#alto renacimiento

[rojosweet]

Cronos corta las alas a cupido:

Este cuadro lo pinto Pierre Mignard en francia

Y esta es la historia espero que te guste tanto como a mi:

A Cronos (El dios griego y padre del tiempo en el Renacimiento) Mignard lo ha pintado musculoso, con barba y el reloj de arena a sus pies. Sostiene con fuerza a Cupido (El amor), cuyas flechas han caído al suelo lo que simboliza que ha sido vencido, y le recorta las alas para que no vuele demasiado alto.

Esta pintura así simboliza que el tiempo vence al amor.

Si analizamos esto detenidamente, nos daremos cuenta de que el tiempo no está venciendo al amor, si nos damos cuenta, Cronos sostiene al amor cómo a un niño malcriado que recibe un correctivo, las flechas no están tiradas o rotas... están guardadas en su carca y recargadas con cuidado.

Cronos le corta las alas a cupido para que ponga los pies en la tierra, que es una metáfora sobre usar la razón, lo que significa que no está venciendo al amor, simplemente lo vuelve un amor realista, un amor que tiene alas pero no pierde el suelo.

A mí parecer aquí lo correcto sería decir el tiempo transforma el amor y lo vuelve más centrado, más maduro.

Lo podemos ver en las parejas que ya después de muchos años juntas descubren lo que está después del estrés positivo y de la idealización del otro, que es la aceptación del otro tal y como es, un amor que no estiliza a la pareja para amarla sino que descubre las partes más oscuras de su pareja y aprende a amarlas también y por tanto ama con-razón (no por nada se llama corazón). 😉

[rinascimentoebarocco]

Giovanni Antonio Boltraffio (1466 or 1467 - 1516) was an Italian painter of the High Renaissance from Lombardy, who worked in the studio of Leonardo da Vinci. Self portrait.

Giovanni Antonio Boltraffio (1466 o 1467 - 1516) fue un pintor lombardo italiano del Alto Renacimiento que trabajó en el taller de Leonardo da Vinci. Autorretrato.

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Giovanni Antonio Boltraffio (1466 o 1467 - 1516) è stato un pittore italiano lombardo dell'Alto Rinascimento, che ha lavorato nello studio di Leonardo da Vinci. Autoritratto.

Source: RENAISSANCE ART AND ARCHITECTURE by Gergana Shishkova

[dakota-zen]

CRONOS CORTA LAS ALAS A CUPIDO, 1694

Pierre Mignard.

Francia, 1612 - 1695.

Museo Nacional del Prado, Madrid

A Cronos (El dios griego y padre del tiempo en el Renacimiento) Mignard lo ha pintado musculoso y con barba, con la guadaña y el reloj de arena a sus pies. Sostiene con fuerza a Cupido (El amor), cuyas flechas han caído al suelo lo que simboliza que ha sido vencido, y le recorta las alas para que no vuele demasiado alto.

Y esta pintura así simboliza que el tiempo vence al amor.

Fuente: Desde el fondo del alma

[notasfilosoficas]

“El camino espiritual no consiste en alejarse del mundo, sino en transformar nuestra relación con él”

Kalu Rinpoche

Kalu Rinpoche (1905-1989) fue un influyente lama de la tradición Karma Kagyu del budismo tibetano. 

Nacido como Karma Rangjung Künzang en el Tíbet oriental, desde joven mostró una gran inclinación por la vida espiritual y fue reconocido como un tulku, la reencarnación de un maestro budista, en este caso, el primer Kalu Rinpoche, un importante yogui.

Un Tulku es un término utilizado en el budismo tibetano para referirse a aquel maestro que ha logrado tener el control total o parcial en la muerte sobre la forma de su reencarnación y el conocimiento del lugar de su nuevo nacimiento.

Cuando tenía 15 años fue enviado a estudiar en el monasterio de Palpung que es el principal centro de la escuela Karma Kagyu.

Kalu Rinpoche pasó gran parte de su vida en retiro en cuevas, donde profundizó en las prácticas de meditación y alcanzó un alto grado de realización espiritual. Se le consideraba un maestro de la meditación Mahamudra y del tantra, las enseñanzas más avanzadas del budismo tibetano. 

Aproximadamente a la edad de 25 años, Kalu Rimpoche dejó Palpung para proseguir la vida de un yogui solitario en el bosque de Khampa una antigua provincia cultural del Tíbet histórico, y durante casi 15 años se esforzó en perfeccionar su comprensión de todos los aspectos de sus enseñanzas haciéndose famoso en las aldeas y entre los nómadas como representante del camino del Bodhisattva. 

En 1940, regresa y se convierte en el maestro principal de meditación en el monasterio de Palpung, uno de los principales centros de la tradición Kagyu.

Por orden de Situ Rimpoche fue nombrado maestro de Vajra del gran salón de meditación del monasterio de Palpung, donde durante mucho tiempo dio empoderamientos y enseñanzas.

Después de la invasión china al Tíbet en 1959, Kalu Rinpoche se exilió en India, donde comenzó a difundir el budismo tibetano entre audiencias internacionales. 

