#Cours de Mixage Musical
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Un nouvel article a été publié sur https://www.rollingstone.fr/vampire-weekend-annonce-fotb/
Dans un très long post Instagram, Ezra Koenig donne des nouvelles de Vampire Weekend
Le prochain album du groupe Vampire Weekend est prêt et devrait arriver très prochainement – près de six ans après le précédent…
Dans un post Instagram diffusé jeudi 17 janvier, Ezra Koenig, leader de Vampire Weekend, a enfin donné des détails sur le très attendu quatrième album du groupe new-yorkais – et expliqué cette longue attente de près de six ans depuis Modern Vampires of the City, paru en 2013.
Constitué de 18 morceaux, d’une durée de 59 minutes (Koenig aime les informations cruciales), l’album s’intitule pour le moment FOTB, initiales du titre complet que le chanteur et guitariste n’a préféré ne pas dévoiler pour le moment. Les premiers extraits seront diffusés à partir de la semaine prochaine, tandis que quatre autres seront diffusés, deux par deux, au cours de février et mars prochain – le disque complet devrait, de fait, être disponible au printemps.
Les titres des morceaux, tout aussi brumeux que celui de l’album – « hh », « 2021 », « s », « bb », « tl » et « uw » – ne révèlent pas grand chose des thématiques abordées par le groupe ; à ce voile de mystère, Ezra Koenig ajoute : « Les plans peuvent changer, mais ça fait partie du plan. » Nous voilà bien avancés.
Répondant inévitablement aux questions suscitées par l’attente entre le précédent disque de Vampire Weekend et le nouveau, le musicien explique ne pas considérer le gap si béant. « Personnellement je trouve ce rythme tout-à-fait honorable pour un groupe qui a déjà sorti trois albums, mais à chacun sa perception du temps, explique-t-il. À mes yeux, l’attente entre le troisième et le quatrième et moins grande qu’entre le deuxième et le troisième (trois ans, ndlr) – ce n’est pas ce que doit penser la majorité. » Manifestement moqueur, il précise que le processus de création de FOTB n’a même pas été plus long que celui de ses prédécesseurs – c’est juste qu’il a pris son temps sur le mastering et le mixage, privilégiant sa famille.
Espiègle, il se justifie également de la taille de la tracklist, constituée de 18 morceaux. « Ça fait beaucoup, mais elles sont toutes à leur place, décrit-il. Si ça ne vous convient pas, libre à vous de penser qu’il y a six morceaux en trop, et d’en faire une version à 12. J’ai pensé un moment faire deux albums, de 23 chansons chacun, autour du chromosome humain, puis avec 23andMe (entreprise californienne d’analyse du code génétique, ndlr) on s’est mis à faire des playlists sur Spotify, et je sais pas… je me suis dit qu’on avait fait le tour du truc. »
Ci-dessous, le post Instagram original :
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To the fans: I know that 5-6 years is considered a long time between records. Personally, I think it’s a dignified pace befitting a band that’s already placed three albums in stores but everyone has their own sense of time. (I swear the time between 3 & 4 felt shorter to me than 2 & 3. I may be in the minority on this one.) This album didn’t really take any longer to write/record than MVOTC. We just took more time on the front end to chill. I’ll admit I may have stretched out the mixing/mastering process (aka THE END) a little bit cuz spending half the day with my family & half the day at Ariel’s is my ideal life-rhythm & it’s painful to say goodbye to that rhythm. Many of you have been hungry for information and we’ve given you very little. I don’t like talking abt a project while in the middle of making it. I usually regret everything I say cuz it turns out to be wrong (so disregard anything I may have said in the past 5 years.) I thought abt making a recording diary to tide over the people leaving intense comments but…to me, the album IS the recording diary…man. It’s called “FOTB” (well those are the initials – that’s a VW tradition) and it’s 18 songs. Picked the name a few years ago. At some point early on, the album drifted from the Mitsubishi Macchiato aesthetic. It was a helpful guiding principle tho. Working titles are important too. It’s a lot of songs but they all belong there. (If you disagree, you can always say it was 6 songs too long & make a lil 12-song playlist version of it.) At first, I wanted to make two 23-song albums on some human chromosome shit but then 23&me started doing Spotify playlists and I don’t know…felt we’d been scooped. Is it a double album? The vinyl will be double so…yes? It’s about 59 minutes long. We can talk more abt that later – if u care. To me, it’s just FOTB. Anyway, we’re gonna start releasing music next week. After all that waiting, you should have the general schedule: -There will be three 2-song drops every month until the record is out. 1. hh/2021 2. s/bb 3. tl/uw. (plans can change that’s the plan) Thank you for ur patience, Ezra
A post shared by Ezra Koenig (@arze) on Jan 17, 2019 at 1:05pm PST
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Adieu chère Tanzanie
Acte I : Le pestacle !
Après ces 5 semaines à Msamaria, l’heure fatidique du spectacle était arrivée ! La dernière semaine ayant été pleine de rebondissements en tout genre, les répétitions ont été assez difficiles, mais les enfants étaient tellement forts qu’on était tout à fait confiants *humhum…*
Une des dernières répétitions du Haka
Jeudi 1 juin arrive … rendez-vous à 14 heures au Kilimanjaro café lounge pour un début prévu à 15 heures. La pression monte et les enfants arrivent au compte-goutte, mais dans leurs plus beaux habits ... tout en jaune ! Pendant ce temps-là nous mettons en place la tombola (je vous le dis par avance, la seule personne ayant acheté un ticket a été Louis !).
Les enfants avaient pourtant passé presque 2 heures à faire de jolis dessins pour les lots de la tombola.
Finalement, le temps que tous les enfants arrivent et que le sound-système soit installé, le spectacle commence vers 16 heures ! Presque à l’heure donc !
