#arte-educadora

[diariodebordopriscilafragoso]

Olá,

sejam todos bem vindos à este espaço que será o registro eletrônico do meu trabalho artístico e assuntos diretamente relacionados à ele. Fiquem a vontade!

:)

Priscila Fragoso atriz | cantora | arte-educadora

[joseandrestabarnia]

Educar en la caridad Lorenzo Bartolini (Savignano, Prato 1777 - Florencia 1850)

Descripción Fecha: ca. 1824 Museo: Palacio Pitti Recopilación: Galería Palatina Colocación: Salón de la Ilíada Técnica: Mármol Dimensiones: 250cm Inventario: Objetos de arte Pitti (1911) n. 1538 Inscripciones: En la lista: DILIGES DOMINUM DEUM TUUM, EX TOTO CORDE TUO / ET IN TOTA ANIMA TUA ET / IN TOTA MENTI TUA ET PRO / XIMUM TUUM SICUT T[E]I[PSUM]

La estatua estaba destinada a decorar el interior de la Capilla de la Villa del Poggio Imperiale en Florencia. En una súplica enviada al Gran Duque en septiembre de 1820, el artista Lorenzo Bartolini escribió que acababa de definir la composición, a partir de tres figuras, pero que sería necesario esperar hasta mediados de 1822 para que el modelo en yeso estuviera terminado. Dos años más tarde Pietro Giordani en su artículo en "Antología" publicó un grabado de la obra alabando su composición. Sabemos, sin embargo, que todavía en 1835 el grupo terminado se encontraba todavía en el estudio de Bartolini: el gran duque Leopoldo II había ido allí para apreciar su calidad. A finales de la primavera de 1836 la obra de Bartolini fue llevada a Pitti, y colocada en la planta baja, en la llamada Sala de Audiencias Privadas, donde está presente desde junio de ese año, pero en 1853, tres años después de la muerte de Bartolini. autor, ya había planes para trasladarlo a la Galería Palatina. Aunque ya todo estaba preparado, por motivos indocumentados, el traslado no se produjo y la escultura permaneció en la planta baja unos años más. Sólo entre el 20 y el 22 de julio de 1861 la Caridad encontró su nueva ubicación dentro de la Sala dell'Iliad, donde aún reside hoy.

Se trata, para utilizar las palabras del propio autor, de una "escultura política". De hecho, ya en la década de 1830 comenzó a difundirse el sobrenombre de "educadora" para indicar el grupo de mármol. Esto se debe a que así lo definió Gabriele Pepe en su carta a Gino Capponi, y a que en el frontispicio de la revista "L'educatore" de Raffaello Lambruschini apareció un grabado tomado del grupo.

Además, la inclusión del niño tímido y obligado a estudiar por su madre, que también se ocupaba de la educación intelectual de su descendencia, renovó profundamente la iconografía tradicional de la Caridad. De hecho, pretendía aludir a la política lorena de su padre, atenta a las necesidades de sus súbditos, tanto materiales como espirituales. Bartolini también quiso subrayar los valores evangélicos de la caridad, como lo demuestra la inscripción en el pergamino sostenido en la mano del niño a la izquierda de la mujer: la enseñanza de la madre apuntaba al amor total a Dios.

En la composición se refleja una búsqueda asidua e intensa de lo natural, atenuada sólo por el apasionado estudio de ejemplares renacentistas, gracias a los cuales el escultor pudo crear una obra cuya elevación y severidad de los significados éticos expresados se fusionaban con la armonía compositiva.

Información de la web de la Gallerie degli Uffizi, fotografías de mi autoría.

[valgutierrez]

Semana 2

Dibujo expresivo

Lámina 1

Sentido: Vista

Por medio de las explosión de colores se busca una sensación llamativa.

Lámina 2:

Sentido: Olfato

La diferencia entre las formas y los colores busca representar los olores agradables y los no tan agradables.

Reflexión

Por medio de este ejercicio, se busca concretar las sensaciones y utilizar contraste para generar efectos visuales. Esto utilizado en la arquitectura, permite un detallamiento visual más minucioso en una estructura.

Referente

Shelley Klammer, terapeuta para personas creativas y educadora en la Asociación Internacional de Terapia de Artes Expresivas.

A través de sus dibujos expresivos, ella procura liberarse de las emociones negativas y ayuda a las mujeres a superar situaciones o aspectos que aún no han sanado en sus vidas.

Instagram

@valee_gutierrezs

@uveritascr

@asoarq

[callmeanxietygirl]

Primera Transmisión de TV a color…en México.

