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Cathédrale et décombres nocturnes by Gustave Fraipont (Belgian-born French, 1849--1923) 

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Andrea Calisi

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Gustav Klimt (Baumgarten 1862 - Vienna, 1918) 'Lady with muff' 1916

Gustav Klimt (Baumgarten, 186-Viena, 1918) «Dama con manguito» 1916 / Gustav Klimt (Baumgarten, 186-Vienna, 1918) "Signora con manicotto" 1916

(English / Español / Italiano)

"The last decade of the 19th century was a turning point for Gustav Klimt. It was during this period that his art gradually underwent stylistic changes, departing from his previous naturalism. According to Peter Vergo, Klimt's painting was influenced by the Belgian and German Symbolists. But Klimt rejected traditional allegorical language and challenged conventional ethical and aesthetic values by trying to incorporate a deeper layer of meanings and ideas. His work lacked a clear motif and rejected interpretations based on historical and geographical contexts'.

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"La última década del siglo XIX supuso un punto de inflexión para Gustav Klimt. Fue durante este periodo cuando su arte experimentó gradualmente cambios estilísticos, apartándose de su anterior naturalismo. Según Peter Vergo, la pintura de Klimt estaba influida por los simbolistas belgas y alemanes. Pero Klimt rechazó el lenguaje alegórico tradicional y desafió los valores éticos y estéticos convencionales tratando de incorporar una capa más profunda de significados e ideas. Su obra carecía de un motivo claro y rechazaba las interpretaciones basadas en contextos históricos y geográficos".

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"L'ultimo decennio del XIX secolo fu un punto di svolta per Gustav Klimt. Fu durante questo periodo che la sua arte subì gradualmente cambiamenti stilistici, discostandosi dal precedente naturalismo. Secondo Peter Vergo, la pittura di Klimt fu influenzata dai simbolisti belgi e tedeschi. Però Klimt rifiutava il linguaggio allegorico tradizionale e sfidava i valori etici ed estetici convenzionali cercando di incorporare uno strato più profondo di significati e idee. La sua opera era priva di un motivo chiaro e rifiutava interpretazioni basate sui contesti storici e geografici"

Source: Fan di Philippe Daverio

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Serenity- Laura Benson

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Peggy Guggenheim and Max Ernst in the Surrealist gallery of Art of This Century in New York in 1942.

Peggy Guggenheim e Max Ernst nella galleria surrealista di Art of This Century a New York nel 1942.

Source: ARTRIBUNE

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The Transfiguration (1977) Wolfgang Lettl | Oil on canvas, 89 x 107 cm

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The Transfiguration (1977) Wolfgang Lettl | Oil on canvas, 89 x 107 cm

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Remedios Varo (Spanish/Mexican, 1908-1963), Ritos extraños [Strange Rites], 1959. Oil on Masonite, 30 ⅝ x 19 ⅝ in.

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Pierre-Auguste Renoir. The famous painter, as can be seen from the photo, had his hands and fingers completely ruined in his later years by arthritis that forced him into a wheelchair. Despite his illness, the painter continued to paint by having a paintbrush strapped to his steadier hand.

(English / Español / Italiano)

Pierre-Auguste Renoir. El famoso pintor, como puede verse en la foto, tenía las manos y los dedos completamente estropeados en sus últimos años a causa de una artritis que le obligó a ir en silla de ruedas. A pesar de su enfermedad, el pintor siguió pintando con un pincel atado a su mano más firme.

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Pierre-Auguste Renoir. Il famoso pittore, come si può vedere dalla foto, negli ultimi anni aveva le mani e le dita completamente rovinate dall'artrite che lo costrinse su una sedia a rotelle. Nonostante la malattia, il pittore continuò a dipingere facendosi legare un pennello alla mano più ferma.

Source: Le fotografie che hanno fatto la storia

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Vojo Stanić - Afternoon (1980)

(English / Español / Italiano)

Vojo Stanić (Podgorica, 3 February 1924 - 19 November 2024) was a Montenegrin painter and sculptor.

He completed his training at the Academy of Sculpture in Belgrade, after which he settled in Herceg Novi.

Eventually he turned to painting, which allows him to better express his spirit - peace-loving, Mediterranean and the spirit of the people. His paintings are small dramatic stories of everyday life, full of imagination; they bring back to life the spirit of Renaissance comedies, presenting human weaknesses and at the same time showing empathy towards them. Portraits of cafés, the sea or the home, are often a mixture of surreal details or imaginative links of characters and objects.

One of the most important Montenegrin painters, he is a member of the Academy of Sciences and Arts of Montenegro.