C’est un peu anxieux que nous faisons commencer le premier numéro, mais très vite on se sent soulagé, les enfants chantent fort et sont à fond dans le spectacle ! Les numéros s’enchaînent bien et le public, composé exclusivement d’étrangers réagit bien ! Tout le monde est heureux, et le spectacle s’achève sur la reprise de Don’t stop believing avec tous les enfants. Namaspamus se met ensuite à jouer, et la foule des enfants occupe le premier rang.
A la fin du show, tous les enfants ont un grand sourire sur le visage et il en est de même pour le public du café : opération réussie ! On retiendra, entre autres, une phrase de la part d’une néo-zélandaise: « Je n’aurai jamais pensé en me levant ce matin voir un numéro de Haka, réalisé par des enfants tanzaniens, encadré par des français en Tanzanie ! »
Sacrée troupe de petits poussins
Finalement nous quittons les enfants qui repartent avec des bonbons et des sodas vers l’association. Mais ne vous en faites pas, nous sommes retournés les voir entre 2 cessions d’enregistrement et de mixage, pour partager une dernière partie de foot, une dernière course en brouette, ou encore pour quelques chatouilles d’adieu.
Signé : Pas Louis ;)
Acte II : Et si on faisait un CD trop cool ? Ouiii !
En tout cas on a essayé. L’aventure commence par la recherche tout à fait hasardeuse d’un studio d’enregistrement avec Arthur. Après plusieurs prises de renseignements auprès des autochtones, nous sommes tombés sur un petit studio au cœur d’une petite maison très modeste ayant pour unique accès, des chemins de terre. Une rencontre incroyable a alors eu lieu !
Emmanuel faisant les réglages sonores de la batterie
Emmanuel Swai alias Mr Magician nous proposa de collaborer avec lui pour enregistrer notre CD dans son tout mignon petit studio fait main. Mr Magician est très accueillant, très enthousiaste et curieux car il n’a pas l’habitude d’enregistrer des cuivres. Son truc à lui c’est le gospel. Mais il est aussi brillant musicien et bidouilleur si bien qu’il saura toujours nous booster et nous donner un petit coup de pouce magique dans les moments difficiles. Et il y en a eu. L’enregistrement s’est effectué un par un, avec une leading track dans les oreilles. (Ça veut dire qu’on enregistre une première fois tous ensemble, puis que chacun rejoue sa partie avec cette piste dans les oreilles. Cela permet un plus grand niveau de détail sur l’enregistrement final même si on dispose seulement de quelques micros). Nous nous sommes donc lancés dans un enregistrement long et fastidieux de plusieurs journées. Nous avons tous vécu cet enregistrement différemment mais je ne crois pas avoir été le seul à être en difficulté lors de ce périlleux exercice. En effet, seul devant le micro et harnaché de fils et d’un gros casque, l’excitation du live et l’énergie de groupe disparaissent et en plus, on ne peut même pas danser sans tout casser… Pas facile cette histoire !
Mathieu en a bien profité pour travailler son suédois !
Finalement on s’en est sorti, et dans la bonne humeur en plus, thank you Mr Magician ! Il s’en suit une phase de mixage de plusieurs jours également, dans laquelle Luc, Arthur et moi avons collaboré avec Mr Magician. Il aimait bien ça ! Pendant l’enregistrement il donnait son avis et pendant le mixage il attendait le nôtre. Ce fut donc un riche échange musical et humain durant la semaine entière de travail sur ce CD.
Je ne sais pas s’il est bien, mais je crois que je prends pas trop de risques en disant que cet enregistrement a été une magnifique expérience pour chacun de nous. En tous cas on a gagné un super fan,et si un jour vous voulez enregistrer un CD en Tanzanie, je vous recommande Mr Emmanuel Swai. J’attends avec impatience mes premiers salaires pour me construire un petit studio comme Mr Magician !
A droite, l’instrument magique !
A présent, il est venu le temps des débats houleux pour trouver le titre et se mettre d’accord sur les divers aspects artistiques et marketing de ce nouveau CD.
(Super titre) bientôt dans les bacs !!!
En exclusivité je vous mets la première note du CD : La bémol
Alors il vous plait pour le moment ?
Théo le rigolo
Acte III : Les 8 fauves en pleine savane !
Alignement de gnous à l’infini dans le Ngorogoro
Le spectacle passé, le CD enregistré, le temps des vacances était venu ! Au cours de nos précédentes semaines nous avions rencontré un guide du nom de Tosha qui, « crois moi s’il vous plait », ne fait pas de bénéfices sur les activités qu’il propose ! Nous avions déjà testé des sorties d’une journée avec lui, et nous avons décidé de partir en safari via son agence : “Tosha trecking and safari”.
C’est donc très impatient de voir la faune de la savane que nous sommes monté dans la grosse Jeep le lundi matin. Une grosse Jeep pour 10 personnes, plus les tentes, sacs de couchage, et tout ce qu’il faut pour nourrir un tel groupe pendant 5 jours ! Nous rencontrons aussi Nicolas, notre guide/conducteur, qui est dans le milieu depuis 23 ans … autant vous dire qu’il savait où il allait même en plein milieu de la brousse !
Notre bolide
1ère étape, rejoindre le premier parc (logique non ?) : le Tarangire, situé à plus de 4 heures de route de Moshi. Mais ça c’était sans compter sur la panne de la voiture ! Un arrêt technique au beau milieu d’Arusha pour réparer le moteur s’impose. Le safari commence bien ! Malgré tout, après 2 heures de réparation nous reprenons la route et choisissons plutôt d’aller vers le lac Maniara, un autre parc, plus petit que le Tarangire que nous pourrons donc visiter en un temps plus court !
