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jpbjazz · 6 months ago

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LÉGENDES DU JAZZ

J.J. JOHNSON, ‘’LE CHARLIE PARKER DU TROMBONE’’

"J. J. did for the trombone what Charlie Parker did for the saxophone. And all of us that are playing today wouldn't be playing the way we're playing if it wasn't for what he did. And not only, of course, is he the master of the trombone—the definitive master of this century—but, as a composer and arranger, he is in the top shelf as well."

- Steve Turre

Né le 22 janvier 1924 à Indianapolis, en Indiana, James Louis Johnson était le fils du Révérend baptiste James Horace Johnson et de Nina Johnson, une méthodiste. Élevé dans une atmosphère très religieuse, avait d’abord commencé à étudier le piano à l’église méthodiste d’Indianapolis à partir de l’âge de neuf ans. Johnson avait reçu une éducation très stricte. Le père de Johnson, qui croyait aux vertus de la discipline, était d’ailleurs un adepte des punitions corporelles.

Johnson était passé au saxophone au début de l’adolescence après avoir découvert le jazz. Durant ses études au Crispus Attucks High School, Johnson avait joué du saxophone baryton. Johnson était âgé de quatorze ans lorsque ses camarades de classe avaient formé un groupe amateur. Il y avait un seul problème: le groupe n’avait personne pour jouer du trombone. C’est ainsi que Johnson était passé au trombone. Il n’avait plus jamais regardé derrière. À l’époque, Johnson et ses camarades de classe avaient été très influencés par les solos du saxophoniste ténor Lester Young. Johnson avait également été très marqué par le jeu des trombonistes Dickie Wells, Trummy Young et J.C. Higginbotham.

Johnson étudiait toujours au high school lorsqu’il avait connu sa première expérience professionnelle comme membre du groupe territorial de Clarence Love en septembre 1941.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Après avoir décroché son diplôme en 1941, Johnson avait décidé d’abandonner ses études et de devenir musicien professionnel. Après avoir quitté Indianapolis en mars 1942, Johnson s’était joint au groupe de Snookum Russell, avec qui il avait fait une tournée dans le Midwest l’année suivante.

C’est en se produisant avec le groupe de Russell que Johnson avait rencontré le trompettiste Fats Navarro. Le style d’improvisation de Navarro avait fortement impresionné Johnson. Par la suite, Johnson avait souvent prétendu qu’il avait été beaucoup plus influencé par des saxophonistes comme Lester Young et Charlie Parker et par des trompettistes comme Dizzy Gillespie et Roy Eldridge que par des trombonistes. Même si le trombone était largement en évidence dans les orchestres de swing et de dixieland, il était tombé en désuétude avec le développement de bebop, car les musiciens de ce nouveau style musical croyaient que des instruments comme la trompette et le saxophone étaient plus adaptés que le trombone à cette musique au tempo rapide qui exigeait une grande perfection technique. Il avait finalement fallu l’intervention de Dizzy Gillespie pour que Johnson obtienne enfin sa chance. Impressionné par le talent du jeune tromboniste, Gillespie lui avait donné un vote de confiance en déclarant: "I've always known that the trombone could be played different, that somebody'd catch on one of these days. Man, you're elected."

Tentant d’appliquer les techniques du bebop au trombone, Johnson avait dû jouer dans des tonalités claires et se limiter à de courtes notes, ce qui avait parfois donné la fausse impression qu’il jouait du trombone à valve et non du trombone à coulisses. Le critique Don Heckman du Los Angeles Times expliquait: "Making that adaptation to the trombone was very demanding. It took a decade before other trombonists on the whole began to master what Johnson was doing." Interrogé dans le cadre de l’ouvrage The Masters of Bebop: A Listener's Guide d’Ira Gitler publié en 2001, Johnson avait cependant reconnu que sa façon de jouer du trombone n’était pas complètement originale. En effet, le tromboniste Fred Beckett, qui avait joué avec Harlan Leonard et Lionel Hampton dans les années 1930 et 1940, avait influencé le style de Johnson. Interrogé par le critique Ben Ratliff dans le New York Times, Johnson avait déclaré que Beckett était "was the first trombonist I ever heard play in a manner other than the usual sliding, slurring, lip-trilling or gutbucket style."

