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Joan Miro - Table of plates from The ring of dawn suite

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Mudeza

Veo un corazón paralizado.

No siente y no grita, no habla, pero tampoco calla, susurra, pero es muda, susurra, pero no se oye.

Un corazón paralizado.

Que pide, pero es sordo, llama, pero nadie lo vé, late, en penumbras. La oscuridad lo arrulla, como si la vida fuese su manta, una manta sucia, frívola y rota.

Corazón paralizado.

Nadie vé, nadie siente, todos temen. Tiene mucho que dar, pero se ha quedado mudo; recita poemas, pero nadie logra leer sus labios. Sus manos se han enfriado, sus piernas se han negado a moverse, se ha paralizado.

Un pobre corazón paralizado, negado a la vida, negado a todo aquel que deseare conocerlo, negado a sentir y latir.

—Alex—

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La puerta al corazón de la estética religiosa  

Por Valentina Rivera Goez 

Nuestro primer objetivo debe ser comprender el mundo, pero para comprender el mundo es necesario abrir la puerta de nuestro corazón para poder captar todo aquello que nos rodea. Una de las formas por medio de las cuales se expresa la dimensión estética del arte es precisamente la religión. Es por esa razón que no pienso que el pensamiento no puede reducirse únicamente a la razón, sino que debe brotar de lo más profundo de nuestro ser. Es precisamente de esta profundidad de donde surgen todas las posibilidades que dan forma al arte.  

La religión inspira al arte. Aunque no solo la religión ortodoxa, sino también el paganismo. Estatuas incomparables como el Laocoonte o la Venus de Milo son excelentes ejemplos, también las líneas de Nazca o la estela Raimondi de las ruinas de Chavín de Huántar entran en esta descripción. 

Según este orden de ideas, podemos dar diferentes visiones de la obra de arte desde un pensamiento religioso, pues la religión influye el arte, pero también transforma al artista. Las diferentes tradiciones de las distintas culturas del mundo están ligadas igualmente por el arte, por lo que existe una fuerte conexión entre la sabiduría y el entendimiento religioso del mundo. Una tesis que es defendida por todos los historiadores del arte es que el romanticismo, como rebelión contra la Ilustración y el racionalismo, no desapareció realmente después de su período de auge a comienzos del siglo XIX, sino que más bien mutó a lo largo del tiempo. En este sentido, corrientes como el simbolismo o el surrealismo serían en realidad continuaciones del romanticismo, retomando muchos de sus aspectos oscuros y negros que se expresaron en el arte y la literatura. Corrientes como los prerrafaelistas, los navis, el dadaísmo, etc., no fueron sino continuaciones de esa rebelión estética en contra del conocimiento racional y científico en nombre de una forma de conocimiento no racional. Esta forma de conocimiento no está basada en la razón y sus cadenas causales, sino en un conocimiento inmediato y simbólico donde podemos captar la totalidad del sentido por medio de la imaginación y las imágenes. Este medio de conocimiento, que ha existido desde épocas antiguas es despreciado por el mundo moderno, sin embargo, nuestro interés en el arte es precisamente volver sobre este modo de conocimiento y sobre los artistas que fueron influidos por estas corrientes artísticas. 

Al igual que Josephin Péladin, nosotros creemos que el artista es un rey, un sacerdote cuyo objetivo es preservar la tradición y la fuente de la belleza en un mundo donde solo prima el dinero o el materialismo. Péladin solía decir: “Artista, eres un sacerdote: El arte es el gran misterio y si tu esfuerzo se traduce en una obra maestra, un rayo de divinidad descenderá al altar. Artista, eres un rey: El arte es el verdadero imperio, si tu mano traza una línea perfecta, los propios querubines descenderán para deleitarse con su reflejo... Puede que un día se cierren las Iglesias, pero [¿qué pasará] con los Museos? Si Notre-Dame es profanada, el Louvre será el nuevo oficiante... La humanidad, ciudadanos, irá siempre a misa, cuando el sacerdote sea Bach, Beethoven, Palestrina: ¡no se puede convertir al órgano en un instrumento ateo! Hermanos de todas las artes, hago sonar este grito de guerra: formemos una santa milicia para la salvación del idealismo... construyamos el Templo de la Belleza... porque el artista es un sacerdote, un rey, un mago, porque el arte es un misterio, el único imperio verdadero, un gran milagro” (1). 