Nous rencontrons ici les premiers éléphants, singes, girafes, gnous, buffles, mais surtout de nombreux oiseaux, venus d’Europe comme par exemple des pélicans, des cigognes. On teste aussi le toit ouvrant de la Jeep permettant d’avoir une superbe vue sur les paysages. Il faut bien avouer qu’a 8 à l’arrière on est un peu serré pour regarder par le toit, mais les animaux sont là et l’incident du matin est très vite oublié !
“Je la connais celle la ! C’est la cigogne de mon voisin !”
Le soir nous logeons dans un camping, mais avec des tentes en dur et des toilettes et douches individuelles. Il y a même une piscine ! Du grand luxe !
Le lendemain, nous devons traverser le parc du Ngorongoro pour nous rendre jusque dans le Serengeti, le parc réputé pour ses félins ! Une grosse journée de route, il faut presque 5 heures pour rejoindre l’entrée du parc, mais les paysages encore une fois valent le coup d’œil ! On passe au milieu de villages massai, et beaucoup d’enfants se trouvent sur le bord de la route, accompagnant des troupeaux de vaches ou de moutons.
Les troupeaux de grosses chèvres du Serengeti
A peine arrivés au Serengeti on trouve sur le bord de la route deux guépards tentant de chasser. Encore une fois les éléphants sont au rendez-vous, mais on trouve également un nombre incalculable de gazelles et antilopes ! Et chanceux comme nous sommes nous apercevons même trois léopards. Enfin … l’appareil photo d’Arthur aperçoit les queues de ces dits léopards, pour être plus précis ! Autour de nous, tous les autres touristes ont des appareils photos avec des objectifs monstrueux, alors on fait vraiment très amateurs avec notre appareil. Peu importe nous repartons à la chasse aux animaux. Beaucoup de zèbres, d’antilopes, de zèbres, de gazelles, de zèbres …. Oh ! Une girafe !
Si vous voyez les 3 léopards ... vous mentez sûrement !
Le soir tombe et notre troupe va s’arrêter au camping, au beau milieu du parc. Les zèbres broutent tranquillement autour de nous, et le guide nous dit qu’il faut éviter de trop s’éloigner, on pourrait tomber sur les lions … rassurant ! Après le repas, nous profitons de l’absence totale de lumière pour observer les étoiles, on voyait même la voie lactée ! Malheureusement vous allez être obligés de me croire sur parole puisque nous n’avons aucune photo, malgré les nombreuses tentatives de Mathieu.
Fun fact : les rayures des zèbres c’est comme les empreintes digitales : c’est juste moins pratique quand on passe la douane !
Le lendemain c’est départ à 6 heures du matin, pour partir avant même le lever de soleil et profiter au maximum de la matinée pour le game drive (c’est comme ça qu’on appelle le fait d’être à la recherche des animaux). Et ce fut assez fructueux : des fennecs, des hyènes, un énorme troupeau de buffles, et …. Ouiiiiiiiiiii ! Des lions et lionnes ! Même si au début nous étions assez loin d’eux, en continuant le game drive nous avons trouvé des lionnes qui dormaient sur le bord de la route. Nous avons aussi pu observer des hippopotames et des crocodiles. Après cette matinée très remplie, le repas nous attend au camping, et nous devons ensuite repartir vers le Ngorongoro. Sur le chemin du retour, nous trouvons encore quelques lionnes, et surtout un lion dormant au bord de la route ! Et au même endroit que la veille, nous retrouvons aussi nos amis les guépards ! Quelle chance !
Une vache de la savane
Non non non, ils ne se battent pas ! Ils se font des bisous .... je crois !
Une journée typique pour une lionne : dormir, faire 5 mètres pour s’éloigner des touristes, dormir, faire la sieste, faire semblant de chasser pour faire plaisir aux Jeep qui vous regarde, dormir.
On arrive sur le bord du cratère du Ngorogoro pour passer la nuit en camping … seul petit hic, la température qui était scandaleusement basse ! Et ce jusqu’au lendemain à midi !
Encore un lever à 6heures pour partir à l’exploration du cratère ! A peine arrivés, nous tombons nez à nez avec des lions, et lionnes, et aussi un petit chat. Il devait être sacrément rare parce que toutes les voitures le suivaient à la trace et même les guides le prenaient en photo ! On trouve aussi de nombreuses hyènes, et un trrrrrrrès grand nombre de gnous ! On complète aussi notre tableau de game drive en trouvant deux rhinocéros ! Les paysages au sein du cratère sont vraiment magnifiques et ce n’est pas la température qui nous empêche d’en profiter !
Il faisait vraiment froid oui ! Mais de là à se transformer en serviette géante ...
Après le repas nous sortons du parc du Ngorongoro pour retourner au camping du premier jour, où un certain Arthur fait un plouf dans la piscine.
Pour le dernier jour, et même si d’après notre guide nous avions été vraiment très chanceux et qu’il ne nous restait plus rien à voir de nouveau, nous allons au Tarangire : le parc aux éléphants ! Et aussi aux baobabs, que l’on peut voir tous les 100 mètres ! Nous trouvons encore de nombreuses girafes, gazelles, et bien sûr des éléphants ! Une autre voiture de touristes, un peu imprudente, à même failli se faire charger par un troupeau d’éléphants, et ce juste devant nous ! C’était assez impressionnant et terrifiant aussi ! Mais tout s’est bien fini, ne vous en faites pas chers lecteurs !
