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twittercomfrnklin2001-blog · 4 months ago

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Dressed to Kill

By the time he made DRESSED TO KILL (1980, TCM, Tubi), Brian De Palma was such an overt stylist his films seemed to take place in a hermetically sealed world with less connection to reality than to other movies. In this case, he’s mirroring Alfred Hitchcock’s PSYCHO (1960). Both feature a transgressive leading lady with whom we come to identify before she’s murdered at the end of the first act. Both end with a psychiatrist’s explanation of the plot’s psycho-sexual basis. And both resolve the mystery almost by accident as investigations of private spaces trigger the murderers to reveal their identities. There are also stylistic echoes in the way both directors use a moving camera to pull us in and rapid cutting for shock effect.

If PSYCHO is the superior film, it’s because it takes us deeper into its consideration of transgressive acts. Hitchcock transfers our sympathies to Norman Bates, suckering us in to identify with the film’s most destabilizing figure. De Palma transfers our sympathies to Nancy Allen’s Liz Blake, the world’s cutest high-priced call girl, who discovers Dickinson’s murder and has to find the real killer to clear her name. He gets in some good comic moments aimed at her and her profession �� the client bragging about his stock portfolio who turns tail and runs at the sight of a dead body, Allen’s changing masks as she fields calls from her escort service and her stockbroker on two different phones, the client who can’t even acknowledge he called for her while she’s still in the hall outside his hotel room. But identifying with her doesn’t make us question the ways we invest in characters emotionally.

The film is still tremendously effective, particularly in the first half hour focusing on Kate Miller (Angie Dickinson) and her frustrating marital situation. Dickinson is totally committed to Kate’s emotional state. She easily pulls us into her fantasies, her flirtation with her psychiatrist (Michael Caine) and the wordless nine-minute sequence in which she and a handsome stranger cruise each other in an art museum. That scene is De Palma’s great tour-de-force in the film. Kate is in a room with sexualized paintings as she watches a middle-aged man come on to one of the patrons and a couple cuddling as they look at the art works. It’s all sensuality, and he builds suspense so that we’re actually rooting for her to score a one-night stand. There’s a lot of good work in the rest of the film, and De Palma keeps the tension up as the killer stalks Allen, the one witness to Dickenson’s murder. Keith Gordon is particularly appealing as Dickinson’s son, who helps Allen search for the killer. Dennis Franz is the police detective putting pressure on Allen, and there are bits by Brandon Maggart and actor-playwright Samm-Art Williams.

#horror films #brian de palma #angie dickinson #nancy allen #keith gordon #dennis franz #michael caine #samm art williams

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compocine · 7 months ago

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20000 días de posibilidades infinitas

x Chan Tejedor - originalmente publicado en Revista Invisibles Dos caras de la misma moneda, dos rockumentales que en realidad funcionan como ensayos sobre la memoria: 20000 Days on Earth y The Possibilities are endless. Desde la abundancia de recuerdos hasta la imposibilidad verbal de narrar, ambos exceden lo meramente documental, son imágenes-poesía, crean mundo como cualquier expresión artística debería hacer y reflexionan no sólo sobre la niñez, el amor, la capacidad creativa y el trabajo cotidiano sino también sobre la memoria.

Este año que termina no vi tantas películas, o tantas como las deseadas o la cantidad que estoy acostumbrada a ver. Vi apenas, al día de la fecha, unas 165 películas, la mayoría decepcionantes, pocos estrenos interesantes y aquellas que considero obras maestras fueron en realidad, clásicos que volví a ver. Pero recordaré el 2015 como el año en que, creo, vi la mayor cantidad de documentales de rock y música. Desde Cobain: Montage of Heck hasta The Wrecking Crew, pasando por Mr Blue Sky: The Story of Jeff Lynne & ELO, Filmage: The Story of Descendents/All, los documentales que vimos casi todos gracias a la comodidad de Netflix: Keith Richards. Under the influence y What Happened, Miss Simone? y varios más.

De todos ellos, destaco dos que son en realidad del año pasado (2014), producidos ambos por Pulse Films y Film4 Productions y con el apoyo del British Film Institute. Se tratan de 20,000 Days on Earth de Iain Forsyth y Jane Pollard, el docuficción sobre el día número 20000 en la vida de Nick Cave; y The Possibilities are endless de James Hall y Edward Lovelace, un ensayo artístico sobre cómo Edwyn Collins tuvo que reconstruir sus recuerdos, sus palabras, su identidad y hasta el habla, luego de un derrame sufrido en el 2005, que lo dejó en coma profundo y del que al despertar sólo decía Grace Maxwell (el nombre de su mujer, quien además es su manager) y The Possibilities Are Endless. Ambos exceden lo meramente documental, son imágenes-poesía, crean mundo como cualquier expresión artística debería hacer y reflexionan no sólo sobre la niñez, el amor, la capacidad creativa y el trabajo cotidiano sino sobre la memoria y -como ha definido Borges a los clásicos- sobre las posibilidades inherentes de hacer, en este caso, un documental. Son por lo tanto, me atrevo a decir, futuros clásicos. Obras maestras e infaltables en la videoteca de cualquier fanático, no sólo de la música, sino del cine.

