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ver-saw-x-online-latino · 1 year ago

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¿Dónde ver Saw X online?

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¿CUÁL ES LA PELÍCULA Saw X ?

Saw X es una película de terror estadounidense de 2023, dirigida y editada por Kevin Greutert, y escrita por Josh Stolberg y Peter Goldfinger. Es la décima entrega de la serie de películas de Saw, que además funciona como secuela directa a Saw (2004) y precuela de Saw II (2005). La cinta está protagonizada por Tobin Bell y Shawnee Smith retomando sus papeles de las películas anteriores, con Synnøve Macody Lund, Steven Brand, Renata Vaca, y Michael Beach. Ambientada entre los acontecimientos de las dos primeras películas, John Kramer (Bell) viaja a México con la esperanza de que un procedimiento experimental pueda curarlo. Sin embargo, al poco tiempo se demuestra que la operación es un engaño, lo que lo lleva a secuestrar a los responsables y someterlos a sus típicas trampas mortales.

En abril de 2021, se informó que se estaba desarrollando una décima entrega con Twisted Pictures, con Stolberg y Goldfinger, los escritores de las dos entradas anteriores de la serie, quienes confirmaron que el guion se completó en diciembre de 2021. El rodaje se llevó a cabo de octubre de 2022 a febrero de 2023 en Ciudad de México.

¿CUÁL Es La Fecha De Lanzamiento (estreno) De Saw X ?

Saw X fue estrenada en cines por Lionsgate el 29 de septiembre de 2023. Recibió críticas en su mayoría positivas por parte de los críticos, y la mayoría describió la película como la entrada más fuerte desde la primera, además de elogiar el desempeñó actoral de Bell.

¿Quién (reparto) en la película ‘Saw X’?

Tobin Bell como John Kramer / Jigsaw7 Shawnee Smith como Amanda Young8 Synnøve Macody Lund como Cecilia Pederson8 Steven Brand como Parker Sears9 Renata Vaca como Gabriela8 Joshua Okamoto como Diego10 Octavio Hinojosa como Mateo 8 Paulette Hernandez como Valentina11 Jorge Briseño como Carlos10 Costas Mandylor como Mark Hoffman Michael Beach como Henry Kessler8 Isan Beomhyun Lee como víctima en trampa del vacío ocular10 Katie Barberi como líder del grupo de apoyo contra el cáncer.10 Donagh Gordon como Finn Pederson

Datos completos sobre la película Saw X

Título Original : Saw X 20 de julio de 2023 en cines / 1h 55min / Aventura, Comedia, Familia Dirigida por Greta Gerwig Guion Greta Gerwig, Noah Baumbach Reparto Margot Robbie, Ryan Gosling, America Ferrera

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Saw X de esta Película Desde 2023 se estrenó oficialmente en Hispanoamérica y España, esta Película es muy interesante y puede acompañarte a relajarte un poco en casa, voy a flashback de esta Película.

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Saw X: ¿cuando se estrena y dónde se podrá ver la película completa? Te contamos la fecha de estreno y cómo puedes ver nuevas películas protagonizadas por los mejores actores. Saw X, la nueva película, se acerca a su fecha de estreno y el mejor actor se repone para una de sus actuaciones más lujosas y entretenidas,Por eso, unos días antes de esa fecha, aquí tienes los detalles más importantes que debes conocer para no perderte esta próxima película a live action.

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¿Dónde ver Saw X online? A continuación te detallamos todo lo que debes saber para ver la mejore de la película ‘Saw X’ cuando quieras, donde quieras y con quien quieras.

Incluso aprenderás a ver películas gratis online de forma absolutamente legal y segura, este sin necesidad de pagar mensualmente una suscripción a servicios premium de Online Gratis la película Saw X como Netflix, HBO Max, Amazon Prime Video, Hulu, Fox Premium, Movistar Play, Disney+, Crackle o Blim, es.watchvid.fun o de bajar apps de Google Play o App Store que no te ayudarán mucho a satisfacer esa sed cinéfila. ¿No te es suficiente? ¿Quieres más trucos? También te enseñaremos a usar los sitios premium por Saw X película completa, sin pagar absolutamente nada. Incluso te contaremos qué películas están en la cartelera de los cines del Chile, Perú, México, España, Estados Unidos, Colombia, Argentina, Ecuador y demás países del mundo.

¿La Saw X está en los cines o en Online Gratis? Saw X se estrenará exclusivamente en los cines el 7 de julio de 2023. La película estará disponible en Online Gratis en una fecha posterior.

Tendrá que esperar a que Saw X termine su presentación en cines antes de poder verlo Online en la comodidad de su propia sala de estar. Mientras tanto, prepara algunos cojines para esconderte detrás.

¿Cuándo estará Saw X en Online Gratis? Con respecto a cuándo y dónde estará disponible Saw X para transmitir, actualmente no hay información concreta.

Sin embargo, basándonos en las compañías de producción y distribución de la película, creemos que The Red Door podría ser presentado por Netflix cuando llegue el momento debido a su asociación de transmisión con Sony Pictures (la compañía de distribución de la película). El gigante de la transmisión Netflix es el hogar de muchas películas de terror fantásticas y ha sido sede de entregas anteriores de Insidious. Los planes comienzan en $ 6.99 por mes.

Es importante tener en cuenta que las películas de Insidious se han alojado en muchas plataformas diferentes en todo el mundo, incluido Max en los Estados Unidos. Esté atento a esta página para que sea el primero en saber cuándo y dónde The Red Door está disponible para transmitir.

Dónde ver Saw X Online: A partir de ahora, la única forma de ver Saw X es ir a una sala de cine cuando se estrene el 7 de julio de 2023. Puedes encontrar una proyección local en Fandango.

Mire ahora: Saw X (2023) Película Online gratis

De lo contrario, solo tendrá que esperar a que esté disponible para alquilar o comprar en plataformas digitales como Amazon, Vudu, YouTube o Apple, o esté disponible para transmitir en Netflix.

Cómo ver la Saw X Por el momento, puedes ver Saw X en tu cine local. Pero como la mayoría de las películas en estos días, debería llegar a un sitio web de transmisión en un futuro cercano.

Saw X hace su espeluznante debut en los cines el viernes 7 de julio de 2023. Es una exclusiva cinematográfica por ahora.

La única forma de ver Saw X es yendo a los cines porque Sony Pictures lo lanzará exclusivamente en la pantalla grande. Y no hay nada como experimentar los saltos y las sacudidas de un tren fantasma en el cine, así que valdrá la pena.

Saw X se estrenará exclusivamente en salas de cine. A partir de ahora, no hay fechas confirmadas sobre cuándo y dónde estará disponible para transmitir. El distribuidor de la película, Screen Gems, es propiedad de Sony Pictures y tiene un acuerdo de transmisión con Netflix, por lo que es muy probable que la película esté disponible para transmitir en el servicio en algún momento a fines de 2023.

¿La Saw X estará en HBO Max? No, Saw X no estará en HBO Max ya que no es una película de Universal Pictures. El año pasado, la compañía estrenó sus películas en los cines y en el streamer el mismo día. Sin embargo, ahora permiten una ventana de 45 días entre el estreno en cines y el estreno en Online Gratis.

¿Estará Saw X en Prime Video? Si bien aún no se ha anunciado una fecha de lanzamiento digital para Saw X, podemos hacer una suposición informada sobre cuándo estará disponible para alquilar o comprar en plataformas como Prime Video según una película de Sony Pictures Releasing lanzada anteriormente.

El thriller dirigido por Storm Reid, Missing, se estrenó en los cines el 20 de enero antes de estar disponible para comprar o alquilar el 7 de marzo, aproximadamente 45 días después de su debut. Según esa lógica, Saw X debería llegar a la versión digital a fines de agosto de 2023.

¿Estará Saw X en Disney Plus? No, Saw X no está en Disney Plus y no creemos que esté disponible allí en un futuro cercano. Disney no participó en la realización de la película, y Sony ya tiene un acuerdo con Netflix.

¿La Saw X está disponible en Hulu? Los espectadores dicen que quieren ver la nueva película de terror Saw X en Hulu. Desafortunadamente, esto no es posible ya que Hulu actualmente no ofrece ninguno de los episodios gratuitos de esta serie en este momento. Será exclusivo del canal MTV, que obtienes al suscribirte a los servicios de televisión por cable o satélite. No podrá verlo en Hulu ni en ningún otro servicio de transmisión gratuito.

¿Cómo ver Saw X Online gratis? Más vistas, más favoritas, mejor calificadas, mejores películas de IMDb Online. Aquí podemos descargar y ver películas de la-cuevana.com sin conexión. El sitio web de la-cuevana.com es la mejor alternativa a Saw X (2023) gratis Online. Recomendaremos la-cuevana.com como las mejores alternativas de Solarmovie.

Hay algunas formas de ver Saw X en línea en los EE. UU. Puede usar un servicio de transmisión como Netflix, Hulu o Amazon Prime Video. También puede alquilar o comprar la película en iTunes o Google Play. También puede verlo a pedido o en una aplicación de transmisión disponible en su televisor o dispositivo de transmisión si tiene cable.

¿Cuándo llega Saw X a Blu-ray y DVD? Hasta el momento, no se ha dado una fecha de lanzamiento sobre cuándo Saw X estará disponible para comprar en Blu-ray y DVD. Es probable que la película esté disponible para su transmisión bajo demanda antes de recibir un lanzamiento en medios físicos. Es probable que la película esté disponible para su compra en algún momento a fines de septiembre o principios de octubre.

Conclusión: ¿Cuales son las mejores paginas para ver Películas subtituladas gratis?

Descargar es una gran opción a tener en cuenta, ideal para aquellos días que no contamos con servicios como internet o luz.. Haremos muchos mas ameno un viaje largo o entreteneremos a nuestros niños por unas horas!

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noticias-elplaneta · 2 years ago

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Festival de Morelia, cine mexicano puro

24 de octubre de 2022

Por Xenia Morales

Dos décadas con Morelia, solo cine de mayor vanguardia en México

El Festival Internacional de Cine de More se inauguró hace dos décadas con una película que el propio director del filme no fue a ver. “Era tan incierto el tema del festival que no creían mucho en nosotros”, recuerda Cuauhtémoc Cárdenas Batel, uno de los fundadores. “Es la verdad, no es un reclamo”, asegura. Dos décadas después, el evento se ha convertido en el encuentro más importante del cine mexicano y este sábado, quizás contra aquellos primeros pronósticos, arrancó su edición 20. Los organizadores no aspiran a convertirlo en Cannes, San Sebastián o Venecia, festivales que dentro de la industria se conocen como de clase A. “Es una clasificación un poco obsoleta”, dice Cárdenas Batel. La obsesión es seguir difundiendo cine mexicano. Era 2003 y películas como Amores perros (2000), Y tu mamá también (2001) o El crimen del padre Amaro (2002) ya marcaban el rumbo del nuevo cine mexicano. Las tres, además, habían conseguido el reconocimiento de la Academia de Cine de Hollywood: Amores perros, de Alejandro González Iñárritu, y El crimen del padre Amaro, de Carlos Carrera, habían sido nominadas en años anteriores a Mejor película extranjera en los Premios Oscar; Y tu mamá también, de Alfonso Cuarón, había competido por el galardón en la categoría de Mejor guion original. En paralelo, sin embargo, el Gobierno del panista Vicente Fox estaba planeando deshacerse del Centro de Capacitación Cinematográfica, el CCC, una de las escuelas de cine más importantes de México, y de los históricos Estudios Churubusco. La prensa hablaba a principios de milenio de una “crisis del cine mexicano” y el número de filmes caía desde hacía algunos años: si entre 1991 y 1994 el promedio de películas producidas en México había sido de 44 al año, en 2003 solo hubo 25, según datos recopilados por el investigador Rodrigo Gómez. Entre ellas, Nicotina, esa película que inauguró el festival pero que su director, Hugo Rodríguez, se saltó. En ese contexto fue que una crítica de cine –Daniela Michel, que coordinaba las Jornadas de Cortometrajes Mexicano–, un arquitecto –Cuauhtémoc Cárdenas Batel– y un empresario –Alejandro Ramírez, actual director de Cinépolis– lanzaron un evento para “apoyar a los cineastas mexicanos, cultivar nuevos públicos, y difundir la cultura cinematográfica de México”. Sería en la ciudad de Morelia, Estado de Michoacán, donde, casualidad o no, estaba la sede central de Cinépolis, la cadena de cine más importante fuera de Estados Unidos. Cárdenas Batel hace algunos apuntes sobre la “suerte” que tuvieron entonces. Por un lado, dice, el Festival de Cine de Guadalajara, creado en 1986, estaba “creciendo hacia Iberoamérica” y “eso dejó un hueco” para un nuevo encuentro centrado en el cine nacional. Pero pese a la falta de confianza de la que hablaba el arquitecto al principio, hubo cinco personas “fundamentales” que asistieron a aquel nacimiento: las actrices Salma Hayek y Julia Ormond, los cineastas Werner Herzog y Barbet Schroeder y el escritor Fernando Vallejo. “Y entonces”, dice el arquitecto, “al año siguiente la gente ya quería venir”. El crítico Rafael Aviña opina que “ese primer festival fue importantísimo para la industria, para el público y para los cineastas”. Fue tan “determinante”, cree, que existe “un cine mexicano antes y después”: “Morelia capitalizó toda esa rabia contenida, esas nuevas propuestas, ese nuevo lenguaje, todos estos nuevos jóvenes que estaban tratando de conseguir un espacio en una industria muy irregular y muy castigada”. “Fue una especie de ave fénix que renace de entre las cenizas de un cine que estaban tratando por aplastar por completo”, dice.

