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Review: Silent Hill 2 Remake é o renascimento da Bloober Team e a versão definitiva desse clássico

Existem obras que possuem uma certa áurea intocável; títulos como Chrono Trigger, por exemplo, não precisam (e nem devem) ganhar remakes. No entanto, essa ideia pode cair por terra quando tudo é tão bem feito que faz o jogador parar para pensar que talvez devesse dar uma chance. E isso aconteceu com um jogo que, para muitos, era intocável. O jogo da vez é Silent Hill 2, clássico de 2001, lançado…

[hellorpbr]

new year's special!: guia para cenas de ação.

annyeong! monday in your area!

este guia foi desenvolvido para auxiliar aqueles que enfrentam dificuldades na construção de cenas que envolvem combates ou ações mais elaboradas, fornecendo um direcionamento prático nesses momentos.

a seguir, apresentamos um conjunto de dicas para aprimorar sua habilidade nessa área. por ser um material extenso, disponibilizamos também um índice que permite acesso direto a seções específicas do artigo, facilitando a consulta

índice:

| conceitos | planejamento | armas e objetos | combate corporal | ferimentos | o erro é seu amigo | conclusão |

Cena de ação vs. Cena de Luta

Antes de tudo, é fundamental esclarecer os conceitos de "sequência de ação" e "sequência de luta", bem como compreender as suas diferenças e relações. Esses elementos são cruciais na construção de cenas dinâmicas e envolventes em diversas narrativas, sejam elas literárias, cinematográficas ou em RPG.

Uma sequência de ação é uma cena em que o foco principal está na movimentação física e nas interações do personagem com o ambiente e com outros personagens ao seu redor. Nessa categoria, a atenção é direcionada às ações externas, em detrimento dos pensamentos do personagem. Exemplos de sequências de ação incluem: A descrição de um acidente doméstico, como algo caindo na cozinha; Um acidente de carro detalhado; Um tiroteio em um cenário urbano; Qualquer outra situação que priorize o movimento e a reatividade do personagem.

Por outro lado, uma sequência de luta é um tipo específico de sequência de ação em que dois ou mais personagens entram em combate direto entre si. Embora o foco também esteja na movimentação física dos personagens, é comum que a narrativa inclua introspecções e pensamentos dos combatentes. Isso é utilizado para explorar estratégias de luta, motivações e até mesmo para demonstrar como o estilo de combate pode ser intuitivo ou premeditado.

Apesar de as sequências de luta serem uma subcategoria dentro das sequências de ação, elas apresentam características que as tornam mais facilmente identificáveis. Enquanto as sequências de ação abrangem uma ampla gama de eventos dinâmicos, as sequências de luta são mais delimitadas, girando exclusivamente em torno do confronto direto entre personagens.

A semelhança estrutural entre ambas as categorias permite que sejam construídas de maneira similar, ainda que o enfoque narrativo possa variar de acordo com o tipo de cena.

É importante destacar que toda sequência de luta é, por definição, uma sequência de ação. Contudo, nem toda sequência de ação pode ser classificada como uma sequência de luta. Entender essas diferenças e relações é essencial para criar cenas mais impactantes e coerentes, independentemente do meio narrativo em que sejam utilizadas.

Planejando Uma Cena de Ação

Ao escrever uma cena de ação, é comum que o jogador se depare com uma pergunta essencial: como começar? Antes de tudo, é importante entender que uma sequência de ação é uma narrativa que conta uma história com início, meio e fim. Por isso, ter em mente o objetivo ou uma linha narrativa principal é fundamental. Essa linha-mestre orientará o desenrolar da ação.

Esse tipo de cena é crucial para revelar aspectos do personagem que não poderiam ser mostrados através de diálogos ou introspecção. Em RPGs, informações importantes sobre o personagem podem se perder quando apresentadas de forma aleatória ou displicente. Isso dificulta que outros jogadores utilizem esses elementos para responder ao turno ou dar continuidade à narrativa.

Dica 1: Tenha um Plano de Jogo, Mas Esteja Aberto a Mudanças

Planejamento é uma ferramenta essencial, mas em RPGs, o controle total da narrativa só é possível se você for o mestre ou moderador, ou se estiver fazendo uma narração individual (self-para). Na maior parte do tempo, os RPGs funcionam em turnos, e você precisa esperar a resposta de quem está interagindo para dar prosseguimento.

Embora seja ideal planejar os acontecimentos da cena com antecedência, nem sempre é possível coordenar com o outro jogador em tempo hábil. Além disso, alguns jogadores evitam planejar antecipadamente ou não têm disponibilidade para isso. Por isso, um planejamento maleável é essencial. Ele permite mobilidade para trabalhar a cena sem depender tanto dos parceiros de RPG, ao mesmo tempo que fornece espaço e material para que o outro jogador desenvolva sua resposta.

Modelo de Planejamento por Perguntas

Um modelo eficaz para planejar cenas de ação é proposto por Rayne Hall em Writing Fighting Scenes (2011). Ele consiste em responder às seguintes perguntas:

Por que essa cena está acontecendo? Quem está envolvido nela? O que levou seu personagem a esse lugar? Quais são os resultados potenciais para o seu personagem? (Elu pode morrer? Elu pode se ferir?) Como a sequência de ação impactará seu personagem no RPG? (Elu pode ficar traumatizade? Elu pode ganhar confiança?)

As respostas a essas perguntas fornecem o direcionamento necessário para criar a narrativa da cena. Elas ajudam a construir uma espécie de storyboard, mental ou escrito, que guia a elaboração de um bom starter ou a resposta a um turno, garantindo uma narrativa interessante e coerente com o desenvolvimento do personagem.

Dica 2: Busque Inspirações

Ter uma bagagem rica de influências e inspirações é essencial para lidar com situações inesperadas ou turnos pouco direcionados. Pense em cenas de ação de romances, contos, filmes ou séries que você considera eficazes e emocionantes. Identifique os elementos dessas cenas que mais chamaram sua atenção e veja como podem ser adaptados para suas próprias cenas.

Escrever com sua própria voz é importante, mas você ainda pode se inspirar em outros escritores ou cenas que aprecia. O YouTube é uma ótima ferramenta para encontrar inspiração. Um exercício prático é tentar descrever uma cena de ação vista em um vídeo, o que ajuda a aprimorar suas habilidades de escrita nessa área.

Com planejamento e inspiração, você estará pronto para criar cenas de ação envolventes e impactantes, contribuindo para o desenvolvimento de seus personagens e a continuidade da narrativa no RPG.

Dica 3: Estrutura e Ritmo

Com seu planejamento pronto, é hora de colocar a mão na massa e escrever seu turno ou starter. Para isso, você precisa de uma estrutura bem definida tanto para o texto quanto para a montagem do turno.

Na parte da narrativa, uma base eficiente é a pirâmide de Freitag, adaptada de forma mais compacta: incidente > ação crescente > clímax > resolução. Assim, você garante que sua cena tenha início, meio e fim, independentemente do que aconteça durante os turnos. Isso não significa que você deva encerrar a cena em quatro respostas ou menos, mas sim que deve manter essa estrutura em mente para ajustar o ritmo conforme a resposta do outro jogador.