En las décadas de 1970 y 1980, viajó extensamente por Europa y América del Norte, estableciendo centros de dharma y retiros de meditación en Occidente. Fue uno de los primeros lamas en introducir las enseñanzas del budismo tibetano en estos países, lo que lo convirtió en una figura clave en el renacimiento de la práctica budista en el mundo occidental.

Kalu Rinpoche también fue un defensor del linaje de Shangpa Kagyu, una rama menos conocida de la tradición Kagyu. Su enfoque equilibrado entre la vida monástica y las enseñanzas para los laicos lo hizo accesible a una amplia gama de estudiantes. 

Falleció en 1989, pero su legado continúa a través de sus discípulos y los centros que fundó, así como a través de su reencarnación reconocida en marzo de 1992, quien mediante una serie de pruebas fue reconocido y avalado por el XIV Dalai Lama , reconocida como el joven Kalu Rinpoche, quien ha seguido sus pasos en la enseñanza del budismo tibetano.

Renacido en septiembre de 1990 en Darjeeling India, fue investido en febrero de 1993 como el segundo Kalu Rimpoche, y al morir su padre solicitó irse a vivir al monasterio de Bokar Rimpoche, para así crecer y estudiar bajo su dirección. En el 2004 como lo hiciera su antecesor comenzó el retiro tradicional de 3 años que completó en 2008.

En 2010 viajó a occidente para hacerse cargo de los centros de meditación creados por el primer Kalu Rimpoche en todo el mundo.

En 2019 reanudó sus meditaciones de 3 años  primero en Borgoña tras la renovación de sus centros de retiro y luego en Brasil, en donde por primera vez se realiza un retiro de estas características.

Fuente: Wikipedia, shangpakagyu.org

[massabios]

La Sonrisa Misteriosa 📷 La Mona Lisa, pintada por Leonardo da Vinci en el Renacimiento, es famosa por su enigmática sonrisa. ¿Sonríe o no sonríe? La ambigüedad ha desconcertado a espectadores durante siglos.

Las Miradas que Siguen 📷 Otro detalle intrigante es cómo los ojos de la Mona Lisa parecen seguirte a donde quiera que vayas. Este efecto, conocido como "mirada perspicaz", añade una dimensión casi mágica a la obra.

El Retrato del Renacimiento 📷 Pintada entre 1503 y 1506, la Mona Lisa representa la maestría técnica y artística de Da Vinci. Su uso del sfumato, técnica de difuminado, crea transiciones suaves entre luces y sombras.

Ubicación en el Louvre 📷 La pintura ha estado en el Louvre desde la Revolución Francesa. En 1911, fue robada pero recuperada en 1914. Ahora, resguardada tras un vidrio a prueba de balas, es una de las atracciones más visitadas.

Tamaño del Cuadro 📷 Sorprendentemente, la Mona Lisa es más pequeña de lo que la mayoría imagina. Mide solo 76,8 cm de alto y 53 cm de ancho, pero su impacto es monumental.

El Fondo Paisajístico 📷 Aunque muchos no lo notan, el paisaje detrás de la Mona Lisa ha sido estudiado en detalle. Representa una región italiana y ha llevado a especulaciones sobre la verdadera ubicación de la modelo.

Teorías Sobre la Identidad de la Modelo 📷 A lo largo de los años, ha habido varias teorías sobre quién podría haber sido la mujer retratada. Desde la teoría de la amante de Da Vinci hasta sugerencias más recientes, el misterio perdura.

El Código de Da Vinci 📷 La fama de la Mona Lisa se disparó aún más gracias a "El Código Da Vinci" de Dan Brown. Aunque es ficción, el libro introdujo a millones a la fascinación por esta obra de arte.

Análisis con Tecnología Moderna 📷 La ciencia ha desentrañado secretos de la Mona Lisa. Un análisis en 2004 reveló que ella llevaba velos y joyas, ahora desvanecidos con el tiempo.

Influencia Cultural 📷 La Mona Lisa ha dejado su huella en la cultura popular, desde parodias hasta referencias en la música y cine. Su impacto va más allá del mundo del arte.

Descubre la fascinante historia detrás de la Mona Lisa, una obra maestra que sigue inspirando preguntas y asombro hoy en día. 🎨✨

[joseandrestabarnia]

Pedro Díaz de Oviedo (finales del siglo XV – principios del siglo XVI) 

San Orencio 

h. 1498 

óleo sobre tabla 

176,5 x 146 cm 

Nº inv. P00414 

Colección BBVA España 

La obra, al igual que Santa Paciencia —también en la Colección BBVA—, procede de la iglesia de San Lorenzo de Huesca y for­mó parte del antiguo retablo mayor realizado en torno a 1500, que fue desmontado a principios del siglo XVII al derribarse la basílica. De dicho retablo se han conservado fragmentos dispersos, algunos hoy depositados en el Museo Diocesano de Huesca. 