México, tiene, ha tenido y tendrá mentes brillantes, personas que rompen con barreras de diferente tipo, y que dejan su huella, en muchos casos, con ideas que persiguen mejorar la calidad de vida de los mexicanos, hoy nombramos a Guillermo González Camarena.

Guillermo González Camarena nace el 17 de febrero de 1917 en Guadalajara, se dice que desde pequeño se entretenía fabricando juguetes que se movían con electricidad, tanto que, con solo 7 años inventó una planta de luz y logró encender un foco para cada uno de sus hermanos, a los 8 años construye su primer radiotransmisor, a los 12 años su primer radio de aficionado… bueno pues que era genio.

Su famila tuvo que mudarse a la ciudad de México, algún momento de 1940, González Camarena hizo migas con Emilio Azcárraga Vidaurreta, comienza a trabajar en la XEW ahí se dan cuenta que algo sabía el chavo, lo nombraron jefe de operaciones de esa emisora y de la XEQ.

Logró el apoyo para fundar los Laboratorios GonCam, en donde mejora sus inventos con la intención de masificar la TV en México.

El 21 de enero de 1963, se realiza la transmisión de una serie de televisión llamada “Paraíso Infantil”, a través de la frecuencia XHGC del Canal 5 del Sistema de Telesistema Mexicano, siendo ésta la primera transmisión a color en México (Aunque, la primeritita trasmisión, fue en 1938, en su casa, en la colonia Juárez). Este canal había sido fundado por Camarena en 1952 en la Ciudad de México, con la noble intención de alfabetizar a la gente, es por esta idea, de que la televisión podía tener una utilidad educadora que, Camarena, solicitó la creación del canal 5, el cual era especialmente para niños, y, como se puede adivinar, las últimas letras de XHGC corresponden a sus apellidos González Camarena. Impulsó un proyecto junto con la Secretaría de Educación Pública (SEP) en que, a través de la TV a color, se impartirían clases, este proyecto, con el tiempo, se consolidaría como el Sistema de Educación de Telesecundaria.

Es cierto que la idea no fue, digamos, original, podemos mencionar algunos antecedentes; durante la II Guerra Mundial, John Baird, trabajó en una TV a color, para agosto de 1942, realizó la primera demostración pública de un tubo electrónico en color que llamó “Telechrome”.

#MemoriaPistola #guillermogonzalezcamarena #TVaColor #XHGC #Canal5 #genio #geniosmexico #df #inventor #arte #México #leyendas #ilustracion #PuebloBueno #mashup #illustration #historiademexico #historias #ilustraciones #personajes #personajeshistoricos #digitalillustration #illustrator #art #caricaturadigital #culturamexiana

[naran-blr]

Amanda Tröndle-Engel, Amanda Amiet (1861- 1956)  pintora suiza.

Nació y creció en Brunnmühle, cerca de Twann, en el lago Biel. Tras la temprana muerte de su padre, la familia se mudó a Aarau en 1871.

Gracias a su formación como profesora de dibujo con Johann Weissbrod, que trabajaba en la escuela profesional de Basilea, posteriormente pudo trabajar por cuenta propia y vivir de su trabajo artístico y educativo en Solothurn. Ella enseñó, entre otros al pintor Cuño Amiet (1868-1961).

En 1886 escribió un diario que proporciona información sobre su vida cotidiana como profesora de pintura y canto en Solothurn.

En 1885 se casó con el abogado Arnold Amiet, quien más tarde se convirtió en el juez principal de Solothurn. Él la animó a continuar sus estudios en París, donde socializó con sus amigos Franz Scherrer y Amadé de Besenval y estudió en la escuela de dibujo de Louise Thoret en Rue Madame, donde dos veces por semana Marcel Baschet de la Academia Julian iba a corregirla.

Después de la muerte de Arnold Amiet en 1900, la viuda dio lecciones privadas de pintura. También abrió una casa de huéspedes en su casa.

En 1904, viajó a Dachau para estudiar arte con Adolf Hölzel. Anteriormente había estudiado durante un tiempo en la academia femenina de la Asociación de Artistas de Munich, de la que se convirtió en miembro en noviembre de 1901, al mismo tiempo que su sobrina Martha Burkhardt. También asistió a la escuela privada de pintura de Simon Hollósy en Munich.

En 1906 se casó con el pintor, Oskar Tröndle de Möhlin, que era 22 años menor que ella, en Múnich. La pareja regresó a Solothurn en 1907, donde a partir de entonces desempeñaron un papel importante en la vida cultural. Amanda dirigió su propia escuela de pintura en Solothurn, la "Mooli", donde puso en práctica sus conocimientos teóricos.