Ritmo é uma parte crucial. Muitos jogadores cometem o equívoco de tratar RPGs como se fossem livros. Apesar de compartilharem semelhanças, em RPGs você controla apenas os aspectos relacionados aos seus personagens. Planejamento e estrutura ajudam a identificar se você precisa acelerar ou desacelerar o ritmo do turno.

Para ajudar, propomos dois modelos de estruturação: um para starters e outro para respostas (replies):

Modelo para Starters:

Cenário: Descreva onde a cena está acontecendo e como seu personagem está inserido nela. Motivação: Apresente o que levou seu personagem a agir naquele momento. Incidente: Introduza o conflito ou ação inicial que irá impulsionar a cena.

Modelo para Respostas (Replies):

Reação: Mostre como seu personagem responde ao turno anterior, seja emocionalmente ou fisicamente. Desenvolvimento: Acrescente elementos que avancem a narrativa ou criem novos conflitos. Conexão: Finalize seu turno com algo que dê gancho para a próxima resposta.

Foque em aspectos sensoriais para construir uma imersão no cenário. Cenas envolventes fazem uso de múltiplos sentidos para atrair e manter o leitor fisgado, sendo mais eficazes do que blocos extensos de pensamentos ou diálogos. Introspecções ajudam a dar tom ao starter e indicam possíveis direções que o outro jogador pode seguir.

Recursos visuais, como gifs e imagens, podem ajudar a transmitir a atmosfera. Plataformas como o Tumblr permitem utilizar gifs faceless para ilustrar ações de personagens cujas expressões específicas não estão disponíveis. Esse recurso é particularmente comum em interpretações de personagens com poderes ou de atletas e músicos, enriquecendo a experiência narrativa.

Abaixo, mais algumas dicas importantes:

Subtexto: Leia nas entrelinhas. O subtexto revela pistas sobre o direcionamento da cena e ajuda a guiar sua resposta.

Ação e Reação: Contextualize o ponto de vista do seu personagem. Mostre o que elu vê, sente e pensa, mas sem monopolizar a narrativa, para evitar metagaming ou god modding .

Ritmo e Diálogo: Lembre-se de que cenas rápidas frequentemente deixam pouco espaço para falas longas ou frases de efeito. Foque nas reações imediatas e no que seu personagem pode oferecer para dar continuidade à cena.

A partir desses elementos, você pode criar cenas dinâmicas, envolventes e que incentivem outros jogadores a contribuir com a narrativa. Ouça seu personagem e mantenha a narrativa orgânica.

Com planejamento, estrutura e ritmo adequados, você estará preparado para criar cenas dinâmicas e envolventes, contribuindo para uma experiência de RPG rica.

Armas e Objetos

Algumas vezes, para uma ação mais frenética, acaba-se sendo interessante para o personagem utilizar uma arma ou objeto, para dar mais algo a mais na ação ou potencializar os riscos da história. Ao optar por esse recurso, pesquise sobre o funcionamento, peso, alcance e limitações do objeto ou arma. Detalhes realistas enriquecem a narrativa, mas evite exagerar para não sobrecarregar o leitor com informações técnicas.

Descreva com Impacto, Use verbos fortes e específicos para descrever como a arma ou objeto é usado. Por exemplo, “o taco de beisebol desceu em um arco perfeito, esmagando a mesa ao meio” é mais vívido do que “ele usou o taco de beisebol para bater na mesa.”

Contextualize o Ambiente, mostre como o personagem interage com o espaço ao usar a arma ou objeto. Uma cadeira jogada em um espaço apertado gera mais impacto do que em um salão vazio.

Adicione sons, como “o silvo da lâmina cortando o ar” ou “o eco seco do disparo no corredor,” para aumentar a imersão. Inclua sensações táteis e visuais, como “o metal frio da espada contra a palma suada.”

E o mais importante: Mostre Consequências. Detalhe os efeitos do uso do objeto ou arma. Isso pode incluir ferimentos, danos ao ambiente ou reações emocionais, como o choque após um disparo. O uso de armas ou objetos deve refletir a personalidade do personagem. Um herói relutante pode hesitar antes de usar uma arma, enquanto alguém impulsivo a usaria sem pensar duas vezes.

Cenas de ação exigem dinamismo, evite descrições longas no meio da ação e priorize frases curtas e impactantes para criar uma sensação de urgência.

Lembre-se que um objeto comum pode se tornar uma ferramenta única em combate, como uma caneta transformada em arma improvisada. Isso adiciona originalidade à cena.

Combate Corporal

Quando se fala de cenas de ação, é impossível não pensar primeiro em um embate corporal, afinal, é a maneira mais fácil de visualizar algo para construir conflito. É muito importante que antes de mais nada, um contexto seja estabelecido. Comece estabelecendo o ambiente e as motivações. Onde a luta acontece? Quem são os combatentes? Há uma multidão assistindo ou é um duelo privado? Detalhar o cenário, como o som de pés descalços no tatame ou o vento soprando em um campo aberto, cria a atmosfera necessária para a ação.

Se planeja colocar uma habilidade em arte marcial, é primordial que uma pesquisa seja feita. Cada estilo de arte marcial tem suas características únicas. Pesquise movimentos, posturas e filosofias.

Um personagem treinado em aikido pode usar a força do adversário contra ele, enquanto alguém que domina o muay thai prioriza golpes diretos e contundentes. Use esses detalhes para diferenciar estilos e mostrar a identidade dos personagens.

Use frases curtas e impactantes para descrever golpes, esquivas e bloqueios, mas não negligencie os detalhes importantes. “Ela girou em um chute alto, o calcanhar cortando o ar antes de encontrar o ombro do oponente” é mais envolvente do que “ela deu um chute no ombro dele.”

Cada golpe precisa de uma reação. Mostre como os personagens lidam com o impacto, dor e exaustão. Descrever a respiração pesada, suor escorrendo ou hesitação após um ataque cria uma conexão emocional com o leitor e adiciona realismo.

Combates corporais não são apenas força bruta, mas também tática. Mostre como o personagem avalia o adversário, explora fraquezas ou adapta seu estilo ao longo da luta.

A forma como o personagem luta deve refletir sua personalidade. Um lutador disciplinado pode manter postura perfeita, enquanto um briguento improvisa e usa golpes desleais.

Decida como a luta termina e o impacto que isso terá na narrativa. Uma vitória, derrota ou impasse deve avançar a história ou revelar algo sobre os personagens.

Ferimentos

Ao escrever um turno que envolva uma cena de ação é evidente que seu personagem ficará marcade de alguma forma. Para essa tarefa é necessário equilíbrio entre detalhes gráficos e a emoção da narrativa.

É importante captar não apenas o aspecto visual das lesões, mas também os impactos físicos e psicológicos nos personagens. A seguir, exploramos estratégias para descrever ferimentos em cenas de ação com precisão e dinamismo.

Detalhes são importantes para criar realismo, mas não é necessário exagerar ou se demorar demais na descrição. Concentre-se em ferimentos significativos que influenciem a narrativa ou o estado emocional do personagem. Evite uma lista de machucados e, em vez disso, foque em como eles afetam o personagem no momento.

