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Catalogo Murales Infantiles FDC

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¿Te gustaría leer más libros pero no tienes mucho tiempo?

¿Te aburren las novelas largas y densas que te hacen perder el interés? Si es así, te tengo una buena noticia: hay muchos libros de menos de 100 páginas que son fáciles de leer y que te pueden aportar mucho valor.

En este post te voy a recomendar 10 libros cortos pero intensos que puedes leer en una tarde o en un viaje. Son libros de diferentes géneros y temáticas, pero todos tienen algo en común: son obras maestras de la literatura que te harán reflexionar, emocionarte y disfrutar.

Estos son los 10 libros que te propongo:

El Arte de la Guerra, Sun Tzu: El libro más antiguo y famoso sobre estrategia militar, escrito hace más de 2000 años por un general chino. Sus enseñanzas son aplicables tanto al ámbito bélico como al empresarial, político o personal.

Rebelión en la granja, George Orwell: Una novela satírica que narra cómo los animales de una granja se rebelan contra sus dueños humanos y establecen una sociedad igualitaria. Sin embargo, pronto surgen las diferencias y las traiciones entre los líderes, que corrompen los ideales del socialismo.

El principito, Antoine de Saint-Exupéry: Una fábula mítica que cuenta las aventuras de un niño que vive en un pequeño planeta y que viaja por el universo conociendo a diferentes personajes. Una historia llena de poesía, humor y sabiduría sobre la amistad, el amor y el sentido de la vida.

El árbol generoso, Shel Silverstein: Un cuento infantil que relata la relación entre un niño y un árbol del bosque. El árbol le da al niño todo lo que necesita a lo largo de su vida, desde frutos hasta madera, pero el niño nunca se muestra agradecido ni feliz. Una lección sobre el altruismo y el egoísmo.

La guillotina de Simone van der Vlugt: Un libro histórico que cuenta la vida de una joven francesa durante la revolución francesa y su encuentro con el temible instrumento de ejecución.

Otros libros que también puedes contemplar son:

La Biblioteca Secreta, Haruki Murakami: Una historia fantástica sobre un niño que se pierde en una biblioteca misteriosa y tiene que enfrentarse a sus propios miedos y recuerdos.

Y cada mañana, el camino a casa se vuelve más y más largo, Fredrik Backman: Un relato conmovedor sobre un anciano que sufre alzhéimer y su nieto, que intentan conservar sus recuerdos compartidos antes de que se borren para siempre.

El Tapiz Amarillo, Charlotte Perkins Gilman: Un relato psicológico que describe la angustia de una mujer que sufre una depresión postparto y que es confinada en una habitación con un papel pintado amarillo que le provoca alucinaciones.

Memorias del subsuelo, Fiódor Dostoyevski: Una obra maestra del existencialismo que presenta el monólogo de un hombre solitario, amargado y contradictorio que reflexiona sobre su vida y su visión del mundo.

El viejo y el mar, Ernest Hemingway: Una novela corta pero intensa que narra la lucha épica de un viejo pescador contra un pez gigantesco en las aguas del golfo.

Espero que te haya gustado esta selección de libros cortos y fáciles de leer. Te animo a que los leas y me cuentes qué te han parecido en los comentarios. Y si tienes alguna otra recomendación, no dudes en compartirla conmigo.

¡Hasta la próxima!

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Conviviendo con la muerte

«El cianuro de hidrógeno (HCN) es un compuesto altamente tóxico, capaz de matar a una persona en simples minutos cuando se encuentra en una concentración mayor a 300 partes por millón.

El arsénico (As), por otro lado, empieza a ser mortal en una concentración de 250 partes por millón.

La base molecular de dicha mortalidad se encuentra en que el ion cianuro y el arsénico interrumpen la respiración mitocondrial en diferentes puntos, ocasionando un grave daño.»

El azul de Prusia, o azul de Berlín o París, recibe su nombre debido a su uso en los uniformes del ejército prusiano entre 1709 y principios del siglo XX, cuando fue sustituido por el felgrau.