Es de esta manera que podemos observar cómo la religión termina por darnos un sin fin de ideas nacidas de una visión espiritual del mundo. Un ejemplo perfecto sería Rubens, el cual da un sentido sensual a sus obras tocando temas tradicionales sacados de la mitología y las leyendas religiosas. Rubens es la perfecta manifestación de un espíritu dionisíaco donde el artista celebra la carne en sus obras. Sus trabajos, como Las Tres Gracias, desbordan un naturalismo donde figuras femeninas grandes y redondas, que recuerdan a las viejas Venus neolíticas, expresan un mundo de abundancia, placer y vida. Otras de sus obras, por el contrario, expresan la dimensión trágica de la vida Diana y Calisto, donde las diosas y las ninfas lloran inconsolablemente frente a la muerte. 

Las tres Gracias (Rubens) 

Diana y Calisto (Rubens) 

Otro gran exponente de esta tendencia es el artista romántico William Blake, cuyas maravillosas obras de arte reflejan un simbolismo con un profundo arraigo espiritual que reflejan una interioridad y fantasía que impregnan todos sus trabajos. Estas obras igualmente las podemos ver en su poesía. Blake era un acuarelista que trató de conversar con lo supranatural de forma constante. En su infancia afirmaba que se había encontrado con el profeta Ezequiel bajo un árbol y desde entonces dibujó toda clase de imágenes religiosas sacadas de otro mundo. Algunos ejemplos son la Escalera de Jacob, donde se observa el ascenso hacia otro mundo muy diferente al nuestro. Otras imágenes parecen sacadas de un mundo de fantasía oscura y perturbador, como el Nabucodonosor o El dragón rojo. Sobre Blake el escritor británico Chesterton escribió lo siguiente: «No había nada extravagante ni ostentoso en el sobrenaturalismo de Blake. Lo sorprendente no era su frenesí, sino su calma. Desde que conoció a Ezequiel bajo un árbol, nunca había hablado de tales seres excepto en los tonos más ordinarios». El siglo XVIII está lleno de sobrenaturalismo declamatorio, pero Blake fue el único que habló de lo sobrenatural con naturalidad. Muchas figuras muy respetadas dieron fe de milagros; él se limitó a mencionarlos de pasada. Cuando decía que había conocido a Isaías o a la reina Isabel, no lo relataba como un hecho indiscutible, sino como un suceso tan cotidiano que ni siquiera era discutible. Soberanos y profetas bajaban del cielo o se levantaban del infierno para posar para él y él se quejaba de ello sin mostrar la menor sorpresa, como si sólo fueran modelos profesionales que le causaban un poco de molestia» (2). 

Escalera de Jacob (William Blake) 

Nebuchadnezzar (Tate Britain) 

The Great Red Dragon paintings 

Nos gustaría detenernos en el arte de Gustave Moreau, un pintor simbolista en que el abundan las referencias religiosas mezcladas con un fuerte sentido de lo decadente y en los cuales aparecen muchos elementos propios de su época. Sus obras están cargadas de un fuerte simbolismo y estilo críptico que en muchas ocasiones resulta desconcertante. Muchas de sus imágenes tienen un fuerte sentido místico donde las escenas bíblicas y mitológicas adquieren un sentido surrealista, casi como si se trataran de un sueño. El ejemplo perfecto de ello es Salomé (La aparición), ya que en el cuadro se muestra la cabeza flotante de San Juan Bautista después de ser decapitada por el rey Herodes. Otro ejemplo sería la escena abigarrada y confusa, llena de colores y formas extrañas, de Júpiter y Sémele donde los dioses, ángeles y ninfas contemplan impávidos como un imperturbable Júpiter devora a Sémele para dar nacimiento a Minerva. 

The Apparition de Gustave Moureau 

Jupiter and Semele de Gustave Moreau 

Un autor mucho más actual sería Vasili Vasílievich Kandinski, cuya visión del arte abstracto está impregnada de una fuerte espiritualidad. Kandinski nos mostró como el objeto pasa a un plano secundario para darle forma a una idea anterior. Kandinski era un anarquista y consideraba que el deber del arte era volver a ese mundo anterior al realismo, el cual había destruido el arte y era la causa de la degeneración contemporánea. De allí que muchas de sus obras, como la Composición VII, la cual nos muestra un torbellino de luces y colores, son un intento de captar el ajetreo y movimiento del mundo moderno, un mundo que se deshace de las formas para convertirse en puro contenido. El arte ya no es referencial, sino que intenta explorar aquellos temas que fueron dejados de lado e incluso inspirándose en el arte campesino más antiguo para darle forma a la estética. Kandinski, junto Franz Marc, fundó el Blau Ritter como un intento de superar la degeneración moderna y devolverle al artista su papel como sacerdote, como guía espiritual del mundo, que le había sido arrebatado por el racionalismo. En su libro De lo espiritual en el arte, Kandinski habla sobre la responsabilidad del artista hacia la comunidad en la que vive y señala, igual que Peládin, que el poeta está en el origen de toda forma organizada: “El artista, comparado con el que no lo es, tiene tres responsabilidades: 1.º ha de restituir el talen que le ha sido dado; 2.º sus actos, pensamientos y sentimientos, como los de los otros hombres, conforman la atmósfera espiritual, la aclaran o la envenenan; 3.º sus actos, pensamientos y sentimientos, que son el material de sus creaciones, contribuyen a su vez a esa atmósfera espiritual. No es rey, como le llamó San Peladan, en el sentido de que posee un gran poder, pues su obligación también es muy grande” (3). 