En el afán de terminar de redondear un escrito comparado entre los dos films, hice el trabajo de ver las películas en synchro y me he encontrado varias sorpresas agradables. Prometo un futuro post con las casi 200 imágenes que capturé de las películas proyectadas al mismo tiempo, post al que lamentablemente le faltará el audio.

Las dos películas abren con el siguiente plano:

La televisación del recuerdo, Edwyn Collins en Late Night con Conan O’Brien, cantando su hitazo “A Girl like you”, y un wall de televisores que ametrallan en tan sólo unos segundos, los 20000 días en la Tierra vividos por Nick Cave. Queda claro desde el principio que la idea en ambos es hacer un skip al tipo de documental más obvio, brindando en menos de dos minutos iniciales (mucho menos que los 10 minutos que necesitaba Hitchcock), un zip de imágenes con la consigna tácita de “si quieren material de archivo, ya saben donde ir a buscarlo, porque lo que van a ver es algo completamente diferente” y lo es. Los directores de cada película están muy cercanos a sus objetos de estudio. Iain Forsyth y Jane Pollard son amigos cercanos de Cave y vienen trabajando con él desde hace aproximadamente 7 años, comenzaron haciendo un trabajo de método de imágenes al que inexorablemente, las palabras y el guión de Cave y Warren Ellis terminaron de dar forma a lo que sería un proyecto mucho más grande que el que se buscó originalmente. Por su parte, James Hall y Edward Lovelace eran fanáticos de Collins y Orange Juice, y también de Frederick Wiseman como referente de realizador documental. Enamorados de la historia por la que tuvo que atravesar Collins, le hicieron varias entrevistas de las que surgieron la composición de imágenes que traducirían el desafío de las posibilidades de contar la historia de una persona que prácticamente no puede hablar.

Contar a partir de un archivo respetuosamente guardado, con agentes del recuerdo que acceden a las fuentes con guantes de látex en el caso de Cave, un obsesivo que pudo atesorar su vida, sus palabras y sus verdades monstruosas en una especie de Biblioteca de Babel de los recuerdos; o contar desde el limbo, desde el vacío y con la gran ayuda de Grace, la guardiana oral de la historia de Collins. Dos caras de la misma moneda, dos rockumentales que en realidad eran ensayos sobre la memoria.

-"Qué es a lo que más le temes?” Le pregunta el analista de Cave en una sesión de terapia, y Cave contesta:

-“Hmm… Mi mayor miedo, supongo, es perder mi memoria. Me preocupa a veces que no vaya a ser capaz de seguir haciendo lo que hago y alcanzar un lugar con el que estoy satisfecho”

-”En qué sentido?”

-”Porque la memoria es lo que somos, creo que tu alma y tu razón de estar vivos está arraigada en la memoria. Quiero decir, creo que durante mucho tiempo he estado construyendo una especie de mundo a través de la escritura de canciones. Es una clase de mundo que se crea sobre la base de esos preciados recuerdos que definen nuestras vidas”

El mayor miedo de Cave es lo que le pasó a Collins en febrero del 2005 cuando sufrió dos hemorragias cerebrales que terminaron en una operación, período de coma y lenta recuperación de la memoria y el habla. Sufrió parálisis total del lado derecho, ya no puede tocar por sí solo la guitarra, aunque Grace lo ayuda a rasgar, tiene problemas para caminar, usa bastón y la afasia dificulta la pronunciación, hace que tartamudee y le conlleva severos problemas con los números y el pensamiento matemático. Collins también hace terapia, pero con un neurólogo, tuvo que aprender a escribir con la mano izquierda y recuperó sus dotes de ilustrador, tal cual había estudiado, a fuerza de dibujar aves, siguiendo la sugerencia de Grace, que lo notaba frustrado porque dibujaba repetidamente la figura de un hombre con parálisis, su propia figura. “Creo que mi recuperación real comenzó con mi primer dibujo de pájaros” dice Collins en su propia web.

Sin embargo, una solución al miedo de Cave, bien podría dársela Collins que siguió sacando discos y produciendo a otros artistas (el maravilloso disco Seven dials de su amigo íntimo Roddy Frame, ex Aztec Camera; por ejemplo) y que pareciera resumir, con la sencillez emocionante de sus letras que lo importante It's in your heart, Not in your mind, It's not in your mind.

