#vibraphonists

[jazzdailyblog]

Joe Chambers: A Masterful Journey Through Jazz

Introduction: Joe Chambers, born eighty-two years ago today on June 25, 1942, in Stoneacre, Virginia, stands as a pivotal figure in the jazz world, not only for his virtuosity as a drummer but also for his remarkable talents as a pianist, vibraphonist, and composer. Over a career spanning more than six decades, Chambers has contributed significantly to the evolution of jazz, working with some of…

[musicologicalhistory]

1986

[projazznet]

Bobby Hutcherson – Stick-Up!

Stick-Up! is an album by the jazz vibraphonist Bobby Hutcherson, released on the Blue Note label in 1968.

Bobby Hutcherson – vibraphone Joe Henderson – tenor saxophone McCoy Tyner – piano Herbie Lewis – bass Billy Higgins – drums

[topoet]

Return to Richards

Return To Forever’s The Anthology (2008) is fine 2cd compilation by one of the core groups of the jazz-fusion movement of the 1970s. Anchored by Chick Corea’s keyboard this is propulsive, powerhouse music sometimes with a latino sensibility. An excellent introduction to this band & the jazz-fusion movement.  On an mp3 compilation I have by Emil Richards the vibraphonist and percussionist: New…

[dustedmagazine]

Dust Volume 10, Number 4

Alena Spanger

For one day in April, we were transfixed by the sun’s brief disappearance, marveling again at our smallness in the universe, our dependence on a fiery ball in the sky which might, it seems, not be as reliable as we had always assumed.  It was pretty cool, even if you weren’t in the path of totality (what an excellent phrase, by the way), and it distracted everyone for a couple of hours from all the bullshit flooding over the transom.  Which is also one of the main functions of the music we consume so voraciously.  We are always hoping for one or two or many transcendent experiences in these CDRs and tapes and mp3 folders that bombard us, and sometimes, dear reader, we find them.  Here’s this month’s report with Tim Clarke, Bill Meyer, Andrew Forell, Alex Johnson, Jonathan Shaw, Jennifer Kelly, Ian Mathers and Bryon Hayes contributing.

Adult Jazz — So Sorry So Slow (Spare Thought)

Hard to believe it’s been 10 years since Adult Jazz’s stunning debut album, Gist Is. Perhaps the title of the Leeds band’s second full-length can be interpreted as an apology to those who have been eagerly awaiting a follow-up. So Sorry So Slow has not only been a long time coming, but also unfolds in fits and starts, as if unsure of the best way forward. It’s convulsive art-pop in the vein of Dirty Projectors or Bjork, with shades of hyper-pop in the digital sharpness of some of its edges, and chamber pop in the prominent employment of strings and horns. The album is most successful when the songs are straightforwardly beautiful, as in “Suffer One,” with its Owen Pallett string arrangement, and closer “Windfarm,” which has a pure, aching, almost New Age glow to it. Elsewhere, the overall lack of focus proves frustrating, and ultimately rather exhausting, across the album’s hour-long runtime. There’s plenty of beauty to be found, you just have to be patient.

Tim Clarke

Jeb Bishop / Tim Daisy / Mark Feldman — Begin, Again (Relay)

Begin, Again welcomes a couple of revenant Chicagoan musicians. Trombonist Jeb Bishop came back to the city after roughly ten years away, and violinist Mark Feldman after about 40. Drummer and vibraphonist  Tim Daisy invited them both to workshop some material in his home studio, and this session resulted. While both Bishop and Daisy wrote pieces, there’s an authentic ensemble feel; this music is very differently balanced than Daisy’s other chamber trio, Vox Arcana. Quick changes in direction and two-on-one dynamics abound, and it’s all enacted with a lightness that gives this music a feeling of floating even when the players are bearing down with serious intent.   

Bill Meyer

Cadence Weapon — Rollercoaster (MNRK)

The first thing you hear on Rollercoaster is a warm strum of acoustic guitar and the mellifluous voice of Bartees Strange. Then Canadian rapper/activist Rollie Pemberton AKA Cadence Weapon takes aim at technological saturation on his new LP Rollercoaster. The hectic production (there are 11 producer credits) mirrors the overwhelming chaos of social media flooded with bots, trolls, ads and misinformation overseen by the bloodless founder of Facebook and X’s fatuous head jester. Hip Hop, electro, RnB and manic hyperpop provide the backdrop to Pemberton’s diatribes which, although they occasionally have an odor of fish-filled barrels, say what needs saying with a maximum of snark and wit. Strange reappears periodically to offer a more organic musical and lyrical counterpoint to the hyperactivity. Pemberton has the awareness to embrace the paradox of working within the system he excoriates which adds an edge to his lyrics. If no-one is innocent and everyone’s throwing stones, Cadence Weapon is at least slinging the sharpest slates.

Andrew Forell  

The Children… — A Sudden Craving (Erototox Decodings)

Michael Wiener describes the music of The Children…, his long-running collaboration with Jim Coleman, Phil Puleo and others, as “gothic blues ambient.” At the height of my concern for tidy iTunes taxonomies, I would’ve been thrilled to think of that. And I’m not being glib: it is apt. One might be tempted to flip the last two words to get the more genre-y “Gothic Ambient Blues,” but Wiener, a Dusted contributor, has the order right. Their latest release, A Sudden Craving, may lead with a loose-hinged “gothic blues,” complete with eerie electronics, possessed voices, disturbed drums and alternately ghostly and shearing guitar chords, but it’s the way the band plays in the looming ambience, the engagement with the persistent presence of space – traced, occupied and ruptured – that ties together the album’s unsettling visions. In its haunted volatility, this can be a viscerally entertaining record and easy to get into, just make sure to carve out enough headroom.

Alex Johnson

Ciro Vitiello — The Island of Bouncy Memories (Haunter x Hundebliss)

Italian producer Ciro Vitiello’s work plays out like a reverie in the liminal space between dream and memory. Ethereal vocals and impressionist lyrics from Russian born singer Zimmy and Italian musician CRÆBABE float on warm wisps of synth and closely miked acoustic guitars. The instrumental tracks have a fractal, dislocated feel as Vitiello layers keyboards and sound effects of water, birds, child’s play and the odd menacing sounds one images hearing in the beast filled fairytale forests of childhood. The mood darkens further on “Sell Change of Heart for a Crocodile” or “Living in a Bouncy Castle” as scratchy disruptions like misfiring synapses interrupt the former as the keyboards swell crepuscular in the background. On the latter, titular castle seems to be deflating slowly, closing in on the occupants in slow motion, the air escaping in big wet bubbles. CRÆBABE closes the album steeped in a lonely haze of romantic and erotic nostalgia. Altogether as lovely and disquieting as the misty maze of memory can be.        

Andrew Forell

Coral Morphologic & Nick León — Projections of a Coral City (Balmat)

Miami duo Coral Morphologic (marine scientist Colin Foord and musician JD McKay) have worked together since 2007 producing projects that raise awareness of threats to marine biodiversity. Their new collaboration with producer Nick León soundtracks a multimedia installation which imagines the rising ocean reclaiming their city and enabling its colonization by resurgent coral reefs. The trio imbues this five-track suite with the tenacity and generative power of coral. An aqueous flow of somber tones dominates, but within them minute lifeforms take shape, coalesce, and spread with a quiet majesty that evokes the fragility of the reefs and inexorable process of survival and regrowth. Projections of a Coral City feels like a requiem, as much for Miami as the damage it has wrought on its environment. Poignant and hopeful it is a fitting tribute to the worlds we are in danger of losing for ever.    