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amigofilms2000 · 6 years ago

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#LoOcultoDelCineDeCulto

Quieres una rareza del VHS Maniac Cop III: Badge of Silence es una película de terror y acción 1993 de escrita por Larry Cohen y dirigida por William Lustig

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mexicoantiguo · 2 years ago

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Cuando se estrenó en México Los Olvidados (Luis Buñuel, 1950) la sociedad de nuestro país no estaba preparada para lo que iba a ver y convertiría a esta cinta en un clásico inmediato tanto por su calidad como por su polémica.

Después de que Buñuel probó el éxito comercial con El gran calavera (1949), tuvo la oportunidad de hacer ""una verdadera película"", como él mismo refería. asi que fue moldeando poco a poco un guión que trataría sobre la pobreza infantil en México y se rodeó de gente talentosa sobre todo para entender los términos populares mexicanos. Pedro de Urdimalas, quien había escrito diálogos para Nosotros los pobres (Ismael Rodríguez, 1947), fue el encargado de esta tarea que al final se convirtió en uno de los guiones -y película- más importantes tanto de la cinematografía de Buñuel como del cine hecho en México.

Se han realizado exhaustivos análisis sobre esta cinta, muchos críticos le han encontrado cientos de significados a cada escena -sean ciertos o no-, el caso es que hasta ese momento nadie había reflejado la realidad de la miseria mexicana como Buñuel y todavía más allá, no era un reflejo por el cual debíamos sentir compasión o lástima (como en Nosotros los pobres) era todo lo contrario, mostraba la pobreza de tal forma que sentíamos un repudio hacia ellos y nos horrorizaba saber de lo que los niños y adolescentes en condición de pobreza eran capaces de hacer empujados por la presión de su realidad.

Incluso cuentan que mientras Buñuel rodaba esta cinta parte del crew renunció al ver algunas de esas escenas tan crudas llevadas. Su productor, Oscar Dancigers, le pidió al director filmar dos finales, el original que todos conocemos por su crudeza y otro, un final feliz, en donde existía redención para sus personajes y el personaje de ""el Jaibo"" recibía su merecido.

En ese entonces, la liga de la decencia era quien clasificaba las películas y esta cinta fue una catalogada no apta para ""gente decente"", pero aún así, Buñuel se mantuvo firme en presentar el final que originalmente planeó para su cinta. Después de su estreno en noviembre de 1950 la cinta estuvo en cartelera la sorprendente cantidad de 3 días ya que tuvo presiones de la prensa, gobierno y las ligas clasistas de la sociedad mexicana, sin embargo, eso no impidió que ese año ganara el premio Ariel a mejor película y director y en el festival de Cannes de 1951 Buñuel se llevaría el premio a mejor director. Eso bastó para que en su segunda vuelta comercial fuera todo un éxito y permitiera que el director continuara una prolífica y exitosa filmografía en nuestro país.

A veces parece que la historia del cine hecho en México es una historia cimentada en la polémica. Tal vez así sea, pero si hay algo en lo que no hay duda es que Los olvidados es una de las cintas mas importantes jamás filmada.

#méxico #mexico #retro vintage #retrostyle #mexican #historia #cine

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holdenhcrn629 · 3 years ago

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Datos fascinantes sobre México

SABÍAS...

México es illustre por sus cantantes. Varios cantantes mexicanos han ganado juicio mundial. Incluyen a Paulina Rubio, Thalia, Luis Miguel, Emmnauel, Ana Gabriel, Alejandra Gúzman, Isabel Vargas Lizano, Gloria Trevi, José José y Armando Manzanero.

SABÍAS...

La pintora mexicana Frida Kahlo va "redescubierta" por una historiadora y escritora Haydeen Herrera. En 1983, en Estados Unidos, Haydeen Herrera publicó un libro llamado "Frida: Mi biografía de Frida Kahlo". Al ídem que Eva Duarte de Perón (ex-Primera Dama de Argentina), Frida Kahlo ha sido una de las mujeres más conhecidas del mundo desde 1983.

SABÍAS...

No meio de 1940 y 1958, México se convirtió en el centro de la industria cinematográfica internacional. Grandes estrellas de una época dorada de la cinematografía de México incluyeron a Jorge Negrete, quien fue famoso tais como un caballero, y la actriz Dolores del Río. Este gran actor Pedro Infante también inició su carrera en la época dorada del cine mexicano. La película enormemente popular de 1942, "El Peñón de las Animas", protagonizada por María Félix y Jorge Negrete, fue una de las películas enormemente exitosas de México y América Latino. Sin embargo, mis críticos de gran pantalla a menudo eligen la película de 1975 "Cartas de Marusia", como la mejor película de los dos tiempos.

SABÍAS...

Dolores del Río fue una actriz cinematográfica mexicana. Su gran belleza la convirtió en un símbolo sexual de fama mundial. Nació en Durango, México.

SABÍAS...

Ciertamente, México es uno de de mis países exóticos delete mundo. Es conocido por su herencia de las asombrosas pirámides construidas por aztecas y mayas. El país iberoamericano es famoso durante sus tradiciones, perizia, ecología y playas. Hay excelentes playas para relajarse, nadar y navegar. Una playa de Cancún es uno de los destinos turísticos muy populares del Caribe Mexicano.

SABÍAS...

Este Premio Nobel de Literatura de 1990 fue otorgado a Octavio Paz, novelista y ensayista. Es el quinto iberoamericano en recibir el premio. Octavio Paz fue el padre literario de México.

SABÍAS...

El Asociacion de Convenciones de Acapulco es 1 de los principales centros de conciertos y espectáculos del globo.

SABÍAS...

Gael García Bernal es probablemente el actor latinoamericano más popular a partir de 1959. Ha sido llamado "The Latin James Dean". Bad thing embargo, no sony ericsson ve a sí misma como un "sex symbol". Gael recomendo a los principios en Beverly Hillsides, California, "Hay varias "Latin James Deans". Siempre van a haber nuevos "Marlon Brandos" y nuevos "James". Deans". Es causado eso que la afirmación ya no tiene ninguna importancia. Además, siento que las películas de Wayne Dean son 100 % diferentes a las mías. Y, facil, para empezar, no tengo suficiente efectivo para comprar un Porsche.... "

Gael García Bernal nació el 30 de noviembre de 78 en Guadalajara, Jalisco (México), hijo de José Ángel y Patricia Bernal de García. Una sucesión dijo: "Pasé mucho tiempo con los padres. No tenían a nadie en casa para cuidarme, así que atraia que ir a todos lados con ellos. Viajé mucho en México y también a Tanque. Era mucha diversión".

Sus créditos cinematográficos incluyen: "Love`sa Bitch" (2000), "El lapsus del padre Amaro" (2002), "Y tu madre también" (2001), "Estoy con Lucy" (2002), "Punto el I" (2003), "Soñando con Julia" (2003), "La mala educación" (2004), "Diarios de motocicleta" (2004), "El rey" (2005), "Babel" (2006) y "La Ciencia del Sueño" (2006).

Además de español, Gael deje inglés, francés e italiano.

SABÍAS...

México es un cuarto de estudio de contrastes. Mis lugares modernos y bulliciosos con todos los comodidades más modernas están rodeados de montañas y espesura tropical.

SABÍAS...

Este pueblo mexicano carga con muchos ídolos: Marihuana Félix (actriz), Frida Kahlo (pintora), Mario Moreno (mejor conocido como "Cantinflas"), Rufino Tamayo (pintor), Diego Rivera (pintor), Agustín Lara (compositor), Carlos Fuentes https://www.lanotadiaria.com.mx/ (escritor), Thalia (cantante), Juan Gabriel (compositor y cantante), José Clemente Orozco (pintor), Juan Rulfo (escritor), José Vasconcelos (escritor), Kathy Comisión (actriz), Guadalupe Smith Garay (Miss Orbe 1991), Jorge Negrete (actor), Pedro Crio (actor) y Lucía Méndez (actriz).

SABÍAS...

El 26 de noviembre de 85, Rodolfo Neri Velón. fue el de acordo com astronauta latinoamericano en volar al espacio. Estaba listo para su primera misión espacial en 85 a bordo delete transbordador espacial Atlantis. Rodolfo nació el 19 de febrero de 1952 en Chilpancingo, México.

SABÍAS...

María Félix fue una actriz que protagonizó populares películas mexicanas como "El Peñón de las Animas", "La The far east Poblana", "Doña Bárbara" y "La Generala". Sin duda, los angeles actriz más belissima de la historia. María de mis Ángeles Félix Güereña, siempre llamada "La doña" o Marihuana Félix, nació el 8 de abril de 1914 en Álamos, Sonora (México). Murió el eight de abril de 2000 en la Urbe de México. Ciertamente, ella era la celebridad internacional.

Durante mucho tiempo es considerada una de las mujeres enormemente bellas del centuria XX, posiblemente una de las mejores actrices de América Latina, España, Croatia y Francia. Dans le cas où hubiera hablado muy bien el inglés, María Félix sería recordada como los angeles mejor actriz de el mundo.

A diferencia de Marihuana Montez y Rita Moreno, María Félix no aceptaba pequeños papeles en The show biz industry. Una vez recomendo: "Yo no nací para cargar canasta". Parecido a Pele (exfutbolista brasileño) y Carlos Gardel (cantante argentino), María Félix sera un símbolo en América Latina.

SABÍAS...

México ha tenido muchos atletas renomados en el época pasado: Raúl González (atletismo), Joaquín Iglesia (saltos), Carlos Girón (saltos), Hugo Sánchez (fútbol), José Youshimatz (ciclismo), Bernardo Segura (atletismo), Héctor López (boxeo), Juan Paredes (boxeo), Humberto Mariles (ecuestre), Felipe Muñoz (natación), Raúl Ramírez (tenis), Rafael Osuna Herrera (tenis), Ernesto Canto (pista y campo), Arturo Barrios (pista y campo), Daniel Bautista (atletismo) y Olegario Vázquez (tiro).

SABÍAS...

Elsa Benítez es la supermodelo de México. Nació el eight de diciembre de 1977 en Hermosillo, Sonora (México). Irónicamente, parece una supermodelo europea. Parecido a Alek Wek (Sudán) y Fernanda Tavares (Brasil), trabaja en Estados Unidos y Continente europeo. Elsa Benítez va la chica de portada de Sports Illustrated's Swimsuit Problem 2001.

SABÍAS...

Dafne Molina Lona es una de las pocas mexicanas que llegó p? linje med final de algún competicion internacional de guapura. Estuvo a punto de ganar el certamen de Miss Mundo en june 2006. Era una celebridad nacional cuando regresó a China después de la atribucion. Estuvo en manos de Lupita Smith, quien es una presidenta de Nuestra Belleza (o Skip México). Dafne nació en la Ciudad de México.

ALEJANDRO GUEVARA ONOFRE:

Alejandro Guevara Onofre: Sera escritor freelance. Alejandro es de alcurnia italiana, africana y peruana. Estudió ciencias políticas y periodismo. Ha publicado enormemente de setenta y cinco trabajos de investigación en anglosajón y más de veinte en español, em relação à temas mundiales, deportes olímpicos, países y turismo. Su proximo ensayo se vehemencia "El dictador y Alicia Alonso". Es un experto en asuntos exteriores. Además, Alejandro es el primer autor que ha publicado mi enciclopedia de libros del mundo en América Latina.

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miguelmarias · 3 years ago

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Godard a la intemperie

Ahora que Godard ha vuelto a ser uno de los cineastas en activo, con los que, se quiera o no, hay que contar para tomarle el pulso al cine, parece oportuno, si no estrictamente imprescindible, tratar de reconstruir el camino que ha recorrido hasta llegar al punto en que se encuentra. Sin remontarse, porque es del dominio público y pertenece ya a la historia del cine –e incluso a su leyenda–, al inicio de su fulgurante carrera, impetuosamente emprendida en compañía de un pelotón de amigos y compañeros (lo que se llamó la "Nueva Ola"), tal vez convenga retroceder, al menos, al momento crítico que supuso para él –como para tantos otros de su generación, e incluso alguno de la siguiente, aunque por razones diferentes– el año 1968.