A partir de la memoria se establece una idea de hogar “I’m Home again” canta Collins en el disco casi homónimo de 2007. Un verdadero punto de hogar fue volver a visitar el estudio West Health, fue la música y su ambiente el detonante necesario para un momento de recuperación acelerada en la terapia de Collins, simultáneamente en 20000 días en la Tierra, vemos a Warren Ellis con un coro de niños franceses grabando, también en estudios. En los estudios reviven las letras, las de Cave, rigurosamente escritas a máquina, las de Collins, con una caligrafía casi inicial. Hombre-Máquina y Hombre-Niño. La maquinaria de Cave para conservar esas letras que tanto hablan sobre la memoria y sobre el proceso disociado de creación. Las letras de sus canciones suponen de cierta manera, una verdad. La metáfora de la verdad dicha por Cave al final del documental, tan sólo la reflexión de esa metáfora, hace que 20000 días sobre la Tierra sea una película perfecta. Una metáfora de la verdad como monstruo que se asoma por la superficie del océano y deja ver su cresta, en un atisbo deja ver su cresta de verdad para luego sumergirse de nuevo en las profundidades, quizá para siempre. De las profundidades renace Collins, repitiendo apenas las palabras The possibilities are endless, las posibilidades son infinitas. El agua también termina siendo un contenedor y un conductor eterno de verdades. Qué hubiese dicho Bachelard con semejantes monstruos, no?

Y las verdades no funcionan por sí solas porque tienen centinelas y tienen asistentes infaltables: Las mujeres, sus grandes amores. Grace es básicamente la exteriorización del yo perdido de Collins “Puedo recordar a Grace, mi mujer, ella está haciendo que todo sea mejor. Ella es mi vida” dice Collins. Y con “es mi vida” descubrimos que es literalmente su vida ya que lo ayuda en absolutamente todo. En cambio Suzie, la mujer de Cave es una musa, apenas la podemos ver en el documental, durmiendo al principio de la jornada, soñando con algo que no podemos imaginar. Luego la volvemos a ver en una foto, proyectada mientras Cave la compara con Marilyn Monroe, Anita Ekberg y miles de símbolos sexuales más, en una secuencia imperdible, casi de lo mejor que tiene la película. Suzie es la madre de sus hijos mellizos, Arthur y Earl. A Arthur, quien murió en julio de este año en un episodio de alucinación por LSD cayendo desde un barranco, se lo ve comiendo pizzas abrazado al padre. Si para Cave lo más importante de su vida es la memoria y la memoria está hecha de letras que guardan cada momento y Suzie es la musa que inspira gran parte de esas letras, entonces también para Cave, Suzie es su vida, aunque quizá es una versión del amor más icónica y no tan iconoclasta como la de Collins.

20000 días en la Tierra y Las posibilidades son infinitas plantean la apertura de lenguajes poéticos, narran no necesariamente vidas, sino formas de vidas, las vidas de dos artistas únicos, irremplazables y eternos por el solo hecho de habernos regalado verdad. Y sólo las personas generosas pueden regalar verdades.

#edwyn collins #nick cave

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miguelmarias · 2 years ago

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Nevada Smith (Henry Hathaway, 1965)

Henry Hathaway es un veterano. Nació en 1898 y desde los treinta y cuatro años ha dirigido 56 películas. Siempre ha sido un honesto artesano, alternando lo mediocre con lo interesante. Curiosamente, se mantiene joven y activo; sus mejores películas son las más recientes: Del infierno a Texas, Alaska, tierra de oro, La conquista del Oeste (tres episodios), El fabuloso mundo del circo, Los cuatro hijos de Katie Elder, y sobre todo Nevada Smith (1965), que, sin ser una obra maestra, merece más atención que la que se le ha prestado.

Su origen literario (Los insaciables, The Carpetbaggers, de Harold Robbins), un trailer que intentaba presentar a Nevada Smith como un "Tom Jones del Oeste" y el ser su "productor ejecutivo" Joseph E. Levine (experto en remuneradores y escabrosos temas: Una casa no es un hogar, Harlow, El Oscar) me hicieron temer un derroche de mal gusto. Unas recientes declaraciones de Hathaway (''Yo nunca he hecho películas pornográficas y no tengo intención de empezar ahora") y Aldrich ("Un hombre como Hathaway tiene sin duda muchas debilidades, pero no puede decirse que sea un yes-man... hará lo que se le meta en la cabeza") y el que esté producida por Hathaway (sólo lo hace cuando le interesa mucho la película: Arenas de muerte, Alaska...) me devolvieron unas esperanzas que se han visto cumplidas, con creces, por el buen gusto, sensibilidad y sencilla elegancia con que Hathaway resuelve escenas tan difíciles como las dos (!) entradas de Suzanne Pleshette y las demás mujeres en la barraca de los presos, y las referentes a Janet Margolin (cf. sobre todo la planificación de la primera entrada de Suzanne y su encuentro con Steve McQueen, y la naturalidad con que están resueltas la primera y última escenas en que sale Janet).

