#arte expresionista

[fredy-holzer]

fredy-holzer #fredyholzer por fredy holzer Por Flickr:

[arteyalgomasblog]

#TalDiaComoHoy Oskar Kokoschka, #pintor y #poeta austríaco, fallecía en la ciudad de Suiza donde huyó después de que los nazis le catalogaran de artista degenerado. Se le considera #expresionista aunque no se sintió nunca encasillado en un movimiento concreto. 🖼️ La novia del viento. 🖼️ Dresden Neustadt. 🖼️ Retrato de Adolf Loos. 🖼️ Autoretrato Oskar Kokoschka #viralizArte #artist #artistofinstagram #painting #oilpainting #instaart #art #artoftheday #dailyart #arte #creative #inspiration #artwork #museum #retrato #arthistory #artgallery #artgalleryonline #beautiful #DayArt #Hoy https://www.instagram.com/p/Co-dlZtrLjR/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[suenosyfantasmas]

"Pintar es una forma de oración al mismo tiempo que de grito...."

Oswaldo Guayasamín.

Arte: Oswaldo Guayasamín.

Ecuador, (1919) - Estados Unidos, (1999). Importante pintor y escultor latinoamericano.

Movimiento: indigenista, expresionista.

[eddy25960]

“El arte no puede ser moderno. El arte es primordialmente eterno".

-Egon Schiele

Egon Leo Adolf Schiele, más conocido como Egon Schiele (Tulln an der Donau, Austria, 12 de junio de 1890-Viena, Austria, 31 de octubre de 1918), fue un pintor y grabador austriaco contemporáneo y discípulo de Gustav Klimt. Fue, junto a Oskar Kokoschka, el mayor representante del expresionismo austriaco. En su corta pero agitada vida produjo 340 pinturas y alrededor de 2800 dibujos.

Su vida estuvo rodeada por un aura de misticismo y de talento muy precoz. Entre su obra creativa figuran poemas y experimentos fotográficos. Su particular estilo lo situó entre los movimientos expresionistas, especialmente de la Secesión de Viena, con una tipología muy personal.

Las principales obras de Egon Schiele se conservan en Viena, distribuidas entre la Österreichische Galerie Belvedere y el Leopold Museum inaugurado en el año 2001 que es el que conserva el mayor número de obras. Asimismo, la mayoría de su gran colección de dibujos se encuentra en la Albertina, también en Viena.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad, que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utilizaba una línea cortante e incisiva para expresar su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano. El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Su interés por el cuerpo es un hecho artístico, que pretende dar a conocer la parte fuerte y sensual de uno de los artistas más importantes del expresionismo. Schiele estuvo influenciado fuertemente en sus comienzos por Gustav Klimt pero, hacia 1910, su pintura se convirtió en un viaje de introspección psicológica.

[lapetitemortarts]

Lovis Corinth (1858-1925) - Nana, female nude

En esta pintura, se muestra a una mujer desnuda sentada en una pose relajada y sensual. La figura femenina está ligeramente inclinada hacia un lado, con sus brazos cruzados sobre su regazo, lo que acentúa las curvas de su cuerpo y le da un aire de intimidad y vulnerabilidad. Su rostro, ligeramente inclinado hacia atrás y con los ojos medio cerrados, transmite una mezcla de abandono y placer.

El fondo de la obra es una mezcla de colores oscuros y tonos tierra, con pinceladas gruesas y expresivas que son características del estilo impresionista y expresionista de Corinth. Estas pinceladas crean un contraste dinámico con la suavidad y luminosidad de la piel de la mujer, atrayendo la atención del espectador hacia el centro de la composición.

La iluminación en la escena es cálida y parece provenir de una fuente lateral, que resalta los volúmenes y la textura de la piel de la modelo. La luz y las sombras están hábilmente manejadas para dar profundidad y realismo a la figura, a la vez que mantienen un sentido de movimiento y vitalidad.

El uso del color en la piel de la mujer es notable, con matices rosados y dorados que sugieren una vitalidad y calidez subyacente. La postura de la figura y su expresión facial añaden un elemento de narración, sugiriendo un momento de introspección o de conexión emocional.

En conjunto, "Nana-Female Nude" es una obra que destaca por su combinación de técnica magistral y capacidad para capturar un momento de intimidad y emoción. Lovis Corinth, a través de su uso del color, la luz y la composición, logra crear una imagen poderosa y evocadora que sigue resonando con los espectadores.

.........................

In this painting, a nude woman is shown seated in a relaxed and sensual pose. The female figure is slightly leaning to one side, with her arms crossed on her lap, which accentuates the curves of her body and gives her an air of intimacy and vulnerability. Her face, slightly tilted back and with her eyes half closed, conveys a mixture of abandonment and pleasure.