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Vojo Stanić  (Podgorica, 3 de febrero de 1924 - 19 de noviembre de 2024) fue un pintor y escultor montenegrino.

Completó su formación en la Academia de Escultura en Belgrado, tras lo cual se instaló en Herceg Novi.

Con el tiempo tornó a la pintura, lo que le permite expresar mejor su espíritu - amante de la paz, el Mediterráneo y el espíritu de la gente. Sus pinturas son pequeñas historias dramáticas de la vida cotidiana, llenas de imaginación; traen de nuevo a la vida el espíritu de las comedias renacentistas , la presentación de las debilidades humanas y al mismo tiempo muestra empatía hacia ellos. Retratos de cafés, el mar o el hogar, son a menudo una mezcla de detalles surrealistas o de vínculos imaginativos de personajes y objetos.

Es uno de los más importantes pintores montenegrinos, y es miembro de la Academia de las Ciencias y las Artes de Montenegro.

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Vojo Stanić (Podgorica, 3 febbraio 1924 - 19 novembre 2024) è stato un pittore e scultore montenegrino.

Ha completato la sua formazione presso l'Accademia di scultura di Belgrado, dopodiché si è stabilito a Herceg Novi.

Alla fine si è dedicato alla pittura, che gli permette di esprimere meglio il suo spirito - pacifico, mediterraneo e lo spirito del popolo. I suoi dipinti sono piccole storie drammatiche di vita quotidiana, piene di immaginazione; riportano in vita lo spirito delle commedie rinascimentali, presentando le debolezze umane e allo stesso tempo mostrando empatia nei loro confronti. I ritratti dei caffè, del mare o della casa sono spesso una miscela di dettagli surreali o di legami fantasiosi tra personaggi e oggetti.

Uno dei più importanti pittori montenegrini, è membro dell'Accademia delle Scienze e delle Arti del Montenegro.

Source: Art

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Pierrot's Love, 1920 by Salvador Dalí

Source: Art

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Francis Bacon (1974) in his London studio

Foto di Michael Holtz

Francis Bacon en su estudio de Londres

Francis Bacon nel suo studio di Londra (1974)

Source: We Meet Art

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Gustav Klimt was 17 years old in 1879 when he drew (with charcoal and black chalk) this portrait of a young girl. His superb technical skill as a draughtsman is evident even as a teenager in the way he uses shadow to create a three-dimensional image on paper.

/English / Español / Italiano)

Gustav Klimt tenía 17 años en 1879 cuando dibujó (con carbón vegetal y tiza negra) este retrato de una niña. Su magnífica habilidad técnica como dibujante es evidente incluso cuando era adolescente en la forma en que usa la sombra para crear una imagen tridimensional en el papel.

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Gustav Klimt aveva 17 anni nel 1879 quando disegnò (con carboncino e gesso nero) questo ritratto di ragazza. La sua superba abilità tecnica come disegnatore è evidente già da adolescente nel modo in cui utilizza l'ombra per creare un'immagine tridimensionale sulla carta.

Source: BELLE EPOQUE to ART DECO. The First 40 years of 20th cent by Esther Osa

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Picasso and his Afghan hound Kabul: A lifelong bond.

(English / Español / Italiano)

The Spanish painter, one of the most influential artists of the 20th century, shared a special connection with Kabul, with whom he is depicted in this photograph taken by David Douglas Duncan in 1962. The dog also became a source of inspiration, particularly in ``Femme au chien'' (Woman with Dog, image 2), a 1962 portrait of his second wife, Jacqueline Roque, featuring a large Afghan hound. The animal also inspired the 160-ton statue known as 'The Picasso', which the artist gave to the city of Chicago in 1967 (image 3).

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Picasso y su sabueso afgano Kabul: Un vínculo para toda la vida.

El pintor español, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, compartió una conexión especial con Kabul, con el que aparece retratado en esta fotografía realizada por David Douglas Duncan en 1962. El perro se convirtió también en una fuente de inspiración, sobre todo en la obra ‘Femme au chien’ (Mujer con perro, imagen 2), un retrato de 1962 de su segunda esposa, Jacqueline Roque, donde aparece un gran sabueso afgano. El animal inspiró también la estatua de 160 toneladas conocida como ‘El Picasso’ que el artista regaló en 1967 a la ciudad de Chicago (imagen 3).

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Picasso e il suo cane afgano Kabul: Un legame che dura da una vita.