Se dedicó a enseñar dibujo a los niños. Su material didáctico Agosto, ¡despierta! (1935) tuvo mucho éxito. El libro se basa en sus propias experiencias: Tröndle-Engel había enseñado en una clase de primaria urbana desde segundo hasta sexto grado para poner a prueba su teoría educativa en la práctica. A través de su labor pedagógica y periodística, se convirtió en una importante educadora artística y, en particular, en una pionera de las lecciones de dibujo moderno. Su impacto más allá de las fronteras suizas lo demuestra, entre otras cosas, la traducción al holandés de su obra principal.

También presentó sus propias obras, incluso en Nueva York.

Fue miembro de la sección GSMBA de Solothurn . Sus obras están, entre otros sitios, en el Museo de Arte de Solothurn y en el Museo de Arte de Olten.

Le ponemos cara.

[cleoenfaserum]

LA REPUBLICA DOMINICANA EN LA PINTURA: Celeste Woss y Gil (1891-1985) (1206)

Celeste Woss y Gil fue la primera mujer dominicana en convertirse en artista profesional. Su padre era Alejandro Woss y Gil, quien fue presidente de la República Dominicana, por lo que pasó sus primeros años de vida en el exilio en Francia y Cuba. Además de ser artista plástica y profesora, fue una activista feminista y formó parte del movimiento sufragista. Estudió y expuso en Nueva York en la década de 1920. Además, en 1942 participó en la fundación de la Escuela Nacional de Artes Visuales.

Autorretrato Foto

En el siguiente articulo, que reproduzco a continuación, es tan largo como sumamente interesante sobre la vida de Celeste y sus obras. Con el objeto de evitar que lo leyera, le he puesto voz al articulo y a la vez puedes seguir la lectura, si así lo desease. (Fuente original Celeste Woss y Gil (1891 - 1985)

1206-1 link https://ok.ru/video/8199940082227

1506-2 link https://youtu.be/rpIaWoBbekM

A continuación voy a reproducir una conversation con el robot AI Copiloto, cuya conversación considero relevante sobre Celeste Woss y Gil y reproduzco algunos de sus cuadros desnudos de mujeres.

Mi primera pregunta fue la siguiente: ¿Por qué Celeste se autorretrató con un cigarrillo en la boca?

Copiloto: El “Autorretrato con cigarrillo” de Celeste Woss y Gil es una obra significativa que refleja tanto su estilo artístico como su personalidad. En este autorretrato, la artista se representa a sí misma fumando un cigarrillo, lo cual puede simbolizar varios aspectos:

Rebeldía y Modernidad: En la época en que fue pintado (1930), las mujeres que fumaban eran vistas como rebeldes y modernas. El cigarrillo puede simbolizar su desafío a las normas sociales y su independencia.

Reflexión Personal: El acto de fumar también puede interpretarse como un momento de introspección y reflexión, sugiriendo una mirada profunda hacia su propio ser y su vida.

Estética y Composición: Desde un punto de vista estético, el cigarrillo añade un elemento de interés visual y dinamismo a la composición del retrato.

Le pregunte a la maquina: Me puedes dar una breve biografía y constando si estuvo casada, si tuvo hijos, en lo que he leído hasta ahora, no se hace referencia a este hecho, lo que me hace pensar que pudiera ser lesbiana, ¿Qué te parece?.

Celeste Woss y Gil fue una destacada pintora, educadora y activista feminista dominicana, nacida el 5 de mayo de 1891 en Santo Domingo y fallecida en 1985. Fue hija del expresidente dominicano Alejandro Woss y Gil y María Altagracia Ricart Pérez1. Su familia se exilió en Francia en 1903, donde Celeste pasó parte de su infancia antes de mudarse a Cuba y luego a Nueva York para continuar sus estudios artísticos.

Cuadro Panorama de Nueva York de Celeste Woss y Gil

Woss y Gil fue pionera en la representación del desnudo femenino en el arte dominicano y es conocida por sus retratos y escenas de mercados caribeños. En 1924, regresó a Santo Domingo y abrió una escuela de arte, siendo la primera mujer en el país en realizar una exposición individual. También fue una influyente educadora, formando a muchos artistas dominicanos prominentes.