The background of the work is a mixture of dark colors and earth tones, with thick, expressive brushstrokes that are characteristic of Corinth's impressionistic and expressionistic style. These brushstrokes create a dynamic contrast with the softness and luminosity of the woman's skin, drawing the viewer's attention to the center of the composition.

The lighting in the scene is warm and seems to come from a side source, which highlights the volumes and texture of the model's skin. The light and shadows are skillfully handled to give depth and realism to the figure, while maintaining a sense of movement and vitality.

The use of color on the woman's skin is remarkable, with pink and gold hues suggesting an underlying vitality and warmth. The figure's posture and facial expression add an element of narrative, suggesting a moment of introspection or emotional connection.

Overall, "Nana-Female Nude" is a work that stands out for its combination of masterful technique and ability to capture a moment of intimacy and emotion. Lovis Corinth, through her use of color, light and composition, manages to create a powerful and evocative image that continues to resonate with viewers.

.............................

Lovis Corinth (1858-1925). Autorretrato con la espalda desnuda, 1903. Kunsthaus Zürich

Lovis Corinth (1858-1925) fue un destacado pintor y grabador alemán, conocido por su transición del realismo académico al impresionismo y expresionismo. Nacido como Franz Heinrich Louis Corinth en Tapiau, Prusia Oriental (ahora Gvardeysk, Rusia), estudió en la Academia de Bellas Artes de Königsberg y luego en la Academia de Bellas Artes de Múnich, una de las instituciones más importantes de Alemania en ese momento.

A lo largo de su carrera, Corinth experimentó con varios estilos y técnicas, comenzando con un enfoque realista y académico antes de adoptar gradualmente elementos del impresionismo y el expresionismo. Sus primeras obras se caracterizan por una meticulosa atención al detalle y una paleta de colores restringida, mientras que sus trabajos posteriores muestran una mayor libertad en el uso del color y la pincelada, así como una mayor expresividad emocional.

En 1900, se trasladó a Berlín, donde se unió a la Secesión de Berlín, un grupo de artistas que buscaban romper con las convenciones artísticas tradicionales. Durante su tiempo en Berlín, Corinth desarrolló un estilo más libre y expresivo, influenciado por su contacto con otros artistas contemporáneos y por los movimientos artísticos emergentes de la época.

En 1911, sufrió un derrame cerebral que afectó su capacidad para pintar, pero se recuperó parcialmente y continuó trabajando con una energía renovada. Sus obras posteriores son algunas de las más poderosas y emotivas de su carrera, caracterizadas por una intensidad emocional y un uso audaz del color y la forma.

Lovis Corinth es conocido por sus retratos, paisajes, escenas de la vida cotidiana y desnudos, como "Nana-Female Nude". Su obra refleja una profunda comprensión de la condición humana y una habilidad excepcional para capturar tanto la apariencia física como la esencia emocional de sus sujetos.

Corinth dejó un legado duradero en el arte moderno, siendo una figura clave en la transición hacia el arte del siglo XX. Su capacidad para combinar técnicas tradicionales con una visión moderna y expresiva lo convierte en uno de los artistas más influyentes de su tiempo.

......................................

Lovis Corinth (1858-1925) was a prominent German painter and printmaker, known for his transition from academic realism to impressionism and expressionism. Born Franz Heinrich Louis Corinth in Tapiau, East Prussia (now Gvardeysk, Russia), he studied at the Academy of Fine Arts in Königsberg and later at the Academy of Fine Arts in Munich, one of the most important institutions in Germany at the time.

Throughout his career, Corinth experimented with various styles and techniques, beginning with a realist and academic approach before gradually adopting elements of impressionism and expressionism. His early works are characterized by meticulous attention to detail and a restricted color palette, while his later works show greater freedom in the use of color and brushwork, as well as greater emotional expressiveness.

In 1900, he moved to Berlin, where he joined the Berlin Secession, a group of artists who sought to break with traditional artistic conventions. During his time in Berlin, Corinth developed a freer and more expressive style, influenced by his contact with other contemporary artists and the emerging art movements of the time.

In 1911, he suffered a stroke that affected his ability to paint, but he partially recovered and continued to work with renewed energy. His later works are some of the most powerful and emotive of his career, characterized by an emotional intensity and a bold use of color and form.

Lovis Corinth is known for his portraits, landscapes, scenes of everyday life and nudes, such as "Nana-Female Nude." His work reflects a deep understanding of the human condition and an exceptional ability to capture both the physical appearance and emotional essence of his subjects.