Vassily Kandinsky, 1913 - Composition 7 

Creo que estos ejemplos que hemos señalado de pasada, muchos de los cuales son ignorados a menudo por el predominio actual del racionalismo, permiten ver que la imaginación tiene un componente espiritual. Algunos de estos artistitas también se interesaron por la alquimia, el esoterismo y el paganismo como un medio para observar el mundo más allá de la realidad material y física que percibimos. Un ejemplo de ello fueron los poetas malditos, como Charles Baudelaire y Arthur Rimbaud. Baudelaire desarrolló la teoría de las correspondencias y la sinestesia. La teoría de la correspondencia consiste en darnos cuenta de que los acontecimientos cotidianos de nuestra vida son en realidad signos que nos hablan de realidades no humanas o supra-físicas que ocurren a nuestro alrededor, mientras que la sinestesia consiste en un desarreglo de los sentidos para observar el aspecto oculto de la realidad que no se nos presenta manifiestamente. Arthur Rimbaud expresó este ideal estético de forma clara cuando escribió: “Quiero ser poeta y me estoy esforzando en hacerme Vidente: ni va usted a comprender nada, ni apenas si yo sabré expresárselo. Ello consiste en alcanzar lo desconocido por el desarreglo de todos los sentidos” (4). Este principio sin duda puede aplicarse a varias corrientes artísticas que intentaron seguir este camino, caso del simbolismo y el surrealismo, los cuales intentaron abrir un nuevo camino en el arte dejando de lado el realismo y la correspondencia del arte con la realidad. El arte antiguo y medieval no se basaba en una simple reproducción de la realidad, como sucedió posteriormente con el arte moderno, sino más bien en un despliegue de la imaginación, como sucede en el Jardín de las delicias del Bosco o como uno de tantos momentos místicos provenientes de la Edad Media. Es por eso que pesamos que en la medida en que el arte fue dándole primacía a la reproducción de la realidad, la cual acabó en la reproducción mecánica de la obra de arte como decía Walter Benjamin, el arte decayó y se destruyó. El escritor anarquista Gustav Landauer sostenía este punto: “Landauer siempre se preguntó cómo revivir el espíritu comunitario dentro de la sociedad moderna y abogaba por una reestructuración de la sociedad en pequeñas comunas autónomas rurales. Landauer creía, al igual que Kropotkin, que los escritores, poetas y artistas eran los verdaderos guías del pueblo y por eso consideraba que el triunfo del realismo artístico era el origen de la decadencia espiritual de la Modernidad. Landauer publicó un libro titulado Die Revolution en 1908 donde alababa la Edad Media y decía que los gremios medievales eran el modelo de organización comunitaria por excelencia. Además, sostenía que la espiritualidad medieval se fue evaporando en la medida en que el realismo fue imponiéndose en las artes… por el Estado…” (5). 

El jardín de las delicias 

Ahora bien, el arte no solo se reduce a las pinturas o las esculturas, sino que también la literatura es un medio para la expresión artística: los poemas y obras literarias de William Blake, Gustavo Adolfo Bécquer, Charles Baudelaire, Gerard de Nervald, Antonin Artaud o la Divina Comedia de Dante son expresiones magnificas en este sentido. Podríamos agregar las obras literarias de otros autores, como El Anticristo de Dmitri Serguéievich Merezhkovski, las obras místicas de Raymond Abelio y Jean Parvulesco, las novelas de Herman Hesse, las historias de Virgilio, los Puranas hindúes y el I Ching chino. Todos estos libros gozan de un fuerte carácter religioso que se puede percibir en su contenido. Blake una vez escribió sobre sus trabajos: «No conozco otro cristianismo o Evangelio, aparte de la libertad del cuerpo y de la mente juntos, para ejercitar las divinas artes de la Imaginación, de la Imaginación que es la obra real y eterna de la que el universo de la vida no es más que una sombra debilitada, y en la que viviremos en nuestros cuerpos eternos e imaginarios cuando estos cuerpos mortales de la vida ya no existan» (6). Esta idea sin duda resulta de una gran importancia para nosotros y quisiéramos seguir explor��ndola en nuestros trabajos futuros. 

El arte también puede dotar a la religión de un aire de alivio y frescura que muchas veces no se percibe a simple vista, pues la representación visual de las ideas permite captar las cosas de una manera sorprendente, como sucede con las Muy Ricas Horas del duque de Berry en las cuales queda plasmada la vida cotidiana del pueblo de su época. 

