#vallenato 2018

[manessha545]

Quindio

Quindío is a department of Colombia. It's located in the western central of the country, specifically in the Andean region. Its capital is Armenia. It's famous for the quality of the coffee plantations, colorful architecture, benign weather, variety of hotel accommodations and tourist landmarks. 

University: Universidad del Quindío

Area: 1,845 km²

Elevation: 1,458 m

Population: 539,904 (2018)

Capital: Armenia

ISO 3166 code: CO-QUI

Municipalities: 12

Typical dances of Colombia

The typical dances of Colombia they are a series of musical rhythms and dance expressions, product of cultural miscegenation, that have developed historically throughout the country.

These dances are a mixture of the pre-Columbian native, African and European cultures that, from the Colony, were integrated until creating these folkloric manifestations.

Cuadrilla dancing cumbia, one of the typical dances of Colombia

Each Colombian region has its own rhythms and dances that distinguish it. However, many of these dances are performed equally in different regions of the country.

The list of dances is multiple and varied, in each of the six regions that make up the Colombian geography. For example, in the Caribbean region include: cumbia, bullerengue, porro, farotas, garabato, sere sé-sé and mapalé.

In the Andean region, the typical dances are: bambuco, corridor, whirlpool and guabina; while in the Orinoquia region joropo and galerón are danced.

The insular region also has a rich dance culture. Among his typical dances are: calypso, chotis, mento, polka and quadrille (cuadrilla).

Likewise, the typical dances of the Pacific region are: vallenato, abozao, bunde, jota chocoana and caderona, currulao and the contradanza. And in the Amazon region the bêtsknaté and the dance of the offering are danced.

Typical dances of Colombia | Life Persona

Colombian children demonstrate the machete dance, developed by coffee growers in the Quindio region of Colombia during the XIX century.

Source.

[portalvallenato]

EFRAIN FUENTES – CALYKNTO

EFRAIN FUENTES – CALYKNTO

PRODUCCIONES MUSICALES: LAS CANCIONES GANADORAS DEL FESTIVAL VALLENATO VOL.1 – Abril 2015 LAS CANCIONES GANADORAS DEL FESTIVAL VALLENATO VOL.2 – Abril 2018 EFRAIN FUENTES, Conocido artísticamente como CALYKNTO. Desde el año 2015 en horabuena y con la ayuda de DIOS, inició una obra musical hasta ahora no realizada por ningún artista de la música vallenata, grabar de forma cronológica todas las…

[vallenatoalcien]

En la segunda semana del #toureuropa #2018 , @alexmanga1 y su compañero @nenobm tendrán tres presentaciones, hoy viernes nuevamente en #España en la ciudad de #Pamplona estarán en la Discoteca Santa Diabla, mañana sábado llegan a Suiza para actuar en #Ginebra en el Salón Mesón de Asociaciones y el domingo regresan a #España para presentarse en #Bilbao en la Discoteca Santana 27. - #vallenato #vallenatos #vallenatoalcien #alexmanga #nenobeleño

[xermarketing]

Tonto Corazón [Audio Oficial] – Leo Fenix, El Berraco

[pierluigiremigi]

Sin Odios, Ni Rencores | Pier Luigi Remigi

Sin Odios, Ni Rencores. Aprender a dar creo, es el aprendizaje más grande por el que todos nosotros deberíamos pasar. Desde pequeños aprender a compartir. Porque quién no aprende a dar definitivamente no está listo para recibir. La tacañeria es tal vez el mayor obstáculo para el desarrollo de un ser humano. Fijate en lo siguiente: A una fuente seca nada ni nadie se acerca a beber. Que puedo encontrar allí si no hay nada, a sabiendas de que si hubo. El problema del tacaño no es que no le dé a los demás, como muchos creen y dicen. El problema de las personas tacañas es que al final no ha aprendido a darse ni si quiera a ellos mismos. Les digo algo. A mí me gusta compartir con las personas que dan sin miedo, que comparten sin dejarse nada, esas personas son como un hogar donde todos caben, una mesa donde todos comen, un corazón donde el amor jamás falta! Esa naturalidad y tranquilidad que ofrecen con su compañía, a mí me gustan las personas que tienen la cabeza llena de abundancia, sin odios y sin rencores. Tan solo ese vamos a hacerlo.. Si se puede.

