#grande œuvre

[jonathan-pradillon]

Grand tableau abstrait : Vaste texture couteau or orange rose iridescente 2.

(Œuvre réalisée sur commande)

Œuvre réalisée au couteau à la peinture acrylique sur châssis en bois entoilé en coton (100% coton, toile cloutée). Couleurs iridescentes. Rebords du châssis peints à la peinture acrylique noire. Protection : œuvre vernie à la bombe aérosol brillante.

Pour voir un aperçu vidéo de cette peinture, rendez-vous sur : https://youtu.be/Kn1jt8u7kgU

Format : 116 cm x 89 cm x 2,5 cm.

Diagonale : 146,2 cm.

Poids approximatif : 3 kg.

Date de réalisation : 03/2023.

Artiste : Jonathan Pradillon

Pièce unique.

œuvre signée. Certificat d’authenticité fourni. Emballage soigné.

Prix : 600 €.

(Œuvre vendue)

Plus d’information sur www.artinsolite.com ou www.jonathan-pradillon.com

[fashionbooksmilano]

Jean Cocteau

Sur le fil du siècle

L'exposition / The Exhibition

Valérie 20th conception

Centre Pompidou, Paris 2003, 60 pages, 27x27cm, ISBN 2-84426-222-8

euro 40,00

email if you want to buy booksinprogressmilano@yahoo.it

Paris Centre Pompidou 25 septembre 2003 - 5 janvier 2004

Jean Cocteau (1889-1963) fut écrivain, poète, cinéaste, dessinateur, peintre, scénographe, chorégraphe, photographe, dramaturge et animateur de la scène musicale française. Pendant près de cinquante ans, cet agitateur d'idées et artiste de génie a déployé une activité rodigieuse, diverse et féconde. Le « monde » de Cocteau est particulièrement peuplé : Pablo Picasso, Jean Marais, Coco Chanel, François Truffaut, Man Ray, Amedeo Modigliani, pour n'en nommer que quelques-uns. L'artiste a traversé le vingtième siècle de Proustà Andy Warhol. L'exposition présentée au Musée, qui réunit quelque 700 œuvres, reflétera ce foisonnement où les disciplines et les personnalités se croisent et s'influencent.

The most comprehensive retrospective exhibition to date in France of the eclectic work of Jean Cocteau (1889-1963), poet, writer, critic, but also film director, drawing artist and player on the French musical scene, from the second decade of the 20th century to the 60s. He promoted jazz, cinema and plastic abstraction, he was author of Le Grand Ecart and Le Rappel à l'ordre, had Antigone dressed by Chanel, sponsored the first Cannes Festival and discovered and defended the talent of François Truffaut. The prolificacy of his activities is reflected in the works on show: 335 drawings, 300 photographs, 22 paintings by major artists who celebrated him, 50 or so manuscripts, objects and sculptures.

21/12/24

[les-belles-mecaniques]

TURCAT-MERY MJ de 1913

4 cylindres de 6,1 litres muni de 8 bougies est une œuvre d’art!

C’est la plus grande marque du monde avant la Première Guerre mondiale

[corinneecrivaine]

Arcane

Je découvre actuellement la série animée Arcane, et dès les premières images, j’ai été happée par l’histoire, les personnages et surtout la relation fascinante entre les deux sœurs, Vi et Powder/Jinx.

Pour moi, une belle histoire, c’est avant tout une histoire qui parvient à me faire ressentir des émotions. Et avec Arcane, c’est précisément ce qui se passe : la série m’a émue et captivée dès les premiers instants.

Cette série, produite par Riot Games (créateurs du jeu vidéo League of Legends) en collaboration avec Fortiche Production, un talentueux studio d’animation français, est une œuvre qui m’a immédiatement séduite.

Pour être honnête, je ne viens pas du tout de l’univers des jeux vidéo. Je ne joue pas et je ne connais rien de League of Legends. Et c’est là l’une des plus grandes forces d’Arcane : aucune connaissance préalable n’est nécessaire pour apprécier pleinement la série. Elle se suffit à elle-même, grâce à une narration solide, des personnages profonds et un univers visuellement époustouflant.

Arcane explore les origines de Vi, Jinx, Jayce, et Caitlyn, tout en développant les conflits sociaux et politiques entre deux villes : Piltover, la cité prospère de la technologie, et Zaun, un quartier souterrain plus sombre.

Le style visuel est une esthétique spectaculaire, magnifique et riche.

La série explore des thèmes profonds comme la lutte des classes, les liens familiaux, la trahison et les conséquences des choix.

L'évolution des personnages, en particulier celle de Vi et Powder/Jinx, est le point central.

Arcane est destinée à un public adulte. Elle aborde des thèmes matures avec une narration sérieuse et émotionnelle.

Le générique est stupéfiant avec la bande son mémorable du groupe Imagine Dragons.

Il y aurait beaucoup à dire sur cette série et surtout Vi et Powder/Jinx.

