#esta muy bien filmada

[teoriaespacial]

bueno, vi lady bird

[berna12ful]

Me he visto The Marvels

Me vi de estreno The Marvels, la última película de Marvel sobre Capitana Marvel, Miss Marvel y Monica rambeau.

Sinceramente, no le tenía ninguna esperanza a esta película, pues Miss Marvel como serie es basura, Capitana Marvel no es de lo mejor que ha hecho marvel que digamos y Monica es un personaje prácticamente nuevo con el cual no se había hecho mucho que digamos con él antes de esto, pero me ha sorprendido para bien.

Me voy a quitar lo malo de encima: La historia es una reverendísima gilipollez. Sin hacer spoilers, todo el plot de la película se basa en que Carol Danvers no es perfecta por que la gente criticó muchísimo que en las anteriores pelis si lo era, pero le han intentado dar tanto la vuelta que queda como una reverenda estúpida cuando se hace cierta revelación al final de la película. Lo que se muestra en los trailers de que sus poderes las unen no sirve para absolutamente nada en la trama, antes de ir a ver la película pensé que sería la manera de forzar a Miss Marvel en toda la movida, pero resulta que la villana tiene algo que la vincula directamente con ella por lo que nooope, no se que coño pinta mas allá de que no quede sin explicación la escena postcreditos de Miss Marvel. La villana es super olvidable y, para mi sorpresa, regocijo y risa, tiene exactamente el mismo plan que los villanos de Space Balls, cosa que me hizo soltar una carcajada en el cine bastante sonora.

Os preguntaréis con todo esto, ¿que coño me ha gustao? Pues todo lo demás, visualmente es la hostia, las escenas de acción son ultra dinámicas y muy bien filmadas, usando el tema de cambiarse cada vez que usan los poderes de manera magistral, al punto de que perdono que en la trama no sirva de nada. Abraza el punto ridículo del mundo comiquero usando un planeta en el que hablan cantando, que no aporta nada pero es super divertido de ver y te echas unas risas. Al usar el tema de cambiarse cuando usan los poderes tienes más escenas de pelea mano a mano sin tanto brillis brillis... Pero claro, Miss Marvel, al contrario que sus compañeras, no está formada militarmente por lo que se tiene que defender con algo... Pues le dan un arma que le queda que ni pintado y las escenas donde la usa están genial hechas.

En definitiva y cerrando un poco mi review, merece bastante la pena la película a pesar de todo lo malo que tiene, aunque sigue siendo una película palomitera, hacedme caso e id a verla.

[noisulivone]

El otro día tenía ganas de ver una película y encontré una interesante en Netflix, As Above, So Below. Es una película de horror que cuenta la historia de una chica obsesionada con rectificar a su padre en la búsqueda de la piedra filosofal, eso la lleva buscar varias pistas por el mundo hasta las catacumbas subterráneas de Paris. Ella y su grupo de acompañantes quedan perdidos en unos túneles claustrofóbicos que los terminan conduciendo hasta el mismo infierno.

Tengo que admitir que al ser una película de poco presupuesto maneja muy bien los detalles, la historia de los personajes y al parecer, realmente fue filmada en las catacumbas debajo de Paris. Aunque al principio la historia es sosa en el intento de explicarte la trama y el personaje principal, con el avance de la misma, poco a poco atan cabos y queda en una trama bastante sólida.

Tal vez lo único estresante es aguantar la superioridad egocéntrica y terca del personaje principal que en ocasiones es super inteligente o super fuerte. Fuera de ello, el final es bastante bueno original, ya que la mayoría de estas películas terminan casi siempre iguales.

Una buena película para los que no son claustrofóbicos y disfrutar un domingo.

[dondeelsolapenascae]

TDT 2023 FDA UNLP

Tp # 1: Generalidades del proyecto. Punto de partida. Primer abordaje.

1_ La idea del proyecto es una serie web de 6 episodios de 25min aprox cada uno, únicamente su guión principalmente. 

El proyecto está situado completamente dentro de la ciudad de Ushuaia y sus alrededores naturales ya sean el parque nacional o distintas locaciones naturales destacadas. Sucede principalmente en exteriores con la excepción de los hogares de los personajes, el cine y un salón de eventos. Se recorren distintas calles y barrios de Ushuaia además de ciertos puntos naturales como Playa Larga y Bahía Golondrina, la serie es, fundamentalmente, un retrato de la ciudad de Ushuaia desde la perspectiva local y en oposición a la perspectiva turística. De ser filmada y producida localmente, ha de tener un presupuesto modesto al ser enfocado en relaciones interpersonales y suceder principalmente en exteriores. 

La serie encaja en la categoría de “slice of life” y “coming of age” siendo una narrativa sobre el adolecer y el encuentro de la identidad de los personajes a medida que pasan por cambios de su vida que los empujan a dejar de ser niños y madurar en algún aspecto. Es una minitrama de conflicto interno y relato coral, teniendo 5 protagonistas distintos. 

Un homenaje a la ciudad en la que crecí, y hacia personas que conocí a lo largo de mi camino dentro de ella; busco capturar las calles donde crecí como una fotografía; y no como esas fotografías editadas para los turistas, sino desde la perspectiva de alguien que está allí todo el año, afectado de la forma única en la que crecer en una isla te entrena a ser. 

Me motiva visibilizar luchas, sobre cómo el machismo está tanto en hombres como mujeres como uno mismo, como la salud mental es algo muy pasado por encima y absolutamente todos sufrimos una cierta melancolía; visibilizar clases medias en ciudades muy lejanas a las urbes primer mundistas de la capital del país, visibilizar una ciudad en decadencia que no se preocupa por sus habitantes. 

Me motiva contar las historias que he vivido y que me han contado, inmortalizarlas acá como este retrato del lugar donde tanto hemos sobrevivido. Me motiva contar esta historia de pequeños momentos mundanos de gente de la isla para, quizás, encontrar otros que la vean y encuentren su experiencia en ella. Lograr un coro de voces con distintos deseos y anhelos todos provenientes del mismo seno.

Ushuaia, un verano como cualquier otro, excepto para un grupo de amigos, quienes están en sus últimas vacaciones antes de su último año de secundaria, buscando su identidad y propósito en este desolado mundo, encontrando anhelo únicamente en la compañía entre ellos a lo largo de drama adolescente tras mambo adolescente. 

Iara, la hermana mayor, de 20 años, en ese quiebre entre ser considerada adulta para algunos, y ser considerada una niña aún para otros, estudia inglés en la ciudad de La Plata y vuelve en los veranos a Ushuaia. Su estilo de moda es bastante alternativo y se tiñe el cabello, lo cual suman a esta idea juvenil, pero su porte es solemne y tranquilo. Pragmática y cariñosa, da siempre más de lo que recibe.

León, el hermano menor, de 16 años, de cabello largo natural y salvaje, de sonrisa picarona y ojos profundos, es callado pero sagaz, sumamente inquieto pues siempre está tratando de arreglar algún objeto tecnológico, editando cosas en la compu o tocando instrumentos.

Octi, de 17 años, tiene una hermanita mucho más chica (7), y viven ellos dos con su madre, Octi es gordito, de cabello corto y ojos negros, se ve bien alternativo, lleno de tatuajes pero también contrastándolo con un amor por el rosa y Hello Kitty, es sensible y rencoroso a la par.

Nahuel, de 16, de rulos largos salvajes, decolorados hace quien sabe cuanto, para nada mantenido, es el más inquieto y energético de todos, anhelando conexión humana por sobre todo, punk como estilo de vida, discutidor por oficio. 

Emma, de 16, cabello castaño lacio y facciones suaves, mala postura y cabeza gacha, prendas que le quedan grandes ocultando su figura, es toda una nerd que siente que no encaja en ningún lado.

Todos estos personajes en sus diferencias y dinámicas entre sí explorarán distintas temáticas a lo largo de la serie, desde identidad de género, como atracción (o falta de atracción) sexual, el deseo sexual y el abuso sexual, la dificultad en la comunicación de las amistades masculinas, la masculinidad tóxica vs una idea de cómo sería una masculinidad positiva, inseguridades afectivas, la soledad, la aislación, la incertidumbre sobre el futuro, la presión sobre el futuro, el apreciar el aquí y el ahora y los momentos de transición, aceptación de uno mismo. 

La serie sería una mezcla entre silencios contemplativos, música que acompaña las travesías y aventuras a través de las calles de Ushuaia, poemas dichos por los personajes, conversaciones duras de tener, miradas que hablan más que cualquier diálogo, son personajes impulsivos que hacen cosas en contra de lo que quieren o les haría bien, con problemas para expresar lo que sienten, y es en esa distancia emocional que se encuentra la cámara. Aumentando los espacios y los paisajes se reducen el tamaño de los personajes, representando su estado aislado en esta enorme isla donde viven. 

2_ 

Ladybird (2017), Dir Greta Gerwig

Skate kitchen (2018), Dir Crystal Moselle 

Palo Alto (2013), Dir Gia Coppola 

Lo que une por común estos tres referentes son que las tres fueron dirigidas y escritas por mujeres, siendo la primera película de ficción de estas directoras, y todas estas pelis encajan dentro de los géneros slice of life/coming of age. 

Ladybird es quizás la que conceptualmente más se asimile a mi búsqueda, pues es un retrato de la ciudad de Sacramento en EEUU desde la perspectiva de una protagonista (también en su último año de secundario) que odia la ciudad y desesperadamente desea irse de allí para vivir en una urbe donde “las cosas suceden, todo el mundo está”, pero inevitablemente tiene un lazo de amor con ese lugar que la vió crecer, y ese aspecto es clave y representativo de lo que quiero lograr con la compleja relación entre amar Ushuaia y a la vez desear irse prontamente.  

Skate Kitchen creo que es un gran referente principalmente audiovisual que captura la juventud y el movimiento y la energía caótica de estos personajes con nada más que tiempo libre y errores por cometer, a la vez que maneja desde un aspecto casi voyeurista las complejidades emocionales y relaciones interpersonales y sexuales entre los personajes, nadie explicita lo que le sucede, nadie sabe procesar lo que le sucede, pero la cámara sabe explicarnos todo lo que los personajes mismos no entienden, y mostrarnos lo atemorizante que es la intimidad con el otro. 

Palo Alto es un gran referente de tono, tenemos personajes adolescentes caóticos que nos ofrecen momentos de quietud y contemplación o sensibilidad y de un momento a otro hay explosiones y tensión y conflicto que nunca se soluciona pero de alguna forma volvemos a esa quietud de esta pequeña ciudad.

3_ Un poema escrito por mi cuando estaba en mi último año de la secundaria:

Al crecer en una isla Donde todos llegan Y todos se van Uno aprende Quiera o no Que nada es para siempre Y que todos se van Sin importar las circunstancias Y al crecer en una isla De transeúntes efímeros Aprende de chico A desprenderse El que no te encariñes Por que vas a tener que decir adiós En un punto u otro Por que todos llegan Y todos se van Y el crecer en una isla Con esta creencia Inserta en nuestros huesos Se crea una desconfianza Un temor a amar, a atarse A algo que sabes que Inevitablemente cruzará el mar Y te dejará atrás Y cuando creces en una isla Donde el desarraigo se enseña Uno piensa que vivirá siempre Viendo a todos quienes van y vienen Y que sufrirá cada separación Pero tal vez no se imagina Que en algún momento También te tocará irte Porque todos llegan Y todos se van

Creo que explicar cómo este poema escrito por mi en mi último año de secundaria funciona como referente sería redundante así que lo dejaremos así. 

Rare fuegian night de Ruben Nievas

Mi padre es un músico fueguino que me ha ayudado a amar el lugar del cual soy y que en su música siempre pone también su orgullo e importancia fueguina, sus paisajes sonoros son tan parte del paisaje de Ushuaia como las montañas para mí. 

4_ Dejo link con el post dentro de este mismo blog con una compilación de los trabajos en los que tuve gran participación a lo largo de la carrera desde primer año hasta el año pasado, estoy bastante orgullosa y encariñada con todos proyectos seleccionados.

5_

[seriesdepelicula]

Mas series del ayer o vintage, hoy es el turno de 𝗟𝗢𝗦𝗧 𝗜𝗡 𝗦𝗣𝗔𝗖𝗘 (𝟭𝟵𝟲𝟱) , bien traducida como 𝗣𝗲𝗿𝗱𝗶𝗱𝗼𝘀 𝗲𝗻 𝗲𝗹 𝗘𝘀𝗽𝗮𝗰𝗶𝗼.Fue una serie de TV de ciencia ficción estadounidense creada y producida por 𝗜𝗿𝘄𝗶𝗻 𝗔𝗹𝗹𝗲𝗻 (gran productor de los 60’ y 70’).La serie sigue las aventuras de una familia pionera de colonos espaciales (los 𝗥𝗢𝗕𝗜𝗡𝗦𝗢𝗡) que luchan por sobrevivir en un universo extraño y a menudo hostil después de que su nave es saboteada y desviada de su curso original cuando se dirigían a ALPHA CENTAURI, aterrizando en un planeta inexplorado donde se enfrentaran a muchos desafíos y peligros.

El show fue emitido durante tres temporadas entre los años 1965 y 1968, a través de 84 capítulos.La primera de ellas fue filmada en blanco y negro (29 capítulos) y el resto a color.

Aunque el concepto original representado en un episodio piloto y que no salió al aire estaba centrado en la familia Robinson, la historia posteriormente se centraría en el Dr. Zachary Smith, interpretado por 𝗝𝗢𝗡𝗔𝗧𝗛𝗔𝗡 𝗛𝗔𝗥𝗥𝗜𝗦.

Vale saber que Smith y el Robot no estuvieron en el capítulo piloto que no salió al aire, ya que la inclusión de sus personajes solo se decidió una vez que la serie fue enviada para la producción.Originalmente descrito como un saboteador completamente malvado y descuidado, Smith se convirtió gradualmente en un personaje problemático, egocéntrico e incompetente que proporcionaba el tono cómico a la serie y que causaba gran parte de los conflictos y las desventuras.

La real causa por la cual la familia se perdía en el espacio no fue una lluvia de meteoritos, sino un sabotaje del doctor, que tenía una presencia no planificada en la nave y que su sabotaje hizo que el robot acelerara la nave en un super impulso, perdiendo de esta manera el rumbo, por lo tanto el Dr. Smith era clave en la historia.

El Dr. John Robinson (𝗚𝗨𝗬 𝗪𝗜𝗟𝗟𝗜𝗔𝗠𝗦 antes EL ZORRO y fallecido en 1986 en Argentina) era el comandante de la expedición y padre de los niños Robinson.Es un astrofísico que también se especializa en geología planetaria aplicada.La Dra. Maureen Robinson (𝗝𝗨𝗡𝗘 𝗟𝗢𝗖𝗞𝗛𝗔𝗥𝗧), la esposa bioquímica de John.Su papel en la serie es a menudo preparar comidas, cuidar el jardín y ayudar con la construcción liviana al mismo tiempo que es la que pone el tono compasivo a las situaciones que se van dando.

Su consejo la mayoría de las veces es lo único que impide que los Robinson abandonen al Dr. Smith después de algunas de sus acciones particularmente atroces, porque considera impensable condenar a cualquier ser humano a una vida de total aislamiento de los de su propia especie.Su condición de médico se menciona solo en el primer episodio.

El Mayor Don West (𝗠𝗔𝗥𝗞 𝗚𝗢𝗗𝗗𝗔𝗥𝗗), es el piloto militar de Júpiter 2, la nave.Es el adversario más acérrimo e intolerante del Dr. Smith. Su interés romántico mutuo por Judy no se desarrolló más allá de los primeros episodios.

Judy Robinson (𝗠𝗔𝗥𝗧𝗔 𝗞𝗥𝗜𝗦𝗧𝗘𝗡) era la hija mayor de los Robinson.Ella tiene aproximadamente 19 años al comienzo de la serie.En el piloto, se la describia con una renombrada carrera en el teatro musical.Su hermana Penny Robinson (𝗔𝗡𝗚𝗘𝗟𝗔 𝗖𝗔𝗥𝗧𝗪𝗥𝗜𝗚𝗛𝗧), era una niña de 11 años muy imaginativa y a quien le encantan los animales y la música clásica.La mayoría de las aventuras de Penny tienen una calidad de cuento de hadas, lo que subraya su inocencia a pesar de tener casi un coeficiente mental de 150 y un interés especial en la zoología.

Will Robinson (𝗕𝗜𝗟𝗟𝗬 𝗠𝗨𝗠𝗬) era el más pequeño de los hermanos y que con 9 años, es un prodigio en electrónica y tecnología informática. A menudo, él es amigo de Smith cuando nadie más lo es.

Will también es el miembro de la familia más cercano al Robot.

Y por supuesto el malvadísimo y carismático Dr. Smith (finalmente el personaje principal), además de cobarde, manipulador, torpe, egoísta y codicioso y otros adjetivos que se magnifican capítulo tras capitulo, también era Doctor en Psicología Ambiental Intergaláctica, experto en cibernética y un agente enemigo.Su principal víctima siempre era el robot, quien tenía una fuerza sobrehumana y poseía un armamento futurista y a menudo mostraba características humanas, como la risa., la tristeza y la burla.

