible #landscapeart #flower #polaroid #color #artwork #nature #landscape #instant #polavoid #film #contemporary #fineartphotography #colorful #plant #colours https://www.artlimited.net/25114/art/photography-impresionismo-instantaneo-instant-film-nature-vegetal-flower-plant/en/11818336

[marilena56]

"Green Wheat Fields, Auvers",1890. Vincent van Gogh.