[thebusylilbee]

Comment a-t-on pu en arriver là ? À mesure que l’on feuillette la bande dessinée, la question se répète, s’amplifie, jusqu’à former une tornade d’incompréhension. Dans Spirou et la Gorgone bleue, paru en septembre 2023 aux éditions Dupuis, certains personnages noirs ressemblent à des singes. D’autres cochent toutes les cases des caricatures racistes : une peau noir foncé, des lèvres surdimensionnées d’une couleur rosée et, parfois, des grandes mains et une mâchoire prognathe. 

Les représentations s’étalent sur des dizaines de pages et pourtant, l’œuvre a été relue, éditée et diffusée massivement en France et en Belgique depuis un an. Le synopsis de l’album tient en quelques mots : Spirou et Fantasio traquent une bande d’écoterroristes en lutte contre la malbouffe. Leur enquête les mène sur un porte-avions de l’armée américaine, subtilement baptisé USS Obama, dont les militaires poursuivent aussi les militantes écolos. À bord de l’USS Obama, tout le personnel est noir. Ou plutôt, « furtif », comme l’affirme en riant l’amirale Denzelle Jackson à bord, une grosse femme noire aux immenses lèvres roses et au cou poilu. 

Au téléphone, le dessinateur de l’album, Dany, tente de nous expliquer la « blague » : « On a repeint le porte-avions avec une couleur noire, qui lui permet de ne pas être décelé par les radars. C’est un navire “furtif”. La dimension furtive est amusante. D’ailleurs, la pacha [commandante du navire – ndlr] dit en rigolant que tout le personnel est furtif. Ils sont tous blacks ! [sic] C’est ça qui amusait beaucoup le scénariste et qui m’a fait rire aussi. C’était une bonne trouvaille, un équipage complètement noir... » 

Mais depuis quelques jours, une foule de nouveaux lecteurs et lectrices est loin de partager ce point de vue. « Quand j’ai découvert les dessins, j’ai eu l’impression que c’étaient des animaux qui étaient dessinés, et non des humains », s’étonne le blogueur Seumboy. 

« Retrait de l’ouvrage »

Le militant antiraciste a, comme beaucoup d’internautes, découvert l’existence de Spirou et la Gorgone bleue après qu’une Française a diffusé une courte vidéo sur TikTok, le 29 octobre. « Je tiens entre mes mains une des BD les plus racistes de 2024 », présente-t-elle en feuilletant les pages de l’album, paru en réalité un an plus tôt. Sa vidéo est reprise sur d’autres réseaux sociaux, cumule rapidement des centaines de milliers de vues et génère des trombes de commentaires indignés.

Contactées par Mediapart, les éditions Dupuis ont répondu ce jeudi par voie de communiqué, actant que « les prises de parole se multiplient pour exprimer la colère ressentie devant la représentation des personnes noires et des femmes » dans l’œuvre mise en cause.

« Nous sommes profondément désolés si cet album a pu choquer et blesser. Cet album s’inscrit dans un style de représentation caricatural hérité d’une autre époque. Plus que jamais conscients de notre devoir moral et de l’importance que représente la bande dessinée en tant qu’éditeur et plus largement le livre dans l’évolution des sociétés, nous prenons en ce jour la pleine responsabilité de cette erreur d’appréciation. C’est pourquoi nous tenons à présenter nos plus sincères excuses. »

La maison explique avoir « mis en œuvre le retrait de l’ouvrage de l’ensemble des points de vente ». L’album se serait toutefois très bien vendu ces 13 derniers mois, selon le dessinateur Dany, qui nous informe qu’elle aurait même été réimprimée. Elle avait été tirée en septembre 2023 à 22 000 exemplaires, apprend-on sur le site BDZoom. 

L’univers de Spirou, popularisé par Franquin, est dense. D’un côté s’égraine, depuis les années 1950, la saga officielle des Aventures de Spirou et Fantasio,dont le 57e numéro est paru cet automne. De l’autre, une série dérivée« Le Spirou de... »permet à la maison d’édition de décliner la franchise en demandant à des dessinateurs de réinterpréter le célèbre héros à leur sauce.

C’est là que Yann et Dany entrent en scène. Le premier est scénariste de BD, l’autre auteur et dessinateur. À 81 ans, Dany est un incontournable du neuvième art belge, qui fait vivre depuis cinquante ans les aventuresd’Olivier Rameau, un héros rêveur et son acolyte féminine hypersexualisée en robe courte, Colombe Tiredaile. Il y a huit ans, les éditions Dupuis sont venues le chercher pour développer ce nouveau Spirou, raconte-t-il dans une interview accordée aux Amis de la BD en 2023. 

Le processus de création a visiblement pris du temps. L’éditeur qui avait démarché Dany est remplacé en 2020 par un autre, plus jeune, qui se serait alarmé en voyant la tête de certains personnages. « Le nouvel éditeur m’a dit : “Tu sais, on ne peut plus dessiner les Noirs comme ça.” Alors j’ai changé, on a refait pas mal de visages… Mais apparemment pas suffisamment », explique Dany à Mediapart. 