Para concluir fue una serie antológica y de culto y en lo que se refiere a mi particularmente me gustaba (repetida hasta el cansancio por los canales argentinos) y mi puntaje es un 6.5/10.

[doc-jota]

Las mejores películas de 2022.

Estrenadas en España durante 2022. Debido a sus pases marginales en cines me he quedado sin ver Close ( que muy posiblemente hubiese entrado aquí, ya editaré cuando la vea, recemos a la sagrada torrentería para que sea pronto ), Eo, Girasoles Silvestres, La Consagración De La Primavera, La Maternal, Un dia una noche y El Agua. 18 películas + 2 documentales.

1. The Batman

Está a la altura de The Dark Knight. Bebe de los cómics y los videojuegos de Arkham más que ninguna otra, la versión más realista y oscura, noir detectivesco, corrupción, mafia, un Bruce/Batman distinto, más novato, antisocial, retraído, al que le da igual todo y está absorbido totalmente por su lado de vigilante abandonando a Bruce y sus relaciones sociales. A diferencia de las de Nolan aquí no hay tanta épica y no tira tanto de la acción, que la hay, pero no la necesita para funcionar porque tiene otro tono. No es perfecta, se podría haber recortado metraje y hacer un guión más pulido, la relación romántica está forzada y me chirría, aunque ni se me hizo pesada ni le veo relleno. The Dark Knight en este aspecto creo que funciona mejor, más potente. Interpretaciones no destacaría ninguna, no veo ningún papelón, Paul Dano quizás pero aparece poco, creo que todos sirven bien a la historia y que el film es lo principal. Pattinson me gusta mucho por lo distinto que es, en la línea carapalo del Gosling de Drive, pero el personaje está escrito así, nada que discrepar con eso, sigo prefiriendo la versión mas comic de Battfleck que tiene más carisma pero es muy auténtico este Bruce taciturno y poco equilibrado y me gusta más que el de Christian Bale. Podemos ver la Gotham más equilibrada, ni tan normcore como la de Nolan ni tan barroca como la de Burton, aunque me hubiese gustado más toque gótico como en los juegos de Arkham. En fin, increíble. Trilogia de esto por favor, parte 2 con liada en Arkham y Corte de los Buhos para la 3, y Robin ya por pedir. A tope con la visión de Matt Reeves. 8/10

2. Mantícora

Otra voladura de cabeza de Carlos Vermut, vuelve a explorar los rincones oscuros del ser humano pero esta vez llevándolo al extremo más incómodo posible. Es valiente, provocadora desde lo sutil ( al contrario que Blonde ) y hace uno de los estudios de personaje más perturbadores y complejos que se han visto en el cine reciente. Mira que hay pelis que han tratado este tema pero nunca había visto algo así con este enfoque en el monstruo, lleno de metáforas de un lirismo perturbador y juegos y referencias entre las líneas de su guión que lo convierten en el mejor del año. Clásico instantáneo. 8/10

3. La Peor Persona del Mundo

Otra removida intensa made in Trier, de esas que te dejan un poso que te acompaña para siempre, un film generacional. Bellamente filmada y con una elección música exquisita ( empieza con el I Love Music de Ahmad Jamal ). La mejor de Joachim. 8/10

4. Aftersun 

Me dejó hecho mierda. El recuerdo de una hija sobre unas vacaciones que pasó con su padre cuando era pequeña. La manera en que se va desvelando el por qué de esa melancolía es magistral, sutil, con estilo y sin ser explícito. Gran debut de Charlotte Wells. Joya. 7,5/10

5. Armageddon Time

Una maravilla, top 3 James Gray, relato melancólico sobre su infancia de prisma político-social. De nuevo habla de la familia y toca el racismo, clasismo, meritocracia y mantiene ese aroma clásico y elegante que caracteriza al cineasta. 7,5/10

6. After Yang  

Otro trallazo poético de Kogonada directo al corazón, un film bello sobre la pérdida, el duelo, los recuerdos y la nostalgia, un vehículo de emociones. O conectas y te parece una joya o te puede llegar a aburrir, avisados estáis. Joyita. 7,5/10

7. Blonde

Que heavy es 'Blonde'. Biopic inusual, un drama psicológico que bebe de Mullholland Drive lleno de oscuridad, truculencia, miseria y sexo. Quizás se pasa de rosca y busca ser polémico con invents y conspiranoias pero a mí me ha convencido. Ana de Armas se consagra como estrella, la atmósfera que crea la OST de Nick Cave y Warren Ellis y la fotografía es increíble. Otro muy buen film de Dominik. No es perfecta, retrato demasiado unidimensional, todo es misery porn y le sobran unos minutos, pero es cine del bueno. De culto instantáneo. 7/10

8. Licorice Pizza

Es la 'Erase Una Vez En Hollywood' de PTA, una historia con aires de ensoñación que se recrea en 1 momento y 1 lugar. Estructura anárquica hecha a base de retazos con unos Cooper Hoffman y Alana Haim colosales y encantadores derrochando carisma, son el alma. Esperaba que me gustase más, es esa narrativa de pinceladas lo que no me funciona del todo, hay pasajes que se me hacen bola y en los que desconecté algo y otros que son un puntazo. PTA filma en modo Dios, pero no es un clásico. 7/10

9. The Lost Daughter

Buenísimo el debut de Maggie Gyllenhaal como guionista y directora. Drama psicológico sobre la maternidad que incomoda y te mantiene en tensión, filmado con buen pulso narrativo y unas colosales Olivia Colman y Dakota Johnson ( su mejor papel ). 7/10

10. Les Olympiades ( Paris Distrito 13 )

Me ha gustado mucho, 3 personas solas que intentan encontrar su sitio. Suena a topicazo millenial pero creedme, merece la pena y Lucie Zhang derrocha carisma, gran descubrimiento el de esta actriz. Comfort movie. 7/10

11. As Bestas

Sorogoyen y Peña vuelven a entregar otro film notable, aún habiendo visto Santoalla antes me ha fascinado igualmente. Culpa de ello la tiene su gran guión y sus sobresalientes interpretaciones con Denis Menochet y Luis Zahera en cabeza. No me parece la mejor del cineasta ( El Reino ) e incluso 'Stockholm' me gusta más que esta, el tramo final después de ESO me hace bajarle la nota porque se pierde interés y tensión, aunque entiendo que no pudiese recortar más. 7/10

12. The Stranger

Había visto críticas tibias pero me ha parecido un peliculón. Thriller oscuro y sobrio de atmósfera cargada y personajes taciturnos del que es mejor no saber ni la sinopsis porque a los 20 minutos tienes un girito. Play y a disfrutar. 7/10

13. Old Henry

Es uno de los mejores (post) westerns que he visto. Sobrio, simple y perfectamente ejecutado, sin artificios y con un giro final en forma de what if que te vuela la cabeza. 7/10

14. The Innocents

Es un brutal relato de niños creepy con poderes desde la óptica del thriller psicológico con tinte social, muy en la línea de Dejame Entrar o Thelma ( su director Eskil Vogt es el guionista de confianza de Joachim Trier ). 7/10

15. Red Rocket

Empezó haciendo ruido y se fue desinflando hasta la nada pero merece mayor reconocimiento. Es otro film interesante de outkasts de la América profunda de los que le gustan a Sean Baker y podría entrar en un ciclo con American Honey, Zola o Spring Breakers. 6,5/10

16. The Northman 

Es la mejor y más accesible película de Eggers. Cruda, violenta y ruda, con cosas que me han recordado a NWR. Lo peor como siempre el guión, simple y de personajes planos, pero lo compensa con una cinematografía increíble. Que le quiten siempre el final cut. 6,5/10

17. C' Mon C'Mon

Film simple, emotivo y humano. Quizás quería que me gustase más pero he conectado con la propuesta. Joaquin Phoenix haciendo de persona normal ( ya era hora ) cuidando de su sobrino (se roba el show) unos días y teniendo conversaciones reflexivas. 6,5/10

18. Cha Cha Real Smooth 

Dramedia agradable y simpática, Cooper Raiff y Dakota Johnson  derrochan carisma. El guión tiene problemas al final y eso se nota, no sabe bien como cerrar. Recomendable feel good movie.6,5/10

19. Val

Se estrenó a finales de 2021 but fuck it, quería dejarlo aquí. Vaya maravilla, está hecho con sensibilidad y buen gusto, reflexiona sobre la (su) vida y el paso del tiempo a través de footage grabado por él. Conmovedor e inspirador, me voló la cabeza que ya siendo una estrella se grabase para audicionar por los papeles que quería y entregase la cinta en mano a los directores grandes ( Scorsese, Kubrick etc ). Así consiguió ser Jim Morrison pero los demás lo rechazaron. Humildad y hustle. Una joya. Que tío más auténtico Val Kilmer. De los mejores documentales sobre cine que he visto. 8/10

20. Girl In The Picture

Una historia poco conocida y que sea fascinante y te atrape es lo que le pido a un true crime y esto te da eso y más. Vaya historión, yisus. A falta de buenas series del género ( quizás un formato sobre explotado ) buenos son documentales como este. 7,5/10

+Bonus de nicho basket. Untold: Operation Flagrant Foul y The Redeem Team son un must.

[bookishnerdlove]

AERDPSF 11

-云舒( yún shū)- Yun Shu, la protagonista femenina –傅然( Fù rán)- Fu Ran, el protagonista masculino de nuestra novela y de la novela original –张大伟( Zhāng Dà wěi)- David Zhang, gerente de Yun Shu –金媛( jīn yuàn)- Jin Yuan, la villana original de la novela original. David Zhang estaba presente cuando Fu Ran entregó el cheque. Para ser honesto, después de conocer a Yun Shu durante muchos años, David Zhang entendió muy bien que esta persona no es progresista. Entonces, al principio, pensó que Yun Shu no aceptaría el cheque de Fu Ran. Pero quién sabía que en realidad lo aceptó sin dudarlo. Después de sentirse sorprendido, rápidamente descubrió por qué lo hizo. ¿Quién puede rechazar despiadadamente a un hombre tan guapo y rico? De hecho, esto fue lo que pensó Yun Shu. También le contó a David Zhang sus pensamientos sobre las citas. David Zhang se sintió muy impotente y solo pudo recordarle a Yun Shu que tomara precauciones para protegerse. Luego... Luego, por supuesto, felizmente comió melón. Independientemente de lo buena que sea su relación, no le afectó comer melones. Por lo tanto, solo después de que él presionó repetidamente a Yun Shu, ella soltó la verdad. …… “En resumen, nada pasó entre nosotros ahora. Todavía somos puros. No es como lo que imaginas.” Así fue como resumió Yun Shu. David Zhang se cubrió la boca con incredulidad y exclamó exageradamente: “Oh, Dios mío. ¿Ambos se acostaron juntos y no pasó nada?” Con los muchos años de experiencia de David Zhang en comer melón, podía garantizar que los dos definitivamente no eran tan simples. Al menos, no era como lo que Yun Shu había dicho acerca de que eran "puros". Si fueran realmente puros... Je, je. ¿Se comportará así el Dios Masculino ? Yun Shu puso los ojos en blanco y dijo: "¿Debes recordarme esta dura verdad?" David Zhang también puso los ojos en blanco y respondió: “Originalmente, pensé que eras tan impresionante al ganarte al Dios Masculino. Incluso quería tomar lecciones de ti. Al final... Je, je. Estas dos palabras, “je, je”, fueron muy ingeniosas. Yun Shu se sintió triste. Se tocó la cara y miró su pecho que era como el mar rugiente. No pudo aceptar que ella y Fu Ran pasaron una noche juntos y que seguían tan puros como siempre. Yun Shu dejó escapar un suspiro. Su vida es tan amarga. En su vida actual y anterior, no podía experimentar un placer impuro. David Zhang, “…” Sintió que era mejor para él no preguntarle qué estaba pensando. No mucho después de que Yun Shu terminara de actuar en una escena, le dijo a David Zhang que quería descansar un rato. ��ltimamente no había mucho trabajo. Después de que ella aceptó el cheque de Fu Ran, David Zhang redujo voluntariamente una gran cantidad de trabajo para ella después de que la secretaria de Fu Ran se lo insinuara. ¿En cuanto a la empresa? No te preocupes. Después de que se difundió la noticia ayer, los ejecutivos de la compañía desearon poder poner a Yun Shu en un pedestal. ¿Quién deja que los antecedentes de su empresa no sean lo suficientemente profundos? Y están muy necesitados de un sugar daddy. Por lo tanto, después de que Yun Shu salió de la editorial de la revista, se dio cuenta de que parecía no tener trabajo hoy. Tampoco había nada programado para mañana y pasado. En cuanto al equipo de filmación, casi había terminado de filmar sus escenas. La mayoría de sus escenas ya fueron filmadas. Solo que un actor aún no se había unido al equipo de filmación. Ella y él todavía tenían dos escenas juntos… Ay . ¡Puede irse a casa y disfrutar al máximo de ser un pescado salado ! Yun Shu le dijo a David Zhang que se fuera a casa. En el camino de regreso, recordó algo y le pidió que se desviara al supermercado. Yun Shu pensó. Como su sugar daddy está tan entusiasmado con su cocina, debería aprovechar estos días libres para hacer algo de comida para rendir homenaje a su sugar daddy. Oh, ella simplemente lo tratará como una práctica antes del día acordado. Los pensamientos del disfrazado Yun Shu vagaron mientras paseaba por el supermercado. Sin embargo, chocó con alguien mientras no estaba prestando atención. "Lo siento lo siento…." Yun Shu se topó con un encargado del supermercado que estaba trabajando. Su espalda estaba frente a Yun Shu, y no fue porque no miró en su dirección que chocó con la otra persona y dispersó las cosas en la mano de la otra persona. Afortunadamente, no era un artículo frágil. De lo contrario, sería aún más problemático. A esa persona no le importó y le dijo a Yun Shu, que estaba recogiendo los artículos: “Está bien. Lo haré yo misma.” Cuando Yun Shu levantó la vista, se sorprendió al ver el rostro de la otra persona. "¿Jin Yuan?" Probablemente sugiere que su pecho era curvilíneo y grande. Atrás Novelas Menú Siguiente   Read the full article

[biodiversidadenaccion]

Historias reales del lado oscuro del cautiverio

Desde que se lanzó esta campaña, hemos estado hablando mucho sobre lo oscuro que es el cautiverio para las ballenas y los delfines. Pero no importa cuántas publicaciones en las redes sociales le den «me gusta», o incluso cuántos artículos científicos lea, nada lo hace sentir mejor que presenciar el impacto que ha tenido el cautiverio en la salud mental de las ballenas y delfines reales.

Ya hemos compartido un vídeo corto sobre Kiska, una orca filmada golpeándose contra el costado de su tanque y colgando inmóvil en una esquina. 

¿Cómo puede alguien ver eso y abogar por que el cautiverio sea algo necesario o positivo?

No hay cautiverio necesario y positivo

Lamentablemente, la historia de Kiska es solo una de las alrededor de 3.600 historias de ballenas y delfines que viven vidas empobrecidas, confinados en un tanque y negados lo que realmente significa ser una ballena o un delfín.

Realmente no tienes que ir muy lejos para encontrar ejemplos que muestren el verdadero horror del cautiverio.

Debemos hacer que esta generación de ballenas y delfines en cautiverio sea la última, y ​​necesitamos contar sus historias para descubrir el lado oscuro del cautiverio. 

Ver un espectáculo de orcas o tomarse una selfie con un delfín ‘sonriente’ en una experiencia de nado con delfines puede ser una experiencia de la lista de deseos para algunos, pero para la orca y el delfín, es mucho más oscuro.

Las empresas de vacaciones alimentan esta crisis de salud mental de ballenas y delfines al promocionar estas «atracciones» entre sus clientes. 

Hemos estado haciendo campaña con éxito para persuadir a todos los operadores turísticos dejen de perpetuar la crueldad del cautiverio.

Está funcionando. Ya se logró torcer y persuadir a grandes emprendimientos como Virgin Holidays, British Airways, Thomas Cook, TripAdvisor y Booking.com para que dejen de vender boletos para las atracciones de ballenas y delfines en cautiverio y Expedia hizo lo mismo el año pasado.

TUI es la compañía de viajes más grande del mundo y sabemos que están revisando sus políticas sobre ballenas y delfines en cautiverio. 

Pueden jugar un papel importante en hacer que esta generación de ballenas y delfines cautivos sea la última. 

Si está en tus manos, haz algo para alentar a todo tu entorno a promover esta iniciativa y ojalá TUI pueda hacer lo correcto y comprométase a trabajar solo con atracciones que se comprometan con el modelo ético de eliminación gradual de WDC de no actuaciones, reproducción, capturas, comercio y mejores condiciones de bienestar para quienes permanecen en los tanques.