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[gustavoratto]

¿Qué es CHICHA ROCK? ¿Qué es cumbia fusión?

La Chicha y el Rock, dos géneros musicales ampliamente conocidos y consumidos en nuestro país, con defensores y difusores que tal vez no considerarían la idea de tener mucho en común. ¿Se puede unir la Chicha y el Rock Peruano?.

¿Qué es para tí la Chicha? ¿Los Shapis, Toño Centella, Tongo, Armonía 10, Chacalón, Grupo Guinda, Grupo Alegría, Vico Karicia?

Ver artículo: Los Sonidos Chicha, la Cumbia  y la Fusión

No dejes de ver al final de esta nota el Concierto de Chicha Rock de Gustavo Ratto en el Cumbiazónico 2018 – Lima.

La Chicha: Influencia del Rock y Caribe, fusión con el huayno andino y cumbia colombiana

A finales de los sesenta, la invasión británica se hizo cargo de la radio en todo el mundo, exponiendo a millones de personas a la música de The Beatles, The Who, The Kinks y otras bandas inglesas influencias por el Rock and Roll. Además, la locura de la música caribeña introdujo géneros como el mambo, la rumba, la samba, el son y la cumbia.

Los músicos peruanos imitaron inicialmente el sonido del rock británico y experimentaron con diferentes innovaciones músico – tecnológicas, incluyendo distorsión y pedales WAH – WAH, fusionándolas con su propia música nacional, el huayno andino y la siempre popular cumbia colombiana, creando una nueva mezcla: LA CHICHA (Romero 2002, Quispe 2004).

Música Chicha en el Perú

En el Perú la chicha se refiere a una cerveza de maíz que debe fermentar durante varios días hasta que esté lista para su consumo. Musicalmente, denomina una fusión musical que de igual forma “fermenta” con el tiempo. Al principio se desarrolló entre los migrantes andinos urbanos en lima (A cargo del grupo Los Shapis), su popularidad fue creciendo entre la clase obrera, y a inicios de la década de los noventa había sido adoptada por las estaciones de radio en casi todo el país.

En la década del ochenta y noventa, el auge de la llamada música chicha captó finalmente la atención académica y se generó un boom de estudios, artículos periodísticos y publicaciones sobre esta nueva corriente musical de contenido migrante y andino.

Que se extendió también al fenómeno del Huayno comercial andino.

Miles de hijos de migrantes se reunían los domingos para escuchar y bailar al son de la cumbia andina de los shapis y de Lorenzo Palacios “Chacalón” (Ver artículo: Los Sonidos Chicha, la Cumbia y la Fusión).

Los Instrumentos en la Música Chicha

La instrumentación de la chicha incluye por lo común de recursos de una banda de rock de la época (Guitarras eléctricas, bajo , caja de ritmos y sintetizadores), con percusión variable del Caribe (clave, timbales, congas , güiro o raspador y Bongó) añadida. Los guitarristas utilizan la famosa distorsión y el pedal WAH – WAH para crear un sonido totalmente moderno, etéreo. El bajo proporciona un patrón constante que complementa el ritmo sincopado de los timbales y de la clave, que enfatiza la sensación de cumbia.

Toada Brasileña Amazónica y Cumbia Colombiana influenciando la Chicha en Iquitos

Los músicos populares peruano-amazónicos atraen inevitablemente influencias de sus vecinos. El departamento de Loreto se suele asociar más estrechamente con la Amazonía– como una amplia región que incluye partes de Brasil y Colombia– con el resto de la nación peruana.

Apenas ocho horas al este de Iquitos, se encuentran las tres fronteras a lo largo del Río Amazonas, en Tabatinga (Brasil), Leticia (Colombia) y Santa Rosa (Perú). La superposición cultural y el intercambio se producen inexorablemente y enlazan a Iquitos más de cerca con estos vecinos que con sus compatriotas de los andes peruanos o de las regiones costeras occidentales.