Por otra parte, como Hathaway nunca ha sido un gran director de actores, pese a los notables resultados obtenidos de Diane Varsi y Don Murray (From Hell to Texas, 1958), Capucine (North to Alaska, 1960) y Carroll Baker (How the West Was Won, 1962), no tiene seguridad y necesita construir las secuencias a base de numerosos planos cortos, y esto lo hace de un modo rutinario y disgregador. En el mejor de los casos, Hathaway es un vigoroso narrador, con buen sentido del ritmo y de la composición en Cinemascope (pero sólo a nivel de plano). Su planificación destruye con frecuencia el tiempo, el espacio y la interpretación, y por eso sus películas suelen decepcionar en una segunda visión: siempre sobran unos doscientos cambios de plano, insertos innecesarios, etc. Pues bien, parece como si en Nevada Smith hubiera descendido sobre él esa serenidad de puesta en escena tan patente en los últimos films de los grandes viejos directores: Ford, Lang, Preminger, Hawks, Mizoguchi, Dreyer, Renoir, Walsh, Hitchcock, etcétera. En efecto, la planificación es medida y sosegada; en algunos casos (el final) extraordinaria, en otros, mediocre (cuando S. McQueen quema su casa). La mirada del cineasta se ha hecho serena, y contempla sin subrayar, con la mayor tranquilidad, bajo una música suave o en silencio, los actos más brutales (el cuchillo que rasga, corta la espalda de la madre de "Nevada", la muerte de Arthur Kennedy). Y en un final de antología, Hathaway abandona (como "Nevada") a Karl Malden, que tiñe el río con su sangre mientras pide una muerte rápida, que Steve McQueen le niega, como Hathaway le niega un contraplano. Por otra parte, la interpretación de Nevada Smith es excelente, sobre todo por parte de Margolin, Pleshette, Kennedy, Brian Keith y, dado lo difícil que es, Karl Malden. Así, con mayor dominio sobre la puesta en escena, y huyendo de cualquier efectismo, Hathaway ha logrado su mejor obra.

No hay que olvidar un notable y muy original guión de John Michael Hayes, que aúna satisfactoriamente temas clásicos del western (el hombre de experiencia, Brian Keith, que enseña al joven novato) con otros inéditos, sobre todo el de Janet Margolin y el de Suzanne Pleshette, dos de las más interesantes actrices jóvenes del cine americano.

Janet Margolin es una chica india que conoce en un saloon a Steve McQueen y al que cuida en el poblado, dando lugar a varias de las escenas más notables del film, como las que se desarrollan en el campamento indio, sobre todo la última, llena de sensibilidad, cuando Janet sopla la vela.

La idea motriz del film es la venganza, y ésta lleva a McQueen a hacerse internar en un campo de trabajos forzados de Mississippi. El campo, la huida a través de los pantanos, en piragua, con Suzanne enferma y con A. Kennedy; el paisaje, los guardianes y su violencia, las brumas y la extraña personalidad de Suzanne hacen pensar inmediatamente en Faulkner, sobre todo en dos de sus novelas menos conocidas, The Old Man y —un par de capítulos— Mosquitoes. Concretamente, el campo de presos es casi exacto, así como parte de la huida por el pantano y el final del episodio, al principio de The Old Man; pero hay que resaltar que no sólo argumentalmente, sino por su ambiente, su representación visual y hasta su espíritu. Por eso, junto con las enseñanzas de Keith y el amor de Janet Margolin, resulta que lo mejor de Nevada Smith son las personas que le ayudan, y que él abandona para proseguir su venganza, sobre la que Hathaway, afortunadamente, no se permite sermonear: es asunto de "Nevada", y se limita a contarlo, sin juzgar.

Al final de la película, Nevada Smith se aleja. Ya no le queda nada que hacer.

Publicado en El Noticiero Universal (29 de noviembre de 1966)

#miguel marías #nevada smith #henry hathaway #1965 #el noticiero universal #western

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tinseltine · 2 years ago

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#8 – NOPE | Universal Pictures | Writer/Director/Producer Jordan Peele - In watching and reading interviews with Jordan Peele, he says with NOPE that he wanted to hone in on Spectacle (definition: an event or scene regarded in terms of its visual impact) he seems to be looking at the negative impact of this display on society and yet admits that ironically, he wanted to create a “spectacle” that everyone would want to go see this summer in the theater; so there’s that. Personally, my brain is too overtaxed this week to sit and ponder on the meaning of this word and it’s affect on humanity, but in terms of the film, “Nope” is definitely visually striking. Particularly those wide mountain shots both in broad daylight and starry nights, filmed in the Agua Dulce desert in northern Los Angeles County at the Firestone Ranch.In the film this ranch is owned by a black family – Otis Haywood Sr., (Keith David) Otis “OJ” Haywood, Jr. (Daniel Kaluuya) and Emerald “Em” Haywood (Keke Palmer) they train horses for Hollywood movies and commercials.

The brother and sister dynamic is the crux of the film. Their relationship, like most brothers and sisters is antagonistic, yet bonded. They have completely different temperaments – OJ is so taciturn, and low-key, he’s all about duty and mainly communicates with those uniquely, sad, soulful Kaluuya eyes. Em is all personality and bravado, full of dreams and schemes, but never over-the-top; she’s good at hyping the family biz, but has little to no interest in the actual day to day running of the ranch. After the initial incident, the majority of the film is build up, reminding me of Hitchcock’s The Birds where there’s a lot of atmosphere, a lot of visual cues and unhurried storytelling.