Las muy ricas horas del Duque de Berry 

Es precisamente este punto de iluminación, de claridad, el que nos permite decir que los artistitas son influidos por una luz divina que da al mundo físico un aspecto distinto. Es precisamente el acceso a esa luz divina lo que permite al artista conocer la realidad de una forma distinta. Hoy en día muchos rechazan el hecho de que el arte o los artistas famosos y más relevantes de los últimos siglos hayan sido influidos por literatura espiritual y religiosa, pero existen muchas evidencias de ello. Tanto es así que incluso los actuales críticos de arte contemporáneo y los historiadores del arte actual reconocen estas influencias en muchos artistas de primer orden. “La palabra «vergonzoso» (embarrassing)”, escribe Alex Rose, “es extraída de un texto de teórica del arte de Rosalind Krauss que en 1979 dice que ‘ahora nos parece extremadamente vergonzoso poner las palabras arte y espíritu en la misma frase’. Sin embargo, Kandinsky, Pound y otros modernistas absorbieron a principios del siglo XX lo que Silver llama ‘una amalgama de fuentes espirituales – cristianas, hindúes, budistas, cabalísticas y alquímicas – simplemente descabelladas’. El hacerse pasar por brujos o gurús inspiró a muchos a artistas y escritores en sus intentos de hacer estallar la tradición y crear un nuevo orden” (7). 

Por otra parte, podemos decir que las fiestas y carnavales también encarnan un espíritu artístico y religioso que nos lleva a reencontrarnos no solo con las tradiciones más antiguas, sino también con el espíritu estético de una comunidad particular de la cual puede brotar una obra de arte. Los antropólogos han demostrado que las celebraciones son rituales que buscan reconstruir el todo social por medio de múltiples sentidos, ya que “la fiesta constituye un hecho social y cultural complejo, que al celebrar la vida y la experiencia de comunidad mediante ciclos rituales es capaz de movilizar sentimientos y emociones, así como de aglutinar las más diversas formas de expresión: deporte, juego, arte, comensalidad, sexo, hedonismo, ornamentación, liturgia, éxtasis, danza, exceso, desmadre, espectáculo, literatura, artes escénicas, ceremonia, diversión, cuerpo y espíritu. Un estado especial de catarsis personal y colectiva que transgrede las rutinas cotidianas y genera plenitud y trascendencia. Un tiempo excepcional y carismático, históricamente vinculado a las más diversas expresiones de religiosidad, en que se celebra la naturaleza y la intensidad vital... Además, las fiestas no solo constituyen un reflejo bastante fiel de las sociedades que las celebran, con sus esperanzas, ilusiones, mitos, divisiones, contradicciones y conflictos, sino que también tienen el poder de generar innovaciones y cambios en aquellas (Hernàndez, Marín y Martínez Tormo, 2022), un aspecto crucial para entender su fuerza performativa” (8). Colombia es un país de fiestas, donde se celebran precisamente nuestras tradiciones con todas sus contradicciones y cantos que abarcan las diferentes realidades de nuestro ser. 

Es importante que profundicemos en el paganismo a la luz de la obra de arte y la inspiración que podemos extraer de ella, porque de ese modo encontraremos que están más unidos de lo que parecen. De hecho, un excelente momento para captar el aspecto pagano de nuestra sociedad lo encontramos en las fiestas, de las que hablamos más arriba. Las fiestas del Corpus Christi en el Caribe colombiano, como han demostrado los antropólogos, conservan gran parte del patrimonio pre-cristiano mezclado con elementos católicos que podemos asimilar de varias maneras. Un ejemplo perfecto de esto es la historia de porque el diablo baila en los carnavales colombianos: «Dios le dijo al diablo que tenía que adorarlo, el diablo le contestó que no podía, porque era su enemigo. Dios le respondió que sí (…) «Te voy a presentar una fiesta para que tú me adores». Y entonces hizo la fiesta y comenzó a bailar y le dio de compañera la Cucamba para que bailara con él, ya que Dios se le presentó al diablo en forma de pájaro, que es la Cucamba» (9). Aquí, como señalan los académicos, no se trata del diablo de la teología cristiana, sino de un espíritu o dios pre-hispánico o negro que termina por bailar en las celebraciones católicas reconciliando lo terreno con lo celestial. Este espíritu que aparece en las fiestas es precisamente el que todo artista debe asumir, volver sobre él y encarnarlo para de ese modo revivir las facultades dionisíacas atrofiadas debido al racionalismo y el materialismo imperante en el mundo moderno. 