A finales de los noventa la toada brasileña amazónica predomino en las presentaciones de los conjuntos de chicha en Iquitos e influenció en el desarrollo de este género junto a la cumbia colombiana.

Las toadas son mezclas rápidas y comerciales de samba con pop y rock, realizadas con instrumentos de percusión tradicionales de Brasil (o versiones sintetizadas de ellos) como surdo (bombo), cuica (Tambor de fricción), repinique (Tambor de dos cabezas), cuernos sintetizados y cuerdas, teclados , cajas de ritmos y cavaquiño (Similar a un ukelele).

Cantadas en portugués, las letras tratan casi exclusivamente de temas románticos.

Según Paco Latino, un coreógrafo e historiador de baile de Lima, la toada se desarrollo en la Amazonía peruana como una forma de canción híbrida, pero no fue hasta que los músicos chicha la popularizaronacompañando la danza que se dio a conocer de manera mas amplia en todo Iquitos.

Toada Amazónica, sintetizadores, vestuarios y danzas elaboradas

Las bandas de toada amazónica cuentan con músicos, cantantes y bailarinesque se desplazan sobre el escenario. Destacan los bailarines tanto hombres como mujeres, porque el público los tiene que seguir de cerca para bailar al unísono con ellos.

La coreografía enlaza el presunto ideal comunal de los indígenas con los bailes en fila.

Los interpretes aplauden, giran e incluyen rutinas elaboradas que imitan las de la sombra del carnaval de Rio de Janeiro junto a movimientos de adelante hacia atrás, comunes en las danzas nativas de la Amazonía.

Otra característica adoptada de las tradiciones indígenas son los movimientos eróticos, movimientos pélvicos especialmente sexuales (Parker 1991). Algunos foráneos consideran a la toada como algo de inferior calidad, sin sentido comercial, apropiado solo para clases bajas o para nativos de las regiones selváticas.

Las actuaciones de toada amazónica adaptan un amplio indigenismo imaginado en sus presentaciones sobre el escenario. Las bailarinas a menudo descalzas, llevan trajes no muy diferentes de los que usan las coristas de las vegas, con sofisticados tocados y bikinis de plumas, guantes decorados y lentejuelas, los hombres usan taparrabos que coinciden.

La mayoría usa plumas de guacamayo, ave nativa de la región, así como patrones shipibos en la decoración de los bikinis de las interpretes.

Bailarines de géneros posteriores como los de tecnocumbia adoptaron tales trajes en sus propias actuaciones elaboradas, las bailarinas también se convirtieron rápidamente en esenciales para el éxito de la actuación de un grupo de tecnocumbia.

Compatibles y ampliamente populares en Loreto, toadas y tecnocumbias dependen en gran medida de los sintetizadores y de los característicos bailes dentro y fuera del escenario y representan la amazoneidad.

Cumbia Amazónica, Cumbia Andina y Cumbia Costeña en el Perú

La cumbia de la Amazonía del Perú es muy diferente de las cumbias andinas y costeñas mas ampliamente conocidas en Lima.

La cumbia andina tiende a ser mas lenta e incorpora temas más tristes, más liricos, más sentimentales mientras que los conjuntos de música Amazónica juegan a un ritmo más rápido y cantos más ligeros, con temas más optimistas.

Bandas de cumbia andina como Corazón Serrano, suelen contar con voces en un registro alto y con un timbre más nasal, típico del huayno altiplánico, también son ampliamente pentatónicas y bimodales. Las voces de los cantantes de la Amazonía por el contrario suenan mas a menudo con mucho cuerpo y se ajustan más a estilos comerciales internacionales.

Los grupos de cumbia costeña acostumbran incorporar instrumentos de metal, toca los géneros mas caribeños como el merengue y la salsa, y con frecuencia son integrados totalmente por músicos (los ejemplos incluyen al Grupo 5 y Armonía 10).

