#Agustín Diassera

[danzadance]

FFABQ36 Recap: Patrica Guerrero in "Deliranza" from National Institute of Flamenco on Vimeo.

BAILE, DIRECCIÓN, COREOGRAFO: Patricia Guerrero

BAILE: Eduardo Leal, Maise Márquez, Gloría Del Rosario, Anna Pérez, Hugo Sánchez, Ángel Fariña, Fernando Jiménez

GUITARRA: Dani de Morón

CANTE: Amparo Lagares, Sergio "El Colorao"

PERCUSIÓN: Agustín Diassera

TECLADO: Óscar Álvarez

Video by Incredible Films / Christopher Michael Roybal

[elmartillosinmetre]

Mi crítica del concierto de Accademia del Piacere y Dani de Morón anoche en el Patio de la Montería del Alcázar, dentro de la Bienal de Flamenco.

[diyeipetea]

JazzX5#302. Dani de Morón: "Ani Maamin" [Creer para ver (Universal, 2020)] [Minipodcast de jazz] Por Pachi Tapiz

JazzX5#302. Dani de Morón: “Ani Maamin” [Creer para ver (Universal, 2020)] [Minipodcast de jazz] Por Pachi Tapiz

“Ani Maamin” Dani de Morón: Creer para ver (Universal, 2020) Dani de Morón, Agustín Diassera. El tema es una composición de Tuvia Shlonsky con arreglos de Avishai Cohen. © Pachi Tapiz, 2021 JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz. JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019. Todas las entregas de JazzX5 están disponibles en…

[cristinabcn]

Dani de Morón, ¡qué concierto!

Dani de Morón, ¡qué concierto!

By Teresa Fernández Herrera

Dani de Morón, el artista de la guitarra luminosa de Morón de la Frontera, (Sevilla) uno de los vértices del  triángulo mágico de la gran cantera flamenca, ofreció un conciertazo el pasado domingo en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Madrid, el segundo especial del ciclo Andalucía Flame…

[lamardeonuba]

Por Teresa Fernández Herrera.

Creo que este es un encuentro que estaba predestinado a producirse, el de la cantaora más versátil del panorama flamenco actual, Rocío Márquez con el poeta y músico uruguayo Jorge Drexler, en un trabajo que ya lleva un año de éxitos de audiencia, con un título que casi no podía ser otro: Aquellos puentes sutiles, puentes entre las dos orillas atlánticas, tan ricas en folklore, con tantas afinidades y convergencias.

En el gran auditorio de la Fundación Baluarte de Pamplona, en el marco del Festival Flamenco on Fire, un público entregado premió con sus aplausos un concierto que estuvo entre lo mejor del festival. Un concierto en el que todas las canciones tuvieron hermosas palabras de comunicación con el público. Una escena compuesta por tres mesas, que como explicó Jorge Drexler, las de los extremos están diseñadas para percutir y la del centro ‘para colocar nuestras cosas’; mesas históricas también en la percusión flamenca. Por la derecha estaban el gran Agustín Diassera, y la guitarra de Miguel Ángel Cortés y por la izquierda Borja Barrueta a la percusión y Martín Leiton con su leona y guitarrón, un equipo instrumental de auténtico lujo, incluida la guitarra de Jorge Drexler.

Qué gran trabajo de interconexión el de estos diálogos musicales entre España y las Américas, siempre cercanas en culturas. Encendieron los sentimientos del público desde la Milonga de un moro judío del inicio, de esta orilla, seguida de la vidalita La desvelada, cante de ida y vuelta de procedencia argentina. Dúos por guajiras inspiradas en Pepe Marchena, la milonga Nunca te dije nada de Omar Moreno Palacios acompañados de percusiones con escobillas, baquetas, manos y brazos y por la leona de Martín Leiton.

Un solo de Rocío acompañada por el maestro de la guitarra Miguel Ángel Cortés y la percusión de Diassera, en la que mostró una vez más  la enorme riqueza de sus registros y técnicas vocales en las que es maestra, con el Romance a Córdoba, mezcla de declamación y canto. Su versión de Se nos rompió el amor que acabó en un quejío inenarrable, con su voz prodigiosa, en recuerdo de su tocaya Jurado. Carlos Cano también tuvo su homenaje con una versión por bulerías de Me embrujaste.