We meet Ricky “Jupe” Park (Steven Yeun) who runs Jupiter’s Claim, a Western Theme park in the middle of the California desert. Park has been buying horses from OJ, but he also has a connection to the opening scene of a Chimpanzee TV star, who goes ape and viciously attacks his co-stars on set. Adding another theme throughout about man vs beast, which is interestingly layered.Later we meet Angel Torres (Brandon Perea) he’s at techy guy who works at a Best Buys type store where Em & OJ go to buy surveillance equipment. Angel manages to insert himself into the goings on at the ranch. Then there’s the brooding, raspy, director guy, Antlers Hols (Michael Wincott) who adds a tremendous amount of flavor to what becomes operation getting the “Oprah Shot”.

I’m not gonna describe the sci-fi UFO aspects of the film, I was glad I knew very little going in and don’t wanna spoil anything for others. Of course, we were all waiting for the title of the film to be a line in the film, and it doesn’t disappoint. Basically, I’d say with each film, Jordan Peele has proven himself to be a true auteur.

#NOPE #Monkey Paw Productions #jordan peele #daniel kaluuya #top 10 list

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alexlacquemanne · 2 years ago

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Janvier MMXXIII

Films

Airport (1970) de George Seaton avec Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, Jacqueline Bisset, George Kennedy, Helen Hayes et Van Heflin

L'Homme qui murmurait à l'oreille des chevaux (The Horse Whisperer) (1998) de Robert Redford avec Scarlett Johansson, Robert Redford, Kristin Scott Thomas, Sam Neill et Dianne Wiest

Boulevard du crépuscule (Sunset Boulevard) de Billy Wilder avec William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark et Lloyd Gough

Écrit sur du vent (Written on the Wind) (1956) de Douglas Sirk avec Rock Hudson, Lauren Bacall, Robert Stack, Dorothy Malone, Robert Keith et Grant Williams

Take Me Out to the Ball Game (1949) de Busby Berkeley avec Gene Kelly, Frank Sinatra, Esther Williams, Betty Garrett et Edward Arnold

Les Tontons flingueurs (1963) de Georges Lautner avec Lino Ventura, Bernard Blier, Jean Lefebvre, Francis Blanche, Venantino Venantini, Robert Dalban, Sabine Sinjen et Claude Rich

Un air de famille (1996) de Cédric Klapisch avec Jean-Pierre Bacri, Wladimir Yordanoff, Catherine Frot, Jean-Pierre Darroussin, Claire Maurier et Agnès Jaoui

Le Rapace (1968) de José Giovanni avec Lino Ventura, Rosa Furman, Xavier Marc, Aurora Clavel, Augusto Benedico et Marco Antonio Arzate

Aimez-vous Brahms… (Goodbye Again) (1961) d'Anatole Litvak avec Ingrid Bergman, Anthony Perkins, Yves Montand, Jessie Royce Landis, Pierre Dux, Jackie Lane et Michèle Mercier

Par-dessus les moulins (La bella mugnaia) (1955) de Mario Camerini avec Vittorio De Sica, Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Paolo Stoppa et Yvonne Sanson

Y a-t-il enfin un pilote dans l'avion ? (Airplane II: The Sequel) (1983) de Ken Finkleman avec Robert Hays, Julie Hagerty, Lloyd Bridges, Chad Everett, William Shatner, Sonny Bono et Chuck Connors

Pouic-Pouic (1963) de Jean Girault avec Mireille Darc, Louis de Funès, Roger Dumas, Jacqueline Maillan, Christian Marin, Philippe Nicaud, Guy Tréjan et Daniel Ceccaldi

Papy fait de la résistance (1983) de Jean-Marie Poiré avec Christian Clavier, Michel Galabru, Roland Giraud, Gérard Jugnot, Martin Lamotte, Dominique Lavanant, Jacqueline Maillan, Jacques Villeret, Julien Guiomar et Jacques François

Votez McKay (The Candidate) (1972) de Michael Ritchie avec Robert Redford, Peter Boyle, Don Porter, Allen Garfield, Karen Carlson et Michael Lerner

American Graffiti (1973) de George Lucas avec Richard Dreyfuss, Ron Howard, Paul Le Mat, Charles Martin Smith, Candy Clark, Mackenzie Phillips, Cindy Williams, Wolfman Jack, Bo Hopkins et Harrison Ford

Duel (1972) de Steven Spielberg avec Dennis Weaver, Jacqueline Scott, Eddie Firestone, Lou Frizzell, Gene Dynarski, Lucille Benson et Tim Herbert

Le jour se lève (1939) de Marcel Carné avec Jean Gabin, Jules Berry, Jacqueline Laurent, Arletty, Arthur Devère, Jacques Baumer, Mady Berry et Bernard Blier

Le Grand Alibi (Stage Fright) (1950) d'Alfred Hitchcock avec Jane Wyman, Marlène Dietrich, Michael Wilding, Richard Todd, Alastair Sim et Sybil Thorndike

Capitaine sans peur (Captain Horatio Hornblower R.N.) (1951) de Raoul Walsh avec Gregory Peck, Virginia Mayo, Robert Beatty, James Robertson Justice, Denis O'Dea, Moultrie Kelsall et Stanley Baker

Jack Reacher: Never Go Back (2016) d'Edward Zwick avec Tom Cruise, Cobie Smulders, Danika Yarosh, Jessica Stroup, Aldis Hodge et Patrick Heusinger