La bande dessinée que l’on connaît aujourd’hui aurait donc déjà fait l’objet de modifications. C’est ce qu’a confirmé Julie Durot, la directrice générale de Dupuis depuis 2021, au Parisien ce jeudi : « Le contrat a été signé il y a plus de dix ans, par des gens qui ne sont plus aux commandes. Depuis mon arrivée, nous avons à plusieurs reprises demandé des modifications à son dessinateur, Dany. C’est un homme de plus de 80 ans : il ne voyait pas en quoi ces dessins, qui sont des caricatures, étaient choquants. Nous avons sans doute commis une erreur en acceptant de la publier. »

« On peut se demander pourquoi l’éditeur a quand même publié l’album alors qu’il ne semblait pas satisfait. Refuser d’éditer ce Spirou aurait été à perte, mais cela aurait évité une grosse polémique »,souligne Lloyd Chéry, rédacteur en chef adjoint de Métal hurlant, un magazine de référence sur l’univers de la BD.

Peu de remise en question

Auprès de Mediapart, le dessinateur alterne aujourd’hui entre excuses et justifications. « S’il faut retenir quelque chose, c’est que je suis désolé si j’ai pu blesser certaines personnes, africaines ou pas [sic]», insiste celui qui se dit « interloqué » par les réactions. « J’ai peut-être un peu forcé la main, peut-être que j’ai fait une erreur… Cela dit, l’album est sorti en septembre 2023, jusqu’ici, je n’ai eu aucune critique. » 

Dany défend la « caricature » qui, « par définition, consiste à forcer le trait ». Et d’expliquer un raisonnement à faire s’évanouir des militants antiracistes : « Il est évident que la plupart des Africains, enfin presque tous d’ailleurs, ont des lèvres plus épaisses, plus grosses que les Blancs, c’est un fait. Ça fait partie de la caricature. »

Il mentionne ensuite les protagonistes blancs, qu’il considère également avoir « caricaturé » : « Il y en a un qui ressemble à Trump, ce n’est pas particulièrement gentil non plus… Et puis à ce moment-là, j’aurais aussi dû refaire le nez de Fantasio aussi ? », ajoute-t-il à propos de l’acolyte de Spirou.

Il admet toutefois : « J’aurais dû faire gaffe à ne pas dessiner les Noirs comme dans les années 1960 ou 1980, c’est sans doute vrai [...], mais je voulais me rapprocher de l’univers de Spirou. Mon modèle absolu, c’est Franquin, c’est le genre de dessins qu’il faisait. J’en suis vraiment désolé et je voudrais présenter toutes mes excuses à ceux que j’aurais pu blesser, car c’est totalement involontaire. J’ai peut-être beaucoup de défauts, mais je ne suis pas raciste, ça, c’est certain. »

Un blog qui en dit long

Sur le blog professionnel de Dany, on retrouve pourtant une autre publication, preuve d’une inclination à déshumaniser les personnes noires, qui n’est pas propre à la BD de Spirou. Le dessin montre, d’un côté, les deux personnages blancs créés par Dany, le fameux Olivier Rameau et son amie, s’opposer à un groupe de cinq personnes racisées. « Ça ne va pas être facile de les intégrer, ces deux-là », soupire un protagoniste noir aux airs de singe, avec de grandes oreilles, une grande bouche, un « museau » brun, entouré d’autres personnages racisés. Comme si les personnes blanches, devenues minoritaires, étaient victimes de discriminations, dans une sorte de mise en abyme de la théorie raciste du « grand remplacement ».

Le blog regorge également de dessins de femmes nues ou hypersexualisées, comme c’est le cas dans Spirou et la Gorgone bleue. Une autre planche, signée Dany et Tibet, montre un homme qui tabasse une travailleuse du sexe. 

« Quand on fait un tour sur le blog de Dany, on se rend bien compte qu’il ne s’agit pas d’une erreur de jeunesse, mais d’une prise de position politique dont il est coutumier, remarque Seumboy, créateur et animateur du site de vulgarisation de l’histoire coloniale Histoires Crépues. Le message qu’il essaye de délivrer, c’est que les personnes noires prennent trop de pouvoir aux États-Unis et que si l’on n’y prend pas garde, la société multiculturaliste américaine va arriver chez nous en Europe. »

Aux origines de l’esthétique coloniale de la BD franco-belge

Celui que Dany présente comme son modèle, l’iconique dessinateur franco-belge André Franquin, créateur du Marsupilami et illustrateur régulier des aventures de Spirou et Fantasio, avait lui-même une façon bien particulière de crayonner les personnages noirs.