No obstante, debemos anotar que, aunque usemos la religión como fuente de inspiración, está última se ha visto sometida a una fuerte degradación igual que el arte, por lo que no toda forma religiosa actual nos puede servir como inspiración real. 

El arte religioso contemporáneo carece por completo de ese brillo insondable y mística que poseía en el pasado. Esto se debe a que el arte se ha diluido hasta perder su esencia, lo mismo que ha ocurrido con la religión, lo que ha terminado por crear un arte religioso poco profundo e insulso que ya no tiene nada de cautivador. 

Teniendo como premisa todo lo expuesto arriba podemos decir que existe un vínculo entre el arte y la religión, razón por la cual los artistas acuden a la religión para encontrar ideas. Los artistas son sacerdotes que exponen de diversas maneras las verdades religiosas, transformándolas y mostrando sus diferentes caminos o vertientes a lo largo de la historia del arte y la historia religiosa. Un ejemplo de esto sería el nacimiento de Venus que originalmente era un mito, pero este mito ha sido representado de muchas formas a lo largo del tiempo, convirtiéndose en un elemento estético que hace parte de la religión, informándonos y comprendiendo los signos de nuestras creencias. Es por eso que los artistas deben encaminar sus esfuerzos a buscar en la religión formas de poner en práctica sus técnicas con tal de representar diferentes imágenes. Por supuesto, esto debe ir ligado a un conocimiento racional e irracional con tal de alcanzar la armonía y esencia de la estética religiosa, teniendo en cuenta que al hacer eso estamos abriendo la puerta de nuestro corazón con tal de alcanzar un conocimiento divino que ha impregnado el arte. Tal medio de conocimiento es, en sí, mágico. 

Notas: 

1. Bolton, Kerry, Joséphin Péladan y la guerra oculta contra la decadencia liberal, Rebelión contra el mundo moderno, https://www.tumblr.com/jgmail/701825544651767808/jos%C3%A9phin-p%C3%A9ladan-y-la-guerra-oculta-contra-la?source=share, consultado el 10 de noviembre del 2024. 

2. Moltante, Jean, William Blake, el bardo londinense, Rebelión contra el mundo moderno, https://www.tumblr.com/jgmail/767775812880564224/william-blake-el-bardo-londinense?source=share, consultado el 10 de noviembre del 2024. 

3. Kandinski. Vasili, De lo espiritual en el arte, Premia, 1989, pág. 106. 

4. Rimbaud, Arthur, Cartas de un Vidente, 1986, pág. 103. 

5. Washton Long, Rose-Carol, Ocultismo, anarquismo y abstraccionismo: el arte futurista de Kandinsky, Rebelión contra el mundo moderno, https://rebelioncontraelmundomoderno.wordpress.com/2021/10/27/ocultismo-anarquismo-y-abstraccionismo-el-arte-futurista-de-kandinsky/, consultado el 12 de noviembre. 

6. Moltante, Jean, William Blake, el bardo londinense, Rebelión contra el mundo moderno, https://www.tumblr.com/jgmail/767775812880564224/william-blake-el-bardo-londinense?source=share, consultado el 10 de noviembre del 2024. 

7. Ross, Alex, Las raíces ocultas del modernismo, Rebelión contra el mundo moderno https://rebelioncontraelmundomoderno.wordpress.com/2021/10/08/las-raices-ocultas-del-modernismo/, consultado el 17 de octubre del 2024. 

8. Herrero, Alberto Fraguas, Crecimiento, ecología y pensamiento mágico, Rebelión, https://rebelion.org/cultura-festiva-control-capitalista-y-alegria-decrecentista/5 de noviembre del 2024 

9. Anónimo, El origen del Corpus Christi en el Caribe Colombiano, Rebelión contra el mundo moderno, https://jgmail.tumblr.com/post/653160677581668352/el-origen-del-corpus-christi-en-el-caribe, consultado el 14 de noviembre del 2024. 

[pockettao]

El Estanque de Ninfeas. Claude Monet (1889)

The Nymphaea Pond .

Expectation (Monet)...

Reality (Tao)...

(not the best photo quality but oh well)

I spent until dawn painting this, I'm proud of the result a 9/10, How difficult was it to do this, God, I hope I get a good grade with this.

[daliladeleon]

Le Roi et l'Oiseau

Dirigida por Paul Grimault en 1980. El guion es de Jacques Prévert, y está basado en el cuento de Andersen La pastora y el deshollinador (Hyrdinden og Skorsteensfeieren), publicado en 1845. La letra de las canciones es de Prévert; la música, de Joseph Kosma.

El rey Charles V + III = VIII + VIII = XVI (cinco y tres son ocho, ocho y ocho dieciséis) es el dictador del reino de Takicardie. Quiere casarse con una pastora, pero ella tiene un novio deshollinador. Los enamorados consiguen escaparse con la ayuda de un pájaro.