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(Imágenes: Martín Naranjo. Tomadas en el concierto Aquellos puentes sutiles celebrado en el Foro Iberoamericano de La Rábida de Huelva en julio de este año)

Solos de Jorge Drexler de la otra orilla, entre otros Soledad, Mi guitarra y vos, la sobrecogedora Al otro lado del río que él compuso para la película Diarios de motocicleta. Luego llegó la magia a lo grande, con una composición de Drexler en homenaje a Enrique Morente, interpretada a dúo, Cuando cantaba Morente. La locura llegó con la Tonada de la luna llena del venezolano Simón Díaz que Rocío transformó en toná flamenca en forma de debla, que cantó con un chorro de melismas interminables que dejaron sin respiración a la sala, no a ella que puede y sabe.

Más homenajes, al compositor uruguayo Alfredo Zitarrosa con la zambra Por vos. Hubo referencias a Leonard Cohen y a García Lorca con Manhattan que luego derivó en Dance me to the end of love, un guiño a la admiración que sentía Cohen por Lorca.

La última parte del concierto nos trajo una versión muy especial de Drexler cantada por Rocío de La Leyenda del tiempo que hubiera encantado a Camarón de la Isla. Y luego llegó el recuerdo a la gran Lola Flores con una versión de Ay pena penita pena  en clave de jazz con gran intervención instrumental.

Y como nunca puede faltar en los conciertos de Rocío Márquez un guiño a Pepe Marchena, inventor de la colombiana inspirada en los corridos mexicanos, pusieron la guinda con el corrido El Venadito, en versión aflamencada de Rocío.

Puentes sutiles que existen y que ellos pusieron en escena con una calidad artística rozando la perfección y derrochando emociones, versionando lo de nuestra orilla con calidades de la orilla de allá  y lo de aquella orilla en versiones flamencas. Drexler cantando a ratos en clave flamenca y Rocío quien ya tiene mucha experiencia en eso, cantando en clave de excelente folklorista sudamericana.

Se puede hacer, se puede conseguir, existen y están presentes esos puentes sutiles interculturales, lo nuestro es suyo y lo suyo es nuestro. Los pueblos siempre se entienden y aquí Jorge Drexler y Rocío Márquez  lo entendieron y actuaron en representación de los pueblos de las dos orillas. ¡Bravo!

Los puentes sutiles entre la onubense Rocío Márquez y el uruguayo Jorge Drexler,’ Flamenco on Fire’ en Pamplona Por Teresa Fernández Herrera. Creo que este es un encuentro que estaba predestinado a producirse, el de la cantaora más versátil del panorama flamenco actual, 

[noticiascantautores]

La sutileza como excusa

Voz y guitarra: Jorge Drexler. Guitarra: Miguel Ángel Cortés. Percusión: Agustín Diassera y Borja Barrueta. Leona y guitarrón: Martín Leiton. Festival ... via Cant https://ift.tt/2U7zkza

[vaivenesflamencos]

Hijos de Grecia

XX Bienal de Sevilla. Romances entre oriente y occidente. Idea, dirección, arreglos y viola da gamba: Fahmi Alqhai. Viola da gamba: Rami Alqhai, Joanna Rose. Percusión: Agustín Diassera. Órgano y clave: Javier Núñez. Guitarra: Dani de Morón. Setar: Kiya Tabassian. Cante: Carmen Linares. Soprano: Mariví Blasco. Voz: Ghalia Benali. Lugar: Real Alcázar, Sevilla. Fecha: Miércoles 12 de septiembre. Aforo: Casi lleno.