Este retablo inicialmente se atribuyó a Pedro de Aponte (documentado entre 1505 y 1530), pintor aragonés de prestigio casi mítico al que se asignaron muchas obras de esta época, pero más tarde se descarta esta autoría. Posteriormente, Chandler Rathfon Post las atribuyó a un tal Maestro de Huesca, formado seguramente con Miguel Jiménez (documentado entre 1462 y 1505), del que toma los halos dorados decorados con círculos concéntricos en relieve. Aunque perdure en ella mucho del gusto flamenco por los pliegues quebrados y la minucia decorativa, muestra rasgos de un incipiente Renacimiento en el tratamiento volumétrico de la figura y en ciertos pormenores decorativos. También recuerda al Santo Domingo de Silos de Bartolomé Bermejo (h.1440-h.1500) del Museo del Prado, procedente de Daroca y donde también el lujoso trono se decora con figuras policromadas, en ese caso de Virtudes. 

Alfonso E. Pérez Sánchez la consideró obra del pintor Pedro Díaz de Oviedo, que realizó el retablo de Santa María de Tudela y que consta se hallaba en Huesca en 1498 decorando las claves de la catedral y trabajando en el retablo mayor de la iglesia de San Lorenzo. 

Ambas tablas se encontraban empotradas en la antesacristía de la iglesia reconstruida hasta su venta, anterior a 1910. Pertenecieron a la colección de la duquesa de Parcent, Trinidad von Scholtz-Hermensdorff, gran impulsora del arte y la artesanía españolas, que las expuso, con toda su colección, en la Real Academia de San Fernando en mayo de 1911. Permanecieron en poder de la familia hasta 1979, año en el que fueron subastadas en Sotheby’s por los herederos de la duquesa, los príncipes de Hohenlohe, junto con el contenido de la finca familiar El Quexigal. Son adquiridas el 25 de mayo por el Banco de Huesca (integrado posteriormente en el Banco de Bilbao), ingresando por esta vía en la Colección.  Según la tradición aragonesa, San Orencio fue el padre de San Lorenzo y esposo de Santa Paciencia. Aparece sentado en un sitial o trono gótico de alto respaldo, cubierto de brocado y con los laterales y los brazales decorados con diez figuras de profetas —entre los que se identifica a Isaías por su filacteria— y otros seis personajes visibles parcialmente, todos ellos pintados en vivos colores, como si se tratara de esculturas policromadas. A sus pies, aparece el demonio maniatado, en alusión al espíritu del mal que durante su residencia en Labedan, diócesis de Tarbes, intentó sin éxito tentarle varias veces.  Viste una lujosa capa pluvial ricamente bordada de pedrería y perlas, y sostiene una vara florecida que alude a su intervención milagrosa en épocas de escasez en la ciudad de Huesca. A ambos lados, dos figuras de ángeles vestidos de blanco que portan en sus manos libros de oraciones. 

Información e imagen de la web Colección BBVA. 

[ferstehlik]

CERVEZA ARTESANAL FRISKY

ALUMNOS:

Especialistas en Producción de cerveza, Lazo Agustín y Stehlik Fernanda.

Escuela Técnica Agropecuaria 4-015 Seizo Hoshi

Profesora Wanda Gonzales

Año 2024

Fecha 03/04/2024

FUNDAMENTACIÓN:

La industria de cerveza artesanal ha experimentado un renacimiento notable en los últimos años, impulsado por una creciente demanda de productos únicos, de alta calidad y con un toque artesanal.

En respuesta a esta tendencia, se ha creado el proyecto “Cerveza artesanal Frisky”. Se basa en la pasión por la cerveza de calidad y artesanía cervecera.

METAS:

Tener una producción anual de cinco mil barriles en los próximos años para satisfacer las crecientes demanda del mercado.

Expandir la distribución de esta empresa a nivel nacional.

Lograr la distribución internacional en al menos dos países dentro de meses o años.

Participar en eventos cerveceros a nivel nacional o internacional.

OBJETIVOS:

Lanzamiento exitoso del producto a través de las redes sociales.

Establecer acuerdo de distribución on al menos cinco bares en los primeros dos meses.

Obtener retroalimentación directa de al menos cincuenta consumidores a través de degustaciones y encuestas en los primeros treinta días.

Participación de eventos locales.

Creación de presencia en redes sociales.

DESCRIPCIÓN:

Esta cerveza está compuesta por agua, malta, lúpulo, levadura y otros como frutas, especias, hiervas para crear sabores y aromas únicos.

Variedad del producto Frisky:

Ofrecerá una alta variedad de estilos de cerveza, desde los clásicos hasta los más experimentales.

Calidad:

Alto calidad en todas las etapas de producción, desde la selección de ingredientes hasta el embotellado y etiquetado.

Creatividad:

Estamos dedicados a la experimentación con ingredientes locales exóticos.

Sostenibilidad y responsabilidad:

“Frisky” se compromete a mantener todo de manera sostenible, minimizando la contaminación en el medio ambiente.

ANÁLISIS FODA:

Fortalezas:

Experiencia en la elaboración.

Habilidad de usos tecnológicos.

Habilidad de experimentar con nuevos ingredientes y procesos de elaboración.

Oportunidades:

Expansión de mercado nacional o internacional.

Exportación de productos.

Popularidad de nuestra cerveza en redes sociales.

Debilidades:

Falta de informaciones o capacitaciones.

Amenazas:

Altos costos de materia prima y maquinarias.

Competencia de bebidas alternativas.

Dificultades en la distribución.

