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perfettamentechic · 5 years ago

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Vincenzo Ferdinandi, stilista italiano e tra i fondatori dell’Alta moda in Italia. Deve la notorietà grazie al taglio dei suoi apprezzati tailleurs oltre che a una rigorosa conoscenza sartoriale ereditata dalla secolare tradizione di famiglia di costumisti e sartoria presso la Corte Reale dei Borbone nel Regno di Napoli.

Vincenzo è nato a Newark, nello Stato del New Jersey, il 29 novembre 1920 da Antonio ed Ernestina Roefaro; una famiglia originaria di Pontecorvo, italiani, trasferiti agli inizi del secolo negli Stati Uniti dove avevano aperto una sartoria. Sin da giovane, Vincenzo apprende i segreti di un mestiere, tramandato da più generazioni, e inizia il suo percorso fortunato nel mondo della moda.

A metà degli anni ’40 si trasferisce in Italia, paese d’origine dei nonni e, dopo aver trascorso un periodo nella sartoria di famiglia in via del Babuino a Roma e affina il suo stile nella sartoria di Fernanda Gattinoni. Periodo in cui sposa Annamaria Malpieri e ha tre figli.

È stato tra i primi grandi stilisti di alta moda a competere con i più blasonati couturier francesi in ambito internazionale. Nel 1949 va a Parigi chiamato da Christian Dior, conosciuto l’anno prima, per una collaborazione stilistica con la celebre maison francese.

Dopo quell’esperienza anche Londra lo chiama per la progettazione di una linea di calzature che porta a termine con estro e creatività tutta italiana. Nel ’51 a Londra, per il mercato inglese, sigla un contratto con la Clark & Morland Ltd, per una linea di stravaganti calzature, elemento accessorio cui il giovane sarto crede fermamente.

Torna in Italia e, Ferdinandi forte della esperienza parigina, apre un atelier haute couture in via Veneto proprio al centro della Dolce Vita.

“Riconosciuto innovatore già negli anni del dopoguerra, si afferma come uno dei fondatori dell’haute-couture in Italia alla quale imprime con il suo stile un’indiscussa traccia, meritando appieno l’appellativo di maestro del tailleur che gli ambienti della moda nazionale ed estera gli conferiscono”.

Mi sono cucito addosso una passione e l’ho trasformata in un mestiere. Hanno definito ogni mio tailleur “il Signor Tailleur”… Non so se è stato realmente così, so solo che ne ero infinitamente onorato.

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Il suo stile era asciutto, privo di quei fronzoli tanto amati invece dall’amico e collega Emilio Schuberth con cui condivise un giovanissimo apprendista, Valentino Garavani.

Ferdinandi amava lo stile con misurato buon gusto e aveva una innata abilità nel taglio. La sola leziosità che aveva, come gesto scaramantico, era quello di cucire personalmente l’ultimo bottone del capo realizzato.

La donna ferdinandiana ideale era moderna e impegnata, per cui lui realizzava tailleur dalla vita sottile, le spalle prive di cuciture e imbottiture.

Vincenzo Ferdinandi è fra gli importanti stilisti invitati dal nobile fiorentino Giovanni Battista Giorgini a sfilare il 22 luglio 1952 a Firenze per la prima storica sfilata nella famosa Sala Bianca a Palazzo Pitti insieme alla Sartoria Antonelli, l’atelier Carosa, Roberto Capucci, Giovannelli-Sciarra, Germana Marucelli, Polinober, la Sartoria Vanna, Jole Veneziani e sedici ditte di sportswear e boutique. La sfilata contribuì a confermare la nascita e la legittimità di una moda italiana contrapposta alla moda francese e dando il via a “quel pionieristico fermento creativo” ben descritto da una giovanissima Oriana Fallaci inviata a riportarne la cronaca dal settimanale Epoca.

A Palazzo Pitti nel 1952, sfidando le convenzioni dell’epoca, fece sfilare per primo su di una passerella internazionale di Alta Moda, una modella di colore, l’americana Dolores Francine Rhiney che gli costò polemiche e ostracismo.

Vestì Ingrid Bergman, Sandra Dee, Rhonda Fleming, la moglie di Sammy Davis jr. May Britt, Virna Lisi, Anna Magnani, Gina Lollobrigida, Sylva Koscina, Lucia Bosè, Ilaria Occhini, Elsa Martinelli, Marta Marzotto,Eloisa Cianni che fu Miss Italia nel 1952. La figlia di Gabriele D’Annunzio fu sua cliente affezionata.

Nel 1953, Vincenzo Ferdinandi, concorre a fondare il SIAM – Sindacato Italiano Alta Moda (diventato poi Camera Nazionale della Moda Italiana) -, in disaccordo con il fondatore dell’Alta Moda in Italia il nobile fiorentino Giovanni Battista Giorgini, insieme ad altri grandi nomi dell’epoca, tra cui: Emilio Schuberth, le sorelle Fontana, Alberto Fabiani, Jole Veneziani, Giovannelli-Sciarra, Mingolini-Gugenheim, Eleonora Garnett, Simonetta. I secessionisti, come vengono chiamati, sono gli stilisti romani che polemicamente fanno sfilare le loro creazioni nei propri atelier a Roma, due giorni prima delle sfilate di Palazzo Pitti a Firenze.

Nel luglio del 1954, insieme alle Sorelle Fontana, Emilio Schuberth, Giovannelli-Sciarra, Garnett e Mingolini-Gugenheim partecipa ad Alta Moda a Castel Sant’Angelo ambientato nella suggestiva cornice del celebre castello.

Jole Veneziani, Emilio Schuberth e Vincenzo Ferdinandi

In quella occasione fu premiata la statunitense Sally Kirkland, Fashion Editor di Life e di Vogue USA, per il suo ruolo di ambasciatrice della moda italiana negli Stati Uniti che ricevette l’onorificenza direttamente da Ferdinandi. Il cocktail/conferenza stampa per la fondazione del SIAM si tenne a Roma all’Open Gate di Rudy con Consuelo Crespi. Tra i partecipanti, un giovane Beppe Modenese che sarebbe poi divenuto presidente della Camera Nazionale della Moda Italiana.

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Jennifer Jones indossò un suo tailleur nel film Stazione Termini diretto da Vittorio De Sica, anche se nei titoli di coda i costumi vengono accreditati a Christian Dior.

Rimasi incantato dal suo portamento ricordava Ferdinandi, mi disse che voleva un mio tailleur che la facesse sentire a suo agio durante le riprese del film, ma ne aveva già uno di Dior che gli aveva fornito la produzione. Sottolineò che avrebbe però tranquillamente scelto il mio se le fosse piaciuto di più. E così fece.

Quell’anno Dior vinse l’Oscar per il miglior costume e, da vero gentiluomo gli confidò: “Vincenzo…. a bòn retour….“.

Lo stile asciutto e privo di ornamenti aggiuntivi, valse allo stilista, molti riconoscimenti. I tailleur impeccabili by Ferdinandi, lo fanno apprezzare molto anche all’estero. Negli anni sessanta il produttore di moda tedesco Frederich gli chiese di disegnare una linea prêt-à-porter, cui dà spessore e validità stilistica non indifferente.

Tailleur comodi da indossare ma sempre eleganti tanto da meritarsi l’appellativo coniato per lui da Vogue/USA di A Star Tailor, nel settembre del 1952, e numerosi servizi su riviste specializzate di moda e di settore tra cui Harper’s Bazaar e Marie Claire.

Le creazioni Ferdinandi sono state indossate da attrici e mannequins di quegli anni come: Virna Lisi, Sylva Koscina, Lucia Bosè, Luciana Angiolillo, Eloisa Cianni, Lilli Cerasoli, Jennifer Jones, Eliette von Karajan, May Britt, Ivy Nicholson, Janet Sprague, Loredana Pavone, Anna Maria Ghislanzoni, Marta Marzotto e una giovanissima Elsa Martinelli sono solo alcune.

Elsa Martinelli, molto giovane, accompagnava le sorelle maggiori che lavoravano per Ferdinandi ogni giorno. Restava lì, con loro, fino a tarda sera, trascorrendo del tempo tra tessuti, modelli e disegni, in un mondo tutto suo, fatto di sogni. Elsa voleva esibirsi, non voleva altro che quei vestiti, ma era troppo giovane e mio nonno Antonio l’avrebbe cercata in modo protettivo. “Sei troppo giovane”, le avrebbe detto, ed Elsa non vedeva l’ora di diventare una “ragazza grande” come tutte le altre. Un giorno, alla premiere di una collezione, una modella non si fece vedere e mio padre – contro i desideri di mio nonno – le permise di indossare quei vestiti e la catapultò letteralmente nell’enorme soggiorno, instillandola con coraggio; “cammina con un’altalena come una vera signora”, ha detto, “e tutto andrà bene”, finalmente lanciando la sua carriera. Fu un successo immediato perché la modella in provetta affascinò donne, compratori e giornalisti con la sua elegante postura. Fu proprio quell’esperienza che lasciò il posto a una lunga carriera trascorsa sulle passerelle di diversi atelier prima che, finalmente, arrivando al cinema, diventasse il suo mondo…

Elsa Martinelli nel 1955 con un abito della linea “Sfinge”

Al Festival della moda, tenutosi a Napoli nel ’54, si riconoscono a Vincenzo Ferdinandi anche i meriti per la creazione di cappelli – altro accessorio che lui stesso disegna e fa realizzare da Canessa – quali gli impeccabili “tamburelli” guarniti di visone o ciondoli neri e oro, le sue “pagodine” di velluto nero e le sue piccole “cloches” di feltro fumo di Londra.

Vittorio Gallo realizza per la Astra Cinematografica il docufilm Sete e Velluti sulla moda italiana degli anni ’50 colta negli ateliers romani delle case di moda Ferdinandi, Gattinoni e Garnett.

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Ferdinandi è stato tra i primi ad intuire l’importanza degli accessori applicata alla moda – come borse, scarpe, cinture, profumi – marcata con una propria griffe.

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Personaggio estroverso – nel pieno della Dolce vita capitolina è rimasta famosa una sua scommessa calcistica col pittore Antonio Privitera in occasione di un derby Lazio-Roma, persa la quale fece sfilare per la celebre strada undici mucche addobbate con mutandoni giallorossi.

Ferdinandi negli ultimi anni di vita si è dedicato anche alla pittura, con un suo stile basato tutto sui contrasti e i chiaro-scuri, con una tecnica a olio e ad acquerello.

Con l’inizio degli anni ‘60 Ferdinandi non sfilerà più, ma continuerà con l’attività del suo atelier e lavorerà come consulente per diverse industrie di abbigliamento in Italia e all’estero.

Nel 1963 decide di allontanarsi dal mondo delle grandi istituzioni di moda e con il successo del prêt-à-porter assume una posizione più defilata, pur creando abiti fino alla sua scomparsa avvenuta il 22 aprile 1990 a Roma.

Il suo percorso gli ha portato onorificenze e riconoscimenti: i suoi abiti da cerimonia sono stati indossati da molte donne dell’alta società italiana e internazionale. Molti altri sono stati i riconoscimenti conferiti alla sua arte e alla sua creatività nel corso di tutta la sua esistenza.

Nel 2014 il museo Maxxi di Roma all’interno della mostra Bellissima lo considera tra i pionieri della moda italiana.

aggiornato al 19 aprile 2020

Autore: Lynda Di Natale Fonte: wikipedia-org, patrimonio.archivioluce.com, https://ferdinandialtamoda.com/, web

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fashioncurrentnews · 6 years ago

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Reina Olga Beachwear by Guia e Isotta Cleps

Abbiamo scambiato quattro chiacchiere con Guia e Isotta Cleps, due sorelle, italianissime, che si dividono tra Londra e la Svizzera e che ormai da quattro anni stanno rivoluzionando il mondo del beachwear Made In Italy.

Quando nel 2014, le Cleps sister decidono di lanciare il loro brand di costumi, Reina Olga Beachwear, avevano entrambe la passione per l’iconico bikini brasiliano e una gran voglia di buttarsi in una nuova avventura imprenditoriale, insieme.

Così, Guia e Isotta in poco tempo sono riuscite a combinare qualità e glamour nelle loro collezioni di costumi da bagno, e hanno raggiunto celebrities worldwide come Emily Ratajkowski, Kourtney Kardashian, Kendall Jenner e Irina Shayk, che spesso sfoggiano i loro one piece firmati Reina Olga sulle spiagge più belle del pianeta.

Qui con noi di Vogue.it, le ragazze si raccontano a 360°, svelandoci curiosità e segreti del loro brand e qualche sogno nel cassetto, sempre ponendo l’attenzione sull’importanza dell’inclusività e della diversità nel mondo della moda, e non solo.

Questo e molto altro, nell’intervista esclusiva con le fondatrici di Reina Olga Beachwear, Guia e Isotta Cleps, qui di seguito.