Confidences sur l'oreiller (Pillow Talk) (1959) de Michael Gordon avec Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall, Thelma Ritter, Nick Adams et Julia Meade

Fanfan la Tulipe (1952) de Christian-Jaque avec Gérard Philipe, Gina Lollobrigida, Noël Roquevert, Olivier Hussenot, Marcel Herrand, Geneviève Page et Sylvie Pelayo

Les Sentiments (2003) de Noémie Lvovsky avec Nathalie Baye, Jean-Pierre Bacri, Isabelle Carré, Melvil Poupaud, Agathe Bonitzer : Sonia et Virgile Grünberg

Moby Dick (1956) de John Huston avec Gregory Peck, Richard Basehart, Leo Genn, Orson Welles, Harry Andrews et James Robertson Justice

Tueurs de dames (The Ladykillers) (1955) de Alexander Mackendrick avec Katie Johnson, Alec Guinness, Cecil Parker, Herbert Lom, Peter Sellers et Danny Green

Séries

Kaamelott Livre IV, I

Tous les matins du monde : 1re partie - Tous les matins du monde : 2e partie - Raison et Sentiments - Les Tartes aux fraises - Le Dédale - Les Pisteurs - Le Traître - La Faute : 1re partie - La Faute : 2e partie - L’Ascension du Lion - Enluminures - Les nouveaux frères - La jupe de Calogrenant - La dent de requin

Friends Saison 3, 4, 5

Celui qui était laissé pour compte - Celui qui s'auto-hypnotisait - Celui qui avait un tee-shirt trop petit - Celui qui courait deux lièvres - Celui qui avait un poussin - Celui qui s'énervait - Celui qui avait un truc dans le dos - Celui qui voulait être ultime champion - Celui qui allait à la plage - Celui qui soignait les piqûres de méduses - Celui qui ne voyait qu'un chat - Celui qui avait des menottes - Celui qui apprenait à danser - Celui qui avait une nouvelle copine - Celui qui fréquentait une souillon - Celui qui poussait le bouchon - Celui qui était dans la caisse - Celui qui savait faire la fête - Celui qui draguait au large - Celui qui posait une question embarrassante - Celui qui gagnait les paris - Celui qui se gourait du tout au tout - Celui qui n'avait pas le moral - Celui qui jouait au rugby - Celui qui participait à une fête bidon - Celui qui avait la chaîne porno - Celui qui cherche un prénom - Celui qui faisait de grands projets - Celui qui va se marier - Celui qui envoie l'invitation - Celui qui était le pire témoin du monde - Celui qui se marie : première partie - Celui qui se marie : deuxième partie - Celui qui avait dit Rachel

Inspecteur Barnaby Saison 1, 2, 3

Meurtres à Badger's Drift - Écrit dans le sang - Mort d'un pantin - Fidèle jusqu'à la mort - Le Masque de la mort - L'Ombre de la mort - Le Bois de l'étrangleur - Le Terrain de la mort - Et le sang coulera - Mort d'un vagabond - Angoisse dans la nuit - Le Jour du jugement - Le Mystère de la tombe

Coffre à catch

#96 : Bonne année + Kelly Kelly + LA SURPRISE ! - #97 : L'enclumette à la ECW !! - #98 : Kofi Kingston est-t-il invincible? - #99 : Avec le Big Show, c'est Mieux! - #100 : Avec Sturry, la ECW reste forte !

Columbo Saison 3

En toute amitié

Affaires Sensibles

Le bal tragique de Saint-Laurent-du-Pont - "Soleil Vert" : un mirage écologique à Hollywood - Le calvaire de Scorsese - L'aventure Canal Plus - Les dents de la mer - Redoine Faïd : le braqueur aux multiples visages - 4 août 1962, chute et mort de la femme éternelle - Los Angeles, les émeutes de 1992 : chronique d’un drame annoncé - O.J. Simpson, une histoire américaine - 17 avril 1961 : La baie des cochons - Lockerbie, 1988. La mort tombe du ciel

Doctor Who

Le Pouvoir du Docteur

L'Agence tous risques Saison 1

Les gladiateurs - Enlèvement à Las Vegas - Bagarre à Bad Rock - Racket - Bataille rangée - Et c'est reparti - Pour le meilleur et pour le pire

Le Voyageur Saison 2

Le roi nu - Au bout de la nuit

Spectacles

Concert du Nouvel An en direct du Musikverein, à Vienne (2023)

Le Mari, la Femme et la Mort (1970) d'André Roussin avec Bernard Blier, Jacqueline Gauthier, Denise Grey, Claude Nicot et Harry-Max

Livres

Le seigneur des anneaux Tome 1 : La communauté de l'anneau de J.R.R. Tolkien

Détective Conan : Tome 4 de Gôshô Aoyama

Watchmen : Tome 1 d'Alan Moore et Dave Gibbons

Les aventures de Tintin : Tome 18 : L'Affaire Tournesol d'Hergé

Des dragées sans baptême de Frederic Dard

Kaamelott : Tome 10 : Karadoc et l'Icosaèdre d'Alexandre Astier, Steven Dupré et Roberto Burgazzoli

Goldboy N°11 : Aventure en Amazonie

#mediatheque #janvier23

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starburns · 3 years ago

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there's like this one type of sitcom guy i always like who's like a loser but is really trying to be cool and sometimes is just really annoying and creepy and sometimes just gay. like jean ralphio, tom, jonah ryan, keith shankar, gob bluth, dennis reynolds maybe?