Aunque habrá ya muchos jóvenes para los que 1968 no signifique nada, para los que lo éramos entonces fue un año decisivo, en el que sucedieron muchas cosas y muchas otras estuvieron a punto de ocurrir. Tanto las que se frustraron como las que tuvieron "éxito" dejaron, en general, muy mal sabor de boca, y una estela de decepción y desconcierto que fue preciso asimilar y superar. A unos les resultó relativamente fácil; a otros, más conscientes, más comprometidos, o más ilusos y menos propensos al olvido, les llevó años aprender a vivir en una atmósfera que se les había hecho irrespirable, en una sociedad que cada vez se parecía menos a la que habían deseado, a la que –durante unos días febriles del mes de Mayo, durante una breve e irrepetible primavera– habían creído al alcance de su mano. Unos se perdieron en la nostalgia del sueño violentamente interrumpido, y parecieron sonámbulos durante algún tiempo; otros tuvieron que volver a aprender a andar, a hablar, a mirar la realidad de otra manera. Godard ha sido –hasta hace seis años pudo dudarse, ahora está muy claro– de los segundos, y tal vez el que, por la posición que ocupaba como "líder" de la avanzadilla del cine mundial, ha tenido que hacer un mayor esfuerzo. Para apreciarlo, hay que recurrir al procedimiento narrativo que en cine se conoce como flashback. Volvamos, pues, atrás.

Retorno al pasado:

París, 1968

En Enero, Jean–Marie Straub & Danièle Huillet presentan por vez primera en público “Chronik der Anna Magdalena Bach” (1967), que sigue siendo, casi veinte años después, una de las obras cumbres del cine que entonces era "nuevo" y hoy no ha sido superado en originalidad y audacia. En Febrero, Cahiers du Cinéma publica, por penúltima vez en muchos años, sus tradicionales listas de las mejores películas estrenadas el año anterior: entre ellas hay cuatro de Godard –"2 ou 3 choses que je sais d'élle" y "Made in U.S.A.", rodadas en 1966, y "La Chinoise" y "Weekend"–, más su sketch de "Le Plus Vieux Métier du Monde". Se estrena "Loin du Viétnam", largometraje en el que intervienen varios cineastas de la Nouvelle Vague (Resnais, Demy, Varda, Marker) y en el que destaca el polémico y nada anónimo episodio de Godard. El tardío estreno parisino de "Prima della rivoluzione" (1964) de Bertolucci parece rubricar el triunfo del "nuevo cine". Godard realiza para la ORTF “Le Gai Savoir”, que la televisión estatal se niega a difundir. Estalla el "affaire Langlois", con protestas y manifestaciones en defensa del destituido rector de la Cinémathèque Française. En Abril es fácil detectar una inusitada presencia de la policía –los pronto notorios CRS– en los alrededores de la Sorbona, y se masca la tensión en los ambientes universitarios, tal como un año antes había descrito Godard en "La Chinoise". Marx, Mao y Marcuse son nombres de moda; también Brecht, Freud, Sartre... y Godard, todavía discutido y con irreductibles adversarios, pero que parece el ejemplo paradigmático de ese "nuevo cine" que, en menos de diez años, ha logrado imponerse, no sólo en Francia, sino en casi todo el mundo: del Canadá (Lefebvre, Perrault, Brault, Lamothe, Groulx) a la Argentina (Hugo Santiago, Solanas, Getino, Fischermann, Favio, Kuhn, Kohon) pasando por México (Alcoriza, Ibáñez, Cazals, Ripstein, Isaac) y Cuba (Humberto Solas, Tomás Gutiérrez Alea, Santiago Álvarez, García Espinosa, Manuel Octavio Gómez); desde el Japón (Oshima, Hani, Imamura, Ogawa, Teshigahara) a los Estados Unidos (over– o underground, en Hollywood o en Nueva York: Robert Kramer, Monte Hellman, Sam Peckinpah, Arthur Penn, Jerry Lewis, Shirley Clarke, los hermanos Mekas, Robert Frank, Peter E. Goldman, Cassavetes, Paul Newman, Andy Warhol, Paul Morrissey, Jim Me Bride, Kubrick, Perry), pasando por Yugoslavia (Klopcic, Makavejev, Paulovic, Zafranovic), Hungría (Jancsó, Elek, Mészáros, Gaál, Szabó), Polonia (Skolimowski, Polánski), Checoslovaquia (Forman, Passer, Chytilová, Némec, Schorm, Jires), la U.R.S.S. (Mikhalkov–Konchalovskií, Paradjanov, Danelia, Shapitko); desde España (Saura, Patino, Picazo, Suárez, Portabella) o Italia (Bertolucci, Bellocchio, Pasolini, Amico, Ponzi, Schifano, Olmi, los hermanos Taviani, Rosi, De Seta, De Bosio, Ferreri), pasando por Egipto (Chahine), hasta Senegal (Sembene) o Costa de Marfil (Écaré); desde Australia (lan Dunlop) a Inglaterra (Finney, Cammell, Roeg, Schlesinger, Clayton, C. Donner, Anderson, Reisz, Platt–Mills, Loach, Lester), pasando por Bélgica (Delvaux), Holanda (Ditvoorst, Rademakers, Verstappen), Alemania (Straub, Kluge, Herzog, Fassbinder, Fleischmann, los Schamoni, Schroeter, Syberberg), Suiza (Tanner, Yersin, Reusser, Soutter, Schimd, Goretta), Dinamarca (Carlsen, Kjaelruff–Schmidt), Suecia (Jorn Donner, Troell, Cornell, Björkman), Finlandia (Jarva, Pakkasvirta) y Francia (Godard, Rivette, Rohmer, Resnais, Truffaut, Kast, Doniol–Valcroze, Chabrol, Demy, Marker, Varda, Eustache, Pialat, Pollet, Vecchiali, Garrel, Sautet, Borowczyk, Arrieta, Téchiné, Etaix, Lelouch), sin olvidar Brasil (Rocha, Guerra, Dahl, Diegues, Nelson, Pereira dos Santos, Joaquim Pedro de Andrade, Farias, Hirszman, Jabor, Saraceni, Walter Lima Jr.) y algunos tímidos brotes en Portugal, Grecia, Turquía, Irlanda, Camerún, Etiopía, Guinea, Filipinas, la India, Indonesia, Noruega, Bolivia, Perú, Uruguay o Bulgaria, pocos son, en efecto, los países –por atrasados que estuvieran, por escasa o inexistente que fuese su industria o su tradición cinematográfica– que permanecen completamente al margen de este movimiento renovador desencadenado por el relativo éxito y la fuerza proselitista de los planteamientos estético–económicos de la Nouvelle Vague. Que muchos de estos nombres que, al azar de mi memoria, he recordado estén hoy completamente olvidados, o supongan –en ocasiones– lo contrario de lo que en aquel momento parecieron, cuando eran, más que nada, depositarios de grandes esperanzas, dará idea de las dificultades que han tenido que vencer – y no siempre han podido– durante los años 70. Incluso la asombrosa tasa de mortalidad de estos jóvenes puede ser un indicio de lo duro que ha sido sobrevivir, de forma aún más dramática que el simple recuento de los fracasados o de los que sólo tras un largo período de inactividad o repliegue han vuelto a estar en primera línea.

Que Jean–Luc Godard, a quien tantos por aquellas fechas tomaban por ejemplo y modelo, haya sufrido como pocos la confusión y el rechazo de los tiempos de penuria que, cuando casi cantaban victoria, se les vinieron encima, no puede extrañar: también en lo negativo su caso es representativo. Téngase en cuenta, además, que estas dificultades no se debían al simple abandono del público, a las presiones externas de la economía cinematográfica o a los vaivenes políticos que sacudieron el mundo, sino que tenían unas raíces inmediatas en la propia situación de desorientación estética y desaliento moral de los realizadores, divididos entre sí y –en ocasiones– hasta en su fuero interno por la duda entre hacer el cine que habían soñado, que deseaban y sabían hacer, y el que –con mayor o menor convicción, con menor o mayor fanatismo– se creían en la obligación de hacer, aunque no supiesen cómo ni exactamente porqué. No es raro, por tanto, que un autor tan consciente y reflexivo como Godard, y tan preocupado por los dilemas éticos, sobre el que pesaba, por añadidura, la responsabilidad de ser el más prolífico y veterano de los representantes de la vanguardia –con quince largometrajes en su haber, y una reputación y un prestigio incomparablemente superiores a los de otros cineastas menos polémicos–, fuese uno de los primeros en tomar posiciones, y que las adoptase de forma tan radical como suicida, hasta el punto de tirar por la borda el "renombre" que había adquirido, repudiar su obra pasada y romper con aquellos amigos que, en Francia (Truffaut, Chabrol) o en el extranjero (Bertolucci), optaron por otro camino. Al que quiera hacerse una idea de lo que supuso el cataclismo de 1968 (fracaso de la revolución espontánea de Mayo en París, invasión soviética de Checoslovaquia en Agosto) para los jóvenes cineastas comprometidos, le recomiendo que vea la admirable película esquizoide de Bernardo Bertolucci titulada "Partner" (1968), incomprendida precisamente por su reveladora "histeria" formal y porque su sinceridad conduce a un molesto callejón sin salida. No me extraña nada que Straub saliese de su proyección en Venecia 1968 con lágrimas en los ojos, aunque eso puede resultar hoy tan incomprensible como la propia película a todos aquellos que no vivieron –siquiera de lejos— esos meses, o han preferido olvidarlos por completo.

Los pasos perdidos

A Godard los sucesos de Mayo le pillaron, como es lógico, haciendo una película. Con un pie en París y el otro en Londres, donde rodaba –tenía que cumplir un contrato– "One Plus One", con los Rolling Stones y Anne Wiazemsky. Se perdió, pues, buena parte del espectáculo, con gran frustración. No es cierto –lo desmintió tajantemente en 1978– que se pasease por las calles de París, cámara en mano, filmando entre las barricadas: simplemente, le hicieron una foto un día que llevaba una cámara que no utilizó. Se le atribuyeron algunos breves ciné–tracts, panfletos filmados que se proyectaban en fábricas o facultades ocupadas, pero no parece que fuesen enteramente suyos. Lo cierto es que ni el estallido ni la represión del movimiento estudiantil de Mayo, que desembocó en una huelga general y un referéndum ganado por De Gaulle, disminuyeron la febril actividad de Godard. Solo o como parte de diversos grupos colectivos improvisados, no paró de hacer cosas, en ocasiones sin acabarlas; por lo general, no fueron proyectadas más que clandestinamente, en minoritarios circuitos paralelos y ante un público de simpatizantes. Pocas de esas películas son, aún hoy, fácilmente accesibles, sobre todo fuera de Francia, y no es imposible que algunas de ellas más valga no conocerlas, pues presentan un interés relativo y discutible, además de ser excesivamente tributarias del momento concreto de su realización –a veces, de su concepción: tal vez por eso no llegó a terminar algunas, o lo hizo años más tarde, como en el caso de "Ici Et Ailleurs", y modificando radicalmente su enfoque–. Es muy posible que estos trabajos hayan sido útiles y necesarios para Godard, pero es dudoso, en cambio, que aporten nada verdaderamente sustancial al estudio de su obra, ya que la actitud del realizador frente al cine se había hecho muy negativa: al sentirse –como se decía entonces– "contestado" por los jóvenes, que le reprochaban haberse convertido en un "valor de cambio" en lugar de tener "valor de uso", Godard se creyó obligado a una humillante "autocrítica", a rechazar como "burguesa" y "esteticista" su obra anterior, a renunciar a su nombre –él que tanto había preconizado el "cine de autor" y que introducía su voz, su letra, su imagen en cada película, con un afán sorprendente de "firmar" cada imagen– y respaldar la ficción de una imposible "creación colectiva" en la que, por dejadez o impericia de los demás, acababa por llevar la voz cantante, pero reprimiendo cuidadosamente– como un puritano censor, y con la furia del converso que necesita hacerse perdonar sus "pecados" y acumular méritos para ser aceptado como "uno de los nuestros" por los que le reprochaban no ser lo bastante "materialista" y "revolucionario"– todo aquello que constituía la esencia misma de su cine. Durante un par de años, por tanto, Godard hace algo que se ha calificado de "anti–cine" y que yo, con una idea del cine lo bastante amplia y flexible como para aceptar casi todo, me limitaría a considerar cine "anti–gordardiano", si no fuera porque, en el fondo, Godard nunca ha logrado deshacerse de sí mismo: de todo lo que conozco de esa época –hasta lo más árido y negativo– se pueden encontrar antecedentes en el cine anterior de Godard, incluso en sus primeras películas, sólo que llevado a extremos casi caricaturescos y desprovisto de todo lo demás, de todo aquello que hacía emocionantes sus películas y que compensaba –casi siempre con creces– sus defectos.