Andrew Forell

Critical Defiance — The Search Won’t Fall (Unspeakable Axe)

Chilean thrash specialists Critical Defiance have delivered the metal record equivalent to a day at a theme park — absent all the waiting around in long lines. There are some long-ish tunes on The Search Won’t Fall (the title track runs close to eight minutes, and album closer “Critical Defiance” clocks in over nine and a half), but you never have to wait, for the next shift in rhythm, usually from fast to really, really fast; the next solo; the next crunching, athletically paced riff. Rollercoaster-scaled ascents and descents? Yep. Tilt-a-Whirl passages of dizzying axe-craft? Check. And the whole thing has the sort of so-bad-for-you-it’s-good sensibility of that extra-large bucket of French fries that came out of a huge bag of frozen shards of spuds, or the funnel cake you watched some tatted-up kid squeeze into a viscid pool of boiling oil of indeterminate age. It’s all hugely entertaining. This reviewer loves it when the songs get short; check out the sequence of “All the Powers” (44 seconds) to “Full Paranoia” (85 seconds) to “Margarita,” in which the record suddenly bottoms out into power-ballad mode. The move is delightfully goofy, a stolen kiss in the Tunnel of Love. It’s an open question if listening to The Search Won’t Fall has any sort of enduring significance, but when the ride is this much fun, who really cares?

Jonathan Shaw

Hässlig — Apex Predator (Sentient Ruin Laboratories)

Hässlig makes an unhealthily ugly sort of noise that the metal underground has insisted on calling “blackened punk” — a strangely provoking phrase that we seem to be stuck with. This specific iteration of the sound renders the relative kinship to punk neutral (wouldn’t “raw black metal” suffice here?), or perhaps a bit more worrisome. We should note that sole member DB also makes an especially bleak variety of depressive, sometimes doomy black metal under the name Negativa, the band logo of which does an irritating nod-and-wink in the direction of the swastika. So: A Spanish dude who records under a German-sounding band name and makes a record titled Apex Predator? Do we have to do some digging on the internet’s expanding communities of fash-hunting metal listeners? Likely we can take some consolation from Hässlig’s relationship with Sentient Ruin, a label that doesn’t fuck with NSBM nonsense. Unhappy song titles like “Psychopathic Triumph” and “Raping the Exoskeleton of Life” are likely meant to communicate equal-opportunity misanthropy: DB hates everybody. But “Slaves” and “Watch Them Hang” are a more unsavory combo, and it doesn’t help that DB claims Bone Awl and Ildjarn as influences. One wonders if associating the project with punk is a sort of semiotic gambit, hoping to temper some of the more troubling language DB uses (and maybe gets an edge-lord charge out of). It’s all becoming a bit tiresome. This reviewer really enjoys the music on Apex Predator, but by saying so, what is he validating?

Jonathan Shaw

Hour — Ease the Work (Dear Life)

Michael Cormier-O’Leary leads an ensemble of 10 through pensive instrumental reveries in this third full-length as Hour. You might know Cormier-O’Leary from the bands 2nd Grade or Friendship, or from running Dear Life Records. Others playing here have done time in various ambient, folk or mildly experimental outfits, Jason Calhoun, the synth player, in Paper Armies, Elizabeth Fuschia, a violinist in Footings and on the last Bonnie Prince Billy album, Peter Gill from 2nd Grade and drummer Peter McLaughlin from Dead Gowns among others. But the players meld in a very seamless, ego-less way, supporting brief, lovely bits of melody in guitar, strings, percussion, keyboards and, occasionally, electronic samples. The title track ambles nonchalantly, a skittery beat pacing tremulous washes of strings . “Dying of Laughter,” shades a little darker, pitched somewhere between conventional Americana and David Grubbs’ languid improvisations. None of these tracks last very long or stick very well in the limbic system, but Ease the Work is, regardless, a very pleasant way to spend three quarters of an hour.

Jennifer Kelly

Paul Lydon — Umvafin Loforð​un (Píanó)

Paul Lydon is an American who has lived in Iceland since the late 1980s. Throughout that time he’s kept up persistent but low-key recording under the names Blek Ink, Sanndreymi, Paul & Laura and most recently his own name. Over time, the music has changed from brittle, miniature songs to deliberately paced piano instrumentals. As befits a guy who lives his life within cultures, the music on Umvafin Loforð​un (translation: Wrapped Up In Promises) doesn’t slot easily into any genre. While spare, it lacks minimalism’s interest in repetition, and in its quiet way it remains to assertive to be ambient; and while his articulation brings to mind Mulatu Astatke and Alice Coltrane, there’s really no jazz or Ethiopian influence, just a similar respect for the qualities of individual notes. It does give the impression of reflection, as though he’s conversing with himself when he plays, but each piece has a lucidity which suggests that any spontaneous processes are tempered by some compositional pruning. It’s companionable stuff, at the service of those who could use some quiet company.

Bill Meyer

Mandy — Lawn Girl (Exploding in Sound)

Sugar pop melodies nestle into blistering onslaughts of fuzz guitar in this first solo outing from Melkbelly’s Miranda Winters, and maybe what’s interesting here is how a mature artist uses the basic rock and roll tools of her youth.For instance, though a new mom and well past the acne years, Winters casts a jaundiced eye on teenage love in “High School Boyfriend.”The song ends in a drum churning, guitar-busting, cheerleader shouting finale that kicks the whole experience to the curb.Sludgy “Forsythia,” by contrast, acknowledges the distance that Winters has travelled, the experiences she’s had, though that knowledge comes couched in muscular guitar blare.The one cover, of Jimmy Webb’s “I Am a Woman Now,” is acoustic and soft enough that you can hear Winters taking a sniffly breath, but also searing.“Now that I’m a woman, everything has changed,” she murmurs.The sentiment, maybe, but not so much the sound.

Jennifer Kelly

Orgöne — Chimera (3 Palms)

A chimera is a monster constructed of various parts—body of a lion, wings of an eagle, tail like a snake, etc.—and while by no means a monster, this latest LP from the West Coast soul collective Orgöne melds disparate threads into a slinky, funky groove. You can hear, for instance, futuristic fusion jazz, polyrhythmic Latin percussion, Afro-beat, way out soul positivity and psychedelic rock in these cuts, some instrumental, some with chanted vocals. An organ trembles with flickery vibrato, a bass slaps the off beats, a drum cadence saunters shambolically; it’s hot and cold at the same time. Blues-funky “Parasols,” blurts low-end and oozes chill, like Booker T & the MGs, but looser and more discursive. The groove rears up and you expect an old-style soul chorus—Charles Bradley maybe—but the work is done by the instruments, a nattering guitar and a flaring soaring keyboard. “Basilisk” twitches with wah wah and shudders with blasts of bass, not so far off from what the Budos Band does, but “Tula Muisi (Dance with Them)” adds torrid, Afro-beat style vocals. This stuff is fine on the home speakers, but likely much better in the room.

Jennifer Kelly

Polar Inertia — Environment Control (Northern Electronics)

There’s a lot of obscurity surrounding taciturn Parisian techno… artist? project? collective? Polar Inertia, but after a self-described “eight years of silence” they’ve reappeared with a full-length LP (a full hour, even) after previously only releasing EPs and live recordings. As with those EPs, there’s one track with a grim, foreboding spoken word accompaniment and if it puts one in mind of Annihilation at the South Pole, well, following it up with the brain-frying fuzz and throb of “Smothering Dreams” cashes that check immediately. The rest of the album ranges from beatless, dense noise (“Modeless Singularity”) to darkly insistent techno (“Arctic Singularity”) but all with enough of a shared vocabulary and similarly overwhelming, totalizing effect that it all lives up to the end of that opening monologue: “You will soon conceive what polar inertia is. What we do, at our scale, is environment control.”