Dans Spirou chez les Pygmées, paru pour la première fois en 1949, l’auteur de BD met en scène des personnages noirs… dont on découvre qu’ils sont en réalité « des bruns qui ne se sont jamais lavés », dixit Spirou, en nettoyant au savon un enfant noir. Une illustration qui préfigurait les spots télés pour détergents qui « lavaient plus blanc que blanc » et qu’on illustrait d’un Africain dont les membres ressortaient du bain dépigmentés. Dans un livre d’entretien, exhumé par le journaliste spécialiste Jérôme Lachasse, Franquin se défendait de tout racisme et expliquait caricaturer les Blancs comme les Noirs. 

Pourtant, dans les dessins de Dany, comme dans ceux de son illustre inspirateur Franquin, les personnages blancs ne sont pas ou peu caricaturés, et souvent dépeints sous les traits d’aventuriers en quête de frissons et d’exotisme, ont des physiques avantageux et diversifiés, quand les personnages noirs sont souvent primitifs et présentent des physiques très homogènes.

« Convoquer cet imaginaire colonial, c’est aussi faire preuve de paresse artistique, déplore Laura Nsafou, écrivaine et bédéiste afroféministe. Là où on va se poser la question de varier les physiques pour les personnages blancs, on va uniformiser le corps noir, sans jamais essayer de rendre compte des différentes carnations ou textures de cheveux. Plutôt que de faire ça, on va reprendre des attributs racistes, rappelant les singes. »

L’histoire de la bande dessinée franco-belge recèle en réalité beaucoup de ces représentations stéréotypées, reprenant l’esthétique coloniale des pubs Banania, donnant aux personnages noirs des traits indiscernables de ceux des primates et les campant dans des rôles secondaires de faire-valoir humoristiques, imbéciles et dociles. Les protagonistes noirs évoluent fréquemment dans des contextes de guerre, d’esclavage ou de ségrégation raciale, et n’occupent que très rarement les rôles principaux. 

L’exemple le plus mémorable reste le numéro de Tintin au Congo, où l’on suit le reporter à houppette déjouant les pièges d’une bande de gangsters qui cherchent à mettre la main sur la production de diamants au Congo. Cette bande dessinée était le reflet de l’esprit paternaliste de la Belgique colonialiste du début des années 1930. Et presque cent ans plus tard, les planches de Hergé continuent de nourrir l’inspiration et les préjugés racistes de bédéistes contemporains. 

Plusieurs spécialistes et acteurs de la bande dessinée relèvent la responsabilité de l’éditeur d’avoir validé, après réunion du comité éditorial, une telle publication. Mais ils saluent la décision rare de retirer des ventes le numéro et invitent à saisir cette occasion pour amorcer une réflexion plus large. « Il est nécessaire que les maisons d’édition de bande dessinée soutiennent d’autres narrations et proposent des récits actuels et respectueux des personnes noires, avec des protagonistes de différentes carnations, qui vivent à Paris, et qui ressemblent aux gens qu’on voit dans la rue et dans le métro », milite Laura Nsafou, elle-même autrice de plusieurs BD qui mettent en scène des personnages racisés. 

Marie Turcan et Yunnes Abzouz

[growingupgerudo]

Hi, I’m very bad with English so I will write this in French because I’m a French so that can make a fact that you have a fan from France

Je voudrais vous dire que moi aussi j’ai perdue quelqu’un de proche.J’ai perdue ma grand-mère il y a presque 1 an et mon père me disait que l’âme du défunt ne va pas directement à l’au-delà mais il passe habituellement 1 mois sur terre cela veut dire que Faith ou Maldreathezora était avec vous et que ce n’est qu’aujourd’hui qu’elle repose en paix même si parfois lorsque la nourriture tombe cela veut dire que le défunt a faim.Ce que je veux dire est que je comprends cette douleur,c’est une terrible déchirure dont certains se font croire qu’elle encore en vie ou tombe dans une tristesse mais on la fait vivre lorsqu’on se rappelle d’elle,ses sages paroles,ses moments avec,ses souvenirs enfin bref tout ce qui a un lien avec elle et même si ça peut faire mal en se rappelant qu’elle n’est plus parmi nous on a toujours l’impression qu’elle est là.Personnellement j’adore son art comme le vôtre et celui de figmentforms et s-kinally.Vous m’avez inspiré à faire mon propre comic et son œuvre <<A new calamity>> va inspirer d’autres et elle a marqué toute la communauté zelda parce que oui il y en a même en France ce que je veux dire qu’au final et que cette douleur est terrible mais après la pluie le beau temps et un avenir radieux arrivera.

Bob Cookies

This is really sweet. <3 My French is limited, but Google Translate was a big help with this. Thank you so much for your thoughtful message. <3

[exhaled-spirals]

« Imaginez les remarques que pourrait faire un observateur. . . de notre espèce, . . . comment elle se transforme, comment elle se consume depuis un siècle environ. Il aurait grand sujet de se divertir à nos dépens en constatant le curieux retournement de nos efforts inventifs contre nous-mêmes. Tandis que nous croyons nous soumettre les forces et les choses, il n'est pas un seul de ces attentats savants contre la nature qui, par voie directe ou indirecte, ne nous soumette, au contraire, un peu plus à elle et ne fasse de nous des esclaves de notre puissance, des êtres d'autant plus incomplets qu'ils sont mieux équipés.