Conjuntos Amazónicos, Tecnocumbia y Orquestas Andinas

Los conjuntos Amazónicos o tropicales famosos cuentan con jóvenes y curvilíneas bailarinas que dominan el escenario en las presentaciones de toada o tecnocumbia.

Al igual que las bandas de tecnocumbia tienen mas percusión, incluyendo timbales, congas y bongós mientras que las orquestas andinas son principalmente caja de ritmos.

Tecnocumbia Peruana

La tecnocumbia, un genero musical peruano popular reciente, tiene sus raíces en la música Chicha con una fuerte influencia de la cumbia, el prefijo “tecno” no se refiere a la música Techno, tal como se desarrolló en DETROIT (EEUU) a finales de los 70.

Mas bien en América del Sur se pone de relieve la incorporación de ritmos e instrumentos electrónicos (Romero 2002). En el momento de la Génesis de la tecnocumbia a finales de los 90 (y en cierta medida aún hoy), la música electrónica simbolizó la modernidad:

El uso de sintetizadores, cajas de ritmos y tambores electrónicos consolidó la entrada oficial (musical y comercial) del cosmopolitismo en la Amazonía. (Algunos estudiosos y laicos funden la Chicha y la tecnocumbia en una categoría fluida).

Yo elijo separarlas en función de varios factores sociomusicales distintivos, siguiendo por un lado la descripción de Romero (2002) y mi experiencia personal, y por otro, el entorno político que estableció la escena para la temprana reputación de la tecnocumbia.

Entiendo que estos factores no son estáticos y pueden asignarse a uno u otro de los géneros, dependiendo del contexto y de la perspectiva). La tecnocumbia surgió a finales de los 90 como un genero estrictamente Amazónico, pero llego a ser más popular que la chicha a nivel nacional.

Ambos géneros son similares, pero el primero es a menudo más rápido, apoyándose más en los ritmos de la cumbia y en los instrumentos del caribe (congas, timbales y bongós).Más notablemente, la tecnocumbia toma prestadas melodías brasileñas y sustituye los sintetizadores con guitarras eléctricas.

Los grupos de tecnocumbia amazónica también suelen ejecutar repertorios mas caribeños y brasileños, incluyendo salsa, toada, merengue y vallenato.

La guitarra eléctrica se aleja de la distorsión Wah-Wah en un estilo de total influencia rockera.

Los timbres vocales imitan estilos pop de América del Norte con un melisma áspero de bajo espesor y un vibrato que trata de emular a superestrellas como Selena, que fue figura destacada del pop mexicano estadounidense.

Las letras generalmente celebran la cultura de la fiesta y rara vez presentan temas melancólicos o políticos asociados con los huaynos y con algunas chichas.

Efectivamente, los músicos de la tecnocumbia hacen cambios sustanciales a la chicha, enfatizando los elementos de la Amazonía.

Primeros pasos de la Música andina hacia la Cumbia que luego se hará Chicha

Claude Ferrier en su libro El Huayno con Arpa – Estilos globales en la nueva música popular andina menciona lo siguiente:

“Hacia 1979, en Italia, yo recién iba conociendo la música latinoamericana, y la peruana en particular, y consumía por entonces Long Play (LP), casete o grabación de campo.

Obviamente, no podía todavía diferenciar corrientes y estilos musicales, pero fue en esa época, gracias a un casete que me proporcionaron los integrantes del grupo peruano de fusión El Polen, de paso por Italia cuando escuche por primera vez a los Pacharacos con sus huaynos acelerados con saxo.

Montoya (1996: 486) ve en este conjunto y en sus innovaciones una primera transformación de huayno andino hacia un huayno más “costeño”, a pesar de tener su origen en el Valle del Mantaro.

La constante innovación musical del hombre andino

La facilidad con la cual el hombre andino incorpora nuevos instrumentos musicales a su expresión tradicional está históricamente probada (Velit, 2006).

Basta mencionar el empleo muy difundido hoy en día en los andes del arpa, del violín, de la guitarra, de mandolinas y bandurrias, todos instrumentos provenientes de España. Lo impactante es que el instrumento musical cambia, pero la expresión artístico – ritual no, es decir que el medio varía pero la esencia de la manifestación cultural no se altera.

