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azul-maria-elias · 18 days ago

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Tertulia Beatleana. Retrospectiva y análisis de la discografía de los Beatles.

«Beatles For Sale» (1964)

Esta publicación forma parte de una serie de trabajos que estoy redactando sobre The Beatles que conforman una sección a la que llamo “Tertulia Beatleana”. Si querés conocer más sobre este proyecto te dejo el enlace a dicha entrada en mi blog donde explico un poco más y podrás encontrar todas las publicaciones listadas en orden.

¡Aclaración!

Quien se encuentre decidido a sumergirse en la lectura de mis publicaciones debe entender que escribo para entretenerme y para entrenarme en el arte de la escritura. Por naturaleza, habrá decenas de errores de información equívoca, mala ortografía y redacción, pobres análisis, etcétera. A pesar de esta decepcionante aclaración estoy convencida de que si te gustan e interesan los Beatles mis publicaciones te van a encantar. Le dedico muchas horas y cariño a ellos, lo que logra contrarrestar a mis poco pulidas habilidades de escritura e investigación.

Es por ello que mi trabajo será meramente recopilatorio, presentando de forma ordenada toda la información necesaria para empezar a comprender su música. Esto significa que encontrarás descenas de citas textuales no solo de los miembros de The Beatles y otros protagonistas de su historia, sino también de páginas, videos y artículos que analizaron y documentaron sobre su discografía.

Si encuentras algún error o quieras realizar una aclaración respecto a la información expuesta, te invito a que me lo escribas en un mensaje o comentario.

Agotados por la fama

Beatles For Sale fue el segundo álbum que los Beatles lanzaron en 1964, junto a A Hard Day's Night. Pero no se quedaron allí, ese mismo año hicieron su debut cinematográfico, lanzaron el EP "Long Tall Sally", dieron innumerables entrevistas, apariciones en radio y televisión y realizaron giras históricas por todo el mundo. Sin mencionar que consiguieron conquistar el anhelado mercado estadounidense.

Álbumes, singles, EPs y giras se atropellaban unos sobre otros sin apenas descanso. Los propios Beatles estaban cambiando el funcionamiento del negocio y la industria discográfica seguía dudando de sus estrellas. Tratarían de explotar hasta el último centavo antes de que, según sus pronósticos, explotara la burbuja que mantenía con fama el grupo. El resultado de esto fue Beatles For Sale: un disco que hasta en su título reflejaba un grupo cansado. — La Hemeroteca

En este contexto, EMI presionó a George Martin y a los Beatles a lanzar un disco nuevo para la temporada navideña. Su apretada agenda los obligó a empezar las grabaciones del álbum apenas dos meses después de haber lanzado A Hard Day's Night, el 11 de agosto de 1964, a pesar de que el lanzamiento estaba previsto para diciembre de ese mismo año. A Hard Day's Night había agotado su impulso creativo (no olvidemos que se trató del primer disco de la banda en no incluir reversiones de otras canciones), los Beatles volvieron a sumergirse en su cancionero de la era Cavern, lo que les permitió trabajar con rapidez al dominar el material.

Mientras que John Lennon había dominado la composición de A Hard Day's Night , Beatles For Sale fue más un esfuerzo colaborativo. "Baby's In Black" , "Eight Days A Week" , "What You're Doing" y "I Don't Want To Spoil The Party" fueron colaboraciones de Lennon y McCartney. McCartney también contribuyó con "Every Little Thing" y una de las primeras canciones, "I'll Follow The Sun" , mientras que Lennon se le ocurrió la apertura "No Reply" y "I'm A Loser" . — The Beatles Bible

A pesar de haber sido concebidos con pocos meses de diferencia, Beatles for Sale se presenta como la antítesis de lo que fue A Hard Day's Night. Mientras que en este último se muestra el lado descarado y encantador del grupo, Beatles for Sale contiene un notorio tono deprimente y melancólico en sus composiciones originales. A esto se le suma la creciente influencia de Bob Dylan sobre la banda, que se comienza a notar en A Hard Day's Night en pistas como "I Should Have Know Better" y continúa en Beatles For Sale en las letras, los acordes y los arreglos.

En el álbum también se destaca el comienzo de un trabajo instrospectivo del propio Lennon y un crecimiento como compositor en canciones como "No Reply", "Im A Loser" y "Baby's In Black", que perduraría en el proximo álbum con la destacada pista homónima "Help!".

A pesar de que el álbum se cataloga como uno de los peores del catálogo de los Beatles, su concepción es un logró en sí mismo. Hay que se justos y reflexionar sobre el contexto de su creación. El dúo de Lennon y McCartney se vió obligado a trabajar bajo presión, teniendo la difícil tarea de componer nueva música entre conciertos y presentaciones, lo que los obligó a utilizar los pequeños ratos libres en habitaciones de hotel, vuelos y trayectos para hacerlo. Teniendo en cuenta esto y sin olvidar que los Beatles habían grabado tres álbumes e innumerables sencillos en menos de dos años, resulta impresionante los límites que fue capaz de alcanzar la capacidad creativa y laborativa del grupo. Aunque el resultado de Beatles For Sale se derrumbe en comparación con sus demás obras, es un disco bastante bueno, lo que debe ser celebrado como un hito dadas sus circunstancias.

Aunque se convertiría ante la opinión pública en el más irregular y menos acogedor de sus primeros discos, es un hecho que cualquier banda de la época hubiera dado su vida por tener un álbum de ese nivel. — La Hemeroteca

Grabación del álbum

Fotos: Los Beatles grabando Beatles for Sale, 30 de septiembre de 1964; fotografías de Robert Whitaker.

La grabación de Beatles For Sale duró siete días que fueron repartidos entre agosto y octubre de 1964 debido a la apretada agenda de la banda.

Entre el primer día de trabajo, el 11 de agosto, y la última sesión, el 26 de octubre, tocaron 40 shows: 26 en EE.UU. y Canadá, 14 en Reino Unido. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

El grupo sabía que les faltaba material, por lo que grabó una selección de canciones que les causaran menos problemas. Durante la grabación del álbum, también grabaron ambas caras del sencillo independiente "I Feel Fine" / "She's A Woman" y el segundo disco navideño del club de fans del grupo.

Aunque los Beatles tuvieron un tiempo limitado en el estudio en la segunda mitad de 1964, una serie de innovaciones de estudio encontraron su camino hacia Beatles For Sale (The Beatles Bible).

Nuestros discos iban avanzando. Empezamos como cualquier persona que pasa su primera experiencia en un estudio: nerviosos e ingenuos y buscando el éxito. Para entonces, ya habíamos tenido muchos éxitos y algunas giras, y nos estábamos relajando más con nosotros mismos y sintiéndonos más cómodos en el estudio. Y la música estaba mejorando. Para este álbum ensayamos sólo las canciones nuevas. Canciones como "Honey Don't" y "Everybody's Trying To Be My Baby" las habíamos tocado en vivo tantas veces que sólo teníamos que conseguir un sonido y grabarlas. Pero con canciones como "Baby's In Black", tuvimos que aprenderlas y ensayarlas. También estábamos empezando a hacer un poco de sobregrabación, probablemente un cuatro pistas. Y George Martin sugería algunos cambios; no demasiados, pero siempre fue una parte integral de todo. — George Harrison, Anthology.

La banda no solo experimento con los métodos de grabación sino que también incluyó nuevos instrumentos, como los timbales de Ringo Starr en "Every Little Thing" y Harrison tocando un tambor africano en "Mr Moonlight", a lo que McCartney también agregó un órgano Hammond.

Otra novedad para el grupo fue el estar presentes en las sesiones de mezcla, que hasta ese momento se habían contentado con dejar que George Martin y sus ingenieros las llevaran a cabo en soledad.

Sentí que estábamos progresando a pasos agigantados, musicalmente. Parte del material de Beatles For Sale y del álbum Rubber Soul de 1965 era simplemente brillante; lo que estaba sucediendo en otros lugares no tenía comparación. Se estaba volviendo realmente emocionante en el estudio. Lo hacíamos todo allí: ensayar, grabar y terminar las canciones. Nunca alquilamos una sala de ensayo para repasar las canciones, porque muchas de ellas no estaban terminadas. Las ideas estaban ahí para la primera estrofa o un estribillo, pero los escritores podían cambiarlas mientras las estábamos haciendo, o si alguien tenía una buena idea. La primera forma en que escuchaba una melodía recién escrita era en la guitarra o el piano. Es genial escuchar la progresión a través de las tomas de varias canciones. Cambiaban drásticamente. Primero, quien la escribió decía: "Es así". La tocaba en la guitarra o el piano, cantándola cada vez; aprendían a cantar la canción mientras todos aprendíamos a tocarla, una y otra vez. La mayoría de nuestras primeras grabaciones eran en tres pistas porque guardábamos una pista para las sobregrabaciones. Eso también nos mantuvo unidos como banda: tocábamos, tocábamos y tocábamos. Si uno de ellos podía cantarla, los cuatro podíamos tocarla hasta el cansancio. No había nada de eso de "Pondremos el bajo más tarde, o las guitarras". Poníamos la mayor parte en el momento, incluidas las voces. Y las canciones se escribían en cualquier parte. — Ringo Starr, Anthology.