En cuanto a su vida personal, no hay mucha información disponible sobre su estado civil o si tuvo hijos. No se ha documentado públicamente que estuviera casada o tuviera descendencia. Respecto a su orientación sexual, no hay registros claros o confirmaciones sobre si era lesbiana. La falta de información sobre su vida privada podría deberse a las normas sociales de su tiempo, que a menudo limitaban la visibilidad de las vidas personales de las mujeres, especialmente en temas relacionados con la orientación sexual.

Debo aclarar que posteriormente en mi investigación encontré el siguiente comentario:

Al establecerse definitivamente en el país, Celeste Woss y Gil realizó obras al natural: retratos y desnudos preferentemente femeninos. Ella había realizado en 1919 un elocuente retrato de mujer desnuda que, aparte de romper con el viejo canon idealizador del tratamiento, la ubica como precursora dominicana del tema asumido con visión moderna. Pero el enfoque reiterado con el tiempo en otros desnudos y en su predilección para captar muchachas jóvenes y mulatas, no sólo provoca la reacción de los moralistas, puritanos y racistas, sino también la sospecha de un encubierto lesbianismo, aunque la extremada protección que le dispensaba a su alumno Xavier Amiama también evidenciaba que estaba enamorada al menos platónicamente de él. En la década del 1930, ella contrajo matrimonio. Esta ruptura de la soltería la refiere la ficha de una obra suya que redacta su amiga Abigaíl Mejía para el Catálogo del Museo Nacional; ficha en la cual anota el apellido de esposo (Celeste Woss y Gil (1891 - 1985)

¿Cuáles on sus obras mas destacadas?

Copilot: Celeste Woss y Gil tiene varias obras destacadas que reflejan su talento y su enfoque en temas de identidad y feminidad. Estas obras no solo destacan por su calidad artística, sino también por su capacidad para transmitir emociones y explorar temas profundos. Algunas de sus pinturas más notables incluyen:

“Autorretrato” (1930): Un autorretrato que muestra su habilidad para capturar la esencia de su propia personalidad.

“Autorretrato fumando” (1930): Otro autorretrato en el que se representa fumando un cigarrillo, simbolizando rebeldía y modernidad.

“La madre” (1941): Una obra que destaca por su emotividad y profundidad.

“Retrato de mujer joven” (1930): Un retrato que muestra su destreza en la representación de figuras femeninas.

“Mujer en reposo” (1941): Una pintura que captura la serenidad y la introspección de una mujer descansando.

“Mercado” (1944): Una escena vibrante de un mercado caribeño, mostrando su habilidad para capturar la vida cotidiana.

“Desnudo femenino” (1945): Una de sus obras más conocidas, que refleja su enfoque pionero en la representación del desnudo femenino1.

Háblame de esta ultima obra Desnudo Femenino

Copilot

“Desnudo femenino” (1945) es una de las obras más emblemáticas de Celeste Woss y Gil. Esta pintura destaca por varias razones:

Técnica y Estilo: La obra muestra la maestría de Woss y Gil en el uso del color y la forma. Su técnica de pincelada y su atención al detalle resaltan la textura de la piel y la anatomía del cuerpo femenino, logrando una representación realista y a la vez poética.

Temática: En una época en la que el desnudo femenino era un tema controvertido, Woss y Gil abordó este tema con valentía y sensibilidad. La pintura no solo celebra la belleza del cuerpo femenino, sino que también desafía las normas sociales de su tiempo, promoviendo una visión más abierta y respetuosa de la feminidad.

Composición: La composición de la obra es equilibrada y armoniosa. La figura femenina está colocada de manera que atrae la mirada del espectador hacia el centro de la pintura, creando un punto focal que resalta la serenidad y la dignidad del sujeto.

Impacto Cultural: “Desnudo femenino” ha sido ampliamente reconocida como una obra pionera en el arte dominicano. Su enfoque en la representación del cuerpo femenino ha influido en generaciones de artistas y ha contribuido a una mayor aceptación y apreciación del desnudo en el arte caribeño.

Esta obra no solo es un testimonio del talento artístico de Celeste Woss y Gil, sino también de su compromiso con la exploración de temas profundos y significativos a través de su arte.

Concluyo este blog con la esperanza de haberle estimulado su curiosidad. Resumiendo, Celeste Woss y Gil fue una pionera en el arte dominicano, conocida por sus retratos y desnudos, y su trabajo a menudo exploraba temas de identidad y feminidad.