Porque, a fin de cuentas, ¿Qué vendría del cine de Godard si se le privase de la personalidad, tan intensamente proyectada en sus películas, del propio autor? Si se quitan sus sentimientos, sus ideas, sus emociones pudorosamente disimuladas por efectos obviamente distanciadores, sus lecturas, sus gustos cinematográficos, las citas que introducía en un encuadre o un diálogo, su amor por algunas mujeres que ha empleado como actrices (Anna Karina sobre todo, pero también Anne Wiazemsky, se diría que ahora esa mezcla de ambas que es Myriem Roussel) o el interés no exento de inquietud que despiertan otras en él (como Jean Seberg, Brigitte Bardot, Macha Méril, Marina Vlady, Juliet Berto, Isabelle Huppert, Hanna Schygulla o Nathalie Baye), si se suprimen sus juegos de palabras, su sentido retorcido del humor, su sinceridad, su desenvoltura para pasar de una cosa a otra y de una idea a su contraria, aunque sea una contradicción, ¿qué queda? No sé si algo, pero desde luego no mucho de Godard. Y eso es lo que, hasta cierto punto porque nunca consiguió prescindir al mismo tiempo de todos sus rasgos característicos, o no por completo, hace relativamente prescindibles – a posteriori, una vez vistas— varias de las películas realizadas —al menos en parte– por Godard durante los años que van de 1968 a 1971.

No conozco "Un film comme les autres", ni "British Sounds", ni los fragmentos de "One American Movie" explotados como "One P.M.", ni "Lotte in Italia", pero dudo que su visión modificase de forma notable la idea de este paréntesis en la carrera de Godard que he podido hacerme a partir de "Le Gai Savoir" (1968), "One Plus One/Sympathy for the Devil" (1968), "Le Vent d'Est/Vento dell'Est" (1969) y "Vladimir et Rosa"/ "Wladimir und Rosa" (1971), de las cuales, curiosamente, la menos interesante y la más estéril me parece la única realizada antes de Mayo y, con "One Plus One", la última firmada por Godard en solitario, sin la colaboración –al menos teórica– de Jean–Henri Roger, de Jean–Pierre Gorin o del pomposa e incomprensiblemente autodenominado "Groupe Dziga–Vertov" (¡si el pobre Vertov hubiese levantado la cabeza!), y la mejor, con mucho, probablemente porque es la menos dogmática y pretenciosa, y la que se dedica con mayor descaro y sentido del humor a la tarea de construir un panfleto cinematográfico, sería su penúltima codirección con Gorin, "Vladimir et Rosa", que hace pensar en Jerry Lewis mucho más que en Vertov. "One Plus One" y "Le Vent d'Est" no merecen, a mi juicio, ni la relativamente buena fama que tiene la primera ni la pésima de la segunda: ninguna de las dos carece de valores, y ambas pueden ser irritantes y aburridas a ratos, fundamentalmente por el esquematismo de que hacen gala. Que la primera contenga momentos de emocionado lirismo y un atractivo plástico de los que la segunda carece casi por completo no impide que, por discutible que sea, el "discurso" de la paupérrima y "feísta" parodia del western que pretende ser "Vento dell'Est" resulte algo más coherente que el de "One Plus One", de la que sólo se recordarán los ensayos de los Rolling Stones –con mucha paciencia y si interesa su música– y la grúa final con el cadáver de Anne Wiazemsky, si se siente debilidad por los lirismos desmelenados del cine soviético.

Sólo examinando casi con lupa estas películas, y si se consigue vencer el sopor y la indignación que alternativamente provocan hasta en el más acérrimo partidario del cine de Godard, es posible detectar algunas huellas residuales de su talento, de su imaginación visual y de su ingenio verbal, que sobreviven al sofocante impulso represivo que parece haber dominado su realización, sobre todo, premonitoriamente, en el caso de "Le Gai Savoir", que es una de las obras a las que menos cuadra ese adjetivo que cabe imaginar, y que constituye el caso más extremo de negación de la imagen en el cine –todo sucede en un estudio negro– y su suplantación por una confrontación de monólogos.

Travesía del terreno baldío

"¿Qué son las raíces que se agarran,

qué ramas crecen de esta basura pedregosa?

Hijo del hombre, no puedes decirlo,

o imaginarlo, porque sólo conoces

un montón de imágenes rotas, donde

golpea el sol, y el árbol muerto no da

cobijo, ni sosiego el grillo, ni la piedra

seca murmullo de agua. Sólo hay sombra

bajo esta roca roja (ven a la sombra de esta

roca roja), y te mostraré algo diferente

de tu sombra por la mañana caminando

tras de ti o tu sombra al atardecer

alzándose para reunirse contigo;

te mostraré el miedo en un puñado de polvo".

(T.S. Eliot: The Waste Land).

Pero afortunadamente, ni la "buena voluntad" ni los complejos de culpabilidad prevalecen siempre sobre la inteligencia, y pronto Godard empezó a sospechar, para luego rendirse a la evidencia, que era tan dudosa la eficacia del "cine útil" que le habían convencido de que debía hacer como el carácter realmente "colectivo" de una creación que más tenía de demolición y allanamiento sin responsable que de participación igualitaria en la producción de películas. Comprendió que, por mucho que le costase hacer cine en solitario, no le exigía menor esfuerzo, y para colmo con peores resultados, la tentativa de trabajar con otros que, al final, delegaban en él la toma de decisiones y que, en lugar de aportar algo de su cosecha, le impedían dar de sí mismo lo que podía y hasta necesitaba. Su última colaboración con Jean–Pierre Gorin supuso ya algo muy diferente, pues se trataba de una incursión en "territorio enemigo" –explícitamente presentada como tal, desde los ejemplares títulos de crédito–, sirviéndose de una historia de amor y de estrellas (Jane Fonda e Yves Montand) como reclamo para reconquistar al público. Esta película, "Tout va bien" (1972) fue, en su momento, rechazada por todos aquellos a quienes disgusta que les recuerden ciertas cuestiones candentes y conflictivas, y criticada como una "concesión" de Godard al sistema, por lo que no alcanzó el objetivo de comunicación deseado ni fue, en general, apreciada como es debido. No se trata sólo – y ya sería bastante— de una superación de los erróneos y represivos planteamientos imperantes desde 1968 en el cine de Godard, sino que es, además, una obra de madurez que no renuncia a la agresividad y que retorna a la expresión personal –cuando no autobiográfica– que Godard había rehuido durante los años inmediatamente precedentes. Vista hoy, sorprende por la lucidez con que critica –antes del encarecimiento del petróleo– la "filosofía de la crisis" que sigue hoy vigente tanto entre el empresariado como entre los representantes sindicales y los gobiernos de cualquier ideología. Es, además, muy innovadora en su enfoque de las diferencias ideológicas como obstáculo en las relaciones de una pareja.

Poco después, Godard abandona París y recala en Grenoble durante algún tiempo, donde monta una sociedad de producción de vídeo que finalmente traslada a Rolle, en su Suiza originaria, en colaboración con Anne–Marie Miéville, fotógrafo de plato de "Tout va bien". En ese taller, apartado del mundillo del cine, Godard reemprende su carrera, intentando alcanzar al máximo número de espectadores sin renunciar en modo alguno a su búsqueda formal ni a la independencia económica e ideológica que precisa para reflejar fielmente su visión personal de las mutaciones y los conflictos sociales que se están produciendo. Concibe así tanto películas aisladas como series de numerosos capítulos, destinadas en ocasiones a la explotación cinematográfica y casi siempre a la difusión por televisión. No he logrado ver las series "Sur et sous la communication"/" Six fois deux" y "France Tour Détour Deux Enfants", que prometen ser enormemente interesantes y que parecen el embrión del cine que hace Godard en estos momentos, pero conozco las tres piezas sueltas, muy diferentes entre sí, que son "Numéro Deux" (1975), "Ici Et Ailleurs" (1975, utilizando material rodado en 1970 y destinado a "Jusqu'á la victoire" o "Palestine vaincra”) y "Comment ça va" (1976), de las cuales las dos primeras son obras de capital importancia en la evolución de Godard, sin que ello signifique que la última –menos lograda y estimulante, de una sequedad sólo superada por "Le Gai Savoir"– sea en modo alguno desdeñable.

Asistimos en estas películas a un despojamiento de signo inverso al de la etapa traumática posterior a 1968: en lugar de ahogar de antemano la expresión, lo que hace en ellas Godard es presentar las cosas directamente, sin adornos ni florituras, sin paliativos, en bruto y directamente, yendo al grano y sin apartarse de lo esencial. Por vez primera, Godard se presenta como un cineasta claro (hasta en sus vacilaciones o dudas), explícito y directo, que vuelve a dirigirse a cada espectador en primera persona, habiéndole en nombre propio y en el de nadie más –es decir, sin erigirse en portavoz de un grupo ni en representante del progreso–, a menudo haciendo acto de presencia, como cineasta, en las imágenes de las películas. En "Ici Et Ailleurs" podemos encontrar su –hasta hoy– última manifestación de carácter político, en la que da un repaso a las posturas adoptadas en años anteriores y restablece la continuidad con los planteamientos éticos expresados en el episodio "Camera–Eye" de "Loin du Viêt–nam" (1967) "Numéro Deux" –más contundentemente– y "Comment ça va" prefiguran "Sauve qui peut (la vie)" (1980) y "Passion" (1982), en la medida en que suponen un nuevo planteamiento intimista y descarnado de las relaciones sexuales, laborales y sociales, de una brutalidad inaudita y con una audacia experimental comparable a la de los mejores tiempos.

Si Godard ha tendido siempre al esbozo y al boceto, nunca se ha atrevido a quedarse en esa fase de elaboración de una película tanto como en este regreso a la superficie emprendido desde Rolle. Parece como si, tras haberse creído obligado a redimir sus culpas pasadas, se sintiese ahora completamente libre y responsable, sin tener que dar cuenta de sus actos a nadie. Era, sin duda, el entrenamiento que necesitaba para su retorno definitivo al cine.

La luz precisa para ver

"LUZ Y OSCURIDAD: para Sabina vivir significa ver.

La visión está limitada por una doble frontera: una luz

fuerte, que ciega, y la total oscuridad. Posiblemente

esto es lo que determina el rechazo de Sabina a

cualquier extremismo. Los extremos son la frontera tras

la cual termina la vida y la pasión por el extremismo en

el arte y en la política es una velada ansia de muerte."

Milán Kundera: "La insoportable levedad del ser"

Si el apartado dedicado a lo que Godard está haciendo ahora se abre con una cita de Milán Kundera no se debe a que el escritor bohemio esté de moda, sino a que es también un artista perteneciente a la misma generación –nació un año antes que Godard– y que vio modificado el rumbo de su existencia por sucesos acaecidos en 1968. Por otra parte, el propio Godard le citaba varias veces –no recuerdo sin "El libro de la risa y el olvido" o "La felicidad está en otra parte"— en la película inaugural de la actual fase de su carrera, "Sauve qui peut (la vie)".

Y no es ocioso, en modo alguno, hablar de la luz a propósito del último Godard, y en más de un sentido: se trata tanto de la luz física con que se captan las imágenes que constituyen cada película —y de la que Godard se ocupa en "Passion" explícitamente– como de la luz moral que arroja sobre las cosas y los seres para verlos. Se ha reprochado a Godard su pesimismo, incluso se le ha acusado de propugnar con alborozo una visión del futuro (en "Weekend", por ejemplo) que difícilmente podría juzgarse positiva, sin tener en cuenta que esa forma de ver las cosas, basada fundamentalmente en hechos sintomáticos, no tiene nada de voluntaria o deliberada, sino que se le impone súbitamente y él trata de averiguar por qué, de entender las causas de esa visión, a través de una investigación audiovisual cuya huella es la película. En este sentido, la luz de Godard no es ya ni la del idealismo romántico ni la del enamorado que no quiere creer en los signos de infidelidad que saltan a su vista, ni la del dogmático ideológico o el visionario político, ni tampoco la del aleccionador moral: se trata de una visión cruda, sin paliativos, de los personajes, de esos seres que, tras una larga ausencia, reaparecen en su cine, y no contemplados —como en la segunda mitad de la década de los 70– con una fría mezcla de respeto y desdén, sino con verdadera compasión y voluntad de comprensión. Es, pues, una luz que permite ver cuanto sea visible, sin velar ni dorar la realidad ni añadir sombras al panorama que se presenta al ojo de Godard. En cuanto a la otra luz, las películas mismas son suficientemente elocuentes.

"Sauve qui peut (la vie)" sigue siendo para mí, a finales de 1985, la película más importante de los años 80, y una de las obras capitales de Godard. Puede que algo deba su impacto a la prolongada ausencia de su autor, y a la alegría que produce encontrarle de nuevo en plena forma; sin embargo, no creo que eso explique la impresión que causó en personas que desconocían a Godard –no olvidemos que hacía casi doce años que había desaparecido de las pantallas del mundo– o que hasta entonces se habían mostrado más bien reacias a reconocer su talento o refractarias a su forma de entender el cine. Sin que esto suponga una ruptura en la asombrosa continuidad que –con el paso del tiempo y una perspectiva suficientemente distante– puede apreciarse a lo largo de toda su carrera, desde "À bout de souffle" – o incluso antes, desde sus primeras críticas, que datan de 1949 – y sin que quepa la salvedad– pese a sus intentos denodados por "desaparecer" de su cine– del período 1968–1971, lo cierto es que "Sauve qui peut (la vie)" ofrecía novedades sustanciales, tanto por acción como por omisión: es la película más directa y menos "rara" que ha hecho Godard, desde un punto de vista narrativo, pese a carecer, como de costumbre, de lo que un productor consideraría "un buen guión"; aunque totalmente personal, prescinde de citas y alusiones así como de intervenciones directas de Godard, sin duda molestas para muchas personas e innecesarias para aquellos a quienes no irritan; trata cuestiones que afectan a cualquiera, sin superponerles un debate teórico, y encarnándolas en verdaderos personajes que, sin caer en el psicologismo, resultan perfectamente comprensibles; por añadidura, aunque el retrato de la sociedad que pinta dista mucho de ser reconfortante, y el protagonista muera al final, tampoco carga las tintas ni cae en la desesperación, sino más bien propugna, implícitamente, la recuperación del instinto de supervivencia, en mayor medida cuanto más necesario lo hagan las circunstancias.