El grupo estaba empezando a absorber nuevas influencias. Más específicamente, estaban adentrándose en la música folk. En parte, debido a todos sus viajes en carretera durante la gira de 1964, pero sobretodo por su nueva amistad con Bob Dylan, a quién habían conocido hace poco. El reflejo de Dylan en el trabajo de Lennon fue casi inmediato y en este disco es notorio. Sus canciones estaban adquiriendo un tono más oscuro y melancólico.

Ese clip del documental Anthology (1995) en donde los Beatles (sin John) hablan sobre Dylan nunca me dejará de causar gracia.

La portada

Fue el primer disco en presentarse en formato de funda plegable, conteniendo tanto en su portada, contraportada y en su interior fotografías de los Beatles tomadas por Robert Freeman (fotógrafo tradicional para las portadas de sus discos desde With The Beatles) en el Hyde Park de Londres.

La portada del álbum era bastante bonita: fotografías de Robert Freeman. Fue fácil. Hicimos una sesión que duró un par de horas y teníamos algunas fotos razonables para usar. Nos presentamos en Hyde Park, cerca del Albert Memorial. Me impresionó mucho el pelo de George allí. Se las arregló para crear su pequeño rizo. El fotógrafo siempre podía decirnos: "Simplemente vengan", porque todos llevábamos el mismo tipo de equipo todo el tiempo. Ropa negra; camisas blancas y grandes bufandas negras. — Paul McCartney, Anthology.

Fotos: Imágenes extraídas de la web "Fab 4 Collectibles"

La portada describía a la perfección el carácter del álbum: los Beatles se presentaban con rostros apagados, pálidos y serios enmarcados por sus cabellos largos y cuellos arremangados. El título del álbum aparecía en un tamaño de letra pequeño, empequeñecido por los logotipos de EMI/Parlophone, y el nombre de los Beatles no aparecía en ningún otro lugar de la portada.

En el interior del disco y acompañando un montaje de fotografías del grupo, se podía leer la siguiente una nota del escritor y periodista británic Derek Taylor:

Esta es la cuarta de las cuatro. 'Please Please Me', 'With The Beatles', 'A Hard Day's Night'. Ya van tres. Ahora... 'Beatles For Sale'. Los jóvenes en sí no están a la venta. El dinero, por ruidoso que sea, no habla tan alto. Pero puedes comprar este álbum; probablemente lo hayas hecho, a menos que solo estés curioseando, en cuyo caso no dejes huellas dactilares sucias en la funda. Pero no todo es moneda corriente. Hay una historia inestimable entre estas portadas. Ninguno de nosotros se está volviendo más joven. Cuando, dentro de una generación, un niño radioactivo, fumador de puros, haciendo un picnic en Saturno, te pregunte de qué se trataba el asunto de los Beatles –«¿De verdad los conocías?»–, no intentes explicarle todo lo del pelo largo y los gritos. Simplemente ponle al niño algunas canciones de este álbum y probablemente entenderá de qué se trataba. Los niños del AD2000 obtendrán de la música la misma sensación de bienestar y calidez que nosotros hoy. Sospecho que la magia de los Beatles es eterna y no tiene edad. Ha roto todas las fronteras y barreras. Ha superado las diferencias de raza, edad y clase. Es adorada por el mundo. Este álbum contiene algunas muestras preciosas de la música de los Beatles. Tiene, por ejemplo, ocho nuevos títulos creados por los incomparables John Lennon y Paul McCartney , y, mezclados con lo nuevo, hay seis números seleccionados de la riqueza rítmica de la extraordinaria década pasada; piezas como "Kansas City" y "Rock And Roll Music". Maravilloso. Se han dedicado muchas horas y noches de duro trabajo a la producción de este álbum. No es una mezcla improvisada que sirve para vender cualquier cosa en Navidad. Al menos tres de las canciones de Lennon y McCartney fueron consideradas seriamente como singles hasta que John apareció con "I Feel Fine". Estas tres fueron "Eight Days A Week", "No Reply" y "I'm A Loser". Cada una de ellas habría encabezado las listas, pero tal como están las cosas son un adorno para este LP y una lección para otros artistas. Como en otros álbumes, los Beatles han incluido mucho más valor del que el mercado suele exigir. Hay pocos trucos o artilugios de grabación, aunque para lograr un mayor efecto, los Beatles y su manager de grabación George Martin, han incluido algunas novedades. Como Paul en el órgano Hammond para introducir dramatismo en Mr. Moonlight, que también, y por primera vez, tiene a George Harrison aplicando un golpe a un viejo tambor africano porque Ringo estaba ocupado en otra parte del estudio, tocando bongos. El golpe de George permanece en la pista. Los bongos fueron eliminados más tarde. Ringo toca timbales en "Every Little Thing", y en la pista "Rock And Roll Music" George Martin se une a John y Paul en un piano. En "Words Of Love" , Ringo toca una caja de embalaje. Más allá de esto, se trata de un disco de 1964, el mejor del mundo en su género. Hay poco o nada en el álbum que no pueda reproducirse en el escenario, lo que, como saben los estudiosos y críticos de la música pop, no siempre es así. Aquí está, pues. El mejor álbum hasta ahora –sin duda, dicen John, Paul, George y Ringo–, lleno de todo lo que hizo de los cuatro la mayor atracción que el mundo haya conocido jamás. Lleno de John crudo y Paul melódico; un tema de George y un extra de Ringo. Para aquellos a quienes les gusta saber quién hace exactamente qué, hay detalles junto a cada título. — Derek Taylor.

Canción por canción

Fotos 1 y 3: Letras de los Beatles durante la sesión de Beatles For Sale, 30 de septiembre de 1964. Foto de Robert Whitaker. Foto 2: Letra de "Baby's In Black", 11 de agosto de 1964. Foto de Leslie Bryce.

1. No Reply

El disco abre con una composición de Lennon para Tommy Quickly, otro de los artistas representado por Brian Epstein, aunque este nunca publicó una versión de la canción. El demo grabado por Los Beatles para el artista se publicó en 1993 en Anthology 1 junto con una segunda versión.

Esa es mi canción. Dick James, el editor, dijo: "Es la primera canción completa que has escrito donde todo se resuelve por sí solo". Ya sabes, con una historia completa. Era mi versión de 'Silhouettes': tenía esa imagen de caminar por la calle y ver su silueta en la ventana y que no conteste el teléfono, aunque nunca llamé por teléfono a una chica en mi vida. Porque los teléfonos no eran parte de la vida del niño inglés. — John Lennon, 1980

Lennon hace alusión a "Silhouettes", un éxito de 1957 de The Rays, un cuarteto de R&B de Nueva York. Las primeras líneas de la canción guardan cierta similitud con "No Reply":

Took a walk and passed your house late last night (Di un paseo y pasé por delante de tu casa anoche) All the shades were pulled and drawn way down tight (Todas las persianas estaban bajadas y bien cerradas) From within the dim light cast (Desde dentro la tenue luz proyectaba) Two silhouettes on the shade (Dos siluetas en la sombra) Oh what a lovely couple they made (Oh, qué encantadora pareja hacían)

"No Reply" huye de los clásicos temas de amor para dirigirse a temáticas mucho más amargas. Lennon muestra mucha más inseguridad, si llegar a ser autobiográfica.

A pesar de que compusieron esta canción para Tommy Quickly, también representado por Brian Epstein, los Beatles decidieron quedársela. El ritmo era una adaptación del de la bossa nova, que hacía furor en aquella época. Con un cominzo abrupto de voz grabada en dos pistas y eco para enfatizar el tono, abría el disco de manera dramática. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Esta es mi pista preferida del álbum y el mejor inicio que podía tener. Las guitarras rítmicas de John y George son adictivas, combinandose a la perfección con el rítmo de bossa nova de la batería de Ringo. Soy adicta al coro de esta canción, adoro la voz desesperada de John y Paul que transmiten a la perfección el dolor de un engaño, y son perfectamente acompañadas por los violentos rasgueos de las guitarras. El puente con el agregado de las palmas también me parece maravilloso. Todo me encanta de esta composición, pudiéndola escuchar una y otra vez sin cansarme.

2. I'm A Loser

"I'm A Loser" continúa con la temática negativa de la pista anterior, por lo que suele considerarse al incio de Beatle For Sale como el más oscuro de la discografía de la banda.

Ese soy yo en mi época de Dylan. Una parte de mí sospecha que soy un perdedor y otra piensa que soy Dios Todopoderoso. [Risas] — John Lennon

La composición acústica de Dylan y su profundidad lírica tuvieron un profundo efecto en Lennon; como resultado, comenzó a explorar más sus propios sentimientos en las canciones. (The Beatles Bible).

A su vez, un encuentro entre John y el periodista Kenneth Allsop lo incentivaría a escribir letras más profundas. Allsop le sugirió que intentara escribir de forma más autobiográfica, basando sus canciones en experiencias personales en lugar de sentimientos genéricos de amor.