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CONOCIENDO NUESTRA MÚSICA: CARIBE COLOMBIANO

El Caribe Colombiano es conocido por las distintas mezclas de ritmos, sonidos, sabores y colores que se viven a través de su gente. Tres grandes continentes, América, Asia y Europa, se unieron para darle vida a la música que representa el Caribe, así como las razas indígena, negra y blanca abrieron paso a la creación de instrumentos de fricción, percusión y viento, que con el pasar de los años, terminarían mezclados para representar a toda una región y un pueblo: sus alegrías, tristezas, desamores y sentimientos. Muchos de los ritmos creados gracias a esta combinación, fueron completamente autóctonos, mientras que otros se originaron gracias a las variaciones de ritmos ya existentes de estos continentes. La Cumbia, la gaita, el bullerengue, el mapalé, la puya, el son vallenato, la tambora y la champeta son algunos de los tantos sonidos representativos que tanto ponen a gozar a nacionales como a extranjeros en las grandes festividades de la región. Mientras tantos, para poder originarlos, muchos instrumentos como la gaita, la caja, la guacharaca, la tambora y el tambor alegre, fueron creados o modificados. Juventino Ojito, director de Son Mocaná, ganador de varios congos de oro consecutivos, habla acerca de la conformación histórica de los ritmos del Caribe. 

https://youtu.be/9N9HfGPnIFs  

Al norte del país, Valledupar es conocida por ser el corazón del vallenato, género musical declarado por la UNESCO como Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad y que cuenta con instrumentos como el acordeón (instrumento de origen europeo pero popularizado en esta región), la caja (tambor pequeño de cuero de chivo) y la guacharaca). Otro género importante de esta región es la cumbia, la cual se vive con mayor fulgor en el centro de la región, en ciudades como Barranquilla, en donde tiene gran protagonismo gracias a los Carnavales, siendo también un importante punto de referencia la Depresión Momposina. La cumbia es una de las expresiones culturales más representativas de Colombia ante el mundo, este ritmo nacido gracias a la mezcla  cultural entre los indígenas, los afro descendientes y los hispanos en la época de la colonia española en el siglo XXVII “mezcla diferentes instrumentos musicales como la gaita (una especie de flauta de 80 centímetros creada por los indígenas kogui), el guache, las maracas tradicionales y los tambores” (Marca Colombia, 2018).  Este ritmo musical nacido en el Caribe Colombiano es considerado la madre de los ritmos afrocaribeños, esparciéndose por toda Latinoamérica a lo largo del siglo XX, por lo cual, hoy es un género músical ampliamente popular con distintas interpretaciones y variantes. De las canciones más representativas de la cumbia colombiana son: La Pollera Colorá, La Piragua, La Cumbia Cienaguera y Yo me llamo Cumbia. Según el periódico Panorama Cultural, “En los últimos años ha aumentado el interés por la herencia musical de este ritmo, y muchos jóvenes han tomado las gaitas, maracas y tambores, como base fundamental de sus composiciones, en donde el ritmo es impuesto por el tambor costeño. Es un retorno a las raíces que favorece a toda la cultura colombiana en general. “Un género reconocido en toda la región Caribe, por ser originario de las zonas afrodescendientes de la ciudad de Cartagena, es la Champeta. Muy vinculado con la cultura del corregimiento de San Basilio de Palenque, el primer pueblo libre de América declarado por la unesco como Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad, gracias a su lenguaje (Palenquero), la comida y su música, compuesta sobre todo por tambores que aprenden a tocar los jóvenes desde muy pequeños. La champeta nació bajo la fusión de ritmos africanos y caribeños: la chalupa, una variante de la cumbia y el sukus, la rumba africana. Su término es un diminutivo de la palabra “champa”, una especie de machete y la “rula”, una herramienta utilizada para el trabajo de campo y la cocina, por lo cual, el termino provoco que este genero fuese asociado a la pobreza y al bajo nivel educativo de las clases bajas. Según el portal Red de Bibliotecas “La Champeta ha logrado transformar su imagen marginada y es hoy un movimiento musical que hace parte del panorama sonoro nacional, al punto de que la gala de clausura del Hay Festival Cartagena 2015, fue un homenaje a este género, teniendo como invitados principales a tres de sus exponentes más representativos: Viviano Torres (Ane Swing), Luis Towers y Charles King. “  Estos también indican como la champeta tuvo un gran auge a finales del siglo XX y principios del siglo XXI, con interpretes del género como El Sayayín, Mr Black, Elio Boom entre otros (Red de Bibliotecas, 2015).Así como estos intérpretes de la Champeta, muchos son los que han exaltado la cultura de la música del caribe Colombiano en el panorama nacional como internacional. Por ejemplo, los Gaiteros de San Jacinto, grandes representantes de la gaita como instrumento de origen Caribeño, son una agrupación que conserva la música tradicional de este instrumento junto con los tambores africanos y las maracas indígenas. Este grupo nació a mediados de la década de los 40 en el municipio de San Jacinto en el departamento de Bolívar. En noviembre del 2007, fueron ganadores del premio a mejor álbum folclórico en los Grammy Latinos, en donde también tuvieron la oportunidad de presentarse en el escenario junto con Calle 13.Otro grupo con proyección internacional que interpreta ritmos del Caribe Colombiano  es Kombilesa Mi, que significa ‘Mis amigos’ en español, es una fusión del Rap Folclórico Palenquero. Nueve artistas se dedican a preservar y difundir sus tradiciones a través de la música con canciones que se cantan en lengua palenquera y se acompañan al son de los tambores. Otro grupo, ‘Las alegres ambulancias’ también es conocido por su representación internacional. Conformado en su mayoría por adultos mayores, sus ritmos son caracterizados por el sonido del Lumbalú, un ritual funerario de su cultura en donde intervienen danzas y cantos para honrar a los muertos con tambores que hoy en día alegran a personas de todas partes del mundo. 