Su descubrimiento fue accidental. En 1704, el alquimista Johann Dippel creó una sustancia denominada «aceite de Dippel» en uno de sus intentos de transmutar a oro, y se la cedió a su compañero, el productor de colorantes Heinrich Diesbach. Este lo utilizó en uno de sus intentos de crear un tinte rojo, aunque, sin darse cuenta, lo mezcló con sal de potasio contaminada por sangre de animal y dio lugar a un pigmento de un azul muy intenso.

[De hecho, en el canon de Hetalia, Prusia aparece vestido con un uniforme de dicho color, a pesar de que el tinte en la Segunda Guerra Mundial, por lo que he podido encontrar, estaba reservado al espionaje, más concretamente al bordado de palabras en calcetines y botones que más tarde eran remarcados por un tratamiento con ferrocianuro. Pero supongo que es más algo simbólico que otra cosa].

No sería hasta 1724 que la composición para fabricarlo, altamente heterogénea, sería puesta a disposición del público y abriría el camino a que se popularizase, sobre todo en el mundo del arte debido a su estabilidad y resistencia a la luz, y en los uniformes del ejército francés, motivo de uno de sus nombres.

Aunque este tinte no había demostrado ningún efecto perjudicial, tanto el químico francés Pierre Macquer en 1752 como el sueco Carl Wilhelm Scheele en 1785 aislaron el cianuro en una forma gaseosa al mezclarlo con ácido sulfhídrico diluido.

Gracias a su unión con el hierro, el cianuro permanece inactivado en el tinte, sin ocasionar ningún daño en el individuo que portase las ropas en contacto directo con su piel.

Gaseoso ya era otra historia.

En 1775, el mismo químico sueco había descubierto un nuevo pigmento con arsénico en su composición, al que le puso su nombre; verde de Scheele —químicamente parecido al verde de París—, con un bajo costo, aunque no sería comercializado hasta 1814 por un fabricante alemán.

Su intenso color, que imitaba el verde natural, atrajo de inmediato la atención de los interioristas ingleses, quienes empaparon de ese calor las paredes de multitud de hogares victorianos, vestidos, las tapas de los libros, etc.

Desgraciadamente, el clima húmedo de Gran Bretaña —entre otros—, y la poca ventilación de los hogares hacían posible la proliferación de hongo sobre el papel pintado, que transformaba el arsénico inorgánico del pigmento en una especie de humo tóxico al que el médico italiano Bartolomeo Gosio denominó «gas de Gosio».

Al mismo tiempo que una epidemia de muertes infantiles repentinas se abría paso por la sociedad victoriana, se producía también una oleada de fallecimientos de costureras, que presentaban daños irreversibles en su piel, ojos, mucosas y pulmones.

Las damas que se vestían de verde sufrían consecuencias fatales; el contacto del pigmento con la piel durante horas provocaba problemas en piel, ojos e incluso dificultades al respirar.

Y, en menor medida, todos los asistentes a un baile que se aproximasen a la mujer con el vestido tenían el riesgo de sufrir un envenenamiento con arsénico.

Aunque era una situación que se llevaba dando durante varias décadas, el primer caso documentado de muerte por arsénico fue el de Ann Amelia, una niña de 3 años que se encontraba en estado grave el jueves 3 de abril de 1862. Tres de sus hermanos habían fallecido ya semanas antes por una misteriosa enfermedad, aunque al principio se asumió que había sido por difteria.

[Porque estamos en la época victoriana, y si no te morías por una cosa había otra preparada para acabar contigo. Y nada te ayudaba.]

La niña murió al cabo de un mes, y la autopsia señaló a un claro culpable; el arsénico.

Esto resultó en que la doctora Letheby relacionase las pinturas con el fallecimiento de los niños, y en poco tiempo muchos expertos comenzaron a señalar lo mismo. Sin embargo, se siguieron calificando como «muertes naturales» y el color continuó siendo vendido a pesar de que periódicos como The Times avisaban de que los niños dormían en una habitación «empapelada con la muerte».

No se dejó de producir hasta mediados del siglo XX.