"Cualquiera que sea el mejor en los suyo —como es el caso de Dylan— indefectiblemente va a influenciar a la gente", dijo Lennon. Es innegable el impacto de Bob Dylan en esta canción, aunque el arrepentido ncogiminto de hmbros de las letras (y el ritmo con swing) eran deudores, por lo menos en igual medida, de la música country que a los Beatles también les encantaba. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La canción inicia con la serpenteante voz de John y la voz de Paul en los coros, con ni más ni menos que la frase "soy un perdedor" que le da nombre a la canción. Esta intro es muy atrapante e intrigante para luego pasar aun tempo rápido y casi simpático. Una vez que inicia jamás se detiene. Me encanta lo que hacen las guitarras, pero sobre la línea de bajo que realiza Paul. Es maravilloso y embriagador una vez que lo notas, casi boogie y muy divertida. La voz de Lennon lo hace genial, agregandole una gran interpretación a la ya pintoresca letra. También destaco el agregao de Ringo tocando la pandereta. Toda esta energía se combina en el puente musical y en el final, donde la voz abre paso a los instrumentos y todo parece querer tener protagonismo al mismo tiempo: el bajo, las guitarras, la armónica, la pandereta. Es genial.

"I'm A Loser" inaugura una tendencia que Lennon arrastraría en algunas de sus letras en los años siguientes. Su carencia de felicidad, su insatisfacción personal que luego, y de manera mucho más notoria, reflejaría en Help! — La Hemeroteca

3. Baby's In Black

"Baby's In Black" fue compuesta por Lennon y McCartney en una habitación hotel mientras los Beatles estaban de gira en el verano de 1964.

Será mejor que explique lo que John y yo queríamos decir con este título, ¿no? La historia trata de una chica que viste de negro porque el chico que ama se ha ido para siempre. El chico que canta la canción también está enamorado de ella, pero no llega a ninguna parte. La escribimos originalmente en estilo vals, pero terminó como una mezcla de vals y ritmo. — Paul McCartney, 14 de noviembre de 1964

Se ha especulado que la canción trata sobre Astrid Kirchherr, la fotógrafa y artista alemana con la que los Beatles se hicieron amigos en Hamburgo. Estaba comprometida con el primer bajista de los Beatles, Stuart Sutcliffe, quien murió de una hemorragia cerebral en abril de 1962.

Hicimos "Baby's In Black" porque nos gusta el ritmo del vals. Solíamos hacer "If You Gotta Make A Fool Of Somebody", un blues genial en 3/4. Y otras bandas se daban cuenta y decían: "Mierda, hombre, estás haciendo algo en 3/4". Así que nos hicimos conocidos por eso. Y creo que también John y yo queríamos hacer algo blusero, un poco más oscuro, más adulto, en lugar de pop puro. Era más "mi nena va de negro", como de luto. Nuestro color favorito también era el negro. — Paul McCartney, Anthology

Para algunos críticos, hablando de un grupo que era magnífico interpretando gracias a todos su años de experiencia, "Baby's In Black" cae en una de las interpretaciones más flojas de la carrera del grupo.

En esta época, Lennon y McCartney acostumbraban pasarse canciones incompletas el uno al otro para ayudarse a terminarlas. "Baby's In Black", sin embargo, la escribieron los dos en la casa de Lennon, en Kenwood. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

4. Rock And Roll Music

Los Beatles convertido esta canción de Chuck Berry en un elemento fundamental de sus conciertos en vivo entre 1959 y 1966. "Rock And Roll Music" representó un gran éxito para Berry en 1957, y los Beatles acudieron a ella cuando se estaban quedando sin material original para el álbum.

Dado que esta canción era parte del repertorio en vivo de los Beatles, desde 1959 en Hamburgo hasta su última actución en 1966, no llama la atención que la hayan grabado en una sola y furiosa toma, con una performance vocal ronca y apasionada de Lennon. El arma secreta de la versión de etudio era el tremendo piano de George Martin, ciertamente su interpretación más rockera jamás grabada. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Es uno de los mejores covers de la banda y cambia por completo el tono deprimente que llevaba el álbum hasta ahora.

5. I'll Follow The Sun

"I'll Follow The Sun" era una antigua composición de Lennon y McCartney. Fue escrita en 1959 en la casa familiar de McCartney en Allerton, Liverpool.

No se habría considerado lo bastante buena [para ser interpretada por el grupo]. Yo no la habría puesto. Como he dicho antes, en Liverpool teníamos esta imagen de R&B, una imagen de rock and roll, R&B, dura, con el cuero. Así que creo que canciones como "I'll Follow The Sun", baladas como esa, se dejaron para más tarde. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

Como sucedió con la mayoría de las pistas del disco, decidieron recuperarla y grabarla a falta de material nuevo.

En el disco hicimos que Ringo se golpeara las rodillas. Pensábamos en términos de singles y el siguiente tenía que ser siempre diferente. No queríamos caer en la trampa de las Supremes, donde todas sonaban muy parecidas, así que, para ello, siempre nos interesó tener una instrumentación variada. Ringo no podía cambiar continuamente de batería, pero sí de caja, golpear una caja de cartón o darse palmadas en las rodillas. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

"Había algunas canciones muy viejas que no había terminado, pero no me había olvidado de ellas", declaró McCartney. "[Esta] ra una". Esta canción suave y relajada se remonta a la época de los Quarry Men. A McCartney se le ocurrió la idea de que Starr marcara el ritmo golpeándose las rodillas, lo cual le dio a la canción un sabor aun más cercano a Buddy Holly. Era la canción preferida de Martin del disco. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

6. Mr Moonlight

"Mr Moonlight", canción original de Roy Lee Johnson, era otra de las canciones sacadas del repertorio en vivo habitual de la banda.

Esta es la segunda canción que no escribimos. Originalmente era el lado B de "Dr Feelgood" y uno de los temas que tocamos en The Cavern. Toco un poco de órgano suavemente de fondo y John y yo cantamos. Ringo consiguió una especie de conga con forma de cuerno para esta canción y tuvo un buen efecto. — Paul McCartney, 14 de noviembre de 1964

Uno de los puntos más bajos del catálogo de los Beatles; (...) La voz exagerada de Lennon y el ritmo clypso y shuffle son lo suficientemente raros; pero el solo de órgano de McCartney convierte la canción en una verdadera rareza. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

7. Kansas City / Hey-Hey-Hey-Hey

Una de las actuaciones de rock & roll más emocionantes de los Beatles, "Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey" fue grabada para el álbum en una sola toma.

"Kansas City" fue escrita por Jerry Leiber y Mike Stoller en 1952. Fue grabada en un principio por Little Willie Littlefield, pero la versión que la hizo popular fue la de Wilbert Harrison. Más tarde sería reversionada por Little Richard. Cuando la interpretaba en vivo, solía formar parte de un popurrí con su propia canción "Hey-Hey-Hey-Hey!", que se lanzó por primera vez en 1958 como cara B de "Good Golly Miss Molly".

Podría hacer la voz de Little Richard, que es una cosa salvaje, ronca y chillona; es como una experiencia extracorporal. Tienes que abandonar tu sensibilidad actual y elevarte unos treinta centímetros por encima de tu cabeza para cantarla. Tienes que salir de ti mismo. Es un truco curioso y, cuando lo encuentras, es muy interesante. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

A pesar de haberlo abandonado casi por completo en 1963, los Beatles revivieron el popurrí "Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey!" cuando su primera gira estadounidense llegó al Estadio Municipal de Kansas City, Missouri, el 17 de septiembre de 1964. El público lo recibió con entusiasmo, lo que llevó al grupo a considerar grabarlo en el estudio. Conocían tan bien la canción que la primera toma es la que se puede escuchar en el disco.

8. Eight Days A Week

"Eight Days A Week" fue compuesta como una posible canción principal para su segunda película, aunque en su lugar se utilizó "Help!".

Help! como película fue como "Eight Days A Week" como disco para nosotros. A mucha gente le gustó la película y a mucha gente le gustó el disco. Pero ninguno de los dos era lo que queríamos: sabíamos que no eramos realmente nosotros. No nos avergonzábamos de la película, pero los amigos íntimos sabían que la película y "Eight Days" no eran lo mejor que habíamos hecho. Ambas estaban un poco fabricadas. — John Lennon, Anthology

Esta canción dio muchos problemas a los Beatles durante su composición y grabación. Al llegar al estudio, no tenían claras muchas cosas del tema y el inicio era todo un problema. Experimentaron con varias cosas hasta que se les ocurrió quitar los coros e iniciar con un fundido. Nunca había pasado. Aunque muchas de las canciones terminaban así, no era nada común que iniciaran de esa forma. — La Hemeroteca

9. Words Of Love

Escrita y grabada por Buddy Holly en 1957, "Words Of Love" fue la única de sus canciones grabada por los Beatles en EMI Studios.

Los Beatles no eran ajenos a las composiciones de Buddy Holly e interpretaron en directo varias de ellas: "That'll Be The Day", "Peggy Sue", "Everyday", "It's So Easy", "Maybe Baby", "Think It Over", "Raining In My Heart" y "Crying, Waiting, Hoping".

Buddy Holly era completamente diferente; era de las afueras de Nashville, así que nos introdujo en la escena de la música country. Todavía me gusta el estilo vocal de Buddy. Y su escritura. Una de las principales características de los Beatles es que empezamos escribiendo nuestro propio material. Hoy en día la gente da por sentado que lo haces, pero entonces nadie lo hacía. John y yo empezamos a escribir por Buddy Holly. Fue como: "¡Vaya! Escribe y es músico". — Paul McCartney, Anthology

10. Honey Don't

La impresindible pista vocal de Ringo, que se había convertido en un constante en sus discos, no había estado presente en A Hard Day's Night. Para su regreso vocal en un álbum de los Beatles, se eligió la canción de Carl Perkins, "Honey Don't", lanzada originalmente en 1956.

