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elmartillosinmetre · 3 years ago

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Bellos cristales del XVIII español

[El conjunto instrumental de La Guirlande que registró este disco. / PABLO FERNÁNDEZ JUÁREZ]

En su segundo álbum, La Guirlande, el conjunto del flautista Luis Martínez Pueyo, se acerca a músicas ‘a lo divino’ de la España y el México del siglo XVIII

Luis Martínez Pueyo (Zaragoza, 1988) estudió flauta travesera en el Conservatorio Superior de Aragón, pero "siempre había tocado mucho Bach. Cuando terminé el Superior, estuve trabajando en el Conservatorio Municipal de Zaragoza a media jornada. Tenía trabajo, dinero y tiempo para estudiar. Decidí comprarme un traverso barroco. Estuve dos años con una profesora particular en Barcelona. Al tercer año decidí hacer el Máster de la Esmuc".

Luego acabó en uno de los centros más importantes de formación barroca de Europa, la Schola Cantorum de Basilea, donde en 2016 nació La Guirlande. "En realidad, todo empezó unos años antes, en los cursos de Daroca, donde coincidí con el clavecinista Alfonso Sebastián. Hubo muy buena conexión entre los dos y hablamos de montar algo, porque en España tampoco había tantos grupos en los que el traverso sea el centro. Ya en Basilea conocí a mucha gente y el proyecto se fue ampliando".

La vida del conjunto gira en torno a la flauta de su creador y director, "lo cual no significa que no podamos hacer música en la que la flauta no esté. Pero el instrumento vive en el siglo XVIII su época más brillante. Los mejores compositores escriben para él. Con el violín, es el instrumento preferido tanto de amateurs como de profesionales. La cantidad de música escrita para la flauta es enorme. Puedes estar tocando toda la vida, tanto repertorio conocido como recuperando obras desconocidas, y no lo agotas".

En ese inmenso repertorio, la opción escogida por La Guirlande ha sido empezar por el rescate de música española. "Hablando con Joan Boronat, uno de nuestros clavecinistas, vimos que si los propios españoles no apostábamos por el repertorio español nadie lo iba a hacer, y por eso nuestros primeros discos se han enfocado hacia la recuperación del patrimonio musical español, aunque no será siempre. Eso sí, de momento preferimos trabajar en torno a música poco o nada grabada, porque no creo que tenga mucho sentido volver a grabar las Sonatas de flauta de Bach, de las que hay muchas y extraordinarias grabaciones. A lo mejor algún día me apetece hacerlas, pero no es el trabajo que nosotros tenemos que hacer ahora. Tenemos que intentar rescatar repertorio, que hay mucho y muy bueno, y no siempre podemos estar tocando lo mismo".

Su primer disco se tituló Spanish Travelling Virtuosi y está dedicado principalmente a música de solistas españoles que hicieron carrera en el extranjero. Se publicó en el sello Orpheus como Vol.1. "El programa del volumen 2 lo tenemos ya decidido, pero vamos intercalando. En 2022 haremos un programa con música de Dresde, así que es posible que ese segundo volumen lo grabemos en 2023". Entre tanto ha aparecido su segundo disco, esta vez en el sello Vanitas, que se titula Cristal bello y se centra en música vocal española de mediados del siglo XVIII, recuperada tanto de los archivos españoles como del México virreinal. "Lo preparamos con Raúl Angulo y Toni Pons, de Ars Hispana. Ellos tienen un material amplísimo. Cinco de las obras del disco son de recuperación. Hay mucho repertorio español e hispanoamericano con flauta obligada, pero con esta combinación del disco no hay tantas obras más. Si queremos seguir recuperando, tendremos que meternos en obras con dos flautas o introduciendo una viola en el orgánico, pero de todos modos sigue habiendo mucho repertorio perdido por ahí".

Se trata de música "de estilo galante, ya no es exactamente barroco. Predominan las melodías acompañadas por un bajo continuo, melodías muy cantábiles. Hay alguna obra, como Inmenso amor de Jaime Casellas, que tiene reminiscencias españolas, en este caso unas Coplas. Eso también es interesante, que se vea que aún en fecha tardía podían aparecer rasgos de ese carácter de la música española, que era ajena por completo a los italianos".

