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By John Nieto

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Buffalo Medicine by John Nieto

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Lucian Freud

Nacido en 1922, fue un pintor y dibujante británico especializado en arte figurativo y reconocido como uno de los mayores retratistas ingleses del siglo XX. Nació en Berlín, hijo del arquitecto judío Ernst L. Freud y nieto de Sigmund Freud. Su familia se mudó a Inglaterra en 1933, cuando él tenía 10 años, para escapar del ascenso del nazismo. Se convirtió en ciudadano británico naturalizado en 1939.

Reflección (Autorretrato), Lucian Freud, 1985

Freud estudió brevemente en la escuela central de Londres. Luego, con mayor éxito, en la escuela de Pintura y Dibujo East Anglian

En 1943, el poeta y editor Meary James Thurairajah Tambimuttu encargó al joven artista que ilustrara un libro de poemas de Nicholas Moore titulado La torre de cristal. En el verano de 1946 viajó a París antes de continuar a Grecia durante varios meses para visitar a John Craxton. A principios de los años cincuenta visitaba con frecuencia Dublín, donde compartiría el estudio de Patrick Swift. Siguió siendo londinense por el resto de su vida.

Las primeras pinturas de este artista, en su mayoría muy pequeñas, suelen asociarse con el impresionismo alemán (una influencia que él tendía a negar) y el surrealismo al representar personas, plantas y animales en yuxtaposiciones inusuales.

A partir de la década de 1950, comenzó a centrarse en el retrato, a menudo desnudos, excluyendo casi por completo todo lo demás, y a mediados de la década desarrolló un estilo mucho más libre. usando pinceles grandes de pelo de cerdo, concentrándose en la textura y el color de la carne, y pintura mucho más espesa, incluido el empaste. Chica con un perro blanco, 1951-1952 es un ejemplo de obra de transición en este proceso.

Los sujetos de Freud eran a menudo las personas de su vida; amigos, familiares, compañeros pintores, amantes, niños. Sus temas eran autobiográficos, todo tenía que ver con la esperanza, la memoria, la sensualidad y la participación, en realidad. Sin embargo, los títulos eran en su mayoría anónimos y no siempre se revelaba la identidad del modelo.

Freud pintó a otros artistas, incluidos Frank Auerbach y Francis Bacon. Una serie de enormes retratos desnudos de mediados de la década de 1990 mostraban a Sue Tilley, o "Big Sue", algunos usando su título de trabajo de "Supervisora de Beneficios" en el título de la pintura, como en su retrato de 1995 Supervisora de Beneficios Durmiendo, que en mayo 2008 fue vendida por Christie's en Nueva York por 33,6 millones de dólares, estableciendo un precio de subasta récord mundial para un artista vivo.

Obras

Bella, 1981

Autorretrato, 1985

[sergioosvaldovaldesarriaga]

Una suerte de aficionado: mi paso por el cine documental

Escrito originalmente en noviembre de 2021

"Es imprescindible de dónde viene cada uno al hacer documentales" Sebastián Kohan Esquenazi

No recuerdo la edad exacta pero sé que estaba en prepa cuando vi el primer documental que cambió mi vida. Se trata de Romper el Cerco (2006) del Canal 6 de Julio, una productora mexicana que por más de 30 años lleva haciendo documentales sociopolíticos de manera independiente. 

Dirigido por Nicolás Défossé y Mario Viveros, este mediometraje narra los disturbios ocurridos en San Salvador Atenco en mayo de 2006, donde se violaron los derechos humanos de más de 200 personas.

Construido mediante imágenes de archivo y de los principales medios de comunicación (Televisa y TV Azteca), el documental ofrece una aproximación brutal a los hechos, pues analiza el papel que tuvieron estos medios para justificar el operativo policial del gobernador del Estado de México, Enrique Peña Nieto, en contra de la población de Atenco, que se oponía a la construcción de un nuevo aeropuerto en defensa de su territorio. 

Fue inevitable que estas imágenes tan crudas, que ejemplifican la violenta práctica represiva del Estado mexicano, me marcaran para siempre. Desde entonces me volví una suerte de aficionado por el tema: recuerdo por lo menos 2 ocasiones en las que llegué a hablar de Atenco en un ámbito escolar, siendo la primera de ellas en la preparatoria y la segunda en la universidad. 