[geekpopnews]

Violeta Penna lança obra sobre a arte da dança

"Atlas de Gestualidades: Onde Está o Corpo Dançante?" é o novo lançamento de Violeta Penna, trazendo reflexões e práticas criativas que unem arte, educação e diversidade. 🌟 Uma obra para quem deseja criar de forma plural.💃

A Editora Curva inaugura o Selo Giro com o lançamento de “Atlas de Gestualidades: Onde Está o Corpo Dançante?“, de Violeta Penna. Autora, pesquisadora, diretora, dançarina, educadora e gestora cultural, Violeta então explora movimentos, gestos e propõe assim exercícios criativos para o desenvolvimento artístico e pedagógico. Violeta comenta a obra: “O livro é resultado da minha pesquisa de…

[drikariu]

Exposição Matriz, 2019.

Exposição coletiva

Essa foi a primeira chamada aberta que fui selecionada e, com certeza, um momento importante na minha carreira. Foi a minha primeira vez também expondo em uma instituição museal, minha primeira experiência em uma "residência artística". Poder trabalhar com a minha filha comigo, fez toda diferença.

~

"[...] Além das obras de Clarice, a mostra inclui dez trabalhos de artistas mulheres, em sua maioria mães, que foram selecionadas em chamamento público, e participaram de um ateliê de 120 horas, coordenado por Clarice.

O ateliê tinha brinquedoteca e arte-educadoras para que as mulheres, que receberam ajuda de custo, 'pudessem deixar as crianças a fim de produzir artisticamente e ao mesmo tempo poder falar, num espaço de acolhimento, da maternidade e do lugar da mulher', afirma a artista.

'As telas figurativas repercutem temas como trabalho doméstico, a letargia e a perturbação pela privação do sono, o corpo dessexualizado e as obrigações de prover outro ser', afirma Cinara Barbosa, do Departamento de Artes Visuais da UnB, que fez um trabalho de curadoria no ateliê de Clarice."

Artistas participantes:

Adriane Kariú Aila Beatriz Angélica Nunes Bárbara Moreira Camila Melo Carolina de Souza Débora Mazloum Marta Mencarini Raissa Miah Tatiana Reis

Curadoria/Coordenação: Clarice Gonçalves e Cinara Barbosa fonte: https://g1.globo.com/df/distrito-federal/o-que-fazer-no-distrito-federal/noticia/2019/10/08/clarice-goncalves-e-mais-dez-mulheres-trazem-desafios-da-maternidade-na-mostra-matriz-entrada-gratuita.ghtml

[vitrinanorte]

Diplomado Microcuradurías finaliza exitosa segunda edición

La segunda versión del diplomado Microcuradurías, organizado por la Corporación Cultural SACO, culminó con 11 nuevos curadores latinoamericanos, luego de un proceso de co-construcción de aprendizaje junto a una veintena de docentes de diversas áreas del conocimiento.

Tras siete meses de clases virtuales y módulos presenciales intensivos, el 18 de octubre se dio cierre al diplomado, que forma parte de la programación de SACO, presentada por Escondida | BHP y financiada por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, PAOCC, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

A la ceremonia de finalización asistieron los 11 estudiantes que culminaron de manera exitosa el proceso. Días previos a la entrega de diplomas, los participantes provenientes de Brasil, Perú, Argentina y diversas ciudades de Chile participaron del módulo final del diplomado, que incluyó clases teórico-prácticas dictadas por la artista, curadora, investigadora y educadora brasileña, Yana Tamayo y la doctora en artes, actriz y directora del colectivo artístico El cuerpo habla de Colombia, Ángela Chaverra; además de la presentación de sus proyectos finales y la preparación de la acción performática colectiva que se desarrolló en el Parque Ecorayen.

Los estudiantes ya habían compartido de manera presencial en julio, durante el módulo intensivo realizado en el observatorio Paniri Caur, ubicado en la localidad de Chiu Chiu, donde ejecutaron una acción efímera guiada por los docentes Julio Escobar, Romina Yere y Rodrigo Gómez Rovira. Esta semana de trabajo dio vida a la exposición virtual ¿Cuándo una fotografía pierde la memoria?, muestra que reúne una selección de fotografías capturadas en el taller La imagen tangible, dictado por el fotógrafo Rodrigo Gómez Rovira.

Sobre el diplomado, la directora de SACO, Dagmara Wyskiel, destaca que es “una alternativa concreta a los sistemas de la educación de arte con estructuras añejas y centralizadas, ese el objetivo de este diplomado. Estamos felices que hoy parte a ejercer esta difícil labor una nueva generación, muy comprometida con sus territorios y temáticas locales. Cada uno de ellos es un grano de arena para impregnar el arte en la vida, en su rincón en Latinoamérica”.