Se trata básicamente de dos cosas. Un concierto de música renacentista y otro de Ghalia Benali. La puesta en escena de la cantante tunecina, como su voz grave, nos recuerda a las grandes divas del Magreb y Oriente Medio del siglo XX, lo cual ya justifica de por sí un concierto. Las pinceladas flamencas fueron eso: unas seguiriyas del repertorio de Carmen Linares, una farruca, que parece ser el estilo revelación de esta Bienal, del repertorio de Dani de Morón y los tangos finales. Puramente testimonial, pese a tratarse de dos grandes maestros. Antes de los tangos Fahmi Alqhai justificó el recital apelando al mestizaje y al diálogo de culturas. Aplaudimos por supuesto las buenas intenciones aunque todos los conciertos que hemos visto en este festival, como todos los que veremos, como toda cultura, incluso las de los indígenas del Amazonas, son hijos del mestizaje.

Por eso la selección de los romances a que alude el título de la obra, la parte renacentista del concierto, se centra en el cancionero fronterizo que cuenta los encuentros y desencuentros de moros y cristianos en la Edad Media española. Algunos de estos pasaron al flamenco, en las voces del Negro del Puerto, Alonso y Dolores la del del Cepillo o Antonio Mairena. No así los seleccionados para este recital que firman musicalmente Juan del Encina, Pedro Guerrero o Luis de Narváez. La voz de la gran Mariví Blasco es siempre un placer y la Accademia del Piacere es un conjunto fabuloso con un solista virtuoso, fenomenal. Faltó, eso sí, la búsqueda en el romancero hispano de los orígenes de lo jondo que podemos rastrear en peteneras, caña y otros estilos flamencos, singularmente el corrido. Nada que ver con la farruca, que era una tonada de moda en la España de principios de siglo XX hasta que el gran Faíco la coreografió con la ayuda de Ramón Montoya. El programa de mano nos explica que el concierto pretendía buscar la huella árabe en el flamenco a través del romancero. Pero lo cierto es que lo árabe, que sin duda existe en lo jondo, es francamente difícil de rastrear en el flamenco. Nadie lo ha conseguido hasta ahora. Tampoco la Accademia del Piacere. Por contra, como digo, se ha perdido una hermosa oportunidad de rastrear los orígenes remotos de lo jondo, que sin duda son más fácil de encontrar en el romancero castellano. A cambio, hemos tenido un gran concierto con intérpretes de altura, a los que sumar el gran instrumentista iraní Kiya Tabassian, que ofreció algunas variaciones impresionantes.

Como impresionante fue el comienzo del concierto que busca en los modos gregorianos los modos del romancero para después introducir lo árabe. De eso se trataba, de conectar músicas de repertorios muy distinto a partir de las afinidades armónicas y/o rítmicas. Buscar el oriente del flamenco en el Magreb actual apunta en la buena dirección. Siempre que tengamos presente a Grecia. Porque las culturas del Mediterráneo, ya se sabe, son Grecia. En Grecia está el origen.

Imágenes: Óscar Romero/Bienal de Flamenco.

[elmartillosinmetre]

Mi crítica del concierto de Accademia del Piacere esta mañana en el Espacio Turina.

[diyeipetea]

INSTANTZZ: Arcángel y Las Nuevas Voces Búlgaras “Al este del cante” (Barts, Ciutat Flamenco 25 anys, Barcelona. 2018-05-23) [Galería fotográfica]

INSTANTZZ: Arcángel y Las Nuevas Voces Búlgaras “Al este del cante” (Barts, Ciutat Flamenco 25 anys, Barcelona. 2018-05-23) [Galería fotográfica]

Fecha: Martes, 23 de mayo de 2018

Lugar: Barts (Barcelona)

Grupo: Arcángel y Las Nuevas Voces Búlgaras Arcángel, cante Dani de Morón, guitarra flamenca Rycardo Moreno, guitarra flamenca José Manuel Posadas “Popo”, bajo de cinco cuerdas Agustín Diassera, percusión Las Nuevas Voces Búlgaras, voces Giorgi Petkov, director del coro y arreglos

Tomajazz: © Joan Cortès, 2018

[diyeipetea]

INSTANTZZ: Rocío Márquez & Fahmi Alqhai “Diálogos de viejos y nuevos sones” (Teatre Conservatori, 20a Fira Mediterrània de Manresa, Manresa. 2017-10-07) [Galería fotográfica]

INSTANTZZ: Rocío Márquez & Fahmi Alqhai “Diálogos de viejos y nuevos sones” (Teatre Conservatori, 20a Fira Mediterrània de Manresa, Manresa. 2017-10-07) [Galería fotográfica]