Ian Mathers

Tomeka Reid / Isadora Edwards / Elisabeth Coudoux — Reid / Edwards / Coudoux (Relative Pitch)

This hour-long, completely improvised performance was captured in August 2021. The trio had played together a few days previously at the third iteration DARA Festival, a gathering of female string players organized by Biliana Voutchkova, so this was not a first encounter, but the trio’s interactions express a still a freshness that could come from players newly falling into a sympathetic union, or simply from the good vibes that tended to suffuse gatherings that post-vaccination, pre-Delta variant surge summer. Tomeka Reid (USA), Isadora Edwards (Chile/UK), and Elisabeth Coudoux (Germany) all play cello, and there’s sufficient consonance within the collective’s approach that time spent trying to figure out who’s who would be wasted. Rather, appreciate the spontaneous counterpoint, astute support, and uncluttered clarity of these four improvisations, which flow easily from rustling quietude to bright, bold cross-hatchings.

Bill Meyer

Sam Rubin — Bullet (Pleasure Tapes/Michi Tapes)

Two bullets, labeled “Bullet” and “Bullet 2” rip through the air on scuzzed-out guitar tone, like shoegaze but dirtier, as a rapturous chaos of drumming erupts and a noxious fog of noise envelopes high wistful vocals.You can taste the grit and sulfur in the air. Sam Rubin raises a lo-fi racket out of Kent, Ohio, letting factory effluents run through fragile melodies, corroding them, poisoning them and coaxing a poisoned beauty from the wreck. From the heart of Red America, Rubin launches “Trump,” a slow-motion, gut-shock of lumbering chords and feedback, but the best songs are about firearms.“Sniper Rifle” closes things out with Swans-ish clangor, guitar, drums, bass, all jumping on the downbeat, repeatedly, like a metal stamper gone amok in a post-apocalyptic heartland. Good stuff.

Jennifer Kelly

SAICOBAB — NRTYA (Thrill Jockey)

NRTYA by SAICOBAB

Japanese quartet SAICOBAB douses Indian raga in accelerant and showers it with sparks, creating an amorphous and fiery mix of traditional and contemporary sounds. Vocalist YoshimiO (Boredoms, OOIOO) both leads and chases the melodies proffered by sitarist Yoshida Daikiti. The two are engaged in a whirling quickstep (NRTYA is Sanskrit for “dance”) over the polyrhythmic pulsations of Motoyuki Hamamoto and Yojiro Tatekawa (Boredoms). The four musicians apply a hyperkinetic avant-rock slant to the traditionally placid raga format, emphasizing both rhythmic and melodic movement. YoshimiO’s extremely broad vocal range helps the music leap into the fourth dimension, and subtle electronic flourishes offer a glimpse into SAICOBAB’s futuristic worldview. With NRTYA, SAICOBAB challenges tradition, as the group’s infectious energy fractures the boundaries of both time and space.

Bryon Hayes

Alena Spanger — Fire Escape (Ruination)

Fire Escape by Alena Spanger

Alena Spanger’s voice is small, soft and very brave, as she ventures out of the shelter of prettiness into the wider world of dissonance and experiment. The singer made her first mark in Tiny Hazard, a Brooklyn art-music ensemble that similarly tested the boundaries of pop. Here in her debut solo album, she coos and hums and trills against a shifting background of baroque experiment; she lets us in, engagingly, into strange and wonderful places. “All that I Wanted,” for instance, pits a wild splatter-beat of tonal percussion, against a wispy pop anthem. “All I wanted is to dance with you,” she declares, in true diva pop style, against surging synths—but wait for it, the tune disintegrates into a soup of off-kilter fragments and spasmic beats. Spanger has some of Joanna Newsom’s wiry fragility, a way of infusing melody with intelligence and conflict, and she surrounds herself with Brooklyn avant-garde-ists, like Kalia Vandever on trombone in “My Feel,” Kitba’s Rebecca El-Saleh and harp and the critic Winston Cook-Wilson on keys and percussion. Ryan Weiner, who was also in Tiny Hazard, plays, engineers and mixes. But in the end, it comes down to one Alena Spanger, with the girlish voice and the voracious appetite for innovation. She can make a Satie reference sound like a sweet confessional ditty and a fire escape stand in for the soft, comforting edge of experiment.

Jennifer Kelly

Sunburned Hand of the Man — Nimbus (Three Lobed)

Nimbus by Sunburned Hand of the Man

Nimbus is Sunburned Hand of the Man at peak fidelity.Imagine Ken Kesey’s Furthur bus tuned up, cleaned up and given a fresh coat of DayGlo.The album also spans multiple iterations of the ever-mutating Sunburned line-up.Original member Phil Franklin returns after a multi-year hiatus, bringing his Franklin’s Mint songcraft with him; long-time associate Matt Krefting appears, offering a sinister spoken word monologue as the band writhes beneath.Poet and new Sunburned member Peter Gizzi unravels his verses over a pair of synth-heavy tunes: both the loping title track and the intense “Consider the Wound” benefit from his wry deadpan.The rest of the tracks are fare for those yearning for the Sunburned of yore, full of lysergic introspection and hedonistic grooves.Even at their cleanest, Sunburned Hand of the Man are weird and wild to the very core.     

Bryon Hayes

[joshhaden]

This out-of-context & unauthorized 2017 CD release of a 1981 Royce Hall concert recording lists my father on bass, saxophonist Harold Land, vibraphonist Bobby Hutcherson, pianist Victor Feldman, drummer Billy Higgins.

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

LIONEL HAMPTON, ROI DU VIBRAPHONE "Playing is my way of thinking, talking, communicating. I've always been crazy about playing. Every day I look forward to getting with my instruments, trying new things. Playing gives me as much good feeling now as it did when I was a bitty kid. I think I love it more as I get older because I keep getting better on drums, vibes and piano."

- Lionel Hampton

Né le 20 avril 1908 à Louisville, au Kentucky, Lionel Hampton avait été élevé par sa mère Gertrude. Il n’avait presque pas connu son père, Charles Hampton, un pianiste et chanteur prometteur qui avait été déclaré mort sur le champ de bataille après avoir été porté disparu pendant la Première Guerre mondiale.

Peu après sa naissance, Hampton était déménagé avec sa mère dans sa ville natale de Birmingham, en Alabama, mais il avait surtout grandi à Kenosha, au Wisconsin. Hampton avait fréquenté la Holy Rosary Academy, située près de Kenosha, où une soeur dominicaine lui avait donné ses premières leçons de batterie. La famille Hampton est déménagée à Chicago en 1916. Pendant sa jeunesse, Lionel avait été membre du Bud Billiken Club, un club rival des Scouts.

Hampton était adolescent lorsqu’il avait commencé à jouer de la batterie. Il avait aussi pris des cours de xylophone de Jimmy Bertrandt. Élevé dans la religion catholique, Lionel avait commencé à jouer du fifre (une sorte de flûte traversière s’apparentant au piccolo) et de la batterie à la Holy Rosary Académie située près de Chicago. Il jouait également du piano (avec seulement deux doigts), en plus de chanter à l’occasion. DÉBUTS DE CARRIÈRE À l’âge de quinze ans, Hampton venait tout juste de terminer ses études secondaires lorsqu’il était parti à Los Angeles pour aller jouer avec les Sharps and Flats de Red Spike. Avant son départ, sa grand-mère lui avait fait promettre de continuer de réciter ses prières à chaque jour.

Hampton avait ensuite joué de la batterie pour le Chicago Defender Newboys’ Band dirigé par le major N. Clark Smith. C’est lors de son séjour avec ce groupe que Lionel avait commencé à jouer du vibraphone et du marimba.

Pendant qu’il vivait à Chicago, Hampton avait assisté à un concert de Louis Armstrong au Vendome. Hampton avait raconté plus tard que le public était devenu fou lorsque Armstrong avait fait son premier solo. Lionel s’était installé en Californie en 1927, afin de jouer de la batterie avec les Dixieland Blues-Blowers.