Supongo que lo que más me apasionaba era el poder compartir un evento histórico que, al igual que con la represión del 2 de octubre de 1968, no podíamos permitirnos olvidar. Y quizás, esto era importante para mí en su momento porque, en el fondo, me sorprendía que lo de Atenco había sido algo reciente. 

Lo que para mí era un crimen indignante, para otros quizás no significaba nada y es justo aquí donde triunfa el olvido, en la apatía e indiferencia de la gente, lo cual permite que otros episodios de represión sean posibles contra la sociedad, sin que esta se inmute.

También cabe aclarar que mi transición entre una etapa escolar y la otra estuvo enmarcada por las elecciones del 2012 y el primer año de Enrique Peña Nieto como presidente de la república. 

Siguiendo con mi etapa universitaria desde la Facultad de Artes Visuales (UANL), entré como practicante a Bengala en julio de 2014, una agencia que buscaba desarrollar proyectos de cine.

Ahí conocí al periodista Diego Enrique Osorno, que recién iniciaba su trayectoría como documentalista. Aún recuerdo vagamente la vez que lo conocí, en donde lo felicité por su crónica Muerte en Atenco, co-escrita con John Gilber, la cual descubrí al investigar su vasta trayectoría. 

No mucho después me dio la oportunidad de escribir reseñas quincenales de documentales para el periódico digital, El Barrio Antiguo. Fue así que en febrero de 2015 escribí una reseña sobre el documental que lo cambió todo, en donde concluía lo siguiente:

(Romper el cerco) Es mi cambio de paradigma. La verdad que se esconde tras las paredes de mi casa, en otros municipios, ciudades y estados. Este documental me hizo romper con todo lo que conocía, o lo que creía saber. Me regaló soledad, coraje e impotencia, y sin quererlo, me marcó en el alma. Y por ello, jamás olvidaré la injusticia de Atenco. 

Si Romper el cerco fue el punto de partida, escribir para El Barrio Antiguo fue lo que impulsó una búsqueda personal en los terrenos de la no ficción, inexplorados todavía hasta ese punto. Pero, sobre todo, estas reseñas me sirvieron para desarrollar un estilo propio y adquirir un gusto por este cine; de alguna manera, mis reseñas no eran tan diferentes a las tareas que hice sobre Atenco, pues siempre traté de compartir lo que pensaba o maravillaba, sobre el documental en turno, en espera de que al lector le pudiera resultar igual de interesante. 

Para esto, la herida de los 43 normalistas desaparecidos de Ayotzinapa en septiembre de 2014 seguía latente y su huella quedaría impregnada por el resto del sexenio de Peña Nieto. Sin embargo, la noticia no tuvo el impacto en mí que en otros sí.

Quiero pensar que esto fue debido a que mi indignación había mutado en una especie de cinismo, fomentado por la apatía de mi entorno en Monterrey y una juventud despolitizada. 

Tampoco quiero dar la impresión de que yo sí estuviera “politizado” pero, en definitiva, había un interés por ver la realidad del país más allá de los partidos políticos y lo que dijeran los medios, por lo que muchos de los documentales mexicanos que pude reseñar me ayudaron en ese sentido. 

Dicho esto, mi corto período en Bengala concluyó en mayo de 2015, cuando me dieron la noticia de que mudaban su centro de operaciones a la Ciudad de México. Mientras que su agencia se fue consolidando y encontrando el éxito a través de distintos proyectos, yo me quedé escribiendo sobre documentales, aprendiendo sobre ellos.

Así fue que conocí, por ejemplo, a 2 de mis directores favoritos: el chileno Patricio Guzmán y el mexicano Eugenio Polgovsky (1977-2017). 

Con Guzmán, aprendí el concepto de la memoria, y qué mejor que de la mano de sus largometrajes Nostalgia de la Luz (2010) y El Botón de Nácar (2015). Asimismo, vislumbré la poesía y elegancia con la que conectaba ideas complejas con el pasado histórico de Chile. Su perseverancia inventiva por narrar una y otra vez sobre la dictadura de Augusto Pinochet, por construir una memoria de aquellos tiempos de barbarie, es una luz para cualquiera que decida dedicarse a este oficio. 