[La soprano Alicia Amo. / D. S.]

La voz la pone la soprano burgalesa Alicia Amo, "a la que conocía desde hace años, porque habíamos coincidido en algunos sitios. Pero fue en 2019, cuando participé en la grabación para Glossa de la zarzuela de Nebra Vendado es amor, no es ciego, donde Alicia hacia uno de los papeles, cuando le conté el proyecto. Y ella se mostró encantada, porque además también estudió en Basilea y conocía a la mayor parte de la gente". El programa se presentó primero en el FIAS [Festival Internacional de Arte Sacro] madrileño en marzo de 2020 ("creo que fue el último recital antes de que se cerrara todo por la pandemia"), luego pasó por el Festival de Úbeda y Baeza y en 2021 llegó al Femás, "con algunas obras diferentes de las del disco, porque así nos lo pidió el CNDM, que fue quien produjo ese concierto. Esperamos que ahora, una vez el disco empiece a moverse, podamos presentarlo en más sitios: de momento lo haremos en enero en el Festival de Música Antigua de Albacete y seguramente en otro festival, pero aún no lo puedo decir, porque no está confirmado del todo. Ahora mismo, lo que más nos piden sigue siendo el programa del primer disco. Esta también es una producción grande, con ocho músicos, incluyendo a una cantante, y a los programadores les cuesta un poco más".

Pese a la pandemia a La Guirlande no le ha ido mal. "Curiosamente 2020 es el año en que más conciertos hemos hecho. Desde 2020 hasta marzo de 2021, han sido como catorce conciertos por toda España. No hemos parado. Eso sí, ha sido un infierno cada concierto. Te pedían muchos papeles que antes ni existían, no sabías si te iban a cancelar, por que apareciera un brote, que un miembro del grupo diera positivo, además en muchos sitios no te garantizaban que si se cancelaba te fueran a pagar los gastos que ya hubieras hecho… Una tensión enorme y constante. Pero ha habido gente que no ha podido tocar. Así que no nos quejamos. Nos hemos adaptado. Hemos tenido suerte".

[Luis Martínez Pueyo. / PABLO F. JUÁREZ]

Además de La Guirlande, que es su proyecto personal, Luis Martínez toca "con cuatro grupos en Suiza, que me llaman regularmente. Mi idea es alternar. Prefiero esto. Organizar conciertos con mi grupo tanto como colaborar con otros. Me gusta hacerlo, porque suenan muy bien, toco con amigos, y porque cuando tocas con esos grupos, la carga de trabajo es menor. A veces está bien ver el trabajo de forma más relajada. No tener que estar preocupado de la organización. Al final cuando organizas un concierto, la mayor parte del tiempo se va en la propia organización, ni en estudiar, ni en preparar la música ni en tocar tu instrumento. A veces está bien hacer conciertos en los que sólo te tienes que preocupar por la propia música".

Lo más inmediato de La Guirlande pasa por el Día del Pilar: "Tocamos en Zaragoza, en el Auditorio. Luego 23 y 24 estamos en Valencia, en noviembre vamos al Festival de Música Antigua de Ordicia, en enero, como ya le dije, al de Albacete y en marzo tocaremos en la temporada de la Sociedad Filarmónica de Pontevedra. Además organizamos el Festival de Música Antigua de Épila [una localidad a unos 40 km de Zaragoza], pero eso es ya a principios del verano. Y tenemos la grabación con música de Dresde por delante, que será nuestro tercer disco. No hay tiempo para aburrirse".

CRISTAL BELLO EN SPOTIFY

Viajeros y virtuosos

El primer disco de La Guirlande fue registrado en 2019 para el sello Orpheus. Lleva por título Spanish Travelling Virtuosi Vol.1 e incluye obras instrumentales españolas del siglo XVIII, la mayoría de las cuales no se había grabado nunca. La figura principal es la de los hermanos Pla, virtuosos del oboe y de la flauta, dos de los cuales (Juan y José) hicieron carrera en el extranjero (Manuel prefirió quedarse en Madrid). Los Pla buscaron aquellas ciudades donde los conciertos públicos eran ya una realidad consolidada (principalmente, Londres y París) y allí publicaron sus obras, sin que pueda adjudicarse la autoría a uno de los dos con certeza. Las tres sonatas en trío (para flauta, violín y bajo) que aquí se graban fueron publicadas justamente en Londres y París en 1762 y 1759 y presentan ya ese estilo preclásico de naturaleza galante característico del tiempo.