Si vieron el film, notarán que el rey tiene una caja musical en su departamento. Cuando el dibujo o “retrato”del rey intrinca a los héroes en una ciudad subterránea, los protagonistas encuentran un hombre ciego que toca una caja musical ¿De quien se trata este personaje ciego? ¿Se trata del rey verdadero caído en desgracia?

Un gran film, con un final poderoso.

[minimaeclectica]

Bruno Munari - Ilusionista del espacio (1932)

[ancruzans-blog]

Talens, Jenaro

Jenaro Talens, nacido el 14 de enero de 1946 4n Tarifa, Cádis, es un poeta, ensayista y traductor español cuya obra destaca por su gran riqueza y diversidad estilística. Su poética se caracteriza por una profunda reflexión sobre el lenguaje y su capacidad para construir y deconstruir realidades. En su obra, Talens explora temas como la memoria, la identidad y la representación, cuestionando…

[viajeenmoto]

Marcelo Hidalgo Sola y su moto frente al Guggenheim nos invitan a conocer el movimiento GUTAI. Este colectivo japonés de posguerra transformó el dolor en arte a través de performances e instalaciones. Kazuo Shiraga, uno de sus referentes, dejó huella con Challenging Mud, una obra donde la violencia y la creación se unieron en un grito de resiliencia.

[jgmail]

La bohemia muniquesa de Schwabing, cuna de la revolución conservadora alemana

Por Lionel Baland

Traducción de Juan Gabriel Caro Rivera

Foto: El carnaval de los escritores (1903) © Museo Municipal de Múnich, archivos Hoerschelmann. Delante Franziska zu Reventlow, en el centro Stefan George y detrás Karl Wolfskehl, con barba.

A finales del siglo XIX y principios del XX, Schwabing, un barrio de Múnich, se convirtió en un crisol artístico e intelectual que atrajo a algunos de los más grandes escritores y pensadores de la época. Entre ellos, Rainer Maria Rilke, Thomas Mann y Heinrich Mann. En este ambiente vanguardista, el distrito también se convirtió en un hervidero de lo que más tarde se llamaría la «Revolución Conservadora». Schwabing también fue cuna de figuras políticas revolucionarias como Lenin y Trotsky. Haga una visita guiada.

A finales del siglo XIX y principios del XX, en Múnich, varios escritores y artistas se codeaban en Schwabing, el barrio en el que floreció la bohemia literaria y artística. Varias obras literarias, que llegarían a ser tan famosas como sus autores, nacieron aquí. René Maria Rilke, que pronto cambió su nombre de pila por el de Rainer, escribió poemas allí en 1896 y luego conoció a la escritora germano-rusa y amiga de Friedrich Nietzsche, Lou Andreas-Salomé, con la que mantuvo una relación de tres años. Conoció a Sigmund Freud en el Congreso Psicoanalítico de Múnich en 1913. En 1900 Thomas Mann terminó su novela Los Buddenbrook. La decadencia de una familia – por la que recibió el Premio Nobel de Literatura en 1929 – y Altesse Royale, Muerte en Venecia – que inspiró la película homónima de Luchino Visconti, estrenada en 1971 –, Las confesiones del caballero industrial Félix Krull y Mario y el mago, al tiempo que comenzaba a escribir La montaña mágica en 1912. En 1903-1904, su hermano Heinrich Mann escribió El profesor Unrat o el fin de un tirano – que inspiró la película El ángel azul, de Josef von Sternberg, protagonizada por Marlene Dietrich – y El súbdito del emperador. En 1912 Oswald Spengler utilizó este nombre como título de su futuro libro La decadencia de Occidente. Bosquejos de una morfología de la historia, que plasmaría en papel justo después de la Primera Guerra Mundial.

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Schwabing, que no pasó a formar parte de Múnich hasta 1890, atrajo a artistas y escritores porque el alquiler era muy barato. Esta parte de la capital de Baviera, donde reinaba un espíritu de tolerancia, era un contramundo, un lugar preservado de las estructuras autoritarias del imperio alemán: la religión, el Estado, la dominación tecnológica y el dinero. Allí arraigó la Bohemia (1).

Los grupos de vanguardia sólo podían formarse en las grandes ciudades, en oposición al conservadurismo del campo. «Allí acudían mentes inconformistas, estrafalarias y creativas de distintas provincias, curiosas por lo nuevo, en busca de gloria y éxito. Era aquí donde interactuaban en los mismos lugares de encuentro, cafés, salones, galerías y salas de conferencias, así como los representantes de las más variadas experiencias, ideas e intereses: hombres de letras, investigadores, artistas, mercaderes, agentes, coleccionistas y editores» (2). El pintor Vassily Kandinsky, que vivió en Schwabing de 1897 a 1908, afirmó: «Schwabing era una isla intelectual en el resto del mundo, en Alemania y aún más en Múnich». El escritor anarquista Erich Mühsam afirmaba: «Pienso gracias al aire libre que corre por Schwabing, llevándome al distrito de un concepto cultural».