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La carta de amor, 1750, de François Boucher (París, 29 de septiembre de 1703 - ibíd. 30 de mayo de 1770). Óleo sobre lienzo, en general: 81,2 x 75,2 cm. Colección Timken, National Gallery of Art.

La carta de amor, también conocida como Las dos confidentes, El mensajero, El correo secreto de los amantes y, de manera menos convincente, La oveja amada, tipifica el idioma pastoral que François Boucher ya había hecho suyo a fines de la década de 1740. En un exuberante y verde jardín o campo arbolado, dos mujeres jóvenes se reclinan en la base de un pilar de piedra coronado por un león tallado.[1]Uno ata un sobre alrededor del cuello de una paloma con una cinta azul mientras mira con admiración a su compañero. Las ovejas que descansan y el centinela de perros nos dicen que se trata de pastoras, pero como muchos de esos personajes de Boucher prestan poca atención a sus responsabilidades, prefieren pasar el día inactivo recogiendo flores en una canasta de paja y enviando misivas a través de palomas mensajeras. . Boucher nunca se preocupó por las verdades de la vida en el campo, sino que empleó el tipo de pastora como un protagonista idealizado y voluptuoso para sus cuadros decorativos. En este ejemplo, prodigó su pincel sobre los vestidos de satén de las mujeres, su piel empolvada y la perfección informal de su cabello. A pesar de sus afectaciones, se sienten completamente cómodos en su ambiente acogedor.

The Love Letter originalmente formó una pareja con The Interrupted Sleep, en el Metropolitan Museum of Art, Nueva York[HIGO. 1], otro tema pastoral que coincide con la pintura de Washington en tamaño, composición y tema amoroso.[2]En The Interrupted Sleep, una joven pastora se ha quedado dormida y está a punto de ser despertada por un joven swain, que se escabulle por detrás y le hace cosquillas en la cara con un poco de paja.[3]Una vez más, el entorno es rico y fértil, animado por ovejas y un perro; Las vistas a la distancia equilibran las composiciones. La paleta de The Interrupted Sleep es algo más sombría, podría decirse que más rústica, que la de The Love Letter, particularmente en la ropa, que tiende a ocre pálido y rojo pardusco en el primero y púrpura azulado y rosa pálido en el segundo. La exquisita pincelada del artista une a la pareja, particularmente los delicados esmaltes que enriquecen el tratamiento de las cortinas o articulan los pétalos de las flores. En cada pintura, Boucher utiliza una sutil orquestación de luces y sombras para mejorar la experiencia visual, lo que resulta en pasajes tan hermosos como la sombra que cae sobre la cara de la mujer en El sueño interrumpido.o la suave iluminación de los tobillos y dedos de los pies de la mujer en The Love Letter.

Las dos pinturas, ambas firmadas y fechadas en 1750, no eran composiciones originales, sino que fueron adaptadas por Boucher de una monumental caricatura de tapiz que había pintado en 1748, probablemente con la ayuda de asistentes de estudio.[4]El tapiz, llamado La fuente del amor, se tejió por primera vez en 1755 en Beauvais como parte de la serie Le Noble Pastorale. [HIGO. 2].[5]Uno de los diseños más grandiosos de Boucher, teje una serie de tête-à-têtes íntimos en un paisaje exuberante. Las figuras de The Love Letter y The Interrupted Sleep son visibles, al revés, en el lado derecho de la composición, al pie de una magnífica fuente coronada por juguetones cupidos. El pintoresco molino de Charenton, que Boucher pintó en numerosas ocasiones, destaca en el fondo izquierdo.

Aunque fueron tomados de un proyecto anterior, The Love Letter y su colgante son totalmente autógrafos. Fueron producidos para un cliente no menos prestigioso que Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour (1721-1764), maîtresse en titre de Louis XV , sin duda la razón por la cual Boucher se preocupó especialmente en pintarlos. La procedencia real es confirmada por la inscripción en el grabado de Jean Ouvrier (1725-1754) de 1761 después de La carta de amor, Las dos confidentes [HIGO. 3].[6] Cuando las dos pinturas se exhibieron en el Salón de 1753, se describieron como puertas exteriores para la residencia de Pompadour en Bellevue, a las afueras de París.[7]Sin duda son idénticos a los trabajos descritos in situ por Antoine Nicolas Dezallier d'Argenville (1723-1796) en su Voyage pittoresque des environs de Paris, publicado en 1755: "La pequeña habitación que sigue al dormitorio de Su Majestad está completamente revestida de paneles . Las molduras están talladas con guirnaldas de flores, que han sido pintadas de forma natural; y en el medio de los paneles hay cartuchos donde vemos varias actividades infantiles. Hay dos pastorales, por M. Boucher, sobre las puertas.[8]