Corinth left a lasting legacy in modern art, being a key figure in the transition to 20th century art. His ability to combine traditional techniques with a modern, expressive vision made him one of the most influential artists of his time.

[almasmoons]

Movimientos del arte contempoáreo: Hiperrealismo

También conocido como Fotorrealismo, nuevo realismo, verismo o superrealismo, es un estilo artístivo que busca lograr el mismo nivel de detally y realismo que una fotografía.

Squid, Alyssa Monks, 2012

Como movimiento, el hiperrealismo tuvo sus inicios a finales de la década de los 60 y alcanzó su punto más alto en los Estados Unidos durante la década de los 70. Inició como la antítesis directa del destacado movimiento expresionista abstracto que durante varios años había dominado la escena artística en Estados Unidos.

El término fue acuñado por artistas que proyectaban fotografías en sus lienzos para reflejar con precisión todos los pequeños detalles. Las obras de arte fotorrealistas a menudo se centran en lugares u objetos banales o mundanos. Los primeros artistas del fotorrealismo utilizaron a menudo la aerografía, aunque también se utilizan otros métodos.

Los fotorrealistas desafiaron la noción arraigada durante mucho tiempo de que el uso de la fotografía en las obras de arte era una “trampa” e insistieron en que no había ningún comentario social inherente, sátira o significado más profundo en sus obras de arte más allá de la simple cuestión de la estética y la habilidad artística.

En la actualidad, el fotorrealismo no se limita únicamente a fotografías o pinturas, con el auge del modelado en 3D y la renderización, este estilo se ha ido incursionando en películas animadas y videojuegos. El aumento de la tecnología ha facilidado la exploración y avance de la técnica hiperrealista.

Salvaje Y Errante, Pablo Cadden, 2018

Características del arte hiperrealista:

Detalle llevado el extremo: al final, hiperrealismo. Los artistas se enfocan en capturar cada textura, mancha y reflejo con precisión meticulosa, a veces hasta exagerando el nivel de detalle de las obras.

Alta precisión: se utilizan técnicas como la cuadrícula, proyecciones o medidas específicas para asegurarse que las proporciones, formas y detalles estén a la par de la referencia original.

Uso de la fotografía: Es lo que separa al hiperrealismo de otros movimientos realistas, la dependencia hacia una o más fotografías de alta calidad para presentar un trabajo terminado.

Ausencia de pinceladas: Al contrario de otros movimientos, las pinceladas visibles no se celebran en el hiperrealismo, siendo entonces una necesidad que se elimine cualquier evidencia discernible de la mano del artista.

Gran escala: para darle mayor énfasis al nivel extremo de detalle, la gran mayoría de artistas de este movimiento hacen sus obras en lienzos de escalas enormes.

Reflejos y texturas: no es extraño ver elementos como el plástico, metales, vapor, líquidos o humo dentro de una obra hiperrealista, puesto que las texturas proveen al artista de una forma de demostrar su técnica.

Obras y Artistas del hiperrealismo

Gráficos hiperrealistas creados en Unreal engine 4

Dripping II, Lauren Cena, 2009

Hospital, Gina Heyer

[green-pen]

Expresionismo en latinoamerica

El expresionismo llega a Latinoamérica para asimilarse en las artes y resaltar el sentimiento nacionalista e indígena del sur del continente americano.

Siguiendo la línea de investigación de la vanguardia expresada en las artes plásticas, en una pequeña vista a la pintura latinoamericana se evidencia la existencia de esta vanguardia para crear un expresionismo propio, en contenido estético e intelectual; un expresionismo latinoamericano.

Esta vanguardia se adapta al contexto social e histórico del continente desde lo general a lo individual de cada nación; se crea un colectivo de colores vivos, paisajes rurales, el color de las pieles se oscurece y las facciones cambian.

Una expresión del discurso americano que se aleja de Europa y resalta las consecuencias de las acciones de las personas blancas denunciando sus acciones: dictaduras que se hacen presente en todo el Sur continental, la lucha por la integración de Latinoamérica en asuntos internacionales, agresiones de potencias con los pequeños países latinos. Una lucha por la paz usando los pinceles y pigmentos como armas.

Existen diversos artistas que fueron parte de este movimiento, hombres y mujeres de diversas culturas que compartían el sentimiento del nuevo discurso expresionista americano.

Oswaldo Guayasamín (1919-1999)

Ecuatoriano. Este artista fusionó el expresionismo con el cubismo para crear retratos de colores o muy vivos o poco saturados, con miradas penetrantes en sus ojos grandes.

Sus principales representaciones son de madres o niños, ya sean solos o en conjunto, siempre observando al espectador provocando un sentimiento de empatía hacia la figura.