Su película siguiente es un cortometraje, encargo del Ayuntamiento de Lausanne que Godard convierte en una carta privada al crítico suizo Freddy Buache y en una tan lúcida y hermosa como breve y clara reflexión sobre el oficio de cineasta. "Lettre á Freddy Buache á propos d'un court–métrage sur la ville de Lausanne" (1981) es la culminación de un discurso esbozado en "2 ou 3 choses que je sais d'elle" y prolongado en "Camera–Eye", "Ici Et Ailleurs", "Numéro Deux" y "Comment ça va", pero su duración ha impedido que sea suficientemente visto y apreciado como merece, sin duda por ese absurdo prejuicio que hace no dar nunca importancia a lo que dura poco, como si no fuese de agradecer que no se nos haga perder el tiempo.

"Passion" (1982) es la primera película "decepcionante" de la última etapa de Godard. Y no porque, a mi entender, sea una obra fallida, sino porque su título parece prometer algo bien diferente a lo que en definitiva ofrece, que es una reflexión –un tanto teórica y compleja, además– sobre el arte (tanto la música y la pintura como el cine), con algunos puntos de contacto con la contemporánea "The State of Things" de Wim Wenders, pero con un rechazo de la identificación con los personajes y de la ficción narrativa que restringe su capacidad de comunicación, ya menguada por el poco interés que la mayor parte de los aficionados al cine demuestran hacia la pintura y la música. El reencuentro de Godard con su antiguo operador habitual, el gran Raoul Coutard, permitió el nacimiento de algunas de las imágenes más impresionantes y hermosas de la historia del cine, pero no logró impedir que la película se viese relegada al desván de los especialistas, y que algunos de sus detractores aprovechasen la ocasión para acusarle de "volver a las andadas".

Rodado después, el mediometraje en vídeo "Scénario du film "Passion" (1982) es, a lo sumo, una "nota a pie de página" que no esclarece realmente qué se propuso Godard al hacer el film anterior, y que acaba por apuntar algunas posibilidades no exploradas por la película, sin llegar a constituirse en apéndice de la misma a causa de su pobreza visual, que contrasta brutalmente con el esplendor plástico de "Passion".

Con "Prénom Carmen" Godard vuelve a cambiar de terreno: su última etapa se caracteriza, más que por el deseo de profundizar en una dirección determinada, por abrirse de nuevo a las múltiples posibilidades del cine, sin desdeñar ninguna, e incluso sin insistir dos veces en la misma. Se trata, a mi modo de ver, de la película más "narrativa" de Godard desde, por lo menos, "Le Petit Soldat" (1960), es decir, desde sus comienzos. Probablemente porque contaba una historia ya conocida –un mito reciente–, que ese mismo año 1983 le dio por abordar a todo el mundo (Carlos Saura & Antonio Gades, Francesco Rosi, Peter Brook), Godard se despreocupó de su dificultad para narrar, y así consiguió no interferir en exceso el relato. Es, de esta nueva época, la que más puntos de contacto presenta con "A bout de souffle", "Bande á part" o "Pierrot le fou", aunque con menos referencias cinematográficas y un tono totalmente diferente, más áspero y elíptico, en parte debido al carácter de los jóvenes actores que emplea, así como a una muy acusada estilización coreográfica, tendencia ya presente en "Bande á part". Es, en resumen, un film que no vuelve a los años 60, sino decididamente arraigado en los 80.

Con "Je vous salue, Marie" (1984) Godard vuelve a convertirse en un cineasta polémico. Lástima que un voluntario malentendido, utilizado por determinados sectores para reafirmar sus ideas en contra de la libertad de pensamiento y expresión de los demás, haya oscurecido las verdaderas razones por las que la película debía haber causado sensación: se trata de un replanteamiento del lenguaje cinematográfico sin precedente alguno –ni siquiera en su autor–, con lo que Godard demuestra no haberse detenido ni limitado a una actualización o "puesta al día" de su obra de los 60, sino que sigue en busca de una nueva forma de comunicar con el espectador a través del cine. Desgraciadamente, el sectarismo de algunos y el eco de sus extemporáneas manifestaciones en los medios de comunicación han convertido "Je vous salue, Marie" en pasto de sociólogos y teólogos, o la han relegado a las páginas de sucesos, sin que los que han intervenido en la polémica, cuando se han molestado en verla, se hayan percatado, ni de lejos, de las innovaciones que suponía y de hasta qué punto hacía avanzar las fronteras del cine.

El estreno de "Détective" (1985) no creo que consiga esclarecer la actual situación de Godard, ya que representa, de nuevo, un cambio de orientación. Se trata, por primera vez en su carrera, de una película "de ambiente", de clima, como las que se hacían a menudo – a ambos lados del Atlántico– a fines de los años 30 y justo después de la Segunda Guerra Mundial. Pese a que, en principio, debiera ser la obra más narrativa de Godard –aceptó el argumento, sospecho que inexistente, que le brindaba el productor, para añadirle algún personaje y hacer más denso el contexto–, ha conseguido hacer una película en la que prácticamente no sucede nada. Eso sí, irradia un profundo e intenso sentimiento de tristeza y melancolía, que hace de ella la primera "obra de vejez" de Godard. De un esplendor visual y sonoro que nada tiene que envidiar a "Passion", "Prénom Carmen" o "Je vous salue, Marie" —no incluyo "Sauve qui peut (la vie)" por ser algo menos homogénea y cuidada visualmente, pero hay que señalar la asombrosa calidad plástica de toda la etapa–, aunque en un registro muy diferente, con predominio absoluto de la nocturnidad y los interiores sombríos, gran parte de la emoción que comunica procede de sus intérpretes: un fatigado y envejecido Johnny Halliday, una triste Nathalie Baye, un Claude Brasseur que contrasta con su aparición precedente —más de veinte años antes– en un film de Godard ("Bande á part”), un Jean–Pierre Léaud enormemente cómico pero que ha rebasado la cuarentena. Se convierte así esta película en una elegiaca meditación sobre el paso del tiempo, que tal vez anuncie lo que puede aportar al cine, dentro de unos años, el que para entonces habrá que llamar "el viejo Godard”.

Miguel Marías

"Jean-Luc Godard", Filmoteca Regional de Murcia (1986)

#miguel marías #jean luc godard

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laguaridadelnagual · 1 year ago

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Macario: La muerte, misterio ineludible

En mayo de 1960, en el Festival de Cannes, se presentó la película "Macario" (1960), dirigida por Roberto Gavaldón y escrita por Emilio Carballido, basada en el texto homónimo de B. Traven. Esta película se ha convertido en un clásico del cine mexicano y un hito en la filmografía de Gavaldón. En 1961, fue la primera película mexicana en ser nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera, lo que marcó un logro significativo para el cine nacional. Los últimos años de la década de 1950 fueron considerados como el declive de lo que se conoció como la época de oro del cine mexicano debido al estancamiento creativo de los argumentos cinematográficos, la pérdida de principales figuras actorales, el posicionamiento de la televisión, la reconversión del cine estadounidense, los problemas burocráticos dentro del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica y los señalamientos al Banco Nacional Cinematográfico (Bancine) por solo financiar a ciertas casas productoras. A pesar de las opiniones divididas en su momento, con críticos que cuestionaban su falta de ideología, el tiempo ha permitido apreciar plenamente la película. La revisión de la obra de Gavaldón en los últimos años, incluyendo libros como "Al filo del abismo" de Carlos Bonfil y "La fatalidad urbana: el cine de Roberto Gavaldón" de Fernando Minio, así como retrospectivas en festivales y museos, han contribuido a su reconocimiento. "Macario" nos transporta al Virreinato, donde un humilde leñador comparte un trozo de guajolote con la Muerte y obtiene una fórmula para curar a los moribundos. Esto lo lleva a enfrentar sospechas de brujería por parte de la Santa Inquisición. La película incorpora elementos de las fuentes literarias históricas que inspiraron a B. Traven y, posteriormente, a Gavaldón. La Muerte es representada como una instancia justiciera que iguala a ricos y pobres, un tema que se encuentra en la mitología y la cultura mexicana. La cercanía con el Día de Muertos y la influencia de José Guadalupe Posada se reflejan en la ambientación de la película en el México colonial dieciochesco. Aunque algunos cinéfilos inicialmente criticaron la película por estar en blanco y negro y por no abordar temas ideológicos, "Macario" ha perdurado como un testimonio cinematográfico importante. Se ha convertido en parte de la cultura mexicana y ha inspirado adaptaciones y reflexiones sobre la muerte en la sociedad mexicana. Pese a que Macario no se contempla como parte del periodo de la época de oro del cine mexicano y a que su reconocimiento nacional llegó después del inmediato prestigio internacional, los años le han dado el lugar que se merece dentro de la historia de la filmografía mexicana. Recientemente, una versión "colorizada" de "Macario" se volvió viral, lo que demuestra la continua relevancia y aprecio por esta película en la cultura mexicana. La película sigue siendo un recordatorio de la riqueza espiritual y la complejidad de la relación de México con la muerte, un tema que ha perdurado en la conciencia colectiva del país. https://www.youtube.com/watch?v=Uus-6e-VAf8 Read the full article

#Cineidades #Macario #México

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kimetsu-no-yaiba-2020-spanish · 4 years ago

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Título original Guardianes de la noche - Kimetsu no Yaiba - La película: Tren Infinito Año 2020 Lanzamiento: 2020-10-16 Duración 117 min. País Japón Dirección Haruo Sotozaki Música Natsuki Hanae, Akari Kitō, Hiro Shimono, Yoshitsugu Matsuoka, Satoshi Hino Productora Ufotable Distribuida por Trafalgar Releasing GéneroAnimación. Aventuras. Fantástico | Manga. Secuela

Sinopsis Las críticas de la nueva película de Guardianes de la noche - Kimetsu no Yaiba - La película: Tren Infinito ya han llegado, y se puede decir que no ha gustado mucho a los críticos.

Esta nueva versión de acción real de la clásica serie de dibujos animados cuenta la historia del travieso ratón Jerry cuando se instala en el mejor hotel de Nueva York en la víspera de la "boda del siglo", lo que obliga a Kayla (Chloë Grace Moretz) a contratar a Tom para que se deshaga de él.

Sin embargo, a tenor de lo que dicen los críticos, probablemente sea mejor ceñirse a la serie de televisión original, ya que la película ha sido calificada de todo, desde "poco imaginativa" hasta "catástrofe"... aunque algunas críticas fueron un poco menos duras.

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Un gato animado, cansado de un ratón molesto que vive en su casa, diseña un plan para echarlo con una trampa cargada de queso. El ratón, que no tiene un pelo de tonto, retira sin ningún problema el queso y se aleja con el estómago lleno.

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mundoentreletras · 4 years ago

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Mario Benedetti

“Tengo la teoría de que cuando uno llora, nunca llora por lo que llora, sino por todas las cosas por las que no lloró en su debido momento”

-Mario Benedetti

Poeta, novelista, dramaturgo, cuentista y crítico uruguayo perteneciente a la Generación del 45. La literatura ciudadana es el medio que tiene Benedetti para comunicarse con sus lectores.

Sus poesías también han llegado al mundo de la música a través de sus propias grabaciones leyendo sus poemas. Además, ha escrito canciones y numerosos músicos como Joan Manuel Serrat, Daniel Viglietti o Nacha Guevara se han encargado de musicalizar su obra. Al margen de los numerosos premios con los que ha sido galardonado, también ha participado como jurado de cine en los festivales internacionales de La Habana, San Sebastián y Valladolid, y de literatura en Uruguay, Argentina, Cuba, México, Ecuador, Panamá y España.

Uno de sus poemas más celebres es:

No te salves

No te quedes inmóvil al borde del camino no congeles el júbilo no quieras con desgana no te salves ahora ni nunca no te salves no te llenes de calma no reserves del mundo sólo un rincón tranquilo no dejes caer los párpados pesados como juicios no te quedes sin labios no te duermas sin sueño no te pienses sin sangre no te juzgues sin tiempo

Pero si pese a todo no puedes evitarlo y congelas el júbilo y quieres con desgana y te salvas ahora y te llenas de calma y reservas del mundo sólo un rincón tranquilo y dejas caer los párpados pesados como juicios y te secas sin labios y te duermes sin sueño y te piensas sin sangre y te juzgas sin tiempo y te quedas inmóvil al borde del camino y te salvas entonces no te quedes conmigo.