Fecha: Sábado, 07 de octubre de 2017

Lugar: Teatre Conservatori (Manresa -Barcelona-)

Grupo: Rocío Márquez & Fahmi Alqhai “Diálogos de viejos y nuevos sones” Rocío Márques, voz Fahmi Alqhai, viola de gamba Rami Alqhai, viola de gamba Agustín Diassera, percusión

Tomajazz: © Joan Cortès, 2018

[diyeipetea]

INSTANTZZ: Manolo Sanlúcar (14è Festival Mas & Mas, Palau de la Música, Barcelona. 2016-09-01) [Galería fotográfica]

Fecha: Jueves, 01 de setiembre de 2016

Lugar: Palau de la Música

Componentes: Manolo Sanlúcar, guitarra David Carmona, guitarra Carmen Molina, cante Agustín Diassera, percusión

© Joan Cortès, 2016

[elmartillosinmetre]

"Necesito tocar y emocionarme"

Convertido en una de las grandes figuras de la actual música española, Fahmi Alqhai (Sevilla, 1976) presenta su último trabajo para Glossa, un paseo personal a través de su viola.

-¿Qué es A piacere?  -Se trata de un trabajo muy decantado, que recoge lo que vengo haciendo en concierto prácticamente desde que empecé a tocar la viola. Siempre es así. Con Accademia del Piacere es lo mismo, sólo grabo cuando las ideas están muy asentadas, muy maduras, después de haberlas contrastado con el público muchas veces. Es el repertorio básico que he hecho como solista, pero yo también quería ir un poco más allá, y por eso presento algunos arreglos de música en la que participan colaboradores estrechos, aunque siempre tratando de que todo tenga una unidad, de que resulte homogéneo. Creo que este disco define muy bien mi manera de acercarme al instrumento, de sentir la música; en este sentido, es un disco muy personal. El sonido es mío. No suena a ninguna escuela de gamba tradicional. Mi intención última es romper esa barrera que durante tanto tiempo ha frenado el desarrollo de la viola. El maestro Savall inventó el instrumento, pero hacía falta dar un paso más y es lo que intento aquí.  -¿Puede ser más específico? ¿En qué consiste ese paso adelante?  -Yo venía del mundo del rock y de la guitarra eléctrica, y cuando llegué a la música antigua tuve la impresión de que en algunos instrumentos (desde luego, en la viola da gamba) se eludía la parte de la técnica. A la viola se le había colgado el cartelito de instrumento espiritual, de perfecto reproductor de la voz humana, una cosa muy íntima, todo eso de Sainte-Colombe encerrado en su cabaña, y es cierto que buena parte del repertorio clásico de la viola, sobre todo, del francés, responde a esa naturaleza, pero hay mucho más. Estamos hablando de un instrumento que aparece en el siglo XV y que llega con fuerza en algunas zonas de Europa a finales del XVIII. No puede ser que sigamos trabajando sólo en torno a los trinos y los retardos de cuarta, contemplando sólo su capacidad para sonar intimista. Cuando empecé a estudiar, me di cuenta de que no había tratados de técnica: querían enseñarte cómo hacer un trino cuando todavía no sabías ni cambiar de posición. Hay muchos violistas que se resisten a este trabajo concienzudo de escalas, de acordes, de posiciones, que son imprescindibles en los instrumentos de mástiles, de trastes. Yo estoy casi convencido de que en el Barroco la viola no se tocaba como se toca hoy, pero no es sólo por eso, pienso que por honestidad personal, tenemos que dar ese paso adelante. Hoy entras en Spotify o en Youtube y de viola da gamba apenas escuchas nada más que Marais, Sainte-Colombe, Hume y cuatro cosas más. Y muchas veces esto es así porque es el único repertorio que los gambistas pueden tocar. Falta técnica. Por qué si no hay tan pocas grabaciones de las sonatas de Carl Philipp Emanuel Bach, de los conciertos de Graun o de tanta música inglesa virtuosa, que casi nunca se toca. A mí me queda mucho camino por recorrer en el repertorio, desde luego, pero trato de abrirme siempre a cosas nuevas. A nadie le gustaría que a la viola volviera a pasarle lo que a finales del siglo XVIII, que se disolviera en la nada, pero para evitarlo, no podemos quedarnos anclados en el Libro III de Marais, y la mención a Marais es sólo un ejemplo, entiéndame. 