Com’è nata l’idea di lanciare Reina Olga? E perchè la scelta è ricaduta proprio sui costumi?

La verità e che sono stata licenziata, e per dimostrare che ero capace di fare il mio lavoro, ho deciso di iniziare un brand. Avevo a disposizione l’ultimo mese di stipendio e qualche risparmio di Isotta, quindi i costumi sembravano la scelta più sensata dato il basso costo di produzione. Io e Isotta abbiamo sempre sognato di iniziare qualcosa insieme, e questa è stata l’occasione perfetta per imbarcarci in un’avventura totalmente folle.

Da dove viene il nome Reina Olga? Ha un significato particolare per voi?

Reina e Olga sono le nostre nonne, entrambe grandi amanti della stampa leopard.

Parlateci del processo creativo delle vostre collezioni. Come scegliete i materiali e le stampe dei costumi?

Per ogni collezione che produciamo, ne sono state disegnate e campionate altre 2 che pero poi vengono eliminate alla fine. Dopo tutti gli errori, solitamente mi restano circa 5 giorni per creare una collezione che veramente ci piace. Quindi è dura dire cosa ci ispira, perché forse la realtà è che sono le circostanze di fretta e panico che ci fanno venire degli improvvisi lampi di genio.

C’è un posto, un qualcosa che vi ispira?

La nostalgia di realtà che non ho mai vissuto.

I costumi Reina Olga sono proposti in tre taglie che vanno dalla 1 alla 3. Come mai questa scelta?

Pensiamo che quando si parla di taglie, i numeri siano più belli delle parole, tipo Small o Large.

E a proposito di taglie, quanto è importante per voi il concetto di inclusività?

Fin dall’inizio, il pensiero che ci faceva sognare era quello di poter offrire un prodotto che stesse bene a ragazze e donne con fisici, corpi e forme diverse, di creare un costume per tutti, insomma. Il nostro slogan No bikini is ever too small, and no tooshie is ever too big (non esiste bikini troppo piccolo, e non esiste sedere troppo grande), descrive proprio che questi capi sono stati fatti per stare bene a tutte, e che spesso abbiamo una tendenza a coprire magari un sedere che ci sembra un po’ grande, anziché valorizzarne la forma. La nostra nuova linea realizzata in un unica taglia per esempio, ha riscosso un enorme successo tra le ragazze e le donne incinte, che trovano i tessuti e i tagli morbidi adatti alle forme generose della tipiche della gravidanza. Stiamo lavorando per cambiare e allocare più risorse per far sì che la nostra immagine, tramite le nostre campagne, sia più in linea con la nostra filosofia.

Nel mondo della moda c’è ancora molta strada da fare quando si parla di diversità e standard di bellezza, specialmente quando si parla di beachwear. Qual’è la filosofia di Reina Olga a riguardo?

Sono d’accordo che il mondo della moda (soprattutto quello del lusso) sia ancora molto rigido quando si parla di canoni di bellezza. La cosa però che più mi fa perdere le staffe è il costante estremismo: designer che decidono di usare una sola ragazza curvy in sfilata scelgono però, una figura esageratamente curvy, a mio parere eccessiva. La cosa curiosa è che nessuno parla della taglia M, alla fine la più grande fetta del mercato sta proprio lì. Penso però che il mondo del beachwear a confronto stia facendo passi da gigante. Sono ormai anni che tanti designer usano prevalentemente ragazze dalle proporzioni reali (né XS, né XL). Forse però è un’immagine maggiormente diffusa in America piuttosto che in Europa.

Siete l’unica realtà italiana a produrre costumi che combinano glamour, qualità e tendenza, pur restando accessibile a tutti. Come ci riuscite?

Innanzitutto, grazie del grande complimento! La qualità é un aspetto chiave del nostro marchio. Fin dall’inizio era chiaro che ci sarebbe piaciuto produrre in Italia. I nostri fornitori sono in Italia, Guia li visita regolarmente con una macchina a noleggio, che non sa veramente guidare (questo è quanto ci tiene), così come lo é la squadra incredibile di modelliste e artigiane che producono ogni pezzo che vendiamo. Guia ha sempre avuto un suo stile, marcato e avventuroso, riflesso nelle varie collezioni che variano dallo sportivo, al seducente e all’ironico, da indossare con leggerezza, e da mixare con i propri capi e accessori preferiti.

Qual’è il segreto del successo worldwide di Reina Olga? E cosa vi rende più orgogliose dell’aver fondato un brand italiano conosciuto e apprezzato in tutto il mondo?

La soddisfazione è assolutamente indescrivibile, anche se onestamente ad oggi non sappiamo ancora bene come sia successo.

Qual’è il vostro ‘Fashion Dream’? (magari una collaborazione con celebrities, designer importanti)

Il mio (Guia) più grande sogno è quello di disegnare la linea mare per un grosso brand di lusso. Reina Olga è cosi semplice e giocoso, che pur essendo estremamente divertente, a volte sento proprio la voglia di creare qualcosa di incredibilmente chic e sofisticato.

Chi vorreste vedere con indosso uno dei vostri costumi?

Isotta: Misty Copeland.

Guia: Goldie Hawn.

Avete un grande seguito sui social, in particolare modo su Instagram, dove molti marchi trovano fortuna. In che modo pensiate i social influiscano sul successo di un brand? E che ruolo hanno avuto nel vostro percorso lavorativo?

Instagram ha indubbiamente svolto un ruolo importantissimo nella crescita del nostro brand. Ci ha dato l’opportunità di far vedere al mondo il nostro prodotto in una maniera assolutamente indipendente e libera.

Raccontateci della collezione per l’estate 2018 firmata Reina Olga? Quali sono i nuovi bikini e one-piece introdotti?

La collezione taglia unica è la nostra preferita. È piccola ma assolutamente completa: ogni pezzo ha il suo perché. Il tessuto utilizzato ha fatto sì che potessimo sviluppare capi super stretch, che abbracciano le curve senza lasciare alcun segno. È assolutamente fantastica.

Scegliete i costumi Reina Olga must-have per questa Spring/Summer 2018 e abbinateli a 5 località di mare tra le più cool del momento.

–The Scrunchie in Walking Leo, da indossare a Jericoacoara, Brasile.

– brasil scrunch bottom in nero con il selvaggia top in leopardo da indossare sul Lago di Como.

– l’intero ruby Scrunch in baby pink da indossare a Portofino.

– l’abito Il Pitone in hot pink da indossare a Ibiza.

– l’intero For a Rainy Day in bianco da indossare a Santa Teresa, Costa Rica.

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Descrivete l’estetica di Reina Olga in 3 parole.

Divertente, selvaggia, cool.

Come deve essere ( e cosa deve avere) il costume ideale per una donna, secondo voi?

Un costume deve imperativamente far sentire bene chi lo indossa. Un intero nero é sempre un vero must, valorizza tutti i corpi e si può indossare via dalla spiaggia con dei pantaloncini. Noi impazziamo per il leopardo, quindi direi anche un pezzo in una stampa leopard, anche questo abbinabile con tutto. Siccome non c’é due senza tre, sicuramente un pezzo colorato.

Dove possiamo acquistare le collezioni Reina Olga in Italia e nel resto del mondo?

In Italia ci trovate da Luisa Via Roma a Firenze e online, Glamour in Rose a Milano e Forte dei Marmi, e nei negozi Manebì a Milano, Porto Rotondo, Porto Cervo, Santa Margherita e Pietrasanta. Mentre nel resto del mondo ci trovate da Revolve, Moda Operandi, Free People, Adriana Online, e molti altri.

Quali sono i vostri progetti futuri?

Isotta a breve partorirà, quindi direi che lei sta per iniziare un futuro assolutamente meraviglioso. Per quanto riguarda invece Reina Olga, stiamo giocando con la l’idea di introdurre abbigliamento dedicato al mondo dello sci e dello snowboard, seguendo le orme dei vecchi e ormai iconici brand di surf.

Dove vedete il vostro brand tra 10 anni?

Oddio non ne ho proprio idea. Spero però che la nostra identità e la nostra morale continueranno a evolversi in maniera positiva. Vorrei che crescendo avessimo sempre più opportunità di fare del bene – a partire dal modo in cui gestiamo le operations e l’impatto che abbiamo sull’ambiente (Yvon Chouinard e il libro Let My People Go Surfing è un costante punto di riferimento per me e un’enorme fonte di ispirazione).

Infine, diteci qualcosa su Reina Olga (una curiosità, un particolare etc) che ancora non sappiamo e che non vi abbiamo chiesto in questa intervista.

I capi Reina Olga sono interamente prodotti in Italia, con materiali italiani, e sono confezionati a mano da un’espertissima squadra di donne. Stiamo inoltre lavorando su come diventare più eco sostenibili e ridurre il nostro uso di imballaggi di plastica.

Per quanto riguarda noi… A Guia piace imparare a memoria tutte le canzoni rap più difficili in tutte le lingue più strane. A volte non si pettina per talmente tanti giorni che le vengono i rasta. Isotta va all’Ikea con il pretesto di comprare cose per la casa ma in verità é per mangiare i piccoli hot dog.

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positive-magazine · 4 years ago

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[dropcap type=”1″]U[/dropcap]na passeggiata intensa che è stata in grado di portare attenzione all’offerta culturale della città, che non è solo quella dei musei e delle mostre per i turisti, ma anche quella della produzione culturale che significa tessuto, design, accessori e tanta dedizione manuale.

Come non iniziare questo percorso con una delle aziende storiche, fiore all’occhiello di Venezia? Ecco che si parte quindi da Bevilacqua, azienda leader che da generazioni ha tessuto con grande forza di volontà e dedizione vestiti, borse e molto altro. Basti pensare alle tante collaborazioni con i grandi brand, da Prada, Dolce & Gabbana, giusto per citare qualche nome. Giusto l’altro giorno a Venezia c’era John Galliano, che in visita privata ha visitato i telai veneziani di Bevilacqua a Riva de Biasio. Per produrre qualche metro di tessuto servono anni, perché la perfezione non ha tempo.

Da Riva de Biasio a Campo San Giacomo dell’Orio, dove lo studio d’architettura Kanz (fondato da Mauro Cazzaro and Antonella Maione) ha presentato al pubblico presente il proprio spazio, all’interno di uno spazio molto curato e ideale per chi svolge un lavoro creativo. Ma studio Kanz non è solo architettura, infatti si occupa anche di interior design: dalle lampade alle caraffe ai bicchieri, tutti ovviamente soffiati a mano dal design semplice ma altamente innovativo per ricreare ambienti all’avanguardia.

Chi non ha bisogno di presentazione è l’atelier Pietro Longhi, da anni punto di riferimento per la moda e per i costumi che hanno fatto da protagonisti in centinaia di feste veneziane. Un vero cult per gli amanti del settore, da non mancare.

Tra le attività da segnalare c’è sicuramente l’Atelier Arras (Campiello degli Squellini, San Polo 3235) a due passi dall’Università Ca’ Foscari di Venezia, dove si scopre la lavorazione di tessuti con telai a mano. La produzione spazia dagli abiti, alle scarpe, agli oggetti d’arredamento. l’Atelier Arras inoltre è votato alla produzione sostenibile, utilizzando filati e fibre naturali e stampe fatte a mano e tinte con colori naturali.

Ultima tappa del nostro personale percorso svolto il 22 ottobre, segnaliamo anche le bellissime opere realizzate da Perlamadre Design – Perle veneziane contemporanee. A due passi da Campo San Barnaba a Dorsoduro, troverete collane e quant’altro fatte con un design unico che coniuga creatività e vetro. Perlamadre Design è un’idea della glass designer salentina Patrizia Iacovazzi e la veneziana Evelina Pescarolo.

Cena di Shabbat nella sede del gruppo Chabad-Lubavitch / Shabbat supper at the seat of the Chabad-Lubavitch movement © Ferdinando Scianna / Magnum Photos

Tra le iniziative da non perdere questa settimana segnaliamo anche che il 27 ottobre la Casa dei Tre Oci partecipa all’iniziativa offrendo giovedì 27 ottobre un ingresso ridotto a 8€ anziché 12€ per visitare le mostre di René Burri, Utopia, e Ferdinando Scianna, Il Ghetto di Venezia 500 anni dopo, e alle ore 18 un aperitivo, compreso nel prezzo del biglietto. Per chi desidera partecipare all’aperitivo è necessario prenotare, mandando un’email a [email protected]

[quote_box name=””]Continuate a seguire le iniziative della Venice Fashion Night, con il calendario completo sul sito di Venezia da Vivere, con la grande giornata conclusiva del 29 ottobre.[/quote_box]

Venice Fashion Night: la città viva che punta alla qualità Una passeggiata intensa che è stata in grado di portare attenzione all'offerta culturale della città, che non è solo quella dei musei e delle mostre per i turisti, ma anche quella della produzione culturale che significa tessuto, design, accessori e tanta dedizione manuale.