Déjà caractérisé à l’adolescence pour son style unique, Johnson n’avait pas tardé à être reconnu par les chefs d’orchestre, compositeurs et critiques comme un des meilleurs trombonistes du jazz. Comme le critique Leonard Feather l’avait déclaré au collaborateur du Los Angeles Times, Jon Thurber, "J.J. Johnson was to the trombone what [Dizzy] Gillespie was to the trumpet--the definitive trendsetter who established beyond a doubt that bebop was not beyond the technical possibilities of the instrument."

De 1942 à 1945, Johnson s’était joint au big band de Benny Carter comme tromboniste et arrangeur. Johnson avait d’ailleurs fait ses débuts sur disque avec le groupe de Carter dans le cadre d’un solo sur la pièce ‘’Love for Sale’’ en octobre 1943. Durant son séjour avec le groupe de Carter, Johnson avait également participé au tournage du film Thousands Cheer (1944) de George Sidney mettant en vedette Gene Kelly et Lena Horne. Johnson avait finalement décidé de quitter le groupe de Carter en 1945 après avoir été victime d’une commotion cérébrale à la suite d’un incident racial. Malgré son départ, Johnson avait cependant permis à Carter de continuer d’utiliser ses arrangements.

Le 2 juillet 1944, Johnson avait participé au premier concert de la série Jazz at the Philharmonic (JATP) au Los Angeles Philharmonic Hall. On pouvait notamment entendre Johnson sur la pièce “Blues” d’Etaoin Shrdlu.

Le 4 mai 1945, Johnson s’était joint à l’orchestre de Count Basie, avec qui il avait joué en tournée jusqu’en 1946. Devenu un des principaux solistes de l’orchestre de Basie, Johnson avait notamment joué en solo sur les pièces “Rambo” et “The King” le 4 février 1946. Après avoir quitté le groupe de Basie, Johnson s’était produit brièvement avec Dizzy Gillespie et Woody Herman. Il avait par la suite participé à une tournée en Asie avec le contrebassiste Oscar Pettiford.

Pour le reste de la décennie, Johnson s’était produit avec les plus grands musiciens bop de l’époque, dont Charlie Parker, avec qui il avait enregistré en décembre 1947, devenant ainsi le premier artiste invité à jouer avec le quintet original de Parker. Parmi les autres collaborations de Johnson à cette époque, on remarquait des prestations et des enregistrements avec le big band de Dizzy Gillespie, Illinois Jacquet (de 1947 à 1949) et Miles Davis, avec qui il avait participé l’album-culte Birth of the Cool en 1949. Comme leader de ses propres formations, Johnson s’était également produit avec les plus grands noms du jazz, dont Bud Powell, Sonny Stitt, Babs Gonzalez, John Lewis et Sonny Rollins. Il avait aussi fait partie de Metronome All-Stars.

En 1946, Johnson avait dirigé sa première session comme leader pour les disques Savoy. À partir de cette époque, Johnson avait commencé à alterner entre sa carrière de leader et d’accompagnateur. Malgré tous ses succès, Johnson avait également connu sa part de revers. En 1946, après avoir été trouvé coupable de méfait, on lui avait même retiré sa carte de cabaret, ce qui l’avait empêché de se produire dans les clubs de New York durant douze ans. Refusant de se laisser abattre, Johnson avait fait une première tournée en Europe en juin 1957, se produisant notamment devant une assistance de 20 000 personnes à Stockholm, en Suède. Après la tournée, Johnson avait participé à une nouvelle tournée de Jazz at the Philarmonic, et avait enregistré des albums en concert avec Stan Getz au Civic Opera House de Chicago, qui comprenaient des versions émouvantes de standards comme “My Funny Valentine.”