Ferimentos em cenas de ação devem impactar a capacidade do personagem de lutar ou sobreviver. Mostre como a dor ou a limitação física altera suas escolhas. Por exemplo: "Com o ombro deslocado, ele mal conseguia levantar o braço para se defender, mas ainda assim avançou, ignorando o grito de agonia que queria escapar.”

Ferimentos não são apenas físicos; eles carregam uma carga emocional. O desespero, a raiva ou a determinação do personagem podem ser transmitidos através de sua reação à dor. Um personagem pode lutar contra o medo da morte enquanto sente o sangue escorrer de uma ferida profunda.

O Erro é seu Amigo

Em uma narrativa, especialmente em cenas de ação, os erros cometidos pelos personagens podem ser ferramentas poderosas para criar tensão, humanizar os protagonistas e tornar a história mais envolvente. Esses momentos de falha aproximam o público dos personagens, mostrando que eles não são invencíveis, mas sim humanos, com limitações e vulnerabilidades.

O erro pode surgir de diferentes formas: um golpe mal calculado, uma decisão impulsiva ou até mesmo a subestimação do adversário. Esses deslizes tornam o conflito mais realista, além de tornar as cenas mais críveis e carregam um peso narrativo significativo. Eles podem redefinir a dinâmica entre personagens, trazer lições importantes ou até mudar o rumo da história. Um erro estratégico em batalha pode forçar o grupo a recuar, levando a uma mudança de cenário ou introduzindo novos aliados e inimigos. As consequências desses momentos ajudam a enriquecer a trama, criando desafios mais complexos e emocionantes.

Outro aspecto importante é como os erros contribuem para o desenvolvimento do personagem. Um fracasso bem explorado pode servir como um catalisador para o crescimento pessoal, motivando o personagem a superar suas fraquezas ou aprender com as adversidades, mas também pode abrir as portas para que seu personagem possa mudar de maneira negativa, assumindo tons vilanescos e facilitando o entendimento e motivações para ações futuras.

Em resumo, permitir que os personagens errem em cenas de ação não é apenas realista, mas essencial para criar uma narrativa rica e cativante. As falhas e suas consequências não apenas aumentam a tensão, mas também acrescentam camadas de complexidade e autenticidade, tornando a história mais marcante.

Conclusão

Aqui encerramos o tutorial. Esperamos que ele te ajude a compreender e a aprimorar suas habilidades como escritor. Caso tenha dúvidas, nossa ask box está aberta para contato.

[leaozinho]

                                      𝙃𝙚𝙖𝙧𝙩𝙥𝙞𝙚𝙧𝙘𝙚𝙧

   ❝  a  bow  and  arrow  made  by  the  children  of  Hephaestus,  chosen  by  Aslan  ❞

Posto frente a frente com o arsenal produzido pelos ferreiros, Aslan seguiu para o lado dos arcos sem pensar duas vezes. O problema em si não era falta de espadas — sua falcata já fazia bem seu serviço para aquele estilo de luta —, mas sim a falta de habilidade dele com a arma. Pegar mais uma não faria sentido e seria apenas mais um peso sobre si, um que logo seria deixado de lado quando a necessidade de virar um felino surgisse em meio ao caos.

Com um arco e flecha, no entanto, Aslan sentia-se mais confiante. Distante do cenário de combate, com um arco, Aslan conseguia ferir quem atacava e preparar-se melhor para o momento de usar seus poderes, assim evitando se cansar tão rápido. Era o que ele vinha aprendendo nas aulas com Aidan pelo menos e apesar de saber que ainda tinha um longo caminho a seguir para mestrear arquearia, com os arcos disponíveis durante os treinos, o filho de Dionísio já se sentia bem mais confortável do que ficara alguma vez com sua espada.

Assim, passou a analisar as opções a mostra e uma delas chamou sua atenção mais que qualquer outra. Pegando-a com cuidado, Aslan testou o peso e sua resistência, assim como fingiu atirar para ter certeza que nada nenhum dos detalhes esculpidos no corpo do arco atrapalhariam sua visão. Ao abaixá-lo, o semideus sorriu e não o devolveu à mesa. Na verdade, esticou-se para pegar a aljava e flechas que completavam a arma que agora pertencia a ele.

+ 𝙖𝙧𝙘𝙤

O  arco  escolhido  é  feito  de  ouro  imperial,  tem  uma  forma  um  pouco  mais  curvada  que  o  normal, com  as  extremidades  se  alongando  e  afinando  para  fora.  A  parte  central  é  mais  alta,  formando  uma  espécie  de  cúpula,  e  as  extremidades  se  curvam�� ligeiramente  para  baixo.  A  arma  é  decorada  com  elementos  esculpidos:  na  parte  central  superior,  há  dois  elementos  que  se  assemelham  a  cipós,  com  curvas  graciosas  que  se  voltam  para  fora.  Esses  elementos  adicionam  uma  sensação  de  simetria  e  elegância  ao  design;  ao  longo  do  arco,  há  padrões  intricados  esculpidos  que  lembram  folhas e  vinhas.  Estes  padrões  são  cuidadosamente  trabalhados  para  criar  um  visual  detalhado  e  sofisticado;  a superfície  tem  uma  textura  suave  e  polida,  com  os  detalhes  em  relevo  proporcionando  contraste.

+ 𝙖𝙡𝙟𝙖𝙫𝙖 𝙚 𝙛𝙡𝙚𝙘𝙝𝙖𝙨

A  aljava  tem  uma  forma  alongada  e  curva,  que  se  alarga  na  parte  superior  onde  as  flechas  são  inseridas.  Seu formato  é  curvado  para  um  melhor  encaixe  ao  corpo  quando  carregada e  sua  superfície  é  decorada  com  detalhes  esculpidos,  com  padrões  intrincados  representando  folhagens e  arabescos.  Esses  detalhes  dão  uma  aparência  rica  e  elaborada  ao  objeto,  atribuindo a  ele  um  ar  decorativo para  além  de  sua  função  prática.  Apesar  da  cor  dourada,  o  material  da  aljava  não  é  ouro  como  o  do  arco,  mas  sim  um  couro  mais  resistente  e  pintado  para  ornar  com  o  arco  e  as  flechas. A  aljava  possui  duas  alças,  também  ornamentadas.  Essas  alças  permitem  que  ela  seja  carregada  nas  costas  ou  pendurada,  sendo  ajustáveis  para  melhor  conforto  do  arqueiro. 

A  ponta  da  flecha  é  feita  de  um  ouro  mais  claro  e  possui  um  formato  geométrico  angular.  Ela  também  tem  detalhes  esculpidos,  adicionando  um  toque  refinado  ao  seu  design.  A  ponta  é  afiada  e  simétrica,  mantendo  suas  características  tradicionais  funcionais, embora  carregue  traços  decorativos. A  haste  da  flecha  é  longa  e  fina,  feita  de  ouro  imperial.  Sua superfície  é  lisa,  sem  ornamentos  adicionais,  permitindo  um  contraste  com  a  ponta  e  a  pena.  Já  a  pena, localizada  na  extremidade  oposta  à  ponta, volta  a  ter  um  design ornamentado.  Ela  é  de  ouro  e  esculpida  em  forma  de  folha,  com  detalhes  intrincados  que  imitam  as  nervuras  de  uma  folha  verdadeira. 