“Contar con estudiantes de otros países es altamente gratificante ya que demuestra la importancia de SACO para fortalecer el arte sin fronteras ni sesgos, dando cabida a la concientización, educación y creación desde investigaciones transdisciplinarias y a la transformación social que van desde el desierto de Atacama hasta los territorios que habitamos. Agradezco a los maestros por cada clase, ya que son conocimientos que perdurarán en el tiempo. No es fácil enseñar arte, pero la misión está cumplida”, fueron las reflexiones de Pedro Clavería, estudiante que estuvo a cargo del discurso final en representación de sus compañeros de generación.

De esta manera culminó este programa de especialización, enfocado en el entendimiento y práctica de la curaduría de arte contemporáneo, cuyo objetivo es transformar al Desierto de Atacama en un polo internacional y punto de encuentro, en línea con los objetivos de SACO de generar espacios propicios para incentivar el pensamiento crítico, apostando por la descentralización y deselitización de la práctica curatorial.

Bienal SACO, presentada por Escondida | BHP y financiada por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras PAOCC del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

[cubojorbr]

Diana Mattos recebe menção honrosa no Festival do Rio por 'Betânia'

Na noite de premiação do 26º Festival do Rio, ocorrida no último domingo (13), a atriz maranhense Diana Mattos foi agraciada com uma Menção Honrosa por sua atuação no longa “Betânia”. Ela vive a personagem-título do filme escrito e dirigido por Marcelo Botta, que fez sua estreia carioca dentro da mostra Première Brasil. Atriz, cantora, arte educadora e pedagoga, Diana também foi indicada este…

[mastermaverick]

Exposição Hiper-realismo no Brasil abre inscrições para oficina “Quer ver meu retrato?” nesta segunda-feira (9)

As inscrições para a oficina serão abertas no dia 9 de setembro e poderão ser realizadas através do site da Caixa Cultural Fortaleza. Em cartaz na Caixa Cultural Fortaleza desde julho de 2024, a exposição Hiper-realismo no Brasil convidou a artista visual e arte-educadora Ivânia Maia para ministrar a oficina “Quer ver meu retrato?”. Este evento, que promete ser uma experiência imersiva e…

[desopilar1234]

☝️🧚É a experiência o que transforma.

Não romantizo Psicopatologias.

E a realidade dos fatos.

Pois uma vez que esquecemos o " racional' já não lidamos coma verdade da vida no cárcere( mental ou físico)

.

.

A realidade é dura , e não poucas vezes,cruel.

Pudera algumas pessoas se permitirem adentrarem nesses recintos, que nos chocam,mas nos chamam para a realidade.

.

.

O distanciamento e desligamento emocional é necessário , por questões de saúde mental e segurança.

Aprendi a fazer meu trabalho, sem me importar com as criticas em relação a minha firmeza.

E sobre quem ou quantos parariam de me cumprimentar ou falar comigo.

Isso sempre foi o de menos.

Não tenho carências desse porte.

Faço o preciso fazer , dentro dos propósitos que me propus, a luz da guisa de minhas profissões( Psicológa/Arte Educadora e etc).

.

.

Seria muito bom se os neofitos ou curiosos( que mal sabem guiar o rumo de suas próprias vidas) Passassem um tempo nos presídios ou hospitais psiquiátricos, e veriam como os profissionais de saúde e do sistema de Reabilitação de modo geral, são expostos diariamente a muitos perigos de vida, mas permanecem ali, firmes no propósito,e acreditando de fato que fazem a diferença.

.

.

E se minhas palavras não ferem a minha consciência, vou continuar a dizê-las.

Pois se não posso dizer o que penso

Por medo do que vão pensa-lo

Ao invés de liberdade

Prego a escravidão.

.

.

Não estou aqui para agradar.

Tampouco amansar-lhes o ego.

Pois tenho certeza que muito de consoladoras Elas são também.

E de nada vale dizer

Que precisamos de filtro

Pois os que querem que coloquemos

São algemas.

Mas veja aonde está a insanidade aí?

Que as algemas sejam colocadas

Em que prática os crimes

E não em quem os sofrem

Ou estariam pensando alguns de vocês

Que não existe barbárie, crime e injustiça?

Existe sim, o mundo não é uma variável controlável

Mas um grande laboratório também.

Não me preocupo com quem não tem filtro( pois muitos estão presos em cárceres mentais) me preocupo com os que simulam bondade,mas em seus corações estão repletos de más intenções ( ciúmes,inveja, cobiça e por aí vai)

Esses sim, tem uma frequência infernal.