En 1951, Johnson s’était produit avec Oscar Pettiford et Howard McGhee dans le cadre d’une tournée organisée par la United Service Organizations (USO) au Japon et en Corée. Johnson s’était de nouveau joint au groupe de Davis en 1952. Les compositions de Johnson "Enigma" et "Kelo" avaient d’ailleurs été enregistrées dans le cadre de l’album "Walkin'" en 1954.

Même s’il était demeuré très actif, les revenus que Johnson amassait comme musicien étaient souvent insuffisants à assurer la subsistance de sa famille. Devenu dépendant de l’héroïne, Johnson, qui s’était toujours intéressé à l’électronique et aux nouvelles technologies, avait finalement décidé de quitter le jazz en août 1952 pour aller travailler comme inspecteur pour la Sperry Gyroscope Company. Durant les deux années suivantes, Johnson avait cependant continué d’enregistrer de façon sporadique avec de petits groupes, notamment dans le cadre d’un album double pour Blue Note intitulé The Eminent Jay Jay Johnson, sur lequel on retrouvait sa légendaire composition “Turnpike.” Au printemps 1954, Johnson avait également remporté un prix pour son travail avec le pianiste Henri Renaud.

En 1954, le producteur Ozzie Cadena des disques Savoy avait convaincu Johnson de sortir de sa retraite et de former un groupe avec le tromboniste Kai Winding, le "Jay and Kai Quintet". Même si le style et la personnalité des deux musiciens étaient très différents, le groupe avait remporté un grand succès, tant sur le plan commercial qu’artistique, contribuant ainsi à démontrer l’énorme potentiel du trombone comme instrument de jazz. Après avoir enregistré pour les disques Savoy, le groupe s’était particulièrement fait connaître avec sa reprise du classique de Cole Porter, ‘’It’s Alright With Me.’’ En 1955, Johnson s’était d’ailleurs mérité un prix du magazine Down Beat comme meilleur tromboniste.

Officiellement dissous en août 1956, le groupe s’était de nouveau réuni en 1958 dans le cadre d’une tournée au Royaume-Uni. Après avoir enregistré un album studio en 1960, le groupe avait réalisé deux nouveaux enregistrements en 1968-69. En janvier 1967, Johnson and Winding avaient également fait partie du groupe tout-étoile (comprenant notamment les trompettistes Clark Terry, Charlie Shavers et Joe Newman) qui avait accompagné Sarah Vaughan sur son dernier album pour Mercury intitulé Sassy Swings Again. Trois des pièces de l’album, dont "Take the "A" Train" de Billy Strayhorn, avaient été arrangées par Johnson. Peu avant la mort de Winding en mai 1983, le duo avait aussi fait des apparitions dans des festivals de jazz au Japon. Au cours de ses années d’activité, le groupe avait enregistré un total de neuf albums. Parmi les plus célèbres compositions de Johnson avec le groupe, on remarquait la pièce ‘’Lament’’, tirée de l’album Jay and Kai.

Après le démantèlement de son quintet avec Winding en 1956, Johnson avait fait des tournées avec différents petits groupes durant environ trois ans, parcourant notamment les États-Unis, le Royaume-Uni et la Scandinavie. Au cours de cette période, Johnson avait également formé un quintet avec le trompettiste Freddie Hubbard, le saxophoniste Clifford Jordan, le pianiste Cedar Walton, le contrebassiste Arthur Harper, et le batteur Albert “Tootie” Heath. Après avoir enseigné brièvement à la Lenox School of Jazz en 1960, Johnson avait finalement mis fin aux activités du groupe en déclarant: “It suddenly occurred to me that I needed a change, and I even began to wonder was it possible that a musician or artist could be much too dedicated – so much so that he lived in a very narrow world.” Même s’il avait continué de se produire sur scène de façcon sporadique, Johnson était devenu plus sélectif dans le choix de ses engagements.