[nuwacoffeebreak]

Alguns métodos para planejar sua história

Aproveitando o assunto sobre planejamento, além do método das Três Partes (Introdução, Desenvolvimento, Desfecho), também temos outras formas de planejar uma história. Uma delas é através do método Cubo, que basicamente envolve 6 perguntas (as 6 faces de um cubo) que precisam ser respondidas.

Quem são os principais personagens na história?

Em que lugar a história acontece?

Qual é o problema principal da história?

Como esse problema é resolvido?

Qual é o tema central da história?

De que parte da história você mais gosta?

Também temos o método A Jornada do Herói, que consiste contar sua história em 9 fases (originalmente são 12, mas resolvi resumir):

Mundo comum: usado para descrever o mundo normal do personagem, aquilo que acontece antes do início da aventura. Usado especialmente para provocar o interesse do leitor, mas sem iniciar o conflito/problema.

O chamado: quando o problema se apresenta ao protagonista.

Reticência ou recusa do chamado: o protagonista não aceita ou demora a aceitar o desafio.

Encontro com o mentor: o protagonista encontra alguém, mais sábio e experiente, que o incita a aceitar a jornada. Na ausência de um mentor, você pode optar para usar esse momento apenas como um catalisador, ou seja, para provocar o protagonista a ser movido a aceitar o chamado. Aumentar o senso de urgência ou acontecer algo que realmente impacta o personagem a ponto de fazê-lo assumir a responsabilidade.

O caminho de ida: quando o protagonista abandona o mundo comum e entra no mundo mágico/diferente. Ele começa a enfrentar as suas primeiras provações, encontra aliados e se depara com seus inimigos. Esse é um bom momento para explicar o funcionamento universo mágico/diferente para o entendimento do leitor. Use esse espaço para fazê-lo ter sucesso em seus primeiros testes e para explorar o seu desenvolvimento conforme ele reage aos desafios.

Provação difícil ou traumática: um momento crucial, que normalmente põe o protagonista entre a vida e a morte.

Recompensa: o protagonista supera seu medo, derrota o desafio principal e obtém algo em troca.

O caminho de volta: O herói deve voltar para o mundo comum. Aqui ele pode enfrentar mais uma situação em que ele emprega tudo o que foi aprendido em sua jornada. Como uma pedra que foi lapidada, ele não é mais a mesma pessoa que começou a jornada.

Resolução: aqui é o momento para encerrar a história de modo a mostrar como o protagonista foi transformado, seja para o bem ou para o mal. Se ele partiu em busca de algo, se ele o conseguiu, se conseguirá ajudar o bem comum, o que fará com isso, etc.

Também temos o método Floco de Neve, que consiste começar com algo pequeno, uma frase, e a partir disso expandir o volume de informações. As etapas são:

O núcleo da ideia: Comece com uma ideia básica para sua história. Pode ser um personagem, um cenário, um evento ou uma simples pergunta. Resuma-a em apenas uma frase.

Expansão gradual: A partir dessa ideia central, comece a expandir a história em diferentes direções, como se os braços de um floco de neve estivessem se formando. Cada ramo representará um aspecto diferente da sua história, como:

Personagens: Crie perfis detalhados para seus personagens, incluindo suas personalidades, motivações, histórias de vida e relacionamentos.

Enredo: Desenvolva a trama principal da sua história, com um início, meio e fim bem definidos.

Cenário: Crie um mundo detalhado para sua história, com suas próprias regras, leis e culturas.

Temas: Explore os temas centrais da sua história, como amor, perda, amizade, etc.

Detalhamento: Conforme você explora cada ramo, adicione mais detalhes e complexidade à sua história. Por exemplo, você pode criar subplots, desenvolver os personagens secundários, explorar os conflitos internos e externos dos personagens, etc.

Revisão e edição: Após completar a estrutura básica da sua história, revise e edite o material para garantir que tudo se encaixe perfeitamente e que a história seja coesa e interessante.

Exemplo prático:

1. A ideia em uma frase: Um detetive particular investiga o desaparecimento de uma jovem em uma pequena cidade litorânea.

2. Expansão para um parágrafo: Em uma pacata cidade litorânea, conhecida por suas praias desertas e clima ameno, o detetive particular, um homem taciturno e experiente, é contratado para investigar o misterioso desaparecimento de uma jovem. A comunidade local, inicialmente acolhedora, revela segredos sombrios à medida que a investigação avança.

3. Criação de fichas de personagens:

Detetive: John Carter, 40 anos, divorciado, viciado em café e cigarro. Possui um passado obscuro e habilidades de investigação aguçadas.

A vítima: Emily Wright, 18 anos, estudante de arte, popular e com muitos amigos.

O prefeito: Um político ambicioso com segredos obscuros e uma ligação com a vítima.

A melhor amiga da vítima: Uma garota rebelde com um passado conturbado e um segredo que pode ser a chave para o caso.

4. Expansão do parágrafo principal:

A investigação: O detetive Carter começa a investigar o desaparecimento de Emily, entrevistando testemunhas, analisando evidências e desvendando os segredos da cidade.

A comunidade: A pequena cidade, inicialmente acolhedora, revela-se um lugar com muitos segredos e conflitos.

O mistério: O desaparecimento de Emily está ligado a um antigo mistério que assombra a cidade há décadas.

5. Detalhes sobre o cenário:

A cidade: Uma pequena cidade litorânea com um porto, uma praia deserta, um farol antigo e uma floresta densa.

A época: Verão.

A atmosfera: Sombria, misteriosa e com um clima de suspense.

6. Criação de subplots:

O passado do detetive: Uma investigação anterior que o traumatizou e o tornou um homem solitário.

O romance: O detetive se envolve em um romance com a bibliotecária da cidade, que possui informações importantes sobre o caso.

A conspiração: Uma conspiração envolvendo o prefeito e outros membros da comunidade para esconder um segredo obscuro.

7. Desenvolvimento dos personagens:

John Carter: Ao longo da investigação, Carter se torna mais próximo de Emily e de sua família, descobrindo um lado mais humano de si mesmo.

Emily Wright: A história de Emily é revelada através de flashbacks e depoimentos de seus amigos e familiares.

O prefeito: Suas ambições políticas o levam a cometer atos cada vez mais desesperados para proteger seus segredos.

8. Resolução:

O detetive Carter finalmente descobre a verdade sobre o desaparecimento de Emily e desmascara a conspiração que assombra a cidade. No entanto, a resolução do caso tem um custo pessoal para ele.

Você vê que basicamente todos são muito parecidos e buscam a mesma coisa que o método das Três Partes. O que vai diferenciar é a riqueza de detalhes, o tamanho da narrativa, os pontos em que a atenção será concentrada. A estrutura pode ser quebrada, é claro, mas entender a sequência te permite ter uma noção daquilo que sua história pretende contar.

E aqui encerramos mais um post. No futuro abordarei outros métodos.