Il pittore spagnolo, uno degli artisti più influenti del XX secolo, aveva un legame speciale con Kabul, con cui è ritratto in questa fotografia scattata da David Douglas Duncan nel 1962. Anche il cane divenne una fonte di ispirazione, in particolare in ``Femme au chien'' (Donna con cane, immagine 2), un ritratto del 1962 della sua seconda moglie, Jacqueline Roque, con un grosso mastino afgano. L'animale ispirò anche la statua di 160 tonnellate nota come "Il Picasso", che l'artista donò alla città di Chicago nel 1967 (immagine 3).

Source: Esquire Spain

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Grant Wood: American Gothic, 1930, Chicago, Art Institute of Chicago.

(English / Español / Italiano)

This is the story of a painting born by chance, on the threshold of the Great Depression, while its author was walking down a country road on the outskirts of Eldon, Iowa. It was on that road that Grant Wood encountered a small, somewhat shabby white house in the late Victorian Gothic style that caught his eye. He got out of the car and painted it. Days later he pondered the design, the house and those who had built it in the late 19th century. Grant had studied art in Germany and, before returning to Iowa, had become interested in Flemish Renaissance painting, which gradually influenced his technique more and more, moving him away from early Impressionism towards an analytical realism. So when he decided to paint a picture that in addition to the house included its mythical first tenants, he portrayed them with manners and techniques of a decidedly Renaissance and Nordic derivation. He first asked his sister, Nan, to pose for him and then, separately, his dentist, Byron McKeeby from Cedar Rapids.

Now he had the three pieces of his jigsaw puzzle in hand, all that remained was to put it together, and so American Gothic was born, submitted to a competition organised by the Art Institute of Chicago and judged by most to be 'a comic love letter'.

Obviously someone liked it otherwise we would not be here talking about one of the figurative icons of the 20th century, one of the museum's backers liked it and provided the money for the museum to buy it, hence the fortune of the painting being replicated, copied, reproduced, parodied, hated. Hated by the people of Iowa who were offended at being reproduced as bony, sullen, bigoted peasants, hated by their sister Nan who was ashamed to have been portrayed as the wife of a man so much older than her, hated by a certain Midwestern America that did not see itself in the painting, or rather that saw itself in it too much: no flaw bothers us as much as our own flaws when we see them in others.

No one likes to look in the mirror and see themselves as ugly.

I propose it of course because I like it, it frightened me as a child and intrigued me as an adult, but also because it makes one reflect on a deep, ancient, dark part of the US soul, a part hidden under the siliconed veneer of modernity, but tenacious, tough and ready to resurface with its false puritanism and irrational fanaticism in hard times. Like this one.

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Esta es la historia de un cuadro nacido por casualidad, en el umbral de la Gran Depresión, mientras su autor paseaba por una carretera rural a las afueras de Eldon, Iowa. Fue en esa carretera donde Grant Wood encontró una pequeña casa blanca, algo destartalada, de estilo gótico victoriano tardío, que le llamó la atención. Salió del coche y pasó junto a ella. Días después reflexionó sobre el diseño, la casa y quienes la habían construido a finales del siglo XIX. Grant había estudiado arte en Alemania y, antes de regresar a Iowa, se había interesado por la pintura renacentista flamenca, que poco a poco fue influyendo cada vez más en su técnica, alejándolo del primer impresionismo y acercándolo a un realismo analítico. Así que cuando decidió pintar un cuadro que además de la casa incluyera a sus míticos primeros inquilinos, los retrató con modales y técnicas de una derivación decididamente renacentista y nórdica. Primero pidió a su hermana, Nan, que posara para él y luego, por separado, a su dentista, Byron McKeeby, de Cedar Rapids.

Ahora que tenía las tres piezas de su rompecabezas en la mano, sólo le quedaba unirlas, y así nació American Gothic, presentado a un concurso convocado por el Instituto de Arte de Chicago y juzgado por la mayoría como "un carta de amor cómica".

Obviamente a alguien le gustó, de lo contrario no estaríamos aquí hablando de uno de los iconos figurativos del siglo XX, a uno de los patrocinadores del museo le gustó y aportó el dinero para que el museo lo comprara, de ahí la fortuna del cuadro, replicado, copiado, reproducido, parodiado, odiado. Odiado por los habitantes de Iowa, ofendidos por ser reproducidos como campesinos huesudos, hoscos e intolerantes, odiado por su hermana Nan, que se avergonzaba de haber sido retratada como la esposa de un hombre mucho mayor que ella, odiado por cierta América del Medio Oeste que no se veía a sí misma en el cuadro, o más bien que se veía demasiado en él: ningún defecto nos molesta tanto como nuestros propios defectos cuando los vemos en los demás.

A nadie le gusta mirarse al espejo y verse feo, y sin duda es culpa del espejo.