. . . Et ne parlons pas des odeurs, des bruits que vous endurez, des trépidations, des courants de toute fréquence, des nourritures synthétiques, que sais-je ! Et quant à l'intellect, mes amis, quant à la sensibilité. . . on vous soumet l'esprit à une merveilleuse quantité de nouvelles incohérentes par vingt-quatre heures ; vos sens doivent absorber, sans un jour de repos, autant de musique, de peinture, de drogues, de boissons bizarres, de spectacles, de déplacements, de brusques changements d'altitude, de température, d'anxiété politique et économique. . . que toute l'humanité ensemble, au cours de trois siècles, en pouvait absorber jadis !. . . Cependant que la politique aligne nos multitudes, leur fait donner la main ou dresser le poing, les fait marcher au pas, voter, haïr ou aimer ou mourir en cadence, indistinctement, statistiquement.

La machine économique est, au fond, une exagération, une amplification colossale de l'organisme. . . et nous pouvons suspecter. . . qu'il se produira, dans l'âge qui vient, une dépression des valeurs intellectuelles, un abaissement, une décadence comparables à ceux qui se sont produits à la fin de l'antiquité ; la culture à peu près abandonnée, les œuvres devenues incompréhensibles ou détruites. . . toutes choses malheureusement très possibles [si] les moyens de possession et de jouissance, l'incohérence imposée par la fréquence et la facilité des impressions, la vulgarisation immédiate et l'application aux productions, aux évaluations et à la consommation, des fruits de l'esprit, de méthodes industrielles, finissent par altérer les vertus intellectuelles les plus élevées et les plus importantes : l'attention, la puissance méditative et critique, et ce qu'on peut nommer la pensée de grand style. . .

Nous vivons sous le régime perpétuel de la perturbation de nos intelligences. L'intensité, la nouveauté, dans notre époque, sont devenues des qualités, ce qui est un symptôme assez remarquable. Je ne puis croire que ce système soit excellent pour la culture. Sa première conséquence sera de rendre ou inintelligibles ou insupportables toutes les oeuvres du passé qui ont été composées dans les conditions toutes contraires et qui exigent des esprits tout différemment formés. »

— Paul Valéry, "Notre destin et les lettres", conférence donnée le 17 février 1937

[lashifteuselibre]

Laissez la 3D être

Hier, j'ai lu "Le Pouvoir de la Conscience" de Neville Goddard et j'ai pris conscience de ceci :Ramana Maharshi et d'autres occultistes/sages disent exactement la même chose que Neville ! J'ai été soulagée même.Vous êtes la conscience ! Et l'imagination est l'expression de la conscience ! La conscience EST l'imagination ! Toutes choses sont le Soi (Dieu) !

Lorsque j'étais dans mon désir, les doutes ressurgissaient et je me demandais "Quand cela va-t-il arriver ?" etc. Même si je savais, je ne pouvais m'empêcher de douter de mon hypothèse. Je voyais alors la 3D comme quelque chose à combattre.

Alors je me suis posé et j'ai dit : "Biloute, pourquoi te tortures-tu l'esprit ? Sois doux avec toi-même. Ton désir est accompli et laisse la 3D tranquille. Tu sais bien qu'en bloquant le Soi avec l'ego, tu bloques le canal et donc la manifestation.

À chaque fois que le mental revenait perturber ma plénitude, je me posais cette question : "Qui doute ? Qui a peur ?" et je revenais dans le Soi avec le doute parti. C'est une méthode que j'ai trouvée pour cesser les doutes et renforcer ma foi.

Puis, j'ai pris conscience qu'en étant dans le Soi, je laissais la 3D être. Je laissais cela à Dieu car Maya s'occupait bien d'elle-même. De plus, Maître Philippe de Lyon dit en quelque sorte : "Je suis le plus petit des petits et c'est pour cela que Dieu m'exauce tout. Vous, vous êtes trop grands, c'est pour cela que vous n'avez rien."

Ce que je veux dire : ne portez pas le fardeau de la 3D ! Et ayez confiance en le Père qui est en vous ! Laissez couler "la magie" qui est en vous ! Un manque de confiance en vous sur vos désirs les bloque ! La 4D et la 3D sont la même chose ! Vous devez juste faire une chose : Rester fidèle à votre hypothèse et avoir foi en l'invisible et surtout, laisser la 3D tranquille ! Soyez indifférent aux résultats car vous savez que vous l'avez !

À chaque fois que je manifestais involontairement, j'étais indifférente aux résultats, je m'en fichais royalement ! Le lâcher-prise et la foi sont pour moi importants.