Regulaciones sobre la producción y venta de alcohol.

ESTRATEGIAS:

Desarrollar una variedad única de cervezas artesanales con sabores distintos para destacarse en un mercado competitivo y atraer la atención de los consumidores.

Y utilizar estrategias de marketing creativas y efectivas para promocionar la marca y los productos, como eventos de degustación, presencia en redes sociales y participación de eventos sociales.

http://ria.utn.edu.ar

[ignacionovo]

¡Hola, buenos días, humanidad! 🌍 ¡Feliz viernes! 💪🌟🚀🏆🌈📈🌱🌞🎯🌺 Hoy os regalo una reproducción de la "La Última Cena", una de las obras más emblemáticas de Leonardo da Vinci, creada entre 1495 y 1498. Este mural, que mide 460 cm de alto por 880 cm de ancho, se encuentra en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia. La pintura representa la escena bíblica de la última cena de Jesús con sus doce apóstoles, justo en el momento en que Jesús revela que uno de ellos lo traicionará. Da Vinci captura magistralmente la reacción de cada apóstol, creando una composición dinámica y llena de emoción. A pesar de que la técnica utilizada no fue el fresco tradicional, sino temple y óleo sobre yeso, lo que ha contribuido a su deterioro a lo largo del tiempo, "La Última Cena" sigue siendo una obra maestra del Renacimiento y un testimonio del genio artístico de Leonardo.

Para tener en cuenta...

Puede que no estés donde quieres estar, pero estás en algún lugar mucho más allá que cuando empezaste. Cuando persigues grandes sueños, debes medir tu progreso por lo lejos que ya has llegado, no por lo lejos que aún debes ir. Entonces, si tus sueños están demasiado lejos de la vista, alégrate porque eso significa que son grandes. No eres más fuerte que el destino, pero no te apresures en juzgar hacia dónde te lleva ese destino. Sigue adelante. Puede que no termines donde orientaste tus velas, pero tu arduo trabajo te llevará a un destino que no es menos grandioso. Haz tu mejor esfuerzo. No luches contra el destino. Hazte amigo de él.

[semtituloh]

Ganymede

Benvenuto Cellini

Fecha: 1547

Estilo: Manierismo (final del Alto Renacimiento)

Género: escultura

[ptorresmx]

El sueño de volar

Los sueños de volar algún día se harán realidad con los vehículos aéreos eléctricos de pasajeros. Desde Ícaro desafiando al sol con alas de cera hasta los Wright elevándose sobre Kitty Hawk, la humanidad ha estado obsesionada con surcar los cielos. Ahora, disruptivas startups prometen llevar esa fantasía a nuestras ciudades con taxis aéreos autónomos. Pero mientras visionarios como Lilium y Joby Aviation buscan que despeguemos hacia los suburbios, los autos eléctricos terrestres como los de Tesla ya recorren velozmente las carreteras. ¿Podrán los vehículos voladores personales sortear obstáculos regulatorios y de infraestructura para materializar su potencial? ¿O el futuro de la movilidad eléctrica seguirá atado al asfalto? Revisemos el panorama.

Los humanos han soñado con volar desde la antigüedad. Los primeros esfuerzos se centraron en emular el vuelo de las aves con alas artificiales. En el siglo IX, Abbas Ibn Firnas construyó unas alas rudimentarias y se lanzó desde una torre, planeando brevemente. En el Renacimiento, Leonardo Da Vinci diseñó varios prototipos de máquinas voladoras. Pero no fue hasta finales del siglo XVIII que los hermanos Montgolfier inventaron el globo aerostático, demostrando por primera vez que el vuelo era posible.

A mediados del siglo XIX, Sir George Cayley sentó las bases de la aerodinámica moderna al identificar las cuatro fuerzas que actúan sobre un avión. A principios del siglo 20, los inventores comenzaron a experimentar con autos voladores y aeronaves híbridas tierra-aire. En 1903, los hermanos Wright lograron el primer vuelo propulsado y controlado en un avión más pesado que el aire. La Primera Guerra Mundial vio grandes avances en el diseño de aviones. En 1917, Glenn Curtiss desarrolló el Autoplane, considerado uno de los primeros diseños viables de un auto volador. En 1927, Charles Lindbergh cruzó el Atlántico en un vuelo transoceánico sin escalas.

En la década de 1930, Waldo Waterman creó varios prototipos exitosos de autos voladores que realizaron breves vuelos. Después, la Segunda Guerra Mundial trajo aviones a reacción y cohetes. Sin embargo, la tecnología y los materiales de la época limitaron el desarrollo en gran escala. La Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría desviaron los recursos e intereses hacia jets de combate y cohetes. No fue hasta la década de 1950 que nuevos intentos como el ConvAirCar Model 118 y el Aerocar Aero-Plane tuvieron algo de éxito, aunque eran complejos de operar. En 1969 el Apolo 11 aterrizó en la luna.

En la década de 1980, la Administración Federal de Aviación de EE. UU. estableció estándares de seguridad para vehículos de despegue y aterrizaje vertical. Esto renovó el interés y allanó el camino para desarrollos posteriores. Modelos notables de fines del siglo XX fueron el Avcen Jet Flying Car y el Moller Skycar M400. Sin embargo, los altos costos, la compleja logística y las limitaciones persistentes de almacenamiento de energía evitaron una adopción generalizada.