Expertos en comportamiento y bienestar animal lo afirman: este tipo de práctica no es positiva ni educativa para ellos ni para nadie

No existe el cautiverio positivo ni educativo en orcas, ballenas y delfines, y esta afirmación ha sido confirmada por expertos en comportamiento animal y bienestar animal. 

Si bien es cierto que estos animales pueden aprender trucos y comportamientos específicos mientras están en cautiverio, no se puede afirmar que este tipo de práctica sea educativa o positiva para ellos, menos para los niños o las personas en general. 

Para entender mejor por qué el cautiverio no es beneficioso para orcas, ballenas y delfines, es necesario considerar su comportamiento natural y el ambiente en el que normalmente habitan. 

Estos animales son conocidos por ser criaturas altamente inteligentes y sociales, y su vida en la naturaleza implica viajes largos y complejos en busca de alimento, interacción con otros miembros de su especie y una comunicación sofisticada a través de sonidos y movimientos. 

En contraste, el cautiverio limita su espacio, su capacidad de comunicarse y su acceso a estímulos naturales.

Pueden ser recogidas para cuidarlas si están heridas pero hay que lograr que vuelvan a su hábitat natural por el medio que sea y no enseñarle trucos para armar un show que sea un negocio rentable. Es vil y cruel esa actitud y mucho más la justificación ambientalista de esta cuestión como trasfondo. 

Además, el estrés y la frustración que pueden experimentar las orcas, ballenas y delfines en cautiverio pueden generar consecuencias graves para su salud y bienestar.

En muchos casos, estos animales son obligados a vivir en espacios pequeños y poco profundos, lo que puede provocar problemas físicos como heridas y enfermedades. También pueden sufrir problemas emocionales como depresión, ansiedad y comportamientos repetitivos, lo que indica un sufrimiento psicológico significativo.

Por otro lado, algunos argumentan que el cautiverio puede ser beneficioso para la educación y la investigación científica.

Sin embargo, estas afirmaciones han sido cuestionadas por expertos en bienestar animal, quienes afirman que existen alternativas éticas y efectivas para realizar investigación y educación sin comprometer el bienestar de los animales.

Por ejemplo, se pueden utilizar tecnologías de observación remota y no invasivas para estudiar su comportamiento y se pueden crear simulaciones en 3D para educar a las personas sobre la vida de estos animales.

Así, el cautiverio no puede considerarse una práctica positiva ni educativa para orcas, ballenas y delfines, lobos marinos y otras especies marítimas. 

La evidencia científica y el bienestar animal indican que estos animales sufren significativamente cuando se les mantiene en cautiverio y se les priva de su ambiente natural y su comportamiento social complejo. Es necesario trabajar en alternativas éticas y efectivas que permitan a estos animales vivir en su entorno natural y ser estudiados e investigados de forma no invasiva y respetuosa.

Originally published at http://accionbiodiversidadblog.com/ on March 13, 2023.

[miguelmarias]

La mirada de Otto Preminger

El olvido 

El reciente paso por Madrid, Sevilla y Barcelona de Otto Preminger, aunque desde luego menos furtivo que el de Samuel Fuller —a quien, por lo visto, no logró ver nadie que supiese qué preguntarle—, no parece haber contribuido en lo más mínimo a disipar los malentendidos que en torno a su persona y, sobre todo, acerca de su personalidad como cineasta, se habían extendido por el mundo y, en versión simplista, en nuestro país a principios de los años 60, justamente antes de que una maniobra de los Cahiers du Cinéma —por aquel entonces interesadamente empeñados en promocionar los «nuevos cines» que surgían, como hongos o como chinches, en todos los países; cuanto más pobres, tercermundistas y carentes de tradición cinematográfica, mejor también— hiciese de Preminger—con Vincente Minnelli y algún otro que no había llegado a ser «intocable» como Hawks y Hitchcock— el objetivo a combatir, precisamente por lo que de claridad de exposición, de dominio narrativo y de esplendor visual tenían. Pronto se sumaron a este ataque las revistas más o menos tributarias —aunque fuese por llevarles la contraria— de los Cahiers, tanto en España o Italia como en Inglaterra o Estados Unidos, volcadas, en su mayor parte, a la desesperada empresa de demostrar que eran más «vanguardistas», primero, y más «izquierdistas», poco después, que la casa matriz o que cualquier órgano de expresión de la competencia. Desde Mayo de 1968 —fenómeno político y sociológico que ha tenido en el cine una influencia comparable a la llegada del sonoro, la disolución de los estudios de Hollywood, la desaparición de la serie B o la irrupción de la Nueva Ola, por razones que no acabo de entender y que merecerían un estudio detenido—, Preminger pasó críticamente «a mejor vida»: borrado de la nómina de los «grandes», definitivamente desterrado del «Panteón», se vio relegado al pasado —Laura (1944), por supuesto— o directamente al olvido, sin que el propio cineasta —sin duda inconsciente de su caída en desgracia, o altivamente indiferente a su fortuna crítica— supiese oponer resistencia: frente a la contundente perfección de obras maestras como Anatomy of a Murder (Anatomía de un asesinato, 1959), Exodus (Éxodo, 1960), Advise & Consent (Tempestad sobre Washington, 1962) o incluso The Cardinal (El cardenal, 1963), no logró ofrecer a sus diezmados seguidores otra plataforma de defensa que las bellezas dispersas (a menudo enturbiadas por un exceso de escoria y sustancias magmáticas) de In Harm's Way (Primera victoria, 1965), Hurry Sundown (La noche deseada, 1966) o Tell Me That You Love Me, Junie Moon (Dime que me amas, Junie Moon, 1969); ni los singulares aciertos de Such Good Friends (Extraña amistad, 1971) —estrenada tardíamente y de incógnito en nuestro país— ni el fracaso total y absoluto de Rosebud (subtitulada Desafío al mundo, 1975)— sin duda la peor película de su autor, aunque tan bien filmada como las demás— causaron ya el menor revuelo, negativo o positivo —pese a que el infantil sionismo de la segunda podría haber dado motivos para indignarse a nuestra «progresía»—, en las aguas dormidas del mar muerto en que se ha convertido la crítica cinematográfica tras el desconcierto que sucedió al imperio de los pescadores en aguas revueltas (que la dominaron entre 1966 y 1975).

Preminger fue siempre, hasta en sus tiempos más gloriosos, un cineasta controvertido, discutido y polémico. No me refiero, claro está, a su reputación —más de productor que de director— en América, donde le confundían con Stanley Kramer y nada sabían, por lo visto, de Fallen Angel (¿Angel o diablo?, 1945), Whirlpool (Vorágine, 1949), Where the Sidewalk Ends (Al borde del peligro, 1950) o Angel Face (1952), sino a su acogida por la crítica europea, divida entre fanáticos de Preminger —que iban de Présence du Cinéma, pues era uno de los componentes del «póker de ases» del Mac-Mahon, a Robin Wood, pasando por Godard, Rivette y Rohmer— y decididos enemigos de su uniforme y equilibrado «clasicismo» y, sobre todo, de su pretendida «objetividad», que se calificaba peyorativamente de «calculadora» y «astuta», cuando no se recurría a conceptos tan poco esclarecedores como la «frialdad» y la «ambigüedad» para tratar de explicar, con entusiasmo o con indignación moralizante, la rara precisión y amplitud de la puesta en escena premingeriana.

Preminger no fue nunca bien entendido, creo yo; por ello tuvo tanta aceptación la decisión de desacreditarle y borrarle del mapa de un plumazo: olvidado, dejaba de constituir un punto de confrontación, una referencia polémica, un problema crítico, un misterio. Hasta sus partidarios se agarraron como a una tabla de salvación a los defectos o las concesiones de La noche deseada para abandonar un barco que se hundía y cuya defensa resultaba cada vez más difícil y comprometedora; eran tiempos en los que no se llevaban las sutilezas ni las distinciones, más propicios a las condenas precipitadas y a los pretextos ideológicos, con lo que más valía olvidarse de Preminger, correr un tupido velo sobre pasadas admiraciones y dejar que el paso del tiempo devolviese las aguas a su cauce. Lo que se aceptaba —o se aplaudía— en Bellocchio o Visconti (pienso en I pugni in tasca o Vaghe stelle dell’Orsa...) se repudiaba en Preminger, porque no había en él ni rabia subjetiva y agresividad ni tampoco elegancia decadente y morbosa; para colmo, su melodrama familiar sureño no llevaba el marchamo prestigioso de un Tennessee Williams o un William Inge, ni cedía a los arrebatos histéricos de un Elia Kazan. Se añoraba —o se fingía añorar, más bien— el intimismo de los thrillers de los años 40 para atacar los grandes frescos espectaculares como Primera victoria —y, retrospectivamente, se trasladaban sus fallos a El cardenal, Tempestad sobre Washington o Éxodo, convertida esta última, súbitamente, en «panfleto sionista», por obra y gracia de la «Guerra de los siete días»—, pero se pasaba por alto un acierto completo, «policiaco-psicológico» e intimista como Bunny Lake Is Missing (El rapto de Bunny Lake, 1965) que es lo mejor que ha hecho Preminger en mucho tiempo, por lo menos hasta The Human Factor (El factor humano, 1979). Naturalmente, nadie se sintió obligado a ver con un mínimo de atención y respeto otras películas, ciertamente imperfectas, pero en absoluto desdeñables, como Dime que me amas, Junie Moon y Extraña amistad, en las que podía apreciarse, con un poco de paciencia y discernimiento, que Preminger seguía siendo, a pesar de todo, uno de los maestros de la puesta en escena cinematográfica, es decir, de un arte en vías de extinción y que hoy parece que nadie sabe ni siquiera qué es... o qué fue. 

El factor humano 

Un hecho sintomático: cuando en la Filmoteca Nacional se pasa un viejo film de cualquiera de los grandes cineastas descubiertos por los Cahiers, de los que los cinéfilos de hace quince o veinte años hemos visto muchas veces, pero la última hace ya muchos años, solemos encontrarnos allí personas que ahora nos vemos muy de tarde en tarde, que en algunos casos se han convertido en directores, que en otros han abandonado la crítica, dispuestos a poner a prueba nuestro entusiasmo de antaño: da más o menos lo mismo que se trate de Vertigo o Marnie de Hitchcock, de The Horse Soldiers, Two Rode Together o The Man Who Shot Liberty Valance de Ford, de Red River o The Big Sky de Hawks, de Distant Drums o The Tall Men de Walsh o incluso de Heller in Pink Tights de Cukor, allí estamos todos de nuevo, o casi todos, y cuando alguna vez fallamos es porque no hemos podido acudir a la cita, no porque no quisiésemos. Con todos aquellos grandes cineastas sucede más o menos lo mismo, con mayor o menor fervor o aprensión... salvo con Preminger: de repente, se proyecta River of No Return (Rio sin retorno, 1954), una película que hace diez años que no se ha podido ver —y, para eso, por televisión, sin Cinemascope y en blanco y negro—, en una copia perfecta y nueva, en V.O., y no hay nadie... pese a que es un film que, aparte de Preminger, contaba con atractivos tan singulares como Robert Mitchum y, sobre todo, Marilyn Monroe. A igualdad de condiciones —comprendo que la V.O. sin subtítulos desanime a algunos—, Preminger suscitaba menos interés que Cukor. Porque, en efecto, ¿para qué arriesgarse a recordar cuán grande era Preminger? Eso podría obligar a revisar sus películas posteriores, a contar con él de nuevo, a seguirle la pista, a prestar atención a El factor humano... y es más cómodo, desde luego, decidir que el cine ha muerto o pertenece al pasado, echar a la basura la década de los 70, o no ocuparse más que de los cineastas de moda —Bertolucci un año, Oshima el siguiente, Fassbinder el otro, Wajda el que viene—, a ser posible jóvenes, en activo, respetables y «de izquierdas» (el escepticismo no se lleva más que como postura, no como ética permanente y vigilante), y mejor cuanto más explícitos sean, cuanto más obvias o proclamadas estén sus intenciones y sus simpatías.

Hoy se pide un cine prefabricado, que no obligue a pensar ni, prácticamente, a mirar; en el límite, películas que no es preciso ver, porque se sabe de antemano de qué tratan —da lo mismo que sea de un terremoto o de las «luchas populares en Italia»—, cómo son, cómo están hechas —en general, de cualquier manera: en el fondo, de la misma— y cuál es su significado —aceptando por tal el que su autor ha declarado en entrevistas y ruedas de prensa—; por eso resultan inasimilables las películas que de verdad escapan a esas características, lo mismo si son «primarias», en bruto, directas como Sauve qui peut (la vie) de Godard que si son, por el contrario, modestas, sutiles y elaboradas... como El factor humano de Preminger.

No es que se parezcan en nada, salvo en su falta de pretensiones, en su discreción y en su claridad narrativa, pero en cuanto vi el último film de Preminger pensé que le esperaba la misma acogida crítica que se le dispensó a The River's Edge (Al borde del río, 1957) de Allan Dwan cuando, con diez años de retraso, se estrenó en España. He aquí un film todavía más anónimo y menos llamativo que sus personajes, que no trata de imponerse al espectador, que prescinde olímpicamente de todo tour de force o morceau de bravoure, que aspira a la nitidez y la amplitud, a la evidencia y al orden, y que se niega a subrayar cualquier cosa o a expresar con palabras lo que puede deducirse de sus imágenes o de la observación de la conducta de sus personajes.

Acostumbrados al gratuito intervencionismo de la mayoría de los individuos que hoy dirigen películas, perdido el contacto con toda forma de clasicismo que no pertenezca al pasado —y que se mire, por tanto, con visión retrospectiva, a veces historicista incluso— o que no sea un simple remedo —no llegan a más los jóvenes cineastas americanos, a menudo estimables, que podrían calificarse de clasicistas o neo-clásicos, de Pakula a Woody Allen pasando por Schrader, Cimino, Malick o Bogdanovich—, no es raro que la mayor parte de los espectadores habituales de «modernos» como Fassbinder y «tradicionales» como Schlöndorff no sepan qué hacer hoy con el impecable clasicismo de El factor humano, film del que, efectivamente, nada hay que decir, porque nada en él es nuevo —aunque actualmente se haya hecho desusado e inhabitual— ni requiere explicaciones; todo está en el film, y sobran comentarios y aclaraciones innecesarias.

Por eso se abandona rápidamente la transparencia de sus imágenes, la lógica tranquila e implacable de su dramaturgia, el despojamiento de su estructura narrativa, la nada espectacular perfección de los intérpretes —no hay «grandes actuaciones»—, hasta el implícito desdén con que —un poco como el Hitchcock de Topaz (1969)—se pone en evidencia —en vez de denunciarla o protestar airadamente contra ella— la sórdida y fútil manipulación de que son objeto los ciudadanos por parte del Estado —cualquier Estado—, sobre todo si son espías; se abandona tan escurridizo (poco propicio al lucimiento) terreno y se parte en busca de algún asidero externo a la película en sí. En este caso, como tiene un antecedente literario ilustre, y muy leído en España, la atención se desplaza a la sobrevalorada novela de Graham Greene —a mi entender poco innovadora, y muy inferior a cualquiera de la últimas de John Le Carré—; habría que ver cómo se hubiese insultado a Preminger, de haber modificado la novela tanto como suele hacerlo por lo general, pero como resulta que su película es de una extraordinaria fidelidad al argumento y al punto de vista de Greene, no hay más remedio que reprocharle esa misma fidelidad, acusando a Preminger de servilismo, falta de imaginación, excesivo respeto y otras lindezas, y a la película —como no es nada violenta ni espectacular o sensacionalista— de sosa e ilustrativa (esto cuando se celebra a Huston más allá de toda medida, y olvidando la frecuencia con que hasta sus mejores películas son verdaderamente escenificaciones filmadas de un texto preexistente, se trate de un libro o de un guión original).

Pero claro, Preminger ha sido siempre un hombre de visión, no de discurso; de ahí la académica controversia de antaño acerca de si era o no un autor, cuando lo que ha sido siempre, por encima de todo —y casi, incluso, por encima de todos—, es un realizador, un cineasta capaz de encarnar en unos actores unos personajes, de convertir en confrontación dramática cualquier tema, de hacer de cualquier historia narración cinematográfica pura. Y resulta que, pese a los tropiezos, a los errores y a las flaquezas de los últimos años, Preminger es todavía capaz de dar algo que hoy nadie pide ni desea recibir: una lección de puesta en escena. 

La presencia 

Esperar que Preminger pudiese decir ahora —en una entrevista o en una rueda de prensa— algo más de lo poco que siempre ha dicho supondría no conocerle, ni haber leído sus anteriores declaraciones —existe un libro-entrevista, de Gerald Pratley, que demuestra que no es fácil hacerle hablar—, ni entender su forma de hacer cine. Muy «americano» —o americanizado— en eso, Preminger es uno de esos cineastas que nada tienen que decir que no expresen —y mucho mejor— sus películas; tan reacio a considerarse un artista y a las divagaciones teóricas, egocéntricas, reflexivas o generalizadoras como a descender a detalles que calificaría de «meramente técnicos», Preminger se las ha arreglado para confundir y frustrar a sus entrevistadores de ocasión —a los que ha tratado con una tolerancia tan explícita y una cortesía tan «vienesa» que a veces se han tomado por encubiertamente ofensivas, no siempre sin razón—, que no han logrado sacarle nada nuevo.