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tmnotizie · 5 years ago

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MACERATA – Si è svolta venerdì scorso, in Piazza della Libertà a Macerata, la sfilata di moda conclusiva dell’anno scolastico del Liceo Artistico “Cantalamessa”. La manifestazione ha avuto quest’anno un tema particolare, ovvero la celebrazione del centenario della fondazione del Bauhaus (1919), istituto tedesco a cui vanno molti meriti nella storia della cultura del Novecento; sia perché ha trasformato concetti e procedure dell’attività artistica e artigianale, contribuendo in maniera determinante alla modernizzazione di questi settori ed al loro proficuo inserimento nel mondo della produzione e dell’industria; sia perché è stato un esempio concreto di come l’arte debba essere libertà, tant’è che la scuola fu chiusa dal nazismo appena salì al potere nel 1933; sia infine perché ha portato un nuovo modo di insegnare e di intendere la trasmissione del sapere artistico, quello che ancora oggi per molti aspetti si ritrova nell’attività didattica quotidiana che si svolge nel Liceo “Cantalamessa”.

Per questi motivi l’istituto ha realizzato su questo tema un progetto interdisciplinare che ha coinvolto le sue diverse sezioni, “Architettura ed Ambiente”, “Arti Figurative”, “Design dei Metalli”, “Design della Moda” e “Audiovisivo e Multimediale”, e che ha trovato appunto nella sfilata uno dei suoi momenti più importanti e ovviamente stimolanti per gli studenti, specie quelli di “Design della Moda” che vi hanno svolto un ruolo da protagonisti. Insieme ad essi vanno citati gli allievi della classe 5^D della sezione di “Audiovisivo e Multimediale”, che hanno curato le musiche e le immagini, approfondendo anch’essi lo stesso tema e arricchendo dunque la sfilata con video creati ispirandosi al Bauhaus.

La serata ha visto la gradita presenza del Prefetto di Macerata, Dottoressa Iolanda Rolli, che, oltre a ringraziare l’istituto, che ha già conosciuto per altri progetti svolti nel corso dell’anno, ha voluto stimolare gli studenti a coltivare le loro passioni e a realizzare i loro sogni.

La sfilata si è articolata su alcuni momenti fondamentali. Dapprima sono stati presentati gli abiti realizzati dalle classi quarte (4^A e 4^C), creati sul tema della tuta, un capo che, inventato nel 1920 dal fiorentino Thayhat, rappresenta bene l’unione di arte e design e che poi negli anni da abito da lavoro o per il tempo libero si è trasformato in un capo versatile, che, in versione sportiva o elegante, ritorna ciclicamente nelle passerelle di moda. Proprio in questo indumento è sembrato dunque che meglio si concretizzasse quella fusione tra pragmatismo e funzionalismo che è uno dei fondamenti dell’estetica del Bauhaus.

Poi è stata la volta degli studenti della 5^C, che hanno proposto diciannove capi ispirati specificamente al Bauhaus. In essi, come hanno voluto sottolineare le insegnanti, si ritrovano le architetture di Walter Gropius, i “punti, le linee e le superfici” di Wassily Kandinsky, le forme di Paul Klee, lo studio sul colore di Johannes Itten, i costumi di Oskar Schlemmer, le tessiture di Gunta Stolzl; insomma tutti gli spunti più originali e fruttiferi di quella scuola e di quella ricchissima stagione si sono fusi nelle creazioni degli allievi, che, con lo studio di modelli dalla forma geometrica, le stampe degli abiti, l’accostamento dei materiali e dei colori, hanno dimostrato di aver compreso e saputo riutilizzare creativamente tutti quegli elementi che hanno fatto del Bauhaus un’icona dell’estetica e del design del Novecento.

Gli abiti sono stati anche un’occasione per valorizzare la creatività e le competenze degli allievi, facendo conoscere in particolare le potenzialità di quelli che tra poco si andranno a diplomare. Anche questa serata dunque, oltre ai percorsi di Alternanza scuola-lavoro, alle attività di orientamento e a tutti i diversi contatti messi in atto con il territorio, è servita a concretizzare una interazione già avviata con le aziende locali e una collaborazione tra la scuola e le realtà produttive del territorio stesso.

Di particolare importanza in questo senso la presenza delle rappresentanti del CNA Federmoda di Macerata e Fermo, che, intervenendo sul palco, hanno segnalato come due ex studentesse dell’istituto, Elena Cingolani e Claudia Mariani, siano state selezionate per la finale di un premio importantissimo, il “XXIX Concorso Nazionale Professione Moda Giovani Stilisti –RMI” che il CNA organizza in collaborazione con AltaRoma; questo sia per testimoniare la qualità delle studentesse e dell’insegnamento che si svolge al Liceo Artistico, e sia come stimolo per gli studenti che ora lo frequentano.

Poi hanno voluto evidenziare quattro abiti che meglio rispondevano ad alcuni criteri di valore, come l’impatto emozionale, gli accorsi cromatici, lo studio dei materiali, e la fattibilità, ovvero la possibilità di essere messo in produzione in relazione alle tendenze della moda attuale. In questo modo gli abiti disegnati e poi realizzati dagli studenti nelle aule e nei laboratori della scuola sono diventati qualcosa di diverso dalla semplice prova scolastica, poiché sono stati proiettati nel mondo della produzione.

L’ultimo momento importante della serata ha visto sfilare due abiti particolari, provenienti da una collaborazione molto significativa che il Liceo Artistico “Cantalamessa” sta portando avanti in questi ultimi anni: quella con la “Jiangsu Secondary Vocational School” di Taicang, in Cina.

L’amicizia con Taicang è nata nel 2016 attraverso l’intermediazione della ViaSoccer, e in questi anni sono stati organizzati due viaggi studio in Cina e sono stati accolti diversi gruppi di studenti cinesi nella scuola. In particolare con la “Jiangsu Secondary Vocational School” di Taicang è stato firmato un “Patto di amicizia” che lega le due scuole in un accordo a lungo termine, che prevede non solo l’accoglienza degli studenti, ma soprattutto uno scambio sempre più fitto ed intenso di conoscenze ed esperienze e la realizzazione progetti e prodotti comuni.

La Sezione di “Design della Moda” è stata finora protagonista di due momenti importanti di questo progetto di collaborazione: nel primo anno il “Cantalamessa” ha progettato un abito che poi è stato realizzato nei laboratori della scuola di Taicang; mentre in questo secondo anno uno degli abiti disegnati dalla “Vocational School” è stato prodotto dal Liceo Artistico.

I due abiti hanno sfilato insieme al “Macerata Festival” di Taicang, svoltosi in aprile, ed ora sono stati presentati insieme alla cittadinanza maceratese. Per questo, a questo punto, è stato invitato sul palco il sindaco di Macerata, Romano Carancini, che, oltre a fare i complimenti alla scuola, agli studenti ed agli insegnanti che li seguono, ha sottolineato il valore del rapporto con la città cinese di Taicang, una città ben organizzata, accogliente, che offre molte possibilità, e con la quale dunque Macerata vuole collaborare in maniera sempre più stretta e proficua.

In questa prospettiva i due abiti assumono un significato simbolico importante, poiché dimostrano come sia non solo possibile ed auspicabile, ma anche semplice, soprattutto per i giovani, la condivisione di attività comuni che, nel loro piccolo, contribuiscono a rendere meno lontane queste realtà e a costruire un mondo meno diviso, più aperto al rispetto reciproco ed alla collaborazione.

Il Liceo Artistico ringrazia, oltre alle Autorità e tutti gli intervenuti, coloro che hanno contribuito alla realizzazione della manifestazione: la Regione Marche e il Comune di Macerata che hanno dato il loro patrocinio, di nuovo il Comune per la concessione della piazza e l’aiuto concreto fornito nell’allestimento (e il Comune di Montelupone per la sollecita disponibilità), l’Ufficio Scolastico Regionale e Provinciale per la diffusione dell’evento, il Macerata Opera Festival per la collaborazione operativa, le ditte del settore ed in particolare la “Ram System” di Loro Piceno per le stampe dei tessuti, le “Officine Light Zero” per l’organizzazione e l’allestimento e infine i due presentatori, Marco Moscatelli e Cinzia Poli, che con professionalità hanno brillantemente condotto la serata.

I complimenti finali vanno agli insegnanti, al personale della scuola e soprattutto agli studenti, perché senza di loro, senza la loro passione ed il loro impegno, nulla di tutto ciò sarebbe stato possibile.

#Marche #TMNotizie

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cento40battute · 6 years ago

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All’uncinetto, con i coralli o eco: ecco i bikini per un’estate da sogno

Inebriatevi del profumo dei pini, chiudete gli occhi e fatevi cullare dalle onde del mare, rilassatevi sotto l’ombrellone con un libro in grado di farvi sognare. Inspirate ed espirate. Questa è l’estate, questa è l’occasione di prendere del tempo per voi stesse, fare progetti, riflessioni, ma soprattutto riposare.

Dopo aver fatto un tuffo dentro voi stesse, è giusto tuffarvi nel mare blu con i bikini più cool della stagione. Ecco perché Beautytudine è andata alla ricerca di bikini di ultima tendenza: interi, trikini e dalle fantasie più particolari.

Nonostante i dati dicano che un italiano su 4 non si senta fisicamente pronto per la prova costume, tra le nostre proposte troverete sicuramente il modello che più valorizzerà il vostro fisico. Non vogliamo che il bikini porti apprensione e sconforto come succede al 23% e 21% di donne, uno stress che oggi viene definito “bikini blues” e che colpisce il 52% di donne anche con nevrosi e ansie.

Le ansie da bikini possono svanire se, accostato ad una sana alimentazione, trovate il costume che più è in grado di valorizzare il vostro fisico

UNCINETTO E FANTASIE COLORATE

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Libertà è la parola d’ordine. Colori energici e tessuti di tendenza sono le caratteristiche che contraddistinguono i bikini di Verdissima realizzati per la collezione mare. Tra queste proposte non solo troverete bikini perfetti per la spiaggia, dai più sgambati per prendere più sole ai più confortevoli per chi li preferisce, ma anche una bellissima varietà di costumi perfetti per i party in spiaggia. Per chi non ama le costrizioni Verdissima ha realizzato i trikini in morbido suede laserato con disegni floreali e contrasti metallici. Il pezzo forte è il bikini lavorato all’uncinetto, sia due pezzi che trikini. La spiaggia cadrà ai vostri piedi con questi esclusivi costumi!

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MARE E MODA SOSTENIBILE

Sapevate che è possibile sostenere una moda ecosostenibile anche al mare? Oysho è la risposta che stavate cercando. Il brand ha, infatti, realizzato una collezione mare con materie prime sostenibili come il cotone organico o il tencel; il primo proveniente da semi non modificati e coltivati con fertilizzanti naturali, il secondo prodotto in un circuito chiuso che riutilizza il 100% dell’acqua che consuma. I costumi sono realizzati anche da materiale riciclato: bottiglie di plastica, rifiuti, reti da pesca, moquette e scarti di produzione. Da oggi potere rispettare l’ambiente indossando un bikini eco in un contesto naturale, nulla di più bello.

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IL FATTO A MANO

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Mai come quest’estate si ricerca l’originalità. Siamo stanche di vedere in spiaggia donne con lo stesso bikini e la soluzione è quella di trovare artigiani che producano a mano abbigliamento da spiaggia, come Le Naty. Un brand diventato il portavoce della lavorazione a mano e del Made in Italy. La collezione realizzata da Le Naty si ispira al Belpaese, al nostro bellissimo Mar Mediterraneo con la sua flora e fauna realizzando bikini con veri coralli, lurex, seta, pizzi, uncinetto e lino. Unicità è la parola d’ordine e così porterete sui vostri bikini, davvero, il vero mare.

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Camilla Catalano

Bikini che passione! All’uncinetto, con i coralli o eco: ecco i bikini per un’estate da sogno Inebriatevi del profumo dei pini, chiudete gli occhi e fatevi cullare dalle onde del mare, rilassatevi sotto l’ombrellone con un libro in grado di farvi sognare.

#bikini #Costumi da bagno #Le Naty #Oysho #trikini #Verdissima

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perfettamentechic · 5 years ago

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Peter Speliopoulos, nato nel 1961 a Springfield, nel Massachusetts, è uno stilista americano.