Con Polgovksy, en cambio, aprendí la magia del cine directo: el arte de estar presente sin aparentarlo, pero siguiendo de cerca las acciones de los personajes en pantalla. Por su inherente carácter histórico, una de las materias primas del documental es el pasado y cómo este configura nuestro entorno presente; en el cine de Polgovsky, el pasado, la tradición, lo generacional y lo ausente habitan la realidad de sus múltiples personajes. 

Partiendo desde una base empática, Polgovsky trazó en sus imágenes una oda a la vida del México silvestre, retratando a su vez un país vasto y de dimensiones rulfianas, en donde el contexto sociopolítico es el fondo más no la forma. 

Esta creciente cercanía que fui desarrollando con el documental me llevó a que, durante la carrera, no temiera en realizar mis primeros ejercicios no ficción, siguiendo la intuición e influencia de los documentales que más disfrutaba.

Encontré en este tipo de cine una alternativa a lo que estaba acostumbrado, una nueva manera de pensar proyectos e historias, pues estos obedecían intereses ajenos a los que yo tenía con la ficción, y es que este cine era la razón por la que me encontraba estudiando una licenciatura en producción audiovisual.

Para 2017, empecé sin saberlo un proceso de descubrimiento en torno a la ciudad de Monterrey, en donde pude poner en práctica todas mis observaciones y sentimientos desatados desde el documental sobre Atenco. Todo comenzó cuando, caminando por las calles del centro, un señor tuvo la amabilidad y confianza de empezar a contarme sobre su vida, en particular, de su experiencia como policía de Ohio, su infancia en Monterrey y que su tío era el famoso torero Don Lorenzo Garza. 

Decidí regresarle el favor concretando una entrevista con él que fue publicada en dos partes por El Barrio Antiguo: a este primer esfuerzo de diálogo lo llamé Voces de la Ciudad. Mi intención inicial con este proyecto era romper con la individualidad y alienación para aspirar por algo más grande.

Quizás con más diálogos como este, en donde a través de la experiencia de distintos neoloneses pudiéramos aprender sobre su paso por la ciudad, nuestro entendimiento de lo que somos y lo que fuimos podría ser mucho más amplio. 

Es por esto que no creo que haya sido casualidad que por estas mismas fechas, durante mi último semestre como estudiante, me encontrará con una crónica de El Barrio Antiguo sobre el movimiento universitario de la Universidad de Nuevo León de los años sesentas y setentas.

Escrita por Ana Lucía Heredía bajo el título 1971: El año de los jóvenes regios, la crónica narra la lucha y defensa por la autonomía universitaria, fruto de una juventud que habitó el Nuevo León de hace 50 años; una generación crítica y revolucionaria que era síntoma del contexto político de la Guerra Fría y un sinfín de movimientos sociales.

Similar a mi experiencia con Romper el Cerco, me pregunté el por qué no conocía esta historia, peor aún, siendo estudiante de la misma universidad. Pensé además que esta crónica bien podría ser el argumento de una película, sin importar si era ficción o documental. No fue sino hasta unos meses después que, por medio de otra casualidad de la vida, sentí que yo podía ser el director de esta historia. 

Como resultado de mis prácticas universitarias, en donde me dediqué a registrar eventos organizados por el departamento de posgrado de la facultad, el artista invitado Rolando Jacob habló de los Condominios Constitución y de cómo en ellos hubo una balacera contra unos estudiantes en el año de 1972, en medio de la guerrilla urbana posterior a la lucha por la autonomía universitaria. 

Para él resultaba interesante cómo, tanto en los Condominios Constitución como el conjunto urbano Nonoalco Tlatelolco (ambos construidos a principios de la década de los sesentas), representaban complejos habitacionales de modernidad que fueron “escenografías de resistencia”. 

Toda mi vida estuve acostumbrado a ver la historia como algo lejano y ajeno, algo que no tenía forma de materializar desde mi espacio geográfico, sin embargo, esta nueva serie de descubrimientos sobre la ciudad de Monterrey bien podían inscribirse a los de la masacre de Tlatelolco en 1968, a los enfrentamientos en contra de la población de Atenco en 2006 y a la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa en 2014, pues todos ellos contaban la historia del México rebelde, de aquel que fue víctima de un estado opresivo e impune a través de las décadas. Un estado violento y repulsivo al que sentía que aún había que hacerle frente, pero sin saber cómo. 