Todos conocíamos "Honey Don't"; era una de esas canciones que tocaban todos los grupos de Liverpool. Me encantaba la música country y el country rock. Tuve mi propio espectáculo con Rory Storm, cuando hacía cinco o seis números. Así que cantar y actuar no era nuevo para mí; se trataba de encontrar medios para mí con los Beatles. Por eso lo hicimos en Beatles For Sale. Era cómodo. Y por fin tenía un tema en un disco: mi pequeño lugar destacado. — Ringo Starr, Anthology

La canción formaba parte de su repertorio en The Cavern, aunque la voz era intepretada por Lennon.

11. Every Little Thing

"Every Little Thing" fue escrita principalmente por Paul McCartney con la idea de que se convirtiera en un poderoso sencillo que prosiguiera a "A Hard Day's Night" pero no fue así. En sus propias palabras:

Era algo que me parecía bastante bueno, pero se convirtió en un relleno del álbum más que en el gran single todopoderoso. No tenía lo que se necesitaba. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

Las últimas tomas de la canción fueron grabadas en una sesión desenfadada, como recuerda el historiador oficial de los Beatles, Mark Lewisohn:

La toma seis fue interrumpida cuando Paul eructó una parte vocal en lugar de cantarla; la séptima estaba completa pero acabó entre carcajadas. Y Ringo se divertía con un instrumento nuevo en las grabaciones de los Beatles: los timbales. Aparecen por primera vez en la toma nueve, junto con la introducción de guitarra y la pieza de piano. — Mark Lewisohn, The Complete Beatles Recording Sessions

12. I Don't Want To Spoil The Party

"I Don't Want To Spoil The Party" fue compuesta por Lennon y McCartney con Ringo en mente.

Ringo tenía un gran estilo y una gran entrega. Tenía muchos fans, así que nos gustaba escribir algo para él en cada álbum. "I Don't Want To Spoil The Party" es una canción bastante bonita, coescrita por John y por mí. Suena más a John que a mí, así que 80-20 para él, sentado trabajando. Ciertas canciones eran inspiradoras y otras eran trabajo, no significaba que fueran menos divertidas de escribir, era sólo un oficio, y esto era realmente un trabajo por encargo, en el que Ringo hizo un buen trabajo. — Paul McCartney, Many Years From Now (1997)

A pesar de lo que recuerda McCartney, Starr no cantó la canción. No se sabe con certeza por qué Lennon tomó la iniciativa, aunque afirmó que la canción había sido escrita con el corazón.

"I Don't Want To Spoil The Party" se compuso como una canción country. Starr era un aficionado del country, y se convirtió junto a "I'll Cry Instead" en una de las primeras canciones de los Beatles en ese estilo.

13. What You're Doing

Paul McCartney escribió "What You're Doing" inspirado en su tormentosa relación con Jane Asher.

Reflejo de los sentimiento más sombríos de McCartney acerca de u relación con Asher, "What You're Doing" tiene un ritmo poderoso y rodante y una estructura engañosamente complicada. No tiene estribillo, empieza con una intrducción de batería y una parte de guitarra de doce cuerdas —que de algún modo viene a anticipar el sonido folk rock de os Byrds— que se hace eco de cada estrofa. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Los Beatles experimentaron con los arreglos y la producción de diversas maneras durante la grabación de esta pista. Lo más notable, es la distorsión en los coros y el solo de guitarra, un sonido inusual en aquella época. La pausa de piano y bajo antes del final también muestra a los Beatles probando ideas y estableciendo técnicas de grabación que más tarde utilizarían con un efecto deslumbrante (The Beatles Bible).

14. Everybody's Trying To Be My Baby

"Everybody's Trying To Be My Baby" fue grabada originalmente por Carl Perkins en 1957.

George Harrison prestó su voz para el cierre del álbum, debido a que posiblemente el mayor fanático de Perkins del grupo. Lo homenajea durante todo el disco desde sus riffs de guitarra y había cantado "Glad All Over" para las grabacions de la BBC. Esto se confirma con el hecho de que durante la primera gira de los Beatles por Escocia en 1960, como banda de acompañamiento de Johnny Gentle, todos decidieron adoptar seudónimos. George pasó a ser conocido brevemente como Carl Harrison, en honor a su ídolo (The Beatles Bible).

Los Beatles insertaron una breve pausa entre los versos de la primera estrofa, un arreglo tomado de la grabación original de Perkins de "Blue Suede Shoes". El falso final, por su parte, parece haber sido una invención del grupo: una versión grabada en el Star-Club de Hamburgo en diciembre de 1962 incluye no menos de cuatro florituras instrumentales adicionales al final (The Beatles Bible).

Lanzamiento

Beatles For Sale salió a la venta el 4 de diciembre de 1964, contando con 700.000 pedidos anticipados. Ocupó e primer puesto durante nueve semanas seguidas, sacando del primer lugar a su disco previo, A Hard Day's Night.

Se volvió evidente que todo lo que tocaban los Beatles lo convertían en oro. Los fanáticos abrazaron al disco con entusiasmo y recibió críticas favorbles en la prensa musical del Reino Unido.

Aunque el título tenía un toque de cinismo al describir a los Beatles como un producto para verde, el hecho es que sí se vendió y cumplió su cometido. Marcaría un presente para que en el futuro, los Beatles exigieran mejores condiciones y tiempos para grabar sus nuevos materiales, pues con los números que arrojaban, poco podría hacer la disquera para en el futuro no ceder a sus exigencias. — La Hemeroteca

Foto: Sesión fotográfica para la portada de 'Beatles for Sale' por Robert Freeman en el Hyde Park.

Si llegaste hasta aquí, ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Si este escrito escrito ha sido de tu agrado te dejo por aquí mi siguiente publicación: Las canciones sin álbum: entre «Beatles for Sale» y «Help!». También y por qué no, te invito a seguirme para no perderte ninguno de los siguientes.

Bibliografía

"Beatles For Sale". The Beatles Bible. Recuperado de https://www.beatlesbible.com/albums/beatles-for-sale/

La Hemeroteca. (2024, febrero 3). "El tropiezo de The Beatles | La historia de los Beatles For Sale | #ÁlbumHistórico". Recuperado de https://youtu.be/W_pUaoDYl3Q

Plootkin P. (2013). “The Beatles. La guía definitiva, disco por disco”. Revista Rolling Stone.

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fuxicologia · 2 months ago

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Decidi mudar o conteúdo aqui dessa página.

Criei essa conta para ser um refúgio caso o BlueSky, Threads e Kookie caíssem.

Pra mim, a ideia do tumblr sempre foi postar artes bonitas, brilho, gifs emocionados do seu otp. Inclusive, até hoje tenho um tumblr assim, que nunca mais atualizei.

Só que ao perceber o motivo de eu ter criado essa conta aqui, especificamente, tive uma epifania. Eu quero escrever. É por isso que sempre amei o twitter, por isso que criei tantos "refúgios" diferentes ao me ver sem meu grande amigo, meu casca de bala. A blogosfera sempre foi a minha casa.

Antes do Twitter sequer pensar em existir, eu já tinha um blog. Eu tinha um fotolog para postar textos junto das minhas fotos. Eu tinha um fakr no orkut para participar de um RPG... de texto.

Escrever sempre foi o meu real refúgio, e não é o fim de uma plataforma que vai midar isso.

Foi aí que o clique aconteceu. Não adianta tentar me adequar ao que as pessoas fazem atualmente. Um padrão na criação de conteúdo, procurar o que está em alta e replicar. Eu não quero criar conteúdo para ser famosa, eu quero me comunicar. Mesmo que pouca spessoas leiam, ou escutem o que tenho a dizer. Eu quero falar, escrever e transmitir minhas ideias.

Quando eu tinha blog, não precisava de vários. "Não posso falar sobre esse assunto, o algorítimo não vai gostar" Não. Eu falava sobre qualquer coisa. Seja meu dia na escola, um anime legal que assisti ou o último lançamento da Ayumi Hamasaki.

Quando eu tinha blog, era legal dar um nome daora pra ele. O meu se chamava "Wo Ai Ni", que era eu te amo em chinês. Por qual motivo? Minha amiga ouviu isso em Fushigi Yugi e eu achei bacana. Simples e prático. O Wo Ai Ni me serviu por vários anos, até que chegou ao seu fim.

E não ter um lugar onde eu podia falar sobre qualquer coisa e interagir foi o meu maior erro. Talvez eu até tivesse um canal bombado, e seria a segunda pessoa mais famosa do Meier, depois do Felipe Neto. Depois que o Wo Ai Ni jogou a cadeira, fiquei apenas com o twitter. E todos sabemos que lá nunca foi muito bom para se comunicar. Quem sabe? Falar que gostou de Spy x Family poderia significar que você tem uma família funcional. E o twitter nunca gostou disso.

E agora o "Fuxicologia" surge como o sucessor do Wo Ai Ni. Um projeto que guardo com muito carinho desde antes da pandemia, e que nunca conseguiu ser completo. Sempre faltava algo.