Esses☝️

Quem olha apenas para o Micro( ainda sonha)

Que olha para o Macro( todo)

Acorda!

E lembrem-se quanto mais você tiver conhecimento de que suas emanações mentais ,frequência baixa, prejudicam alguem.

E pior ,está inserido(a) em alguma religião.

A conta chega mais alto,lógico!

E quando se fala

.

.

" Nada é por acaso"

.

☝️✅️Traduz-se assim

Nenhuma história chega a você por acaso ☝️

.

.

✅️Agora, a escolha é sua

De que forma vai contribuir

Com boas ou más emanações.

Pois a Lei do Retorno é infálivel.

Colherás o que tiveres plantado

Alguns, nessa vida

Precisam inspirar as pessoas

E não desmotivá-las.☝️🧚

( Hellen Rose,2024)

[she-rocha]

Ensinar não é transmitir, é provocar experiências

Segundo Ana Mae Barbosa, arte educadora e autora da abordagem triangular, a defesa pelo conhecimento histórico denota outra preocupação, a de promover o sentido de pertencimento a uma história, a uma cultura, a uma comunidade. Ana Mae Barbosa enxergou nas artes muito além da estética, a criatividade ou seu potencial crítico e transformador. Viu nela a oportunidade de aprender e educar. Ela…

[schoje]

Já está disponível na Galeria Virtual da Assembleia Legislativa, que pode ser acessada pelo site da Alesc, a exposição “Rosina de Franceschi: Um Percurso de 40 Anos”, que apresenta obras de diferentes fases da artista, que costuma utilizar as técnicas de acrílica sobre tela, lona e Eucatex, que passeiam entre o abstrato e o figurativo, desnudando a condição humana. Como o acesso ao Palácio Barriga-Verde está restrito devido à pandemia da Covid-19, esta é mais uma ferramenta para manter a Alesc próxima da comunidade e mais uma forma de conexão com a cultura catarinense. A exposição ficará disponível até o dia 6 de junho.  A trajetória da artista plástica inclui mais de 300 exposições em importantes acervos, museus e instituições no Brasil e no Exterior. O conteúdo das obras seja na forma, na cor ou nos textos que por vezes cruzam sua pintura, representa o ser humano, especialmente o entorno feminino que ora conta história, ora faz parte do cenário, muitas vezes em tal abstração de forma que muito sutilmente marca presença. Outra característica na questão da forma são as figuras, cujos rostos, quando aparecem, tanto podem ser femininos quanto masculinos, uma vez que este tema envolvendo questões de gênero é outro ponto de pesquisa da artista. Suas pinturas dão visibilidade e protagonismo às mulheres. Histórico Mestre em Educação, artista plástica visual e arte-educadora, Rosina de Franceschi é natural de Concórdia. A artista, que pintava desde a infância, chegou a Blumenau em janeiro de 1979 com o objetivo de cursar faculdade de Artes. Em sua trajetória como artista plástica foram cerca de 300 exposições, entre coletivas, individuais, leilões e salões de arte em Santa Catarina, São Paulo, Rio de Janeiro, além de países como Argentina, Uruguai, Japão, Londres, Itália e Irlanda. Rosina também atuou como professora de Artes nas redes pública e particular de ensino e no curso de Artes Visuais da Furb. Foi a primeira coordenadora dos cursos de Artes da Uniasselvi/Avantis, de Balneário Camboriú. Nos últimos anos tem se dedicado à pintura, instalações e outros trabalhos de arte contemporânea, além de ministrar oficinas de Artes Visuais e Arteterapia em sua casa-ateliê.Fonte: Agência ALESC

[nonsensemarcos]