La patrouille des éléphants ... tadadadam :D
Ainsi s’achève notre safari après ,bien sûr, être rentrés sur Moshi, on n’allait pas rester en pleine brousse ! Que de bons souvenirs, ça valait le coup de venir en Tanzanie 😉
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Clip "Misery VI" Bis - Cifacom 2016
Auteur, Réalisatrice, Journaliste, Conceptrice de Projets Documentaires de Création avec séquences fictionnées, Télé-films, Programmes Courts, Multimédia & International,,, En cours de Ré-écriture de mon 1er Long Métrage de Cinéma "DERRIÈRE LA PORTE" ou "BEHIND THE DOOR..." Fantastico-Real Tragi-Comedy-Music & Dance d'Anticipation" Tous Arts Mêlés!!! Effets spéciaux & Motion Capture - Internationale Coproduction.... Tout d'abord, BRAVO pour ce Court-métrage, très bien réalisé (cadres, Lumière Clair-Obscur bien rendue, Trucages fins...), Scénario Intéressant, fondé sur les séances "déjà extrêmement visualisées et réalisées par KUBRICK dans "EYES WIDE SHUT"!!!"... Un Maître comme l'a été Orson WELLES, FELLINI, Tim BURTON - dans un autre genre - ... Seul "regret": "il aurait été intéressant que les YEUX de l’héroïne soient "TRUQUÉES de telle façon qu'ils soient BLANCS, JAUNES ou plutôt ROUGES;... LUMINEUX !!! ....
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ITW Thrashocore (répondue 30/11)
1/Salut les gars, tout d’abord bravo pour cet excellent premier album et de prendre un peu de temps pour répondre à ces quelques questions, tout d’abord pour commencer pouvez-vous me raconter la création du groupe ?
Matthieu (guitare) : Merci, on a apprecié ta chronique de l'album, qui en montre une réelle compréhension.
Maxime (guitare) : Heir est à la base le projet de Matthieu (guitare) et Diego (Batterie), que nous (moi, François (basse), et Loïc (chant), qui a quitté le groupe il y a quelque mois), avons rejoint rapidement, et nous avons réellement commencé à travailler en Septembre 2015. Le postulat du groupe était que l’Homme a hérité d’une Terre qu’il ne mérite pas. Nous avons commencé à composer très vite, et nous avons commencé à cerner une direction musicale du groupe, autant au niveau des ambiance que des riffs.
2/Le projet et concept du disque est très ambitieux, pouvez-vous l’expliquer pour nos lecteurs ?
Maxime : Chaque morceau est une histoire, un constat, une expérience de chute, d'échec, selon un point de vue différent. Tous ces textes traduisent la déchéance de l'Homme, qui n'apprend rien de ses erreurs, qui reste cette créature cupide et si égoïste.
L'artwork par exemple représente cette notion à travers Auguste, premier empereur romain, qui incarne la chute d'un système, la république romaine, oligarque, au profit d'un système autocratique, l'empire romain. Ce nouvel empire se reconstruit sur les ruines bancales de l'ancien système, créant un semblant de nouvelle société tout aussi malade que la précédente. C'est un cycle qui s'est répété de nombreuses fois et qui se répète encore aujourd'hui.
Nous avons vu cet album comme un tout uni, pour ne pas nuire à la cohérence et à l'ambiance des titres. Nous avons d'ailleurs viré ce qui devait être l'intro au dernier moment parce qu'elle n'avait pas sa place selon nous dans cet album.
3/Pourquoi ce choix de nom pour le groupe ? Que signifie-t’il ?
Matthieu : Le choix du nom s'est fait après pas mal de réflexions, c'est quelque chose qui n'est clairement pas venu facilement (généralement quand on s'occupe d'autre chose que de la musique on plante souvent). Le choix s'est porté sur ce nom parce qu'il est plein de sens et est très cohérent vis-à-vis des thèmes abordés par le groupes. "L'homme a hérité d'une terre qu'il ne mérite pas", "Nous les faibles, avons hérité de la terre", autant d'expressions qui justifie le nom du groupe. Ce nom est l'expression d'une honte, celle que l'on a, que l'on porte sur l’espèce humaine pour son incapacité de bien se comporter avec ses pairs, son environnement, tout ce dont elle a hérité et qu'elle est incapable de respecter.
4/La Grèce antique et son histoire sont très présente au sein de l’album, qu’est-ce qui vous fascine tant chez elle ? Y’a-t-il d’autres mythes, légendes ou écrivains qui vous ont influencé ?
Matthieu : "Très présente" serait pas le terme que j’emploierai, finalement les seules références à la Grèce antique sont dans "L'Heure d'Helios" et "Meltem", et... ben ce ne sont que des références. Si elles ont un sens, bien entendu, ces références ont peu d'importance face aux paroles. Ce choix est dû d'une part à l’esthétique "antique" qu'on a lié à l'album, et ce choix est dû au fait que les personnages/situations/croyances/etc éloignées de nous temporellement sont plus à même de revêtir une symbolique forte et "accessible", du fait qu'on en soit détaché. Helios aurait pu être remplacé par n'importe quelle figure de pouvoir déchue, Meltem par n'importe quel vent, c'est juste une manière de rendre l'album un tout petit moins ancré dans la réalité. (Il en est de même avec la pochette représentant Auguste : avec lui Rome est passé d'une oligarchie à une autocratie, "Les pages tournent, les maux ne changent pas". On aurait pu avoir une pochette ayant pour thème la révolution française ou n'importe quel après-guerre au moyen-orient le message aurait été le même.
5/Comment s’est passé le processus de composition ? Tout était-il déjà prêt lors de l’arrivée au studio ?
Maxime : Oui, nous avions les morceaux écrits, et maquettés. Nous ne composons pas en studio, nous écrivons chacun de notre côté, nous envoyons les maquettes et partitions aux autres membres du groupes qui le modifient si nécessaire, et si nous sommes d’accord sur un morceau nous le jouons. Durant les répétitions nous ne modifions presque rien, nous jouons surtout sur l’intensité de chaque partie, sur l’interprétation, plutôt que sur l’écriture.
6/Le côté brumeux et aérien de la production renforce le mystère autour de chacun des titres, ce choix était-il voulu au départ ?