HISTORIA DE LA MÚSICA EN EL CARIBE Hace siglos atrás, tal vez con los indígenas americanos, la música del caribe tuvo sus inicios. Cuando todavía habitaban en las islas antes de la llegada de los europeos, en medio de ceremonias, como la denominada areito, en la que los participantes cantaban al son de los tambores y bailaban en círculos alrededor de de esas “cosas” hechas con madera hueca, matracas y otros instrumentos de percusión. Con el pasar del tiempo, la música empieza a surgir como producto de la interacción entre esos esclavos africanos y los colonizadores europeos, en colonias de colonización, como Cuba y Puerto Rico, y colonias de plantación, como las Antillas británicas. Las primeras, atrayendo a un gran número de europeos, los cuales fueron dando lugar a florecientes culturas de música criolla. La amplia población negra libre que circulaba por ahí y la importación relativamente tardía de esclavos permitieron conservar y promocionar las prácticas musicales neoafricanas que se habían empezado a dar y es así como en el siglo XIX, la burguesía local en estas colonias que cultivaba formas de música criolla vivas y nacionalistas, fueron dando lugar a géneros como la habanera y el danzón. Pero las cosas no siempre son fáciles de mantener y cuando en las plantaciones británicas las represiones culturales empezaron a ser más severas y el comercio de esclavos finalizó antes de lo esperado, las tradiciones neoafricanas fueron perdiendo fuerza. Y así, la música de la burguesía criolla tampoco logró florecer en estas colonias, por el pequeño número de residentes europeos allí existentes. Fue entonces cuando en el siglo XX, con la llegada de los medios de comunicación (especialmente las grabaciones de discos y las retransmisiones de radio), se estimularon la aparición de estilos musicales comerciales de baile popular, a expensas de la música tradicional. Aunque a pesar de ellos, estos nuevos estilos pop se vieron influenciados por la música popular de Estados Unidos (y hasta competían con ella), sin embargo, florecieron al combinar la música estadounidense con las tradiciones locales y en la década de 1940, el bolero cubano se hizo famoso en gran parte de Latinoamérica. En la década de 1960 y en medio de la creciente ola de música, empezaron a surgir conjuntos más pequeños a medida que los amplificadores y los instrumentos eléctricos fueron invadiendo el mercado, ya que los directores de banda trataban de evitar los altos costes de mantenimiento de estos conjuntos. En este periodo entonces, las comunidades de inmigrantes caribeños de las ciudades de Estados Unidos empezaron a jugar un papel decisivo en la creación y difusión de la música popular caribeña. Especialmente la ciudad de Nueva York, la cual se convirtió en un centro muy activo de producción y consumo de música popular latinoamericana. Luego, en las décadas de 1960 y 1970, surgió la salsa como popular reinterpretación de la música bailable cubana, al tiempo que el reggae jamaicano se extendía por todo el mundo. Los principales intérpretes de estos dos géneros, el cantante de salsa Rubén Blades y el de reggae Bob Marley, promocionaron estos ritmos con un contenido sociopolítico idealista, optimista y activo, y en la