Peter Speliopoulos è nato nel 1961 in Grecia. I suoi genitori greci viaggiavano costantemente tra New York e Parigi. Trascorse la sua infanzia a Springfield nel Massachusetts e infine si stabilì a New York. Speliopoulos ha studiato moda alla Parsons School of Design di New York e si è laureato con un BFA nel 1981. Peter è il migliore amico dello stilista Isaac Mizrahi che ha anche frequentato Parsons. Il suo primo lavoro come stilista è stato come assistente stilista con Laura Biagiotti a Roma nel 1982. Ha poi lavorato brevemente nella casa di moda francese di Christian Dior e successivamente per la designer di abbigliamento sportivo di New York Gloria Sachs la cui etichetta è fallita nel 1992. Nel 1985, Speliopoulos è stato nominato direttore creativo di Carolyne Roehm Inc., una casa di moda di New York che è stata creata nel 1984. Ha lasciato nel 1991 per diventare direttore della moda con Joseph Abboud.

Dal 1993 al 1997, Speliopoulos ha lavorato come designer per Donna Karan a New York. Ha sostituito Narcisco Rodriguez a capo del design per la collezione femminile di Nino Cerruti a metà del 1997. Durante la sua permanenza in Cerruti, ha donato all’etichetta un aspetto fresco e moderno, utilizzando dettagli e tessuti raffinati. Ha lasciato Cerruti nel 2002 per tornare a New York come Vice Presidente del Design per Donna Karan New York. Da allora è rimasto con Donna Karan, una casa di moda di proprietà del gruppo francese LVMH .

Speliopoulos ha anche lavorato come costumista per Karole Armitage, una ballerina di New York proprietaria di una compagnia di ballo. Nell’estate del 2000, ha disegnato i costumi per la produzione dell’Opera di Atene di The Birds di Aristofane. La collaborazione con Armitage è continuata fino al 2003. Ha anche lavorato come costumista con la Rambert Dance Company di Londra per la quale Karole Armitage è stata coreografa.

Peter afferma di essere sempre ispirato dalla costruzione di Balenciaga, dall’essenzialissimo di Halston e dal genio di Yves St. Laurent. Cerca di rendere i suoi capi un mix di sensualità femminile e sartoria maschile, creando versatilità nel guardaroba di una donna.

Sebbene abbia studiato ceramica dal 2011, Speliopoulos ha deciso di dedicarsi ad essa solo dopo la chiusura di Donna Karan nel 2015. Ha lavorato creando crepe e smalti, ma ben presto si è reso conto di quanto gli mancassero i suoi legami con l’Italia e l’atelier di tessuti.

Speliopoulos è stato a lungo un pilastro nel mondo della moda, negli ultimi anni, tuttavia, è passato dai tessuti pregiati all’argilla.

Speliopoulos – insieme al suo partner da oltre 20 anni, Robert Turner – è donatore del Fondo annuale Friends for Life presso il GMHC.

aggiornato al 17 ottobre 2019

Autore: Lynda Di Natale Fonte: wikipedia.org, web

Peter Speliopoulos #peterspeliopoilos #speliopoulos #creatoredellostile #creatoredellamoda #perfettamentechic #felicementechic #lynda Peter Speliopoulos, nato nel 1961 a Springfield, nel Massachusetts, è uno stilista americano. Peter Speliopoulos…

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perfettamentechic · 5 years ago

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Narciso Rodriguez III è uno fashion designer americano, di origini cubane.

Figlio di immigrati cubani – il padre era un lavoratore portuale cubano originario delle Isole Canarie – , Narciso Rodriguez cresce a Newark, nel New Jersey, in una zona molto povera, ma studierà arte e moda alla Parson’s School di New York. I suoi genitori non erano molto entusiasti della sua carriera prescelta in quanto la moda non è una scelta molto macho nella società cubana.

Rodriguez ha lavorato come designer freelance a New York, agli inizi degli anni novanta, prima di diventare direttore del design femminile per l’ etichetta Anne Klein – nello stesso periodo in cui nella maison lavorava anche Donna Karan – per poi lavorare per Calvin Klein dove ha lavorato alla collezione di cappotti e alla linea di pellicce del designer. Nel 1995, Rodriguez divenne design director di Tse, dove presentò collezioni ready to wear per uomo e donna a New York. Contemporaneamente, Rodriguez è stato nominato designer e consulente per Nino Cerruti a Parigi. Per l’etichetta Cerruti, Rodriguez ha contribuito a progettare la linea femminile. Fino a questo punto, Cerruti aveva avuto successo con la sua linea di abbigliamento da uomo, ma non con quella da donna. Rodriguez ha contribuito a rivitalizzare la linea femminile di Cerruti con i suoi design accattivanti e semplici.

Mentre lavorava ancora per Cerruti, Rodriguez ha disegnato diversi abiti da sposa su base freelance. Per il matrimonio del marzo 1996 di Dina Ruiz con l’acclamato attore Clint Eastwood, Rodriguez ha disegnato il suo vestito.

La sua prima grande attenzione nella scena della moda mondiale, la ottiene quando disegna, nel 1996, l’abito da sposa della amica e ex-collega Carolyne Bessett, nell’occasione del matrimonio con John Fitzgerald Kennedy Jr. , dipendente di Calvin Klein.

Nell’ottobre 1997, la prima collezione femminile pronta da indossare con il marchio Narciso Rodriguez, in collaborazione con il gruppo italiano Aeffe un’azienda manifatturiera italiana di proprietà della designer di moda di Alberta Ferretti, è stata presentata a Milano per la stagione Primavera / Estate 1998. Nonostante il fatto che Rodriguez non abbia cercato i riflettori, la sua prima sfilata di moda in assoluto, a Milano, in Italia, nell’ottobre 1997 per la stagione primavera 1998, è stata un successo e un divertimento per lo stilista.

Dopo la collezione, Rodriguez è stato premiato come “best new designer” ai premi di moda Vogue / VH1 di New York e al “Perry Ellis award” per il miglior nuovo designer dal consiglio degli stilisti americani.

Dopo aver realizzato il vestito di Sigourney Weaver indossato per la cerimonia per l’assegnazione dei premi Oscar ed aver disegnato una collezione per il gruppo italiano Aeffe, nel 2001 fonda il proprio brand, sotto la casa di moda spagnola Loewe.

Loewe, la casa di leather luxury spagnola fondata a Madrid nel 1846 e di proprietà di LVMH dal gennaio 1997, ha nominato Rodriguez direttore del design della collezione donna ready to wear. La prima presentazione in passerella per Loewe si è tenuta nel marzo 1997 durante la stagione autunno / inverno 1998 di Parigi. All’inizio del 2001, Narciso Rodriguez ha rifiutato di rinnovare il suo contratto con Loewe. Nel settembre 2001, AEFFE (Italia) ha accettato di finanziare la produzione della propria etichetta, che è iniziata con l’autunno 2001 con grande successo.

Per la sua collezione Autunno / Inverno 2001 pronta da indossare, Narciso Rodriguez ha deciso di tornare a New York.

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Narciso è il primo designer nella storia a ricevere il premio di designer di abbigliamento femminile dell’anno dal consiglio degli stilisti americani consecutivamente nel 2002 e nel 2003. Ha continuato a mostrare le sue collezioni a New York, dopo essersi unito a una nuova generazione di designer noti per squisita sartoria e design raffinato e artigianato.

Eleganti e ultramoderni, gli abiti di Narciso Rodriguez combinano colori e forme audaci con tessuti lussuosi, creando una visione contemporanea della femminilità che si basa più su silhouette forti e linee pulite che fronzoli e pastelli. L’etichetta è specializzata in abiti da sera morbidi e setosi, ma produce anche abiti e abiti da cocktail che rimandano allo stile mod dei primi anni ’60. Architettonico, puro, scultoreo, preciso, sensuale, elegante, moderno, classico, pratico, femminile, elegante. Il suo stile è americano con un’influenza europea e latino nel cuore. Americano, perché Narciso Rodriquez padroneggia alla perfezione l’arte della sartoria aerodinamica precisa per servire uno stile pratico. Con un’influenza europea, perché sia la tradizione che la vitalità dell ‘”haute couture” sono state fonte di ispirazione per Narciso Rodriquez, che ha sviluppato una visione molto personale di timeless elegance, in cui il classicismo genera una nuova modernità. Alla base, la sua moda è influenzata dalla sua eredità latina.

Pezzi aderenti che lusingavano le figure femminili sono stati ritrovati anche nella sua collezione della primavera del 2003, che ha debuttato nel settembre 2002. I suoi abiti sofisticati ma indossabili sono diventati un punto fermo della scena della moda di New York.

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Dal 2003 Narciso Rodriguez lancia una linea di profumi, distribuiti dalla Shiseido.

Nel 2002 e nel 2003 viene scelto fra 450 stilisti come miglior stilista da donna dal Council of Fashion Designers nell’annuale cerimonia tenuta a New York.

In collaborazione con Beauté Prestige International, Rodriguez ha creato la sua prima fragranza, per lei, nel 2003, che ha ricevuto il British FiFi Award per la migliore nuova fragranza quell’anno e il premio Fragrance of the Year / Women’s Noveau Niche nel 2004.

Le sfilate di Rodriguez avuto sempre gran successo come la Collezione Primavera 2004

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e l’autunno-inverno 2004, con abiti aderenti e dettagli corsetto ispirati al suo viaggio al Carnevale a Rio de Janeiro, in Brasile. Le sue sfilate sono diventate quelle che tutti aspettavano con impazienza durante la settimana della moda.

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Rodriguez ha anche collaborato con l’artista Cindy Sherman a un progetto per American Vogue. Il lavoro del designer è stato presentato in diverse mostre museali nel 2006.

La fragranza maschile di Narciso Rodriguez, per lui, è stato lanciato nel 2007 e ha ricevuto il Grand Prix du Parfum Award 2008 per il miglior profumo maschile e il miglior design.

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Maggio 2007, Liz Claiborne ha acquisito una partecipazione del 50% nell’etichetta Narciso Rodriguez. Nel 2008 Narciso Rodriguez ha acquistato la partecipazione del 50% da Liz Claiborne per 12 milioni di dollari.

Le “arti” hanno avuto un ruolo importante nella vita e nel lavoro di Narciso Rodriguez. Il designer ha collaborato a diversi film, tra cui The Family Stone nel 2005 e il remake del 2008 di The Women.

Nel 2008, Narciso Rodriguez, un libro dedicato al designer e al suo processo, è stato pubblicato da Rizzoli con grande successo di critica.

Il 4 novembre 2008, Michelle Obama ha indossato un vestito firmato da Narciso Rodriguez nella sua prima apparizione come moglie del presidente eletto degli Stati Uniti d’America Barack Obama, ottenendo notevole attenzione da parte della stampa.

L’abito, originariamente presentato alla Fashion Week di New York nel settembre 2008, proveniva dalla collezione di design “stress-relief” di Rodriguez.

Rodriguez ha stabilito una relazione con il coreografo di fama internazionale Christopher Wheeldon, fondatore / direttore di Morphoses; ha disegnato costumi per le anteprime americane e britanniche di Morphoses nel 2008.

Rodriguez è stato anche premiato per lo Special Achievement in Fashion da ALMA (American Latino Media Arts Awards) nel 2008. Nel 2009, è stato nuovamente nominato per il premio CFDA del Womenswear Designer of the Year.

Essence, la terza fragranza di Rodriguez è stata lanciata nel 2009.

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Nel 2010, il designer ha vinto il titolo di designer Mercedes-Benz Presents, vincendo la sponsorizzazione di Mercedes-Benz. Rodriguez è stato tra i leader culturali del 2010 selezionati dalla rivista USA Network e Vanity Fair.

Nel 2010, c’è stata una retrospettiva completa del lavoro di Rodriguez a San Juan, Puerto Rico, a beneficio del organizzazione no profit Alas a la Mujer, un gruppo a sostegno dell’educazione delle donne. Il designer ha anche recitato in “American Beauty: Aesthetics and Innovation in Fashion” presso il Museo della FIT. Nel 2010, Sundance ha presentato The Day Before, uno sguardo dietro le quinte del designer e del suo atelier, diretto da Loic Prigent, per la sua serie nelle 24 ore precedenti a una sfilata di moda.

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Il designer ha continuato il suo coinvolgimento nel mondo della danza in una collaborazione con la famosa coreografa Jonah Bokaer nel 2010, in una serie di spettacoli curati da Cecilia Dean e dallo scrittore David Coleman.

La biografia di Narciso Rodriguez ha un peso notevole nel suo stile, sia nei profumi, sia nella moda: si percepiscono chiare influenze americane, europee e latine, che creano, secondo lo stilista, una visione personale dell’eleganza atemporale in cui il classicismo si miscela con la modernità.

Mi piace reinterpretare i classici in chiave moderna

Rodriguez è stato premiato con il FiFi Award per Most Iconic Fragrance of the Past Decade nel 2012 per la sua fragranza for her. In poco più di un decennio, le collezioni Essence e For him sono diventate le icone moderne nel settore delle fragranze.

Ready-to-wear della Collezione Primavera 2012

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Rodriguez ha amicizie di lunga durata con molte attrici, tra cui Sarah Jessica Parker, Claire Danes, Julianna Margulies, Jessica Alba e Rachel Weisz.