Eu achava que o que faltava era "alguém". Que o Fuxicologia era para ser um projeto colaborativo, que eu precisava de uma companhia, um co-host. Sendo que o que faltava era eu mesma.

Demorou apenas uns 15 anos para eu perceber isso. Mas como diz o ditado; "Antes tarde do que Nunca."

Em breve postarei vídeos grandes, curtos e medianos. Tudo fruto dos meus roteiros incompreensíveis que só fazem sentido na minha cabeça. Vamos ver no que isso vai dar.

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vitrinanorte · 11 months ago

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ANTOF A MIL 2024 SE DESPIDE TRAS CONVOCAR A MÁS DE 12 MIL ESPECTADORES

Del 4 al 13 de enero se extendió la programación del Festival Internacional Antof a Mil por diferentes localidades de la región de Antofagasta, conquistando el corazón de niños, jóvenes y adultos con montajes nacionales e internacionales.

En esta versión, el festival presentado por Escondida | BHP y Fundación Teatro a Mil reforzó la importancia de llegar a públicos de 10 zonas diferentes de la ciudad de Antofagasta -Parque Brasil, La Cantera, La Chimba, el Balneario, la Plaza Bicentenario, el Campamento Altamira y las salas de Teatro Demoler, Fundación Minera Escondida, Liceo Experimental Artístico y el Teatro Municipal de Antofagasta- y de trabajar junto a la comunidad artística local, desarrollando proyectos escénicos colaborativos entre compañías regionales y artistas internacionales.

Con una masiva concurrencia y entusiasmo del público asistente del norte grande del país, el Festival Internacional Antof a Mil, presentado por Escondida | BHP y Fundación Teatro a Mil, desplegó su programación 2024 durante 11 días y contó con la presencia de más de 50 artistas y técnicos de artes escénicas, 2 actividades de formación y 19 funciones gratuitas en Antofagasta, Mejillones y Peine, convocando a más de 12 mil asistentes.

Cambia el escenario, fue la consigna de la 24° versión del Festival Internacional Antof a Mil, transformando gimnasios, campamentos y plazas en escenarios que acogieron a compañías locales e internacionales con espectáculos de calle y salas completamente llenas, el público logró conectar durante diez días consecutivos con montajes de compañías locales y también internacionales provenientes de Austria, Bélgica, España, Francia y Perú.

Cristóbal Marshall, Vicepresidente de Asuntos Corporativos de Escondida | BHP concluyó que “durante estos 24 años hemos impulsado este proyecto, junto a Fundación Teatro a Mil, entregando a la comunidad espectáculos de gran nivel e incentivando el intercambio de experiencia entre artistas locales e internacionales. Este año, el público acompañó y disfrutó de cada uno de los montajes, sorprendiéndose con la calidad técnica y artística de las presentaciones".

Carmen Romero Quero, directora general de Fundación Teatro a Mil, agradeció al público asistente de esta versión: “Sabemos que hubo mucha gente que viajó desde distintos lugares de la región a ver las obras, permitiendo que las funciones se presentaran en salas y calles para las familias de la zona. Estamos orgullosos de poder ofrecer esta cartelera de excelencia y que una región tan importante para la economía nacional se vuelva también un foco de desarrollo cultural para sus habitantes”.

CÓMO SE VIVIÓ ANTOF A MIL 2024

Con una emotiva inauguración a sala llena, la obra Má, escrita y dirigida por Pamela Meneses y protagonizada por la emblemática actriz Teresa Ramos, fue la encargada de abrir la cortina del Antof a Mil 2024 que continuó su recorrido con obras locales llevando al público a un viaje hacia los años 90 con la obra Memorias desenterradas (Aluvión 1991) del colectivo Producción Espécimen, quienes tuvieron dos funciones a tablero vuelto, seguida de un conversatorio post-función con el público.

Sin duda, la producción local fue la que dio la sorpresa y marcó presencia cuando la compañía Club de Lectura, fue la primera de la cartelera del festival en agotar las entradas a pocos días de iniciado el proceso de difusión con su obra Vistiendo un muerto en sus dos funciones en Teatro Demoler.

Desde Austria, el coreógrafo y director Willi Dorner abrió la programación internacional con Dance Karaoke. La noche del viernes 5 de enero sacudió al Balneario Municipal de Antofagasta que acabó pidiendo alargue de la jornada disfrutando las coreografías grabadas de personas anónimas en Antofagasta y Santiago.

Con una increíble puesta en escena la obra documental El mar: visión de unos niños que no lo han visto nunca, con su emotivo y poético relato, basado en la historia real del profesor Antoni Benaiges y sus alumnos en vísperas de la Guerra Civil de España, hizo reflexionar a todo el público sobre la educación, la memoria y la vocación.

Una segunda producción española, Poi estuvo a cargo desorprender con la fusión de las artes circenses con el juego del trompo y la cultura mediterránea. De la Compañía española, D'es Tro, y debutando en Latinoamérica, esta creación de Guillem Vizcaíno, se presentó en Mejillones, Peine y Antofagasta, donde finalizó con un taller para niños en la plaza bicentenario el martes 09 de enero.

La versión franco-chilena deJérôme Bel, creación del afamado coreógrafo francés del mismo nombre, interpretada por la actriz Alejandra Rojas en su versión para Antofagasta también recibió la buena respuesta del público con un elenco local. Asimismo Mañana es otro país, coproducción del Teatro Real Flamenco de Bruselas (KVS) y Fundación Teatro a Mil; dirigida por el belga Michael de Cock y protagonizada por la actriz nacional María José Parga, se trasladó a buscar sus propios escenarios en Mejillones y el campamento Altamira, contando la historia del viaje de una niña que debe emigrar en peligrosas condiciones para que el mañana sea posible en otro país.

Probablemente uno de los montajes más complejos de llevar a la región fue Moby Dick, de la compañía franco-noruega Plexus Polaire. Dirigida por Yngvild Aspeli, que contó en clave de cuento nórdico y con marionetas a escala humana, una versión de la épica novela de Herman Melville en el Teatro Municipal de Antofagasta.

NOCHE DE CLAUSURA

La histórica agrupación peruana Yuyachkani celebró sus 50 años de trayectoria con el pasacalle El teatro es un sueño - Desde lejos he venido, en una versión trabajada junto al Colectivo Teatral Primate de Antofagasta con más de 70 artistas locales y con talleres y conversatorios gratuitos para el público en el marco de LAB Escénico, parte del programa de extensión del festival y que busca abrir camino también a la formación y el intercambio cultural.

Finalmente, como parte de la selección del Jurado Digital del festival, que seleccionó creaciones audiovisuales de todo el país, se presentó a través deTeatroamil.tv la obra Eco, cortometraje teatral de Paula López Núñez filmado en la ex Oficina Salitrera Chacabuco, que recuerda la vida en la pampa, reflexionando sobre el sentido de migrar en busca de una mejor vida.

El Festival Antof a Mil 2024 fue posible gracias a la activa colaboración de los espacios de presentación de espectáculos -el Teatro Municipal de Antofagasta, Teatro Demoler, Liceo Experimental Artístico, Teatro Actor Héctor Noguera de La Chimba y Teatro Gamelin Guerra de Mejillones- y de organizaciones locales como la Escuelita Rebelde Chepuja del Campamento Altamira, donde se desarrollaron talleres y presentaciones de espectáculos.

El Festival Internacional Antof a Mil es un proyecto presentado por Fundación Teatro a Mil y Escondida | BHP, acogido a la Ley de Donaciones Culturales, con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

#Antofamil #Cultura #Culture #Art #Arts #Arte #Teatro #Dramaturgia #Teatroamil #Chile #Chilean #VitrinaNorte

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ternuras-rabiosas · 2 years ago

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🌸Ternuras rabiosas🌸es un fanzine que nace en los intercambios entre unas compañeras de vida con caminos y conocimientos paralelos y la misma aversión a los terrores del capitalismo. Desde la teoría crítica, el feminismo queer, el anticolonialismo, pasando por la ternura, la sororidad y el amor, el proyecto pone en comun los skills artisticos de @nival-art , a cargo del concepto visual y el arte, y Mireniall y @ocaptain-mycaptain-givemefreedom, plasmando en palabras, y a través nuestras de la reflexionar académica nuestras preocupaciones y reimaginaciones.

En nuestro compromiso con lo comunitario y la desjerarquizacion, Ternuras Rabiosas se plantea como un proyecto abierto, colaborativo, de las amigas y para las amigas: cada número se enriquece con la colaboración de amiguitas cuyo talento nos inspira cada día, y sin las cuales la ternura perderia sentido.