Una vez egresado de la universidad, tomé unos talleres de cine documental con mi compañera Karla Canizales (quien no sólo me apoyó previamente con las fotografías de la primera entrevista de Voces de la Ciudad y durante mis primeros ejercicios documentales, sino con la que además compartía intereses por esta ciudad llena de contradicciones), y así fue que juntos iniciamos la película sobre aquella crónica, conociendo en el proceso a un elenco de personajes valiosos, activos y con una apreciación invaluable por esta ciudad. 

De manera paralela, en 2018, acompañamos una serie de manifestaciones sociales, que pudimos registrar en video, en torno al aumento de las tarifas del transporte público y en contra del proyecto de Interconexión que afectaba a las colonias Independencia, Tanques de Guadalupe y América 2.

Fue aquí cuando Karla y yo nos dimos cuenta de que estos registros, en conjunto con el documental que estábamos haciendo sobre la autonomía universitaria, formaban parte de una misma visión, de un mismo proyecto, por lo que reconfiguramos Voces de la Ciudad a lo que es hoy en día: una productora que busca crear un acervo para la memoria de Nuevo León por medio del registro y el cine documental. 

¿Por qué elegir la construcción de un acervo? Para que así otros, como lo fue en mi caso, puedan tener puntos de referencia sobre los cuales asirse y, sobre todo, para que no queden en el olvido nuestras historias. Con Voces, pase de transformar el cinismo que nubló mi visión por lo de Ayotzinapa, y que muy seguramente nubló a otros en su momento por lo de Atenco, en algo útil. Si bien la indignación sigue ahí y es motor para lo que hacemos, tampoco es lo que buscamos generar. 

Para finales de ese año, el sexenio de Enrique Peña Nieto llegaba a su fin y, de igual forma, terminaba mi provechoso tiempo en El Barrio Antiguo, en donde se me dio completa libertad para escribir y aprender del cine que nunca aprendimos en la carrera, un cine que invita a acercarte a tu entorno y encapsular sus relatos. 

Seguido a esto, en enero de 2019, Karla y yo presentamos esta nueva versión de Voces de la Ciudad a través de sus respectivas redes sociales y, desde entonces, nos hemos dedicado a documentar nuestro paso por esta urbe, en un esfuerzo por acompañar las causas y movimientos sociales que corresponden a problemáticas mayores, causadas por un mismo Estado. 

La medida en la que todo esto ha sido posible es porque existe un respaldo en cada persona que acepta formar parte de nuestros proyectos, que se interesa en preguntarnos sobre lo que hacemos, que nos acompaña en cada uno de nuestros registros y documentales. 

Tal pareciera que lo que he intentado hacer con Voces es causar la misma impresión que sembró en mí aquel documental que cambió mi vida para siempre. Es mí manera de decirme a mí mismo y a los que me rodean que aún existe gente organizada y en constante resistencia, gente que además de tener una visión amplia de la ciudad, no se deja llevar por el desinterés que tanto nos caracteriza, gente que, desde su trinchera, tiene algo que aportar, que se planta de manera firme contra la vorágine del sector empresarial y sus intereses privados, así como al conservadurismo obsoleto de la clase gobernante. 

Si algo he aprendido en todos estos años es que la vida funciona de extrañas pero muy recompensantes maneras para los que se dedican al cine documental. No por nada, me ha tocado escuchar en distintos momentos lo que la ciudad tiene para decirme. Su callada voz, manifestada en sus distintos personajes, causas y lugares, puede perderse con facilidad entre la algarabía de los coches y el incesante zumbido de las máquinas de construcción que derrumban sitios patrimoniales para edificar una ilusión de progreso. 

Pero yo bien sé que, cuando la película sobre aquella juventud emblemática esté terminada, podré regresarle algo a cambio, pues no sólo se trata de habitar la ciudad, sino de escucharla y entablar un diálogo con ella. Un diálogo que permita que otras voces y referentes puedan sumarse en una conversación que nunca se acaba. 

En retrospectiva, puedo decir que mi paso por el cine documental me ha llevado de ser un espectador a un aficionado y actual realizador comprometido con la memoria de la ciudad de Monterrey.  