Si hay secretos, Preminger se los llevará a la tumba —como, por lo demás, todos los cineastas que tendrían algo que enseñar—, y ni siquiera se prestará al juego de fingir —como Hitchcock o Sirk— que nos da algunas recetas caseras; no hay que olvidar, por otra parte, que Preminger ha sido actor —piénsese en su divertidísimo coronel Von Scherbach en Stalag 17 (Traidor en el infierno, 1952) de Billy Wilder—, y que lo sigue siendo... aunque me pareció que era sincero cuando pretendía no acordarse de nada, y creo que era auténtico su asombro ante algunas cosas que a mí me han desconcertado de sus últimas obras y que él no recordaba haber hecho.

De modo que no se espere gran cosa de la entrevista que sigue, porque su lectura resultará decepcionante; es más, debo señalar que he conservado algunas respuestas meramente para dar una idea de sus evasivas o bien porque no todo el mundo ha leído sus anteriores declaraciones y ciertas cosas que yo me sabía de memoria pueden parecer curiosas. Yo acudía a su «suite» del Hotel Ritz de Madrid a las 6 de la tarde del jueves 23 de octubre de 1980, con un magnetófono bajo el brazo y más de 90 preguntas muy concretas sobre toda su carrera en la cabeza; me encontré con que había menos tiempo del previsto inicialmente, por lo que no pude dispararle más que unas 45, buena parte de las cuales no obtuvieron más respuesta que el asentimiento más escéptico, el «puede ser» con que Preminger acepta cualquier crítica o la muralla de olvido que parece haber interpuesto entre sí mismo y todo lo sucedido hace más de medio año. También me encontré con que Preminger, tal vez ya harto de contestar preguntas —casi siempre las mismas, por añadidura—, tendía a convertir mi interrogatorio en una conversación, preguntándome casi tanto como yo a él... todo lo cual, aunque agradable y divertido para mí, no tendría mucho interés para los lectores de Dirigido por...

Preminger tiene 74 años. Parecía cansado, hablaba quedamente y con lentitud —en un inglés muy correcto, pero pronunciado con un terrible acento, inconfundiblemente germánico—, pero mantiene erguida la inteligencia y sus ojos brillan con la misma intensidad penetrante e irónica que antaño. Son ojos que, como los de Picasso, impresionan. Por lo demás, pese a su fama de mal genio, me pareció un hombre simpático y lleno de humor, que sabe lo que se juega si El factor humano fracasa en la taquilla y que todavía está lleno de proyectos para el futuro. Llama la atención un hombre de su edad tan poco nostálgico, tan poco vuelto al pasado, tan proyectado hacia el mañana, y tan poco interesado por su propia figura. Por eso Preminger se me antoja, más que nada, una mirada inteligente dirigida al mundo que le rodea.

 Entrevista 

MIGUEL MARÍAS: Por las que he leído (1), diría que usted suele cambiar muchas cosas de las novelas que lleva al cine: suprime, fusiona o inventa personajes, altera la época o los escenarios, modifica la estructura y la importancia relativa de ciertos temas, elimina o suaviza ciertos "parti pris" ideológicos, etc. En cambio, The Human factor (El factor humano, 1979) es una de las que ha adaptado con mayor fidelidad, tanto a la historia como a su espíritu. ¿Tiene eso algo que ver con que Graham Greene sea amigo suyo (2), con alguna cláusula del contrato de venta de los derechos de autor o, simplemente, le gustaba la novela tal como era, y estaba de acuerdo con su manera de enfocar los temas que aborda? 

OTTO PREMINGER: Graham Greene es amigo mío, pero eso no me ha influido en modo alguno al hacer la película. No era consciente hasta que me lo ha dicho usted de que cambiase tanto los libros en que baso mis películas. Realmente, me sorprende bastante, aunque, si usted me lo dice, debe de ser así. Es posible, pero nunca me planteo esa cuestión cuando hago un film. Cuando compré los derechos de The Human Factor, los compré porque me gustaba la historia y porque, de un modo natural, cuando la leí, de algún modo cristalizó en mí, mentalmente, cómo hacer la película. Y entonces hice la película, con otro escritor, escribiendo el guión y pasando mucho tiempo con Tom Stoppard. Pasábamos dos horas cada día discutiendo, hablando acerca de la escena siguiente. Le dedicamos mucho tiempo y mucho trabajo, pero no sabría decirle si hemos cambiado la novela mucho o poco. 

Parecía una novela difícil de llevar al cine, porque tiene, por un lado, una trama bastante complicada pero con poca acción y, por otro, está muy poco dramatizada y no es nada espectacular. De hecho, aunque algunas cosas están condensadas y presentadas más directamente, al ver la película se va recordando casi toda la novela, sin echar en falta casi nada. Lo único que no me parece del todo necesario, aunque comprendo su función, es el primero de los dos flashbacks, cuya única finalidad consiste en presentar a Cornelius Muller (Joop Doderer) y explicar sus relaciones con Maurice Castle (Nicol Williamson): tal vez podría haber contado con que buena parte del público conociera ya la novela y sabría qué habría sucedido. 

Sí, quizá pudiese contar con que una parte del público hubiese leído la novela, pero no con que todo el público la conociese... o la recordase. En cualquier caso, no puedo explicarle por qué motivo hice ese flashback, porque hace ya demasiado tiempo que escribimos el guión, y que dirigí la película, y no recuerdo ya cuáles eran las razones exactas, aunque desde luego había algunas razones. Pero hace mucho que no he visto la película, y sin duda usted la recuerda mucho mejor que yo. 

¿Le ayudó o dio algún consejo Graham Greene, si no acerca de la adaptación, sobre los actores que eligió para encarnar a sus personajes? 

Greene no tuvo nada que ver con la película. Yo compré la historia e hice la película. Greene no me influyó en ningún sentido. Y no la vio hasta que estuvo completamente terminada; entonces, le invité a verla, la vio y le gustó mucho. 

Los actores me parecieron particularmente adecuados a los personajes de la novela, y pensé que, tratándose de actores ingleses, con los que le supongo menos familiarizado que con los americanos, tal vez Greene o alguien le hubiesen echado una mano. 

Los elegí yo. A todos los conocía, les había visto alguna vez. 

¿Son los actores en que pensó desde el principio o tuvo que sustituir a alguno, por estar ocupado o por cualquier otro motivo? 

Creo que sí son los que quería, aunque no recuerdo ya si había pensado en algún otro que no estuviese libre. Afortunadamente para mí, cuando hago una película y la veo dos o tres veces con público, consigo distanciarme totalmente de ella, y - por así decirlo- me olvido de ella. No puedo decirle tantas cosas acerca de la película como usted, porque, sencillamente, la olvido. Eso me permite no repetirme.  Mire, yo intento siempre evitar imitarme a mí mismo, y de ese modo, cuando empiezo la siguiente película, estoy fresco, puedo empezar desde cero. 

¿Qué tal han funcionado económicamente sus películas recientes? 

¿Cual? 

Ninguna en particular, me refiero a todas las últimas en general, desde The Cardinal (El cardenal, 1963), que en España tuvo un éxito enorme, pero no sé si en otros países... 

Sí, tuvo mucho éxito en todas partes. Exodus (Éxodo, 1960) fue uno de mis mayores éxitos. Mis películas suelen ir bien económicamente. No todas son grandes éxitos, claro, pero tienen el suficiente éxito. 

Entonces, ¿no tiene dificultades financieras para hacer películas? Porque pensé que tal vez se debiera a eso el que últimamente haya hecho menos, cada vez más distanciadas entre sí. En los años 60 hizo ocho, en los 70 solamente tres. 

Eso se debe a que no encontré historias que me gustasen, o a que no conseguí guiones que me satisfacieran plenamente y no hice las películas. Eso ha hecho que pasasen años entre una y otra. 

Pensé que si sus últimas películas no habían funcionado muy bien no tendría el mismo grado de control que en otros tiempos, ni tanta libertad de elección. 

Tengo control absoluto sobre las películas que produzco yo mismo. Hay en mi carrera algunas que no produje, que sólo dirigí, como Porgy and Bess (1958), que produjo Samuel Goldwyn, que había empezado Mamoulian, pero se peleó con Goldwyn y abandonó la película. Goldwyn era un personaje extraño, que siempre estaba poniendo a prueba a la gente, para ver si uno estaba seguro de sí mismo. Y lo único que le importaba era el dinero. Lo que más le gustaba del mundo era el dinero. Pero era un tipo interesante. 

En los cuatro años que separan The Human Factor de su película precedente, Rosebud (1975), ¿qué ha hecho usted? Porque leí acerca de varios proyectos suyos que no ha llegado a realizar...

Seguramente leyó acerca de proyectos que nunca tuve. Puede que tuviese alguno, pero no me acuerdo. 

Por ejemplo, recuerdo uno bastante extraño, sobre un sacerdote corso, sardo o siciliano, no sé, que tenía estigmas... El milagro del padre... 

¿Un cura? ¿Con estigmas? ¿Milagro? No recuerdo nada semejante. Es posible, pero... de verdad, no me acuerdo. 

¿Se ha dedicado últimamente al teatro? 

Bueno, acabo de dirigir una obra en Nueva York, pero sólo el pre-estreno, todavía no hay representaciones. Cuando vuelva, decidiremos si se estrena en Broadway o no. Se titula The Killer Theme. 

Entonces, ¿se ha dedicado exclusivamente a preparar los guiones de sus próximas películas?

Ahora estoy trabajando en el guión de mi próximo film, White Robe, Black Robe, basado en el caso del juez Hugo Black, y que tal vez empiece a rodar dentro de unos meses, si consigo un guión satisfactorio. También estudié otras historias y trabajé en otros guiones, pero no llegué a quedar satisfecho de ellos y los abandoné. 

No sé si estará dispuesto a hablar de sus primeras películas... 

Estoy dispuesto... siempre que me acuerde de ellas. 

¿Puede contarme algo de la primera que hizo en su vida, Die grosse Liebe (1931)? Porque no sé de nadie que la haya visto. 

Es un film que hice en Viena y del que no recuerdo absolutamente nada, francamente, no recuerdo más que a la protagonista, una vieja comedienne, Hansi Niese, que hizo el papel de la madre. El título significa "El gran amor" y se refiere al amor de una madre por su hijo. Pero eso es cuanto recuerdo. 

¿Y por qué hizo la película? 

Porque hacía tiempo que quería dirigir una película. Debe tener presente que, en aquella época, en Viena, en toda Europa, todo el mundo quería ir a América, era como un sueño, y también que casi toda la gente que trabajaba en el teatro quería hacer cine. Era la época de la depresión, y el cine tenía más posibilidades que el teatro. 

Aunque no recuerde gran cosa de sus películas antiguas, hay una cuestión que me gustaría que aclarase definitivamente. El crítico inglés Tom Milne - en su libro sobre Rouben Mamoulian-, y el propio Mamoulian, insisten en que en Laura (1944) se incluyó la parte que él dirigió (durante tres semanas) y pretende que se utilizó su guión técnico... 

No hay ni un solo fotograma suyo. Si quiere, le contaré lo que pasó con Laura. Yo había preparado el guión mientras Mr. Zanuck no estaba en Hollywood. Había tenido una discusión con él justo antes de que se fuese a Nueva York, y cuando volvió me llamó a su despacho -yo estaba bajo contrato con la Fox en aquella época- y me dijo: "El guión está bien, la historia es buena, y puede producir la película, pero nunca dirigirá mientras yo esté en el estudio". Yo estaba bajo contrato, a sueldo del estudio, y él era el jefe, así que, ¿qué podía hacer yo? Así que Mamoulian empezó a dirigir la película. Y Mamoulian hizo un trabajo horrible. Realmente estaba muy mal.  Como Zanuck se había vuelto a ir a Nueva York, yo hablé con sus ayudantes y les pregunté qué iban a hacer. Me dijeron que hiciese parar el rodaje y que enviase a Nueva York todo el material rodado. Se lo dije a Mamoulian, y envió el material a Nueva York. Pero el efecto fue el contrario de lo que él esperaba, porque Zanuck lo vio y lo odió. Claro que me echó a mí la culpa, y dijo a sus ayudantes: "Díganle a Preminger que no pise el plató, y a Mamoulian que puede volver a empezarla desde el principio, sin interferencias". Pero Mamoulian hizo otra vez lo mismo, y cuando Zanuck volvió y lo vio, me llamó a su oficina y me dijo: "Ahora puede dirigirla". Y empecé otra vez, desde el principio, y no utilicé un solo fotograma de lo que había rodado Mamoulian. 

Usó tantas veces a Gene Tierney y a Dana Andrews porque le gustaban ¿o sólo porque eran actores bajo contrato en la Fox y estaban disponibles? Lo digo porque los ha vuelto a usar mucho tiempo después -respectivamente, en Advise & Consent (Tempestad sobre Washington, 1962) y en In Harm's Way (Primera victoria, 1965)-, cosa que no ha hecho con otros que usó a menudo en aquella época, como Linda Darnell, Jeanne Crain o incluso Cornel Wilde... 

Me gustaban para esos papeles. Nunca elegí a nadie simplemente porque estuviese disponible. 

¿Se sentía a gusto en la Fox? ¿Tenía o llegó a tener libertad suficiente? 

Es difícil decirlo. En la Fox, si uno tenía éxito durante la vigencia del contrato, eran muy amables, querían que uno se sintiera feliz, y sabían que para tenerme contento tenían que dejarme libertad, de modo que solían dejarme hacer las películas como quería. A veces, uno no quería hacer una determinada película, y le llamaban y le decían: "Hágame un favor, haga esta película". No te decían: "Haz esto, no hagas lo otro". Uno no era un esclavo de los grandes estudios... si tenía éxito. En cuanto uno hacía una película de éxito, tenía bastante libertad... al menos mientras siguiera teniendo éxito. 

¿No tuvo problemas graves, como que le cortaran las películas o rehiciesen el montaje? Muchos directores los han tenido. 

No. No, nunca.

 En realidad, no recuerdo que usted se haya quejado nunca de este tipo de interferencias, y con su forma de planificar no parece muy fácil alterar el montaje, pues tendrían que quitar escenas enteras y no se entendería nada. 

Eso es cierto, pero no recuerdo que nunca lo intentaran. No he tenido este tipo de problemas. 

Entonces, ¿qué le impulsó a convertirse en productor-director independiente? Si no fue por algún problema particular con una película, ¿es que deseaba hacer cosas que en el estudio no le dejarían hacer, o no con la libertad suficiente? 

Todo el mundo quiere independizarse. La gente sale ahora de las escuelas de cine y quiere ser independiente. Es un bien en sí mismo. Yo siempre quise ser independiente, tener un completo control y hacer lo que quisiese, como y con quien quisiese. Y en cuanto tuve ocasión, al concluir mi contrato con la Fox, lo hice. Y me fue relativamente fácil, y pude mantenerme independiente porque las dos primeras películas que produje tuvieron mucho éxito. No he tenido dificultades para conseguir dinero, así que he podido seguir siendo independiente. 

¿Le gustan sus viejas películas? 

No me acuerdo de ellas, no pienso en ellas. Están hechas, no tengo que ocuparme de ellas. Pienso sólo en la próxima. 

Pero ¿y si vuelve a verlas, por ejemplo, en televisión? Yo acabo de volver a ver River of No Return (Río sin retorno, 1954) y también la otra película que hizo aquel año, Carmen Jones, que sigue siendo una de sus películas que prefiero. ¿Le gusta a usted? 

¿Carmen Jones? Me gusta muchísimo. 

¿Se esfuerza usted por tratar de ver los dos lados de los conflictos y de las personas, o bien se trata de algo natural, inconsciente, que no puede evitar? 

En eso consiste el arte dramático... eso es el drama. Mire, si escribe una novela o un poema, se trata de algo individual, escribe sobre uno mismo, pero si escribe un drama, en mi opinión, y por tanto si hace un film, que es parte del arte dramático, debe mostrar ambos lados, debe presentar las dos posturas... en eso consiste el drama... y dejar que la gente, el público, decida qué es lo que siente, qué es lo que piensa. Eso es lo que intento; no sé si lo consigo. 

Y en la vida real, a diferencia de lo que hace en las películas, ¿ve también las dos caras de las cosas? 

No lo sé. Comprendo que todo el mundo tiene derecho a tener su opinión, y a expresarla. Pero mi vida privada es algo completamente independiente, diferente de mi vida como cineasta. Me dedico a mi mujer, a mis hijos y a mis amigos. Viví en Hollywood durante 17 años, pero llevo viviendo en Nueva York los últimos 22 o 23 años. Prefiero Nueva York. 

¿Qué piensa de la reputación de "frío" que tiene, al menos cool, si no tanto como cold? 

¿Cool? ¿Frío? No sé... 