Bienvenides a ternuras rabiosas <3

Síguenos en Instagram: https://instagram.com/ternurasrabiosas?igshid=NGExMmI2YTkyZg==

#fanzine #art #amor #anti capitalism #postcolonialism #poetry #aesthetic #politics

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sprlaura · 2 years ago

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26042023

Exploración de cartografías

radio aporee

Durante el año 2000, el artista visual alemán Udo Noll, actual residente de Berlin, fundó radio aporee una plataforma para proyectos y prácticas en los ámbitos de la grabación de campo, el arte sonoro y la radio experimental.

radio aporee se creó como un "mapa sonoro global" y reproduce continuamente grabaciones de su proyecto. En su página de información señala que "se trata de un flujo sonoro con capacidad de respuesta, una radio topográfica que escucha, que puede (o no…) reconocer y reaccionar ante acontecimientos como, por ejemplo, nuevas cargas sonoras, sintonías de oyentes, actividad de aplicaciones móviles, sesiones en directo, llamadas telefónicas, etc." (x).

radio aporee es un experimento y una exploración continua de la geografía y nuevas prácticas relacionadas con el sonido, el arte y la radio, el proyecto se alimenta de las colaboraciones de artistas visuales (tal como su fundador), fonógrafos, ingenieros de sonido, y personas que disfrutan grabando sonido de campo, recopilando así "un corpus exhaustivo de sonidos de todo el mundo, y ha proporcionado numerosas herramientas de colaboración para las prácticas artísticas y la investigación en este campo" (x)

"Además de los aspectos de recopilación, archivo y cartografía sonora, la plataforma de radio aporee también invoca experimentos en los límites de los distintos medios de comunicación y el espacio público. Dentro de esta noción, la radio es tanto una tecnología en transición como una narrativa. Constituye un campo cuyas cualidades son la conectividad, la contigüidad y el intercambio. Los conceptos de emisor/receptor e intérprete/oyente pueden llegar a ser transparentes y reversibles." (x)

El actual proyecto de exploración auditiva se estableció en 2006 conectando "grabaciones sonoras con sus lugares de origen, con el fin de crear una cartografía sónica, accesible al público como proyecto colaborativo" (x)

"(radio aporee) Contiene grabaciones de numerosos entornos urbanos, rurales y naturales, revelando su compleja forma y condiciones sónicas, así como las diferentes percepciones, prácticas y perspectivas artísticas de sus numerosos colaboradores. esto lo convierte en un valioso recurso para proyectos artísticos, educativos y de investigación, y para su disfrute personal." (x)

A pesar de que radio aporee recopila los audios y los clasifica gracias a los aportes de sus colaboradores, la web funciona gracias a google maps y la tecnología de imagen satelital proporcionada por Maxar Technologies. De la misma manera los aportes no son arbitrarios y no se acepta cualquier tipo de audio, hay unos parametros para que estos sean aceptados. Según muestran las estadísticas:

radio aporee actualmente cuenta con 2445 colaboradores, quienes han aportado alrededor de 63109 sonidos alrededor de todo el mundo, específicamente en 55266 lugares.

La página principal de radio aporee muestra las grabaciones más recientes (en las últimas 24 horas) y te permite explorarlas. Dando click a los puntos rojos que representan las grabaciones podemos ver su "ficha técnica", por llamar la de algún modo, allí, bajo las pautas que se encuentran en la información adicional del proyecto, y las cuales contienen la dirección, nombre del lugar, título; título de la grabación; fecha y hora de la grabación; licencia; descripción; tipo de archivo.

Adicionalmente podemos encontrar el autor de la grabación, la duración de la grabación y botones para copiar dicha información, descargar el archivo de audio directamente, bajarlo desde el Internet Archive, enviarlo por correo electrónico y, finalmente, en el símbolo de pregunta ? podemos encontrar la frecuencia sonora y los metadatos de las grabaciones.

Desde la ficha técnica de las grabaciones también podemos añadir nuestros propios aportes, compartir e insertar (embed) y utilizar esa grabación para el geomixer

También pueden explorarse los sonidos favoritos de los usuarios que se han unido recientemente a los proyectos. Al igual que, al proporcionarle los permisos de ubicación al proyecto, se pueden revisar las grabaciones más proximas a la ubicación satelital actual del usuario que explora la página.

En el menú se pueden reproducir grabaciones al azar, también, dependiento en qué punto geográfico uno esté "parado" virtualmente reproduce la grabación más proxima. También a medida que se explora el sitio web se pueden reproducir "playlists" de grabaciones. El "geomixer" permite mezclar dos grabaciones distintas, y también puedes ser redirigido a la página de proyectos de usuario, en donde puedes filtrar las grabaciones por usuario y ver qué tantas contribuciones han realizado. El último hipervínculo te redirige a la página principal de radio aporee, la cual reproduce grabaciones reproducidas recientemente por otros usuarios.

El menú de búsqueda permite buscar las grabaciones por sonido o por lugar y filtrarlo por fechas, palabras, términos, y visibilidad.

Finalmente podemos encontrar el menu de herramientas e información, para poder explorar más a fondo el proyecto. A través del menú herramientas podemos compartir el mapa, usar el geocode, el cual permite añadir una grabación o buscar un sitio específico al insertar la latitud y longitud geográfica; en estadísticas vemos la información mencionada anteriormente sobre los números del sitio.

En información podemos encontrar las redes sociales, información adicional del proyecto y otros proyectos bajo radio aporee.

El sitio puede ser navegado tant oen inglés como en alemán. También nos permite la visualización satelital, como street map y como OSM (open street map). radio aporee presenta una propuesta interesante y colaborativa que cautiva la atención del usuario, es un trabajo que lleva en progreso más de 15 años y se alimenta del feedback de sus colaboradores y usuarios, creando cada vez pautas más específicas para el óptimo funcionamiento del proyecto, para más información, se puede visitar la página de información del proyecto about.

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lmjupdates · 2 years ago

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Lauren Jauregui se prepara para actuar en la Argentina y recordó a Fifth Harmony: “Fue gran parte de mi vida”

La cantante planea varias sorpresas para su show en Buenos Aires. En una entrevista con La Viola, la estrella habló sobre sus nuevas canciones, su forma de componer y su interés por la música de Lali.

Por Carlos Iogna Prat

En una entrevista con La Viola, la estrella habló sobre sus nuevas canciones, su forma de componer y su interés por la música de Lali

Lauren Jauregui comenzará en los próximos días con los ensayos para su próxima gira que pasará por la Argentina. La exintegrante de Fifth Harmony está presentando su carrera solista y los fans podrán disfrutar de sus canciones el 1 de marzo en el teatro Gran Rex de Buenos Aires.

“Voy a empezar con los preparativos en febrero. Estoy en contacto con mi equipo para arreglar algunas cuestiones sobre el vestuario para los recitales, maquillaje y peinado. Estamos en pleno brainstorming. En los próximos días voy a armar el listado de temas para las presentaciones”, describió Lauren Jauregui a La Viola sobre la previa del tour.

“Me encanta estar creando todo el tiempo. Para mí todo esto es muy divertido. Me alegro mucho y estoy feliz de hacer lo que me gusta y lo disfruto mucho”, agregó.

“Always Love”, una balada que recuerda una relación

“Always Love” es una canción que habla sobre el fin de una relación. El video la muestra a Lauren disfrutando del brumoso resplandor de la mañana. La escribió después de una ruptura y fue la forma que sintió para procesar la compleja emoción que sintió.

“La compuse en 2019 y trata sobre una relación anterior. La canción describe el sentimiento que sobrevive a la relación. Hay muchos que pasan todo esto. Aunque no pueden estar con esa persona, queda el amor de una forma diferente y con otro nivel de intensidad”, describió Jauregui sobre su último corte.

Sobre el proceso de creación, la cantante destacó que nació todo junto, la letra y la música: “La escribí junto a un amigo y fue una sensación que disfrutamos mucho. Fue todo muy colaborativo. En la letra expresa el amor que sentía por una persona, pero sabía que no podíamos estar juntos”.

También, la estrella pop detalló: “Cuando estoy escribiendo tengo la música primero y me pregunto qué me están transmitiendo. Qué cosas me provocan en mí”.

Lauren abrazó su libertad de expresión tanto personal y creativamente en su debut de 2021 llamado Prelude, donde mostró cada lado de sí misma con sensualidad, estilo y alma, entregando una representación sin filtros sobre ella.

En el track “Sorry” podemos disfrutar de los distintos tonos de su voz, con muy buenos arreglos orquestales: “Me encanta esa canción. Va un poco por el lado de ‘Always Love’. En ‘Sorry’ estoy más enojada porque mi pareja no podía ver lo que yo necesitaba para que estemos juntos”. La cantante anticipó que se viene un nuevo tema en los próximos días.

La relación de Lauren Jauregui con sus fans

Como pasa con muchos artistas, los seguidores están muy atentos a cada detalle en las redes sociales. “Tengo increíbles grupos de fans que me apoyan mucho y están muy pendientes de todo lo que estoy haciendo. Hacen reuniones y se organizan. Cuando estoy con algún premio se comunican conmigo en las redes. Los quiero mucho”, expresó la cantautora cubano americana.

Su sangre latina está muy presente. Desde muy chica sintió interés por el arte y la necesidad de expresarlo sobre el escenario. “Mis padres escuchaban mucha música y de todos los estilos”, contó recordando esa etapa importante de su vida.

“Mi papá es baterista y tocó en muchas bandas; le gusta mucho el rock y R&B. En cada reunión de mi familia había música. Cuando venían mis abuelos para pasar un fin de semana o en las fiestas sonaban muchas canciones. Recuerdo que cantábamos temas de Celia Cruz. También me gustan mucho las letras de Shakira”.

Su etapa con Fifth Harmony

En marzo de 2018, tras seis años juntas, Fifth Harmony anunció que dejaba de tocar en vivo para que cada una de las integrantes pudiera dedicarse a su carrera solista. La decisión llegó un año y medio después de que Camila Cabello abandonara la banda y comenzara con su fama solista con “Havana”.