Ahora en las dos primeras décadas del siglo 21 hemos visto grandes avances en vehículos aéreos eléctricos para transporte urbano y regional. Compañías como Lilium, Joby Aviation y Archer Aviation están desarrollando taxis aéreos y vehículos de despegue y aterrizaje vertical eléctricos (eVTOLs) para viajes punto a punto más rápidos y sostenibles.

En 2006, el avión transitable PAL-V Liberty obtuvo la certificación de la Unión Europea para operar tanto en carreteras como en cielos. Otros como Terrafugia Transition están siguiendo un enfoque híbrido terra-aire. Mientras tanto, AeroMobil ha presentado prototipos de automóviles voladores de alta velocidad para 4 pasajeros.

China ha establecido una hoja de ruta ambiciosa para tener vehículos aéreos operativos masivamente en 2025. Compañías respaldadas como EHang ya tienen taxis aéreos autónomos funcionando en pruebas. Por otro lado, AirBus, Hyundai y Uber planean lanzar servicios aéreos urbanos en la próxima década. Con la electrificación, la autonomía y las asociaciones intersectoriales, es probable que veamos los vehículos voladores tripulados convertirse en una realidad común en los próximos años.

La compañía alemana Volocopter tiene el volador eléctrico Volocity, diseñado para trasladar 2 pasajeros sobre el entorno urbano sin necesidad de infraestructura adicional. Lilium, también alemana, trabaja en una aeronave eléctrica de despegue y aterrizaje vertical capaz de transportar a 4 pasajeros. En Estados Unidos, Joby Aviation construye el taxi aéreo eléctrico S4 con 4 plazas, ideal para entornos suburbanos.

Skai Alaka'i Technologies Hopkinton, Massachusetts, USA. www.skai.co

Se pronostica que este nicho alcanzará 580 mil vehículos anuales en 2040. Empresas como Alaka'i y JetPack Aviation desarrollan prototipos de jets personales compactos impulsados por hidrógeno. La visión futura es que estos vehículos puedan estar al alcance de cualquier persona interesada en experiencias de vuelo personalizadas e innovadoras.

A pesar del entusiasmo por los vehículos aéreos eléctricos de pasajeros, su adopción masiva enfrenta desafíos. Los autos eléctricos terrestres ya tienen una infraestructura establecida de carriles, estaciones de carga y cadenas de suministro. La movilidad aérea urbana, por otro lado, debe resolver complejos rompecabezas regulatorios, de espacio aéreo, ruido y seguridad antes de materializarse.

El futuro de la movilidad aérea personalizada está despegando. Con innovadores vehículos eléctricos de despegue y aterrizaje vertical que transportan de 1 a 4 pasajeros, empresas visionarias lideran una revolución silenciosa y sostenible. Libres como pájaros, pronto cruzaremos ciudades abarrotadas pilotando nuestros propios taxis aéreos. El cielo es el límite para esta nueva era dorada de aviación personal.

¡Agárrate!

Gracias por leerme y compartir

@ptorresmx

[lisa-palacios-3004]

Ensayo de Tema 2. Medici: Masters of Florence (2016)

La serie de televisión Medici: Masters of Florence es un drama histórico basado en la familia Medici de la Florencia del siglo XV, en los inicios y auge del movimiento renacentista.

Desde un punto de vista cultural, la serie ha tomado sus libertades con respecto a la precisión histórica. Sin embargo, narrativamente, ha podido acercar a la familia Medici y el Renacimiento italiano a una audiencia moderna tomando en cuenta rasgos o puntos claves de contextualización histórica. La serie destaca la importancia de la arquitectura en el ascenso al poder de la familia Medici, ya que fueron mecenas de las artes, donde sus encargos no sólo tenían propósitos de afición o contemplación, sino pensados para fines políticos, sociales y económicos.

En el inicio de la serie, se muestra como la familia Medici tuvo sus comienzos en la industia del comercio de la lana hasta convertirse en uno de los bancos más grandes de Europa (con conexiones poderosas sobre todo en la zona occidental del continente), logrando un alto status social y político. Tomando en cuenta los crecientes juegos de poder en el contexto de ciudades-estados dominadas por la nobleza, los Medici alcanzan ese privilegio por medio del desarrollo de su industria banquera desde el cimiento.

A lo largo de esta primera temporada, se muestra uno de los principios fundamentales de la familia Medici: la percepción es poder, y la arquitectura juega un rol fundamental para dicha percepción social y política.

Cosimo, el heredero de la familia luego de la muerte de su padre Giovanni, era un hombre idealista con un pasado en las artes. En el contexto de la muerte de su progenitor y de la guerra de Milán y Florencia, él utiliza la arquitectura como su medio principal para consolidar la influencia y poder de su familia en la ciudad, teniendo la opinión pública a su favor. Esto lo logra con la construcción del domo de la Cattedrale di Santa Maria del Fiore, la catedral de Florencia que tenía décadas paralizada en su construcción, debido a la alta dificultad (o casi imposibilidad en la época) de terminar la cúpula de grandes dimensiones (mayores que las del Panteón romano).