Siempre se ha dicho, lo mismo como elogio que como reproche, que sus películas eran muy "ambiguas", quizá demasiado, y que su actitud era muy "fría". 

No lo sé. Quizá lo sea. No lo hubiese pensado, pero es posible. No digo que no, pero no se me ocurriría pensarlo. 

¿Cuándo concibió ese peculiar estilo de planificación, con planos y movimientos de cámara muy largos, profundidad de campo, imagen muy nítida en todo momento, etc.? 

Siempre se me pregunta por qué hago así las películas, pero, de verdad, es algo no deliberado. Yo veo así. Ya sé que mis planos son largos, pero muevo la cámara, simplemente, para no perder de vista a los actores, para seguirles a cierta distancia, para acercarme a ellos cuando se mueven, y luego para alejarme de ellos. No es algo pensado, intencionado, sino que me ha salido así, que ha crecido conmigo, que me es natural. 

Parece extrañarle que todo el mundo le pregunte por su forma de planificar, pero yo creo que es lógico, porque la mayoría de los directores tienden a analizar la escena, a fragmentarla en sus componentes dramáticos, a destacar o aislar ciertas cosas en determinados momentos, a dar los puntos de vista de los personajes a través de la posición de la cámara y los cambios de plano, a pensar en las cosas una por una, por separado, más que como parte de un conjunto espacial y temporal continuo, mientras que su estilo puede calificarse de "sintético", y trata de dar una visión más amplia, en bloque, presentando las cosas simultáneamente, y desde un punto de vista - el suyo - exterior a los personajes. ¿Eso es completamente inconsciente? Porque si bien es cierto que la más antigua de sus películas que conozco, Laura, ya tiene ese estilo, lo mismo que la última, The Human Factor, parece extraño que ni siquiera "a posteriori" se haya preguntado usted por qué rueda de esa manera. 

Debe ser una cuestión de carácter. Le aseguro que no es algo que haga deliberadamente, sino que está en mi naturaleza hacer escenas largas. Yo veo así las cosas, al mismo tiempo, no una y luego otra, y trato de dar esa visión. No me pregunto por qué tengo ese estilo; no me llama la atención, y yo no me preocupo por esas cosas. 

No lo parece, pero ¿hace pre-designing de los planos, o story-boards, o algún tipo de dibujos antes de rodar? ¿Utiliza más de una cámara? 

No, no, en absoluto. Nunca. Yo procedo del teatro, y lo que hago, siempre que tengo ocasión, es ensayar. Me gusta mucho hacer ensayar, y si los actores están libres, ensayo con ellos, a veces durante tres o cuatro semanas antes de empezar a rodar, si no antes, de cada escena. Todas las escenas. Así nos conocemos mutuamente, y sé lo que puedo esperar de ellos. 

Pero ¿ensaya con cámara? 

Sin la cámara. Y luego, cuando empiezo a rodar, intento ensayar un poco, porque los actores - no todos ellos- no siempre están disponibles antes del comienzo del rodaje. Pero son ensayos sin cámara. 

Y los movimientos de cámara, ¿los decide en el plató, en el momento de filmar, o los ha planeado de antemano, durante los ensayos, o incluso durante la elaboración del guión? 

En el plató. Siempre en el plató. Cuando escribo o corrijo el guión no pienso en los movimientos de cámara, sino en la historia, el drama, los personajes. En los ensayos me ocupo de los actores. Esto es lo más importante, el guión y los actores. Antes de filmar no puedo decidir dónde voy a poner la cámara, ni tampoco de qué actores debo mantenerme más cerca en cada momento. Ni siquiera durante los ensayos. Sólo durante el rodaje, entonces lo veo, veo si debo acercarme o alejarme de ellos. 

¿Puede explicarme por qué, en dos películas relativamente recientes -Tell Me That You Love Me, Junie Moon (Dime que me amas, Junie Moon, 1969) y Such Good Friends (Extraña amistad, 1971)-, hizo unos planos de pesadillas o alucinaciones subjetivas de los personajes, muy cortos y hasta ópticamente distorsionados? Es algo que nunca había hecho antes, y que ni hubiera podido imaginar que se le ocurriese hacer. 

¿De veras hice eso? No recuerdo tal cosa. ¿Las ha visto bien proyectadas? 

Sí. Y en Junie Moon había planos con filtros o con iluminación rojiza, totalmente irreal. 

Conoce mejor que yo esas películas. Ya le dije que olvido cosas. 

¿Qué pasó con un film que proyectaba hacer hace unos quince años, acerca de un director de cine de Hollywood, y que iba a llamarse Genius? 

Sí, tenía un guión, pero no acababa de gustarme y lo abandoné. 

¿Qué puede decirme de Skidoo (1968), que es la única de las películas que ha hecho desde 1958 que no se ha estrenado en España, y que parece una idea un poco extraña para usted? 

¿Cree usted? Es una comedia. Me gustó y la hice. Tuvo bastante éxito. 

Otra cosa que me intriga de sus últimas obras: ¿por qué en Rosebud sustituyó a Robert Mitchum precisamente por Peter O'Toole? Porque usted ha sido siempre muy cuidadoso en la elección de actores, en el "casting" de sus películas, y no veo la menor semejanza física ni en estilo interpretativo, ni en ningún sentido, entre estos dos actores. 

Mitchum se portó muy mal, y decidió de repente que ya no quería hacer el papel. Así que tuve que sustituirle rápidamente. Le dije: “Si no quiere interpretarlo, váyase a casa. Adiós". Y entonces cogí a O'Toole. Y el hecho de que O'Toole y Mitchum no se parezcan, no sean similares, no tiene importancia, porque O'Toole también podía interpretar ese papel. 

Pero ¿no cambió eso al personaje? 

No. Bueno, siempre cambia un poco si lo interpreta un actor diferente; eso es ya un cambio. Pero el guión es el mismo. Y no cambié el guión. 

¿Ve usted diferencia entre las películas que hacía digamos hacia 1964 y las que ha hecho desde entonces? Gran parte de la crítica y de los aficionados al cine, al menos en Europa, aprecia mucho sus primeras películas, desde Laura hasta Angel Face (1952), es decir, hasta que se convirtió en su propio productor, e incluso las posteriores, hasta Advise & Consent o, a lo sumo, hasta The Cardinal, pero piensa que, desde entonces, su carrera está en decadencia. ¿Cree usted haber cambiado? 

No lo sé. No creo. 

¿Sigue yendo al cine con frecuencia? 

Sí, por supuesto. Veo tantas películas como puedo. Además, tengo en mi casa una sala de proyección, y puedo ver las películas en casa. 

¿Hay algún joven director americano que le pida consejo, o que se sienta próximo a usted? Por ejemplo, creo que Klute (1971) tiene mucho que ver con sus thrillers para la Fox, como Laura, Where the Sidewalks Ends (Al borde del peligro, 1950), o Whirlpool (Vorágine, 1949), y que otro film de Alan J. Pakula, All the President's Men (Todos los hombres del presidente, 1976) tiene cierto parentesco con Advise & Consent... 

Debo decirle, francamente, que aunque he visto películas de Alan Pakula, no sabría decir cuáles, y menos todavía si se parecen algo a mis viejas películas. Yo no pienso en esos términos. Usted es un crítico, recuerda mis películas, encuentra semejanzas. Yo no. Cuando veo una película, me gusta o no me gusta. De All the President's Men no me acuerdo ya, pero cuando la vi no sentí ninguna semejanza. 

¿Está al corriente de la reputación crítica que tienen sus películas en Europa, o ni siquiera le interesa? 

Sí, claro que me interesa; y en Asia, en África, en cualquier sitio. Me interesa mucho que la gente vea mis películas. Naturalmente. Me alegra que en España la gente vaya a ver mis películas... Por cierto, a lo mejor puede decirme si están bien traducidas en España. ¿Ha visto alguna en español? 

Sí, desgraciadamente, casi todas las he visto en español. 

¿Y están bien traducidas? 

No, en general no muy bien. Cuando he visto alguna en español y en inglés solía haber bastante diferencia. A veces, además, era intencionada: se cambiaban los diálogos deliberadamente. Y no era eso lo peor: en Anatomy of a Murder (Anatomía de un asesinato, 1959) cortaron 35 minutos. 

¿Treinta y cinco minutos? Pero, legalmente, no tienen derecho a hacer eso, ¡no pueden hacer eso! 

Pero lo hacían: la censura cortaba todo lo que quería. Y a veces los distribuidores, y los propios cines. En general, los doblajes no son buenos, y más que por la traducción, por el tipo de voces y el tono de los diálogos, que no suelen ser los adecuados. 

Pero yo vi The Human Factor en español y aunque, naturalmente, no entendía nada, me pareció que sonaba bien, que estaban bien las voces de los actores. 

Sí, The Human Factor es de las que están mejor traducidas, y está doblada con bastante cuidado. 

Eso pensé. Parecía muy bien doblada. 

Miguel Marías

Revista “Dirigido por” nº77, noviembre-1980 

1. Laura de Vera Caspary, Bonjour, Tristesse de Françoise Sagan, Anatomy of a Murder de Robert Traver, Exodus de Leon Uris, Advise & Consent de Alien Drury, The Cardinal de Henry Morton Robinson, Bunny Lake is Missing de Evelyn Piper, Tell Me That You Love Me, Junie Moon de Marjorie Kellogg y The Human Factor de Graham Greene. 

2. Además, hizo el guión del film de Preminger inédito en España Saint Joan (1957), basado en la obra teatral de George Bernard Shaw.

[resulta]

Resulta que el otro día lancé una marca de ropa. Lo venía pensando hacía mucho y no me animaba, me cuesta dar un paso cuando no veo bien el destino. La ropa ya la tenía: el año pasado hice medias y remeras. Me acuerdo de que lo primero que me preguntó el fabricante de medias fue: “¿A esto qué marca le ponemos?”. Ninguna, no le pusimos. 

Tampoco hice prácticamente nada de publicidad. Se las vendí a mis amigos, a los amigos de mis amigos y a los amigos de mis amigos de mis amigos, y así solita la cosa fue creciendo hasta que agoté una tirada de 240 pares. Después la demanda empezó a bajar y le solté la mano. Asumí que ese era el techo.

“Eso no es un techo, es un piso”, me dijo una amiga cuando vio que estaba listo para abandonar el proyecto. Otra dijo: “Estás como los nenes cuando arman todo para jugar y después no juegan. ¿Por qué no jugás?”.

Creo que porque me cuesta mucho hacer las cosas si no veo un mapa. 

En Several Short Sentences About Writing, el libro que sigo leyendo, Verlyn Klinkenborg dice: “Hacer un mapa previo de tu texto es una manera de liberarte de la tarea de pensar mientras escribís. Te da una vía de escape por los pasadizos de tu mente para evitar que reflexiones sobre lo que estás haciendo. Nunca vas a saber lo que pensás de verdad hasta que puedas escaparte de ese mapa”.

También dice esto que me parece hermoso: “A veces sabés exactamente lo que querés decir y encontrás las palabras justas, pero en general la idea aparece mientras la frase toma forma. El pensamiento no es absoluto, es una pista. El lenguaje ofrece una guía. La oración se convierte en el pensamiento al materializarlo. Asumimos que el pensamiento le da forma a la oración, pero en realidad es una colaboración entre ambos, la suma de lo que puede ser dicho y lo que estás tratando de decir”. 

Ayer terminé de ver We Are Who We Are, la serie de Luca Guadagnino, y me pareció que se trata exactamente de esto: de aprender a perseguir las pistas de la intuición para formar una idea, una identidad. Los personajes casi no hablan de lo que les pasa pero igual podés ver cómo esas ideas se materializan mientras la escena toma forma. No hay mapa, nadie dice: “Vamos a ir a tal lado”. Simplemente van, y lo que se muestra es cómo ese camino afecta a cada personaje, qué les llama la atención y cómo esa situación particular los modifica. 

Estoy seguro de que si ves la serie en mute la entendés igual. No lo hagan, la banda de sonido es buenísima. La canción favorita de los protagonistas -dos adolescentes de 14 años- es “Time Will Tell” de Blood Orange. La letra dice:

“Time will tell if you can figure this and work it out/No one's waiting for you anyway, so don't be stressed now/Even if it's something that you've kept your eye on/It is what it is”.

La idea de tomarse el tiempo para transitar cada proceso está en el corazón de esta historia. Me gusta que no solo funciona como moraleja (todos los episodios empiezan con la leyenda “Right Here, Right Now”) sino que se ve reflejada en la manera en la que la serie está filmada y contada. Hay escenas cortísimas llenas de ideas (visuales, narrativas) y escenas larguísimas con una sola idea desarrollada a fondo. Los episodios son largos pero pasan volando. We Are Who We Are podría empezar o terminar en cualquier lado, desviarse en cualquiera de sus personajes, incluso podría seguir durante ocho episodios más, porque la narración fluye exactamente a la misma velocidad que las inquietudes de los protagonistas. 

“Con los años aprendí a dejarle siempre una puerta abierta a la improvisación durante el rodaje”, dice Guadagnino en esta nota. “Por eso insisto en que los guionistas estén en el set. Porque, sin importar lo corta que sea la escena que estás filmando, no podés evitar hacerte mil preguntas. Es importante capturar esas ideas. En ese sentido, la improvisación es bienvenida. No hay que olvidarse de que la realidad está siempre ahí y se va a encargar de darle forma a la escena. Al principio nunca sabés para dónde estás yendo, pero cuanto más te abrís a la realidad y avanzás, mejor vas entendiendo lo que querés hacer”. 

Según dice RZA en The Tao of Wu, el libro en el que cuenta su historia como líder del Wu Tang Clan, el 1 y el 2 representan al conocimiento y a la sabiduría en la Matemática Suprema de la Nación del 5%, un movimiento islámico creado en Nueva York en los 60. Ante cualquier cosa que quieras hacer, la primera tarea es adquirir el conocimiento (o, como dice RZA, “do the Knowledge”). Eso hice durante el año pasado en el terreno del diseño textil. Nunca había hecho ropa, pero me dejé guiar por el entusiasmo y aprendí bastante de todos los eslabones de la cadena de producción. 

Una vez adquirido el conocimiento (1) estás listo para incorporar la sabiduría (2), que no es otra cosa que el conocimiento puesto en práctica. Conocimiento más Sabiduría es igual a Entendimiento, o, dicho en el idioma de la Matemática Suprema, 1+2=3. A mí el 1 siempre se me dio muy fácil, pero dar el paso al 2 me sigue costando un montón. Ni siquiera estoy convencido de que lanzar la marca de ropa haya sido una buena decisión. Pero lo hice igual, porque entiendo que es la única manera de averiguarlo. Estoy improvisando. No hay mapa. La marca es esta, se llama “uno más dos” (iba a ser en números, pero me dijeron que era una mala idea y me pareció un gran consejo).

[inspiritualmatiz]

HA NACIDO UNA ESTRELLA, otra vez

HA NACIDO UNA ESTRELLA

Estimados seguidores de este blog de Inspiritual Matiz  , antes de analizar HA NACIDO UNA ESTRELLA , me gustaría dedicar unos minutos a comentar algo sobre las remakes ,porque esta película es una muy buena remake de Nace una Estrella una película filmada por primera vez en 1937 , luego en 1954 con Judy Garland y la mejor de todas en 1976 con Brabra Streisand y Kris Kristofferson , 2 iconos de la canción y excelentes actores y su inolvidable canción EVERGREEN . la historia de un artista famosos pero perdido, encuentra un diamante en bruto en su chica y mientras ella asciende, el se hunde .

Sin dudas, recomiendo que en alguna tienda de videos especializada traten de conseguir , esta joya   ,deben conocer la original .

Es como ver el Affair de Thomas Crown , de Pierce Brosnan ( con su cara de James Bond )  y Rene Russo y no haber visto la de gloria  de Steve Mc Queen y Faye Dunaway.

Pero el cine necesita historias de amor con buena música , El Graduado , Melody , HA NACIDO UNA ESTRELLA .

BRADLEY COOPER como productor y director debutante aposto  a esta fórmula ya probada e hizo una muy buena remake , ya que pasaron   42 años de la anterior y una nueva generación se merecía esta historia escrita  1937 por WILLIAM A. WELLMAN ,nuevamente .Y le fue bien .

La película recaudo u$d 436 .188.866.- Money can’t buy me love , decían Los Beatles , pero parece que si .

Esta película se trata de una cantante de rock de Arizona que llega a ser famoso por su buena música y sus letras. Jackson Maine ( Bradley Cooper , excelente ) y su hermano mayor Booby Maine su stage manager , asistente  ( Sam Elliot , actuación impecable ,como siempre ) , recorren EEUU , llenan estadios ,pero existen problemas.

Jackson es adicto al alcohol y a las drogas .

Jackson conoce a Ally ( Lady Gaga , excelente) y como es una muy buena cantante y compositora la ayuda a salir al estrellato y mientras Ally se consagra Jackson se hunde en su adicción .

No voy a contar la película porque la idea es que la vean y la disfruten ,solo voy a analizar puntos favorable que suman verla y otros que vale la pensar .