Menos conocido es el violinista alicantino Joaquín Nicolás Ximénez Brufal (1742-1791), quien también frecuentó la capital británica, donde se publicó la Sonata para violín y continuo que aquí se presenta como absoluta novedad. También novedad discográfica es la pieza violonchelística de Giacomo Facco, uno de los múltiples italianos que trabajaron en la corte española (y españolizó su nombre: era conocido como Jaime). Las únicas obras que no fueron novedad en disco es la conocida Corrente italiana de Cabanilles, aquí en interpretación clavecinística a cargo de Joan Boronat, y una pieza para flauta y continuo de un tal Felipe Lluch, obra de extremado virtuosismo para el instrumento, por lo que su autor debió de ser un muy bien dotado flautista, hasta el punto de que algunos lo han identificado con Filippo Ruge, conocido flautista italiano que participó también en la vida musical de París y Londres y algunas de cuyas obras se conservaron en la colección real española.

[Diario de Sevilla. 11-10-2021]

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elmartillosinmetre · 7 years ago

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“La competencia genera actividad para todos”

[Marian Rosa Montagut en Sevilla hace unos días. La foto es de Juan Carlos Vázquez]

Musicóloga y clavecinista, la valenciana Marian Rosa Montagut presenta al frente de su conjunto Harmonia del Parnàs su último disco, una selección de La Dorinda de Corradini

Reconoce que los siete años pasados en el CSIC, sin otra actividad que la investigación musicológica, "fueron maravillosos. Podía ir a los archivos que quisiera, de España y el extranjero. Tengo material de Londres, Cambridge, Roma...". A Marian Rosa Montagut se le ilumina la mirada cuando habla de su pasión por los archivos: "Me gusta pisar el archivo, tener el papel, trabajar con la fuente de forma directa, tengo un ojo clínico desarrollado que me permite descartar sobre la fuente lo que me gusta y lo que no para mi grupo". Su grupo, Harmonia del Parnàs, fue creado entre 2003 y 2004 y presenta en estos días su sexto álbum, una selección de La Dorinda, drama pastoral de Francesco Corradini (c.1690-1769), un compositor veneciano que trabajó en Valencia y Madrid desde 1728 hasta la fecha de su muerte.

-Corradini aparecía también en su disco anterior, Bárbaro. ¿Hay una continuidad entre ambos trabajos? -Claro. En Bárbaro hacíamos obras de dos compositores que coincidieron en Valencia: música sacra de Francisco Hernández Illana y profana de Francesco Corradini. Hernández Illana era maestro de capilla del Real Colegio del Corpus Christi cuando Corradini, que estaba al servicio del príncipe de Campoflorido, se instala en la ciudad en 1728. Después Illana fue llamado a la catedral de Burgos, porque de él se valoraba especialmente el conocimiento de la música moderna, es decir, italiana. En 1730 o 31 Corradini llega a Madrid y se convierte en máximo rival de Nebra en los teatros de la capital. Pero antes, aún en Valencia, había estrenado esta Dorinda. El manuscrito de la obra se encuentra en la Biblioteca Nacional.

-Ofrece una selección de la música, supongo que a causa de restricciones presupuestarias. -En efecto. Nos hubiera gustado grabar la ópera entera y hacer una versión escenificada, pero es una obra en tres actos, que en su totalidad puede irse por encima de las cuatro horas de música; no teníamos medios para afrontar algo así. He seleccionado una serie de arias, las que me parecían más atractivas.