Aunque el relato de las pinturas de d'Argenville es vago (incluso si se ocupó de relatar los detalles de la decoración de la habitación), podemos estar seguros de que ahora son los lienzos en Washington y Nueva York según las descripciones hechas cuando fueron exhibidas en París y en medidas registradas más tarde.[9]Como indican sus fechas, las imágenes se produjeron en 1750, pero su inclusión en el Salón de 1753 presupone que no se instalaron en Bellevue hasta algún momento después del cierre de la exposición. Si bien el castillo se dedicó en noviembre de 1750, el trabajo en el interior continuó hasta 1754.[10] El examen de las superficies de los lienzos sugiere que las composiciones fueron enmarcadas como óvalos en boiseries.[11]En cualquier caso, las pinturas no permanecieron por mucho tiempo en los paneles de Bellevue. Muy probablemente fueron retirados alrededor de 1757, cuando el castillo fue cedido a las hijas del rey y gran parte de su contenido fue vaciado.[12]Luego se registran en 1764 en el vestíbulo en la planta baja del Hôtel d'Évreux (ahora el Palais de l'Élysée), la residencia parisina de Pompadour. Un inventario de los efectos de la marquesa elaborado en 1764 después de su muerte los describió en ese lugar, junto con otras pinturas de Bellevue.[13]Dieciocho años después resurgieron en la venta del marqués de Ménars et de Marigny (1727-1781), el hermano de Pompadour, que había heredado la mayor parte de su patrimonio. La pintura de la Galería Nacional de Arte se describe con suficiente detalle para que podamos estar seguros de la identificación: “Dos mujeres jóvenes están sentadas en la hierba, pegando una carta al cuello de una paloma. Están rodeados de varias ovejas y un perro frente a un paisaje agradable y pintoresco ”.[14]

El entusiasmo de Pompadour por Boucher está bien establecido, y Bellevue fue el escenario de varias de sus producciones más impresionantes.[15]Además de las puertas exteriores descritas aquí, Boucher pintó dos imágenes deslumbrantes de Venus para el appartement des bains , The Toilet of Venus (Nueva York, Metropolitan Museum of Art) yEl baño de venus;[DIECISÉIS]¿Cuál es probablemente la imagen religiosa más célebre del artista, la llamada Lumière du monde (Lyon, Musée des Beaux-Arts), para la capilla;[17]y las obras maestras pendientes The Rising of the Sun y The Setting of the Sun (Londres, Colección Wallace), tejidas en Beauvais.[18] Por lo tanto, a mediados de la década de 1750, los visitantes de Bellevue pudieron disfrutar de una encuesta extraordinaria del arte de Boucher en varios géneros, incluidas las mitologías, una pintura devocional y la categoría más estrechamente identificada con su mano, la pastoral.

El último género fue quizás el más adecuado para la función de Bellevue, con su llamativo sitio con vistas al Sena y sus exuberantes e íntimos jardines.[19] Según Pompadour, "es un sitio encantador para la vista, y la casa, aunque no es muy grande, es acogedora y encantadora, y no sin una especie de magnificencia".[20] El castillo, la única residencia construida para la marquesa desde cero, había sido diseñado como un retiro para ella y el rey, aunque poco después de su finalización, su relación había cambiado de carnal a platónica.[21]En Bellevue en 1751, Madame de Pompadour interpretó el papel del protagonista masculino, Colin, en una producción de la opereta pastoral de Jean François Marmontel (1723-1799) Le Devin du village .[22] La influencia de la pastoral literaria no se perdió en los comentaristas que admiraban La carta de amor y El sueño interrumpido en el Salón de 1753. El abate Leblanc notó que Boucher prácticamente había inventado el tema pastoral en la pintura, al igual que Fontenelle había dado nueva vida a la pastoral. imaginería en la literatura: “Los Eclogues de M. de Fontenelle han enriquecido nuestras pastorales con un nuevo tipo de pastor, notable por la galantería y la delicadeza de sus sentimientos. Los que M. Boucher ha introducido en la pintura unen todos los méritos de los primeros con una preciosa simplicidad e ingenuidad que no siempre son los de M. de Fontenelle ".[23]