En esa oportunidad, la banda posteó un comunicado en sus redes sociales donde explicó las razones detrás de esta decisión: “Reflexionando en los seis años pasados desde que empezamos en X-Factor, hemos comprendido cuán lejos hemos llegado y apreciamos todo demasiado, ahora más que nunca. ¡Hemos tenido un viaje supermemorable juntas y no podemos empezar a expresar nuestra gratitud a todos ustedes por acompañarnos en esta salvaje travesía!”.

Ally Brooke, Normani, Dinah Jane, Camila y Lauren se convirtieron en un éxito mundial, convirtiéndose en el grupo de chicas que más discos vendió de todos los tiempos con 33 millones de copias. “Miss Movin On”, “Work From Home”, “Worth It”, “I´m In Love With a Monster” o “That´s My Girl” fueron algunos de sus hits.

Meses atrás, las integrantes recordaron los 10 años de la banda. “Quiero recordar las risas, los chistes internos y los momentos: ‘pellízquenme, estoy soñando’”, escribió Camila Cabello.

En la entrevista con La Viola, Lauren recordó sus días junto a Fifth Harmony: “Fue gran parte de mi vida y tiene que ver con mis orígenes y lo que llegué a lograr con mi carrera solista. Pasamos por momentos difíciles de cierta manera, crecí mucho y pude llegar ser lo que soy. Estoy muy agradecida a esa etapa de mi vida”. Sobre el contacto con sus excompañeras, Jauregui contó: “Hablamos de vez en cuando, pero tengo mucho amor por ellas por todo lo que pasamos”.

#lauren jauregui #interview #postedbymarina

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yositehagotodo · 9 months ago

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Reunión con estudiantes de Nivelación de la Uartes - Guayaquil

En este taller pude compartir con estudiantes del primer ciclo de la Universidad de las Artes, en Guayaquil, invitada por su profesor Luis Ramírez.

Muchas mujeres pudieron contar sus experiencias, una chica dijo que su mamá no le dejaba salir porque la ciudad era violenta. Otro chico contó que el conoció a su esposa porque le chifló. El resto comentaba que les sorprendía porque a las mujeres no les gusta que les chiflen o silven o les digan algo en la calle. Otra persona pudo compartir que al ser no binaria, habían momentos que recibía miradas y comentarios por su manera de vestir.

#guayaquil #arte #violencia de género #arte colaborativo #arte participativo

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artesostenible · 1 year ago

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¡Hola a todos! ¡Acabamos de lanzar un nuevo episodio del podcast Museums Up titulado: “La importancia de la curaduría comunitaria en museos y galerías”! En este episodio, Dianna habla sobre la importancia del comisariado colaborativo en el sector del patrimonio cultural. Dianna Djokey, Gerente del Programa de Aprendizaje en la organización de artes visuales Aspex Portsmouth (Reino Unido) (@aspexportsmouth), se enfoca en la cocuraduría, las artes visuales contemporáneas y el desarrollo de artistas. También es miembro del Consejo de Administración de la Asociación de Museos (Reino Unido) (@museumsassociation), donde participa en el Grupo de Trabajo de Descolonización (@kcldecol_wg), que ha desarrollado pautas de descolonización para el sector de las artes y el patrimonio. No dudes en escuchar este nuevo episodio en https://rss.com/podcasts/museumsup-reinherit/ y también en las plataformas de podcast Spotify, Apple, Google y Samsung. #reinheriproject #horizonproject #museosostenible #sostenibilidad #patrimoniocultural #patrimonio #podcast #museosup #museo #artescontemporáneas #galerías #galeríasdearte #artesocial #artesostenible

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acumulaciondebasura · 23 days ago

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Basura: El Enemigo Silencioso del Planeta y Cómo Frenarlo

La basura representa una de las crisis ambientales más urgentes. La acumulación de residuos, especialmente plásticos y materiales no biodegradables, contamina suelos y aguas, contribuye al cambio climático y afecta la biodiversidad. Al descomponerse en vertederos, la basura libera gases de efecto invernadero y productos tóxicos que deterioran ecosistemas y amenazan la salud humana. Además, la cultura de "usar y tirar" agrava el problema, con cada vez más productos desechables acumulándose en el planeta.

¿Qué podemos hacer? La solución está en un esfuerzo colectivo: reducir el uso de plásticos, reciclar, y fomentar leyes que regulen la gestión de residuos. Crear conciencia sobre el impacto ambiental de nuestros hábitos de consumo es clave para reducir la huella de basura y proteger el medio ambiente para las futuras generaciones.

#contamination #artes #sustentabilidade #basura #colaborativo

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marcovaltierra · 2 years ago

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No existe tal cosa como una biblioteca. Capitulo I: Paisajes particulares

Co-curaduría con Caroline Montenat

Espacio Cabeza & Materia de Dibujo Drawing Issues, Guadalajara MX

Septiembre 2021

Artistas: Karian Amaya, Jorge Méndez Blake, Cynthia Gutiérrez, Carlos Ranc y Sayuri Sánchez

Materia de Dibujo/Drawing Issues ha desarrollado durante los últimos diez años un importante acervo bibliográfico especializado primordialmente en libros de dibujo y su relación con otros campos del conocimiento, así como de la historia y teoría de las artes, cultura visual y arte contemporáneo.

En una alianza con Espacio Cabeza, la biblioteca toma la forma de un microformato expositivo al vincular su acervo bibliográfico con la producción artística actual, convocando inicialmente a los artistas Karian Amaya, Jorge Méndez Blake, Javier M. Rodríguez, Cynthia Gutiérrez, Carlos Ranc y Sayuri Sánchez a realizar una obra de sitio específico, con la idea de interpelar el sentido de una biblioteca. De múltiples maneras, estos artistas abordan en su producción nociones alrededor de la lectura, la biblioteca y los libros. Paulatinamente, se extenderán invitaciones a grupos, artistas y agentes a plantear actividades, presentaciones y talleres.

Llamamos a los interesados a contribuir con donaciones para acrecentar el acervo bibliográfico en beneficio de los asistentes y de la comunidad. También a proponer títulos para posibles y futuras adquisiciones.

La biblioteca es un proyecto de largo aliento, público, colaborativo y sin fines de lucro. Parte de la necesidad de compartir espacio e ideas, de poner en común a los libros entre distintos tipos de público y comunidades artísticas, con el objetivo de extender las posibilidades para acceder a nuevos o desconocidos conocimientos, autores, y temas. Confiamos en los libros como objeto y material en sí en tanto contenedor, vehículo y detonador de ideas.

*Proyecto organizado bajo la curaduría de Caroline Montenat, fundadora y directora de Materia de Dibujo/Drawing Issues, y Marco Valtierra, director artístico de Espacio Cabeza, con el apoyo a proyectos curatoriales del Patronato de Arte Contemporáneo (PAC).

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dragonprincebr · 2 years ago

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Q&A - QUARTA TEMPORADA

PERGUNTAS PARA A EQUIPE

Q&A COMPLETO

Q: Quem é o designer de personagens líder da série?

EM: Caleb Thomas — que traz tanta consideração, criatividade e vida para todo projeto em que ele toca! Caleb é um desses artistas que é capaz de colocar uma personalidade única para cada personagem, até quando estão numa pose neutra e típica usada no início dos processos de design)

De um jeito, Caleb é um contador de histórias tanto como qualquer um na nossa equipe de roteiristas. Quanto mais você olha para os designs dele, mais você reconhece quão intencional cada uma das suas decisões foram e o que elas estão tentando nos contar. De vez em quando, nos fazem parar e considerar as coisas do ponto de vista de um personagem, como: “Por que a Rayla escolheria essa paleta de cores para suas novas roupas? Em que jornada ela estava e como ela adaptou o que ela vestia para enfrentar os desafios que ela encontrava?” Outras vezes, ele é capaz de incorporar elementos para nós (como audiência) procurarmos paralelos narrativos. Eu adoro buscar formatos, texturas e cores similares entre nossos personagens e seus ambientes nos designs do Caleb — muitas vezes eles são sutis e outras até inesperados! Ele realmente se coloca no mundo de Xadia e adapta qualquer personagem ao seu par de sapatos distinto.

Caleb também criou as artes da nossa série “Reflections”, e eu sempre ficava surpresa como as expressões e a linguagem corporal de cada personagem aprimorava as palavras de cada história. Ele é um mestre no que faz.

Q: Vocês passam por burnout criativo? Se sim, como lidam com isso?

DG: Todos nós passamos por burnout criativo. O verão de 2022 (inverno para o Brasil) foi absolutamente o mais cheio que já estive em minha vida em termos de quantidade de coisas que tínhamos em produção ao mesmo tempo, e tive muita dificuldade! Todo mundo é diferente, mas quase todo mundo que eu conheço já encontrou uma parede de burnout criativo em algum momento.

O que me ajudou no último verão — e o que continua me ajudando — é ter certeza de que tenho outras saídas criativas além de The Dragon Prince para continuar em frente. É difícil para mim pessoalmente focar em apenas uma forma criativa por vez, e quando me encontro com essa parede ou fico presa num problema criativo ele pode parar insuperável se eu não tiver nada para me distrair. Então, enquanto eu tento colocar o máximo de esforço e energia mental possível em TDP, eu também trabalho em outras coisas paralelamente: fanfics bobas, desenhos, cozinhar… Basicamente qualquer coisa que eu possa engajar criativamente, mas que não é meu principal projeto de foco. Coisas com “expectativas” baixas, eu acho. Coisas que são só para mim. Isso me ajuda a me sentir menos atrofiada ou presa em um problema ou parede que eu esteja vivendo no meu trabalho principal.