Matthieu : Au départ, nous n’avions pas vraiment d’idée globale de comment l’album devait sonner, c’est un choix qui s’est construit au cours de l’enregistrement et du mixage. Asgorn (Silent Ruins studio) est l’artisan du son de l’album. Si nous avions des idées concernant des éléments précis, comme un son de batterie plutôt naturel, sans trigger, un son plutôt compromis entre efficacité et ambiances (même si effectivement ces dernières sont favorisées), c’est pendant le processus que les décisions ont été prises. Si nous savons ce que nous voulons en termes d’ambiances et que les morceaux sont fixés, nous acceptons aussi le fait que dans le domaine du studio on soit plus compétent que nous. Les ingés sons qui participent à l’album sont artisans de ce qu’il sera finalement, et leur marque dans tous les cas est présente, et c’est dans l’acceptation de cela que le son de l’album est le fruit (toutes mesures gardées) de notre vision de notre musique mais aussi de celle d’Asgorn. La volonté de faire un album qui favorise l’immersion plutôt que la compréhension immédiate de tout ce qui se passe a toutefois guidé sa conception.
Maxime : Nous ne voulions pas un son qui soit trop facile à aborder, par peur de tomber aussi dans quelque chose trop classique et déjà-vu, mais plutôt quelque chose de massif, et brumeux justement. Ce n’est pas forcément facile à la première écoute, mais dès qu’on surpasse cela, il y a une satisfaction d’avoir « dompté » ce côté retors, une sorte de récompense personnelle pour l’auditeur.
7/La pochette est absolument magnifique, et en total raccord avec la musique, qui s’en est chargé ?
Matthieu : C’est Cäme Roy de Rat qui s’en est chargé, nous avons été mis en contact avec lui via LADLO et ce fut une collaboration dont nous sommes pleinement satisfaits. Il a su représenter parfaitement les concepts que nous lui avions confié, et effectivement, la symbolique utilisée est totalement en accord avec l’album et les thèmes qu’il aborde.
8/Bien que chacun des morceaux oscille aux alentours des huit minutes, on ne ressent jamais de lassitude tant on est happé au fur et à mesure des écoutes, cette longueur était-elle voulue au départ, ou est-ce le hasard et l’inspiration qui ont fait leur œuvre ?
Maxime : Nous ne nous sommes jamais dit « on veut des morceaux de minimum 6 minutes ». C’est venu comme ça, selon l’inspiration de chacun effectivement. Cependant c’est à relier à nos influences, beaucoup des groupes que nous écoutons produisent des morceaux longs, immersifs, et cela déteint forcément sur notre musique. Il me semble aussi qu’un morceau plus long permet de mieux rentrer dedans, on a le temps de s’adapter à l’ambiance, au tempo, aux mélodies, et je trouve que c’est bien plus prenant.
Matthieu : On est trop influencé par des groupes de doom, de sludge et de post-hardcore dans Heir pour faire des morceaux courts.
9/Le choix du Français pour les textes est une excellente idée, car outre le fait de leur qualité d’écriture ils permettent de mieux rentrer dans l’univers musical. Comment cela s’est-il effectué ? Est-ce uniquement votre chanteur qui s’en est chargé ?
Matthieu : Tu as bien cerné le pourquoi de ce choix, car le choix du français s’est fait dans un souci de profondeur des paroles et de cohérence, au regard des paroles fournies sur la démo. C’est d’ailleurs avec l’arrivée du français que l’on a commencé à écrire à plusieurs. L’écriture des paroles a été l’affaire de Loïc et moi, même si c’est son écriture qui est la plus présente sur l'album. L’écriture en français a permis aussi l’arrivée de paroles bien plus significatives à des niveaux plus personnels; et par la compréhension bien plus avancée de tous les membres du groupe des paroles, l’intériorisation de ces dernières et la manière dont on vit la musique en tant que groupe en concert ou en répétition n’est plus la même. L'usage du français, en plus de servir au mieux notre propos, a permis de rendre chaque interprétation de chaque morceau bien plus forte, la charge émotionnelle mise dans un concert semble être bien plus forte maintenant, même pour ceux qui n'ont pas participé au paroles, et c'est une vraie satisfaction que la parole d'un seul au nom du groupe soit portée sans concessions par chacun.
Maxime : Oui, nous mêmes on se sent plus proches du texte, pour moi par exemple qui ne participe pas à l'écriture je suis en accord avec les messages et les idées véhiculées, je trouve ça très important de ressentir le texte autant que la musique.
10/Vous êtes signés chez Les Acteurs de l’Ombre, dont on ne cesse de vanter la qualité de son catalogue, comment vous êtes-vous retrouvés chez eux ?
Maxime : Ils nous ont contacté quelques semaines après la sortie de notre démo, "Asservi", et nous ont proposé de participer au split avec In Cauda Venenum et Spectrale, que nous avons donc rejoint. C'est clair que c'est un label qui a acquis une grosse notoriété, et qui est devenu un gage de qualité au fil des années.
François: Suite à la sortie du split sur Emanations, on était restés en contact avec LADLO, donc dès lors qu'on à eu suffisamment de matière pour sortir un album, on leur a envoyé tout ça sous forme de maquettes, pour lesquelles ils ont manifesté un certain intérêt, qui s'est définitivement confirmé suite à l'enregistrement. Donc on peut dire que ça s'est fait de manière assez naturelle !
Matthieu : Comme toutes les mauvaises blagues cyniques, ils nous ont trouvé sur internet.
11/Malgré sa jeunesse HEIR dégage une impression d’unité, de force et de cohérence, êtes-vous d’accord avec cela ? A quoi est-elle due selon vous ?