VOX

Sonhei com a chapa esquentando. Depois do aeródromo, vire à direita, lá esculpiram um delfim, sim, a intruzão dos pensamentos obsessivos me convulsiona a te escrever um sopro ébrio da postulação. Único palestrante sóbrio de um país inteiro. Algazarras intermináveis no parquinho de coleção dos storytellers desde a infância. Batizei de Sinhá Arte Educadora. Trança era França. Ou exatamente o contrário. Ninguém liga mái bróder. Morreremos os dois abraçados, reflexivos, fazendo piada com os quitutes de poesia involuntária de algum, sei lá, algum apenas. Sonhei com o caldo entornando. Duas manobras na manivela, aquele jeitinho santo de brasileiro encarnado na meditação da gentiboíce. Nunca tentei ser do time certo, era basquete que chamavam né. As quadras que ficavam ali perto do Estádio Olimpíco. Tem essa fonte obsessiva em repetir do passado, pegando pelos pés, levantando pra ver o sexo do interior, perscrutando algum gênero. Obsessivos por natureza mas sem a calefação, sem a marca da maldade (citação) freak dos impolutos da Rua do Lavradio. Médio-Bosque, umas intuitividades absolutamente desnecessárias, igual o kung-fu no cinema. Há quem goste de exercitar esse lasso sacana, essa sofreguidão, no escuro, a tela grande iluminada, quando ainda éramos tolerados enquanto fumantes nas cadeiras sobressalentes do térreo. Só tava passando porcaria, Twisters às nove e meia ou algo assim. Perdi. Fetiche de intelequitual metido a besta, mas o exato oposto, a gola-pólo, um dicionário de certezas, um palavrório desnecessário, e se rolasse um SILÊNCIO obrigatório abrupto? Sério, sem aliteração, só ajuizamento mesmo. Uma coisa de país comunista que você abomina. Eu também, somos dois, que tal, há! Mas essa coisa de simplesmente nacionalizar, saca? Meter um Mac ali e pronto, na língua redonda dos parnasianismos reflexivos. Uma estação de comprinhas no Inferno da sagacidade. Deslumbre, derrame, diatribes. O fato é que não me passavam a bola, não me davam a oportunidade de exercer meu lado Os Idiotas do Lars Von Trier. A vida é Dogma 95, pode ser noventa e seis, e acho que durou muito até quase a virada do milênio. O Apagão que não veio. Os dois ali, omitidos, carburando um treco. Sei lá o que era aquele negócio fumado. Umas ervas, coisa de raizeiro desaparecido da W3. Lembranças ao tiozinho de Pontalina que ficou falando palavras soltas no ponto de ônibus. Sim, uma duas várias rodoviárias depois. Nos trancamos no quarto de hotel e batemos fotos, as chapas do pulmão ficariam prontas dali a uma serena semana na Vila dos Vulva Operárias. Karma Police. Se ligando na pontuação mas por favor sem fazer qualquer referência aos ditames da cultura pop. Tão abrasiva, tão desconfortável e própria ideia de um escaninho que contenha sua senha de identificação irremédiável, a data do seu nascimento, um creditcard de franquia de locadora. Seja bem-vindo ao clube, agora siga o itinerário, as multi-referências, a hiperconectividade, a pressa, a predileção pelo cartum enquanto sei lá, não sou das raias acadêmicas do entendimento tentantiva de PLENO campo-de-jogo. E aí aparece um fantasma de um sujeito que passou meio batido ou um daqueles que a gente se esforça bastante pra nunca mais encontrar de novo. Possivelmente o Martim Cererê era o cenário e aquilo tudo era uma gigantesca performance de Terapia, sem que nenhum participante viesse algum dia a ser confrontado com esse fato. Ervas daninhas . . .

[naran-blr]

Henriette Amiard Oberteuffer (1877- 1962) pintora, muralista, grabadora y educadora estadounidense nacida en Francia.

Nació en Le Havre, Francia, hija de Charles Etienne Amiard y Victorine Alexandrine Daquet. Su padre era un comerciante de carbón y artista aficionado.

Estudió con Jean-Joseph Benjamin-Constant y Jean-Paul Laurens en la Académie Julian de París.

Expuso en el Salón de Otoño y en el Salón de los Independientes.

En la Académie conoció al artista estadounidense George Oberteuffer y se casaron en 1905. Su hijo fue el pintor Karl Oberteuffer. Los Oberteuffer se mudaron a los Estados Unidos en 1919.

En 1922, se mudaron a Milwaukee, Wisconsin, donde George Oberteuffer trabajó como profesor de arte y ambos Oberteuffer dirigieron una escuela de arte de verano en Cedarburg, Wisconsin.

Ambos expusieron a nivel regional y ambos ganaron el prestigioso Premio Logan del Instituto de Arte de Chicago, George en 1926 por un retrato de Henriette y Henriette en 1927 por El vestido amarillo.

En la década de 1930, ambos enseñaron arte en Memphis, Tennessee, primero en la Academia Lee, luego en la Academia de Artes de Memphis.

Henriette ganó un concurso para crear un mural de la Works Progress Administration en la Oficina de Correos y Tribunales de los Estados Unidos en Vicksburg, Mississippi. El mural se instaló en 1939.

La obra de Henriette se encuentra en las colecciones del Instituto de Arte de Chicago, la Colección Phillips, y el Instituto de Arte de Minneapolis.

Murió en Massachusetts.

Le ponemos cara.