Nel giugno del 2013, Narciso ha sposato l’architetto Thomas Tolan.

Nel 2014, Rodriguez iniziò una nuova collaborazione con uno dei coreografi più rispettati di New York, Stephen Petronio, per la stagione dei 30 anni di Petronio, disegnando costumi per Petronio’s Locomotor. L’anno successivo, il designer ha disegnato i costumi per Petronio’s Locomotor/Non Locomotor.

Collezione pre-fall 2014: Rodriguez is a master of elegant simplicity.

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Rodriguez ha continuato a collaborare con Bokaer, disegnando costumi nel 2015 per il Triple Echo del coreografo per la serata inaugurale del Festival Onassis di New York. Ha progettato una scarpa da punta per Hamish Bowles di Vogue che ha curato una mostra in onore del 75 ° anniversario del American Ballet Theatre. L’anno successivo, il designer ha disegnato i costumi per la Petronio’s Locomotor/Non Locomotor. I costumi del designer per Petronio’s Locomotor sono stati presentati in una mostra dal titolo “Dance and Fashion” al Museo FIT nel 2014.

Fall 2015 ready-to-wear: Rodriguez ha sempre mostrato un sottile senso del colore.

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RESORT 2017: capi ispirati alla grafica giapponese

Sfilata Fall 2017

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Oggi, la maison di Narciso Rodriguez ha sede a New York City dove espone le sue collezioni di prêt-à-porter da donna.

PRÊT-À-PORTER AUTUNNO-INVERNO 2019

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aggiornato al 17 ottobre 2019

Autore: Lynda Di Natale Fonte: narcisorodriguez.com, wikipedia.org, web

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fashioncurrentnews · 6 years ago

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L’Atelier Artigiano in Paris: Hala Kaiksow e Canoa Lab

L’artigianalità e la creatività costituiscono l’essenza del marchio Hala Kaiksow. La designer e tessitrice mediorientale (di cui vi abbiamo già presentato la collezione Primavera Estate 2018) continua a sfidare la produzione di massa dell’industria contemporanea scegliendo un approccio consapevole al design. In occasione della sua presentazione a Parigi della collezione Autunno Inverno 2018-19, Hala ha collaborato con Canoa Lab, ceramista e creatore di gioielli spagnolo, per un evento speciale attorno al lusso artigianale e alla moda slow.

Il viaggio di Hala inizia con il tocco umano e la sua capacità di conferire ai capi una certa anima. Artigiana del XXI secolo, le sue collezioni includono tessuti personalizzati a mano, tecniche di tintura naturale, bottoni e chiusure uniche. Ispirata dalla bellezza degli oggetti di tutti i giorni e dalla funzionalità dei capi, la designer decostruisce abiti del passato, costumi storici e workwear per creare outfits contemporanei ed estremamente femminili. La lavorazione al telaio le consente di tessere una grande varietà di materiali tradizionali come lino grezzo, seta e canapa motivi e fibre insaspettate come il kevlar or il PVC, tessendo trame sperimentali ulteriormente impreziosite da frammenti di metalli preziosi, legno, lattice e madreperla.

Hala ha scoperto il lavoro di Canoa Lab in rete e si è messa in contatto con Raquel e Pedro Paz Porto, fondatori del marchio. Ciò che l’ha immediatamente colpita è stato l’obiettivo di Canoa di innovare la tradizione della ceramica riproducendo le forme classiche di vasi iberici, greci antichi, romani ed etruschi attraverso colorazioni e lavorazioni d’avanguardia. Come nel suo lavoro, materie prime di alta qualità e rifiniture a mano sono essenziali. Amanti del passato tanto quanto lei stessa, i designer di Canoa Lab si considerano archeologi, esploratori del tempo e restauratori di antiche sensibilità.  La collaborazione tra Hala Kaiksow e Canoa Lab incarna una nuova definizione di lusso che attraversa i diversi ambiti creativi per celebrare un’estetica squisitamente artigianale ed espressione unica dell’individuo.

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perfettamentechic · 6 years ago

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Dolce & Gabbana è una casa di alta moda italiana fondata nel 1985 dagli stilisti Domenico Dolce e Stefano Gabbana a Legnano. Ha sede a Milano.

Il primo incontro tra i due avvenne per telefono, quando Dolce chiamò l’azienda di moda per cui Gabbana stava lavorando, in cerca di lavoro.

Dopo essere stato assunto dalla ditta, Gabbana prese Dolce sotto le proprie ali e gli insegnò il funzionamento del processo di un’azienda di moda e come abbozzare nuovi design. Poco dopo l’assunzione di Dolce, Gabbana fu arruolato per il servizio civile di 18 mesi presso un istituto di malati mentali, ma dopo il suo ritorno i due crearono un’azienda di consulenza nell’ambito del design. Nonostante lavorassero insieme, fatturavano sempre separatamente, finché un commercialista consigliò loro di fatturare congiuntamente in modo da semplificare le cose e rendere l’attività più efficiente dal punto di vista dei costi. I due cominciarono a fatturare ai clienti con il nome di Dolce e Gabbana, che diventò il nome della loro attività di design in via di sviluppo.

La prima collezione del duo di stilisti è stata mostrata nell’ottobre del 1985, insieme a cinque altre nuove etichette, nell’ambito della Milan Fashion Week. I due non avevano soldi per delle modelle, pertanto cercarono aiuto dai loro amici; non avevano neanche soldi per fornire accessori alle loro modelle, quindi queste vestirono semplicemente i loro oggetti personali come complemento ai vestiti. Come tenda per lo stage utilizzarono persino un lenzuolo da letto che Dolce portò da casa.

Negli anni 80 di edonismo carrierista, Dolce e Gabbana si pongono in controtendenza: la loro “donna vera“, dal titolo della collezione, è misteriosa e seducente. I due stilisti diedero il nome di Real Women alla loro prima collezione, dovuto in parte all’impiego di donne del posto sulla passerella. Vestagliette, corsetti, pizzo e sottovesti, la biancheria intima che si impone sopra il vestito. Una femminilità mediterranea dirompente che richiama Sofia Loren, in Ieri, Oggi e Domani, del 1963.

Le vendite della loro prima collezione furono abbastanza deludenti e costrinsero Gabbana ad annullare l’ordine di tessuto fatto per creare la seconda collezione. Quando i due andarono in Sicilia per Natale la famiglia di Dolce si offrì di pagare il costo della fornitura e per coincidenza l’azienda di tessuti non ricevette in tempo la revoca dell’ordine quindi al rientro a Milano il tessuto era a loro disposizione. Produssero la loro collezione successiva nel 1986 e aprirono il loro primo negozio lo stesso anno. Michael Gross scrisse della loro terza collezione in un’intervista del 1992, affermando che “erano un segreto conosciuto soltanto da una manciata di editori di moda italiani. Le loro poche modelle si cambiavano dietro uno schermo traballante. Alla loro collezione di pezzi in cotone da magliette e seta elastica diedero il nome di ″Trasformazione″. Il loro abbigliamento in questa collezione era accompagnato dalle istruzioni circa i sette diversi modi in cui è possibile indossare un pezzo in un completo, poiché l’indossatore poteva utilizzare il velcro e le chiusure a scatto per modificare la forma dei vestiti”.

Nella seconda metà degli anni Ottanta, il loro bustier, tra pizzi neri, raso e chiffon, si riserva un posto d’eccezione. Fu la loro quarta collezione la prima ad avere un impatto significativo sul mercato italiano della moda. In questa collezione Dolce si rifece alle sue radici siciliane.

La campagna pubblicitaria della collezione fu girata dal fotografo Fernando Scianna con Marpessa Hennink nel 1987 rappresentando l’anima più intima del concept stilistico di Dolce e Gabbana in un luogo in Sicilia, con fotografie in bianco e nero ispirate al cinema italiano degli anni quaranta.

La top model, con candide bluse o lunghe gonne total black, si lascia fotografare da uno scugnizzo siciliano nelle assolate vie isolane. I modelli sono le grandi protagoniste del neorealismo italiano, come Anna Magnani e Silvana Mangano. A marzo dello stesso anno risale, invece, la prima collezione di maglieria. Continuarono a utilizzare il cinema italiano come ispirazione nella loro quinta collezione, prendendo come spunto il lavoro del regista Luchino Visconti e il suo film Il Gattopardo.

L’anno successivo, Domenico e Stefano siglano un accordo con Saverio Dolce per la produzione del prêt-à-porter nella sua azienda di Legnano. Si delinea così una carriera in ascesa: la sfilata donna a Tokyo nel 1989, la prima collezione intimo e mare. Successivamente, nel 1990, la linea maschile che, assieme a quella femminile, sfila a New York. Tra la fine degli anni 80 e i primi 90, nasce un altro must del duo stilistico: il tailleur, rivisitato, diviene incisivo strumento di seduzione.

Vedremo Isabella Rossellini vestita con un gessato Dolce&Gabbana, camicia bianca e cravatta. Elemento distintivo: la giacca doppiopetto. La donna di Domenico Dolce e Stefano Gabbana è un universo di emozioni. In lei, mille sfaccettature, sospese tra modernità e tradizione si fondono alla sensualità femminile in un gioco accentuato, per contrasto, dall’uso di capi maschili. Il bianco e il nero insieme, eros e Crocefisso, il rosario come accessorio. Vestiti gessati che richiamano i gangster-movie anni 30. Si rafforzano in questo periodo gli elementi chiave dello stile come il leopardato, dapprima sulle fodere e dal ’94 segno distintivo della griffe, e la corsetteria.

“Trovano la loro via di uscita da ogni abito nero, da ogni camicetta abbottonata” dice Rossellini; “il primo loro pezzo che ho indossato è stato una maglietta bianca, molto innocente, ma tagliata per far sembrare che i miei seni saltassero fuori da essa“.

Uno dei pezzi della loro quarta collezione fu chiamato “Il vestito siciliano” dalla stampa della moda e fu indicato dall’autore Hal Rubenstein come uno dei 100 vestiti più importanti mai disegnati. È considerato il pezzo più rappresentativo per il marchio in questo periodo. Rubenstein ha descritto il pezzo nel 2012, scrivendo: “Il vestito siciliano è l’essenza di Dolce & Gabbana, la pietra di paragone sartoriale del marchio. Il vestito prende spunto da una sottoveste, ma è una sottoveste che ha adornato Anna Magnani, ed è una sagoma che ha ornato Anita Ekberg, Sophia Loren, e così via. Le cinghie si adattano strette al corpo proprio come quelle di un reggiseno; la scollatura scorre dritta, ma viene attaccata almeno due volte, una per ciascun lato, per accarezzare i due seni e nel mezzo per incontrare un’edificante piega che fornisce un lieve sostegno. La sottoveste non scivola semplicemente verso il basso, ma sale alla vita per tenere la figura con fermezza ma non troppo stretta, e in seguito si allarga per enfatizzare le anche, per cadere in modo leggermente rastremato alle ginocchia, in modo da garantire l’oscillazione delle anche mentre si cammina”.

In pochi anni la loro fama internazionale cresce, fino alla consacrazione come duo creativo più cutting edge delle passerelle milanesi. I loro capi sono immortalati da Helmut Newton, Steven Meisel e Peter Lindbergh.

Nel 1990 spostarono la casa di design nei suoi primi uffici veri e propri e cominciarono a disegnare abiti da sera e altri pezzi più costosi, in aggiunta al loro abbigliamento originale. La loro collezione da donna primavera/estate 1990 fece riferimento al dipinto mitologico di Raffaello e il duo iniziò a costruirsi una reputazione per i vestiti ricoperti di cristallo. La collezione donna autunno/inverno 1991 fu adornata da ciondoli, comprese medaglie in filigrana e corsetti decorati. La collezione donna autunno/inverno 1992 fu quindi ispirata dallo schermo argentato degli anni 50, tuttavia la collezione comprendeva ancora body adornati con cristallo.

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Nel 1991 la loro collezione da uomo fu insignita del Woolmark Award in quanto collezione da uomo più innovativa dell’anno.

Ciò che viene considerato come il loro primo tentativo di riconoscimento a livello internazionale è arrivato quando Madonna vestì un corsetto fatto di gemme e una giacchetta di accompagnamento di Dolce & Gabbana per la prima di A letto con Madonna al Festival di Cannes. Il duo poi lavorò con Madonna nel 1993 per disegnare oltre 1500 costumi per il tour internazionale dell’artista Girlie Show a supporto del suo album del 1992 Erotica. In un’intervista sui costumi, Madonna affermò che “i loro vestiti sono sexy con un senso dell’umorismo – come me“.

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Nel 1994 il marchio di fabbrica della casa, una giacchetta a doppio petto, fu chiamato “La Turlington“, ispirandosi alla modella Christy Turlington. Nello stesso anno l’azienda lanciò la sua seconda linea principale, D&G, una linea mirata a persone giovani. Nel 1996 la sfilata di D&G fece la sua apparizione soltanto su internet e non sulla passerella, sperimentando lo spostamento verso i nuovi media. In questo anno Dolce & Gabbana disegnarono anche i costumi per il film Romeo + Giulietta di William Shakespeare.