Matthieu : C'est l'impression que l'on donne vu de l’extérieur parce qu'on propose un produit fini, mais on l'obtient en étant que rarement tous d'accord sur la marche que nous avons à suivre. Je vois pas trop le rapport avec le fait qu'on soit jeune
Maxime : Après le fait qu'on soit rarement d'accord me semble être un avantage, parce qu'on finit toujours par trouver un compromis, qui n'est pas précipité, tout est du coup assez réfléchi. Mais je comprend qu'on puisse sembler unis, car de l'extérieur les gens voient un produit fini qui a été réfléchi depuis un certain temps et sur lequel nous avons eu pas mal de divergences. Mais on en est tous très fiers et on espère effectivement proposer un tout cohérent, c'est important de créer, d'apporter quelque chose de plus que simplement des morceaux de musique, il faut essayer de créer un univers particulier, et on essaie de faire ça autant que possible.
12/Le Post-Black est assez tendance depuis quelques temps (et nombre de formations de ce style sont apparues depuis peu), n’avez-vous pas peur de n’être qu’un effet de mode ?
Matthieu : Alors, on a surtout peur que sur un malentendu on soit classé comme « un énième groupe de post-black ». On écoute nos goûts, on apprend des groupes que l'on admire, qu'ils soient jeunes, vieux ou morts; ainsi que, à la limite, des conseils de personnes que l'on respecte. Le terme « post-black » est un raccourci qui évite de passer dix lignes à chaque écrit à expliquer ce que joue un groupe . Comme les termes «avant-garde » ou « progressif » il désigne plus une manière d’aborder le black metal qu’un style, ce sont donc certains groupes qui sont à la mode, pas le «post-black» je pense. Donc ce supposé « effet de mode », jusque là, ne nous concerne et ne nous affecte pas.
13/Les groupes Toulousains ont sorti de très bons albums ces derniers mois, quels rapports entretenez-vous avec eux ? Comment se porte la scène Metal par chez vous ?
Matthieu : Effectivement ces derniers mois il y a eu des belles sorties à Toulouse, et on sait que ça va continuer, certains albums de qualités vont sortir soit en cette fin d'année soit l'année prochaine (Echoes from silent shores d'Exylem, l'album d'Allegiance). On ne prétend pas connaitre tout le monde, mais en tout cas on entretient des bons rapports avec le monde qu’on connaît. Les dernières sorties qui sont marquantes pour nous sont en plus celles de groupes qui sont réguliers depuis quelques années, bien plus expérimentés que nous et qui méritent le respect pour leur implication dans la scène toulousaine et la musique qu'ils produisent (Black March, Soyuz Bear). Toulouse a quand même un passé en ce qui concerne le black metal, et il y en a des groupes toujours présents et excellents (Malkhebre, Insane Vesper, Darvulia).
Après, c'est un peu comme partout il semble, les orgas et les salles vont et viennent, une partie des gens se plaignent toujours pendant que quelques motivés font que les scènes vivent encore.
En vrac, quelques autres groupes trop biens de Toulouse, dont certains ont même pas besoin d'être présentés : Havenless, Grief, Sektarism, Eryn Non Dae., Dying Giants, Plebeian Grandstand, Umbra, Woodwork.
14/Au niveau de vos influences, y’a-t-il des groupes ou artistes qui fassent l’unanimité parmi vous ? Avec qui aimeriez-vous partager l’affiche ?
Maxime : Alors oui, on pourrait dire Amenra, Neurosis.
Matthieu : Cult of Luna, TGOO fait aussi l'unanimité je crois. On a eu l'occasion de partager l'affiche avec TGOO on était fiers et très contents de les revoir en concert.
Sinon effectivement, Amenra et Neurosis sont des artistes que l'on rêverait de rencontrer pour la majorité d'entre nous.
15/Quels sont vos projets pour 2018 ?
Maxime : Justement, on réfléchit beaucoup à ça en ce moment, on a des idées toutes différentes, on sait pas trop encore.
Matthieu : C'est le grand débat du moment.
16/C’est l’heure de se quitter, je vous laisse le mot de la fin …
Merci pour l'intérêt porté à ce que l'on fait.
I am just a throne away
I am the heir
One breath away
I will rise as your son
And i will be the one.
Amenra - Le Fils des faux. Il fallait que je parte pour que tu viennes.
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Pourquoi la partition de Eleanor Rigby a été retirée de la vente ? #TheBeatles #eleanorRigby
Il y a quelques semaines déjà, la sphère des fans Beatles s’enflammait à l'idée de voir se vendre la partition originale de Eleanor Rigby aux enchères par Omega Auctions, pour un prix qui devait atteindre plus de 20 000 livres. Cependant, à quelques jours de la vent, une news nous apprenait que la vente serait annulée, l'objet ayant été "volé"... Après quelques jours d'enquête, la presse britannique nous révèle enfin les dessous de l'affaire... que nous vous livrons. Cette partition a été acquise lors d'une vente de charité par Colin Sanders, un entrepreneur musical de renommée mondiale et fondateur du fabricant de console de mixage Solid State Logic (SSL), qui de plus était un proche de Sir George Martin. Colin Sanders est décédé le 28 janvier 1998, dans un accident d'hélicoptère, laissant pour héritiers son épouse, le Dr Rosemary Sanders, et une fille adoptive Terri-Louise. Ne retrouvant plus trace de la partition de la chanson (dont il n'existe que deux exemplaires au monde), le Dr Rosemary Sanders s'est rendue compte que le précieux document n'était plus en sa possession. Elle a aussitôt saisie la Police, qui après investigation, s'est rendue compte que le document était bien celui hérité par le Dr Rosemary Sanders... et que ce document aurait été mis aux enchères par Terri-Louise, fille adoptive de Colin, qui aurait mis la main sur le document au décès de son père. N'étant pas héritière de premier rang de Colin Sanders, elle n'avait donc pas le droit d'être en possession de ce document et encore moins de le vendre. Aussi, le document a été retiré de la vente et est en cours de restitution à la veuve de Colin Sanders, qui a affirmé ne jamais vouloir se séparer de ce document, souvenir affectif !