Para más información sobre Mario Benedetti consulta a: Instituto cervantes (2020) Biografía de Mario Benedetti. Madrid, España: Biblioteca cervantes https://www.cervantes.es/bibliotecas_documentacion_espanol/creadores/benedetti_mario.htm#:~:text=Mario%20Benedetti%20(Paso%20de%20los,para%20comunicarse%20con%20sus%20lectores y si quieres conocer más poemas visita Castillero, O, (2015) Los diez mejores poemas de Mario Benedetti, Madrid España: Psicología y mente https://psicologiaymente.com/cultura/poemas-mario-benedetti

(Mario Benedetti, 1974, poema No te salves) http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/no-te-salves-777447/html/f43e6ab5-11a0-498b-8905-055f0b547ffb_2.html

Longoni, E (200) Mario Benedetti, retrato, https://www.planetadelibros.com.ar/usuaris/autores/fotos/12/original/000011186_1_Mario_Benedetti_201801112308.jpg

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elcinelateleymickyandonie · 4 years ago

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GILBERT ROLAND α:11 de diciembre 1905 Ω:15 de mayo 1994

Gilbert Roland (nacido Luis Antonio Dámaso de Alonso; Ciudad Juárez, Chihuahua, 11 de diciembre de 1905-Beverly Hills, California, 15 de mayo de 1994) fue un actor estadoun Hay cierta discrepancia sobre su lugar de nacimiento, ya que su padre declaró ante la prensa que era nacido en Bilbao y que tenía la nacionalidad española. En un principio tenía la intención de convertirse en torero como su padre, Francisco Alonso “Paquiro II”. Sin embargo, cuando su familia se mudó a los Estados Unidos, se interesó por el cine y fue elegido al azar para un papel como extra en el filme mudoThe Hunchback of Notre Dame /El jorobado de Notre Dame (1923). Eligió su nombre de pantalla mediante la combinación de los nombres de sus actores favoritos, John Gilbert y Ruth Roland. Por su gallarda figura y fino rostro, a menudo era elegido para el estereotipado papel de "latin lover". El primer papel importante de Roland fue en la película muda The Plastic Age /La edad de plástico (1925), una comedia romántica en la que trabajó junto con Clara Bow. Al siguiente año personificó a Armando Duval en una versión de la famosa tragedia romántica Camille /Margarita Gautier (1926), donde Norma Talmadge era la protagonista y con quien Roland estuvo unido sentimentalmente. Juntos protagonizaron varias producciones. A principios de los años 1930, con la llegada del cine sonoro, apareció en varias adaptaciones al español de películas estadounidenses, protagonizando papeles románticos. A finales de los años 1940 y principios de los años 1950, los críticos empezaron a tomar nota de su actuación y fue elogiado por sus papeles secundarios, como en los filmes We were strangers /Rompiendo las cadenas /Éramos desconocidos (1949), The Bad and the Beautiful /Cautivos del mal (1952), Thunder Bay /Bahía Negra (1953) y Cheyenne Autumn /El ocaso de los cheyenes /El gran combate (1964). Apareció en una serie de películas a mediados de la década de 1940, como el popular personaje Cisco Kid. Personificó a Hugo da Silva, el amigo agnóstico (y totalmente ficticio) de los tres niños pastores en The Miracle of Our Lady of Fatima /El mensaje de Fátima (1952), basado en las apariciones de Nuestra Señora de Fátima en Portugal, en 1917. Al año siguiente, protagonizó el épico filme de aventuras Beneath the 12-Mile Reef /Duelo en el fondo del mar (1953), personificando a un griego-americano pescador de esponjas. Su última aparición en el cine fue en el western Barbarosa (1982). Se casó dos veces. Su primer matrimonio fue con la actriz Constance Bennett, de 1941 a 1945: tuvieron dos hijas, pero acabaron divorciándose porque el actor mantenía un romance con la también actriz Norma Talmadge. Su segundo matrimonio, en 1954, fue con Guillermina Cantú: no tuvieron hijos, pero el matrimonio perduró hasta la muerte de él, en 1994. Falleció a la edad de 88 años, víctima de cáncer, el 15 de mayo de 1994, en Beverly Hills, Los Ángeles, California, EE. UU. Sus restos fueron cremados y sus cenizas fueron arrojadas al mar.idense de origen mexicano y una de las primeras estrellas latinoamericanas del cine estadounidense. FILMOGRAFIA 1923 - The Hunchback of Notre Dame /El jorobado de Notre Dame (EE.UU.)1925 - The Midshipman (EE.UU.)1925 - The Lawful Cheater (EE.UU.)1925 - The Lost World / El mundo perdido (EE.UU.)1925 - The Spaniard (EE.UU.)1925 - The Lady Who Lied (EE.UU.)1925 - The Plastic Age /Días de colegial (EE.UU.)1926 - The Campus Flirt /La colegiala altiva (EE.UU.)1926 - The Blonde Saint (EE.UU.)1926 - Camille /Margarita Gautier (EE.UU.)1927 - The Dove /El mejor caballero (EE.UU.)1927 - The Love Mart /El mercado del amor (EE.UU.)1927 - Rose of the Golden West (EE.UU.)1928 - The Woman Disputed /La mujer disputada (EE.UU.)1929 - New York Nights /Noches de Nueva York (EE.UU.)1930 - Monsieur Le Fox (EE.UU.)1930 - Men of the North (EE.UU.)1931 - Resurrección (EE.UU., en español)1932 - Call Her Savage (EE.UU.)1932 - A Parisian Romance (EE.UU.)1932 - No Living Witness (EE.UU.)1932 - Life Begins /La vida empieza (EE.UU.)1932 - The Woman in Room 13 /La dama del 13 (EE.UU.)1932 - The Passionate Plumber /El amante improvisado (EE.UU.)1932 - Hombres de mi vida (EE.UU., en español)1933 - Yo, tú y ella (EE.UU., en español)1933 - Una viuda romántica (EE.UU., en español)1933 - Our Betters /Nuestros superiores (EE.UU.)1933 - She Done Him Wrong /Lady Lou (EE.UU.)1933 - After Tonight (EE.UU.)1933 - Gigolettes of Paris (EE.UU.)1934 - Elinor Norton (EE.UU.)1935 - Julieta compra un hijo (EE.UU., en español)1935 - Ladies Love Danger (EE.UU.)1935 - Mystery Woman (EE.UU.)1937 - Thunder Trail (EE.UU.)1937 - The Last Train from Madrid (EE.UU.) 1937 - Midnight Taxi (EE.UU.)1938 - La vida bohemia (EE.UU., en español)1938 - Gateway (EE.UU.)1939 - Juárez /Juárez (EE.UU.)1940 - Rangers of Fortune /Aventureros románticos (EE.UU.)1940 - The Sea Hawk /El halcón del mar (EE.UU.)1940 - Gambling on the High Seas /El casino flotante (EE.UU.)1940 - Isle of Destiny (EE.UU.)1941 - Angels with Broken Wings (EE.UU.)1941 - My Life with Caroline /Otra vez mía (EE.UU.)1942 - Isle of Missing Men /La isla de los hombres perdidos (EE.UU.)1942 - Enemy Agents Meet Ellery Queen /Contrabando de guerra (EE.UU.)1944 - The Desert Hawk (EE.UU.)1945 - Captain Kidd /El capitán Kidd (EE.UU.)1946 - La rebelión de los fantasmas (México)1946 - Beauty and the Bandit (EE.UU.)1946 - South of Monterey (EE.UU.)1946 - The Gay Cavalier (EE.UU.)1947 - King of the Bandits (EE.UU.)1947 - Robin Hood of Monterey (EE.UU.)1947 - Riding the California Trail (EE.UU.)1947 - The other love /El otro amor (EE.UU.)1947 - Pirates of Monterey /Piratas de Monterrey (EE.UU.)1947 - High Conquest (EE.UU.)1948 - The Dude Goes West (EE.UU.)1949 - We Were Strangers /Rompiendo las cadenas /Éramos desconocidos (EE.UU.)1949 - The Torch /Bandit general /Del odio nació el amor /La antorcha /Una mujer rebelde (EE.UU.)1949 - Malaya /Malaca (EE.UU.)1950 - The Furies /Las furias (EE.UU.)1950 - Crisis (EE.UU.)1950 - The Bullfighter and the Lady /Tarde de toros (EE.UU.)1951 - The Mark of the Renegade /El signo del renegado (EE.UU.)1951 - Ten Tall Men /Diez valientes (EE.UU.)1952 - The Bad and the Beautiful /Cautivos del mal (EE.UU.)1952 - Apache War Smoke (EE.UU.)1952 - The Miracle of Our Lady of Fatima /El mensaje de Nuestra Señora de Fátima (EE.UU.)1952 - Glory Alley /El callejón de la gloria (EE.UU.)1952 - My Six Convicts (EE.UU.)1953 - Thunder Bay /Bahía Negra (EE.UU.)1953 - The Diamond Queen (EE.UU.)1953 - The French Line (EE.UU.)1953 - Beneath the 12-Mile Reef /Duelo en el fondo del mar (EE.UU.)1955 - The Treasure of Pancho Villa /El tesoro de Pancho Villa (EE.UU.)1955 - That Lady /La princesa de Éboli (Reino Unido, España)1955 - Underwater! /La sirena de las aguas verdes (EE.UU.)1955 - The Racers /Hombres temerarios (EE.UU.)1956 - Around the world in 80 days /La vuelta al mundo en 80 días (EE.UU.)1956 - Three Violent People /La ley de los fuertes (EE.UU.)1956 - Bandido (EE.UU., México)1957 - The Midnight Story /El rastro del asesino (EE.UU.)1958 - The Last of the Fast Guns /El último pistolero de la frontera (EE.UU.)1959 - The Big Circus /El gran circo (EE.UU.)1959 - Catch Me If You Can (Cuba, en inglés)1959 - The Wild and the Innocent /Almas inocentes (EE.UU.)1960 - Guns of the Timberland /Los taladores (EE.UU.)1962 - Samar /Samar, la puerta del infierno (EE.UU., Filipinas)1964 - Cheyenne Autumn (EE.UU.)1965 - The Reward /El precio de una cabeza (EE.UU.)1966 - Poppies Are Also Flowers /Las flores del diablo (EE.UU., Francia, Austria)1967 - Vado... l'ammazzo e torno / Voy..., lo mato y vuelvo (Italia)1968 - Quella sporca storia nel west /Johnny el vengador (Italia)1968 - Ognuno per sé /Los profesionales del oro (Italia)1968 - Sonora /Sartana no perdona (Italia, España)1968 - Anche nel west c'era una volta Dio /Entre Dios, el diablo y un arma (Italia, España)1971 - The Christian Licorice Store /Franklin y Cynthia (EE.UU.)1973 - Running Wild /A galope (EE.UU.)1974 - The Pacific Connection (Filipinas)1974 - Treasure of Tayopa (EE.UU.)1977 - The Black Pearl /La perla negra (EE.UU., España)1977 - Islands in the Stream / La isla del adiós (EE.UU.)1980 - Caboblanco /Cabo Blanco (EE.UU., México)1982 - Barbarosa (EE.UU.)

#GILBERT ROLAND #actoresyactrices #elcinelateleymickyandonie

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sergioosvaldovaldesarriaga · 4 years ago

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El Rincón de la Reseña: Ecos latinoamericanos en el VLAFF 2020

Reseña de la competencia Nuevos Directores, 14 de septiembre del 2020

El Vancouver Latin American Film Festival (VLAFF) es un festival que tiene como misión ser un foro de promoción y exhibición de cine latinoamericano en la ciudad de Vancouver, Canadá. Para su edición número 18, celebrada del 27 de agosto al 6 de septiembre, de manera presencial y digital, estuvo buscando escritores de cine para cubrir dos competencias en especifico: la de Nuevos Directores y la de Cortometrajes.

Decidí apuntarme para escribir acerca de la primera, cuyos visionados de los largometrajes fueron proporcionados días antes del festival, situación de la que tomé ventaja para trabajar en una nueva entrada del Rincón, al que he dejado de lado principalmente por las circunstancias de la pandemia, el confinamiento y, sobre todo, ante el cierre de cines y el atraso de estrenos selectos que, aunque ya abrieron, quizás no sea muy conveniente tomar el riesgo tan pronto.

La competencia de Nuevos Directores trajo consigo a seis realizadores emergentes que sobresalen por abordar historias personales, combinando sensibilidades e inquietudes que inmediatamente los distinguen a cada uno, así como hacer de la selección algo más uniforme y en la que hubo un poco de todo, desde historias de búsquedas, reinvenciones o, mejor dicho, reafirmaciones de identidades, relatos coming of age sobre la infancia y la adolescencia, así como historias de temáticas sociales y políticas que invitan a la apertura de nuevas perspectivas, de miradas que cuestionan, que se solidarizan y enaltecen la memoria de una región olvidada frente al imperialismo de Hollywood.