En las décadas de 1740 y 1750, Boucher fue uno de los pintores más prolíficos de decoraciones pastorales, y sus paneles al aire libre a menudo fueron tratados en parejas o series destinadas a representar alegorías como el Times of Day o las Four Seasons.[24]Los lienzos de Washington y Nueva York representan una solución innovadora para relacionar pinturas decorativas, ya que aquí Boucher buscó crear un vínculo narrativo entre ellos, por fantasioso que sea, centrado en el amor en desarrollo de un pastor y una pastora. Como observaron los Goncourt, "La vida rústica al tacto [de Boucher] se convirtió en un ingenioso romance de la naturaleza".[25]En El sueño interrumpido, el joven se burla del objeto de sus afectos mientras intenta conquistarla; En The Love Letter vemos la etapa posterior de una relación, donde una joven confía en su amiga, quien la anima a enviar lo que sin duda es una carta de amor. Esta "narrativa", tal como es, es subestimada, ya que ni siquiera podemos estar seguros de si estamos destinados a creer que es la misma pastora en cada pintura; su ropa ha cambiado y la acompaña un perro diferente. Boucher continuó esta estrategia en trabajos posteriores, como las pinturas pastorales hechas para Madame Geoffrin y exhibidas en el Salón de 1765.[26] Para entonces, sin embargo, había cansado la paciencia de sus críticos, que se frustraron cada vez más con sus representaciones de una vida campesina de ensueño.[27] Sin embargo, cuando pintó los lienzos actuales en 1750, a Boucher todavía se le podía atribuir el ofrecimiento de algo nuevo, incluso si el tema de la pastoral se remontara a artistas de una generación anterior, como Nicolas Lancret y Antoine Watteau.[28]En su revisión del Salón de 1753, por ejemplo, el Mercure de France señaló que "M. Boucher ha seguido deleitándonos con la gracia y el encanto de sus composiciones. . . en las puertas exteriores hechas para Bellevûe.[29]Otros expresaron sentimientos similares: “Sus dos piezas caracterizan mejor la imaginación viva y alegre del autor, llena de ingenio y encanto. Él ha creado un género que es adecuado para él, y estamos obligados a admitir que lo ha logrado admirablemente ”.[30]

Las dos composiciones de Boucher deben haber sido populares, ya que se graban numerosas copias, y la composición de The Love Letter inspiró a una gran cantidad de artistas y decoradores menores, apareciendo como un tapiz ovalado, como decoración en cajas de rapé y en gouaches del hijo de Boucher. ley Pierre Antoine Baudouin (1723-1769).[31]El mismo Boucher, o, más probablemente, sus asistentes de estudio, pintó una versión más vertical, en camaieu rose , supuestamente para los apartamentos de Madame de Pompadour en Versalles.[HIGO. 4].[32] De una manera más profunda, estas pequeñas imágenes despertaron la imaginación del mejor alumno de Boucher, Jean Honoré Fragonard (francés, 1732-1806), que empleó la estrategia del artista más antiguo en un proyecto mucho más ambicioso, pintado para el sucesor de Pompadour como amante real, Madame du Barry (1743-1793): el famoso ciclo Progreso del amor (Nueva York, Colección Frick), en el que nuevamente una serie de episodios amorosos vinculan un grupo de cuadros decorativos.[33]

Este texto fue publicado previamente en Philip Conisbee et al., French Paintings of the Fifth to the XVIII Century , The Collections of the National Gallery of Art Systematic Catalogue (Washington, DC, 2009), 12-18.

Información del museo.