En el aspecto contextual artístico, se pueden observar los fondos de las escenas ricos en estilo y estética, resaltando los rasgos paleocristianos, románicos y góticos tardíos transicionando a nuevas formas durante el Renacimiento.

Desde los frescos basados en el antiguo estilo romano (usado exhaustivamente en el arte paleocristiano), las columnas de órdenes griegos que brindan simetría axial y orden, las catedrales de planta de cruz latina, hasta los palacios de patio central y cortile, la serie se encarga de exponer y pasear a la audiencia cinematográficamente por todos los elementos que componían el panorama artístico y arquitectónico durante el Renacimiento, donde el presente estaba en constante diálogo con el pasado.

Se resalta el debate dicotómico que se estaba produciendo vivamente durante la época entre el pensamiento predominante del medioevo sobre la guerra como medio de superviviencia, y el nuevo pensamiento de cuestionar los órdenes establecidos y los métodos de resolución de conflictos para los intereses propios. Se destaca reiteradamente que siempre se puede tomar una decisión de seguir con las antiguas tradiciones disfuncionales, o aventuararse a una filosofía que permita una mejor sociedad y existencia para uno mismo, incluso en la estrechez de la situación. Esta idea también se representa a lo largo de la serie entre los métodos de Giovanni como patriarca de la familia y los métodos de Cosimo como heredero (buscando tomar libertades que no eran usuales en los manejos políticos del padre).

Continuando con el desarrollo en el segundo y tercer episodio, la guerra con Milán no estaba dando buenos resultados y la economía de Florencia estaba en ruinas (impuestos altos, escasez de flujo de dinero, cierre a importaciones, destrucción de la base de empleo e inversión, etc.). Cosimo financia al visionario orfebre y arquitecto Filippo Brunelleschi para que construya una cúpula para la catedral de Santa Maria del Fiore, generando así empleo y migración interna, mientras los Albizzi seguían explotando a la población con miras de seguir manteniendo el estado de guerra, por lo que Cosimo negocia un acuerdo entre Lucca y el duque de Milán para la paz por medio de su contacto, Francesco Sforza.

Se resalta como Cosimo se volvió un estatega político y económico tanto de sus recursos como de los recursos disponibles de aquellos a su alrededor, con tal de lograr sus intereses y objetivos sin ensunciarse las manos en el acto, siempre y cuando beneficie la imagen de la familia Medici. En la serie en general, se ve cómo los poderosos utilizan a la población civil y su fervor/lealtad religiosa o política para sus propios intereses.

En cuanto a la construcción del domo de la catedral, Filippo Brunelleschi fue contratado para la obra. Se presenta como él, en un principio, no era considerado en su círculo social debido a sus actividades de orfebre. Sin embargo, Brunelleschi es presentado en la serie como el visionario que fue, ideando un diseño basado en el cálculo matemático estructural para poder construir la cúpula.

Explica que se realizará sin sistema de andamiaje; en cambio, será construida en el aire, siendo sostenida por dos domos en vez de uno. El domo interior funcionará como soporte para el domo exterior. Los primeros 46 pies serían construidos en piedra, luego se utilizarían materiales más livianos, como por ejemplo el bloque de ladrillo, el cual sería colocado en forma de enlosado en espina de pez (conocido como herringbone pattern en inglés), de manera que los bloques sirvan de soporte unos a otros.

Como buen renacentista, se basó en los principios clásicos de orden, centralidad y distribución de peso encontrados específicamente en el Panteón de Roma, el cual sería su "musa" para esta obra.

Estas situaciones que se han descrito hasta ahora revelan que una de las nociones fundamentales de Cosimo durante la serie para cumplir sus objetivos es el de aprovechar (o ingeniar) oportunidades en los escenarios complicados o precarios. En estos episodios, la arquitectura fue protagonista de su jugada económica, política y social para dar propaganda a su familia, generar empleo (y, por ende, ingresos) para la ciudad con la construcción del domo de la catedral, dar una peor imagen a la guerra de la que ya tenía entre la opinión pública florentina, llevando a perjudicar indirectamente a su rival, Rinaldo Albizzi. Además, Cosimo utlizó los fondos de los diezmos de los fieles religosos destinados al papa para la elaboración de la construcción, justificando incluso los fines religiosos de tal emprendimiento.

Durante la peste negra, se incentivó a continuar la obra, esta vez convirtiendo a la catedral en un hospicio para los víctimas de la peste, una vez más, favoreciendo la imagen de los Medici ante la opinión pública.

Con esta estrategia magna de Cosimo, la gente no estaría agradecida con los Albizzi por hacer la guerra o incentivar levantamientos políticos que generan inestabilidad social, sino con los Medici por haber alimentado a sus familias y desarrollado la economía en tiempos de crisis, fortaleciendo el favor de la población, el cual, guiándose por los principios de "El Príncipe" de Maquiavelo en los capítulos 2 y 3 (Nicolás Maquiavelo, "El Príncipe". 1532, Italia), es fundamental para mantenerse en el poder y lograr control sobre ellos por medio de su propia voluntad.