En 1957, Johnson avait enregistré deux albums en quartet, First Place et Blue Trombone, avec une formation comprenant Tommy Flanagan au piano, Paul Chambers à la contrebasse et Max Roach à la batterie. Commentant l’album First Place enregistré en avril 1957, le critique Nat Hentoff écrivait: “There were sketches on each number - J.J. is so precise a spirit by temperament that he is not apt to leave all to luck, even on a blowing date. And in some cases there were even fuller arrangements. But basically, the four sessions that made up this and a succeeding album were conceived and executed as relatively free, almost entirely improvised conversations.”

Même si on lui avait retiré sa carte de cabaret, Johnson était demeuré dans l’actualité du jazz grâce à ses tournées avec Jazz at the Philharmonic. Le 14 mai 1959, à l’issue d’un procès très médiatisé, Johnson avait finalement obtenu la restitution de sa carte de cabaret, ce qui lui avait permis de se produire de nouveau à New York. Douze jours plus tard, Johnson avait joué au Village Vanguard dans le cadre d’une performance qui faisait suite une lecture du poète de la Beat Generation, Jack Kérouac. En mars 1959, Johnson avait publié l’album Really Livin’.

Durant une courte période en 1961-62, Johnson avait fait une tournée avec le sextet de Miles Davis. Malheureusement, les performances de Johnson avec le groupe n’avaient pas été enregistrées. Il avait aussi collaboré à l’occasion avec les saxophonistes Sonny Rollins, Jimmy Heath et Sonny Stitt. Johnson avait également continué de diriger ses propres groupes, même s’il avait concentré l’essentiel de son temps à la composition.

L’album de 1963 J.J.'s Broadway avait non seulement permis à Johnson de démontrer un style et un son plus raffiné, mais avait contribué à témoigner de ses qualités d’arrangeur. En 1964, Johnson avait enregistré pour la dernière en plus de vingt ans avec son groupe de travail dans le cadre de l’enregistrement de l’album Proof Positive. La même année, Johnson avait également enregistré un album en big band. Simplement intitulé ‘’ J.J.!’’, l’album comprenait sa composition ‘’El Camino Real’’ ainsi que la pièce de Gary McFarland ’’Winter’s Waif.’’ À partir de 1965, Johnson avait aussi enregistré une série d’albums pour grandes formations sous son propre nom qui comprenaient plusieurs de ses compositions et arrangements.

La principale préoccupation de Johnson à cette époque était cependant de créer sa propre musique. À partir du milieu des années 1950, Johnson, qui était devenu un des principaux représentants du mouvement de la Troisième Vague (Third Stream), s’était consacré à l’écriture de compositions ambitieuses qui combinaient des éléments de musique classique et de jazz, dont sa première oeuvre de longue durée, "Poem for Brass" (1956). La pièce en quatre parties avait été publiée sur l’album Music for Brass, et était dirigée par le célèbre chef d’orchestre et compositeur Gunther Schuller. Johnson avait aussi arrangé deux compositions du compositeur classique Paul Hindemith, ‘’Kleine Kammermusik’’ et ‘’Mathis der Maler.’’

En 1959, le Festival de jazz de Monterey en Californie avait également commandé à Johnson deux compositions intitulées "El Camino Real" et "Sketch for Trombone and Orchestra", une pièce pour un groupe de jazz de quinze musiciens. Les deux compositions avaient été présentées en grande première dans le cadre du festival la même année.

Par la suite, Johnson avait surtout composé pour Dizzy Gillespie. Le trompettiste avait été tellement impressionné après avoir entendu la pièce "Poem for Brass" qu’il avait demandé à Johnson de lui écrire du matériel pour un album complet. Cet exercice avait donné lieu à l’enregistrement de l’album ‘’Perceptions’’ (1961), qui comprenait une longue suite de trente-cinq minutes mettant en vedette six trompettes, quatre cors français et deux harpes. La suite compprenait six mouvements: The Sword of Orion, Jubelo, Blue Mist, Fantasia, Horn of Plenty et Ballade. En 1962, dans le cadre de la première édition du Festival de jazz de Washington, D.C., Johnson avait également interprété une autre composition de longue durée.