Aproveite!☕

[stcnecoldd]

B O X・ O F・ M E M O R I E S : Debaixo de sua cama, Aurora esconde um pequeno baú, que guarda alguns de seus objetos de maior valor sentimental. Muitos deles carregam lembranças especiais, outros apenas marcam acontecimentos importantes em sua trajetória. Entre eles, você encontrará itens que revelam as camadas mais profundas de sua alma, pequenas relíquias que, juntas, formam um mapa de suas experiências e emoções. Esse baú é um santuário pessoal, um espaço seguro onde guarda não apenas objetos, mas também pedaços de seu coração, mesmo que dilacerado. É um reflexo oculto de sua resiliência e capacidade de encontrar significado nas pequenas coisas. Cada vez que revisita estes itens, é como abrir uma porta para o passado, permitindo-se reviver memórias que a fizeram ser quem é hoje. Conheça alguns deles:

Fotografia de família

A imagem já apresenta alguns sinais e manchas, mas talvez seja o item melhor preservado entre os demais. Tirada em um dia ensolarado, semanas antes de toda a tragédia que tirou a vida de seu pai, a foto mostra Aurora na companhia de Niko, ambos sorrindo, cercados por uma paisagem nevada. Esta imagem representa a felicidade pura e a ligação inquebrável entre os dois.

Carta de seu pai

Esta é uma carta escrita à mão por seu pai antes de partir para uma de suas expedições. As palavras eternizadas nela são cheias de amor e esperança, com promessas de um reencontro em breve. A carta é um tesouro precioso para Aurora, que lê sempre que sente falta de seu pai, podendo escutar sua voz narrando a mensagem carinhosa.

Cachecol de lã azul

Um cachecol azul tricotado à mão por seu pai, presenteado durante um de seus aniversários e destinado a protegê-la do frio que sempre os rodeou. É uma peça extremamente quentinha e aconchegante. Embora sempre o manipule com cuidado, Aurora o veste quando precisa de um pouco de calor e conforto, ou apenas de uma lembrança física dos abraços apertados que recebia de Niko.

Diário de expedição na montanha Galdhøpiggen

Um caderno envelhecido e bem utilizado, contendo anotações detalhadas, esboços e pensamentos do Niko durante sua expedição à montanha Galdhøpiggen. As páginas registram cada passo da jornada tragicamente interrompida, revelando o amor pela aventura e os cenários visitados. A página frequentemente visitada por Aurora apresenta um belo desenho esboçado pelo homem.

Diários de treino

Alguns diários antigos, cujas páginas foram usadas em completude, onde Aurora anotou e monitorou suas sessões de treino, progressos e reflexões desde que chegou ao acampamento meio-sangue.

Mapa do acampamento

É um mapa detalhado do acampamento, desenhado à mão, com várias anotações feitas por Aurora. Cada área relevante para treinos, estudos de batalha e competições está destacada, incluindo os campos de treino, as arenas de combate e os locais de prática de habilidades. Suas anotações pessoais indicam estratégias, pontos de interesse e dicas sobre como aprimorar suas habilidades em cada local.

Vial de lágrimas cristalizadas

Esse pequeno frasco contém algumas de suas primeiras lágrimas cristalizadas, após receber sua maldição. Guarda cada cristal como uma lembrança dolorosa de seus momentos de tristeza, mas também um símbolo de sua resiliência e força para superar seus obstáculos. Além de ser uma afronta direta a Quione.

Anel de cristal de gelo eterno

Esse delicado anel de prata, com um cristal de gelo eterno incrustado no centro, foi um presente dado a Aurora por um de seus irmãos mais jovens depois de notá-la abatida após receber sua maldição. A joia já não cabe mais em seu dedo, mas ainda é mantido por perto com enorme carinho.

Concha da praia do acampamento.

Recentemente adicionada a seu acervo pessoal de lembranças, essa pequena concha foi encontrada na praia do acampamento durante a noite em que dera seu primeiro beijo em uma pessoa especial. @kerimboz

[thepoeticlove]

Mesmo não sendo a cidade mais romântica do mundo, há cada detalhe que me remetem amor, penso em escrever sobre, mas nunca levo uma boa caneta ou um caderno na bolsa, então deixo o amor vagar pela minha mente como águas no rio, e imagino o cenário para o perfeito romance ser escrito. Sinto o sol esquentar a pele, e sinto o cabelo quente ao encostar a mão no topo da cabeça. Não fico bem de chapéu, mas sei que um personagem ficaria. Tudo me é inspiração, flores amarelas e vermelhas que enfeitam o caminho. Ou o céu azul que ameaça chover. E pensar na chuva é trágico, só aqueco meu coração quando lembro que tudo que me remetem inspiração vem dela. E volto a pensar em personagens que sejam fortes, cativantes e que marquem a vida de quem lê, e sinto meu coração aquecido por pensar, por tentar. Insisto em pensar em um romance, mesmo que eu não ande pela cidade mais romântica do mundo, aqui ainda é igual, talvez Paris também seja. Mas onde ela vive nunca é igual. Jamais poderia ser. Cada dia, em cada canto, é detalhado amor. Só porque ela existe.

Então quando caminho, e busco inspiração, penso nela, mas não escrevo, nunca escrevo. Quando ando, nunca levo uma boa caneta ou um caderno na bolsa, então não escrevo, só deixo o amor vagar pela minha mente como águas no rio. Pois sei que o amor sempre volta. Todos os dias após um bom dia as 6 da manhã. É por isso que sempre volto, e não me perco enquanto caminho. Pois quando ela decora a vida com amor, lá onde mora, vejo tudo florir aqui também.

@ninhazzz ❤️‍🔥🛖

[clc-ll]

O Studio Ghibli é um dos mais renomados estúdios de animação do mundo, fundado por Hayao Miyazaki, Isao Takahata e Toshio Suzuki. Características marcantes dos filmes do Studio Ghibli:

Temáticas Recorrentes

1. Fantasia e Imaginação: Mundos mágicos, criaturas míticas e elementos sobrenaturais.

2. Natureza e Ambientalismo: Conexão com o meio ambiente e crítica à destruição.

3. Identidade e Autoconhecimento: Personagens em busca de si mesmos.

4. Histórias de Fundo Histórico: Contextos históricos reais ou inspirados.

Estilo Visual e Narrativo

1. Animación Tradicional: Técnica artesanal e detalhada.

2. Desenhos Intrincados: Personagens e cenários ricamente detalhados.

3. Narrativas Não Lineares: Histórias complexas e multifacetadas.

4. Simbolismo: Uso de metáforas e símbolos.

Personagens e Relacionamentos

1. Protagonistas Fortes: Personagens femininas independentes e determinadas.

2. Relacionamentos Profundos: Amizades, amores e família.

3. Desenvolvimento de Personagem: Crescimento e transformação.

Influências Culturais

1. Cultura Japonesa: Elementos tradicionais, folclore e mitologia.

2. Influências Europeias: Arquitetura, literatura e arte.

3. Universalismo: Temas e mensagens para todos os públicos.

Filmes Representativos

1. "Nausicaä do Vale do Vento" (1984)

2. "Meu Vizinho Totoro" (1988)

3. "Princesa Mononoke" (1997)

4. "Spirited Away" (2001)

5. "Ponyo" (2008)

6. "Arrietty" (2010)

Prêmios e Reconhecimento

1. Oscar de Melhor Filme de Animação ("Spirited Away", 2003)

2. Festival de Cannes

3. Festival de Berlim

4. Prêmios Annie e BAFTA

O Studio Ghibli é sinônimo de qualidade, criatividade e emoção, oferecendo experiências cinematográficas únicas e memoráveis.