Guayasamín crea sus obras en demanda de las crueldades e injusticias sociales hacía los pobres (él mismo era proveniente de una familia trabajadora), milita por la igualdad y en especial por la solidaridad por los pueblos oprimidos.

Anita Malfatti (1889-1964)

Brasileña. Fue una artista exponente de este movimiento en la integración de las vanguardias en Latinoamérica. Su obra consiste en paisajes y retratos llenos de movimiento y colores saturados, explora diversas técnicas y estilos que hacen su trabajo tan icónico.

Sus exposiciones y obras causaron polémica en la sociedad brasileña por la influencia norteamericana de estas y sus trabajos de desnudos.

Las vanguardias europeas llegan a Latinoamérica para crear los iconos artísticos por los cuales nuestra cultura es reconocida: colores, paisajes y retratos en un estilo que no se repite en el mundo y crea una identidad conjunta.

[ignacionovo]

¡Hola, buenos días, humanidad! ¡Feliz lunes! Hoy os regalo la imagen del cuadro “El grito”, una pintura expresionista del artista noruego Edvard Munch, realizada en 1893. Es una de las obras de arte más famosas del mundo y se ha convertido en un icono de la cultura popular.

La pintura representa a una figura humana estilizada, con la cara distorsionada por el grito, que se apoya en una valla de madera. El fondo es un paisaje urbano, con un cielo rojo y anaranjado. La obra es una expresión de la angustia y la desesperación del ser humano.

Munch se inspiró en una experiencia personal para crearla. En su diario, escribió: Paseaba con dos amigos por un sendero cuando el sol se puso. El cielo se tiñó de rojo sangre. Me detuve y me apoyé en una valla, muerto de cansancio. De repente, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.

El grito es una obra universal que habla de la condición humana. Es un recordatorio de que todos experimentamos la angustia y la desesperación en algún momento de nuestras vidas.

Para tener en cuenta...

Si he aprendido algo de la vida... es que a veces, los tiempos más oscuros pueden llevarnos a los lugares más brillantes. He aprendido que las personas más tóxicas pueden enseñarnos las lecciones más importantes; que nuestras luchas más dolorosas pueden brindarnos el crecimiento más necesario; y que las pérdidas más desgarradoras de amistad y amor pueden dejar espacio para las personas más maravillosas. He aprendido que lo que parece una maldición en el momento puede ser en realidad una bendición, y que lo que parece el final del camino es en realidad el descubrimiento de que estamos destinados a viajar por un camino diferente.

[ahaan-and-jaiveer-agricultura]

Introducción al Modernismo

¡Hola! En este blog, nosotros hablaremos sobre el modernismo y su efecto en el mundo de habla hispana.

¿Que es Modernismo?

Los países latinoamericanos tomábamos prestado de Europa el estilo arquitectónico que caracteriza el Paseo de la Reforma en la Ciudad de México, la Avenida Central de Río de Janeiro y la Avenida de Mayo en Buenos Aires.

En América Latina, el estilo arquitectónico modernista o internacional ganó popularidad a mediados del siglo veinte, reemplazando el clasicismo de los años anteriores. El modernismo se convirtió en el nuevo estilo o filosofía de arquitectura y diseño más importante del siglo veinte. Se asociaba con un enfoque analítico de la función de los edificios, un uso estrictamente de los materiales, la innovación estructural y la eliminación de la ornamentación.  

El Estilo Internacional es un término general que se refiere a la arquitectura moderna sin ornamentación que revele su forma estructural. Los diseños utilizan paredes de hormigón armado. Sin ornamentación, los exteriores de muchos de estos edificios presenta un diseño geométrico, unidades modulares y líneas limpias.

Este estilo arquitectonico transformaba muchas ciudades latinoamericanas, como la Ciudad de México y Brasilia, en ciudades modernas. En México, la década de 1950 marcó el retorno a la especificidad local y cultural, muy en línea con la arquitectura orgánica de Frank Lloyd Wright. En Brasil, el modernismo crecía de manera diferente, convirtiéndose en un carácter distintivamente expresionista, llamado "modernismo de forma libre." En Argentina, algunos arquitectos volvieron al neoclasicismo, mientras que otros adoptaron versiones extremas del modernismo, a veces denominadas brutalismo, debido al uso del cemento.

En América Latina, el modernismo tenía un impacto significativo, transformando las ciudades con sus diseños elegantes y funcionales. Reemplazó estilos arquitectónicos anteriores como el clasicismo. Cada país de la región adoptaba su propia forma del modernismo pero, la conexión entre estas interpretaciones eran similares en el nivel básico.

