#arte contemporanea

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JENNY HOLZER, Protect Me From What I Want, 1986

[danielgianfranceschi]

Museo MAXXI, Roma, Zaha Hadid

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'Where will it end?'

By Casper Tricoteux, Nov 25 2024

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SENSI DELL'ARTE - di Gianpiero Menniti

LO STILE DI UN 'VAN GOGH' SPENTO

Il soggetto della tela non è originale: "La ronda dei carcerati" (1890) è ripreso con pedissequa ri-presentazione da un'incisione di Gustave Doré, "Newgate: The Exercise Yard" che risaliva al 1872.

Dunque, un van Gogh inedito: tiene in esercizio il proprio talento artistico ma solo per la qualità tecnica.

Non è creativo.

Allora, quale giudizio si può attribuire a un'opera che manchi di espressione?

Nessuno.

Ma è davvero così?

Davvero questa tela si può considerare priva di valore perchè la scena è la riproposizione di un atto artistico già esistente e originale?

Se si trattasse di un testo scritto, riproporlo sarebbe un plagio privo di contenuto.

Ma per un dipinto l'affermazione non regge: esiste qualcosa che lo caratterizza e lo differenzia.

Si tratta dello "stile".

Una traccia indelebile, un solco: come nel caso dello "stilo", lo strumento utilizzato per scrivere sulle tavolette di cera nell'antichità.

Stile: termine che deriva, paradossalmente, dalla già richiamata similitudine con i segni grafici, la calligrafia, l'ortografia.

Lo stile non racconta ma desta un sentimento indecifrabile che attrae o respinge.

È dunque, riflettendo bene, un modo d'espressione pieno, che caratterizza, che definisce un'identità, che provoca un illusorio, intenso, frenetico moto alla ricerca di parole descrittive, difficili, talvolta impossibili da trovare: così come lo stile non racconta, allo stesso modo non si può narrare, non si può indicare fino in fondo nelle sue caratteristiche.

Ma c'è.

S'impone alla vista e provoca lo spalancarsi di un abisso: manca la parola, domina il silenzio.

Infine, si afferma un principio inatteso: l'arte è un apparire dell'insostenibile gravame costituito dalle immagini mentali di un essere umano.

Così, mentre la penna tenta una descrizione, il pennello scorre attingendo a flussi caotici incessanti di sguardi interrotti.

Fino a quando la penna, esausta, si arresta mentre la mano del pittore rimane viva nel desiderio di lasciare sulla riva quel mare di figure e di scenari per abbandonarsi alla purezza di un'intonazione muta capace di rifondare l'atto creativo esclusivamente nello stile, inimitabile e per questo originale e a suo modo immutabile.

Ecco la ragione per la quale si ammira un'opera come questa di van Gogh: non si viene attratti dal contenuto ma solo dal riconoscere la mano dell'artista.

Forse, il complimento migliore che si possa attribuire a un'anima creativa.

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Diego Dedablio

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Sorellanza - Dedicated to my sister

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FORMA UNICA DE EXPRESSÃO

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Abisso

Carboncino su carta

In vendita

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ANDY GOLDSWORTHY, Ice Star, 1987

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Francesco Mecarelli Tela n 1 2015 Olio su tela, legno, cotone 80 x 120

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'The passion of lovers is for death'

By Casper Tricoteux, August 11 2024

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Fluid art. "Mare onirico" acrylic on canvan 100x100 cm

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SENSI DELL'ARTE - di Gianpiero Menniti

LA PUREZZA DELL'IMPOSSIBILE

Helen Frankenthaler (1928 - 2011) è stata un'artista peculiare nella New York del secondo dopoguerra, la "grande mela" divenuta centro vitale della produzione artistica occidentale.

Nella congerie dell'espressionismo astratto, da Pollock a Rothko, da De Kooning a Sterne, da Newmann a Motherwell (con il quale fu sposata dal 1958 al 1971), la pittrice trovò ispirazione ma aprì un varco diretto verso una strada ulteriore e feconda: il "Color Field", la campitura vasta di campi di colore dotati di una dimensione segnica limitata al significante e dunque lacunosa di significato.

Dal "dripping" di Pollock al “soak-stain” che conferiva alle sue espressioni pittoriche la consistenza visiva dell'acquerello.

In sostanza, l'artista s'immerse nella corrente di ricerca sul colore che dagli anni '50 corse lungo due filoni: come contrasto e armonia o nella direzione della monocromia ispirata dal suprematista russo Malevič e proseguita dal francese Kline.

Ma Frankenthaler rimase coerente con l'intuizione iniziale, esplorandola fino alle sue vaste possibilità, nel tentativo di trarre dall'astrazione un'impressione di natura: "Montagne e mare" del 1952, conservato nella Galleria nazionale d'arte a Washington, è considerato una pietra miliare nella storia dell'arte contemporanea, paesaggio strappato da una potente sensibilità visiva all'atto di coscienza.

Infine sublimato in fenomeno creativo capace d'imprimere sulla tela la suggestione organica e fluttuante del vivente.

Se nel commento all'opera Morris Louis la descrisse come «un ponte tra Pollock e ciò che era possibile», in realtà ad emergere è l'avventurosa ricerca di purezza nell'immagine impossibile.

L'immagine di emozioni sedimentate nell'abisso delle percezioni.

Che delle emozioni fa muto linguaggio lirico.

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Diego Dedablio