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Déphasage #139 - 22.02.17
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1/ Sub Loam - Stones, sunlight, morning (Ohr/Cotton goods/2009) 2/ Pär Lindgren – Rummet (Electronic Music/Fylkingen Records/1986) 3/ Toshimaru Nakamura – nimb #3 (No-Input Mixing Board/Zero Gravity/2000) 4/ Toshimaru Nakamura – nimb #6 (No-Input Mixing Board/Zero Gravity/2000) 5/ Toshimaru Nakamura – nimb #8 (No-Input Mixing Board/Zero Gravity/2000) 6/ Toshimaru Nakamura – nimb #9 (No-Input Mixing Board/Zero Gravity/2000) 7/ The Necks - Timepiece (Unfold/Ideologic Organ/Fév 17)
[Thomas]
La marche forcée vers une dématérialisation toujours plus systématique des productions musicales a beau rencontrer ça et là quelques résistances, son avancée apparaît toujours inaltérable, autant ancrée dans les modes d'écoute que dans les méthodes de découverte d'artistes. Alors même qu'il ne s'était jusque là appuyé que sur les éditions particulièrement limitées de ses productions, le manipulateur de bandes magnétiques anglais Sub Loam vient lui même de s'inscrire dans l'air du temps digital en concédant l'ouverture d'une page Bandcamp. On y retrouve l'essentiel de sa discographie, dont une partie avait déjà été l'objet en septembre dernier d'un coffret de cassettes en forme de rétrospective nommé « The portable archive ». L'occasion de jeter une oreille aux travaux liminaires du britannique se répète donc à nouveau, et il est cocasse de noter que ces réapparitions dans le temps d'objets discrets et altérables représentent au passage une allégorie assez adéquate de la musique de Sub Loam.
Initialement édité en 2009, son premier album intitulé « Ohr » se compose de trois morceaux lo-fi basés sur des boucles de cassettes audio. Rien de bien sensationnel en soi, mais le jusqu'au-boutisme dans la modestie de la démarche et les couches de delay qui l'accompagnent jusqu'à la noyade confèrent à ces pistes une dimension hypnotique assez étourdissante. Il y a quelque chose d'étrangement végétal dans la musique de Sub Loam, qui la qualifie d'ailleurs de « chlorocentrique », quelque chose qui tient plus du frêle pissenlit que du séquoia centenaire, et qui mue l'écoute de Ohr en l'observation de semailles qui éclosent et croissent à mesure que passent les minutes. Ainsi le quatre-pistes du musicien, comme les trois pistes de l'album, partent d'éléments négligeables qui, pris dans la danse des échos se répondant en déphasage, sont dévoilés à la loupe de l'auditeur herboriste. L'éventualité d'une musique véritablement réductionniste est alors laissée de coté, comme si Steve Roden s'était retrouvé coincé entre les murs éternels du Black Ark Studio, y libérant ses résidus minuscules dans des effluves duplicatrices plus efficaces que tout engrais agricole.
« Stones, sunlight, morning », dernière carte du brelan, déploie le spectre d'un riddim photosensible qui achève la germination du disque. Le procédé d'une confusion ravissante s'écoule tel une rosée du matin mouchetée d'acide, scène tremblotante et lointaine qui, à travers les lentilles grossissantes, réussit à nous aveugler de persistances rétiniennes tenaces
[Timothée]
Rummet, pièce composée en 1980 par Pär Lindgren.
Pär Lindgren est un compositeur suédois, qui fut élève de Lars-Gunnar Bodin au Royal College of Music à Stockholm, et devint ensuite professeur de composition dans ce même institut. Depuis quelques années, celui qui était professeur est rivé sur les oeuvres instrumentales, ses pièces électroniques datant uniquement d’avant les années 2000.
La pièce que nous allons entendre remonte donc à il y a 37ans. Malgré le fait que les matériaux utilisés peuvent être connotés, l’expressivité qui les soutiens accorde à cette musique de pouvoir s’écouter encore aujourd’hui. Ce qui marque ici c’est l’aspect agréable et particulièrement harmonieux de ces sonorités.
Entièrement électronique, « Rummet » est constitué de personnages sonores qui viennent se heurter sans arrêt les uns aux autres. Pour se faire entendre, l’un étant obligé de supplanter l’autre avant d’être lui même supplanté. Ces petits êtres sonnants se passent la balle tour à tour avant de s’effondrer dans ce néant que cette sensation de flottement et d’horizontalité suggère. Avec leurs trajectoires bien chorégraphiée et délimitée, ces êtres-sons n’ont pas d’autres destinées que de se retirer une fois leur intervention faite avant d’apparaitre à nouveau. Comme si leurs logiques ne suivaient pas le cours du temps et qu’ils étaient voués à reproduire le processus indéfiniment.
À ne pas saisir comme une musique écrite dans le temps mais comme une situation. Cette pièce est comme la trace sonore d’un espace différent du notre dans lequel les interactions entre les éléments dépendent d’autres règles.
[Simon]
Toshimaru Nakamura est un musicien Tokyoïte opérant depuis le début des années 90. Après un début de carrière en tant que guitariste dans un groupe de rock, il se dirige vers l’improvisation libre, de plus en plus électronique. Il adopte finalement au milieu de la décennie un instrument qui deviendra son fétiche : la table de mixage, qu’il fait chanter grâce à la technique du no-input. Cette technique, qui consiste à créer des boucles de signal en réinjectant la sortie d’une table de mixage sur ses entrées, n’est pas nouvelle. Depuis l’invention de l’amplification au début du siècle dernier, Stockhausen, Reich, Tudor ou Hendrix utilisent et explorent à leur manière la matière à haute inertie de l’effet larsen. Cependant, Nakamura se positionne en pionnier du no-input, s’appropriant avec brio l’instrument depuis maintenant plus de vingt ans.