Al final, el modernismo tenía un gran impacto, haciendo que las ciudades fueran elegantes y funcionales, reemplazando estilos más antiguos como el clasicismo. El modernismo es uno de los estilos más importantes, y entre los años 1930 y 1970, cambió el curso de la historia de arquitectura. Yo no creo que la diversidad decorativa que caracteriza la arquitectura de postmodernista ocurriera sin la popularidad de modernismo. Cada país tenía diferentes tipos de modernismo, pero las ideas centrales eran las mismas.

Jaiveer

Fuentes:

https://www.architecture.com/explore-architecture/modernism

https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/latin-america-modernism/latin-american-modernist-architecture/a/international-style-architecture-in-mexico-and-brazil

https://www.jstor.org/stable/1555399

¿Quiénes son algunas de las personas detrás del modernismo?

Hola a todos, mi nombre es Ahaan Modi. Voy a Horace Mann y he decidido hacer un blog sobre el movimiento modernista en América Latina. El movimiento modernista ha tenido un gran éxito a lo largo de los años gracias a múltiples arquitectos. Los arquitectos se alejaron de los estilos tradicionales europeos y crearon el movimiento modernista.

Primero está Luis Barragán de México. Luis Barragán es a menudo considerado como una de las figuras más importantes de la arquitectura modernista mexicana y latinoamericana. Su trabajo es conocido por su uso del color, la luz y la geometría, creando espacios serenos y contemplativos. Sus diseños a menudo incorporan elementos tradicionales mexicanos. Otro arquitecto con gran influencia es Oscar Niemeyer. Oscar Niemeyer fue un arquitecto brasileño conocido por sus contribuciones al desarrollo de la arquitectura modernista. Fue uno de los arquitectos clave detrás del diseño de Brasilia, y su trabajo se muestra en el uso de líneas curvas y la integración de la arquitectura con el entorno natural. Otro latinoamericano con gran influencia fue Clorindo Testa. Fue un arquitecto argentino que jugó un papel importante en el desarrollo de la arquitectura brutalista en América Latina. Entre sus obras destacadas se encuentra la Biblioteca Nacional de la República Argentina en Buenos Aires. Sus diseños para Argentina fueron muy diferentes a los de otros arquitectos debido a su estilo único. Finalmente, otro arquitecto latinoamericano es Eladio Dieste. Eladio Dieste fue un ingeniero y arquitecto uruguayo conocido por su uso innovador del ladrillo en la arquitectura modernista. Sus diseños a menudo se centran en las partes estructurales de los materiales.

Estos cuatro arquitectos tuvieron un papel significativo en el cambio de América Latina de sus costumbres colonizadas a una cultura moderna. Todos tienen diferentes estilos, lo que hace especial el movimiento modernista en América Latina. En nuestro próximo post, explicaremos más sobre los diferentes edificios y monumentos que estos arquitectos hicieron en Latinoamérica con el fin de cambiar la cultura.

Yo creo que estos arquitectos y muchos más ayudaron a cambiar la arquitectura latinoamericana hoy. Si estos arquitectos no cambiaran las tradiciones de la construcción en América Latina, hoy sería muy diferente. Además, las ideas que tenían sobre el modernismo fueron importantes para los arquitectos de las últimas décadas. En conclusión, estos arquitectos fueron importantes para el movimiento modernista latinoamericano.

Ahaan

Fuentes:

https://www.optima.inc/modernist-movements-in-south-america/#:~:text=Architects%20such%20as%20Luis%20Barrag%C3%A1n,legacies%20of%20their%20home%20countries.

https://www.architectural-review.com/essays/exhibitions/latin-america-was-a-place-where-modernist-dreams-came-true

https://www.architecturalrecord.com/articles/6337-modern-architecture-in-latin-america-art-technology-and-utopia

[artemartinpietro]

Gustav Klimt: Un Pionero del Arte Moderno

Gustav Klimt, un destacado miembro del movimiento Secesión de Viena, dejó una huella imborrable en el mundo del arte como pionero del arte moderno. Conocido por su estilo distintivo, que presentaba fondos planos, ornamentación repetitiva y patrones intrincados, Klimt abrió el camino para artistas más experimentales e innovadores. Sus obras representaron una transición desde las convenciones académicas seguidas durante siglos hacia un arte más abstracto y expresivo. Uno de los aspectos notables de las pinturas de Klimt fue su uso de pan de oro durante su “Fase Dorada”. Exploremos algunas de las obras más destacadas de Gustav Klimt y adentremosnos en su aplicación del pan de oro en sus pinturas.