Hampton avait fait ses débuts sur disque en 1929 avec les Quality Serenaders de Paul Howard. Il avait par la suite quitté Culver City afin de jouer de la batterie avec le groupe de Les Hite au Sebastian’s Cotton Club. L’une des marques de commerce de Hampton comme batteur était son habileté à jongler avec ses bâtons sans jamais rater une mesure. C’est à cette époque que Hampton avait commencé à jouer du vibraphone.

En 1930, Louis Armstrong s’était rendu en Californie et avait engagé le groupe de Les Hite pour l’accompagner en concert et dans ses enregistrements. Un jour, Armstrong avait demandé à Hampton de jouer sur un vibraphone qui avait été oublié par inadvertance dans le studio. Hampton racontait: "Louis said, 'Do you know how to play it?' I said, 'Yeah, I can play it.' It had the same keyboard as the xylophone, and I was familiar with that."

Armstrong avait particfulièrement été impressionné par le jeu de Hampton après que celui-ci ait reproduit un de ses solos au vibraphone. C’est ainsi que la carrière de vibraphoniste de Hampton avait débuté. Surnommé ‘’Hamp’’ et ‘’King of the Vibes’’, Hampton avait d’ailleurs enregistré avec Armstrong les deux premiers solos de vibraphone de l’histoire sur les pièces ‘’Memories of you’’ et ‘’Shine.’’ C’est ainsi que le vibraphone était devenu le principal instrument de Hampton.

Inventé dix ans auparavant, le vibraphone était essentiellement un xylophone pourvu de barres métalliques, d’une pédale et de résonnateurs.

Même si Red Norvo est considéré comme le premier musicien de jazz à avoir joué du vibraphone, c’est Hampton qui lui avait donné ses lettres de noblesse en en faisant un instrument à part entière, notamment dans les plus petites formations.

Tout en travaillant avec le groupe de Les Hite, Hampton collaborait à l’occasion avec l’orchestre de Nat Shilkret.

Au début des années 1930, Hampton était allé étudier la musique à l’University of Southern California (USC), même s’il ne semble pas que ce séjour se soit étendu sur une longue période. Hampton avait payé ses études en travaillant comme barman.

Hampton avait formé son propre orchestre en 1934. Deux ans plus tard, Hamptin avait joué dans le film de Bing Cosby ‘’Pennies From Heaven’’ aux côtés de Louis Armstrong (dans une de ses scènes, il jouait de la batterie tout en portant un masque).

En novembre 1936, l’orchestre de Benny Goodman était venu à Los Angeles pour jouer au Palomar Ballroom. Lorsque le producteur John Hammond avait emmené Goodman à un des concerts d’Hampton, il avait été tellement impressionné qu’il avait invité le vibraphoniste à se joindre à son trio formé du pianiste Teddy Wilson et du batteur Gene Krupa. En fait, le trio et le quartet de Goodman avaient fait partie des premiers groupes de jazz mixtes de l’histoire. Hampton expliquait: "Working with Benny was important for me and for black musicians in general. Black and white players hadn't appeared together in public before Teddy Wilson and I began working with B.G. I feel honored to have been a part of that dramatic change."

Avec Goodman, Hampton avait enregistré de grands classiques comme ‘’Dinah’’, ‘’Moonglow’’ ‘’My Last Affair’’ et ‘’Exactly Like You.’’ Durant son séjour de près de quatre ans avec Goodman, Hampton était devenu une véritable institution dans le monde du jazz en raison de sa vivacité de bout-en-train, de son charisme communicatif, de sa personalité colorée et de ses idées novatrices. Hampton avait même temporairement remplacé Gene Krupa comme batteur lorsque celui-ci avait quitté le groupe en 1938.

Hampton était demeuré assez longtemps avec Goodman pour participer au célèbre concert de Carnegie Hall en 1938, et pour faire partie du nouveau sextet du clarinettiste avec le pionnier de la guitare électrique Charlie Christian.

De 1937 à 1939, Hampton avait dirigé une série de sessions avec de grandes vedettes du jazz comme Coleman Hawkins, Benny Carter, Nat Cole, Cootie Williams, Harry James, Red Allen, Ben Webster, Dizzy Gillespie et Charlie Christian. Les enregistrements réalisés sous sa direction sont aujourd’hui devenus des classiques du jazz. Sur ces enregistrements, Hampton jouait surtout du vibraphone, mais aussi du piano et de la batterie. Ces enregistrements avaient aussi permis de démontrer que malgré son tempérament extraverti, Hampton pouvait interpréter des balades avec sensibilité et délicatesse.

Pendant qu’Hampton travaillait avec Goodman à New York, il avait fait des enregistrements avec plusieurs petits groupes connus sous l’appellation générique de Lionel Hampton Orchestra. Il avait également collaboré avec de petites formations créées à même l’orchestre de Goodman.

En 1940, Hampton avait finalement décidé de quitter Goodman afin de former son propre groupe. L’orchestre de Hampton comprenait alors de futurs grands noms du jazz comme Wes Montgomery, Clifford Brown, Art Farmer, Charles Mingus, Dexter Gordon, Quincy Jones, Jimmy Cleveland et Cat Anderson. On retrouvait au chant Joe Williams, Dinah Washington, Betty Carter et Aretha Franklin.

Parmi les musiciens de l’orchestre de Hampton, certains s’étaient particulièrement distingués. Le guitariste Billy Mackel s’était joint à l’orchestre en 1944 et avait continué de jouer et d’enregistrer avec Hampton presque sans interruption jusqu’à la fin des années 1970.

Le nouvel orchestre n’avait d’ailleurs pas tardé à s’établir comme une formation majeure durant les années 1940 et le début des années 1950. Le troisième enregistrement de l’orchestre en 1942 contenait une version de ‘’Flying Home’’ dans laquelle le saxophoniste Illinois Jacquet jouait un solo qui annonçait le futur Rhythm & blues. Même si Hampton avait déjà enregistré ‘’Flying Home’’ sous son propre nom avec une petite formation en 1940 pour les disques Victor, sa version la plus connue était celle qu’il avait enregistrée avec son big band sur étiquette Decca le 26 mai 1942, sur un arrangement du pianiste Milt Buckner. De fait, l’enregistrement sur 78-tours avait connu un tel succès qu’il avait incité Hampton à enregistrer une nouvelle version de la pièce en 1944, cette fois avec Arnett Cobb comme soliste. Parmi les autres succès du groupe dans les années 1940, on remarquait ‘’Hamp’s Boogie Woogie’’, ‘’Midnight Sun’’, ‘’Million Dollar Smile’’ et ‘’Central Avenue Breakdown.’’

En 1947, Hampton avait interprété le standard ‘’Stardust’’ lors d’un concert ‘’Just Jazz’’ organisé par le producteur Gene Norman, et qui mettait aussi en vedette le chanteur Charlie Shavers et le contrebassiste Slam Stewart. Le spectacle avait plus tard été mis en marché par les disques Decca. Plus tard, l’étiquette de Norman, les disques GNP, avaient rendu publiques les autres pièces du concert.

Lionel Hampton n’était pas demeuré insensible au développement du bebop. Contrairement à certains musiciens plus traditionalistes, il avait tenté de se faire un allié du nouveau mouvement en intégrant les influences bebop à certains de ses arrangements. Cependant, le naturel était vite revenu au galop, et Hampton était retourné à son ancien style axé sur le rhythm n’ blues dans les années 1950.

C’est aussi durant les années 1950 que Hampton avait réalisé deux de ses plus célèbres enregistrements, ‘’September in the Rain’’ (1953) et ‘’Stardust’’ (1955), sur lesquels on pouvait retrouver certains de ses meilleurs solos. LA MATURITÉ Hampton était aussi un participant régulier aux concerts de la Cavalcade of Jazz qui étaient organisés annuellement au stade Wrigley Field de Los Angeles, et qui étaient produits par Leon Hefflin Sr.