Lo propongo, por supuesto, porque me gusta, me asustaba de niño y me intriga de adulto, pero también porque nos hace reflexionar sobre una parte profunda, antigua y oscura del alma estadounidense, una parte oculta bajo el barniz siliconado de la modernidad, pero tenaz, dura y dispuesta a resurgir con su falso puritanismo y su fanatismo irracional en los momentos difíciles. Como éste.

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Questa è la storia di un dipinto nato per caso, alle soglie della grande depressione, mentre il suo autore percorreva una strada di campagna alla periferia di Eldon in Iowa. Fu in quella strada che Grant Wood incontrò una piccola casa bianca, un po’ malmessa, in stile tardo gotico vittoriano, che lo colpì. Scese dall’auto e la ritrasse. Giorni dopo si mise a riflettere sul disegno, sulla casa e su coloro che, a fine XIX secolo, l’avevano costruita. Grant aveva studiato arte in Germania e prima di tornare in Iowa si era appassionato alla pittura fiamminga del rinascimento che a poco a poco influenzò sempre di più la sua tecnica, allontanandolo dall’impressionismo iniziale per portarlo verso un realismo analitico. Così quando decise dipingere un quadro che oltre alla casa comprendesse i suoi mitici primi inquilini li ritrasse con modi e tecniche di decisa derivazione rinascimentale e nordica. Prima chiese di posare per lui alla sorella, Nan, e poi, separatamente, al suo dentista, Byron McKeeby da Cedar Rapids.

Ora aveva in mano i tre pezzi del suo puzzle, non restava che comporlo, nacque così American Gothic, presentato a un concorso bandito dallo Art Institute of Chicago e giudicato dai più “ una valentina comica”.

Ovviamente a qualcuno piacque se no non saremmo qui a parlare di una delle icone figurative del XX secolo, piacque a uno dei finanziatori del museo che fornì i soldi perché il museo lo acquistasse, da lì nasce la fortuna del dipinto replicato, copiato, riprodotto, parodiato, odiato. Odiato dagli abitanti dello Iowa, offesi per essere stati riprodotti come contadini ossuti, cupi e bigotti, odiato dalla sorella Nan che si vergognava di essere stata ritratta come moglie di un uomo così più vecchio di lei, odiato da tutta una certa America del Midwest che non si ritrovava nel dipinto, o meglio che ci si ritrovava troppo: nessun difetto ci infastidisce tanto come i nostri difetti quando li vediamo in altri.

Specchiarsi e vedersi brutti non piace a nessuno, e per certo è colpa dello specchio.

Lo propongo ovviamente perché mi piace, mi ha spaventato da bambina e incuriosito da adulta, ma anche perché fa riflettere su una parte profonda, antica, scura dell’anima USA, una parte nascosta sotto la patina siliconata della modernità, ma tenace, dura e pronta a riemergere con il suo falso puritanesimo e il suo irrazionale fanatismo nei momenti difficili. Come questo.

Source: Viaggio dentro l'Arte by Margherita Romano

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Fattoria a Duivendrecht, Piet Mondrian 1907; oil on canvas

Source: De Diversis Artibus

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Picasso's `Light Painting´, 1949

(English / Español / Italiano)

A long exposure shot of the artist Pablo Picasso, intent on executing a work using the light-drawing technique in 1949.

This series of images, known since then as Picasso's 'Light Painting', were made with the help of a small torch in a dimly lit room.

The works of art actually disappeared at the very moment they were created, yet they continue to live on more than seventy years later thanks to a different form of art: photography.

The author is Gjon Mili for Life Magazine.

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Toma de larga exposición del artista Pablo Picasso, intentando ejecutar una obra con la técnica del dibujo a la luz en 1949.

Esta serie de imágenes, conocidas desde entonces como la "Pintura de luz" de Picasso, se realizaron con la ayuda de una pequeña linterna en una habitación poco iluminada.

En realidad, las obras desaparecieron en el mismo momento en que fueron creadas, pero siguen vivas más de setenta años después gracias a una forma de arte diferente: la fotografía.

El autor es Gjon Mili para la revista Life.

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Uno scatto realizzato con la lunga esposizione dell'artista Pablo Picasso, intento ad eseguire un'opera con la tecnica del disegno luminoso nel 1949.

Questa serie di immagini, conosciute sin da allora come "Light Painting" di Picasso, furono realizzate con l'aiuto di una piccola torcia elettrica in una stanza poco illuminata.

Le opere d'arte di fatto scomparirono nel momento stesso della loro realizzazione, eppure continuano a vivere oltre settant'anni dopo grazie ad una diversa forma di arte: la fotografia.

L'autore è Gjon Mili per Life Magazine.

Sorce: Le fotografie che hanno fatto la storia