Obras Notables de Gustav Klimt

Gustav Klimt creó un impresionante cuerpo de obras, caracterizado por su visión artística única. Entre las creaciones más destacadas de Mark Rothko se encuentran:

El Beso, 1908: Esta icónica pintura representa un abrazo íntimo y apasionado entre una pareja, mostrando la maestría de Klimt en los patrones y la ornamentación.

Pinturas para la Universidad de Viena, 1898–1900: Klimt contribuyó a la decoración de la Universidad de Viena con una serie de impresionantes pinturas, ejemplificando su excelencia artística y atención al detalle.

Judith y la Cabeza de Holofernes, 1901: Esta impactante pintura retrata la historia bíblica de Judith decapitando al general asirio Holofernes, combinando sensualidad con un aire de misterio.

Alegoría de la Escultura, 1889: Una obra temprana de Klimt, la Alegoría de la Escultura muestra su talento para capturar la forma humana y explorar temas alegóricos.

Friso de Beethoven, 1902: Una obra de arte monumental, el Friso de Beethoven celebra el poder de la música y rinde homenaje al renombrado compositor Ludwig van Beethoven.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I, 1907: Este retrato, a menudo conocido como la “Mujer de Oro”, es un ejemplo exquisito de la habilidad de Klimt para capturar la esencia y personalidad de sus sujetos.

El Árbol de la Vida, Friso Stoclet, 1909: Creado para el Palacio Stoclet en Bruselas, este mural monumental presenta un majestuoso árbol con ramas entrelazadas, simbolizando la interconexión de la vida.

Danaë, 1907: Inspirada en la mitología griega, Danaë de Klimt retrata a la figura mitológica desnuda, envuelta en una cascada de lluvia dorada.

Muerte y Vida, 1915: Esta pintura reflexiva explora la yuxtaposición entre la vida y la muerte, con un simbolismo intrincado y una profunda exploración de la condición humana.

Serpientes de Agua II, 1907: En esta obra etérea y sensual, Klimt captura las formas entrelazadas de dos serpientes de agua, mostrando su habilidad para representar el movimiento y la sensualidad.

Otras obras destacadas de Gustav Klimt incluyen “Leda y el Cisne” (1917), “Jardín de la Granja con Crucifijo” (1911) y “El Girasol” (1907). A lo largo de su carrera, el tema principal de Klimt fue el cuerpo femenino, y sus obras se caracterizaban por un erotismo franco. A pesar de que los expresionistas y surrealistas de la época podrían no estar familiarizados con el arte de Klimt, sus pinturas comparten muchas características formales y temáticas con estos movimientos artísticos de entreguerras.

La Importancia del Pan de Oro en las Pinturas de Klimt

Uno de los elementos más impactantes de las pinturas de Gustav Klimt es su uso de pan de oro, que agregaba un sentido de lujo, opulencia y belleza a sus obras. La incorporación de pan de oro por parte de Klimt no fue simplemente un adorno superficial; fue parte integral de su enfoque artístico, donde la forma y el contenido se integraban de manera armoniosa. Su uso de pan de oro le permitía crear un impacto visual que elevaba sus pinturas a una grandeza acorde con su temática.

La inspiración de Klimt para incorporar pan de oro provino de su visita a Rávena, Italia, en 1903, donde tuvo la oportunidad de contemplar los mosaicos bizantinos de la Iglesia de San Vital. Presenciar el efecto luminoso del oro en estas antiguas obras de arte dejó una profunda impresión en la sensibilidad artística de Klimt. Así, se embarcó en lo que comúnmente se conoce como su “Fase Dorada”, que duró aproximadamente una década y definió su estilo artístico.

Para lograr el efecto cautivador del oro en sus pinturas, Klimt utilizaba pan de oro real: una fina lámina de oro genuino aplicada sobre la superficie de la obra de arte. Esta técnica creaba un efecto radiante y luminoso, haciendo que sus pinturas parecieran estar hechas de metales preciosos. El proceso implicaba aplicar una capa de adhesivo sobre la superficie de la pintura y colocar cuidadosamente el pan de oro sobre el adhesivo. Klimt luego utilizaba un pincel suave o un paño para presionar suavemente el pan de oro, asegurando su adherencia y eliminando cualquier exceso.

El uso de pan de oro por parte de Klimt no solo fue una elección estética, sino también un medio para crear una experiencia simbólica y transformadora para el espectador. Las superficies doradas y brillantes servían para intensificar el impacto emocional de sus pinturas, evocando un sentido de asombro, belleza y trascendencia.