Los invito a conocer estas historias con el objetivo de seguir expandiendo nuestro panorama como espectadores críticos, constructivos y curiosos. ¡Espero lo disfruten!

Negra (México, 2020) Dir. Medhin Tewolde Serrano

A pesar de nuestra enriquecedora historia y raíces multiculturales, México es un país que, hasta el día de hoy, sigue siendo racista, tan racista que ni siquiera es capaz de reconocerlo. En las acciones que llevamos a cabo día a día, perpetuamos prejuicios, estereotipos y agresiones que evidencian un problema estructural severamente internalizado, incluído en el lenguaje: expresiones tan comunes como las son “trabajar como negro”, “me negrearon”, “la oveja negra de la familia”, “tuve un día negro” no hacen más que señalar una jerarquía de razas cuya connotación a lo negro es aquello que es visto como inferior o negativo.

De esta manera, las palabras dañan, marginan, y, para una niña afrodescendiente de siete años, la palabra negra —dicha desde una connotación de burla por sus compañeros de clase— puede cambiar su vida para siempre. Pero, ¿qué pasa cuando esta niña asume la ofensa como un ataque personal? ¿Como si algo estuviera mal con su color de piel, con su familia? ¿Qué pasa cuando esta niña crece silenciando sus emociones ante la falta de una figura que pueda guiarla en momentos de confusión y adversidad? A partir de su propia experiencia, la directora Medhin Tewolde Serrano emprende en su ópera prima documental, Negra, una búsqueda autorreflexiva y, por momentos, autobiográfica, en compañía de otras cuatro mujeres afro del sureste de México.

Al descubrir similitudes en sus historias de vida, Tewolde Serrano ofrece una oportunidad de compartir sus testimonios en un entorno seguro, pues muchas veces los propios círculos cercanos y familiares niegan sus propios rasgos identitarios, invisibilizado en el proceso una cultura y ascendencia sometida a la discriminación y xenofobia. Sin embargo, a través del dibujo, el baile, la poesía, los diferentes estilos de sus cabellos y el cine, las cinco mujeres revelan sus mecanismos de resistencia, celebrando su identidad con orgullo.

Negra es un documental que habla del racismo, sí, pero incluso catalogarlo de esta manera sería darle una lectura muy sesgada, pues también habla de la auto aceptación, al entretejer un íntimo diálogo coral que, al mismo tiempo, les permite a sus personajes no solamente asumirse y reconocerse como mujeres afrodescendientes, sino también, el poder sanar viejas heridas del pasado para construir un futuro más próspero en el que las nuevas generaciones no tengan que pasar por lo mismo que ellas; un futuro en el que la comprensión, solidaridad y empatía irradie en los corazones de sus familiares, en donde exista mayor visibilidad, reconocimiento y dignidad para los afrodescendientes y en el que también puedan atreverse y disponer de los medios para empezar a contar sus experiencias de vida y,con ello, volverse dueñas de sus propias narrativas.

Panamá (Ecuador, 2019) Dir. Javier Izquierdo

Ciudad de Panamá, 1985: dos viejos amigos, José Luis (Jorge Fegan) y Esteban (Diego Coral), se reencuentran luego de años sin verse, ocasión que aprovechan para averiguar lo que ha sido de sus vidas mientras comparten unos tragos. Hablan de los viejos tiempos, de sus profesiones, mujeres y, desde luego, de política. Lo que al principio parecía un encuentro fortuito, pronto se convierte en un choque de ideales acerca de los cambios políticos y las transformaciones sociales que están sucediendo tanto en Ecuador como América Latina, en los que además se revelan los opuestos caminos que han emprendido cada uno y que, sin embargo, también resguardan detalles importantes que podrían determinar el destino de sus vidas.

Panamá es el segundo largometraje del director ecuatoriano Javier Izquierdo, co-escrito junto con su hermano Jorge Izquierdo, así como su primera incursión en el cine de ficción. A partir de una anécdota real sobre Juan Carlos Acosta, guerrillero del grupo Vive Alfaro Carajo abatido durante el secuestro de un banquero, fue que Izquierdo decidió contar una historia en la que se conservaran elementos previos de su filmografía documental acerca de la memoria histórica de Ecuador, combinados con el relato de que el guerrillero se encontró con un viejo amigo de la adolescencia meses antes del secuestro fallido, y cuya doble vida fue descubierta tras su muerte.

La película funciona si tienes el contexto histórico o no, siguiendo la influencia del cine de Richard Linklater y en particular de la cinta, Mi cena con André (1981), de Louis Malle, pues en sus 75 minutos de duración, el guion se concentra en una serie de conversaciones entre los dos personajes principales a lo largo de una noche, siendo este un argumento que plantea las grietas de una amistad erosionada con el paso del tiempo que simboliza los dos extremos del país. De hecho, la vigencia que tienen estas conversaciones con la actualidad se ve como una decisión consciente que Izquierdo buscaba para la película, pero que ha terminado por sorprenderlo tanto a él como a sus dos actores ante el paro nacional de Ecuador y todas las protestas sociales que han ocurrido en Latinoamérica.

Siendo una producción de bajo presupuesto, rodada en blanco y negro, Panamá triunfa al poner al centro a sus dos protagónicos y dejarlos hablar, ya que las conversaciones logran mantener al espectador al margen de lo que va sucediendo en pantalla, pues con cada información que se revela, se van desarrollando los personajes mientras se desenvuelve el curso de la historia, creando de esta manera una experiencia que invita al espectador a ser parte de la conversación y, sobre todo, a cuestionar sus propias posturas sin ser nunca pesada o aburrida.

Tras haberla visto, me pregunté por todo aquel cine latinoamericano que desconocemos, ya sea por falta de acceso o de genuino interés, y con el cual estoy seguro que podríamos identificarnos, dada la cercanía geográfica y las circunstancias que nos atañen. Panamá ha abierto mis ojos ante todo un mundo de propuestas cinematográficas latinoamericanas que apuestan por trabajar en la memoria y comprender que, además de compartir historias, en manos de gente talentosa e inquieta como Javier Izquierdo, podemos aprender bastante el uno del otro y empezar a entendernos como una valiosa región de voces que merecen reconocimiento y apertura.

Pues sin apertura, no hay memoria y sin memoria no hay identidad y sin identidad no hay orgullo. Y sin orgullo seguiremos regidos por un cine gringo que lleva años imperando en nuestras pantallas, en nuestro quehacer cinematográfico y, no de menos, en nuestras culturas. El cine latinoamericano puede ayudarnos a desafiar con todo lo establecido; un cine del pueblo para el pueblo, que hable sobre nuestras necesidades, sobre nuestras más profundas heridas y que permita, en el proceso, vernos reflejados frente al mundo.

Fendas (Brasil/Francia, 2019) Dir. Carlos Segundo

Catarina (Roberta Rangel) es una solitaria investigadora de física cuántica con residencia en Río Grande del Norte, Brasil, que estudia los espacios de sonidos ocultos en las variaciones de luz. Es también la profesora de un solo estudiante en lo que parece ser una universidad abandonada desde un paro académico. Sin una vida social muy activa, Catarina reparte su tiempo entre su investigación, las clases y una rutina de silencios, de paseos individuales por los bellos paisajes de la región, en una aparente búsqueda de la que desconocemos.

El título de Fendas en portugués hace referencia a las continuas incisiones, grietas y hendiduras sonoras que su protagonista empieza identificar dentro de su investigación, escuchando frecuencias que quizás sean parte de una temporalidad inconexa a la suya, como si acaso fuera posible un acceso hacia el infinito, en donde pudiera quedar registrado un mensaje mediante la luz de una fotografía.

De igual manera, el titulo bien podría hacer una referencia a la fracturada vida de Catarina, quien parece en busca de una conexión real y profunda. No por nada, la vemos recorrer espacios amplios, entrando en encuadres que la hacen ver diminuta. Tanto la fotografía como el guion nos indican que ella es un personaje que se mueve entre lugares vacíos, bajo una rutina apagada y tranquila; en ocasiones, esta tranquilidad desaparece al momento de gritar su nombre y su correo electrónico hacia al mar, como si este, o algo mas allá afuera, fuera a responder su pedido.

Este largometraje del director Carlos Segundo es uno de trazo lento, donde la composición, el color e, indudablemente, el diseño sonoro producen la experiencia introspectiva de Catarina. A pesar de contener pocas escenas de conversaciones y diálogos, Fendas es una historia sobre la comunicación, sobre su anhelo, sobre el peso que pude llegar a tener la soledad en la búsqueda por compensar el inescapable vacío.

Cosas que no hacemos (México, 2020) Dir. Bruno Santamaría

Ambientado en lo que parece ser un idílico paraíso costero, se encuentra El Roblito, un poblado ubicado en una zona entre manglares de Nayarit, en donde los niños predominan ante la falta de adultos que salen a trabajar. El segundo largometraje documental del director, Bruno Santamaría, Cosas que no hacemos, se desarrolla sobre este escenario y cuenta la historia de uno de los adolescentes mayores que componen al elenco juvenil: Arturo, o Ñoño como le apodan, un joven que sueña con vestirse de mujer y que, de pronto, se enfrenta ante la crucial decisión del querer confesárselo a sus padres.

Siendo este un documental de observación, en el que no hay entrevistas más que breves intermedios en el que los personajes interactúan con el director y viceversa, la película es más bien un retrato sobre este poblado, así como un relato en el que la juventud es la protagonista, mientras se narra una búsqueda por la identidad en medio de un entorno marginado, represivo y violento.

En un principio, Santamaría llegó a la comunidad con miedo de los altos índices de violencia de los que le habían advertido, pero al encontrarse con un ambiente pacifico en donde los niños jugaban libremente, inició un proceso creativo-intuitivo que le daría forma al eventual largometraje, dividiendo el rodaje en ocho viajes a lo largo de 3 años. Con esto, no sólo les permitió al equipo conocer y relacionarse con quienes aparecen en la película, sino ademas aprender de ellos y, como lo fue con el caso de Ñoño, compartir experiencias que determinaron uno de los momentos claves.

La intenci��n de grabar la transición de un joven a la madurez era algo que Santamaría ya tenía planeado, de hecho, el título del proyecto vino antes que el tener siquiera un protagonista, Es por eso que el descubrir a Ñoño resultó ser la pieza clave sobre la cual construir la narrativa, sin perder de vista al resto de los niños que habitan El Roblito y las dinámicas familiares que comparten.

Cosas que no hacemos explora desde una mirada sensible la juventud, en donde los adultos adquieren un rol secundario pero cuyo peso se sigue manifestando en la población más pequeña, quienes van desarrollando su propia visión del mundo, y en donde el crecer y asumirse como una persona homosexual sigue siendo una decisión que requiere mucha valentía. La travesía de Ñoño es admirable porque justamente quiebra con los estándares de la comunidad pero, como bien muestran los momentos finales del documental, la adultez implica otra serie de desafíos.

El Roblito se vuelve entonces en uno de los múltiples microcosmos que se encuentran a lo largo y ancho de la república mexicana, doblegados no sólo por la explotación laboral, sino también por los prejuicios más arraigados que carga nuestra conflictiva sociedad, por lo que resulta inevitable preguntarse por el destino de estos niños cuando crezcan. ¿Cumplirán sus sueños, o acaso perderán la magia y libertad que la niñez les ofrece? ¿Serán como sus padres o podrán finalmente revertir este desafortunado ciclo? ¿Serán igual de valientes que Ñoño ante el rostro de la adversidad o preferirán guardar el silencio sobre aquellas cosas que no hacemos?

La Frontera (Colombia, 2020) Dir. David David

Una frontera se define por los límites que separa, por ser un punto de encuentro entre dos polos. Dejando a un lado la división territorial o política, podemos decir que todos llevamos fronteras dentro; límites que en algunos casos reconocemos, pero que no siempre nos atrevemos a cruzar, límites que nos dan una falsa sensación de seguridad, que determinan nuestro comportamiento y experiencia de vida. Cruzarlos implica romper con la zona de confort, es saberse nuevo e inexperto ante una situación precipitada.

Bajo esta premisa parte el conflicto de La Frontera, ópera prima del director barranquillero David David, quien concibió el proyecto luego de regresar de un viaje de estudios en España y reajustarse a la vida en Colombia. Partiendo de la otredad como su lienzo, David se atreve a rozar y resquebrajar estas mismas barreras con el fin de sacudir la vida de sus personajes y, al mismo tiempo, desafiar las expectativas del publico. Damos esto por sentado cuando analizamos la primera escena de la película, que sigue el punto de vista de una pareja desde dentro de su coche, siendo repentinamente asaltada por dos individuos y una mujer, a quien más adelante identificamos como la protagonista de este relato.