Hampton avait participé pour la première fois à la Cavalcade lors de la seconde présentation de l’événement tenue le 12 octobre 1946, qui mettait également en vedette Jack McVea, Slim Gaillard, T-Bone Walker, the Honeydrippers et Louis Armstrong. La cinquième édition de la Cavalcade avait été tenue en deux temps. Un premier concert avait été présenté à Wrigley Field le 10 juillet 1949, tandis que le second avait eu lieu le 3 septembre de la même année au Lane Field de San Diego. Betty Carter, Jimmy Witherspoon, Buddy Banks, Smiley Turner et Big Jay McNeely avaient accompagné Hampton pour l’occasion.

Le 25 juin 1950, la participation de Hampton à la 6e Cavalcade du Jazz avait failli tourner à l’émeute. Hampton était en train de parader sur le terrain avec son orchestre en jouant la pièce ‘’Flying High’’ lorsque l’assistance, estimée à environ 14 000 personnes, était devenue incontrôlable, et s’était mise à lancer toutes sortes d’objets dans le stade. Dinah Washington, Roy Milton, PeeWee Crayton, Lillie Greenwood, Tiny Davis and Her Hell Divers participaient également au concert. Hampton avait pris part à sa dernière Cavalcade du Jazz le 24 juillet 1955 lors de la 11e édition de l’événement qui mettait en vedette Big Jay McNeely, The Medallions, The Penguins et James Moody.

Du milieu des années 1940 jusqu’au début des années 1950, Hampton avait dirigé un groupe de rhythm n’ blues dont les enregistrements mettaient en vedette de nombreux jeunes musiciens qui avaient eu plus tard des carrières significatives. On remarquait parmi ceux-ci le contrebassiste Charles Mingus, le saxophoniste Johnny Griffin, le guitariste Wes Montgomery, la chanteuse Dinah Washington et le chanteur ‘’Little’’ Jimmy Scott. On retrouvait aussi dans le groupe des musiciens établis comme Dizzy Gillespie, Cat Anderson, Kenny Dorham, Snooky Young, Jimmy Cleveland, Jerome Richardson et Curtis Lowe. En 1953, l’orchestre de Lionel Hampton était parti en tournée en Europe. Le groupe comprenait à l’époque Clifford Brown, Gigi Gryce, Anthony Ortega, Mont Montgomery, George Wallington, Art Farmer, Quincy Jones et la chanteuse Annie Ross.

Hampton avait continué d’enregistrer avec de petits groupes et de participer à des jam sessions durant les années 1940 et 1950, notamment avec Oscar Peterson, Buddy DeFranco et plusieurs autres. En 1955, pendant qu’il se trouvait en Californie pour le tournage du film ‘’The Benny Goodman Story’’, Hampton avait enregistré avec Stan Getz. Il avait aussi fait deux albums avec Art Tatum. En 1968, Hampton s’était produit avec Louis Armstrong et la chanteuse italienne Lara Saint-Paul au Sanremo Music Festival en Italie. Le concert avait causé toute une sensation auprès du public italien et s’était terminé sur une jam session. La même année, Hampton avait été décoré par le pape Paul VI.

DERNIÈRES ANNÉES ET DÉCÈS

Dans les années 1960, Hampton avait décidé de lancer sa propre maison de disques (il en avait fondé une seconde en 1977-78). Il avait également fait de longues tournées en Europe, en Afrique, au Japon et dans les Philippines. À l’époque, Hampton vivait sur sa réputation et avait cessé depuis longtemps de se renouveler. Hampton s’était concentré sur les valeurs sûres et se contentait de jouer ce qui avait fait son succès au début de sa carrière. Hampton avait également participé à de nombreuses réunions avec le quartet de Benny Goodman, plus particulièrement en 1973 lors du Festival de jazz de Newport, quelques mois avant la mort de Gene Krupa.

À partir de février 1984, Hampton avait commencé à se produire au festival de jazz annuel de l’Université de l’Idaho. Ce dernier avait d’ailleurs été rebaptisé le Lionel Hampton Jazz Festival l’année suivante. En 1987, l’école de musique de l’Université de l’Idaho avait été renommée École de musique Lionel Hampton. C’était la première fois qu’un musicien de jazz se méritait un tel honneur. Durant la majeure partie des années 1980, l’orchestre de Hampton était formé de Thomas Chapin, Paul Jeffrey, Frankie Dunlop, Arvell Shaw, John Colianni, Oliver Jackson et George Duvivier.

En janvier 1997, même si un incendie qui s’était déclaré dans son appartement avait détruit ses trophées et la plus grande partie de ses biens, Hampton s’en était miraculeusement tiré indemne.

Véritable force de la nature, Hampton attirait toujours des salles combles à travers le monde jusqu’à ce qu’une attaque survenue à la salle Bobino de Paris en 1991 l’empêche de terminer un concert. Cet incident, conjugué à des années d’arthrite chronique, l’avait contraint à réduire considérablement le nombre de ses performances. Confiné dans un fauteuil roulant depuis 1995, Hampton avait cependant continué de donner des concerts. Le gérant du marketing Jim Catalano se rappelait avoir vu Hampton jouer en 2001 au Lionel Hampton Jazz Festival de Moscow, en Idaho. Catalano avait déclaré: "What an event. Several thousand kids participate and they bring in the top jazz artists from around the world to perform. Even at the age of 93, Lionel was able to play his famous 'Midnight Sun' along with his jazz orchestra."

Hampton avait présenté son dernier concert au Smithsonian National Museum of America History en 2001, quelques mois avant sa mort.

Lionel Hampton est mort le 21 août 2002 au Mount Sinai Hospital de New York, à la suite d’une attaque cardiaque. Il était âgé de quatre-vint-quartorze ans. Hampton a été inhumé au Woodlawn Cemetery, dans le Bronx. Ses funérailles ont eu lieu le 7 septembre 2002, et comprenaient une performance de Wynton Marsalis et du Gully Low Jazz Band de David Ostwald à l’église Riverside de Manhattan. La procession funéraire avait débuté devant le mythique Cotton Club de Harlem.

Le 11 novembre 1936, Hampton avait épousé Gladys Riddle à Yuma, en Arizona. Excellente femme d’affaires, Gladys avait été la gérante de Hampton durant la majeure partie de sa carrière. Plusieurs musiciens se plaisaient à déclarer que si Hampton dirigeait la musique, c’était Gladys qui gérait les affaires. Gladys est décédée en 1977. Le couple n’avait pas eu d’enfants.

POSTÉRITÉ

Dans les années 1950, Hampton avait développé un grand intérêt pour le judaïsme et avait commencé à recueillir des fonds pour Israël. En 1953, Hampton avait composé une suite en l’honneur du roi David qu’il avait présentée par la suite en Israël avec le Boston Pops Orchestra. Plus tard, Hampton était devenu membre de l’Église de Scientologie. Il était également membre des Francs-maçons.

Doté d’une très grande conscience sociale, Hampton avait fondé la Lionel Hampton Development Corporation, une organisation qui avait pour but de favoriser la construction de logements sociaux pour les démunis. Les premiers projets de construction de la corporation avaient été lancés dans les années 1960 avec l’érection des Lionel Hampton Houses à Harlem. Le projet avait été rendu possible grâce au soutien du gouverneur républicain Nelson Rockfeller. L’épouse de Lionel, Gladys, était également impliquée dans des projets de construction à son propre nom, les Gladys Hampton Houses. Dans les années 1980, Hampton avait développé un autre projet de construction à Newark, au New Jersey, sous le nom de Hampton Hills.

Opposé à la ségrégation raciale, Hampton était aussi un grand défenseur de Nelson Mandela et de Malcolm X.