Bibliografía: 

Valdés, S. (27 de febrero de 2015). “Jamás olvidaré la injusticia de Atenco” [Atenco: Romper el Cerco]. El Barrio Antiguo. http://www.elbarrioantiguo.com/jamas-olvidare-la-injustica-de-atenco-atenco-romper-el-cerco/ 

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John Nieto (1936-2018), "Thundercloud", acrylic on canvas, 60 x 48", frame: 62 × 50" Provenance: A Shavano Park, Texas estate John Nieto was an American contemporary artist who concentrated on Native American themes including Native American tribal representatives as well as indigenous wildlife.

Nieto's roots can be traced back over 300 years and his work reflects his Hispanic and American Indian ancestry. He earned a Bachelor of Fine Arts from Southern Methodist University in 1959.

His work can be found in the permanent collections of the New Mexico Museum of Fine Art Santa Fe, Marine Corp Museum Washington, DC, and the Heard Museum Phoenix, Arizona.

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Por: Rogelio Garza

Murió John Mayall, el bluesman blanco más prolífico y longevo que pasó su vida preservando el blues desde la tradición hasta la fusión con otros ritmos. Sesenta de sus noventa años dedicados a tocar, grabar y girar por el mundo llevando un mensaje de cruda honestidad con la que se expresan nuestras experiencias de vida. Abandonó este plano rodeado de dos ex esposas, seis hijos, siete nietos, cuatro bisnietos y una legión de seguidores arropándolo en línea.

Era el hijo de un coleccionista de discos y guitarrista de bar de Manchester, donde creció entre el blues y el jazz. Eso definió su vocación y filosofía por la música del Diablo: regresó del servicio militar en Corea con su primera guitarra eléctrica y mientras estudiaba diseño en el Colegio de Arte de Manchester tocaba con su primer grupo de pop, The Powerhouse Four. Después trabajó en agencias de publicidad durante un par de años, dobleteando con el grupo, hasta que apareció el locutor y guitarrista Alexis Korner y lo jaló a Londres. Entre 1963 y 1969, Korner encabezó el boom del blues inglés con su grupo Blues Incorporated, por el que pasaron Charlie Watts, Jack Bruce, Brian Jones, Keith Richards y Eric Burdon, entre otros. Mayall dejó las agencias y el pop, tenía treinta años cuando se mudó a Londres para seguir el blues hasta el último día de su vida. Con aquella experiencia en arte, diseñó las portadas de sus discos con el grupo que hizo escuela: los Bluesbreakers.

COMPOSITOR, MÚSICO Y PRODUCTOR que tocaba la guitarra, el piano, la armónica y cantaba en los Bluesbreakers, el grupo se convirtió en una escuela de blues eléctrico de Chicago en la que fue tícher de Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor. Blancos que tocaban la música negra: Clapton aprendió lo que necesitaba y se fue a formar Cream, Peter Green formó al primer —y mejor— Fleetwood Mac, y Mick Taylor se fue con los Rolling Stones. Aunque en los ochenta regresó con Mayall para refundar los Bluesbreakers. 

Eran la máxima referencia del ritmo y la negritud en Inglaterra, entonces Mayall se mudó a Estados Unidos porque el blues es gringo y él quería abrevar en el Mississippi Delta. En 1969 se estableció en California por el clima y la vibra contracultural, le sentó bien para la creatividad, empezó a combinar el jazz, el funk y el pop en sesiones de jamming como la de Moving On. Y en 1972 grabó el disco en vivo Jazz Blues Fusion, que algunos consideran un subgénero en sí. Pero en 1979 se incendió su casa con una invaluable colección de discos e instrumentos. Le pegó tanto que así tituló su autobiografía: Blues from Laurel Canyon: My Life As A Bluesman.

Un artista prolífico, su discografía abarca más de 160 discos de estudio, en vivo y recopilaciones. Para tener una idea de su brío, el estupendo The Sun Is Shining Down lo grabó a los 88 años. En México dio memorables conciertos en 1980 y en 1989, en el Toreo de Cuatro Caminos. Y en el Festival Internacional Blues & Grooves Guadalajara 2017, en Zapopan. No creo que nadie sepa lo que es el blues. Simplemente no puedo dejar de tocarlo.

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One foot in the grave

En 1946 mientras servía al ejército de EEUU, un joven soldado llamado  Alfred Earl Hansen, se fijó un apartamento en un quinto piso que había sido bombardeado. Todo el salón estaba a la vista dado que se habían caído las paredes y el edificio en sí, estaba a punto de colapsar. 