Nell’ambito dell’industria cinematografica, sia Dolce che Gabbana comparirono nel 1995 nel film L’Uomo delle Stelle del regista Giuseppe Tornatore, coprendo ruoli minori. Comparirono in cammeo più importanti nell’adattamento a film di Rob Marshall Nine. In qualità di stilisti lavorarono anche al video musicale Girl Panic! dei Duran Duran.

Nell’ambito della loro espansione sul mercato negli anni 90, nel 1989 Dolce & Gabbana firmarono un accordo con il gruppo Kashiyama per aprire il loro primo negozio in Giappone. Lanciarono nel 1992 il loro primo profumo per donna, chiamato “Dolce & Gabbana Parfum“, che nel 1993 è stato insignito del premio della Perfume Academy come miglior profumo per donna dell’anno. Il loro primo profumo per uomo, “Dolce & Gabbana pour Homme“, fu insignito del premio di miglior profumo per uomo dell’anno dalla stessa Academy nel 1995.

In quell’anno le collezioni di Dolce & Gabbana causarono una controversia con la stampa inglese e italiana, quando i due scelsero il tema del gangster americano ad ispirazione del loro lavoro. Dolce & Gabbana trasposero questa ispirazione dell’autunno/inverno 1995 nei vestiti da donna, che secondo la critica portarono un taglio erotico ai vestiti. Il duo aveva già utilizzato il tema in passato. Nel 1992 il fotografo Steven Meisel scattò una campagna pubblicitaria per la casa, in cui le modelle posarono in “gangster chic“. Ciò comprendeva giacche con il bavero largo in stile anni 30 e berretti in pelle neri.

Dolce & Gabbana hanno aperto La sede di via San Damiano atelier nel settembre del 1995.

Dopo aver doppiato il “Gilbert and George of Italian fashion“, Dolce e Gabbana diedero una svolta musicale ai loro interessi sulla moda nel 1996, quando registrarono il loro singolo, nel quale cantavano le parole “D&G is love” su una base techno.

Più recente nel gioco del design rispetto ad altre blasonate case di moda italiane quali Versace e Armani, la coppia ammette che la fortuna ha avuto il suo ruolo nel loro eccezionale successo.

Nel 1996, in occasione del decennale dell’azienda è stato pubblicato il libro fotografico 10 anni di Dolce & Gabbana, che ritraeva in copertina Monica Bellucci, musa indiscussa dei due stilisti, perfetta incarnazione della donna Dolce & Gabbana.

Nel 1997 l’azienda registrò un fatturato di 400 milioni, il che ha spinto i due designer ad annunciare l’intenzione di andare in pensione all’età di 40 anni – promessa da loro non mantenuta.

Per l’estate ‘99 viene lanciata una collezione celebrativa del mito inglese: Stella Tennant indossa un micro tubino con il disegno della Union Jack. La griffe è un vero cult tra le celebs hollywoodiane e le rockstar. Tra le tante, Demi Moore, Angelina Jolie, Annie Lennox, Jennifer Lopez e Kylie Minogue, per la quale gli stilisti realizzeranno i costumi del tour europeo.

Dolce & Gabbana hanno creato una collezione da sposa, ma soltanto tra il 1992 e il 1998.

Dolce & Gabbana continuarono a lavorare con Madonna, disegnando i vestiti per il suo Drowned World Tour internazionale del 2001, a supporto del suo album uscito nel 2000 Music. Disegnarono anche vestiti per i tour internazionali di Missy Elliot, Beyoncé, e Mary J. Blige. Nel 1999 il duo comparve nel The Oprah Winfrey Show a supporto della cantante Whitney Houston, che utilizzò lo spettacolo per presentare in anteprima i vestiti disegnati da Dolce & Gabbana per il suo tour My Love is Your Love, considerato dalla critica della moda e della musica come insolitamente risqué. Il duo continuò a disegnare vestiti per artisti nell’ambito musicale per tutti gli anni 2000, compresi vestiti per il tour Showgirl Homecoming di Kylie Minogue.Madonna ha anche preso parte alle campagne pubblicitarie del 2010 di Dolce & Gabbana.

La Dolce & Gabbana Home Collection – lanciata nel 1994 – fu abbandonata nel 1999, con l’eccezione di pezzi unici creati per i locali di D&G. La prima collezione di abbigliamento mare da donna è stata sviluppata nel 1989, seguita dalla prima collezione di abbigliamento mare da uomo nel 1992. D&G ha lanciato una linea di eyewear nel 1998 e una linea di orologi nel 2000. Nello stesso anno, D&G ha lanciato una collezione di intimo da uomo e da donna, separata rispetto alla collezione di lingerie di Dolce & Gabbana. Nel 2001 hanno lanciato la linea D&G Junior, per bambini.

Nel settembre 2002 c’è un occhio di riguardo ai capi storici: guêpière sulla camicia bianca, con lacci e ganci a vista, tailleur gessato maschile e abito-bustier nero, stringato sui fianchi sfilano in passerella, seguiti da futuristici trench in pvc trasparente, fascianti tubini argentati, tuxedo rivisitati.

Per le collezioni 2002-03, frange, coppole e gilet, tubini patchwork di pelle su stivali in rettile, longuette e pellicce dall’interno maculato.

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Negli anni 2000 Dolce & Gabbana si ispirarono notevolmente allo sport del calcio. Nel 2003 la linea uomo prese ispirazione principalmente dalle più grandi stelle del calcio al mondo. Nel 2002 hanno inaugurato l’edificio a sette piani con funzione di boutique e spazio aziendale Lo showroom di via Goldoni, spostandovi il loro precedente showroom principale situato in Piazza Umanitaria.

Altre forme di arte si ispirarono a Dolce & Gabbana. Nel 2003 l’artista di musica dance Frankie Knuckles disse che la casa di moda era un “ottimo barometro” per le tendenze nel mondo della moda e della musica. In seguito al loro impatto sul mondo del design, nel 2002 i corsetti, che ebbero un ruolo essenziale negli inizi dell’attività di Dolce & Gabbana, furono riscoperti da molti designer europei come tendenza prossima ad arrivare.

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Seppur stemperata in una collezione invernale, l’idea dell’intimo a vista viene riproposta indosso a top come Naomi o Gisele. Con la collezione 2004-05, i temi chiave vengono rivisitati: i classici aderentissimi tubini neri sono abbinati a oversize parka di nylon. Il tema felino viene stampato graficamente sugli abiti, che in alternativa sono floreali, optical o total gold. Attraverso gli anni, le loro collezioni si sono sempre più arricchite di dettagli, materiali e lavorazioni preziose.

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The New Yorker nel 2005 affermò che “Dolce & Gabbana stanno diventando negli anni 2000 ciò che Prada ha rappresentato negli anni 90 e Armani negli anni 80-gli stilisti, la cui sensibilità definisce il decennio.” Per quanto riguarda i premi personali, nel 1996 e nel 1997 Dolce & Gabbana furono nominati da FHM designer dell’anno. Nel 2003 GQ ha elencato Dolce & Gabbana tra i suoi “Uomini dell’anno“. L’anno seguente i lettori di Elle votarono Dolce & Gabbana come migliori designer internazionali agli Elle Style Awards del 2004.

Lo spot creato per il primo profumo da donna di Dolce & Gabbana è stato in onda in Italia per diversi anni, da una creazione del regista Giuseppe Tornatore, arrangiato da Ennio Morricone e con protagonista l’attrice Monica Bellucci. Nel 2003 il profumo di The Dolce & Gabbana Sicily fu pubblicizzato in un altro spot surrealista sul funerale siciliano, anch’esso diretto da Giuseppe Tornatore.

Nel 2003 l’apertura di un bar co-sponsorizzato che i due fondarono nel loro showroom milanese per uomo chiamato Martini Bar. Un altro Martini Bar fu poi aperto nel 2006 a Shanghai. Nel 2009 Dolce & Gabbana avevano 93 boutique e 11 outlet aziendali ed effettuavano vendite in 80 paesi. Complessivamente possedevano 251 negozi mono-marchio.

Gisele Bündchen fu protagonista nel 2006 dello spot sul profumo “The One“.

Tra i fotografi e i registi che hanno lavorato con Dolce & Gabbana per le campagne pubblicitarie si può annoverare Giampaolo Barbieri, Michel Comte, Fabrizio Ferri, Steven Klein, Steven Meisel, Mert + Marcus, Jean Baptiste Mondino, Ferdinando Scianna, Giampaolo Sgura, Mario Sorrenti, Solve Sundsbo, Mario Testino, Giuseppe Tornatore, e Mariano Vivanco. Dolce & Gabbana hanno vinto due Leadawards, il premio sulla pubblicità più importante in Germania, per le loro campagne. Nel 2004 hanno vinto con la loro campagna autunno/inverno 2003/04 campaign e nel 2006 hanno vinto con la loro campagna autunno/inverno 2005/06.

Dolce e Gabbana ha disegnato la tenuta da gioco del Milan dal 2004. Oltre alla divisa da gioco, i giocatori del Milan vestono una tenuta di Dolce & Gabbana durante le occasioni ufficiali fuori dal campo. Il duo disegnò anche completi non da gioco per la Nazionale italiana.

Sempre nel 2004, la relazione sentimentale fra i due stilisti termina, ma il proficuo e consolidato rapporto imprenditoriale prosegue.

Nel 2006 per la campagna pubblicitaria dell’intimo maschile Dolce e Gabbana Underwear sono stati scelti come testimonial i calciatori italiani Fabio Cannavaro, Gianluca Zambrotta, Andrea Pirlo, Gennaro Gattuso e Manuele Blasi.

Nel 2006 Dolce & Gabbana ha stretto un partenariato con Motorola per produrre il telefono cellulare Motorola V3i Dolce & Gabbana.

Nel 2006 il duo ha lanciato la linea Anamalier di accessori leopardati per donne, e nel 2007 hanno lanciato una linea di valigie da viaggio di coccodrillo per uomo. Tra le altre borse prodotte dalla casa vi è il borsone portatutto di Miss Sicilia, e la borsa “Dolce“, proposta in paglia e pelle.

Ispirati in origine dall’eclettico negozio di articoli usati Bohemia, le stampe animalier molto colorare di Dolce & Gabbana sono state descritte come “alto hippy“. “Quando disegniamo è come un film” afferma Domenico Dolce, “pensiamo ad una storia e disegniamo i vestiti che si adattano ad essa“. Sostengono di essere più interessati a creare i vestiti migliori e che donano di più rispetto a tendenze che fanno scintille, dopo aver ammesso che non interesserebbe loro se il loro unico contributo alla storia della moda fosse un reggiseno nero (Dolce & Gabbana 2007).

Nel luglio 2006 Dolce & Gabbana aprirono uno spazio dimostrativo di 450 m² denominato Lo showroom di via Broggi a Milano. La casa di moda acquistò anche il teatro Il Metropol a Milano, un cinema storico costruito negli anni 40. Fu ristrutturato e riaperto nel settembre 2005. Nel 2006 Dolce & Gabbana aprirono IL GOLD, un edificio con café, bar, bistrot e aree ristorante.

In aggiunta a sfilate sulla passerella e campagne pubblicitarie per le loro collezioni, Dolce & Gabbana utilizzano i loro spazi per ospitare mostre artistiche e fotografiche. Poco dopo l’apertura del Metropol, ospitarono due mostre dell’artista Ron Arad nell’atrio dell’edificio: Blo-Glo tra aprile 2006 e aprile 2007, e Bodyguards verso la fine di aprile 2007. Nel 2007 tennero mostre fotografiche a presentazione del lavoro di Enzo Sellerio e di Herbert List nel 2008.

Nel 2009 hanno lanciato la loro prima linea di cosmetici colorati, con Scarlett Johansson come testimonial per la campagna pubblicitaria.

In seguito, sempre nel 2009, Dolce & Gabbana ha stretto un accordo con Sony Ericsson per produrre una versione della sua linea di telefoni cellulari Jalou con particolari in oro 24 carati e il logo della casa di design decorato nell’oggetto di tecnologia.

Dolce & Gabbana ha stretto anche un accordo con Citroën per partecipare alla progettazione di una versione della loro autovettura C3 Pluriel.

Nel 2010, Dolce & Gabbana ha stretto un partenariato con Martini per produrre un’edizione “gold” del suo vermouth.

Nel 2010 la casa di design si è abbinata con la cantante Madonna per lanciare una linea di occhiali da sole progettata insieme chiamata MDG.