Dito isso, já escutei outras pessoas dizendo que só precisam tirar um tempo de fazer qualquer coisa criativa para superar o burnout! Não há vergonha alguma em deixar os seus músculos criativos descansarem!

Q: Tem algum momento em que vocês como escritores ficaram muito orgulhosos?

DG: Talvez seja uma resposta indulgente, mas estou muito orgulhosa da voz do Rex Igneous e do diálogo em geral. Nós pensamos muito na criação do personagem, e eu acho que ele é uma reviravolta divertida na ideia de “dragão que guarda tesouros”. Ele é inteligente e eloquente, mas exausto e odioso e ele continua sendo meu dragão favorito.

Q: Qual foi o maior desafio na produção durante a pandemia?

KL: Para mim, pessoalmente, os maiores desafios de trabalhar em casa durante a pandemia como ambas artista de storyboard e diretora de unidade foram 1) não poder ir em sessões ao vivo de edição com nossos editores e 2) como alguém que não mora na costa oeste da América do Norte (onde a maioria da equipe da série reside), só estar num fuso horário completamente diferente de todos. Comunicação era algo que poderia ter sido um revés, mas eu fui abençoada com colegas colaborativos que também são fãs da série!

Q: Os criadores leem a recepção das novas temporadas depois de um lançamento, em várias plataformas (Facebook, Discord, etc), ou existe uma equipe que monitora isso? É mesmo possível conseguir resistir a tentação de não ler todas as reações?

DG: Meio que vai de cada membro individual da equipe decidir o quanto que eles querem ver das reações dos fãs e engajar com eles, porque algumas vezes alguns de vocês podem ser um pouco maldosos e ainda somos seres humanos tentando nosso melhor. :’)

Mas, é importante para nós como uma equipe criativa que continuemos escutando e entendendo e aprendendo, e que tenhamos um senso do que está funcionando e o que não está. Então, nós também trabalhamos bem próximos a nossa equipe de divulgação, que acompanham bem de perto as conversas de vocês e filtram coisas críticas e construtivas para nós do melhor jeito que eles podem e sempre que podem.

É difícil resistir a tentação de apenas ler tudo que todo mundo fala sobre O Príncipe Dragão, mas com o passar do tempo eu pessoalmente me tornei um pouquinho melhor em escolher que tipo de conteúdo quero ver (o que é realmente útil vs apenas cruel). Pode ser bastante encorajador e gratificante ver as pessoas reagirem ao seu trabalho, mas também exaustivo!

Q: Qual é o jogo favorito de todo mundo da equipe? Ah, e também, alguma dica sobre escrever histórias e diálogos entre personagens? Estou escrevendo uma HQ e eu gostaria de saber os segredos!

DG: Meu melhor conselho ao escrever diálogos é sempre falar em voz alta o que você escreveu. Você vai conseguir saber quando as coisas estão soando naturais e quando soam meio esquisitas.

Meu outro conselho favorito vem de um professor da faculdade que eu tive, que é prestar atenção em como as pessoas ao seu redor falam e interagem umas com as outras. Todos têm jeitos diferentes de se comunicar. Algumas pessoas falam com frases longas e precisas, mas elas são mais lentas para falar algo porque tiram um tempo para pensar antes de dizer algo. Outras são um pouco mais energizadas, um pouquinho apressadas, e irão abrir a boca antes mesmo de sua mente os acompanhar. Pense na diferença entre Ezran e Callum. Ezran é muito mais atencioso e “adulto” no jeito que fala, enquanto Callum sempre está falando a milhões de quilômetros por hora, mesmo que isso signifique que às vezes ele tropece no que está falando. Pensar desse jeito também te leva a bons momentos de contraste, como quando Ezran se destaca quando fica confuso ou é pego de surpresa, ou quando Callum fica sério.

Faça perguntas a si mesmo, tipo: Como eu descreveria o jeito que eu falo? Meu melhor amigo? Meus pais…? Você vai começar a perceber pequenos detalhes que você não pensou antes sobre. Por exemplo, o sotaque escocês do meu marido se torna mais perceptível quando ele está irritado com algo (é verdade, e é hilário). Minha avó tem cerca de dez mil histórias engraçadas prontas para contar a qualquer momento em qualquer conversa, e elas sempre são bem contadas — ela nunca tropeça nas palavras contando elas. E o meu pai é bem reservado e profissional com a maioria das pessoas, mas vai inventar músicas sobre baseball para seus amigos próximos e família.

Ah, meus jogos favoritos provavelmente são World of Warcraft e Bloodborne.

Q Quais personagens (antigos ou introduzidos agora) têm sido seus favoritos em trabalhar neles até agora?

KL: Eu amei muito as cenas que tive com o Soren. Ele é o personagem que é um combo de tudo, que inspira um monte de comédia, cenas de ação legais, e ele está muito em contato com seus sentimentos. Como artista e fã, tem sido incrível expandir o arco de personagem do Soren e ver onde vai dar! (E não posso deixar de lado o sábio Isca. Ele é o melhor.)

PV: Eu escrevi um episódio para uma temporada futura sobre o Soren e o Corvus indo numa aventura e me diverti muito com esses dois! Eu adoro a junção estranha de um personagem bobo com um que relutantemente tenta manter o palhaço na linha. E eu amo que, por trás das piadas e do revirar de olhos, tem uma amizade verdadeira e respeito entre eles.

Q: Que presente vocês dariam (ou cozinhariam) para Rex Igneous afim de evitar morte certa?

JC: O que você dá para um dragão que tem tudo? Um iPad, acho. Ninguém precisa de um iPad, mas eles são bem divertidos. Ou um traje bonito. Conhecemos Rex descansando em uma banheira quente então acho que ele é um dragão que compreende luxo.

MS: Não chegarem nem PERTO de um lugar chamado “O Caminho do Desespero”, mas te darei uma sobremesa para te acompanhar. Isso deve funcionar. Espero.

PV: Eu daria uma lâmpada solar. Ele com certeza não recebe Vitamina D o suficiente embaixo daquela montanha.

ER: Um purificador de ar. Não tem janelas lá embaixo, então o ar deve ser muito mofado.

Q: Quais são as fontes primárias favoritas dos membros da equipe?

MS: Tenho permissão para dizer Magia Sombria? Sim, é moralmente questionável, mas a estética é incontestável. Eu pararia depois da minha primeira mecha branca! Provavelmente.

PV: Quero dizer, a das Estrelas é bem definitiva. Eu quero abrir portais estranhos e esconder coisas como a Stella.

JC: Eu gosto bastante da do Oceano. Nós ainda não vimos muito dela na série principal, mas do jeito como nossos oceanos são profundos, estranhos e diversos, tem um monte de profundidade escondida na fonte primária do Oceano. Magia surpreendente, elfos do Oceano encantadores e únicos, e outras coisas secretas que ainda não posso falar sobre!

ER: A das Estrelas. Mais por causa dos unicórnios.

Q: Se você fosse algum elfo em Xadia, qual você seria?

JC: Elfo da Terra! Conhecemos alguns agora, e algo que temos em comum é o senso de humor e calma ao se tratar da vida. Mesmo quando as coisas saem do controle, eles se mantém com o pé no... chão. Mas acho que sou mais o N’than que o Terry, quando se trata de nervosismo.

PV: Eu cresci nadando e amo ficar na água, então provavelmente um elfo do Oceano. Aliás, você vai conhecer um elfo do Oceano na quinta temporada que eu, as vezes, me identifico muito.

ER: Elfo da Lua. Ficar invisível pode ser útil. Mas sou péssima em sotaques, então eu ficaria excluído de algum jeito.

MS: Elfo da Terra. Suspeito de estranhos e protejo meu território ferozmente.

Q: Qual foi a cena favorita de vocês na 4ª temporada e por quê?

MS: Eu amo a cena dos “dois bolos”. Ótimo conselho, e mais bolo para todo mundo!

JC: O final do 4x04 (Através do espelho)! Aaravos fazendo coisas típicas de Aaravos, sendo sarcástico, soprando beijos. É um jeito incrível de dar aos nossos heróis um vislumbre do que eles estão contra.

PV: Eu gostei do Soren dando conselhos para a Rayla para “dar um jeito no estranho” e que “o coração faz o que faz, e não faz o que não faz”.

ER: Eu pessoalmente amo a cena entre o Soren e a Claudia em que depois de anos eles tem sua primeira conversa significativa. Em certo ponto, Soren segura gentilmente uma borboleta enquanto eles discutem. Esse momento mostra o quão diferentes eles se tornaram, porque a Claudia não teria sido tão gentil com essa borboleta. Soren coloca de um jeito apropriado, e hilário: “Claudia, eu não acho que nós temos os mesmos sentimentos nos ossos.”

KL: Todo o momento do Callum sendo possuído pelo Aaravos foi muito legal! Esse é um elemento de O Príncipe Dragão que tinha sido só insinuado antes, mas que não tínhamos visto acontecer ainda, e foi assombroso!

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