Se asomaba un piano en un equilibrio frágil que parecía estar a punto de precipitarse.

“Al” subió con la idea de empujar el piano al vacío. 

Lo hizo y el sonido retumbó largamente. Nadie había escuchado nunca un piano igual.

Al acabar el servicio, de regreso a EEUU, daba forma una evolución artística de lo más rica como músico, profesor de arte y artista gráfico  mientras a nivel teórico sentaba las bases de los happenings y otras formas inusuales de expresión artística.

Amigo y colaborador de John Cage, participó en el movimiento Fluxus mientras se relacionaba con Yoko Ono, Georges Maciunas y Andy Warhol. 

Entre su obra gráfica destacan los collages con envoltorios de caramelos, colillas y pintura.

Posiblemente sea eso mismo, el collage la principal herencia que une a su nieto, definido como la habilidad para tomar elementos sin ningún nexo en común y combinarlos para crear un realidad completamente original. Eso y el planteamiento de sus conciertos como performances.

Su nieto, llamado Bek David Campbell se hizo famoso como Beck Hansen cruzando folk, hip-hop, rock, blues y todo lo que se pusiera a tiro.

Justo después de saltar por los aires la cabeza a medio mundo con la publicación de Mellow Gold, todos esperaban que se desvaneciera el huracán Beck  como tantos one hit wonder.

El acuerdo con Geffen Records para su contratación  le permitía seguir publicando en sellos independientes sus grabaciones " comercialmente inviables" De esta forma, pocas semanas después de Mellow Gold vieron la luz "One foot in the grave" y "Stereopathetic Soul Manure", el primero, primitivo y fuertemente arraigado en el folk y blues americano, el segundo sin duda,una auténtica marcianada: esbozos de canciones, samplers lo-fi, ruido de garrafón.. el Beck más crudo que recoge en parte el testimonio de los últimos años en los que había grabado de todo y por todas partes en su trayectoria vital.

https://youtu.be/Hb2GANM9jRI Atrás quedaron los días del Anti-folk, de la esquizofrenia provocada por tener el corazón partido entre el blues del delta y el breakdance,  de sus fallidas incursiones en la escena punk de Nueva York, de los trabajos de mierda, de hacer de cada concierto una performance en Los Ángeles, de homenajear a su abuelo subiendo al escenario con un casco de Soldado Imperial a hacer el cabraloca provocando, improvisando, friendo las neuronas del respetable . Si bien el disco  publicado en Flipside es muy significativo de su proceso creativo explosivo e incontinente. La referencia publicada por K Records refleja dos realidades que se cruzan: por una parte, la pasión de Beck por el blues y el folk.  Esa pasión era la que le había llevado con apenas 14 años a coger la guitarra para reproducir las canciones de Mississipi John Hurt.  

Por eso, el disco se abre con un popular "He's a Mighty Good Leader" atribuido a Skip James y ese sabor de boca añejo permanece a lo largo de todo el album.

https://youtu.be/fWa4AZMnLJM Por otra parte la visión personal de Calvin Johnson, uno de los referentes del sonido lo-fi, una especie de visionario del DIY que había sacudido el estado de Washington con la creación de K Records, la tangibilización de una forma muy personal de entender la música que dejaba atrás la estética grunge y la sustituía por una pléyade de aspirantes a bibliotecarios e investigadores de postgrado. En el imprescindible libro "Nuestra Banda podría ser tu vida",  Michael Azerrad describe con acierto su peculiar trayectoria. Para ilustrar este punto, un temazo que Calvin Johnson vistió para Lois Maffeo, un tótem de la cultura punk con  Dub Narcotic Soundsystem. Sublime.

https://youtu.be/Wynv4Mk31uo?list=PL0wYSpH4lhMJhkLM8DHkNnpC8r8Kx7cDU La edición de "One foot in the grave" por parte de K Records esconde numerosos tesoros. Oculto tras una capa de sonido casual, sin aditivos, las canciones parecen primeras tomas en las que la frescura se impone a  errores de afinación o ejecución. Panderetas, y otras percusiones de lo más pintoresco adornan la sección rítmica mientras vienen y van coros y arreglos cuando menos inusuales. Beck despojado de cacharros se crece y canta al Apocalipsis con voz nasal, entona baladas de amor envuelto en un escenario decadente con una serenidad abrumadora.