Entre los escritores de Schwabing también había representantes de lo que Armin Mohler teorizó tras la Segunda Guerra Mundial como la Revolución Conservadora Alemana: Thomas Mann – que más tarde se uniría a las ideas de la República de Weimar –, los fundadores y miembros del Círculo Cósmico Alfred Schuler, Ludwig Klages y Karl Wolfskehl, y sus asociados: Stefan George – el futuro mentor de los hermanos Stauffenberg que llevarían a cabo el atentado contra Adolf Hitler el 20 de julio de 1944 –, que escribió allí El año del alma, La alfombra de la vida y Canciones de sueño y muerte con un preludio, Ernst Kantorowicz – futuro autor de Los dos cuerpos del rey – y Franziska zu Reventlow – apodada «La condesa de Schwabing» –,  que escribió allí la novela en parte autobiográfica Ellen Olestjerne.

En marzo de 1911 Oswald Spengler se trasladó de Hamburgo a Múnich. Eligió la capital bávara porque había pasado allí un año estudiando en 1901 y le había gustado mucho. A menudo paseaba por Schwabing, llevando una mochila llena de libros prestados por la biblioteca municipal. Vivía aislado del mundo académico y cultural y allí escribió sus principales obras.

Otros autores y estructuras difundieron ideas diferentes: Oskar Panizza – condenado a un año de cárcel por publicar un texto antirreligioso –, la revista satírica mensual Simplicissimus, Frank Wedekind, Franz Hessel – futuro padre del escritor Stéphane Hessel –. El grupo de artistas Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) estuvo activo allí de 1911 a 1914.

Franziska zu Reventlow, en su novela clave Herrn Dames Aufzeichnungen oder Begebenheiten aus einem merkwürdigen Stadtteil («Notas de Monsieur Dame o sucesos en la vida de un extraño distrito»), un relato irónico sobre la Bohemia de Schwabing, rebautizada en esta obra «Wahnmoching» – combinando el final del nombre del lugar con la palabra «Wahn», que significa ilusión, quimera, locura – escribe que este distrito es un «estado de ánimo»: «Wahnmoching es un movimiento espiritual, un nivel, una dirección, una protesta, un nuevo culto o, mucho más, el intento de extraer de los viejos cultos nuevas posibilidades religiosas» (3).

El destino de Europa

Ludwig Klages profetizó que Schwabing era el lugar del mundo donde se decidiría el destino de la siguiente generación. No se equivocaba, pues en 1900-1902 vivieron allí Vladimir Ilich Lenin – donde conoció a Rosa Luxemburgo y escribió ¿Qué hacer? – y, desde el otoño de 1904 hasta principios de 1905, León Trotsky, mientras que Adolf Hitler, de 24 años, llegó a Múnich procedente de Viena en mayo de 1913 y fijó su residencia en la Schleissheimerstraße 34, no lejos de Schwabing. El pintor huyó de la capital del Imperio de los Habsburgo para evitar el servicio militar. El hecho de que eligiera Múnich en lugar de Berlín, la capital política de Alemania, demuestra que seguía siendo un artista de corazón. Finalmente se vio obligado a ir a Salzburgo (Austria), pero no fue declarado apto para portar armas. Regresó a Múnich y continuó su vida artística.

El estallido de la Primera Guerra Mundial, en el letargo del verano de 1914, marcó el fin de la bohemia muniquesa. La sociedad se implicó en la guerra. El arte y la literatura parecían ahora frívolos.

Notas:

1. La bohemia de Schwabing se extiende también por las zonas norte y este del distrito de Maxvorstadt.

2. Raimondo Strassoldo, Da David a Saatchi. Trattato di sociologia dell’arte contemporanea, Forum, Udine, 2010, traducido parcialmente al francés por Philippe Baillet, en Sparta, vol. I, Aidôs, Saint-Genis-Laval, 2020, pp. 54 a 95 (ici: pp. 74-75).

3. Franziska zu Reventlow, Herrn Dames Aufzeichnungen oder Begebenheiten aus einem merkwürdigen Stadtteil, Albert Langen, München, 1913, p. 36.

[sebastian-hidalgosola]

Georges Rouault, uno de los grandes exponentes del fauvismo, fusionó su experiencia como trabajador del vidrio con la pintura, creando un estilo único. Colores saturados, líneas gruesas y una simplicidad que captura la esencia de sus temas, marcaron su obra. Desde "El Camino del Calvario" hasta "La Santa Faz", sus pinturas son una ventana a su visión artística y espiritual.