En conclusión, las contribuciones de Gustav Klimt al mundo del arte como destacado miembro del movimiento Secesión de Viena y pionero del arte moderno son innegables. Su uso de fondos planos, ornamentación repetitiva y patrones intrincados sentó las bases para enfoques más experimentales en el arte. Además, su aplicación de pan de oro durante su “Fase Dorada” añadió una capa de opulencia y simbolismo a sus pinturas. A través de la magistral integración del pan de oro, Klimt logró un efecto luminoso que realzó la belleza y la resonancia emocional de sus obras de arte.

Originally published at https://artemartinprieto.com/on June 16, 2023.

[iamainhoa]

Ernst Ludwig Kirchner

Fränzi ante una silla tallada 1910 Óleo sobre lienzo. 71 x 49,5 cm Expresionismo

El estilo expresionista del grupo alemán Die Brücke, caracterizado por la simplificación formal y el uso arbitrario del color, encuentra uno de sus mejores ejemplos en el retrato de esta muchacha del barrio obrero de Friedrichstadt de Dresde.

Protagonista de varios retratos de Kirchner y otros artistas del grupo, Fränzi aparece sentada en una silla, cuyo respaldo tiene tallada una figura desnuda de mujer.

La joven nos mira desafiante con su rostro definido a base de gruesas pinceladas antinaturalistas de un intenso color verde, que contrastan con el carnoso tono de la silueta femenina que la enmarca.

La frontalidad con la que se presenta ante nosotros pone en evidencia la herencia de modelos pictóricos de Munch, Van Gogh y Gauguin, así como del arte primitivo..

📍Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

[gotham-amai]

Caaan we know more about Denis? Like what does DIMV stand for? And how do they get along with other anartist/do they know people like Ruiz? ^^

Thank you so much for asking about them OMG 🥺

Denis was an orphan who only had his name Denis, no surname nor nothing so, he met people in his life, mostly his art teacher who considered them their own kid. This teacher was the one who taught him all about anart and there he developed his own techniques.

DIMV is the achronym of the names he took. Denis Ignatz Meier Vogel. Meier Vogel being her teacher's surnames and Ignatz being the name a grandma they met in one of their journeys gave them.

They barely know any other anartists like Ruiz or Pico, he knows about AWCY? but prefers not to interact with them. They are kind of a lonesome person but gets along rather well with kids.

Denis is quite eccentric but they change a lot in the modernity.

If you want to see what kind of art they do you can look here.

[o-druida-ebrio]

... del arte expresionista trágico ...

[naran-blr]

Else Hertzer (1884-1978) pintora y artista gráfica alemana.

Nació en Wittenberg. Cuando era niña, Else talló pequeñas figuras en la ventana helada del apartamento de sus padres en invierno, lo que provocó que uno de los cristales se rompiera, por lo que sus padres le regalaron una caja de tintas.

A partir de 1909, viviendo en el barrio berlinés de Tiergarten, se formó como pintora con George Mosson y en la Academia de las Artes.

Antes de que Else se casara en 1909 y ese mismo año abandonó su ciudad natal, Wittenberg, para vivir con su marido Otto en Berlín, ya había creado cuadros de paisajes técnicamente sofisticados con impresiones de los alrededores de su ciudad natal.

En 1929 también recibió lecciones de André Lhote en París.

Entre 1911 y 1913, Else permaneció varias veces con su cuñado y su suegra en Buttstädt, Turingia. Aquí creó más de treinta grabados a punta seca y pinturas al óleo. Ya en esta primera fase, algunos de estos cuadros de Buttstädt eran expresionistas, como la vista de una calle del pueblo con sombras violetas.

A partir de 1918, Else estuvo representada durante varios años en las exposiciones de la Secesión de Berlín; debutó con el cuadro “Frohnau”.

En 1924, la editorial Partenón publicó una edición de Atlakvida escrita a mano por Else y con seis grabados en madera. El antiguo Atlilied, cada ejemplar del cual fue coloreado, numerado y firmado a mano. La edición fue de 250 ejemplares. Ese mismo año, junto con la artista Ruth Laube, diseñó la leyenda “Sobre la fe alemana” escrita por Hugo von Waldeyer-Hartz.

Ruth Laube creó dos grabados en madera en color y Else Hertzer diseñó la fuente a mano. Else Hertzer era miembro de la Asociación de Artistas de Berlín desde 1928 y fue miembro de la junta directiva durante dos años y secretaria de 1930 a 1933.

Entre obras de sus viajes de estudios a Italia, España o Dalmacia, siempre se pueden ver obras con motivos de Wittenberg, incluidas dos de sus obras principales: los óleos “Pequeño puerto cerca de Wittenberg” (1935) y “Avenida de los álamos frente a Wittenberg” (1939).