Gira todas las cartas sobre la mesa como letrista, ácido y corrosivo pero a la vez agudo y profundo. Sin embargo,  asoma una amplitud de miras indiscutible: "Burnt orange peel" , "Outcome" "Asshole" no están estilísticamente encajados en lo que denominamos americana pero la inclusión en ese conjunto le favorece. Para la grabación, Calvin Johnson convocó a diferentes músicos de Washington. Las fotos de la carpeta dan testimonio de los personajes que participaron, la mejor referencia que uno podría tener para asimilar esta obra. Algo así como " Que podría usted esperar de estos tipos?"

https://youtu.be/3CIbIFjRGVQ Al final, este disco parece ser un oasis, un alivio para Beck en el que graba temas con un grupo de nuevos amigos sin más pretensiones que las habituales en las grabaciones de K Records, esa libertad, esa voluntad por fluir se refleja en esta joya de belleza oscura y a la vez cautivadora que hoy reivindicamos desde estas líneas.

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TV: Kyle Hunter

Interpretado por Steven R. McQueen (nieto del actor Steve McQueen, portador del mote de "The King of Cool" y actor de películas legendarias como "Papillón", "Bullitt" o "Los siete magníficos", e hijo de Chad McQueen, que también tiene su lugarcito en la historia del cine merced a Dutch, uno de los alumnos de John Kreese en la gran "Karate Kid"), Kyle Hunter se presenta como un personaje conflictivo en el mundo casi almibarado que presenta "Everwood". La serie de la entonces cadena The WB (hoy CW), que duró cuatro temporadas entre 2002 y 2006, nos traía la historia del Dr. Andrew Brown (Treat Williams), un hombre viudo que lleva a sus hijos, Ephram (Gregory Smith) y Delia (Vivien Cardone) a vivir al pueblito de Colorado que le da nombre a la serie. Una de las características del show creado por Greg Berlanti (cabeza de la franquicia superheronica conocida como "Arrowverse", que incluyó series como "Arrow", "The Flash", "Supergirl" y "Legends of Tomorrow") es la presencia inicial de actores que luego pasaron a un sitio de estrellato, como Chris Pratt ("Guardianes de la Galaxia", 2014) o Emily VanCamp ("Capitán América y el Soldado del Invierno", 2014).

Kyle es un portento del piano de tan sólo quince años que recibe con mal rollo (puesto que cree no necesitarlas) las clases de Ephram, quien lo prepara para inscribirse en la prestigiosa Julliard, una academia especializada en artes. Su delicada situación económica y familiar (su padre los ha abandonado a él y a su madre) pone un freno a su sueño cuando se entera de que debe pagar cien dólares sólo para tener una primera oportunidad de entrar, pero Ephram lo toma como protegido y, consciente de su talento, intenta ayudarle en lo que puede.

Pero el joven, además, es un inadaptado, un solitario, incapaz de conectar con sus pares. Cuando una chica le invita al baile de graduación, él, en un principio, se niega a acompañarla, aunque luego accede tras la insistencia de Ephram. Lamentablemente, la experiencia es negativa, pero sirve para que su tutor comience a preguntarse, por una teoría de Reid (Justin Baldoni), estudiante de medicina y un conocido de Amy, si el muchacho no sería gay. Maestro y alumno se conceden una necesaria conversación, en la que Kyle confirma que siente temor de reconocerse como gay porque teme ser odiado; Ephram le consuela animándolo a ser veraz consigo mismo porque, una vez que lo sea, será más feliz.

Su historia en la serie culmina, precísamente, con la aceptación de su sexualidad, su promoción en Julliard y su salida del armario con su madre, quien se lo toma a bien y le dice que ya intuía este aspecto de su vida desde hacía mucho.