Au cours des six mois qui avaient suivi l’écriture de l’album Perceptions, Johnson était entré en studio avec le trio du compositeur André Prévin pour enregistrer un album complet consacré à la musique Kurt Weill intitulé ‘’Andre Previn and J.J. Johnson Play 'Mack The Knife' and Other Kurt Weill Songs.’’ En 1965, Johnson avait fait un séjour à Vienne pour jouer et enregistrer sa Euro Suite avec un orchestre de fusion jazz-classique de dix-sept musiciens dirigé par le pianiste autrichien Friedrich Gulda. Trois ans plus tard, le directeur musical de l’American Wind Symphony Orchestra de Pittsburgh, Robert A. Boudreau, avait commandé à Johnson une oeuvre intitulée "Diversions" qui avait été interprétée plus tard par l’orchestre.

Le jazz traversant une période de déclin à la fin des années 1960, Johnson avait enregistré presque exclusivement en studio avec des big bands, habituellement comme accompagnateur d’autres solistes.

En 1967, grâce au soutien du compositeur de musiques de film Elmer Bernstein, Johnson avait décroché un poste de compositeur et de chef d’orchestre pour la firme Marc Brown Associates (M.B.A. Music) de New York, une compagnie qui fournissait la musique pour des publicités télévisées.

En 1970, Johnson s’était installé à Los Angeles où il avait entrepris une carrière de compositeur de bandes sonores pour le cinéma et la télévision. Au cours de la même décennie, Johnson avait composé la musique de séries télévisées comme That Girl (1966-71), Mayberry, R.F.D. (1968-71), The Bold Ones (1969-73), The Mod Squad (1970–73), Barefoot in the Park (1970-71), Harry O. (1974-76), Travels with Flip (1975), Future Cop (1977-78), Starsky and Hutch (1975), Six Million Dollar Man (1973-78) et Mike Hammer (1984-87). Dans les années 1970 et 1980, Johnson avait aussi écrit et orchestré la musique de films comme Shaft (sur une musique largement composée par Isaac Hayes, 1971), Trouble Man (avec Marvin Gaye, 1972), Across 110th Street (avec le chanteur Bobby Womack, 1972), Top of the Heap (1972), Willie Dynamite (1973), Cleopatra Jones (qui se basait sur des éléments de l’opéra Peter Grimes de Benjamin Britten, 1973), Scarface (1983), The Big Easy (1986) et Sea of Love (1989). Johnson avait également joué dans l’orchestre Cocoanut Grove de Sammy Davis Jr. ainsi qu’avec le groupe de l’émission de Carol Burnett.

Durant son séjour à Hollywood, Johnson ne s’était pratiquement plus produit sur scène, à l’exception de séjours au Japon en 1977 et 1982 et en Europe en 1984.

DERNIÈRES ANNÉES

Malgré tout le succès qu’il avait remporté à Hollywood, Johnson était toujours aussi passionné par le jazz et par sa carrière de tromboniste. Durant son séjour à Hollywood, Johnson avait d’ailleurs enregistré six albums comme leader de 1977 à 1984. Au cours de cette période, Johnson avait également enregistré quelques albums comme accompagnateur, dont deux avec Count Basie. Il avait aussi joué sur la bande sonore du film The Sting II.

En 1979, Johnson avait enregistré Pinnacles, un album enregistré avec une formation tout-étoile composée de Tommy Flanagan au piano, de Joe Henderson au saxophone ténor, d’Oscar Brashear à la trompette, de Ron Carter à la contrebasse de Billy Higgins à la batterie et de Kenneth Nash aux percussions. L’album recourait également à de nombreux instruments électroniques. La même année, Johnson avait participé à la célébration du 70e anniversaire de naissance de Dizzy Gillespie au Wolf Trap National Park de Washington, D.C. C’est là que Johnson avait rencontré un autre musicien originaire d’Indianapolis, le tromboniste Slide Hampton, avec qui il avait discuté de la future orientation de sa carrière.