Continuando con la línea de pensamiento maquiavélica, es bueno para el gobernante ideal ser amado por su población por los actos que hace para manternerla contenta, y, al mismo tiempo, es bueno ser temido por esa misma población cuando se muestra lo que ocurre si alguien busca alterar el orden y el poder del gobernante. Desde mi punto de vista personal, esas nociones de teoría socio-política/ciencias políticas están bien logradas en la serie.

En cuanto al contexto religioso, se reflejan las prácticas comunes de la iglesia de la época, donde la curia católico-romana del periodo renacentista no se caracterizaba precisamente por ser "fieles religiosos movidos por la fe". Parafraseando al teólogo argentino Lucas Magnin (Magnin, L., "Las Cinco Solas: ¿Por qué nunca me contaron esto?"), era un tiempo donde el continente pasó de ser de papas y pontífices a príncipes. El papa y el alto clero tenían mayor interés en ser mecenas (y la percepción y beneficio social que ello conlleva) que ser pastores. Era un tiempo donde ser papa o cardenal daba un estatus y poder cercanos (o, incluso, hasta igual o mayor) al de un príncipe o gobernante de la nobleza. Mientras más conexiones (y capital) hubiese para subir la intrincada escalera jerárquica de la iglesia de ese tiempo, mejor, puesto que aquellos que se introducían a las altas esferas del clero veían realizadas sus expectativas de riqueza.

De acuerdo a los testimonios de la época de creyentes descontentos con la institución (como Pedro Valdo, Girolamo Savonarola, Jan Hus, John Wycliffe, William Tyndale o el propio Martín Lutero con sus 95 tesis), las intenciones de estas personas en el establishment religioso eran dejar huellas de poder de la mano de las grandes mentes artísticas e intelectuales del Renacimiento; los sacerdotes de las parroquias que buscaban guiar genuinamente en la fe a los feligreses contaban con muy poca instrucción teológica, pastoral y filosófica, sin contar con el apoyo necesario de la institución.

Esta era la cristiandad que se estaba viviendo, donde ser cristiano era más un asunto cultural que uno de convicción, situación que empezaría a ver su ocaso desde el Renacimiento en la sociedad europea gracias al auge la modernidad, llegando a lo que hoy en día en el Occidente posmoderno se conoce como post-cristianismo.

Todo este contexto religioso que se muestra en la serie de Medici: Masters of Florence es lo que sentaría las bases posteriormente para la Reforma protestante.

En conclusión, la serie no es un recuento histórico exacto (lo cual no es el objetivo principal, no es lo que busca la serie, ni debe ser la expectativa de uno mismo como espectador), sino una aproximación y representación histórica adaptada para una audiencia moderna, donde la contextualización, estilos y narrativa está bien lograda. Desde la escenografía, la actuación, el reparto y el guión hasta el desarrollo de la trama y la concientización de la audiencia sobre las situaciones de la época, en general, son elementos que logran su cometido en acercar a los espectadores al contexto renacentista, la crisis ideológica de transición que se estaba viviendo y del uso de la arquitectura y las artes para la consolidación del poder e influencia, por medio de una de las familias que tuvo mejor uso de esos recursos cuando se presentó la oportunidad: los Medici.

[la-taberna-del-olimpo]

“El amor lo vence todo, pero el tiempo vence al amor”.

Cronos corta las alas a cupido-Pierre Mignard. Francia, 1612 - 1695.

A Cronos (El dios griego y padre del tiempo en el Renacimiento) Mignard lo ha pintado musculoso y con barba, con la guadaña y el reloj de arena a sus pies. Sostiene con fuerza a Cupido (El amor), cuyas flechas han caído al suelo lo que simboliza que ha sido vencido, y le recorta las alas para que no vuele demasiado alto. Simbolizando que el tiempo vence al amor.

[v-aleri-a]

Chernóbil: Tragedia y Esperanza en Medio de la Adversidad

Introducción: El desastre nuclear de Chernóbil en 1986 dejó una marca indeleble en la historia mundial. Esta entrada explora no solo la catástrofe, sino también la resiliencia y esperanza que han surgido desde entonces.

Desarrollo:

Desastre Nuclear de 1986: La explosión en la planta de Chernóbil liberó radiación, generando una de las mayores emergencias nucleares en la historia.

Consecuencias Humanas: Hubo pérdidas inmediatas y un aumento en problemas de salud relacionados con la radiación.

Zona de Exclusión: Una área de 30 km alrededor de la planta fue declarada inaccesible para humanos debido a altos niveles de radiación.

La Naturaleza Reclama: Sorprendentemente, la flora y fauna han prosperado en la zona sin presencia humana.

Renacimiento de Chernóbil: La zona atrae turistas y se convierte en un campo de pruebas para tecnologías de energía renovable.

Conclusiones:

Lecciones Aprendidas: Chernóbil subraya la importancia de la seguridad en la energía nuclear, impulsando mejoras en regulaciones y diseño de plantas nucleares.

Resiliencia Humana: A pesar de la adversidad, Chernóbil muestra la capacidad de la humanidad para recuperarse y encontrar esperanza.