Obsédé par la question du rapport entre l’instrument et le musicien, qui se pose forcément dans les pratiques d’improvisation poussées, Nakamura aime le côté imprévisible et instable de ses tables de mixage, qui nécessitent une attention constante, et imposent un lâcher prise et une soumission à leurs caprice. Le rôle du musicien est alors réduit, et la part de “responsabilité musicale” augmente pour l’instrument, mettant l’un et l’autre sur un pied d’égalité. L’instrument peut guider le musicien, autant que ce dernier le guide.
Désormais virtuose du jeu no-input (et ceux qui ont un jour essayé de dompter le feedback sauvage pourront s’en rendre compte), Nakamura crée au fil de ses “No-input Mixing Board” des systèmes aux équilibres fragiles, sondant les univers possibles et en fixant un ou un autre pour quelques minutes en suspension.
Dans ce premier volume, c’est un calme électrique qui domine. Si l’on a souvent vu le dispositif utilisé dans des cadres “noise” et extrêmes, et si Nakamura aime aussi les paysages plus coupants, il affirme ici sa préférence pour des ambiances tranquilles. Fatigué par le bruit des grandes villes, il aspire à la douceur sonore une fois à l’abri du vacarme dans sa boîte d’habitation, protégé par le double vitrage, soufflant toutes sortes de bulles électroniques dans son petit bocal.
[Antoine]
Ces 30 ans tout juste dépassé, le trio australien en est à son 19ème album. Fidèle au hors format enregistré, où une seule pièce couvre l’intégralité du disque ils font ici une exception. Quatre titres, une face pour les deux vinyles. Mais n’ayant pas envie de rester dans les clous, ils proposent à l’auditeur de ne pas suivre le chemin qu’ils auraient tracé. C’est à ce dernier de choisir dans quel ordre il écoutera chaque face.
Chacune d’elle constitue une sorte de cellule sonore où des processus se développent sur chaque instrument. En phase ou hors phase, en question ou en réponse, dépendant ou indépendant, la batterie de Tony Buck, la contrebasse de Lloyd Swanton et les claviers de Chris Abraham mènent leur vie comme bon leur semble. Ne suivant pas une direction plus ou moins précise comme on peut retrouver sur leurs précédents opus, ces quatre moments qui fonctionnent de manière autonome prennent plusieurs sens en fonction du choix du chemin d’écoute. Les transitions sont beaucoup plus abruptes que d’habitude, où ces processus se développent plus lentement et se fondent entre eux. Ici, ni début ni fin, « Unfold » se déplie à l’infini et on peut reconfigurer ce qui pourrait être des mouvements d’une même pièce comme on l’entend.
Le trio a su aussi se requestionner sur son approche de studio, les prises de son proches à l’accoutumée sont remplacées par un espace proche de celui d’un concert. Moins de détails sont audibles, l’approche sonore est plus brute et directe. On sent que The Necks cherche davantage l’accident que la maîtrise totale, souhaitant l’égarement d’eux-même comme de l’auditeur. L’équilibre entre bruit et harmonie, fausse piste et chemin tout tracé qui règne sans cesse dans leurs travaux est ici a son paroxysme et ils invitent cette fois l’auditeur dans la danse.
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Jack White : genius at work
Jack White a sorti vendredi son album Bording House Reach, un petit bijou musical
Il est généralement convenu, dans ce genre de circonstances, de souligner le sentiment d’impatience des fans comme des critiques face à l’attente générée par un artiste n’ayant pas publié d’album depuis quatre ans – Lazaretto, en 2014, en ce qui le concerne. Cela ne s’applique nullement au cas de Jack White, troisième du nom, dont on a suivi avec passion le fabuleux travail de producteur/compilateur/ethnologue musical digne d’Alan Lomax sur son label Third Man – obscures rééditions vinyles, transmission du grand Songbook américain (American Epic) et autres coffrets collector dédiés à quelque légendaire label disparu (Paramount Records).
Si Acoustic Recordings 1998-2016, superbe relecture minimaliste de ses œuvres, avait mis en avant la puissance mélodique de ses chansons, on était loin de se douter que White en prendrait l’exact contre-pied avec son nouveau projet, concocté de façon ascétique, hors du monde, dans un endroit rempli de matériel vintage – dont un magnétophone 4-pistes et une table de mixage comme ceux qu’il utilisait quand il avait 15 ans. De cette contrainte, qui n’aurait pu être qu’une agaçante lubie d’esthète, est né le disque le plus expérimental, le plus sauvage et le plus excitant qu’il ait enregistré depuis ses débuts en solo. Luxuriant, baroque et totalement barré, Boarding House Reach est un télescopage kaléidoscopique et supersonique shakant rock’n’roll, blues, gospel, électro, country et hip-hop, dont les premiers extraits, irradiés de sonorités synthétiques par ailleurs omniprésentes (le poignant “Connected By Love” et l’hypnotique “Why Walk a Dog?”), ne donnaient qu’une idée assez floue.
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Entouré de musiciens majoritairement issus du hip-hop – le batteur Louis Cato (Beyoncé, Q-Tip, John Legend), le claviériste Neon Phoenix (Kanye West, Lil Wayne, Jay-Z) mais aussi la très hype bassiste et compagne de Sean Lennon, Charlotte Kemp Muhl, White donne libre cours à son imagination délirante, alignant ici un riff de guitare très Zappa/Led Zep greffé à des chœurs à la Flo & Eddie (“Over and Over and Over”), là une rythmique jazz-funk “princière” mêlée à un pur flow hip-hop (“Ice Station Zebra”), chantant, rappant, scandant et changeant de voix tel un Charley Patton 2.0 pour mieux faire vivre chaque personnage de son fabuleux théâtre sonore… jusqu’à la douce “Humoresque” finale, qui évoquerait presque, par ses troublantes réminiscences vocales, la merveilleuse versatilité créatrice d’un Paul McCartney.
Alain Gouvrion
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