Républicain convaincu, Hampton avait été élu comme élu comme délégué dans plusieurs conventions du parti. Il avait aussi été vice-président du New York Republican County Committee durant plusieurs années. Il était également membre de la New York City Human Rights Commission. Hampton avait aussi été directeur des Événements spéciaux lors de la campagne de réélection du président Gerald Ford en 1976. Au cours de sa vie, Hampton a fait don d’environ 300 000$ au Parti républicain. En 1996, Hampton avait finalement décidé d’appuyer la candidature démocrate de Bill Clinton et d’Al Gore, en ajoutant que s’il avait appuyé les Républicains jusque-là, c’était parce que c’était le parti d’Abraham Lincoln, mais que celui-ci ne représentait plus les modérés comme lui depuis longtemps.

L’implication politique de Hampton ne datait pas d’hier. Dans les années 1960, le président Dwight Eisenhower l’avait nommé ambassadeur de bonne volonté dans le cadre de ses tourn.es autour du monde. Dans les années 1990, le président George Bush l’avait nommé à la direction du Kennedy Center.

Lionel Hampton a remporté de nombreux honneurs au cours de sa longue carrière. Lauréat d’un Grammy Lifetime Achievement Award remis à titre posthume en 2001, il avait également obtenu un Harlem Jazz and Music Festival’s Legend Award en 1996. La même année, Hampton avait été admis à l’International Jazz Hall of Fame. En 2002, le Kentucky Music Hall of Fame lui avait remis le Governor’s Lifetime Achievement Award.

Hampton a obtenu quinze doctorats honorifiques de différentes universités à travers le monde, dont trois doctorats en musique de l’Université Harvard (1978), de l’University of Southern California (1983) et du New England Conservatory of Music (1993).

Lionel Hampton a également une étoile sur le Hollywood Walk of Fame depuis 1981. Il a été intronisé au sein du Jazz Hall of Fame Award en 1984. Lauréat d’un Hall of Fame Award de la National Association of Jazz Educators en 1987, la carrière de Hampton avait été couronnée par la remise d’un National Endowment for the Arts Jazz Masters Fellowship en 1988. Admis au Alabama Jazz Hall of Fame en 1992, Hampton a également été élu commissaire honoraire des Droits civiques en 1995. La même année, le président Bill Clinton lui avait décerné la National Medal of Arts. L’un des vibraphones de Lionel Hampton fait aujourd’hui partie de la collection du Musée National d'Histoire Américain.

Lorsqu’on demandait à Hampton quelle était sa philosophie musicale, il déclarait simplement: "Playing is my way of thinking, talking, communicating. I've always been crazy about playing. Every day I look forward to getting with my instruments, trying new things. Playing gives me as much good feeling now as it did when I was a bitty kid. I think I love it more as I get older because I keep getting better on drums, vibes and piano."

Lionel Hampton a composé plus de 200 pièces au cours de sa carrière, que ce soit à titre de compositeur ou d’arrangeur. Hampton a aussi influencé plusieurs musiciens de jazz. Le vibaphoniste Milt Jackson du Modern Jazz Quartet avait déclaré à son sujet: "Lionel Hampton inspired me to play the vibraphone. He was the first one of note to play it, but more important, I liked how dynamic he was. And the way he blended with groups and the way he played in front of a band were inspirational." Quant au vibrationiste Gary Burton, il affirmait: "I always think of Hamp as the guy who really got us established.’’ Dans une autre entrevue, Burton avait précisé:

"I saw Hampton when I was about 12 years old. He was playing at the Evansville (Indiana) Armory for a dance. Since I couldn't go in the evening when they would be serving alcohol, my father took me down there in the afternoon, thinking we might run into the band. Sure enough, they were doing a soundcheck and setup. My father told Hamp that I played the vibraphone, and Hamp was really gracious. He asked me to play, so I played a standard tune or blues in F or whatever, and Hamp had the band join in and play with me."

© 2023-2024, tous droits réservés, Les Productions de l’Imaginaire historique. SOURCES: ‘’Lionel Hampton.’’ Wikipedia, 2022. ‘’Lionel Hampton, American Musician.’’ Encyclopaedia Britannica, 2023. MATTINGLY, Rick. ‘’Lionel Hampton.’’ Encyclopedia Universalis, 2023.

[droitsdesfemmes]

🎶 𝗩𝗼𝗶𝘅 𝗲́𝗰𝗹𝗶𝗽𝘀𝗲́𝗲𝘀 - 𝗔̀ 𝗹𝗮 𝗿𝗲𝗻𝗰𝗼𝗻𝘁𝗿𝗲 𝗱𝗲𝘀 𝗺𝘂𝘀𝗶𝗰𝗶𝗲𝗻𝗻𝗲𝘀 𝗺𝗲́𝗰𝗼𝗻𝗻𝘂𝗲𝘀 𝗱𝗲 𝗹'𝗵𝗶𝘀𝘁𝗼𝗶𝗿𝗲 🎵

🎹 𝗔𝘂𝗷𝗼𝘂𝗿𝗱’𝗵𝘂𝗶 : 𝗔𝗹𝗶𝗰𝗲 𝗖𝗼𝗹𝘁𝗿𝗮𝗻𝗲 (𝟭𝟵𝟯𝟳-𝟮𝟬𝟬𝟳) 🎶

Née à Détroit, Alice Coltrane, issue d'une lignée de musiciens, émerge comme une artiste aux facettes multiples. Pianiste, harpiste, organiste, vibraphoniste et compositrice de jazz, elle se fraye un chemin unique dans le monde musical. Sa rencontre avec John Coltrane en 1963 marque le début d'une collaboration et d'une complicité profondes, jusqu'à la disparition tragique de ce dernier en 1967. Ensemble, ils plongent dans les méandres des sonorités orientales, tissant les fils du spirituel dans la trame du jazz. Veuve, Alice Coltrane poursuit sa quête artistique et spirituelle, insufflant dans ses albums une fusion novatrice de jazz, de musique indienne et de harpe. Sa conversion à l'hindouisme la mène à fonder un ashram en Californie, où elle guide les âmes au son des chants dévotionnels. Revenant à ses premières amours, le jazz, dans les années 2000, elle offre au monde « Translinear Light », son ultime opus. « Journey in Satchidananda » (1970), son œuvre phare, reconnue par la National Public Radio parmi les 150 meilleurs albums réalisés par des femmes, se hissa à une noble 86e place, se tenant fièrement entre « Diamonds & Rust » de Joan Baez et « Los Angeles » du groupe X. Alice Coltrane demeure une figure de proue du jazz avant-gardiste, une muse pour de nombreux artistes. Sa musique, transcendant les barrières stylistiques et temporelles, nous convie à un périple intime vers une lumière intérieure éclatante.

🔗 Pour en savoir plus : https://fr.wikipedia.org/wiki/Alice_Coltrane

🎧 Écouter : https://youtu.be/w0O9L7KXkC0?feature=shared

📸 Photo : Alice Coltrane en 2006.

[jazzdailyblog]

Milt Jackson: The Vibraphone Virtuoso

Introduction: Within the broad field of jazz, several individuals are considered icons, having made significant contributions to the development of the genre and permanently influencing its past. Indeed, one such person is the renowned vibraphonist, Milt Jackson. This blog post explores the professional path of Milt Jackson, his impact on jazz, and his distinctive contributions to the music…

[eskification]

so euna (@imbue hiiiiii❣️) tagged me in one of the tag games - 6 albums that you're listening to recently ⛄️

1) steve reich - music for 18 musicians

this is what i've been listening to when i journal! i have tried and failed to be a journal girl many times before but buying a fountain pen and playing classical music makes it feel like more of a moment an event an occasion and now i'm addicted 📖

2) marvin gaye - here my dear

im not trying to be contrarian but this is his best album!!! i will not elaborate the girls that get it get it

3) björk - post

it's not my favourite björk (that's vespertine) but i found it at the used book and CD store recently and it's getting a lot of spins from me 💿 she is seriously mjöther i love all her albums (volta isn't real and it can't hurt me)

4) sister sledge - we are family

theeee best disco album of all time To Me 🪩... also my work has been a nightmare recently (i actually love waitressing but i am truly being Tested. I Am Being Tested) so sometimes i put on lost in music and pretend that i have also quit my job

5) eric dolphy - out to lunch

I listen to this whilst i get ready ^_^ the vibraphonist was seeing god!!!