Il 19 giugno 2010 Dolce & Gabbana festeggiarono il 20º anniversario del loro marchio in Piazza della scala e nel Palazzo Marino a Milano. Il giorno successivo fu allestita una mostra pubblica, che comprendeva una sala in cui diverse decine di televisioni erano state impilate a caso le une sulle altre, ciascuna delle quali mostrava una diversa collezione passata della casa, passando in rassegna i suoi venti anni di storia.

Nel 2010 hanno firmato un contratto di tre anni con il Chelsea per disegnare e fornire le uniformi e tenute da gioco e fuori campo. Il contratto comprende la creazione di vestiti per i membri donne dello staff, in aggiunta ai membri maschi e ai giocatori stessi. Le tenute fuori campo disegnate per la squadra comprendono un completo blu scuro che presenta il simbolo di un leone sul taschino.

Inoltre i designer hanno riprogettato la lounge del direttore della squadra e la zona reception degli uffici principali. Dolce & Gabbana è inoltre sponsor dell’Italia Thunder.

Nel 2011 Dolce & Gabbana tennero una mostra open house e architettonica con lo Studio Piuarch che servì come trampolino di lancio per i diversi disegni e progetti dello studio a partire dal 1996. Studio Piuarch costruì la sede di Dolce & Gabbana nel 2006, che si trovava nel luogo in cui furono tenute la open house e la mostra.

Le donne disegnate da Dolce&Gabbana per la collezione 2011, sembrano uscite dall’immaginario di Luchino Visconti ne “La terra trema o da Storia di una capinera di Zeffirelli. Pizzo bianco come provenisse da un bulle di corredo, declinato in sangallo, valenciennes o crochet.

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Il dualismo maschile e femminile torna prepotente con la collezione 2011-12, per un guardaroba dall’allure scanzonata. Un italian mambo ironico e femminile è quello della collezione 2012: fantasie di ortaggi, lavorazioni crochet per tailleur, tubini e vaporose gonne o dritte midi.

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Negli ultimi anni Dolce & Gabbana hanno cominciato a organizzare visioni private delle loro collezioni per gli acquirenti, allo scopo di vendere le loro collezioni prima che queste siano disponibili al pubblico e ostacolare il plagio dei loro disegni da parte di aziende del fast fashion. Nel 2012 D&G fu fusa con Dolce & Gabbana, allo scopo di rafforzare la linea principale. L’ultima collezione indipendente di D&G fu nella primavera/estate 2012, mostrata nel settembre del 2011.

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In aggiunta a disegnare vestiti, Dolce & Gabbana sono stati coautori di un paio di decine di libri che tematizzano narrazioni fotografiche e collezioni del loro lavoro. I proventi di molti di questi libri sono stati devoluti a scopi caritatevoli, tra cui il Children’s Action Network e la fondazione Butterfly Onlus “école sans frontières”.

Dolce & Gabbana utilizzano i loro spazi anche per presentare libri e mostre fotografiche dei loro vestiti, come il lancio del loro libro David Gandy nel 2011. Utilizzano anche altri spazi, come il Palazzo della Ragione in Milano, dove nel maggio 2009 organizzarono una mostra fotografica con oltre 100 immagini scelte dalla storia di Vogue USA nei suoi oltre 90 anni di storia. La mostra fu chiamata Extreme Beauty in Vogue.

Dolce & Gabbana hanno lanciato la loro prima linea di gioielleria alla fine del 2011, con una linea di 80 pezzi tra cui rosari ingioiellati, braccialetti di fascino e collane.

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Dolce & Gabbana ha avuto due linee centrali (D&G e Dolce&Gabbana) fino al 2012, quando le due linee sono state fuse sotto il marchio Dolce & Gabbana.

Il marchio Dolce&Gabbana (scritto senza spazi, diversamente dal nome dell’azienda) è specializzato in oggetti di lusso ed è influenzato in gran parte dai designer; mira ad uno stile più formale per rispondere alle tendenze su lungo termine. Vende anche occhiali da sole e eyewear correttivo, borse, orologi e trucco.

D&G è una linea casual che segue l’ispirazione urban, che più mira ad un pubblico giovane. Diversamente da Dolce&Gabbana, D&G vende orologi e vestiti. La prima collezione per uomo di D&G è stata lanciata nel gennaio del 1994, mentre quella per donna ha debuttato in aprile dello stesso anno. Nel 2011 la linea D&G è stata chiusa ed inglobata nella linea principale Dolce & Gabbana.

Ecco alcuni modelli delle sfilate Primavera/Estate e Autunno/inverno 2012 – 2013 – 2014 – 2015

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Dolce & Gabbana hanno ricevuto diversi premi per i loro profumi. Di seguito alcuni profumi commercializzati sotto il marchio Dolce&Gabbana:

– Dolce & Gabbana Classique per donna (1994) – Dolce & Gabbana Classique per uomo (1994) – By Man per uomo (1997) – By Woman per donna (1999) – D & G Masculine per uomo (1999) – D & G Femminine per donna (1999) – Light Blue per donna (2001) – SICILY per donna (2003) – The One per donna (2006)

– Light Blue pour Homme per uomo (2007) – L’Eau The One per donna (2008) – The One for Men per uomo (2008)

– Rose the One per donna (2009) – DOLCE per donna (2014)

– INTENSO per uomo (2014)

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Dolce Rosa Excelsa

L’azienda ha inoltre stabilimenti di produzione a Legnano e Incisa Val D’Arno.

Dolce & Gabbana vanta una ampia rete di boutique sparse in tutti i continenti. Si contano 27 negozi negli Stati Uniti a New York, Beverly Hills, Long Island, Miami, Las Vegas, Short Hills, Atlanta, Chicago, Boston, San Francisco e Washington D.C., distribuiti attraverso boutique monomarca o grande distribuzione organizzata come Bergdorf Goodman, Lord and Taylor, Neiman Marcus e Saks Fifth Avenue. In Italia esistono 19 punti vendita ed in Giappone sette negozi. Il marchio è distribuito anche in Germania, Austria, Belgio, Spagna, Francia, Grecia, Irlanda, Regno Unito, Paesi Bassi, Russia, Svizzera, Ucraina, Arabia Saudita, Corea del Sud, Emirati Arabi Uniti, Cina, India, Kuwait, Libano, Singapore, Thailandia, Taiwan, Canada, Messico, Brasile, Argentina, Cile e Cuba.

Fra le più celebri clienti di Dolce e Gabbana, sicuramente la più famosa è Madonna. Fra gli altri celebri “indossatori” Dolce e Gabbana si possono citare Demi Moore, Nicole Kidman, Isabella Rossellini, Eva Riccobono, Susan Sarandon, Tina Turner, Gwyneth Paltrow, Liv Tyler, Jon Bon Jovi e Simon Le Bon. Anche la cantante Kylie Minogue si è sempre dichiarata grande ammiratrice del marchio, tanto che per lei, nel 2002 e nel 2011 i due stilisti hanno creato tutti i costumi del suo tour. Una coppia di celebri testimonial per Dolce & Gabbana sono gli attore statunitensi Scarlett Johansson e Matthew McConaughey, che compaiono negli spot televisivi del profumo The One.

Il sito ufficiale dell’azienda di moda è: http://www.dolcegabbana.it. Esiste anche un canale ufficiale su YouTube.

Ecco alcuni modelli delle sfilate Primavera/Estate e Autunno/inverno 2016 – 2017 – 2018.

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Aggiornato al 24 agosto 2018

Autore: Lynda Di Natake Fonti: wikipedia, biografie e web

Dolce & Gabbana #dolce&gabbana #d&g #dolceegabbana #perfettamentechic #felicementechic #creatoredistile #creatoridistile Dolce & Gabbana è una casa di alta moda italiana fondata nel 1985 dagli stilisti Domenico Dolce…

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perfettamentechic · 6 years ago

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Cristobal Balenciaga Eizaguirre, nato nel 1895 a Getaria (Spagna) da madre sarta e padre pescatore, ereditò proprio dalla madre la passione per la sartoria, con cui collabora durante l’infanzia, fino all’adolescenza, quando incontra la marchesa Blanca Carrillo de Albornoz y Elio di Casa Torres, importante nobildonna, che diventa sua cliente e protettrice. Grazie a lei, riesce a conferire titoli di studio a Madrid. Di fatto, Balenciaga fu uno dei pochi stilisti a disegnare, tagliare e cucire da solo le proprie creazioni. A soli 22 anni apre la sua prima boutique a San Sebastián nel 1919, a cui ne seguono altre a Madrid e Barcellona. La guerra civile spagnola, purtroppo, lo costringe a chiu dere le sue boutique, e a trasferirsi a Parigi, dove apre la propria casa di moda nel 1937 su Avenue George V. La sua prima sfilata di moda è stata caratterizzata da un design fortemente influenzato dal Rinascimento spagnolo. Il successo di Balenciaga a Parigi fu quasi immediato. Nel giro di due anni, la stampa francese lo ha lodato come un rivoluzionario, e i suoi progetti erano molto ricercati. Durante questo periodo, è stato notato per il suo “cappotto quadrato”, con le maniche tagliate in un unico pezzo con il giogo, e per i suoi disegni con pizzo nero (o nero e marrone) su tessuto rosa brillante. Gli anni del dopoguerra appare evidente l’inventiva del designer molto originale. Il suo designer divenne più lineare ed elegante, divergendo nella forma a clessidra resa popolare da ” New Look ” di Christian Dior.

Maestro del taglio e della precisione, Cristóbal Balenciaga fu capace di creare sul corpo umano geometrie morbide ed eleganti; riuscendo a far apprezzare, alla Parigi degli anni Cinquanta, elementi caratteristici del suo paese come il pizzo, il bolero e il contrasto tra rosso e nero. Intuizione e innovazione, unite ad una maniacale precisione sono alla base di tutte le sue creazioni: camicie senza colletto, scollature piatte, abiti a palloncino, a tunica, a sacco e scamiciati. La fluidità delle sue sagome gli ha permesso di manipolare la relazione tra i suoi vestiti e il corpo delle donne.

Nel 1947 Balenciaga lancia il suo primo profumo, “Le Dix”, a richiamo del numero civico della boutique.

Gli anni 50 sono caratterizzati dal New look di Christian Dior, Balenciaga, però, decide di liberare la donna. A differenza di quest’ultimo, infatti, il couturier spagnolo necessitava del contatto fisico con l’abito e desiderava conferire libertà al corpo femminile eliminando stecche, imbottiture, corpetti rigidi, discostandosi dunque dalle tecniche sartoriali del XIX secolo. Conosceva molto bene i tessuti e le loro potenzialità, egli traeva ispirazione dalle stoffe tanto che inventò un tessuto perfetto per creare volumi e adatto per gli abiti da sera: il Gazar una specie di raffia di seta, che permetteva di dar nuove forme, grazie alla sua particolare struttura rigida. Oltre al Gazar utilizzò un altro materiale innovativo, ovvero il Cracknyl, un tessuto plastificato, scintillante, impermeabile, ma sempre duttile con cui Balenciaga disegna soprabiti da città, pantaloni da campagna, completi da sci e costumi da bagno. . Coco Chanel disse di lui: “Solo Balenciaga è un vero couturier. Solo lui è in grado di tagliare il tessuto, assemblarlo e cucirlo con le sue mani. Gli altri sono semplici disegnatori”. Seguendo questi principi crea nel 1951 il Tailleur semi aderente, nel 1953 la giacca a palloncino e nel 1955 l’abito a tunica.

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Manteau du soir “papillon”, faille vert d’eau. Vêtements griffés Balenciaga. début années 60. Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris.

Nel 1951, ha completamente trasformato la silhouette, allargando le spalle e rimuovendo la vita. Nel 1955, disegnò l’abito tunica, che più tardi si sviluppò nell’abito chemise del 1958. Altri contributi nel dopoguerra comprendevano la giacca a palloncino sferica (1953), l’abito da bambolina a vita alta (1957), il mantello di bozzolo (1957), la gonna a palloncino (1957) e il vestito a sacco (1957). Nel 1959, il suo lavoro culminò nella linea Empire, con abiti a vita alta e cappotti tagliati come kimono. La sua manipolazione della vita, in particolare, ha contribuito a “what is considered to be his most important contribution to the world of fashion: a new silhouette for women.“.

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RISDM 1997-83

Couturier ufficiale della casa reale spagnola, apprezzato dall’aristocrazia europea e dalle donne più belle e potenti dell’epoca, Balenciaga realizzò abiti per una ristretta élite di persone in grado di indossare e rendere omaggio alla sua arte. Le sue creazioni non erano appariscenti o spettacolari, al contrario erano espressione di un’eleganza interiorizzata, raffinata e sobria.