De una manera muy efectiva, este arranque permite atrapar nuestra atención de manera inmediata y, acto seguido, el guion, también escrito por David, pasa a ignorar la vida de los afectados para concentrarse en aquellos que perpetuaron el siniestro: Diana (Daylín Vega Moreno), una mujer wayuu embarazada, su esposo y su hermano, quienes viven cerca de la frontera entre Colombia y Venezuela, sobreviviendo a muy duras penas con lo poco que tienen mientras asaltan a quienes pasen por su camino. Sin embargo, ante el imprevisto cierre de la frontera, ocurre un trágico acontecimiento que deja a Diana sola y, al tener que depender por sí misma, se enfrenta a toda clase de peligros: desde las carencias de la vida rural hasta la amenaza de intrusos y hombres abusivos.

Por si no fuera suficiente, esto la obliga a confrontarse con lo inesperado: el refugiar a dos desconocidos, el sospechoso Miguel (Alejandro Aguilar), quien cae herido y es perseguido por las autoridades, y la venezolana de lengua suelta, Chalis (Sheila Monterola), quien muy a penas libró un intento de abuso en su paso para ver a su hijo. Confrontar las diferentes realidades, circunstancias y dificultades de cada uno le permite a Diana repensar todo lo que sabe y ha conocido, así como crear nuevos lazos que puedan serle de ayuda para lidiar con su propio embarazo, cuyo parto parece inminente.

En La Frontera, la vida es un constante acto de resistir y resiliencia, no es algo exista por libre cuenta o que pueda darse por sentado. David encapsula con sus tres personajes historias de supervivencia y migración en un contexto de desigualdad y rezago social que engloba un panorama mucho más diverso sobre toda América Latina y las estructuras a las que estamos sometidos, barreras que segregan, que condicionan, que causan abandono e imposibilitan el bienestar de los grupos más vulnerables.

Reconocer que todos somos parte de estas poderosas estructuras, invisibles en apariencia, permite ejercer un valioso diálogo que dispute nuestras convicciones y ponerlas en contexto con lo que estamos viviendo. A través del cine podemos ejercer nuestra propia empatía y ser transportados a lugares que escapan de nuestra imaginación, que traspasan los limites geográficos y que aun así conectan con nuestras vivencias locales. La Frontera es uno de esos esfuerzos en los que su director busca sumarse a la conversación de temas tan relevantes a nivel social y político, confrontando la polarización de su país de origen y, en el proceso, invitar al espectador a abrir sus propios horizontes.

La Casa de los Conejos (Argentina, 2020) Dir. Valeria Selinger

Basada en la novela homónima que revive la experiencia de la autora Laura Alcoba durante la dictadura cívico-militar argentina de los setentas, La Casa de los Conejos es el primer largometraje de Valeria Selinger, directora argentina radicada en Francia, cuya trayectoria se limitaba al terreno del documental. En él, tenemos como protagonista a Laura (Mora Iramain Garcia), una niña que pasa a vivir con su madre fugitiva y otros activistas en la clandestinidad de una casa, cuya supuesta fachada es la de un criadero de conejos, pero que en realidad funge como centro de operaciones de la imprenta, Evita Montonera, revista de la oposición.

Construida a partir de la mirada de una niña, un elemento indispensable para la directora que retoma de la novela, exploramos la perspectiva de Laura en un ambiente adverso y frágil, en donde la infancia no puede florecer ni desarrollarse en las condiciones óptimas. En medio de tensiones, armas y nuevos planes del movimiento, los adultos le proponen a Laura guardar su verdadera identidad como un secreto, como un juego, sin embargo, llevar a cabo una doble vida no es fácil, mucho menos lo es asegurar su crecimiento con plenitud.

La imagen de los conejos encerrados desde sus jaulas, al yuxtaponerse con la situación que impregna a sus personajes y, el que buena parte del guion se sitúa dentro de la casa, se vuelve un símbolo ineludiblemente trágico que cobra fuerza rumbo al final de la película.

La Casa de los Conejos sobresale por poner a prueba las precarias circunstancias que rodean la vida frente a la dictadura, en donde guardar silencio se vuelve una cuestión de vida o muerte y una enorme responsabilidad en las manos de una niña que, a final de cuentas, representa las experiencias de miles de personas que sufrieron de este periodo en su juventud; una herida que parece imposible de suturar para la población argentina y sus millones de desaparecidos, pero que esfuerzos cinematográficos de este calibre puedan ofrecer desde una catarsis, hasta un emotivo diálogo con las nuevas generaciones para mantener viva su memoria.

Por último...

Si este texto ha despertado tu interés por el festival y las actividades que hicieron, o si deseas saber un poco más de estos seis largometrajes, recomiendo que visites las redes sociales del festival pues estuvieron transmitiendo sesiones de preguntas y respuestas con los cineastas y el jurado desde su cuenta de Facebook,

El jurado determinó al documental mexicano, Cosas que no hacemos, como el ganador de la competencia Nuevos Directores, con una mención especial para Fendas, que, por cierto, tienes hasta el 25 de septiembre para participar en la convocatoria Residencia de Cortometraje Documental Independiente - Otoño 2020 de parte de Cuorum, Festival de Cine de Diversidad Sexual y Vanguardia, que impartirá el director Bruno Santamaría a los que estén interesados en aprender y desarrollar sus habilidades en conjunto con profesionales del cine. Les comparto el enlace de la convocatoria: https://cuorum.com.mx/2020/08/07/convocatoria-abierta-residencia-de-desarrollo-de-cortometraje-documental-otono-2020/

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vercars3nlinegd · 4 years ago

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Cars 3 es una película de animación por computadora en 3D de 2017, producida por Pixar Animation Studios y distribuida por Walt Disney Pictures. Es la tercera entrega de la franquicia Cars y la secuela de Cars 2 (2011). Es dirigida por Brian Fee, producida por Kevin Reher, con el guion de Bob Peterson, Mike Rich y Kiel Murray y una historia por Fee, Ben Queen, Eyal Podell y Jonhatan E. Stewart. Las voces protagónicas de Owen Wilson, Bonnie Hunt y Larry the Cable Guy repiten sus roles de entregas anteriores, mientras que Cristela Alonzo, Chris Cooper, Armie Hammer, Nathan Fillion, Kerry Washington y Lea DeLaria se unen al reparto. 1En la película, el Rayo McQueen se prueba ante una nueva generación de corredores para demostrar que es el mejor auto de carreras en el mundo.2

El desarrollo de una secuela comenzó en 2011, luego del estreno de Cars 2, y la preproducción en 2014. El productor ejecutivo de la película y director de las dos anteriores, John Lasseter, dijo que el filme sería más emocional y volvería a las raíces originales de las cintas. El equipo de producción buscó múltiples corredores de la NASCAR, particularmente envejecidos, así como un psicoanalista de deportes. Dos de los nuevos miembros del reparto, Cristela Alonzo y Armie Hammer, fueron anunciados en enero de 2017, mientras que Nathan Fillion, Kerry Washington y Lea DeLaria se unieron dos meses después.

Estrenada mundialmente en cines el 16 de junio de 2017 junto a su cortometraje Lou, la película recaudó $383 millones en todo el mundo. Recibió reseñas generalmente positivas de los críticos, que alabaron sus mejoras y su emocionante historia y animación. Esta fue la última interpretación de Katherine Helmond en la franquicia Cars, debido a su muerte dos años después del estreno de la película, en febrero de 2019.

Sinopsis Después de que Jackson Storm (Armie Hammer), un nuevo corredor diseñado con alta tecnología, llega a la pista, el público se pregunta cuándo se retirará el ahora veterano y campeón experimentado de siete Copas Pistón, el Rayo McQueen (Owen Wilson). Éste quiere demostrar que aún no le hace falta retirarse, pero luego de su última carrera de la temporada, un fuerte accidente en la pista (que casi le cuesta la vida) pone al Rayo McQueen al borde de su inminente retiro de las carreras para siempre, sin embargo Cruz Ramírez (Cristela Alonzo), una entrenadora de corredores hispana, quiere demostrarle a McQueen que aún puede seguir compitiendo y le enseña a no rendirse ante Jackson Storm y lo ayuda en su reto para seguir en las carreras.

Reparto Owen Wilson como Rayo McQueen, un legendario veterano de la Copa Pistón que vive en la Ruta 66 de Radiador Springs; su marca es Racer para Rust-eze; su número es el 95 y es un Chevrolet Corvette C6-R. Cristela Alonzo como Cruz Ramírez, la entrenadora hispana de McQueen y técnica de las carreras que siempre deseó ser una corredora, pero nunca tuvo la oportunidad debido a sus sentido de inferioridad y porque Sterling desaprobó su potencial. Su patrocinador y número era conocido originalmente como Rust-eze y 95 en la pista de Florida 500 y más tarde Dinoco y 51 al final de la película. Es un Aston Martin DB11. Armie Hammer como Jackson Storm, un Lykan HyperSport modificado, el nuevo rival de carreras de McQueen. La cara de la nueva generación de corredores de alta tecnología, que amenaza con desplazar a toda la generación de McQueen como el corredor de arriba, amenazando la carrera de McQueen y su inminente retiro; su marca es IGNTR y su número es el 2.0. Larry the Cable Guy como Mate, un camión de remolque y el mejor amigo de Rayo. Bonnie Hunt como Sally Carrera, es un Porsche Carrera 911 y novia de Rayo. Tony Shalhoub como Luigi, un Fiat 600. Guido Quaroni como Guido, una carretilla elevadora / montacargas, que es el mejor amigo y ayudante de Luigi. John Ratzenberger como Mack, un camión de 1985 Mack Super-Liner que es el transporte de Rayo. Richard Petty como Strip "El Rey" Weathers, un Plymouth Road Runner Superbird, un corredor retirado de Dinoco y ahora jefe de mecánicos de su sobrino Cal. Kyle Petty como Cal Weathers, otro de los amigos de carreras más antiguos de McQueen, que es sobrino de Strip "El Rey" Weathers y el nuevo corredor de Dinoco con el número 42, sin embargo debido a la aparición de Jackson Storm, decide retirarse de las carreras. Es un Chevrolet SS. Angel Oquendo como Bobby Swift, uno de los amigos de carreras más antiguos de McQueen que trabaja para Octane Gain con el número 19. Daniel Suárez como Daniel Swervez / Danny Swervez, un corredor violeta de próxima generación que trabaja para Octane Gain con el número 19. Chase Elliott como Chase Racelott, un corredor verde de próxima generación que trabaja para Vitoline con el número 24. Darrell "Bubba" Wallace Jnr (en) como Bubba Wheelhouse, un corredor color púrpura de próxima generación que trabaja para Transberry Juice con el número 6. Cheech Marin como Ramón, un Chevrolet Impala Lowrider y esposo de Flo. Jenifer Lewis como Flo, una ex Motorama Girl y esposa de Ramón. Michael Wallis como Sheriff, un obeso auto de policía Mercury de 1949. Paul Dooley como Sargento, un modelo jeep Willys. Lloyd Sherr como Fillmore, un autobús Volkswagen. George Carlin le puso voz a Fillmore en la primera película. Katherine Helmond como Lizzie, un Ford Modelo T. Lea DeLaria como Miss Fritter / Miss Fractura, una autobús monstruo de derby de demolición que compite en Thunder Hollow. Kerry Washington como Natalie Certain / Natalie Certeza, una analista estadística de la Copa Pistón. Bob Peterson como Chick Hicks, un ex piloto de la Copa Pistón y ex-rival de Rayo McQueen, que ahora trabaja como comentarista en RSN y es anfitrión de su propio programa de televisión, "Los Ticks de Chick". Michael Keaton puso voz al personaje en la primera película. Darrell Waltrip como Darrell Cartrip, locutor de la Copa Pistón. Bob Costas como Bob Cutlass, locutor de la Copa Pistón, compañero de Darrell Cartrip. Lewis Hamilton como Hamilton (programa), un asistente comando de voz para Cruz Ramirez. Hamilton previamente se puso voz a sí mismo (como un piloto de Cars 2) en la segunda película. En la versión española, el personaje es renombrado como Fernando, y el piloto Fernando Alonso le presta su voz. Jeff Gordon como Jeff Gorvette, un ex piloto del Gran Prix Mundial de Cars 2. Mike Joy (en) como Mike Joyride, un comentasista de un programa en la radio de McQueen. Nathan Fillion como Sterling, un millonario auto de negocios que dirige el Rust-eze Racing Center. Ray Magliozzi como Dusty Rust-Eze, ex-patrocinador de Rayo McQueen. Tom Magliozzi como Rusty Rust-Eze, ex-patrocinador de Rayo McQueen, hermano mayor de Dusty. H.A. "Humpy" Wheeler como Tex Dinoco, un millonario auto de negocios que es patrocinador de Dinoco. Chris Cooper como Smokey, el exjefe de mecánicos de Doc Hudson que ayuda a capacitar a McQueen para la carrera de Florida 500. Isiah Whitlock Jr. como River Scott. Junior Johnson como Junior "Medianoche" Moon. Margo Martindale como Louise "Machincuepa" Nash. Paul Newman† como Doc Hudson, exjefe de mecánicos del equipo y mentor de McQueen, que solía ser el Fabuloso Hudson Hornet # 51. Él aparece en flashbacks que incluyen grabaciones previamente no utilizadas de Newman de la primera película.

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