6) julia holter - aviary

this album was always my beloved but i listened to it on the plane home ✈️ and that setting brought out something new in it that i'm addicted to... it's like a little world in there! i'm realising that on my way back to london i called that a plane home and yet now that i'm back here the flight away was a plane home too. humans are strange words are strange perceptions are strange🏡

I never like tagging people for these because the decisions are too much. i'm tagging YOU 🫵🏼

[rich4a1]

Richie Goods & Chien Chien Lu Connected Vol. 1

Richie Goods & Chien Chien Lu Connected Vol. 1

Richie Goods & Chien Chien Lu Connected Vol. 1 Richman Music Renowned bassist Richie Goods and respected vibraphonist Chien Chien Lu are documenting what looks to be the first in a series of collaborations. You may have already heard some of their work as “We Three Kings” was released in the Fall of 2020 and “Rain,” which appears here on the full length, in December of 2021. Connected Vol. 1 is…

[projazznet]

Milt Jackson – Roll ‘Em Bags

Roll ‘Em Bags is an album by American jazz vibraphonist Milt Jackson featuring performances recorded in 1949 and 1956 and released on the Savoy label. Milt Jackson – vibes, piano Kenny Dorham – trumpet Julius Watkins – French horn Billy Mitchell , Lucky Thompson – tenor saxophone Wade Legge – piano Wendell Marshall, Curly Russell – bass Kenny Clarke – drums Joe Harris – timbales

[brookstonalmanac]

Birthdays 4.13

Beer Birthdays

Joseph Bramah (1748)

Albert C. Houghton (1844)

George Gund II (1888)

Julie Bradford Johnson (1953)

Ray McCoy (1960)

Andreas Fält (1971)

Five Favorite Birthdays

Don Adams; actor (1923)

Peter Davison; actor, "Dr. Who" (1951)

James Ensor; Belgian artist (1860)

Al Green; R&B singer (1946)

Thomas Jefferson; 3rd U.S. President (1743)

Famous Birthdays

Lyle Alzado; Denver Broncos DE, actor (1949)

Samuel Beckett; Irish writer (1906)

Lou Bega; pop musician (1975)

Peabo Bryson; pop singer (1951)

Alfred Butts; Scrabble game creator (1899)

Jack Casady; rock bassist (1944)

Teddy Charles; jazz vibraphonist (1928)

Bill Conti; composer (1942)

Jana Cova; Czech porn actor, model (1980)

Erich von Daniken; writer (1935)

Stanley Donen; film director (1924)

Tony Dow; actor (1945)

William Henry Drummond; Canadian poet (1854)

Guy Fawkes; English conspirator (1570)

Edward Fox; actor (1937)

Bud Freeman; jazz saxophonist (1906)

Amy Goodman; journalist, writer (1957)

Dan Gurney; auto racer (1931)

Jeanne Guyon; French mystic, founder of Quietism (1648)

Seamus Heaney; poet (1939)

Garry Kasparov; chess player (1963)

Howard Keel; actor (1919)

Davis Love III; golfer (1964)

Ron Perlman; actor (1950)

Philippe de Rothschild; French winemaker (1902)

Rick Schroder; actor (1970)

Paul Sorvino; actor (1939)

Jon Stone; Sesame Street co-creator (1931)

Lyle Waggoner; actor (1935)

Max Weinberg; drummer (1951)

Eudora Welty; writer (1909)

F.W. Woolworth; merchant, 5&10 cent store creator (1852)

[dustedmagazine]

Steve Lehman & Orchestre National De Jazz — Ex Machina (Pi)

When you think big, there’s no substitute for resources. Alto saxophonist and composer Steve Lehman’s ideas are typically broad and deep, but Ex Machina is especially massive. The project combines big band jazz, spectral composition, and interactive electronics. Any one of these elements takes study and skill to master, and while Lehman has the instrumental chops and integrative intellect grasp the parts, it takes a lot of time in a well-stocked kitchen to assemble them all into something that isn’t just a lumpy influence stew. requires a lot of time in a well-stocked kitchen.

In order to pull off this project, Lehman collaborated with the Orchestre National de Jazz, a big band funded by the French government. He also involved IRCAM (the Institute for Research and Coordination in Acoustics/Musics) to incorporate electronics that respond to the live musicians in real time. After years of composing and workshopping, Lehman and his long-time American collaborators, trumpeter Jonathan Finlayson and vibraphonist Chris Dingham, joined the orchestra for eight concerts, and then settled into the studio for four days at the beginning of 2023.

The time and resources have not gone to waste. This music feels not only sui generis — the only records it really sounds like are Lehman’s earlier octet recordings — but lived-in. The exchanges between dopplering horn sections and single soloists, and the meshing between orchestrated frequencies and precisely mutating rhythms, is spot-on.

But enough about how impressive it is; what is it? Essentially, it’s a transfer of Lehman’s spectral jazz concept, in which an understanding of frequency relationships yields access to alien sounds and an engagement with rhythm concepts spanning the ages of bebop and hip-hop makes the whole thing swing, to a post-Gil Evans orchestral environment. It has plenty of big brass punch, crips rhythms, and abrupt shifts in velocity and tone, all of which create fertile opportunities for adroit soloists to assert both structure-oriented and emotion-evoking responses. Ex Machina is everything it set out to be. And if you’re looking for a recording that’ll give you new things to hear every time you play it, it is without peers.

Bill Meyer

[votava-records]

The Invisible Session - People All Around The World, Can Make It (Studio Live Take)

After a long hiatus since the homonymous 2006 release on Schema Records, The Invisible Session is back with Echoes Of Africa to be released on the newly-launched Space Echo label. Initiated in 2006 by Schema Records’ co-founder and musician Luciano Cantone, The Invisible Session’s influences are rooted in Black music. Written in collaboration with trombonist and multi-instrumentalist Gianluca Petrella, and with lyrics by poet, rapper, and MC Martin Thomas Paavilainen (aka Benjamin “Bentality” Paavilainen), Echoes of Africa is an homage to African music. From a recording point of view, The Invisible Session embraces jazz as a constantly evolving mosaic - a fusion of musical influences that finds force and authenticity in the groove and cultural synergies. Part of the ensemble, are some of the best musicians on the international jazz scene: kora player Jalimansa Haruna Kuyateh, guitarist Riccardo Onori, singer Joyce Elaine Yuille, drummer & percussionist Abdissa “Mamba” Assefa, bassist Jukka ”Jukkis” Kiviniemi. Drawing influences from the rhythmic structures of Afro-beat and Ethio-jazz, the 11 compositions sparkle in various timbres by incorporating elements of funk, psychedelia, and modal music. But it is the intersection of ancestral melodies built on African pentatonic scales that gives the album its sustained flow and vibrant atmosphere. Under the influence of vibraphonist Mulatu Astatke’s music, “Journey To The East” incorporates sound studies on Ethiopian music with melodic structures built on the Bati Lydian major scale - a pentatonic scale with origins in the Middle East. Ethiopia is also celebrated in “Entoto” and “Breathe the Rhythm” - both entirely written by Gianluca Petrella. Although it may seem speculative after May 25’s event in Minneapolis, “Hearing The Call” was conceived and written in 2018, and expands on the themes present in Haki R. Madhubuti’s poem “Children”, released on Medasi’s 1984 album “Nation”. In “Hearing The Call”, ancestral sounds and percussions hypnotize the listener, while the performance of the poem written and interpreted by African-American/Finnish artist Benjamin “Bentality” Paavilainen, flows with naturalness. A theme already addressed by The Invisible Session with “To The Powerful’’ released in 2006 on the homonymous debut album on Schema Records is climate change. On Echoes of Africa, The Invisible Session’s “Ideas Can Make the World’’ and “People All Around The World Can Make It’’ are messages of hope and encouragement. Further reflections on this theme can be found in “Mother Forgive Us’’, with lyrics and interpretation channeled by Bentality, and Joyce Elaine Yuille.