Trouvez une affirmation qui résonne en vous et utilisez-la !J'avais lu sur Reddit qu'une personne disait : "Je peux, avec l'intention, faire des voyages astraux et des rêves lucides. Alors pourquoi ne pourrais-je pas voyager avec ma conscience ?" et depuis, elle shift sur commande ! (Car elle avait un esprit très logique).

Moi, je me dis : "Tout est accompli et c'est obligatoire. Par l'intention, je manifeste ma réalité. Et le Père qui est en moi le réalise car il est plus grand que moi et que moi, je ne suis rien." ou de temps en temps : "Tout est possible au Père."

En priant, je manifestais instantanément ma demande. Alors, s'Il l'a fait, pourquoi ne pourrais-je pas shifter en priant ? Vous voyez où je veux en venir ? Vous êtes digne de shifter ! Soyez le Pharaon !

Une autre analogie qui m'a plu : les tableaux.

Vous (la conscience) êtes dans une galerie d'art. Vous savez qu'en regardant une œuvre, vous la manifestez. Cependant, vous SAVEZ que les autres sont là même si vous ne les voyez pas ! Le shift est pareil, les réalitées sont de simples tableaux. Ne donnez pas de pouvoir à la 3D car elle n'a aucune emprise.

[alfaromeofrance]

Alfa Romeo GTV 2.0 V6 Turbo : une icône intemporelle dans l'écrin de Vérone

Rouge éclatant, lignes sculptées et un V6 sous le capot : la Lancia GTV 2.0 V6 Turbo est bien plus qu’une voiture, c’est une œuvre d’art mécanique. Découverte au Salon de Genève en 1995, cette élégante sportive a fait battre le cœur des passionnés d’Alfa Romeo à une époque où la marque renaissait sous l’égide du groupe Fiat. Aujourd’hui, cette GTV, bichonnée par un collectionneur passionné, traverse les rues historiques de Vérone avec une grâce intemporelle, rappelant l’âge d’or de l’automobile italienne.

Une quête de six ans pour une perle rare

Giovanni Farina, alfiste invétéré, a passé six longues années à chercher la GTV parfaite pour compléter sa collection. Résidant à Vérone, il est tombé sur ce joyau : une GTV 2.0 V6 Turbo immatriculée en 1996, arborant une peinture rouge pastelle et affichant seulement 33 000 kilomètres au compteur. Issue d’une concession Alfa Romeo, cette voiture est restée dans un état exceptionnel, presque comme neuve. Depuis son acquisition en 2018, Farina l’a soigneusement préservée, ne parcourant que quelques kilomètres pour maintenir son éclat.

Sous le capot : un chef-d’œuvre technique

Le cœur de cette GTV est son moteur V6 Turbo de 2 litres, une merveille d’ingénierie Alfa Romeo. Avec ses 200 chevaux, il offre une puissance progressive et raffinée, caractéristique des grands moteurs de la marque. Installé transversalement, il occupe chaque centimètre sous le capot, témoignant de l’audace technique de l’époque. Ce moteur se distingue par sa réactivité et son élasticité, procurant une conduite dynamique tout en restant confortable, même à bas régime.

Une expérience de conduite unique

La GTV séduit par ses sensations de conduite immersives. La position basse, les jambes légèrement étendues et les instruments nichés dans un tableau de bord en forme de "cannocchiale" transportent instantanément dans l’univers des grandes sportives italiennes. Farina souligne que cette version turbo est plus vive et plus plaisante que le modèle 3.0 V6, offrant une puissance immédiate et une aisance en conduite urbaine comme sur route sinueuse.

Malgré ses 30 ans, la GTV conserve une agilité remarquable grâce à son châssis bien équilibré et son système de suspension arrière multilink. Ses commandes robustes, bien que légèrement fermes, renforcent le lien entre le conducteur et la machine, un aspect essentiel pour les amateurs de sensations authentiques.

Un design intemporel dans un cadre historique

Le service photo réalisé dans la ville de Vérone met en valeur l’élégance de la GTV. Devant la basilique de San Zeno Maggiore ou avec Castelvecchio en toile de fond, cette Alfa Romeo semble parfaitement à sa place. Ses lignes en coin, signées Pininfarina, et sa teinte rouge éclatante rappellent que l’Italie est autant le berceau de l’art que de l’automobile.

Un hommage à une époque révolue

Avec seulement 33 000 kilomètres et un entretien méticuleux, cette GTV est une véritable capsule temporelle, incarnant l’esprit d’une époque où Alfa Romeo redéfinissait l’élégance et la sportivité. Aujourd’hui, elle ne se contente pas de rappeler le passé : elle continue d’inspirer les passionnés et de susciter l’admiration.

Pour tout amateur d’automobile, cette GTV est bien plus qu’une voiture : elle est une déclaration d’amour au plaisir de conduire, à l’ingénierie italienne et à la passion éternelle pour la route.