Conclusión:

Chernóbil es un testimonio de la capacidad de la vida y la esperanza de renacer incluso en los momentos más oscuros. Representa no solo una tragedia, sino también la fortaleza humana y la capacidad de la naturaleza para sanar.

[ditafrombalthazar]

CRONOS CORTA LAS ALAS A CUPIDO!!

Cronos (El dios griego y padre del tiempo en el Renacimiento)

Sostiene con fuerza a Cupido (El amor), cuyas flechas han caído al suelo lo que simboliza que ha sido vencido, y le recorta las alas para que no vuele demasiado alto.

Y esta pintura así simboliza que el tiempo vence al amor.

Fuente: Desde el fondo del alma

[jepsoon0903]

Es Hora del Manierismo!!!

El Manierismo fue un estilo esencialmente italiano, y siempre que lo encontramos fuera de Italia representa la adopción de modelos italianos. El estilo nació en Roma hacia 1520, se propagó por el centro de la península y el valle del Po y se consolidó en extensas regiones en torno a la década de los treinta. 

Con Rafael muerto y Miguel Ángel en Florencia, la situación en Roma quedó en manos de un grupo de jóvenes artistas de gran talento. La precipitada evolución del Manierismo depende de este accidente histórico que motivó la concentración de mentes brillantes en un mismo lugar. Todos compartían los mismos patronos, encargos y hasta los grabadores, por eso es muy difícil separar las aportaciones individuales de la espesa red de influencias recíprocas.

El Manierismo no nació como una reacción contra el Alto Renacimiento sino como prolongación lógica de algunas de sus tendencias y realizaciones.

Algunas obras destacadas que aparecen en el manierismo son:

Capilla Chigi

Palacio Massimo alle Colonne

Palazzo Te

Villa Farnese

Il Gesú

Se anexa link con las ubicaciones de dichas estructuras para una mejor comprensión:

@lonuevodenuevo

[joseandrestabarnia]

Zhilinski Dmitri (1927-2015)

FAMILIA JUNTO AL MAR

1964

Tamaño - 123 x 88

Material - aglomerado

Técnica - temple

Número de inventario - ZhS-772

Recibido de la Unión de Artistas de la URSS. 1969

Esta imagen está impregnada de una sensación de claridad y armonía. Su autor, Dmitry Zhilinsky, se declaró claramente en el arte a mediados de la década de 1960. En sus obras, el público quedó impresionado por muchas cosas: el papel activo del color, la monumentalidad de la solución plástica, el equilibrio preciso de todas las partes de la composición. Pero lo más importante, las obras de Zhilinsky mostraron que apareció un maestro en el arte doméstico del período de posguerra, capaz de cambiar el alto estilo del Renacimiento europeo y la pintura de íconos rusos antiguos al lenguaje de la modernidad.

La pintura "Familia junto al mar" fue escrita por Zhilinsky después de un viaje a Italia, donde pudo ver y estudiar ejemplos destacados de la pintura renacentista. El artista descubrió y aprendió una serie de técnicas precisamente a través de las “lecciones” de los viejos maestros. "En obras como 'By the Sea' o 'Gymnasts of the USSR', no quería mostrar el momento, sino la esencia de lo representado, su color, que existe independientemente del estado y la iluminación". recordó el pintor.

"Familia junto al mar" fue la primera obra de Dmitry Zhilinsky, pintada no con pinturas al óleo, sino con témpera. La antigua técnica de pintura, dominada durante los años de estudio en el Instituto de Arte de Moscú, dejó de satisfacer las nuevas aspiraciones del artista. “En algún lugar a principios de los años sesenta”, recordó más tarde Zhilinsky, “mi amigo Albert Papikyan me dio una témpera y dijo:” En mi opinión, este es su material. “Desde 1964 pinto al temple. Casi todas mis obras significativas están pintadas sobre aglomerado sobre yeso, pequeños bodegones, paisajes, retratos sobre cartón - tableros duros.

La composición "Familia junto al mar" se basó en vívidas impresiones de unas vacaciones de verano. En primer plano, el pintor representó a su esposa, la escultora Nina Zhilinskaya, con sus hijos Olya y Vasya, y junto a él, se representó a sí mismo con un pescado recién pescado. Los personajes del segundo y tercer plan también están dotados de características individuales. La composición magistralmente construida está llena de detalles vivos. Y al mismo tiempo, la imagen presupone no solo una interpretación de género de la trama, sino al mismo tiempo una lectura simbólica de la escena.

La clave principal para la composición de la imagen fue la imagen de Nina Zhilinskaya, la encarnación de las ideas ideales sobre la feminidad y la maternidad. La armonía de las relaciones familiares se revela en la interacción de los héroes del primer plan. Las posturas y los gestos juegan aquí un papel importante. El propio pintor aparece serio y concentrado, el único de todos los personajes mirando directamente al espectador. Su mirada se explica, por un lado, por la situación de posar, cuando el artista pinta su retrato, mirándose al espejo. Pero al mismo tiempo, hay un desapego en su apariencia, reflejo: signos de la cosmovisión de una persona del siglo XX, que aparecen a través de la forma clásica y la estructura figurativa de la obra.

Información e imagen de la web de la Galería Tretyakov.