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

UN GUITARISTE SOUS-ESTIMÉ, GRANT GREEN

"A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar Green's playing is immediately recognizable – perhaps more than any other guitarist." 

- Michael Erlewine et Ron Wynn

Né le 6 juin 1935 à St. Louis, au Missouri, Grant Green était le seul enfant de John et Martha Green. Le père de Green avait été manoeuvre et policier à St. Louis. Green avait commencé à apprendre la guitare à l’école primaire après avoir reçu de premières leçons de son père, qui jouait du blues et de la musique folk. Même s’il avait étudié durant un an avec Forrest Alcorn, Green avait surtout appris à jouer en autodidacte en tentant de reproduire les disques qu’il écoutait. Très actif dans les programmes de musique de son high school, Grant avait également joué de l’ukulele, tout en se produisant dans un ensemble de cors et clairons et en chantant dans les chorales des écoles publiques de St. Louis.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Green, qui avait abandonné l’école en huitième année, avait amorcé sa carrière professionnelle à l’âge de treize ans avec un groupe de gospel. Green était dans la vingtaine lorsqu’il s’était installé à New York où il avait joué avec des groupes de jazz et de rhythm & blues. Très influencé par Charlie Christian, Charlie Parker, Lester Young, Miles Davis, Jimmy Smith et Jimmy Raney, Green imitait le son des saxophonistes dans son jeu, en se concentrant sur les notes plutôt que sur les accords.

Green avait d’abord joué du boogie woogie avant de se tourner vers le jazz. Comme Green l’avait expliqué au cours d’une entrevue qu’il avait accordée au magazine Down Beat au début des années 1960: "The first thing I learned to playwas boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow."

Green avait fait ses débuts sur disque à l’âge de vingt-huit ans avec le saxophoniste ténor Jimmy Forrest dans le cadre d’un groupe qui comprenait également le batteur Elvin Jones. Green avait d’ailleurs enregistré plusieurs albums avec Jones au milieu des années 1960. En 1959, le saxophoniste alto Lou Donaldson avait entendu Green dans un club de St. Louis et l’avait engagé avec son groupe de tournée. Donaldson avait présenté Green au président des disques Blue Note, Alfred Lion, qui l’avait engagé comme guitariste-maison avec la firme. Conscient du potentiel de Green, plutôt de le confiner à un simple rôle d’accompagnateur, Lion lui avait permis de diriger sa propre session d’enregistrement. Malheureusement, en raison du manque de confiance chronique de Green, la session avait été publiée seulement en 2001, sous le titre de ‘’First Session.’’ Green avait aussi collaboré avec Donaldson dans le cadre de l’enregistrement de l’album ‘’Here ‘Tis’’.

Malgré le caractère prometteur de la session, la relation de Green avec Blue Note ne s’était pas prolongée au-delà de la décennie de 1960. De 1961 à 1965, Green avait participé à plus de sessions pour Blue Note que n’importe quel autre artiste, tant comme leader que comme accompagnateur. Intitulé First Stand, le premier album de Grant comme leader (1961) avait été suivi la même année de Green Street et Grantstand. Élu meilleur artiste de la relève (Best New Star) dans le cadre du sondage des critiques du magazine Down Beat en 1962, Green avait fait une tournée au Nigeria la même année.

Grant avait aussi souvent accompagné d’autres musiciens qui étaient à l’emploi de Blue Note, dont les saxophonistes Hank Mobley, Ike Quebec, Harold Vick et Stanley Turrentine et les organistes Larry Young et Big John Patton

Après avoir enregistré des albums concept comme ‘’Sunday Mornin''' (1962) , ’The Latin Bit’’ (1963) et ‘’Feelin' the Spirit’’ (1963), tous consacrés à un style différent, Green avait obtenu un certain succès commercial avec des albums comme ‘’Idle Moments’’ (qui mettait en vedette le saxophoniste Joe Henderson et le vibraphoniste Bobby Hutcherson en 1963), et Solid (1964), qui avaient été décrits par la critique comme les meilleurs enregistrements de sa carrière. Considéré comme un des 100 meilleurs albums de jazz de l’histoire, l’album Idle Moments avait remporté un grand succès.

Plusieurs des enregistrements de Green n’avaient été publiés qu’après sa mort. Parmi ceux-ci, on remarquait quelques albums enregistrés avec le pianiste Sonny Clark en 1961-62 qui avaient été réédités sous le titre de The Complete Grant Green & Sonny Clark en 1997 par les disques Mosaic. En 1964, Green avait enregistré un autre album sous son nom, ‘’Matador’’, mais il n’avait été publié que l’année de sa mort en 1979. La même année, il avait également enregistré deux albums avec McCoy Tyner et Elvin Jones.

DERNIÈRES ANNÉES

En 1966, Green avait quitté Blue Note et avait commencé à enregistrer avec d’autres étiquettes, dont les disques Verve de Norman Granz avec qui il avait enregistré l’album His Majesty King Funk la même année. De 1967 à 1969, Green s’était retiré du jazz en raison de sa dépendance à l’héroïne. Retourné chez Blue Note en 1969, Green avait surtout joué dans des contextes de R & B. Parmi les albums enregistrés par Green à cette époque, on remarquait le disque à succès Green Is Beautiful (1970) et la bande sonore du film The Final Comedown (1969) et un album en concert intitulé Live at the Lighthouse (1972)

En 1971, peu après s’être produit au The Watts Club Mozambique de Detroit, Green avait publié l’album Shades of Green. Publiée comme simple, la pièce “Vision’’ avait remporté un grand succès et s’était classée à la 151e position du Billboard où elle était demeurée durant une période de neuf semaines. Après avoir de nouveau quitté les disques Blue Note en 1974, Green avait enregistré de façon sporadique avec différentes maisons de disques. Tout en collaborant avec des formations plutôt conventionnelles, Green s’était régulièrement produit avec un trio comprenant un organiste et un batteur.

Après avoir passé la majeure partie de l’année 1978 à l’hôpital, Green avait ignoré l’avis de ses médecins et était parti sur la route afin de gagner de l’argent. Green se trouvait à New York pour jouer au Breezin' Lounge de George Benson lorsqu’il avait été victime d’une crise cardiaque dans son automobile. Il est mort le 31 janvier 1979. Green a été enterré au Greenwood Cemetery de St. Louis. Il laissait dans le deuil ses six enfants, dont son fils Grant Green Jr., qui était également guitariste.

Grant Green, qui avait rarement joué de la guitare rythmique sauf comme accompagnateur,  a enregistré plus de trente albums au cours de sa carrière. Green avait influencé de nombreux guitaristes, dont George Benson et Carlos Santana. Guitariste souvent sous-estimé, Green avait inspiré le commentaire suivant aux critiques Michael Erlewine et Ron Wynn: "A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar Green's playing is immediately recognizable – perhaps more than any other guitarist." 

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SOURCES:

ALEXANDER, Otis. ‘’Grant Green (1935-1979).’’ Blackpast.org, 22 février 2024.

‘’Grant Green.’’ Wikipedia, 2024.

‘’Grant Green.’’ All About Jazz, 2024.

‘’Grant Green, Jazz Guitarist born.’’ African American Registry, 2024.