Vivió con su madre, que enviudó a una edad temprana, en un edificio, que también albergaba temporalmente la escuela agrícola de invierno. Else documentó la destrucción de la ciudad de Wittenberg en la primavera de 1945 con varias coloridas obras de arte, que se resumen en la carpeta "Wittenberg 1945".

Importante representante del expresionismo alemán. En las siete décadas en las que estuvo activa artísticamente, creó 215 pinturas al óleo y tempera, 310 acuarelas y numerosos dibujos, xilografías, aguafuertes a punta seca y estarcidos.

Trabajó hasta el final de su larga vida.

Murió en Berlín.

Le ponemos cara.

[eddy25960]

“Manos” de Alberto Durero:

Alberto Durero nació en Nuremberg en el año de 1471 y falleció en el año de 1528, siendo el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte.

Famoso en media Europa antes de cumplir los treinta años gracias al fuerte éxito de su serie de xilografías del Apocalipsis (1498), Durero ejerció una influencia determinante en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos, y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio y Tiziano, consta además que sostuvo contactos con genios como Leonardo da Vinci y Giovanni Bellini. Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiración a múltiples creadores posteriores, incluyendo la pintura barroca de España, la corriente nazarena del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del siglo XX.

Les comparto una anécdota anónima de Alberto Durero de su vida que fue la que lo marcó para lograr triunfar y ser un gran pintor:

En el siglo XV, en una pequeña aldea cercana a Nuremberg, vivía una familia con varios hijos. Para poner pan en la mesa para todos, el padre trabajaba casi 18 horas diarias en las minas de carbón. Dos de sus hijos tenían un sueño: querían dedicarse a la pintura, pero sabían que su padre jamás podría enviar a ninguno de ellos a estudiar a la Academia. Después de muchas noches de conversaciones calladas, los hermanos llegaron a un acuerdo. Lanzarían al aire una moneda, y el perdedor trabajaría en las minas para pagar los estudios al que ganara...

Al terminar los estudios, el ganador pagaría entonces los estudios al que quedara en casa con la venta de sus obras. Así los dos hermanos podrían ser artistas.

Lanzaron al aire la moneda un domingo al salir de la Iglesia. Uno de ellos llamado Alberto Durero, ganó y se fue a estudiar a Nuremberg. Entonces, el otro hermano, comenzó el peligroso trabajo en las minas, donde permaneció durante los siguientes cuatro años para sufragar los estudios de su hermano, que desde el primer momento fue toda una sensación en la Academia. Los grabados del artista de sus tallados y sus óleos llegaron a ser mucho mejores que los de muchos de sus profesores, y para el momento de su graduación, ya habían comenzado a ganar considerables sumas con las ventas de su arte.

Cuando el joven artista regresó a su aldea, la familia Durero se reunió para una cena festiva en su honor. Al finalizar la memorable velada Alberto se puso de pie en su lugar de honor en la mesa y propuso un brindis por su hermano querido, que tanto se había sacrificado trabajando en las minas para hacer sus estudios una realidad y dijo: “Ahora hermano mío, es tu turno. “Ahora puedes ir a Nuremberg a perseguir tus sueños; que yo me haré cargo de todos tus gastos”. Todos los ojos se volvieron llenos de expectativas hacia el rincón de la mesa que ocupaba su hermano, pero este, con el rostro empapado en lágrimas, se puso en pie y dijo suavemente:

-“No hermano no puedo ir a Nuremberg. Es muy tarde para mí. Estos cuatro años de trabajo en las minas han destruído mis manos. Cada hueso de mis dedos se ha roto al menos una vez, y la artritis en mi mano derecha ha avanzado tanto que hasta me costó trabajo levantar la copa durante tu brindis. No podría trabajar con delicadeza las líneas, el compás o el pergamino y no podría manejar la pluma ni el pincel. No hermano para mi ya es tarde. Pero soy feliz de que mis manos deformes hayan servido para que las tuyas hayan cumplido su sueño”.

- Alberto Durero, realizó algunos dibujos de las “Manos” maltratadas de su hermano!

Publicación de Salvador Niebla

[lapetitemortarts]

Thomas Legaspi es un artista contemporáneo de Nueva York que trabaja dentro del contexto del realismo. Ha exhibido en exposiciones nacionales e internacionales, acumulando premios y méritos de distinción. Su obra se centra en el potencial narrativo del arte figurativo, explorando estados emotivos introspectivos de fragilidad, dualismo, conflicto, identidad e ironía. Aunque muchas de sus obras están arraigadas en el realismo, a menudo explora sensibilidades estéticas modernas a través de técnicas de aplicación de pintura contemporáneas, medios mixtos y experimentación expresionista. Legaspi busca crear obras que tengan un trasfondo de resolución positiva en medio de una medida de lucha y dificultad.