-La crisis ha afectado muy duramente al sector de la música. ¿Se nota en cosas como esta? -Desde luego. Ahora se hacen proyectos muy pequeños. A veces tienes que hacer arreglos de las obras. Yo no estaba acostumbrada. Hemos pasado de hacer música con cuatro solistas, coro y orquesta a conciertos en los que a veces somos cuatro en total. Siguiendo nuestros discos se aprecia claramente: a partir del cuarto CD empezamos a bajar el número de músicos. En los tres últimos trabajamos con dos cantantes y una plantilla instrumental reducida. Y no tenemos más remedio que adaptarnos al repertorio que puede funcionar con esas plantillas. Eso te limita, porque tienes inquietudes que no puedes abordar. A mí me habría encantado retomar el Réquiem de Rabassa que grabamos en su día y creo que es una de sus mejores obras, este año que se cumplen los 250 de su muerte, pero con los medios actuales es prácticamente imposible hacer algo así.

-Aparte de la crisis económica, la competencia es cada vez mayor en España. -Pero eso es buenísimo. Multiplica el trabajo. Genera actividad para todos. Los buenos grupos hacen que haya más conciertos y más festivales aquí, e internacionalmente abre muchas puertas a otros grupos españoles.

-¿En los 13 años de actividad de su grupo ha notado esa llegada de una generación joven de gran nivel? -Yo no hablaría tanto de los más jóvenes, sino de la generación que ahora tiene entre 30 y 40 años, una generación de gente luchadora, que se buscó la vida fuera en condiciones no siempre idóneas, y que ha aportado y sigue aportando muchísimo. Pero lo cierto es que nuestro grupo partió ya con una base buenísima. Siempre trato de buscar los cantantes en función del repertorio, el estilo, pero empezamos ya con un grupo de cantantes estupendos, eso no ha cambiado.

-¿En qué sentido afecta su formación y trabajo musicológicos a la actividad del grupo? -Hay una continuidad en el trabajo, tanto de conciertos como discográfica. Si coge los discos, ve que empezamos haciendo música de José Escorihuela, un autor que trabajé en mi tesis doctoral y que tenía muchos villancicos en la catedral de Tortosa; trabajamos sobre la festividad de la Virgen de la Cinta, que era la principal fiesta de la ciudad. En ese disco incluimos un villancico de José Pradas a la Virgen de la Cinta. Después hicimos un monográfico de Pradas y luego nos acercamos a Rabassa (su Requiem), que fue el sucesor de Pradas en la catedral de Valencia. Después continuamos con un disco que tenía obras de Rabassa y de su sucesor en la catedral, Pascual Fuentes. Y de ahí pasamos al archivo del Corpus Christi con Illana y nos metimos por primera vez en la escena con Corradini. Hay siempre un hilo conductor que parte lógicamente de mi trabajo musicológico, porque todo el trabajo de recuperación lo hago yo. A veces cojo trabajo de otros musicólogos, pero incluso en esos casos, me voy a la fuente y la reviso, y cuando la fuente está inaccesible lo repaso todo minuciosamente siguiendo mi criterio. Muchas veces te llevas sorpresas. He encontrado errores musicales básicos que se han ido arrastrando porque una edición estaba mal hecha, y la obra se ha grabado a lo mejor cinco veces por grupos de primer nivel y todas estaban mal. Mire, por ejemplo, el famoso Esperar, sentir, morir de Hidalgo tiene una estructura diferente a aquella con la que se editó. Y el editor lo dice en la introducción de su trabajo, pero parece que nadie lo leyó. Además en esa misma edición el texto está incompleto. Yo lo hice el año pasado con el texto completo. Para mí son satisfacciones enormes, poder llevar a un concierto obras que no se han hecho nunca o no se han hecho nunca como están escritas.

-Ahora que parece que vuelve a estar de moda el debate, ¿qué papel juega en todo esto el concepto de autenticidad? -Es muy sencillo. Vale todo. Uno puede hacer una versión histórica o no. Uno puede hacer lo que quiera, porque se trata de arte, de música, y en esto, el criterio meramente artístico puede tener tanto valor como el histórico. Pero lo que no puede hacer es engañar. Yo sé cuándo estoy haciendo un proyecto con criterios históricos y cuándo no. No puedes ir de purista. Todos nos salimos muchas veces del rigor histórico. Cuando preparo la música veo que hay cosas que no funcionan y tengo que cambiarlas; a veces se trata de errores evidentes de los originales. ¿Los respetamos también?

[Diario de Sevilla. 17-09-2017]

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