Travailleur infatigable, Johnson avait continué de pratiquer chaque jour pour se maintenir au niveau. Même lorsqu’il s’était retiré de la scène du jazz, Johnson était demeuré très populaire et avait remporté plusieurs sondages du magazine Down Beat comme meilleur tromboniste. Dans les années 1990, alors qu’il était sous contrat avec les disques Verve, Johnson avait enregistré certaines de ses oeuvres les plus ambitieuses, dont Tangence (1994), une collaboration avec le compositeur de musiques de film Robert Farnon, Brass Orchestra (1996), qui comprenait des oeuvres influencées par le bebop et des extraits de l’album Perceptions, et Heroes (1998), son dernier album, qui était influencé par le jazz d’avant-garde. Commentant ce dernier album, un critique du magazine Down Beat avait écrit que l’enregistrement "leaves a general impression of solid craftsmanship, if not breathtaking artistic significance. The main news is that J.J. Johnson can always assemble a sturdy ensemble, and he's still a hero to trombonists everywhere."

En 1987, Johnson était retourné dans sa ville natale d’Indianapolis avec sa première épouse, Vivian. Johnson avait recommencé à se produire sur scène et à enregistrer en novembre de la même année, dans le cadre d’un engagement au Village Vanguard avec son quintet composé du saxophoniste Ralph Moore, du pianiste Stanley Cowell, du contrebassiste Rufus Reid et du batteur Victor Lewis,

Après avoir fait lune tournée aux États-Unis, en Europe et au Japon, Johnson s’était de nouveau produit au Village Vanguard en 1988, ce qui avait permis d’enregistrer deux autres albums, ‘’Quintergy’’ et ‘’Standards.’’ Johnson était en tournée au Japon en décembre 1988 lorsqu’il avait appris que Vivian avait été victime d’une attaque qui avait grandement réduit ses capacités. Durant trois ans et demi, Johnson avait annulé tous ses engagements afin de prendre soin de son épouse. En mai 1988, l’Université de l’Indiana avait accordé à Johnson un doctorat honorifique. Malheureusement, la célébration avait été assombrie par le décès du père de Johnson le 3 juin. Refusant de se laisser abattre, Johnson avait participé le 21 août à une réunion avec Stan Getz au Grant Park de Chicago devant une assistance monstre de 50 000 personnes.

Après la mort de Vivian en 1991, Johnson lui avait rendu hommage l’année suivante dans le cadre de l’album qui portait son nom. Après s’être remarié avec Carolyn Reid le 11 septembre 1992, Johnson avait recommencé à se produire régulièrement sur scène. Il avait également enseigné à la Kentucky State University et au Collège Oberlin.

Au cours de cette période, Johnson avait également enregistré cinq albums dans une grande variété de formats, allant des petits groupes à des orchestres à cordes. Parmi ces enregistrements, on remarquait Let’s Hang Out, un album enregistré en 1992 avec son quintet qui comprenait désormais la pianiste Renee Rosnes en remplacement de Cowell. Johnson avait enregistré un dernier album comme leader en 1996, ‘’Heroes’’, qui comprenait un hommage à sa seconde épouse Carolyn.

Johnson avait également collaboré avec d’autres musiciens comme son élève le tromboniste Steve Turre et la chanteuse Abbey Lincoln. Demeuré très populaire, Johnson s’était même mérité plusieurs nominations aux prix Grammy. Le 6 avril 1994, Johnson avait également participé à un concert organisé à l’occasion du 50e anniversaire des disques Verve à Carnegie Hall. La même année, Johnson avait enregistré l’album Tangence avec Wynton Marsalis et le Robert Farnon Orchestra en Angleterre. Quelques mois plus tard, Johnson s’était produit au Festival de jazz de San Francisco avec le pianiste Geoff Keezer et le batteur Marvin “Smitty” Smith (Renee Rosnes et son époux, le batteur, Billy Drummond, s’étaient désistés). Peu après, Johnson avait également dû remplacer son saxophoniste Ralph Moore, qui s’était joint au Tonight Show de Jay Leno.