[slvrdlphn]

Yul Servo Nieto Unveils Directions II at The Manila Hotel’s Art Gallery

Manila Vice Mayor, public servant, accomplished actor, and multi-talented artist, John Marvin “Yul Servo” Nieto, is set to captivate art enthusiasts with his highly anticipated solo exhibit, Directions II, at the exclusive Art Gallery of The Manila Hotel. While widely recognized for his acting prowess, Yul Servo Nieto’s passion for art extends beyond the screen. This exhibition showcases the…

[sbknews]

Ducati announces the opening of a new store in Bournemouth

Ducati continues to expand its dealer network with Dorset’s first Ducati dealership, dedicated to the iconic Italian motorcycle brand. The new store offers a completely renovated and modernised building, the Ducati and Scrambler Ducati range alongside their apparel and accessory collections. Local Ducatisti and motorcycle enthusiasts were invited to join the Ducati Bournemouth team for the official ribbon cutting ceremony on Sunday 30th April, alongside Fabrizio Cazzoli, Managing Director of Ducati UK, before getting their first look inside the 7000 sq ft store including the state-of-the-art workshop, where a team of technicians are available for servicing and repairs. Alongside the model year 2023 Ducati and Scrambler Ducati range, fans had the chance to see a John Hackett prepared GSE Racing 916 ridden by Troy Bayliss in 1998 BSB Championship.

Passionate clients that were present on opening day had the chance to watch the Spanish round of MotoGP at the Circuito de Jerez - Angel Nieto, as well as to take part in a Q&A session with Chaz Davies, former Ducati rider in the WSBK championship, now official Riders’ Coach of the Aruba.it Racing - Ducati team, compered by commentator and motorsport presenter Greg Haines, while enjoying some nice pizza and coffee. Fabrizio Cazzoli, Managing Director of Ducati UK said: “. Today we are here in Dorset for the opening of our brand new store, Ducati Bournemouth. With the highest standards, both in corporate identity and people quality, there is no better way to bring Ducati values of Style, Sophistication and Performance in UK. I would like to sincerely thank Mark Langford and John Piper of Breeze for their outstanding work ” Mark Langford, Managing Director of Breeze Motor Group, owners of Ducati Bournemouth said: “We’re excited to have finally opened Ducati Bournemouth for the start of the season. We’d like to thank everyone for their patience and support – we can’t wait to welcome you through the doors and are confident you’ll agree it’s been worth the wait!” Ducati Bournemouth will be open Tuesday to Sunday throughout the year from Tuesday 2nd May. The new dealership joins Ducati’s global sales network, which today counts more than 800 points of sale in over 90 countries worldwide. Visit ducatibournemouth.co.uk for full details. For more Ducati news check out our dedicated page Ducati UK News or head to the official Ducati UK website ducati.com/gb/en/home

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[todaysdocument]

President Ronald Reagan receives the painting, “Delegate to the White House” from artist John Nieto, 8/5/1982.

Series: Reagan White House Photographs, 1/20/1981 - 1/20/1989

Collection: White House Photographic Collection, 1/20/1981 - 1/20/1989

Image description: President Reagan and John Nieto stand in the Oval Office. Behind them is the painting, “Delegate to the White House,” a contemporary style depiction of a Native American man in traditional dress.

[awesomeartists]

By John Nieto

[artisamaptothejourney]

John Nieto

[firstactproblems]

A cop car against a mural listing the names of Black and brown Americans murdered by police.

[longlistshort]

Taos Buffalo,1991, by John Nieto can currently be seen at The James Museum of Western and Wildlife Art, in St. Petersburg, Florida.

From the museum’s information plaque-

With vivid fields of color and strong lines, Nieto paints familiar imagery and expresses it the way he sees it. He spent most of his life in New Mexico, inspired by the light, land, and rich history of the region.

“The colors I work with are a reflection of the way I feel. Sometimes I literally see these colors up in the sky, and it is unbelievable for people who don’t live in this area (near Santa Fe). When I am painting, I feel a certain way, and I feel it in terms of a certain color. So I put it down, then that suggests another color.” -John Nieto

[roseshavethoughts]

Travel | Images of Vatican City

#TravelTuesday Travel | Vatican City #Wanderlust

Photographic A – Z of the world (V)

Country – Italy

Continent – Europe

Alberico Bartoccini

Vinicius Amnx Amano

Nicolas Hoizey

Alan Liu

Christopher Czermak

Sean Ang

Anton Scherbakov

Aldo Loya

Ehud Neuhaus

Anastasia Dulgier

Bao Menglong

Chris Curry

George Kourounis

Anastasia Dulgier

John Rodenn Castillo

Thimo Van Leeuwen

Fr Barry Braum

Victor Malyushev

Claire Satera

David Edkins

Eduardo Garcia Nieto