[hildegardavon]

Raphaël Delorme, 1885-1962

Une Nymphe et La Naissance de Vénus en arrière-plan, n/d, huile sur isorel, 61x46.7 cm

Private Collection

Considéré comme l’un des chefs de file de l’École de Bordeaux, Raphaël Delorme compte parmi les plus grands maîtres de la peinture Art Déco. S’il participe à de nombreux salons et expositions, tels le Salon d’Automne, le Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts ou encore le Salon des Tuileries, Delorme ne rencontre pas l’adhésion du public, et se vante de n’avoir qu’un seul client, le richissime Mahradjah de Kapurtala. Si cette affirmation bravache est sans doute exagérée, il semble toutefois qu’il ait préféré construire une œuvre, à la fois personnelle et fantasque, sans rechercher de succès commercial. (Christie's)

[aurevoirmonty]

"Thiriart était partisan d’un nationalisme fédéral. Nous trouvons dans ses œuvres un développement du thème de « l’autarcie des grands espaces ». Il parle de la nécessité de créer une grande entité géopolitique centralisée à partir de l’Europe, qui serait économiquement et idéologiquement indépendante."

Daria Platonova Dougina, Une théorie de l’Europe

[yanncavell]

Ci-dessus, des images extraites de sept œuvres appartenant au patrimoine cinématographique français et qui mettent en scène des personnages ficelés et/ou bâillonnés. Références : "Fantomas se déchaîne" (1965), "La Grande Vadrouille" (1966), "Fantomas contre Scotland Yard" (1967), "L'Armée des Ombres" (1969), "Le Cercle rouge" (1970), "La Folie des grandeurs" (1972) et "Les Aventures de Rabbi Jacob" (1973).

[fashionbooksmilano]

160 Ans de Collections

Les trésors du musée des tissus et des Arts décoratifs de Lyon

Marion Falaise, Aziza Gril-Mariotte

Lienart éditions, Paris 2024, Coédité avec le musée des Tissus et des Arts décoratifs de Lyon , 360 pages, 320 illustrations, 25x28,5cm, ISBN 978-2-35906-448-3, Bilingue français / anglais

euro 54,00

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Il y a 160 ans, le musée d’Art et d’Industrie ouvrait ses portes à Lyon, inaugurant en France le concept de musée d’art décoratif, avant de devenir, en 1891, le musée historique des Tissus, puis d’être complété, en 1925, par un second musée, dédié aux arts décoratifs. Depuis, ces collections n’ont cessé de se diversifier, en s’enrichissant des plus belles étoffes de l’Orient et de l’Occident, des soieries de Lyon, et plus récemment de pièces contemporaines. Cet anniversaire est l’occasion de renouveler notre regard sur la plus grande collection de tissus dans le monde et la deuxième plus importante collection d’art décoratif avec un ouvrage bilingue dans lequel près de quatre-vingts auteurs et experts dans leur domaine ont rédigé cent soixante notices qui sont autant de découvertes portées à la connaissance du public. La sélection repose sur des œuvres emblématiques, des redécouvertes lors du déménagement, des coups de cœur que l’équipe du musée a souhaité partager, ainsi que des propositions des spécialistes qui ont rédigé les notices. Le résultat pourra provoquer étonnement, admiration et intérêt, mais ne prétend pas à l’exhaustivité. Pour redécouvrir ces collections, il faudra patienter jusqu’à l’aboutissement de l’ambitieux projet de renaissance, porté par la région Auvergne-Rhône-Alpes, et la réouverture du musée. En attendant, grâce aux nombreux auteurs ayant participé avec enthousiasme à ce projet éditorial, les 160 ans du musée sont l’occasion d’offrir au public un aperçu de l’incroyable richesse et de la grande diversité des collections.

24/01/25

[raisongardee]

"Si la bêtise est l’incapacité de comprendre les choses les plus simples, elle est, au XXe siècle, une catégorie historique. Et le support privilégié de cette bêtise transcendantale est, selon Orwell, la classe intellectuelle. Je ne crois pas qu’il y ait, dans son œuvre des années 1940, un thème plus omniprésent que celui-là. L’intellectuel (et "il faut noter qu’il n’y a désormais plus d’intelligentsia qui ne soit en un sens "de gauche""), c’est - nous répète-t-il – ce manipulateur de signes qui peut à tout moment, par la logique de son activité, déconnecter inconsciemment de l’objectivité sensible […] Seul, par conséquent, un solide sens des limites pourrait garantir que le détour nécessaire par l’abstraction ne fonde pas un envol définitif hors de la réalité matérielle. Or ce sens des limites, garde-fou du penseur, ne peut trouver ses conditions d’existence, c’est la grande idée d’Orwell, que dans la sensibilité morale, dans ce qu’il désigne partout comme la common decency, c’est-à-dire ce sens commun qui nous avertit qu’il y a des choses qui ne se font pas. Si par conséquent l’intelligentsia moderne a, dans son ensemble, rompu avec le réalisme spontané de l’homme ordinaire, c’est fondamentalement parce qu’elle a cessé d’être morale."