[gdotti]

🐝COMISSÕES ABERTAS 🐝

Plano RPG

corpo inteiro RPG: R$70

meio-corpo RPG: R$45

arte de equipe/cena: 60(cenário) + 20 por personagem

Capa de missão personalizada: R$50

Combo Mestre RPG: encomendando 5 ou mais corpo-inteiro você ganha um icon/busto de cada um deles

Plano pintura

*o plano pintura inclui um estilo de pintura diferente e mais detalhado, é aconselhado pra arte decorativa e para presentes especiais.

Arte de animais (só o rosto é metade do preço): R$50 cada

pintura de qualquer pessoa (personagens/famosos/pessoas a sua escolha): R$90 (pode variar) *é necessário o envio fotos de referência*

Tempo de entrega: cerca de 7 dias, mas pode variar dependendo do tamanho da encomenda.

*pagamento por pix*

meu portfólio> https://www.behance.net/gallery/193564071/Portfolio-Dotti

[diegosouzalions]

Diego, vi a sua situação é não posso ficar calado. Quero aqui lembrar a você e a todos que você não faz uma comic. Você está fazendo uma série. Se fosse uma comic como as outras os quadros seriam muito menores, os cenários com menos detalhes e talvez até mesmo sem cor. Você coloca um esforço tão grande nesse projeto, que ele acaba tendo uma qualidade artística até melhor que a da série. Os detalhes de cada personagem, o sombreado bem marcado, o traço, a renderização, o design dos personagens, os fundos… é tudo muito detalhado e de altíssima qualidade. Esses fãs problemáticos que você tem precisam entender o esforço tremendo que cada capítulo tem.

Cada um dos quadros é praticamente um keyframe (faço faculdade de animação, desculpa se desconhece o termo).

Então, para todos aqueles que reclamam da demora do Diego, se coloquem no lugar dele! Duvido que vocês conseguiriam fazer metade do que ele faz!

Muito obrigado pelo apoio!! 💛💛💛

[spotlightmuse]

O Cenário

Em um processo de evolução — ou expansão —, o conceito de ''cenário'' na história da arte refere-se ao ambiente, ao espaço e ao contexto em que as figuras — como em retratos — ou eventos são representados em uma obra. Esse conceito tem se transformado ao longo do tempo, acompanhando diferentes abordagens na representação do espaço, seja em pintura, escultura, teatro, ou, mais recentemente na arte digital e nas artes visuais contemporâneas.

Antiguidade e a Idade Média

Nos períodos mais antigos da história da arte, é fundamental a citação da Arte Egípcia e na Arte Grega e Romana, o cenário é frequentemente simplificado ou idealizado. Os artistas da época, representavam as figuras humanas em poses frontais e não se preocupavam com a perspectiva ou com a tridimensionalidade do fundo. Em vez disso, o foco estava nas figuras e no simbolismo.

Já com a Idade Média, especialmente com a arte cristã medieval, o cenário também era frequentemente simplificado. As cenas religiosas, como altares ou manuscritos iluminados, usavam fundos dourados ou padrões geométricos, com pouca preocupação com a representação realista do espaço.

Notando-se que o foco estava na transcendência e no simbolismo, e não no realismo.

Renascimento

Com o renascimento o cenário que conhecemos hoje começou, os artistas começaram a explorar a perspectiva linear para criar a ilusão de profundidade no espaço pictórico. Artistas como Leonardo da Vinci, Raphael e Michelangelo introduziram um senso de volume e espaço realista nas suas obras e cenários passou a ser tratado com cuidado. Ganhando seu destaque.

Em exemplo, em pinturas como A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, o cenário não é apenas um fundo decorativo, mas também uma parte integrante da narrativa, com a perspectiva criando uma sensação de profundidade e realismo. A preocupação com o cenário tornou-se uma forma de integrar as figuras na cena e contextualizá-las no mundo físico.

Barroco e Rococó

No Barroco, o cenário continuou a ser uma parte importante da composição artística, mas é frequentemente usado para criar uma atmosfera dramática. Artistas como Caravaggio e Peter Paul Rubens, usaram o cenário para intensificar a emoção da cena, muitas vezes utilizando contrastes de luz e sombra — como no chiaroscuro — destacando a figura humana e criando uma sensação de movimento e profundidade.

Já no Rococó, o cenário veio a se tornar mais decorativo e leve, com palácios, jardins e cenas de corte frequentemente sendo representados em uma atmosfera mais fluida e idealizada, como nas obras de François Boucher e Jean-Honoré Fragonard.

Romantismo e Realismo

No Romantismo, o cenário é usado para expressar as emoções e a relação do ser humano com a natureza. Artistas como J.M.W Turner e Caspar David Friedrich criavam cenários grandiosos e muitas vezes dramáticos, onde a natureza selvagem ou as condições climáticas extremas serviam como um reflexo do estado emocional dos indivíduos retratos.

Já com o surgimento do Realismo no século XIX, os artistas começaram a representar os cenários mais cotidianos e realistas, como as paisagens rurais ou urbanas, refletindo as condições sociais e econômicas da época. Os artistas Gustave Coubert e Jean-François Millet, por exemplo, pintaram cenas de trabalhadores no campo, com o cenário se tornando um componente importante para a narrativa social de suas obras.

Impressionismo

Com o Impressionismo, o cenário passou a ser ainda mais fluido e menos detalhado, com ênfase nas luzes e nas cores. Artistas como Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir capturavam momentos fugazes da vida cotidiana, com cenários que se tornavam quase abstratos, usando pinceladas rápidas e uma paleta de cores mais vibrantes para evocar a luz natural e as atmosferas.

Arte Moderna e Contemporânea

No século XX, o conceito de cenário se expandiu além da pintura tradicional. Movimentos como o Cubismo, com Pablo Picasso e Georges Braque, fragmentaram o cenário em múltiplas perspectivas, tornando o fundo e o espaço tão importantes quanto as figuras. A representação do cenário deixou de ser uma mera ''decoração'' e passou a ser parte da estrutura formal da obra.

Já a Arte Contemporânea também explora o conceito de cenários de maneiras inovadoras, especialmente com a introdução de novos meios, como a arte digital, e a instalação e o vídeo. David Hockney, por exemplo, começou a explorar a ideia de perspectiva e o uso de múltiplos planos em seus quadros, rompendo com a tradicional perspectiva linear.

Além disso, a arte contemporânea frequentemente faz uso de cenários criados por elementos não pictóricos, como em instalações e performances, onde o cenário pode ser um espaço físico real e não uma representação bidimensional.