Bradley Cooper demuestra ser un excelente director , la fotografía de Mathew Libatique  es excelente , sobre todo en los conciertos de Jackson en estadios . Las tomas de él, tocando la guitarra, tomado desde todos los ángulos, hacen pensar que estamos ante un verdadero guitarrista virtuoso de rock . Bradley que hace una excelente actuación de eso, haciendo los movimientos perfectos y recorriendo el diapasón de su guitarra como si fuera una verdadera estrella de rock ayuda con eso.

 Vamos a Lady Gaga. Obviamente, es una excelente cantante y en esta película la vemos en sus dos facetas. La Lady Gaga Pop , que a mi personalmente no me gusta nada, pero a su público , si y la Lady Gaga que vemos con los Rolling Stones , U2 , Elton John que es maravillosa y que es la que más se destaca en esta película con unas lindísimas canciones a dúo con Bradley Cooper ( que canta muy bien ) y solista que sabemos que es buenísima . Y con esta película resulto ser buena actriz también .

Cuando le toca cantar a Lady Gaga , obviamente esta en lo suyo y no falta comentar nada mas , canta bien , baila bien y se mueve bien .

El guion de la película por Bradley Cooper, Wiil Feters y Eric Roth es pésimo . Pero, Bradley Cooper y su carisma y Lady Gaga que realmente actúa bien y uno ,que llega a querer a los dos personajes, hace que nos centremos mas en el lenguaje gestual  , miradas ,caricias  , que en lo que dicen.

Las canciones son realmente muy buenas : Me encanta la primera vez que cantan juntos ALLY Y JACKSON  “ SHALLOW “ , es un temon .Y  “ BLACK EYES “ un tema que hace la banda de JACKSON pero todo el soundtrack es muy bueno .

Bradley Cooper  aposto a una linda historia de amor con esta película muy bien hecha muy buena música ,excelente fotografía , dos buenos actores , muy bien dirigida .

Mi sugerencia es que la vean  y traten de conseguir la de Kris Kristofersson y Barbra Streisand , también.

 Para terminar, luego de nuestra sugerencia, hay que destacar que ha nacido una estrella en los premios Oscar 2019 tuvo 8 nominaciones:

A mejor película

Mejor actor Bradley Cooper

Mejor actriz Lady Gaga

Mejor actor actor de reparto Sam Elliot

Mejor guion

Mejor dirección artística

Mejor canción por Shallow

Mejor dirección Bradley Cooper

Para un director debutante no esta nada mal tener 8 nominaciones por su película  , pero Bradley Cooper se sintió muy decepcionado porque no gano ninguna .

En mi opinión, ha nacido una estrella es una buena película, muy recomendable para ver y de hecho así lo ha sido por su éxito de taquilla, independientemente de nominaciones no ganadas.

Tampoco es una mejor película , como compararla con Gladiator, ni mejor director, Bradley Cooper no es Ridley Scott , ni Coppola, ni mejor actor , ni actriz , no son un Robert de Niro, ni Merryl Streep, para decepcionarse, sino para alegrarse por haber sido nominado .

SPOILER ALERT!

Por último, quiero agregarles lo que para mi fueron grandes momentos de las película y son los musicales y son las canciones Shallow cantadas por Bradley Cooper (Jackson) y Lady Gaga (Ali) en un show de Jackson y Black Eyes Bradley Cooper (Jackson y su banda ) . y agregarles momentos similares de nace una estrella de 1976 por Kris Kristofersson y Barbra Streisand.

Por

Enzo Guillermo Galileo Alberto

[emmitaludice]

EL AMOR EN TRES ACTOS

Before Sunrise, Before Sunset, Before Midnight de Richard Linklater

Una historia de amor contada en tres películas, para fines prácticos y técnicos “Trilogía Before”, pero va más allá de eso.

El juego del tiempo es el valor real de este film, la historia se cuenta en 18 años, cada parte fue filmada con 9 años de diferencia y relata apenas unas horas en la vida de estos personajes, sin embargo, vemos el transcurrir del tiempo en los protagonistas, en el entorno y en la misma historia, es un experimento parecido a lo que hizo Linklater en Boyhood con la diferencia que aquí son tres películas.

Before Sunrise la primera entrega es sutil e inocente como el primer amor, colmada de momentos naturales, íntimos y cercanos, cualquier espectador que se haya enamorado se va a sentir identificado en alguna parte de la historia porque va de como conoces a alguien, te gusta, lo idealizas y finalmente te enamoras.

Estas dos personas se encuentran, notan que tienen una química increíble y deciden pasar una noche juntos, hablando mientras conocen Viena que en cierto modo también es protagonista de la historia, y sabiendo que cuando amanezca se van a despedir y es posible que no sé vean nunca más, creo que ahí radica la magia y la conexión de estos personajes porque sin inhibiciones deciden compartir una noche mágica.

Además, este film nos brinda un abanico de emociones porque da esa sensación de algo nuevo e inesperado, que te asusta, pero a la vez te gusta e incluso llega a ser un poco inocente e idealista; pero retrata muy bien ese sentimiento de enamorarse por primera vez.

El final es magnífico desconozco si ya en ese momento el director tenía planeado que contaría la historia en tres partes, pero si no lo hacía igual seguía siendo una manera gloriosa de cerrar este film.

Tengo que decir que la química entre Ethan Hawke y Julie Delpy es innegable y en esa primera entrega se veían grandiosos.

Before Sunset, personalmente es la etapa que más me gusta porque es el reencuentro de dos personas que tienen un pasado y unos sentimientos, tal vez idealizados, que ambos expresan a través de sus obras y reconectan maravillosamente.

Con París de fondo en una corta caminata van conociendo estas nuevas versiones de ellos mismos, recordando y reconstruyendo su historia, con el miedo de ser muy evidentes y demostrar que no se han podido olvidar.

Si Before Sunrise es la promesa de lo que podría ser, Before Sunset es lo que va a ser y aunque el final es ambiguo, a mí me quedó claro que esa relación florecería.

9 años después se filma lo que yo considero que es el cierre perfecto para esta saga, Before Midnight, aunque hay rumores que habrá un cuarto episodio.

Este tercer film es la representación ideal de como el amor evoluciona, es la entrega más real y precisa del arte de amar, está plagada de altibajos, nuestros protagonistas son menos inocentes y más prácticos, es la primera vez que los vemos realmente discutiendo y odiándose entre sí, pero no por eso deja de ser una historia sumamente romántica.

Sin duda es la película más honesta, donde la cotidianidad y el hastío rebasan la fantasía del amor.

Esta saga se ha convertido en una historia de culto, resalto el compromiso de los realizadores durante tanto tiempo, lo buenos que se han vuelto con los años; y la simpleza de lo extraordinario contando sin mucha parafernalia como se vive y se transforma el amor.

[rosebudblog]

EL CINE, UN ESPECTÁCULO DE ALTO RIESGO

OVIEDO 1906

VILLARREAL

BILBAO

CINE LAURIER DE MONTREAL

 Acudir hoy a una sesión cinematográfica forma parte de las actividades lúdicas de cualquier ciudadano. Asistir a una película implica desplazarse generalmente a un centro comercial, avituallarse de chucherías y/o gaseosas multinacionales, pasear, incluso realizar esa actividad tan norteamericana y consumista de hacer shopping (especialmente si se trata de un periodo de rebajas) y a la salida del espectáculo tomar una copa en alguno de los establecimientos colindantes con las salas (aunque esta metódica como tantas otras, está actualmente casi en cuarentana por la inexorable pandemia que nos ha sobrevenido en los últimos meses). Pero esto no fue siempre así y para los pioneros espectadores de cine supuso en muchos casos un auténtico espectáculo de riesgo que en varias ocasiones se convirtió en mortal. Veámoslo.

 Las primeras salas dedicadas exclusivamente a las proyecciones cinematográficas nacieron en Estados Unidos a partir de 1905, fueron los llamados nickelodeon; el primero se inauguró en 1905 en Pittsburgh y en solo un año tuvo más de 2500 salas competidoras. Pero hasta esas fechas el cine se presentaba en una gran variedad de salas, desde circos, barracas de feria, sótanos habilitados o salones parroquiales entre otros. Desde 1902 se comenzaron a dar sesiones de cine en teatros de vodevil tras finalizar la función teatral propiamente dicha.

Evidentemente estamos hablando de salas que no tenían las más mínimas condiciones de seguridad para las proyecciones teniendo en cuenta el alto riesgo de incendio que sufría tanto el celuloide como las lámparas de proyección de aquellos años.

Las lámparas de éter y el nitrato de celulosa eran materiales altamente inflamables que usados en locales muy cerrados y con escasas vías de evacuación los convertían en auténticas ratoneras en caso de siniestro.

 Con estos antecedentes era fácil de prever que más temprano que tarde tendría lugar algún accidente y eso es lo que ocurrió la tarde del 4 de Mayo de 1897 en París y que además de muchas vidas pudo llevarse por delante el incipiente cinematógrafo. Efectivamente la historia del cine pudo acabar en esa tarde por un desgraciado suceso ocurrido en el Bazar de la Caridad de la capital francesa.

La alta sociedad parisina llevaba años organizando un Bazar de la Caridad para atender obras de extrema necesidad. Una serie de encopetadas damas parisinas llevaban a cabo todos los años esta especie de nuestros actuales “rastrillos” donde damas españolas de rimbombantes apellidos dedican unos días a ejercer la caridad a través de la venta de una multitud de objetos donados por diferentes empresas o personas. Resulta curioso revisar quienes formaban parte, entre unas 150 instituciones, de aquella organización de finales del XIX: Círculos católicos de obreros (Señora Gréau); Hospital homeopático Hahnemann atendido por las Hermanas de San Vicente de Paúl (Señora L’Hóte); Patronato de detenidos y liberados (Señora de Wist); Obra de Sor Rosalía (Marquesa de Montagnac); Obra general de los Patronatos de la Sociedad de San Vicente de Paúl (Condesa Ad de Bagneux), etc.

En un solar cercano a los Campos Eliseos construyeron una especie de París medieval y elevaron un local de más de 5.000 metros cuadrados y con capacidad para albergar a 1.500 personas, completamente de madera en todos sus frentes, incluido el techo. El 3 de Mayo abrió sus puertas y entre las ofertas para ganarse la afluencia de público dispusieron el pase de algunas sesiones cinematográficas.

El éxito de la sala oscura donde se pasaban cortas secuencias de cine fue absoluto y las colas se extendieron a lo largo del día. El día 4 el ambiente era de fiesta absoluta y la gente se agolpaba en derredor de los múltiples tenderetes que ofrecía sus productos. Sobre las 16 horas cuando una enorme multitud llenaba el local y veía las secuencias filmadas meses antes por la familia Lumiére se escuchó un terrible grito: ¡Fuego! A partir de ahí el desastre fue total. Rápidamente las llamas se hicieron con todo el local hecho de madera y lleno de objetos también de madera y de cortinajes. El fuego se extendió con gran rapidez por toda la construcción y especialmente por el techo de 500 metros cuadrados. En unos minutos los gritos de los aterrorizados presentes se apagaron: el horrible accidente se había consumado y 126 personas fallecieron en un día de triste recuerdo para París y para la historia del cine.

  Sometido durante sus primeros meses de existencia a un espectáculo solo para las clases bajas y mostrado en tugurios o locales alejados de las clases más elevadas socialmente, se había planteado aquella exhibición como la puesta de largo del cine ante la alta sociedad parisina. Todo se convirtió por medio del fuego en un terrible incidente que puso en peligro la continuidad del cinematógrafo como espectáculo de exhibición al público.

Rebobinando los hechos se especuló con varias causas como posible origen del incendio. Junto a la máquina de proyección se acumulaban las lámparas de éter y las botellas para su funcionamiento. En una inspección previa a la inauguración de las jornadas, uno de los encargados avisa que la lámpara no reúne las condiciones adecuadas, pero a esta información no se le concede valor alguno. Algunas aseveraciones achacan a un fallo de la lámpara el inicio del incendio; otras informaciones hablan del error de un operador que acercó una cerilla a la lámpara de éter que hizo prender el gas y a su vez el nitrato de celulosa del celuloide. El hecho es que las llamas prendieron rápidamente, especialmente en el techo y el material del mismo, formado en parte por alquitrán, comenzó a caer sobre las personas que estaban en el local.

Cuando se pudo evaluar el desastre de lo sucedido se pudo constatar que entre los fallecidos solo había 6 hombres y que el resto eran mujeres; entre marquesas, duquesas o condesas también apareció el cadáver de la hermana de la Emperatriz Sissi. Nuestro país también tuvo su cuota de afectados: la esposa del Cónsul General de España.

Como siempre ocurre en este tipo de desgraciados acontecimientos otros factores se sumaron a que la desgracia aún fuese mayor: la multitud, aterrorizada, se lanzó a las puertas de salida que se abrían… ¡hacia dentro!  Allí se produjo un mortal taponamiento de personas (parece que hubo hombres que abusando de su fuerza trataron de pasar por encima de los cuerpos de mujeres y niños y cuando esto se supo cayeron lógicamente en desgracia ante la alta sociedad parisina).

Un hecho curioso avala que ante circunstancias desgraciadas la ciencia puede avanzar y es que ante la dificultad de identificación de muchos de los cadáveres por el alto grado de quemaduras que soportaban, se acudió a los odontólogos que, gracias a sus radiografías previas, lograron identificar a algunos de los fallecidos y esto dio lugar al nacimiento de la Odontología Legal.

 Veamos cómo se informó en la prensa española a día siguiente del desgraciado acontecimiento y cómo, de alguna forma, se sitúa la culpabilidad en el espectáculo en sí mismo:

El Liberal, Madrid, 5 de mayo de 1897, pág.1: «Terrible incendio en París. En una Kermesse 200 muertos 300 heridos. (por telégrafo) Las primeras noticias. Alarma en París. Urgente. París 4. Poco después de las cuatro de la tarde comenzó a circular por los boulevards de los Italianos y Montmartre y por los alrededores de la Opera, la noticia de que había ocurrido una espantosa catástrofe en el gran Bazar de la Caridad, organizado en la calle de Juan Goujon, que situada en pleno barrio de los Campos Elíseos, había atraído a la fiesta al todo París de las grandes solemnidades aristocráticas. Se habló desde los primeros momentos de que habían sucumbido numerosas personas de la high life parisiense, en su mayoría señoras.»

La Época, Madrid, 6 mayo 1897, pág. 1.: «El cinematógrafo y los incendios. Todas las noticias están conformes en atribuir el origen del desastre a la luz del cinematógrafo. (…) El juez de instrucción ha tomado declaración al encargado del cinematógrafo. (…) Es de advertir que el incendio de la calle de Jean Goujon es el segundo de los que ha producido el cinematógrafo. Hace pocos meses se produjo también un incendio en el sótano del Palacio de la Paix, donde funcionaba el aparato.»

La Época, Madrid, 7 mayo 1897, pág. 1-2. «El sumario que se instruye ha demostrado que el incendio fue producido por el cinematógrafo; pero no se explica bien cómo ocurrió el accidente. El juez de instrucción, Mr. Bertulus, encargado de las diligencias, dedicó ayer todo el día a tratar de esclarecer ese misterio. Dícese que se exigirá responsabilidad al operador y a su ayudante, por imprudencia.»

  (Actualmente se puede ver en la plataforma Netflix una serie, El Bazar de la Caridad, que reproduce en su primer capítulo este desgraciado siniestro).

 Evidentemente este lamentable suceso creó una especie de aversión hacia el nuevo espectáculo por lo que tardó varios años en reaparecer, pero la fuerza del nuevo invento y del nuevo espectáculo era tan intensa que los parisinos olvidaron aquella trágica jornada y unos años después los locales de exhibición cinematográfica llenaban la capital francesa. Fue en 1900 con la Exposición Universal de París cuando el cine comenzó a recuperar el terreno que había perdido, especialmente ante las clases elevadas socialmente en el incendio del Bazar de la Caridad. Se presentaron por parte de Gaumont y de Pathé nuevos modelos de proyectores más seguros y se estrenaron 150 películas en un local para 15.000 personas… pero todavía pasarían varios años para que la alta sociedad parisina se acercara de nuevo al cinematógrafo.

 Pero no fue solo la capital francesa la que sufrió este tipo de catástrofes. Otras ciudades del mundo, entre ellas varias ciudades españolas, sufrieron tragedias similares. En el extranjero fue Canadá una de las últimas naciones afectadas por un siniestro de este tipo: en Montreal el Cine Laurier, en 1927, sufrió un incendio con un resultado de 76 fallecidos.

Efectivamente, España no se iba a librar de esas tragedias reiteradas. En 1906, en Oviedo, ya se produjo un primer aviso cuando una sala provisional de exhibición instalada en el centro de la ciudad durante las fiestas de san Mateo ardió y el incendio se extendió a otras dos barracas cinematográficas colindantes que resultaron destruidas. Hubo una gran cantidad de heridos, pero afortunadamente no hubo víctimas mortales. Ese mismo año en Barcelona, en el Teatro Olimpia tuvo lugar otro accidente similar, en este caso con un fallecido y varios heridos.