Negli anni ’60 Balenciaga era un innovatore nell’uso dei tessuti: tendeva verso tessuti pesanti, ricami intricati e materiali audaci. I marchi di fabbrica comprendevano “colletti che si distaccavano dalla clavicola per dare un aspetto da cigno” e accorciando le maniche a “bracelet”. Le sue spesso scarse creazioni scultoree – tra cui abiti a forma di imbuto di rigida satin duchessa indossati per acclamare clienti come Pauline de Rothschild, Bunny Mellon, Marella Agnelli, Hope Portocarrero, Gloria Guinness e Mona von Bismarck �� erano considerati capolavori di haute couture negli anni ’50 e ’60.

Jackie Kennedy notoriamente sconvolse John F. Kennedy per aver acquistato le costose creazioni di Balenciaga mentre era presidente perché temeva che il pubblico americano potesse pensare che gli acquisti fossero troppo generosi. I suoi conti di haute couture furono alla fine pagati discretamente da suo suocero, Joseph Kennedy.

Disegna, nel 1960, per la Regina Fabiola del Belgio l’abito da sposa, che gli conferisce fama nel mondo aristocratico europeo.

La prima collezione di Balenciaga, trae ispirazione dal rinascimento spagnolo, a cui segue la collezione “Infanta”, ispirata agli abiti ritratti da Diego Velasquez nei dipinti della Principessa di Spagna, e nella collezione “Jacket of light”, in cui ritroviamo i bolero che indossavano i torero spagnoli.

Dopo la nobiltà europea, nella Maison Balenciaga arrivò Hollywood. Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn, Grace Kelly, Marlene Dietrich, Brigitte Bardot erano tutte grandi appassionate di Cristobal.

Cristobar veste l’attrice Audrey Hepburn nel celebre film “A colazione da Tiffany“. E per altri celebri film come: “Anastasia” con Ingrid Bergman, spiccano soprattutto un completo abito e mantellina, indossato sempre dall’attrice, e un vero abito principesco, di satin.

Era un uomo paziente, onesto, preciso, ossessionato dal raggiungimento della perfezione. Cristobal seguiva personalmente ogni tappa della creazione di ogni abito. Negli anni Sessanta, con le rivolte sociali e l’ingresso sempre crescente delle donne nel mondo del lavoro, cambiarono le esigenze. Proprio in quegli anni si sviluppò il prêt-à-porter: i capi venivano confezionati in taglie predefinite e venduti ai clienti, spesso nei grandi magazzini. La serialità non rientrava nella concezione di Balenciaga, non trovava onesto rinunciare al diretto contatto con il cliente, non si potevano realizzare quei particolari dettagli che facevano sì che un abito fosse perfetto per un particolare corpo. Nel 1968 all’apice della fama, prevedendo un inevitabile declino a seguito dei cambiamenti che stavano prendendo forma, preferì ritirarsi dalle scene, pur rimanendo di grande ispirazione per successivi stilisti di fama internazionale come Oscar de la Renta, André Courrèges, Emanuel Ungaro, e Hubert de Givenchy, e le passerelle continuano a mostrare le sue proposte. Balenciaga interruppe momentaneamente la pensione e tornò al lavoro nel 1972, per creare l’abito da sposa di María del Carmen Martínez-Bordiú, aristocratica e socialite spagnola. L’abito da sposa del 1972 era fatto di metri e metri di fili d’argento e oltre 10 mila perle. Dopo aver finito, non ancora soddisfatto da come vestiva, Cristobal rifece tutto, appena due settimane prima del giorno fatidico delle nozze di Marìa. Un perfezionista leggendario. Morì due settimane dopo aver consegnato l’abito alla sposa e la casa di moda rimase dormiente fino al 1986.

Cristóbal Balenciaga rimarrà sempre nella storia della moda come simbolo indiscusso di stile ed eleganza, come disse Christian Dior: “Il couturier dei couturier, il maestro di tutti noi”. Il 10 giugno 2011 è stato inaugurato dalla regina Sofia a Getaria, in Spagna, il museo a lui dedicato.

“Un maestro indimenticabile“. Nel 1986, Jacques Bogart acquisì i diritti su Balenciaga e aprì una nuova linea di prêt- à -porter , “Le Dix“. La prima collezione fu disegnata da Michel Goma nell’ottobre del 1987, che rimase alla maison per i successivi cinque anni con recensioni contrastanti. Nel 1992, Goma viene sostituito dal designer olandese Josephus Thimister. La Maison viene resuscitata da Thimister, direttore artistico del prêt-à-porter e accessori da donna di lusso per oltre mezzo decennio in uno stato d’élite e di alta moda. Si è detto che a Balenciaga “ha contribuito attraverso il suo stile minimalista e le sue grandi capacità nel ridurre la modernizzazione dell’immagine della casa“. I tempi d’oro tornano però molto tempo dopo, nel 1997, quando alla guida viene chiamato Nicolas Ghesquière, già attivo nella maison come progettista che non a caso si rifà molto agli archivi del grande Cristobal.

Nicolas Ghesquière creò la prima it bag tre anni dopo il suo arrivo e fece entrare la Maison nel mondo contemporaneo. La Motorcycle Lariat nacque con due modelli diversi, che però non entrarono in produzione. Ghesquière convince però i proprietari a produrne una limited edition di soli 25 esemplari, da distribuire a poche, fortunate celebrities. Kate Moss fu una di loro. La borsa esplode, desideratissima, e ancora oggi è in produzione.

Nicolas Ghesquière realizza un abito per Jennifer Connelly per la cerimonia degli Oscar del 2002. L’attrice vince come miglior attrice non protagonista, e sale sul palco. Tra il prima e il dopo dei fotografi, l’abito è sotto gli occhi di tutti, e Balenciaga torna sulla bocca di tutti, come sinonimo di sogno e perfezione.

Balenciaga è ora di proprietà di Kering SA (gruppo internazionale di lusso con sede a Parigi – possiede vari marchi di beni di lusso, tra cui: Gucci , Yves Saint Laurent, Alexander McQueen, Bottega Veneta, Boucheron e Brioni, oltre a Puma e Volcom nel suo portfolio Sport & Lifestyle), precedentemente noto come PPR, e la linea abbigliamento uomo e donna è diretto da Nicolas Ghesquière. Ghesquière, come Balenciaga, è un designer autodidatta, e apprendista di Jean-Paul Gaultier e Agnes B. L’interpretazione fresca e alla moda dei classici di Balenciaga, come la giacca semi corta e il vestito a sacco, attirò l’attenzione dei media e di celebrità come Madonna e Sinéad O’Connor.

La House di Balenciaga ha disegnato gli abiti indossati da Jennifer Connelly e Nicole Kidman agli Academy Awards del 2006, e l’abito da sposa Kidman ha indossato quando ha sposato Keith Urban. Kylie Minogue indossava anche un abito Balenciaga per i suoi video ” Slow ” e ” Red Blooded Woman ” e nel tour di concerti.

Nella collezione della primavera estate 2007, sfilano dei leggings che fanno delle gambe da robot. 100 mila dollari il costo, ma l’effetto è epico! Ovviamente, i leggings conquistano tutti. Beyoncé li indossa ai BET Awards del 2007, e li lancia nell’empireo dei capi più desiderabili, e belli da guardare, della moda contemporanea.

Sempre Ghesquière, novello Balenciaga, manda in passerella per la collezione autunno inverno 2007 un blazer fantastico. Slim fit, dal mood preppy e con collo di pelliccia. Si crea immediatamente una lista d’attesa lunghissima per averlo. Sembrano davvero tornati i tempi d’oro di Cristobal.

Ghesquière disegna nel 2010 gli stivaletti Ceinture (cintura). Le stringhe richiamano proprio l’aspetto di una cintura, e anche se non producono l’exploit della it bag, nel lungo termine diventano richiestissimi. Uno di quegli accessori d’affezione che compaiono ancora oggi ai piedi di modelle e fashion blogger.

Nel 2012, poco prima di lasciare la Maison, Ghesquière fa un’operazione nostalgia, in omaggio al grande Cristobal. Seleziona dall’archivio 12 bozzetti di abiti e 6 di gioielli, e li riporta in vita ricreandoli nella linea Balenciaga Edition. Ghesquière usa gli stessi tessuti scelti dal countries a suo tempo, presentando un risultato straordinario. Nel 2013 Cate Blanchett indossa uno di quei 12 abiti, creato da Cristobal nel 1967.

Nel 2012 Ghesquière lascia la Maison, dopo averla praticamente traghettata nel contemporaneo. Subentra Alexander Wang, prodigio della moda americana. Anche Wang pesca generosamente dagli archivi della Maison, fonte inesauribile di ispirazione e creazione. Alexander Wang è uno stilista statunitense di origini taiwanesi. Wang lancia la sua prima linea di abbigliamento donna nel 2007 e nel 2008 viene nominato dal Council of Fashion Designers of America per un riconoscimento legato alla moda femminile, e vince un riconoscimento di 200,000 dollari, oltre che il Fashion Fund Award winner, premio indetto dalla rivista Vogue. Wang è principalmente noto per lo stile dei suoi abiti femminili, sottili ed in qualche modo mascolini. Molto caratteristico nel suo stile è anche l’utilizzo del cashmere, del cotone e del lino abbinato a tagli basici. Dopo aver disegnato la sua collezione autunno 2008, utilizzando principalmente il colore nero, ha prodotto per la stagione successiva una collezione a base di colori sgargianti come l’arancione, il rosa, e l’acquamarina al proclamo di, “Loro volevano colore, loro avranno colore!“. Oltre ai suoi marchi, è stato responsabile del brand Balenciaga dal 2013 sino alla collezione primavera/estate 2016. Nel 2014 sigla un accordo con H&M per la collezione autunno inverno del colosso low cost. Wang lascia Balenciaga nel 2015. Arriva un altro enfant terrible, ma di altra scuola. Il georgiano Demna Gvasalia è provocatorio e ultra innovativo, eppure l’anima di Balenciaga resta. Classe 1981, di origine georgiana e di nazionalità tedesca, ha iniziato il percorso del fashion designer alla Royal Academy of Fine Arts di Anversa, accademia belga che vanta tra i suoi alunni gente come Dries Van Noten e Ann Demeulemeester, e dove Gvasalia si diploma con importanti riconoscimenti alla sua creatività.

La sua prima collezione arriva nel 2007 con il debutto alla fashion week di Tokyo. A soli due anni di distanza, nel 2009, il giovante talento approda alla Maison Martin Margiela, dove rimarrà fino al 2013 per dirigere il womenswear. È poi il turno di Louis Vuitton che lo vuole nel ruolo di Senior Designer per le collezioni femminili di prêt-à–porter. E a un certo punto lo stilista si lancia in un’avventura dal carattere indipendente come Vetements, brand al quale dà vita insieme ad altri sette creativi inizialmente rimasti anonimi. Emerge però ben presto la figura di Gvasalia, che guida la creatività della nuova label portandola sulle passerelle parigine nel 2014. Nel frattempo il fratello Guram ne cura il business dedicandosi all’aspetto commerciale.

Oggi, il marchio è più famoso per la sua linea di borse di ispirazione motociclistica, in particolare per il popolare “Lariat“. Balenciaga ha otto boutique esclusive negli Stati Uniti. Un negozio Balenciaga si trova sulla 22nd St a New York City, New York. Un secondo negozio si trova a Los Angeles, in California, in Melrose Avenue. Di recente, un terzo negozio ha aperto presso la South Coast Plaza, a Costa Mesa, in California. Questo negozio misura 110m2 e include espositori a forma di bara. Le boutique di New York e Los Angeles includono sia il prêt-à-porter maschile che femminile, mentre la boutique South Coast Plaza vi sono solo abiti femminili. Un quarto, situato a Las Vegas all’interno del Caesars Palace, espone solo accessori. Una posizione aggiuntiva sul Las Vegas Strip, in Crystals at CityCenter, vende accessori e prêt-à-porter femminile. La boutique dell’Ala Moana Center di Honolulu offre prêt- à -porter e accessori per uomo e donna. C’è un negozio nei negozi di Bal Harbour a Bal Harbour, in Florida. Un ottavo negozio aprirà nella primavera 2014 a Dallas presso l’ Highland Park Village per diventare la prima boutique del Texas. La boutique di Highland Park Village si apre accanto a Christian Dior. Tutte le boutique hanno uno stile vivace, con pannelli bianchi, marmo e vetro, nonché sedili in pelle nera e tappeti verde chiaro, nero e blu scuro o piastrelle bianche, sottolineando l’inclinazione del marchio verso le avanguardie e il dramma della moda.

Aggiornato al 24 maggio 2018

Autori: Paola Moretti e Lynda Di Natale Fonte: web

Cristobal Balenciaga #cristobalbalenciaga #creatoredistile #creatoredimoda #perfettamentechic #lyndadinatale Cristobal Balenciaga Eizaguirre, nato nel 1895 a Getaria (Spagna) da madre sarta e padre pescatore, ereditò proprio dalla madre la passione per la sartoria, con cui collabora durante l'infanzia, fino all'adolescenza, quando incontra la marchesa…

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