Arte Teatral e Cinema

O cenário também desempenha um papel fundamental no teatro e no cinema. No teatro, o cenário tem a função de criar o ambiente físico e emocional onde a ação ocorre. No cinema, o conceito de cenário vai além da simples representação visual, envolvendo design de produção, iluminação e até efeitos especiais para criar um mundo complexo e imersivos.

No teatro, desde os primeiros cenários cenográficos no Renascimento até os complexos cenários do teatro moderno e contemporâneo, a função do cenário vai além de um fundo decorativo. Ele se torna um elemento que interage com os atores criando uma atmosfera que pode modificar a percepção do público sobre a ação dramática.

Ou seja, ao longo da história da arte, o cenário evoluiu como um elemento decorativo para um componente essencial das obras, com uma função tanto estética quanto narrativa. Não sendo apenas o fundo de uma cena, mas também para intensificar emoções e criar contextos históricos ou sociais, e até mesmo para questionar a percepção do espectador sobre o mundo representado. Sendo assim, o cenário é uma parte fundamental da arte, refletindo mudanças culturais e tecnológicas e a maneira como os artistas concebem o espaço e o contexto ao redor das figuras e da ação representada.

FONTES:

GOMBRICH, E. H. A História da Arte. 16. ed. São Paulo: Phaidon, 2009.

HARRISON, Charles; WOOD, Paul. Arte: Conceitos e Movimentos. 3. ed. São Paulo: Martins Fontes, 2003.

TANSELLE, G. Thomas. The History of Art: A Critical Approach. São Paulo: Editora Unesp, 2006.

ARNHEIM, Rudolf. Arte e Percepção Visual: Psicologia da Arte. São Paulo: Martins Fontes, 2005.

BAXANDALL, Michael. Pintura e Experiência Social: O Olhar no Renascimento. São Paulo: Editora UNESP, 2003.

FREELAND, Cynthia A. Arte e Objetividade: Uma Introdução à Filosofia da Arte. São Paulo: Editora Ponto de Vista, 2008.

LOPES, Domingos de Souza. O Espaço na Arte Contemporânea. Rio de Janeiro: Zahar, 2009.

[criticodellorrore]

"Maxxxine" (2024)

"Maxxxine" de Ti West, lançado em 2024, é o desfecho da trilogia que começou com "X: A Marca da Morte" (2022) e "Pearl" (2022). Este filme não apenas conclui a narrativa com maestria, mas também eleva o padrão técnico e artístico estabelecido por seus antecessores.

Fotografia e Estética Visual

"Maxxxine" mantém a excelência visual característica da série. A cinematografia, a cargo de Eliot Rockett, é uma continuação natural da atmosfera estabelecida em "X" e "Pearl". Enquanto "X" era marcado por uma estética de terror vintage dos anos 70 e "Pearl" destacava-se pelo uso vibrante de cores que remetiam aos clássicos do Technicolor, "Maxxxine" mistura essas duas abordagens, criando uma paleta visual que é ao mesmo tempo nostálgica e inovadora. Rockett utiliza ângulos de câmera ousados e movimentos suaves para construir uma narrativa visual que é ao mesmo tempo elegante e perturbadora.

Direção e Roteiro

Ti West prova mais uma vez ser um mestre do terror psicológico. A narrativa de "Maxxxine" é rica em subtexto, abordando temas de fama, obsessão e identidade. West, que também escreveu o roteiro, constrói personagens complexos e multifacetados. Maxine, interpretada magistralmente por Mia Goth, é uma protagonista cativante, cuja jornada é tanto uma reflexão sobre o passado quanto uma busca pelo futuro.

Edição e Ritmo

A edição, conduzida por David Kashevaroff, é precisa e rítmica, mantendo o espectador constantemente à beira da cadeira. O uso de cortes rápidos em momentos de tensão contrasta com as tomadas longas e contemplativas que exploram o estado mental da protagonista. Esse equilíbrio entre ritmo frenético e calma introspectiva é uma das marcas registradas da trilogia.

Trilha Sonora

Tyler Bates, responsável pela trilha sonora, entrega uma composição que amplifica a tensão e a emoção da narrativa. A trilha de "Maxxxine" é uma fusão de elementos eletrônicos contemporâneos com sons analógicos, criando uma atmosfera sonora que é ao mesmo tempo moderna e atemporal. A música é usada de forma inteligente para acentuar momentos de suspense e dar profundidade emocional às cenas mais introspectivas.

Design de Produção

O design de produção, liderado por Tom Hammock, é detalhado e imersivo. Cada cenário é cuidadosamente construído para refletir o estado emocional dos personagens e a progressão da narrativa. Desde os ambientes decadentes de Hollywood até os espaços mais íntimos e pessoais, o design de produção ajuda a contar a história de forma visual.

Performance de Elenco

Mia Goth, reprisando seu papel como Maxine, entrega uma performance poderosa e visceral. Sua capacidade de transmitir vulnerabilidade e força em igual medida é um dos pontos altos do filme. O elenco de apoio, incluindo novos personagens e rostos familiares dos filmes anteriores, contribui para a riqueza e a complexidade da trama.

Conclusão

"Maxxxine" é um fechamento adequado e brilhante para a trilogia de Ti West. Combinando elementos técnicos impecáveis, uma narrativa profunda e performances memoráveis, o filme se destaca não apenas como um excelente exemplo de cinema de terror, mas também como uma obra de arte cinematográfica em seu próprio direito. É um testemunho do talento de West e sua equipe, e uma adição valiosa ao panorama do cinema contemporâneo.

[zenir-arts]

WIP. Koishi art i'm doing. I've never made a detailed scenary like that

WIP. Desenho da Koishi de touhou que estou fazendo. Tentando fazer um cenário mais detalhado do que normalmente faço

[kttysoftpaws]

então ... quem é a novata da tag 1x1 que nem se presta para ajeitar bonitinho um blog e, pior, faz um post as pressas porque está doida para jogar??? prazer, sou eu, tua mais nova partner: kitty!

brincadeiras a parte, é basicamente isso. tenho alguns plots e informações básicas sobre mim abaixo do read more e, se você tiver interesse em jogar comigo, plsss manda mensagem ou se manifeste neste post, amém obrigada.

sobre a player

básico: tenho 21 anos, prefiro pronomes femininos e não tenho triggers que possam vir à jogo (estupro).

preferências: gosto do bom e velho real life, não sou grande em nenhum tipo de fantasia ou sci-fi, e curto bem pouco de apocalipses zumbi kkkk. meu negócio é desenvolver as relações mesmo! quando o cenário começa a ficar muito detalhado eu já não curto tanto jogar! jogo tanto personagem fem quanto male.

smut: smuto, mas não é requisito para jogar comigo. se você não smuta, não tem problema nenhum.

age gap: não me importo com grandes diferenças de idade contanto que o personagem mais novo já tenha vinte e um anos.

plataforma: para jogo seria tumblr ou discord e a de comunicação também.

jogos (gêneros podem mudar!)

aladdin, em que ele é um rapaz pobre que finge ser rico para impressionar a it girl jasmine, nos tempos modernos. pensei numa vibe gossip girl, rich kids.