Pero el año verdaderamente trágico fue 1912, un año desgraciado, con dos sucesos muy graves.

El 27 de Mayo de 1912 se produjo la mayor tragedia del cinematógrafo en España. Durante las fiestas locales en Villarreal, en la provincia de Castellón, 280 personas veían en la sala La Luz la película Alma de traidor. Al iniciar la proyección el celuloide se inflama y se extiende por la cabina de proyección. Todo el mundo trata de huir por donde puede y un muchacho logra abrir un agujero en una de las paredes por la que salen muchas personas, pero desgraciadamente se contabilizan 65 fallecidos y más de 100 heridos en la mayor catástrofe de un cinematógrafo en España. Así lo reflejó la prensa:

 La Correspondencia de España, Madrid 29 mayo 1912, pág. 2, 5 y 7. «Como ya os he telegrafiado, el incendio se produjo al proyectarse la última película de las que constituían la sección. La sala quedó completamente a oscuras. Nuevamente se produjo la luz; pero casi simultáneamente ocurrió una fuerte explosión, que incendió la cabina, que se vio rodeada de llamas, que tomaban a cada momento mayores proporciones. El incendio produjo gran inquietud en los espectadores. Muchas voces rasgaron el aire. Algunos llamaban a sus parientes y amigos. Las señoras y los niños comenzaron a pedir socorro a grandes gritos. (…)

La única puerta del cinematógrafo está situada debajo de las localidades de preferencia, que estaban totalmente ocupadas por espectadores sentados en ellas; estos se precipitaron, dejándose caer materialmente hacia la salida. (...) 

        Como suele ocurrir, el local tenía pésimas condiciones para el uso a que  transitoriamente se le había destinado. El empresario del cinematógrafo había alquilado como local un almacén de frutas. Dicho almacén era bajo de techo, y sólo tenía una puerta bastante angosta Ha sido procesado Eduardo Pitarch, dueño del cine.            

      El marqués de Rozalejo, lamentando la catástrofe ocurrida en Villarreal, con motivo  del incendio de un cinematógrafo, ruega al ministro de la Gobernación que haga  cumplir el reglamento de espectáculos, tanto en cuanto a que sean peritos electricistas todos los operadores de los cinematógrafos, como en cuanto a que se cierren todos los locales que se dedican a dicho espectáculo sin reunir condiciones».

      Pero ese nefasto año iba a terminar con otro desgracio suceso, en este caso en Bilbao y para más desgracia no motivado por un incendio sino por una falsa alarma que provocó una avalancha en la que fallecieron 44 niños.

 Donde unos años antes se había situado un circo se construyó en 1895 un edificio de madera, el Teatro Circo del Ensanche. A partir de 1910 este local se convirtió en sala de exhibición cinematográfica esencialmente.

El Domingo 24 de Noviembre de 1912 la sala ofrecía cine en sesión continua con la película italiana de 1911 Quién ha robado el millón, como máxima atracción. Sobre las seis de la tarde, un incidente distrae a los espectadores: al parecer en la zona más barata del local, la denominada gallinero, un hombre agredió sexualmente a una joven. Se producen momentos de confusión hasta el punto que el proyeccionista paró la película… y en esos momentos se oyó la voz de una mujer gritar ¡fuego! A partir de ese momento la confusión fue total… se formó una avalancha humana que se topó con las puertas del local que estaban atrancadas… el resultado final fue que fallecieron 47 personas, de ellas 44 niños.

Lo más lamentable de todo fue que se trató de una falsa alarma pues en realidad no hubo incendio alguno. Al día siguiente el diario El Pueblo Vasco resumió así los tristes hechos: “Un falso grito de alarma dado ayer en el circo durante la sesión cinematográfica impele al público a buscar atropelladamente la salida. Cuarenta y un niños, un joven y dos mujeres perecen aplastados”. (Al día siguiente fallecieron 3 niños más). Nunca se supo quién y por qué dio el grito que causó la tragedia.

 El Correo Español, Madrid, lunes 25 noviembre 1912. «Han empezado a llegar al Hospital los coches que conducen los cadáveres y heridos. Se sabe oficialmente que los muertos son 44, seis mujeres y los restantes, de 2 a 16 años de edad. Se ha comprobado que no hubo fuego, y que el tumulto fue debido a que una mujer dio un grito, que el público creyó que era el de ¡fuego! La policía practicó indagaciones para averiguar quién ha sido la autora del citado grito. También el Juzgado practica diligencias. Gracias a la serenidad del público del patio de butacas y de los palcos, la catástrofe no revistió mayores proporciones. En el Hospital se desarrollan escenas desgarradoras; desfilan los padres y las madres que les faltan sus hijos, identificando los cadáveres. Se han suspendido todos los espectáculos en señal de duelo.»

  Afortunadamente estas desgraciadas experiencias fueron desapareciendo gracias a las medias de seguridad que se fueron incorporando poco a poco en las salas de cine. Hoy han quedado como muestras horribles del riesgo que suponía ser espectador de cine en los primeros años de exhibición…

                                                    …………………

 Pero hoy no son los espectadores los que sufren algún riesgo al acudir a una sala de cine. Hoy lo que está en riesgo es el propio espectáculo en las salas. A la oferta cada vez más amplia en televisión y a la maldita pandemia que ha hecho estragos, se les une la nueva política de exhibición de las grandes compañías. Así hemos visto hace unas semanas como Disney ha estrenado directamente en televisión Mulán, sin pasar por las salas en ningún país (salvo Francia por el proteccionismo de la nación vecina). Si esta política de exhibición se extiende quien está claramente en riesgo es el espectáculo en las salas de cine tal como lo hemos conocido hasta ahora…

 Esperemos que no sea así.

29/9/2020

[elsantyorozco]

IN THE MOOD FOR LOVE 2000

No hay palabras exactas para describir la belleza dolorosa de esta película. Es preciosa en lo absoluto, poesía hecha cine. No quieres que termine nunca porque el corazón, los ojos y todos los sentidos se preguntan si alguna vez van a contemplar un film de tan increíble hermosura y de una melancolía que lastima. Las historias de amores que quieren pero no pueden ser, donde el cuerpo está presente pero, el corazón está junto a otra persona. Todo lo que pudo decirse pero no se dijo. Y así transcurrirá la vida y los días, sabiendo que el último pensamiento será para ese gran amor y que no hay distancia posible que te aleje de él porque adonde vayas, estará ahí, bien dentro tuyo. 

Nunca el dolor que produce el  amor fue tan bello como en esta película. Wong Kar-wai es un director con un insólito mundo interior en el que se mezclan su interés por retratar la soledad del ser humano y su obsesión por mostrar en imágenes el cambio de las personas cuando lo amado esquiva voluntariamente nuestra compañía, dejándonos a nuestra propia suerte. El realizador hongkonés acierta, una vez más, en sus planteamientos narrativos y estéticos.

“In the Mood for Love” se trata de la séptima película del director, con una historia desgarradora y trágica pero a la vez sublime y bella. Presenta un Hong Kong de 1962 donde residen Chow Mo-wan y Su Li-zhen, conocidos como el señor Chow y la señora Chan, respectivamente. El mismo día, como si estuviese marcado por el destino, ambos personajes con sus respectivas parejas, se mudan a uno de los famosos edificios compartidos de Hong Kong en los que se renta un cuarto. Casualmente, están viviendo una situación muy parecida con sus respectivas parejas, a los que cada vez ven menos. Así es como Chow, redactor jefe de un diario local, y Li-Zhen, secretaria en una firma de exportación, comenzarán a entablar amistad. Y es justo en ese momento que el azar y la coincidencia provocan que el destino de ambos se crucen. 

Constantemente, Chow y Su se topan en los pasillos del edificio donde viven, en lugares aledaños, en las calles donde caminan tras sus largas jornadas de trabajo. 

Por medio de una casualidad que les une aún más, se dan cuenta de la infidelidad de sus parejas. Aquí el quebranto. Aquí la pérdida y la traición. Acaban entablando una extraña relación que combina tensión sexual y los reflejos del trauma del engaño. Empiezan a pasar juntos cada vez más tiempo, apoyándose el uno con la presencia del otro e incluso subrayando su tragedia. Y como no hallan la manera de evadir la realidad, recurren a la actividad favorita del ser humano para reconstruirla, la ficción. Ellos comienzan a verse afuera de la vivienda o en el lugar donde venden tallarines. Luego, dan un paso y salen a cenar, pero siempre imaginando que son amantes. Así, intentan entender cómo sucedió, cómo empezó. La fantasía no es obvia, actúan en el papel de sus esposos para entender el romance. De este modo, ellos son dueños de esa fantasía y la controlan a su antojo, retrasando el momento de consumar su amor. 

En toda la película nunca vemos las caras de los esposos infieles, son como fantasmas. Son protagonistas pero nunca resulta necesario darles un rostro. La infidelidad es la cara de ellos y resultaría de mal gusto para los protagonistas darles un motivo a los espectadores para que los recuerden. Además, nos dan un pretexto para entender que es una infidelidad, tan común y natural entre las parejas. Pero aquí no es así, porque ellos son sólo capaces de amar la idea, pero no a la persona en la realidad. Sin embargo, el temor puede transformarlo todo. A pesar de que ambos están en condiciones para amarse mutuamente, aún con todo y trabas, se encuentran casados y eso les pesa, los dos terminan creando su mundo de pasiones basados en la ausencia: él con la pérdida, ella con la imposibilidad.

La profunda expresividad que tiene la película se logra aprovechando los espacios que el autor recordaba de su infancia en Hong Kong: las calles estrechas, con casas cercanas unas de otras, decadentes. En resumen, la imagen de Hong Kong durante los 50 y 60. Sin embargo, eso hizo que para él las escenas de completa intimidad tuvieran en cierto modo una atracción misteriosa, aún así, Kar-wai se mantiene al límite de lo fetichista, las escenas íntimas que capta el ojo de su cámara son evocadoras, inocentes y hasta cierto punto “puras”. Como ejemplo de esta cámara que capta la intimidad de una manera voyeurística y fetichista, las reuniones que los protagonistas mantienen en el hotel para escribir una historia de artes marciales: el acercamiento es siempre justo y necesario, y lo máximo que consiguen es dormir en la misma habitación. Por eso el director oculta su objetivo entre cortinas, graba reflejos a través de cristales, muestra trazos de amantes sin su otra mitad, no quiere inmiscuirse en algo que tan sólo debieran compartir ellos dos, un amor espinoso y de triste solución que se les escapa sin que puedan hacer nada por evitarlo, pues no se sienten dueños de ese destino que quiere cambiarles la vida por completo. 

En esta película cobra una mayor presencia el estilismo y la música, es decir, la técnica y la estética. Esto lo comprobamos en escenas donde los movimientos de cámara están trabajados para expresar los cambios emocionales de los personajes, con un conjunto de ideas que hablan de originalidad. Cada vez que se descubre algo, la cámara realiza movimientos de travelling, en lugar de tratar la escena con el uso del plano-contraplano. Un ejemplo de esto es una escena en la que la Sra. Chan y el Sr. Chow se encuentran cenando, y poco a poco, como en un thriller, ambos desvelan ante el otro las sospechas de que sus respectivas parejas están engañándolos. 

Aparecen otras dos escenas que señalan perfectamente la evolución de los personajes. En la primera, ensayan cómo debía ser cuando la Sr. Chan volviese a ver a su marido, el Sr. Chow siguiendo el juego confiesa haberle sido infiel y ella acaba llorando. La segunda escena es un ensayo, pero esta vez de cómo se tienen que despedir ambos, pero esto el espectador no lo sabe hasta el último momento, y ella vuelve a llorar al pensar que tiene que dejar al Sr. Chow atrás. Dos escenas que conjuntamente nos hablan de los resultados de un amor imposible. 

Los personajes que no quieren ser iguales a sus parejas, deciden negar el amor que el uno siente por el otro, por consiguiente, cuando el Sr. Chow se marcha, ella intenta encontrarlo en Singapur y, al no hacerlo, él regresa a Hong Kong. Cuando vuelve ya es demasiado tarde, y lo único que ha quedado es un susurro del Sr. Chow ante un agujero hecho en un muro de piedra en Camboya, donde cualquier secreto o pasión pudieran descansar en el letargo del olvido. No oímos el secreto, pero todos intuimos lo que es. Tiempo después, en el mismo agujero, crece algo de hierba. Esto es la supervivencia de un amor, que al igual que las piedras del lugar sagrado, han permanecido sin cambios con el tiempo. Un amor, que pese a no haber sido consumado, o al menos eso creemos, estará en la memoria de quienes lo han vivido. 

Cada escena de “In the Mood for Love” tiene una escena dentro. Está filmada de tal manera, que siempre se mantenga la sensación de que los están mirando, y eso lo logra Wong Kar-wai con marcos de puertas, espejos, pasillos y pocas locaciones, éstas, al final, resultan conocidas para las audiencias para conocer su agenda, cuándo y dónde compran comida, llegan del trabajo, se ven antes de entrar. Esta ausencia de escenarios grandes da la sensación de que el tiempo pasa más lento, es la monotonía y su rutina. Los planos a través de los barrotes de la ventana son la muestra del encierro en que los personajes deben mantener sus sentimientos.

El ambiente acabado de los exteriores, combina con la textura que se le quiere dar al color de la película: de aspecto oscuro y angustioso, como los corazones de los protagonistas abandonados, destartalados, oxidados y húmedos. Mientras, la melosa textura de los colores interiores con luces de pequeñas lámparas, papel de pared, sábanas rojas, muestran el contraste intencional que se produce entre los exteriores y los interiores. De esta forma, las texturas condicionan también el valor de las luces y colores para provocar sensaciones. Toda esta atmósfera visual evocadora resulta fascinante para el ojo de un espectador, inspirando situaciones difíciles de expresar con palabras. Sin embargo, de entre todas las sensaciones que podemos sentir de los personajes podemos destacar la nostalgia que une a todos los protagonistas de sus películas. Esta angustia por lo que falta en sus vidas resulta el hilo conductor para expresar la ausencia y también es la que justifica el uso de los recursos para remarcar las sensaciones de los personajes.  

Colores contrastantes y llamativos, que avivan pasiones y resaltan situaciones, colores que hacen de escenas poco románticas unas verdaderas joyas de la filmografía del realizador, pasan del más cálido al más frío en tan solo uno o dos cortes. El frío se hace presente con la lluvia torrencial en tonalidad azul oscura, para que después los personajes se encuentren en un hotel donde el rojo hace presencia imponente en todas las paredes y luces. El color destaca en este mundo y habla más que muchos otros detalles visuales destacables como el cambio de vestuario, los qipao que usa la Sra. Chan, entre cortes para denotar las elipsis, o el cambio de movimiento de cámara y de las actitudes de los personajes, sin duda el color siempre despierta emociones en el ser humano, consciente o inconsciente, y más si está distribuido con sutileza en su uso, como aquí se puede ver.

En sus largometrajes anteriores, la música para el director es sumamente importante. “Yumeji’s Theme”, que hace parte de la banda sonora de este último tiene la función de hacernos sentir que el amor traspasa a los personajes. Las imágenes que acompañan la escena donde Su va a buscar fideos, una y otra vez como lo recalca Wong Kar-Wai en su creación del hábito, donde come sola, se encuentra con Chow, se saludan, interactúan como dos pero a la vez uno, acompañado de la cadencia de la melodía, responde a la delicia de vivir el día a día como una felicidad eterna, conteniendo todo el amor que los rodea, incluso si éste nace del dolor de haber sido engañados por sus respectivas parejas. 

Con esta misma pieza musical hay una revelación de ternura que señala los momentos que construyen ese amor, incluso sin que ellos se den cuenta de ésto, el Sr. Chow asegura que “solo sucede sin previo aviso”, ignorando las señales que el director nos da en la película. Una cámara lenta que induce la sensación de suavidad y sensualidad a los personajes, transfiere el cariño que se forja a través del hábito, pero al ritmo de la música. El cortejo sucumbe ante el cadencioso tema musical que tiene el fin de anudar la garganta. 

El amor les nace de los ojos, aunque se miren muy pocas veces a lo largo de la película, de la piel, del tacto sutil, como la cogida de las manos en el taxi que los lleva a casa, causando algo más real que lo vivido con sus parejas. La música florece junto con la convivencia entre los dos corazones rotos, refuerza la conexión entre ellos y se va transformando en una historia de amor imposible. En los ires y venires de este amor, la indecisión de Su representada y  acentuada musicalmente por la canción “Quizás, quizás, quizás”, en la voz de Nat King Cole, se funda toda la pasión contenida que se refleja a lo largo del film, envuelta en culpa y tristeza, confusión y deseo, ternura y violencia dominada, lo que no evita la hermosura de esa extraña alegría que les provoca ser amantes por medio de la distancia. 