Jean-Claude Michéa, Orwell anarchiste tory, 2008.

[hurlumerlu]

Hey! Ça fait très longtemps qu'on s'est pas parlé (je crois que ça remonte aux ateliers d'écriture pendant le COVID aha), mais tu n'arrêtes pas de poster sur THK et ça me donne trop envie de regarder. Tu sais où je peux trouver les épisodes ? (aussi trop bien la petite fic que tu as publiée)

Ouiiii, c'était fort fun, d'ailleurs! Comment ça va? Une des très grandes qualités de The Heart Killers c'est que la séries est disponible gratuitement sur youtube dans la plupart des pays (dont la France). Voilà un lien vers la bande-annonce et un lien vers le premier quart de l'épisode 1 (ils sont postés par quarts). Sinon elle est aussi dispo sur Gagaoolala et Iqiyi. Les six premiers épisodes sont sortis, le septième sort le 8 janvier (pas d'épisode la semaine prochaine, il semblerait). Je ne sais pas si tu as déjà regardé des séries thaïs, mais si ce n'est pas le cas, sache qu'elles sont souvent produites assez vite, pas toujours avec un budget de ouf, et que ça se sent parfois dans le son/montage/scène qui avait besoin d'une autre take. Si tu n'en as jamais regardé ça peut désarçonner un peu, au début. Evidemment je recommande chaudement THK, non seulement je m'éclate mais je pense sincèrement que c'est une très bonne série, mais comme je te vois souvent apprécier des œuvres plutôt léchées, je préfère te prévenir un peu à l'avance. (franchement je trouve thk très sympa visuellement et j'aime beaucoup l'intégration de la bande son mais j'ai vu des gens râler alors je sais pas !) Si jamais tu la regardes, viens m'en parler ! Clairement je ne m'en lasse pas. (et merci ^^)

[au-jardin-de-mon-coeur]

Visite au Musée.....à la découverte du grand peintre Edward Hopper

Edward Hopper est l'une des figures majeures du mouvement réaliste américain, avec des tableaux tels que House by the Railroad (1925) et Nighthawks (1942).

Né en 1882 dans l'État de New York, Edward Hopper intègre la prestigieuse New York School of Art après ses études secondaires. Il s'installe à New York en 1908 où il est engagé comme illustrateur pour des campagnes publicitaires.

Il se lasse rapidement de ce travail et expose des peintures pendant son temps libre. Vers 1915, il peint des scènes de la vie américaine et en 1920, il présente sa première exposition au Whitney Studio Club, qui remporte un grand succès. En 1924, il épouse Josephine Verstille Nivison.

Son style particulier, fait de formes simples et de couleurs plutôt sombres, joue sur les contrastes entre ombre et lumière. Hopper parvient à diversifier son approche réaliste, avec des paysages mis en scène, tantôt urbains, tantôt ruraux. Les personnages qu'il peint inspirent souvent une impression de solitude et d'exclusion. La plupart de ses peintures à l'huile reflètent un pays en pleine mutation économique et sociale. En 1945, Edward Hopper a été admis à l'Académie américaine des arts et des lettres. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le titre de docteur en beaux-arts de l'Art Institute of Chicago en 1955.

Hotel Room (Chambre d'hôtel) de Edward Hopper

"Hotel Room" est une peinture de l'artiste américain Edward Hopper, réalisée en 1931. Cette œuvre représente une chambre d'hôtel vide, avec une fenêtre ouverte laissant entrer la lumière du jour. On peut voir un lit de défait, une chaise et une table de nuit, ainsi qu'un miroir sur le mur. Le sol est recouvert de carreaux blancs et noirs et l'atmosphère générale est celle d'une chambre d'hôtel banale et anonyme.

Hopper a souvent peint des scènes urbaines et des bâtiments commerciaux, et "Hotel Room" est un exemple de son intérêt pour les espaces vides et solitaires. Il a été inspiré par les voyages qu'il a faits dans les années 1920 et 1930, où il a été frappé par l'anonymat et la solitude des hôtels. Il a également été influencé par les écrits de William Dean Howells, qui a décrit les hôtels comme des lieux de solitude et d'isolement.

La lumière joue également un rôle important dans cette peinture. La lumière du jour qui entre par la fenêtre donne à la chambre une atmosphère de transparence et de clarté, mais en même temps elle accentue la solitude de l'espace vide. Hopper a souvent utilisé la lumière pour créer une atmosphère particulière dans ses œuvres, et dans "Hotel Room", elle renforce l'idée de solitude et d'isolement. Cette peinture est considérée comme l'une des œuvres les plus importantes de Hopper en raison de son thème universel de solitude et d'isolement dans un espace public. Il a réussi à capturer l'essence de la vie moderne de manière poignante et à susciter des réflexions sur la nature humaine et sur les relations entre les individus et l'espace qui les entoure.