#i feel like mike schur ones except parks and rec (which is heavy with them) dont have those guys #its mostly 2000s? but kate 2000s #like 2009-2012 #2012 was where it stopped happening all the sitcoms after that were bright and with Good People #like bee nyne nyne it didnt have those guys #but u cant count hitchcock scully because they werent like young loser guys. they were old loser guys #and they werent miserable in the way jonah or keith was #also ig black mondaybstarted in 2019 but i did say mostly #also no no cop from bee nyne nyne is a good person i just mean like likable characters that we are supposed to thunk are nice people #jotxt

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whoodboards · 3 years ago

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The Who but they’re films by Alfred Hitchcock

PETE TOWNSHEND - Vertigo (1958)

JOHN ENTWISTLE - Psycho (1960)

ROGER DALTREY - Rear Window (1954)

KEITH MOON - To Catch a Thief (1955)

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progcomments-3 · 3 years ago

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this song isn't even prog but it's about barrett so i'll put it on here

it's "the man who invented himself" by robyn hitchcock

i think this commenter is trying to say that both "robyn" and "syd" are unusual spellings of those names with the letter y, and both robyn and syd took acid?

#roger keith barrett #syd barrett #robyn hitchcock #the man who invented himself

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papermoonloveslucy · 4 years ago

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LOOK: FALL TV FORECAST

September 17, 1957

Look Magazine (volume 21, #19) featured the 1957 Fall TV Forecast on the cover, including a photograph of Lucille Ball, Desi Arnaz, and Richard Keith (aka Keith Thibodeaux) by Bob Vose.

At the time of publication, “I Love Lucy” had ended its half-hour format and was about to launch an hour-long show airing every other month. It would become known as “The Lucy-Desi Comedy Hour.” Fred, Ethel, and Little Ricky would be back for the new iteration, including the first one, “Lucy Takes A Cruise To Havana” (LDCH S1;E1) in November 1957.

The trio previously appeared on the cover of Look in December 1956, just ten months earlier, also photographed by Bob Vose. Vose was a regular contributor to the magazine.

The article (page 72) was titled Fall TV Forecast: New Labels...Old Ideas.

On page 52, there is question and answer column with Norman Vincent Peale. It is well known that Lucille Ball was an inveterate disciple of Peale’s and strongly believed in his philosophy of living. Lucille and Gary Morton were even married by Dr. Peale (author of the best-seller The Power of Positive Thinking) in an intimate ceremony at his Marble Collegiate Church in November 1961.

Others On The Cover:

Clint Walker and Venetia Stevenson (photo by Maurice Terrell) ~ Walker played the title character in “Cheyenne” a western then entering its third season on ABC. The series continued for seven seasons, ending in 1963. Stevenson did only one episode of the series, in October 1957. The series returned on September 24, 1957.

In 1965 Clint Walker played Frank Winslow, Lucy’s hunky boyfriend, in “Lucy and the Sleeping Beauty” (TLS S4;E9) and “Lucy and Clint Walker” (TLS S4;E24).

Alfred Hitchcock (photo by Maurice Terrell) ~ was also entering his third season on television, as host of the anthology series “Alfred Hitchcock Presents” (1955-62).

In “Lucy Meets the Mustache” (LDCH S3;E3) Lucy wants to open a sealed letter Ricky has written to his Uncle Carlos in Cuba, so she tries a inserting a knitting needle under the flap, a method she says she saw in an Alfred Hitchcock movie. The scene is underscored with “Funeral March of a Marionette” by Charles Gounod, which served as the theme tune of "Alfred Hitchcock Presents”.

Gisele MacKenzie (photo by Philip Harrington) ~ was a Canadian-American singer best known for her appearances on “Your Hit Parade.” She made her last appearance on the show ten days before this issue was published. She premiered “The Gisele MacKenzie Show” on September 28, 1957. The live show ran only one season on NBC.

In November 1952, Gisele MacKenzie and Lucille Ball were both part of “Stars in the Eye” a televised celebration of the opening of CBS Television City in Hollywood. At the time, MacKenzie was a newcomer and Ball was representing “I Love Lucy.” A year before this magazine was published, Lucy, Desi, and MacKenzie were guests on the same “Toast of the Town” with Ed Sullivan.

Perry Como (photo by Philip Harrington) - hosted a weekly hour-long variety show called “The Perry Como Show”, which premiered in September 1955. It was so popular that in the 1956-57 television season it reached ninth in the Nielsen ratings, the only show on NBC that season to land in the top ten. It was then entering its third season and would end in 1959.