El respeto por las actitudes de los personajes y sus emociones, trasciende al mismo espectador que se convierte en un testigo mudo de sus sentimientos sin ser partícipe en ninguna ocasión de esas confesiones íntimas a las que nos tiene acostumbrados el actual cine comercial. Es lógico que sintamos ese deseo de que se nos permita llegar más allá en el conocimiento sensual de los amantes, nuestro voyeurismo nos los demanda en cada instante de la película, exigimos mentalmente que nos regalen algún diálogo lleno de pasión, carnalidad, amor e instintos retenidos que estallan tras un beso y seguro que eso es lo que experimenta la pareja protagonista, pero Wong Kar-wai prefiere que todos, incluso él mismo y los espectadores, respeten su intimidad cinematográfica. “...Y así pasan los días y yo desesperado, y tú, tú contestando, quizás, quizás, quizás”

[exo-silverdream]

[ENTREVISTA] ELLE KOREA ″Nada mejor que KAI” Ed. Abril 2020

Hace un tiempo, hiciste un test de personalidad durante Instagram Live. Elegiste la respuesta “si” en la pregunta “Me pregunto sobre la existencia humana”.

Creo que siempre me pregunto “¿por qué he nacido?” y frecuentemente pienso “¿por qué soy yo y no alguien más?, ¿es diferente el mundo que veo a través de mis ojos con el mundo que ven otras personas?”.

El resultado fue INFJ, el tipo “abogado”. ¿Crees que es adecuado para ti?

Realmente no recuerdo muy bien el resultado así que estoy planeando hacerlo otra vez. Mi familia lo hizo también. Al ver el resultado de mi madre, creo que el test es creíble (ríe). Mi madre es una soñadora. Antes de debutar, me dijo “te gusta vestirte y te crié así, por eso, seguramente harás algo con una marca de diseñador”. A ella le gustó mucho cuando me convertí en embajador de Gucci.

Tu Instagram está lleno de EXO, familia y Gucci.

Hice mi cuenta en 2018, el motivo fue Gucci Cruise Show junto a Elle. Sabía que esa red social era importante, pero al ver que otras celebridades que conocí en el show me pidieron la cuenta, me di cuenta que era necesaria.

La campaña global de anteojos que fue lanzada no hace mucho tiempo atrás, fue filmada en “Amoeba Music Store” de L.A. Debe haber sido una experiencia muy especial para ti como músico.

Por supuesto. Había oído que cerraría, por eso fui feliz de haber dejado mi huella al visitar un lugar histórico a través de fotos y videos. El staff era totalmente extranjero y la atmósfera del lugar era muy diferente también, así que estaba nervioso. Se sintió como volver a los días de mi debut.

Así que Kai siente nervios también. ¿Alguna vez has tenido la experiencia de ver desaparecer el lugar que te gusta?

La vieja sede de SM Ent., en donde hice muchos recuerdos de mis días como trainee, completó su remodelamiento no hace mucho. El techo en donde pasé mucho tiempo desapareció y los lugares que recordaba son diferentes ahora. Fueron lugares muy especiales para mi, así que el paso del tiempo se sintió real.

Existe mucha gente con un gran estilo. Lo sorprendente de Kai es que no hay ninguna duda cuando desafías un nuevo estilo.

Pienso que tomar fotos de cosas geniales y hermosas puede hacerse fácilmente y a menudo. Pero comparado con esto, mostrar una imagen que encaje con un concepto es muy duro y divertido. Utilizando el concepto como excusa, puedo probar un estilo que no me atrevería a usar en la vida cotidiana. Como aquella campera crop-top que usé durante la promoción de Obsession. Aunque creo que probarla por dos semanas fue suficiente. (ríe)

A finales del año pasado, mostraste tu imagen en programas de variedades, como “Knowing Brothers”, “Radio Star”, etc. ¿Lo disfrutaste?

Gracias a las divertidas escenas que surgieron accidentalmente, recibí propuestas de algunos programas. Pero si continúo mostrando mi lado despreocupado una y otra vez, me preocupa que sea difícil enfocarse en la imagen de “Kai” sobre el escenario. También está la molestia de aumentar las expectativas (del público).

Tampoco podemos excluir las historias del grupo proyecto SuperM. Es el primer proyecto de SM en unir temporalmente a miembros de 3 grupos.

Comparado a cuando estaba de gira con EXO, siento que culturalmente, los aspectos raciales y las fronteras se han difuminado mucho. Puedo acercarme a ellos de forma más natural. Este fenómeno no está limitado solamente al K-POP. Incluso si no mencionamos el éxito de Parasite, pienso que al ser el embajador global de Gucci Eyewear sucede debido a que la gente es más consciente de los encantos individuales más allá de sus razas. Especialmente en los ámbitos de la cultura y el arte, intercambiamos una buena influencia con cada uno.

Personalmente, cuando veo el video de Korean Air en donde SuperM y BoA aparecieron, pensé en el simbolismo cultural del K-POP.

Debido a que soy tímido no pude verlo, pero recibí un montón de llamadas. Ellos tomaron una foto de las partes en donde no parezco tan genial y me las enviaron. (ríe)

Desde que eres muy conocido por tus presentaciones y baile, debes encontrarte bajo mucha presión en el escenario.

No me preocupo demasiado acerca de otras cosas, ni tampoco me enojo, pero antes de subir al escenario, me estreso de forma agonizante. Para ser honesto, bailar para un show de música y grabarlo a las 6 de la mañana cuando mis ojos apenas están abiertos no tiene sentido. Solamente poder mostrar el 20% de mis habilidades es insoportable. El año pasado estuve muy ocupado, hubo mucho momentos en donde me presenté aún sintiendo que no me había preparado lo suficiente. Aunque no me sienta perfecto como intérprete, tengo que soportarlo.

¿Cuál es la razón por la que continúas a pesar de estar en medio de la agonía?

Es gracias a la sensación de realización y alivio que obtengo luego de hacerlo. De alguna manera, pienso que es grandioso que todavía desee de todo corazón obtener un resultado. Si no me sintiera así dudo que valoraría mucho mi trabajo como antes. Mostrar a los fans una buena imagen y presentación, y más allá de eso, la sensación de realización y felicidad que obtengo cuando estoy satisfecho conmigo mismo, es importante para mí. De todas formas, en el pasado, cuando hacía algo mal, no podía dormir bien, pero ahora puedo hacerlo. (ríe)

Pero aún así, bailar es algo que todavía disfrutas, ¿cierto?

He bailado por mas de 20 años, no puedo “no bailar”. Cuando era mas joven, era capaz de bailar en cualquier lugar, llegué al punto en que mi mamá me decía que parara de bailar porque era vergonzoso.

Eres conocido por formar una relación cercana con un número muy limitado de personas a quienes conoces desde hace mucho tiempo. ¿Sus consejos o palabras te influencian?

No soy el tipo de persona que pide por un consejo. Aún cuando pregunto cuál de dos opciones es mejor, usualmente ya tengo decidida la respuesta de antemano. Siempre pensé que tengo que hacer las cosas por mí mismo, creo que cuando ese asunto viene “es mío”. Tampoco doy consejos, especialmente a las personas que me rodean. Si esa persona lo desea, lo haré. Definitivamente diré lindas palabras cuando sea necesario, pero también diré palabras que le permitan afrontar la realidad o asumir el peor escenario, algo que otras personas no pueden hacer. Quienes conocen esta faceta de mí, no querrían oír consejos muy a la ligera. Pero cuando se encuentren en una encrucijada para tomar decisiones importantes, vendrán a buscarme. También aceptaré humildemente aquellas críticas o consejos que realmente necesito escuchar.

Escucho mucho las palabras “sexy” y “hermoso”, pero tus fans te llaman “tierno”. ¿Qué faceta tuya piensas que es “tierna”?

¡No tengo ninguna! Incluso si quizás alguna vez pensé que fui tierno, no lo diré. (ríe)

¿Hay algún momento en el que sientes que los ojos que intentan interpretarte como una persona icónica o cuando dicen que eres símbolo de la hermosa juventud, te parece excesivo?

Ya que son las percepciones que cada persona recibe de mi, no siento que sea molesto o excesivo. Por lo contrario, estoy agradecido. Tampoco vivo siendo consciente de esas palabras. Siempre quiero mostrarme sin tener que pensar “¿debería actuar de este modo para que piensan de mi de tal manera?”

Entonces, ¿cuáles son las cosas que encuentras hermosas?

Por supuesto que aprecio la belleza de las prendas geniales, escultura, dibujos o personas muy atractivas. Pero aquello que encuentro verdaderamente bello son ciertos momentos. Cuando pienso en recuerdos o cosas triviales, me doy cuenta de que se sienten más hermosos y valiosos en comparación a la felicidad que sentí en el momento.

Me recuerda a un verso del drama “Miracle That We Met”. “Memoria es algo que acompaña a los sentimientos, no un registro de tiempo. Es algo sorprendente que no podemos predecir”.

Aún cuando miro hacia atrás después de unos días, surgen emociones diferentes. Esas cosas son muy hermosas. Me gustan las películas clásicas con sonido por esa razón también. Se siente como si estuviera viendo partes de la memoria de alguien más.

Tu abuelo te dió el nombre que tienes (JongIn), significa “convertirse en una persona benevolente que despierta al amanecer y toca la campana” ¿Has pensado alguna vez en tu nombre?

En primer lugar, no soy una persona madrugadora (ríe). Pero hacer sonar la campana al amanecer, significa poder ayudar a otros a avanzar. Quiero ser el tipo de persona que inspire a otros. Quizás esté viviendo un poco de esa manera.

Escuchas mucho hablar acerca de tu cuerpo o tu línea de baile, pero la sesión fotográfica de hoy también está enfocada en el rostro de Kai. ¿Hay algo sobre ti que te gusta?

Por supuesto que creo que tengo mis propios encantos. Partes que la gente piensa que no son buenas, como orejas pequeñas o nariz un poco rechoncha como un oso, realmente me gusta. Pero si tuviera que elegir que es lo que más me gusta en estos días, sería mi mandíbula y las cejas. Creo que determinan el 80% de mi aura.

¿Cuál es el significado de familia para Kai?

La familia es realmente la familia. No hay nadie en este mundo que esté completamente a mi lado tal como mi familia me acepta. Debido a que crecí felizmente como uno de tres hermanos, pensé en que quiero tener alrededor de tres hijos, pero luego de ver a mi hermana esforzándose para criar a sus niños, no es algo que pueda pensar de forma ambigua. Mi familia es también mi sunbae (maestro) en la vida.

Tu aniversario 8 de debut será muy pronto, has pasado por muchas cosas hasta ahora. ¿Piensas que el dolor es necesario para que una persona crezca?

Cuando miro el pasado, mi naturaleza no cambió debido a que pasé por algo. Personalmente, pienso que no es necesario para alguien atravesar por el dolor con el propósito de cambiar o mejorar. Pero si es algo que le pasa a alguien alguna vez, será genial si lo supera pensando en aquellas cosas valiosas de forma positiva. Más que nada, no deberíamos perder el quienes somos debido a momentos difíciles. Porque lo más importante en este mundo es quienes somos.

Las personas cuando te miran piensan  “Él tiene todo”. Aún así, ¿hay algo que deseas o tienes un objetivo mayor?

Antes del debut, tenía mucha ambición pero el Kai actual no quiere nada. No creo que mi posición actual sea lo último pero si llega a ser ese el caso, está bien. Incluso si mi debut fuese el “final”, estaría satisfecho con mi ida. Cualquier cosa que haga en el futuro pienso que estaré satisfecho. Puedo decirlo con mucha confianza ya que sabía que era muy infeliz cuando estaba atado al pensamiento de que tenía que lograr algo. En algún punto, me di cuenta de cuánto disfruto y amo mi trabajo.

¿Qué clase de persona quieres ser para tus seres queridos y gente cercana?

Hay algo que deseo de ellos. Que estén siempre a mi lado en cada decisión que tome. Porque yo haría lo mismo por ellos.

Traducido del coreano al inglés por choconini_

Traducido al español por EXO Silver Dream

[coleccionistadepeliculas]

1917: Por qué podría ganar el Oscar

Si bien no soy fan de las películas de guerra, ultimamente vienen a full y están revolucionando el género. Antes eran solo tiros, accion y chau. Ahora tienen una trama fuerte, una fotografia y edicion de sonido todo llevado a otro nivel, que logran que dejen de ser pochocleras y transmitan mucho más (al menos las más aclamadas ultimamente). Hablando puntualmente de 1917 es IMPECABLE, asi tal cual. Es dificil decidir por donde empezar a contar todo lo que esta bien en esta pelicula pero voy a arrancar por lo mas fascinante: toda la pelicula esta filmada en UNA TOMA CONTINUA, entienden lo que es eso? Lo dificil que es lograr una sensacion de toma continua en una pelicula de guerra, donde pasa de todo, donde hay que seguir a DOS personajes durante un recorrido eterno? ES MUY DIFICIL pero acá lo hicieron y lo hicieron tan bien que te olvidas que en realidad, son escenas cortadas y editadas a la perfección para que sientas que filmaron todo de una. Es super intenso ver los movimientos de la camara alrededor de los personajes y su entorno, te da esa sensacion de que no te podes quedar quieto, porque estás en zona de guerra, como ellos. Bueno ahora hablando de ellos, los personajes principales Tom Blake y William Schofield son ORO. Y no se si empezar a hablar de los actores o los personajes en sí, quiero hablar de todo y me hago lío. La voy a hacer corta igual, el actor que interpreta a Tom es Tommen (!!) en Game of Thrones (Dean-Charles Chapman) y el que hace de Will (George MacKay) lo vimos en Captain Fantastic con Viggo Mortensen que si no la vieron VEANLA MABEL es hermosa, bueno basta. En cuanto a los personajes en si, transmiten lo que son: dos pobres pibes que los mandaron a la guerra, que pasan hambre, frio, sueño, sed y que extrañan su casa. Pibes jóvenes, con miedo, poco preparados para una guerra, equipados con lo justo para sobrevivir, pero siempre fieles a sus ideales y al honor que se supone representa pelear en una guerra. En sus caras ves, sentís el miedo, la desesperación de estar en el medio de la nada sin saber cuando vas a volver a casa, si es que volvés. Ahora sí vamos a lo prinicipal, que me lo re salteé: la trama. De qué va la película? Todo sucede en Francia en medio de la Primera Guerra Mundial, dónde un oficial al mando, descubre que los Alemanes están planeando un ataque para emboscar a 1600 soldados británicos unos cuantos kilomentros mas adelante de donde estaba la base de Tom y Will. Entonces, los mandan a ellos dos a entregar un mensaje con una orden oficial de parar todas las ofensivas porque sino los iban a matar a todos, incluyendo al hermano mayor de Blake. Cuestión que agarran la misión (como si tuvieran otra opción) y empiezan a caminar solo ellos dos, atravesando lineas enemigas, campos de batalla, cementerios, trincheras, terrible todo. Sin spoilear, no hay mucho más que pueda contarles realmente, aunque si buscan en Google que pasó en Abril de 1917, ya van a saber el final de la pelicula, si quieren se los digo, bueno. Pero mas abajo en la sección de spoilers *flechita hacia abajo* Como dato extra: Esta peli es aun mas mejor (? porque aparecen Benedict Cumberbatch, Colin Firth y Mark Strong así como que no quieren la cosa ah. Ah me olvidaba JAJAJA por qué creo que podría ganar el Oscar: La verdad, de las demás nominadas no vi aún Parasite, Little Woman ni Jo Jo Rabbit así que mi opinión es limitada, pero si hablamos de competidores fuertes en cuanto a trama, guión, fotografía, popularidad y producción, los únicos competidores fuertes son Joker y The irishman. Quitando la popularidad, me super gusta Ford VS Ferrari pero no se si le da como para un Oscar. Está muy buena, me gustó muchísimo pero le falta algo, no sé. Y Once upon a time in Hollywood la tiene jodida al ser medio bizarra.. Además con el tema de Bruce Lee fue polémica y no sé que tanto les cierre eso a la hora de premiarla. ******************************************************************************************************************************SPOILERS AHEAD********************************* ******************************************************************************************* BUENO ESTÁ BIEN LES CUENTO EL FINAL Si, lo logran, entregan el mensaje y salvan a todos, incluyendo a Blake hermano mayor (que es Robb de GOT!), PERO, pero me tomó por sorpresa que todos empezamos la pelicula pensando que Tom es el personaje principal, te hacen empatizar, conocer su historia y todo PA QUE MABEL, si se muere de una forma tan tonta, y tan real... O sea, es realista que las muertes no sean epicas ni significativas y mucho menos en una guerra donde te diste vuelta dos minutos y pasó algo como esto. Pero bueno, esto nos deja a Will para apreciar cada gesto y como te hace estar tenso toda la pelicula acompañandolo. Yo sinceramente pensé que él iba a morir primero, o al menos a perder la mano después de las primeras escenas, pero me sorprendió. ******************************************************************************************************************************FIN DE SPOILERS********************************* ******************************************************************************************* Si llegaste hasta acá te admiro, porque hablo mucho. Vos viste la peli? Qué te pareció? Y si no la viste... Por qué?