no mesmo sentido da anterior, rapunzel cresceu em uma bolha por pais mega protetores que calculam cada passo dado pela filha. quando finalmente tem uma crise existencial e percebe que está perdendo o rumo da própria vida, se revolta e começa a procurar a companhia de flynn rider, o maior rebelde da cidade que conhece.

malévola costumava ser a melhor no fazia. consagrada em sua área de atuação, era referência internacional, e além disso, um ícone para a sociedade; uma verdadeira deusa que desceu das estrelas para ajudar o mundo a se tornar um lugar melhor. o rei stefan, por outro lado, se sentia enciumado. afinal, ele era rei (só que ele só possuía esse título de importante, porque não fazia nada que um rei deveria fazer, ele queria a fama e não os encargos, sabe?). e como um rei ele agiria. seduziu malévola e lhe roubou o que lhe era mais precioso (ooc: uma pesquisa? um trabalho? um software? a gente decide depois!), o que viria a ser o acúmulo de todo o conhecimento e experiência, que mudaria tudo! o rei stefan roubou de sua autoria e ficou com a fama, e malévola acabou perdendo todo o encanto e voltou para as sombras.

joanna foi o inferno pessoal de marni durante o colégio — assim como o dinheiro é a raiz de todos os males, joanna é a raiz de todos os traumas de marni (ou é assim como ela se sente). foi humilhada por anos e nunca soube exatamente o motivo para tanto, mas não é como se importasse muito, pois às vezes tentava e de vez em quando conseguia revidar. o tempo passou e os seus caminhos, graças aos deuses, se separaram. agora, ambas estão de volta à cidade onde cresceram para celebrar o casamento do irmão mais velho de marni sendo as suas madrinhas.

no contexto de reencarnação, romeu e julieta renasceram em um mundo onde não se lembram de quem são, absolutamente se odeiam, e acham extremamente desconfortáveis e irritantes os sonhos românticos que tem um com o outro — sem saber que se tratam, na realidade, de flashbacks.

[leomeblr]

A Importância do Engenheiro Civil Perito em Ações Judiciais

Em meio às complexidades do direito imobiliário e da construção civil, a figura do Engenheiro Civil Perito emerge como um elemento decisivo para a solução de litígios e a realização de análises técnicas precisas. Mas você sabe exatamente qual é o papel desse profissional em processos judiciais e como ele pode afetar o desfecho de ações relacionadas à construção civil? Neste artigo, vamos desvendar a importância do Engenheiro Civil Perito, destacando como sua atuação é integrada em processos judiciais e as áreas chave onde ele marca sua presença. Prepare-se para entender por que contar com a expertise de um Engenheiro Civil Perito pode ser o diferencial na resolução de questões legais complexas.

A Nomeação do Perito em Processos Judiciais No labirinto jurídico de ações relacionadas à construção civil, o Engenheiro Civil Perito é frequentemente convocado por um juiz para realizar avaliações ou análises técnicas específicas. Sua missão? Investigar, reportar e esclarecer questões técnicas, fornecendo subsídios para que decisões judiciais sejam tomadas com base em informações detalhadas e precisas. Este papel é temporário, concluindo-se com a entrega do laudo pericial e quaisquer esclarecimentos necessários, mas sua influência no caso pode ser duradoura.

Assistente Técnico: O Braço Direito do Advogado Interessante notar que a indicação de um Engenheiro Civil Perito pelo juízo abre a possibilidade para que as partes envolvidas no processo nomeiem seus próprios assistentes técnicos. Esses "peritos do advogado" atuam como suporte técnico, oferecendo uma segunda opinião e enriquecendo o debate com perspectivas adicionais que podem ser cruciais para o entendimento do caso.

Áreas de Atuação do Engenheiro Civil Perito A versatilidade de um Engenheiro Civil Perito é notável, abrangendo uma variedade de cenários:

Patologias da Construção: Identifica e analisa problemas estruturais em edificações, propondo soluções baseadas em diagnósticos precisos.

Desequilíbrio de Contratos: Avalia contratos de construção sob uma lente técnica, ajudando a resolver disputas contratuais.

Avaliação de Imóveis: Determina o valor de propriedades com base em critérios técnicos, essencial em disputas de divisão de bens, por exemplo.

Revisionais e Renovatórias: Revisa contratos de locação ou serviços, ajustando-os conforme análises técnicas e de mercado.

Ações Possessórias e Dominiais: Fornece laudos técnicos em disputas por posse ou propriedade, muitas vezes acompanhados de levantamentos topográficos.

Conclusão A figura do Engenheiro Civil Perito é, sem dúvida, fundamental em ações judiciais que tangenciam o direito imobiliário e a construção civil. Sua capacidade de elucidar aspectos técnicos complexos não apenas facilita o entendimento dos casos, mas também assegura que as decisões sejam tomadas com base em fundamentos sólidos e detalhados. Portanto, seja você um profissional da área jurídica, da construção civil, ou alguém enfrentando um litígio imobiliário, a colaboração com um Engenheiro Civil Perito pode ser a chave para navegar com sucesso pelas águas turbulentas do direito imobiliário.

#periciajudicial #engenheirocivil #assistentetecnico

[fr33me]

acabo de ver família dinossauros q série

como a disney lançou essa série é inacreditável, isso ter passado no Brasil durante ditadura militar me surpreende

com certeza é um marco na minha vida e o início de um interesse por robótica(?) e as produções Jim Henson

pretendo fazer mais fanposts sobre, se for preciso serei eu qm criará edits, gifs, posts extremamente longos e detalhados

Preciso de mais Família Dinossauro

MAIS DOS SILVA SAUROS

inclusive a localização da série é maravilhosa e eleva o texto de uma forma incrível, claro q por outro lado muitas piadas no cenário e nas legendas da tv são perdidas para qm n sabe inglês

há tmb a maior perda na tradução, WeSaySo q vira NosDizemosQueSim (ou ÉIssoAí em um ep) e perde muito do impacto e contexto do nome original, por muitas vezes o nome da impresa n consegue trasmitir o impacto do original

ainda assim é uma dublagem digna de sua época

[blogdofranklin]

Ruptura (Severance) — Temporada 2, Episódio 4: O Impactante “Woe’s Hollow” e Suas Revelações Surpreendentes

O quarto episódio da segunda temporada de Ruptura revela que Helly R. é Helena Eagan, filha do CEO da Lumon, alterando percepções sobre a série.

por: @blogdofranklin

Um episódio de reviravoltas e respostas inesperadas

O quarto episódio da segunda temporada de Ruptura (Severance), intitulado “Woe’s Hollow”, trouxe algumas das revelações mais impactantes da série até agora. O capítulo vai muito além da ambientação inusitada e das tensões entre os personagens; ele introduz novas camadas de mistério sobre o funcionamento da Lumon e, principalmente, aprofundamentos cruciais sobre a identidade de Helly R.

No post anterior, fizemos um resumo detalhado do episódio, destacando a mudança de cenário para um ambiente externo, os desafios enfrentados por Mark, Irving, Dylan e Helly, e o choque emocional das interações entre eles. diAgora, com novas informações disponíveis, conseguimos preencher lacunas importantes e esclarecer questões que ficaram abertas.

A grande revelação: Helly R. é Helena Eagan

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