En raison de sa mauvaise santé, Johnson s’était retiré complètement de la scène à la fin de l’année 1996. Il avait présenté son dernier concert au William Paterson College le 10 novembre 1996.

Atteint d’un cancer de la prostate, Johnson avait tenté de rester positif et avait suivi ses traitements avec assiduité. Johnson, qui avait passé ses dernières années dans son studio personnel, avait continué d’expérimenter avec la meilleure technologie disponible pour la composition et l’enregistrement, dont les synthétiseurs de Robert Moog. Au cours de cette période, Johnson avait également écrit un livre d’exercices destiné aux musiciens de jazz. L’ouvrage avait été publié plus tard par Hal Leonard.

Découragé, Johnson avait finalement décidé de se tirer une balle dans la tête le 4 février 2001. Ont survécu à Johnson son épouse Carolyn, ses fils Kevin et William, et sa belle-fille Mikita Sanders.

Johnson, qui avait exercé une influence considérable au cours de sa carrière, avait attiré de nombreux musiciens de jazz lors de ses funérailles. Lors de ses obsèques, neuf trombonistes (dont Slide Hampton, Steve Turre et Robin Eubanks) étaient montés sur l’autel pour interpréter la composition de Johnson ‘’Lament.’’ Le batteur Max Roach avait également grimpé sur l’estrade pour rendre hommage à Johnson. Roach avait déclaré: "He was a genius, always a great instrumentalist. Even at a young age, he was a rare person to have.... [H]e left us so much." Enregistré en 1997, le dernier album de Johnson intitulé ‘’The Brass Orchestra’’, avait été enregistré avec une formation composée de Jimmy Heath et Wayne Shorter aux saxophones, de Slide Hampton au trombone, et de Jon Faddis et Don Sickler à la trompette. Le groupe était dirigé par le chef d’orchestre Thomas Everett.

En 2000, Joshua Berrett avait publié une biographie de Johnson intitulée The Musical World of J. J. Johnson.

Résumant la contribution de Johnson au bebop, le tromboniste Steve Turre avait commenté: "J. J. did for the trombone what Charlie Parker did for the saxophone. And all of us that are playing today wouldn't be playing the way we're playing if it wasn't for what he did. And not only, of course, is he the master of the trombone — the definitive master of this century— but, as a composer and arranger, he is in the top shelf as well." Outre Turre, Johnson avait influencé de nombreux trombonistes au cours de sa carrière, dont Wycliffe Gordon, Robin Eubanks, Andre Hayward et Conrad Herwig.

Plusieurs des compositions de Johnson, dont "Wee Dot", "Lament" et "Enigma", sont devenues des standards du jazz.

Lauréat de plusieurs prix, Johnson a été élu au DownBeat Hall of Fame en 1995. Le gouverneur de l’indiana lui a également décerné un Governor's Arts Award en 1989. En plus d’avoir été honoré par la remise d’un doctorat honorifique de l’Université de l’Indiana en 1988, Johnson avait également été élu ‘’Jazz Master’’ par la National Endowment for the Arts (NEA), le 12 janvier 1996, aux côtés de Tommy Flanagan et Benny Golson. Au printemps de la même année, Johnson avait été nommé artiste-résident à l’Université Harvard.

Le tromboniste Curtis Fuller avait rendu hommage à Johnson après sa mort en déclarant: “J.J. elevated the trombone to a higher status. As a jazz soloist, you had your Trummy Youngs and your Dicky Wells, but in the vernacular of bebop, he was the trombonist for that language. J.J. was a genius; he was no fly-by-night sensation. He was the man for all seasons, and I was drawn to that.”

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