[A piacere. Fahmi Alqhai (viola da gamba) y amigos. Glossa (Sémele)] -En este disco incluye desde luego música de Marais y de Sainte-Colombe, que toca en solitario, como a Bach o a Sanz, pero además incluye otras músicas que toca con algunos colaboradores. ¿Por qué sintió esa necesidad?  -No es algo muy habitual a la hora de hacer un disco de música antigua, es cierto. Pero quise incluir piezas que se salían de la interpretación más clásica, y para ellas busqué el color y el apoyo de los colegas. Tengo buenos amigos músicos, de un nivel altísimo; el problema real era a cuáles escoger para este disco. He hecho muchas veces El canto de los pájaros como solista, pero aquí arriesgué y llamé a Arcángel: me pareció interesante ese toque morisco en esta canción catalana, para la que además pedimos una versión del texto en castellano al poeta Manuel García.  -La presenta además como una nana para su hija.  -Sí, es la nana de mi hija Juliette, porque en origen la canción es eso, una nana. Intentamos hacerla partícipe de la grabación, con algún ruidito, pero ese día parece que no estaba por la labor… De todos modos, creo que ha quedado como uno de los temas más floridos del disco. En cualquier caso, yo quería que el acompañamiento fuera discreto, para que no se perdiera de vista esa idea de la viola como gran protagonista. Necesitaba a gente que tocara muy bien y que supiera lo que hacía. Por eso está Pablo Martín, que es un contrabajista extraordinario y que se mueve por todas las músicas, jazz, flamenco, antigua, clásica… le da igual lo que le echen. También Pedro Estevan, que todo lo que hace es exquisito, y Agustín Diassera, un grandísimo percusionista, al que quería para los ritmos más cañeros. Su aportación en la obra de Satriani es fantástica. ¿Y qué puedo decir de un clásico como Juan Carlos Rivera, que además ha sido profesor mío? Es alguien que me dio la oportunidad de tocar con él, que respeta mi trabajo, y para mí es un honor tenerlo aquí. Y por supuesto están también mi hermano Rami y mi esposa, Johanna Rose, con los que, por razones obvias, tengo una estrechísima relación artística.  -Su nombre figura al lado de los compositores como coautor de las obras. Sigue pensando que la música es tanto del compositor como del intérprete.  -Sin duda. Eso es algo básico. Si yo no sintiera la música así, no me levantaría a tocar y estudiar todos los días con las ganas con las que lo hago. Yo necesito tocar y emocionarme, y luego de un concierto, contarlo a mis amigos. Esa idea, tan común en la música antigua, de que somos simples mensajeros de lo escrito, es un concepto erróneo y falaz. Toda la buena música tiene que pasar por el corazón, si no no estamos hablando de arte, sino de un funcionariado artístico. Una buena interpretación de Bach o de Forqueray tienes que sentirla; cuando la tocas, tú, como artista y como persona, tienes que estar presente en esa música. Lo mejor que le puede pasar a un músico es que alguien te identifique cuando te oye tocar, que tu Bach o tu Marais o lo que sea suene a ti.  -Es el segundo disco que publica en Glossa. ¿Significa esto que Alqhai & Alqhai ha dejado de existir como sello discográfico?  -No necesariamente. El problema es que A&A exige mucho trabajo, y llegó un momento en que me veía haciendo labores burocráticas que yo no quería hacer. Parecía que en vez de un grupo de música dirigíamos una oficina. Y Glossa nos trata muy bien, respeta nuestro trabajo y nos da una gran libertad. En el fondo, nosotros seguimos haciendo nuestro producto, lo que queremos hacer, y ellos lo envuelven de forma admirable y nos dan la cobertura imprescindible para un disco. Por ahora nos va bien así. Ya veremos en el futuro.

[Diario de Sevilla, 24-02-2014]