[sebastianhidalgosola]

La vanguardia de Turner en el siglo XIX

William Turner, uno de los artistas más vanguardistas del siglo XIX, nos dejó una obra emblemática: “Lluvia, vapor y velocidad”. Esta pintura, realizada en 1844, captura la esencia de la modernidad a través de la representación de un ferrocarril en movimiento. Lo interesante de la obra es cómo Turner utiliza la luz, el vapor y las sombras para crear una atmósfera etérea y abstracta, alejándose de…

[pasajeroblanco]

[menchupicarzo]

Vanguardia! 💖

Te encuentras con muchas mentes absolutamente alucinantes… entre otras las que piensan q el mundo es tal y como le han acotado. Que las palabras no tienen más significados o que solo hay hombres o mujeres. O bueno o malo. O querer o no querer.

Por eso la modernidad siempre latente y las vanguardias disruptivas son necesarias para el avance de algunas mentes hacia un mundo mejor o por lo menos hacia un camino donde sepan que hay cientos d e posibilidades y todas sin válidas. Mientras tú seas feliz tú generas esos espacios y formas que te ayudan a conseguirlo.

Siempre brillante ✨ mi Martin Caparròs! Siempre.

Gracias 🙏

[oknews]

Teltrans presenta soluciones de logística y marketing de vanguardia para revolucionar la industria del transporte

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Los espinos, de Luis Cernuda.

Para que un poema sea la obra de arte que pretende ser, debe encerrar, en su limitado espacio, mucho más de lo que parece decir. Nada en él debe ser superfluo, por el contrario, todo tiene que poseer una determinada función dentro del conjunto. Armonía y estructura, o una estructura armoniosa, emanadas del mismo caos que lo generó: el pensamiento de la mente creadora. La belleza puede ser…

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Estilo

Estilo: El conjunto de características distintivas que identifican el trabajo de un artista o un período artístico específico.

Características visuales distintivas: El estilo en el arte visual se manifiesta a través de una serie de características visuales que son recurrentes y reconocibles en el trabajo de un artista o un grupo de artistas. Estas características pueden incluir el uso del color, la línea, la forma, la composición, la textura, la técnica y el tema.

Expresión personal: El estilo es una expresión de la individualidad y la voz artística única de un artista. A medida que un artista desarrolla su práctica y explora diferentes medios y técnicas, su estilo se va formando y evolucionando, reflejando sus intereses, experiencias y sensibilidad personal.

Contexto histórico y cultural: El estilo se ve directamente influenciado por el contexto histórico, cultural y social en el que se desarrolla un artista o un movimiento artístico. Los estilos pueden ser característicos de una época específica, reflejando las tendencias, los valores y las preocupaciones de ese período.

Influencias y referencias: El estilo de un artista puede estar influenciado por una variedad de factores, incluidas las influencias artísticas de otros artistas, movimientos o culturas. Los artistas pueden tomar prestados elementos estilísticos de épocas anteriores, tradiciones culturales diversas o movimientos artísticos contemporáneos para crear un estilo único y original.

Reconocimiento y atribución: El estilo es una herramienta importante para reconocer y atribuir obras de arte a un artista específico. Los estudiosos, críticos y espectadores pueden identificar un estilo particular y asociarlo con un artista en particular, lo que permite la catalogación, la investigación y la apreciación del trabajo del artista.

Variabilidad y evolución: El estilo es variable y puede cambiar y evolucionar a lo largo del tiempo. Los artistas pueden experimentar con diferentes estilos a lo largo de sus carreras, adaptándose a nuevas influencias, explorando nuevas técnicas o respondiendo a cambios en su entorno artístico o personal.

Un ejemplo muy claro son las vanguardia. Algunas de ellas son:

Fovismo: El fovismo fue una vanguardia artística caracterizada por el uso audaz del color y la simplificación de las formas para expresar emociones intensas. Aunque breve, su impacto en el arte moderno fue significativo, marcando una transición crucial hacia la abstracción y la expresión subjetiva en la pintura.

Expresionismo: El expresionismo fue un movimiento artístico que utilizó la distorsión, el color y la forma para expresar las emociones más intensas y subjetivas, abordando temáticas oscuras y psicológicas.

Cubismo: El cubismo fue un movimiento revolucionario que transformó la representación visual mediante la descomposición de formas, la perspectiva múltiple y el uso innovador de materiales.

Futurismo: El futurismo fue un movimiento audaz y revolucionario que celebró la modernidad, la tecnología y la energía dinámica de su época.

Dadaísmo: El dadaísmo fue un movimiento revolucionario que rechazó las normas establecidas del arte y la sociedad, promoviendo el absurdo y lo irracional como formas de protesta y liberación.