In a 1972 episode of “Here’s Lucy” starring pregnant Petula Clark, Lucy insists that that the British songbird be allowed to sit during her recording session, saying that Bing Crosby, Perry Como, and Frank Sinatra all sat down when singing! Early in his career, Como was a spokesman for Chesterfields, Lucille Ball’s favorite brand of cigarettes. The only time they were seen on the same screen was at the 1987 Kennedy Center Honors induction of Como, although Ball was there to introduce fellow honoree Sammy Davis Jr.

NEW TV - FALL 1957

September 14 - Have Gun - Will Travel (1957-63) on CBS

September 18 – Wagon Train (1957–65) on NBC

September 21 – Perry Mason (1957–66) on CBS

September 21 – The Polly Bergen Show (1957-58) on NBC

September 22 – Maverick (1957–61) on ABC

October 3 - The Pat Boone-Chevy Showroom (1957–60) on ABC

October 3 - The Real McCoys (1957-63) on ABC, filmed at Desilu

October 4 – Leave It to Beaver (1957–63) on CBS

October 10 – Zorro (1957–59) on ABC

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sistercelluloid · 4 years ago

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Welcome to another edition of Streaming Saturdays, where we embed a free, fabulous movie for you to watch right here!

This week, Ann Sheridan and Dennis O’Keefe star in the noir thriller Woman on the Run, with star-worthy support from Robert Keith and an adorable mutt named Rembrandt. Sheridan co-produced the film not long after buying out her contract from Warner Bros., where they strapped her into a series of ever-tighter sweaters and dubbed her the Oomph Girl—a nickname she detested. (“‘Oomph’ is what a fat man says when he leans over to tie his shoelace in a phone booth.”) She stars as Eleanor Johnson, a bitter, jaded wife whose husband Frank (Ross Elliott) goes on the lam after witnessing a gangland slaying. Which turns out to be the best thing that ever happened to their miserable marriage.

When an inspector (Keith) arrives at the murder scene, he asks Frank if he’s married. “In a way,” he mutters half-heartedly. And that’s actually more enthusiastic than his wife is when the cops show up at their dingy flat, where the only sign of domesticity is a cupboard full of Ken-L Ration. (Like a lot of depressives, they may have given up on their marriage, their lives and themselves, but dammit, they take care of their dog.)

When Frank calls, Eleanor warns him that the police are tapping the line, so he hangs up and hits the road. But she soon learns from the cops—everyone seems to know more about her husband than she does—that he needs heart medicine he may not be able to survive without.

As Eleanor scours San Francisco in search of Frank, she discovers facets of his life she’d never known about: He went to the mat with his boss to save a friend’s job. He inspired a massive crush in a young secretary. He lived like Gaugin in Tahiti and Hemingway in Mexico. And he still loves his wife. That last bit of news comes as a something of a welcome shock to Eleanor. When the inspector tells her that a letter Frank wrote “sounds like a man in love,” she’s knocked a bit backwards with relief—almost allowing herself to feel hopeful. Then she leans in for a closer listen, as if she needs to hear it again.

Helping her on her quest to find her husband is noir regular O’Keefe as an obnoxious-but-charming reporter eager to snag an exclusive (and maybe Eleanor in the bargain). Sheridan has a crackly chemistry with him and with Keith, who seems to have been born craggy.

The whip-smart, cynically romantic script was written by Alan Campbell with an assist from director Norman Foster, who soaked up everything he could about mood, light and shadow from his mentor, Orson Welles. (Foster’s Journey Into Fear, featuring Welles, was so effective that Welles had to reassure skeptics he didn’t direct it himself.)

Campbell knew a thing or two about brittle, wearily witty women, having recently divorced Dorothy Parker. (They remarried afterward; film as couples therapy?) And for his part, Foster endured a rather… complicated marriage to Claudette Colbert (she lived with her mother; he didn’t).

Anyone else notice more than a passing resemblance between Foster and the guy he chose to play the husband?

Woman on the Run is lovingly shot all over San Francisco, which becomes a character in the film. And this isn’t Hitchcock’s glistening city by the bay: it’s docks and dives and dime stores, with the occasional edifying bit of architecture thrown in for good measure. (City Hall doubles as an art gallery.) The film climaxes with a harrowing chase through a spooky seaside amusement park (its one faithless locale: logistics dictated that they shoot at Ocean Park Pier in Santa Monica).

Even The New York Times‘ Bosley Crowther liked the film, kinda: “Since it never pretends to be more than it is, Woman on the Run… is melodrama of solid if not spectacular proportions. Working on what obviously was a modest budget, its independent producers may not have achieved a superior chase in this yarn about the search by the police and the fugitive’s wife for a missing witness to a gangland killing. But as a combination of sincere characterizations, plausible dialogue, suspense and the added documentary attribute of a scenic tour through San Francisco, Woman on the Run may be set several notches above the usual cops-and-corpses contributions from the Coast… will not win prizes but does make crime enjoyable.”

As usual with Crowther’s work, you’re tempted to write “he sniffed” at the end. As best I can figure, there was once some kind of annual prize for who could drip the most condescension, and he was determined to snag it every year running. But I think you’ll like Woman on the Run much more than he did.

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