década de 1980, por el contrario, los géneros musicales latinos dominantes en esta región eran más sentimentales, como la salsa romántica y el merengue, de corte más ligero. Finalmente, en la década de 1990, ha surgido una nueva generación de intérpretes caribeños, como el artista jamaicano Buju Banton y el cantante dominicano Juan Luis Guerra. Reflexionar sobre la música y los ritmos del Caribe también implica nombrar a los distintos intérpretes de esta, ya que estos han hecho eco de ella y la han llevado a surgir, mantenerse y renovarse, creando nuevos estilos; como Francisco Zumaqué, quien ha construido una carrera en la que no solo han primado las canciones populares, sino también la producción de proyectos musicales de mayor envergadura. Zumaqué es un músico que se caracteriza tanto por su versatilidad como por el amplio dominio que tiene de las distintas técnicas de composición musical contemporáneas. Sus canciones hacen parte de la musicógrafa no solo caribeña, sino colombiana, pues se integran en el imaginario de una nación que ha cantado en cada partido de la selección de fútbol Colombia Caribe, mejor conocida por el estribillo “Sí, sí, Colombia; sí, sí Caribe”, o la que se ha escuchado interpretar en cada elección de la Señorita Colombia “Las mujeres de mi tierra". La idea es darle la importancia al pasado de la música, tener la visión correcta y práctica de lo que está pasando el día de hoy, y comenzar a visionar o visualizar cómo queremos que sea el futuro de nuestra música. Que no sea simplemente dado por elementos de tipo comercial. Existe una cultura caribe que es de orden popular y una cultura caribe de mayor profundidad, la que debe pretenderse  que incursione en la música de cámara y sinfónica que sería la que eventualmente quede para los años próximos. En muchos aspectos es más marcada la diversidad que la unidad de la música caribeña, a pesar de que pueden trazarse algunos rasgos comunes. La mayor parte de la música de esta región combina rasgos africanos con rasgos occidentales; esta síntesis, que comenzó con la colonización europea y la importación de esclavos africanos, todavía se mantiene en la actualidad. A este tipo de música se la denomina a veces criolla o, de forma más general, sincrética, haciendo alusión a una mezcla de elementos africanos y occidentales que dan lugar a una música típicamente caribeña. La influencia africana constituye también un denominador de estilo común a la mayoría de la música caribeña, que se manifiesta en forma de alegres sincopados o ritmos que enfatizan las partes débiles del compás, estas formas pueden ser también denominadas llamada-respuesta y ostinato, que se refiere a frases musicales repetidas, basados a menudo en sencillos acordes.

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ROCK DE MI PUEBLO Y EL SOMBRERO DE ALEJO. Trabajos realizados junto a la Diseñadora NAIDUTH GELES para el Artista homenajeado en el Festival vallenato 2018 CARLOS VIVES. #rockdemipueblo #elsombrerodealejo #carlosvives #vives #customclothing #customjeans #festivalvallenato #valledupar @naiduthgeles @carlosvives #hechoconamor #onelove ✌🏽🤟🏽 (en Valledupar, Cesar)

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Héctor Palacios, un embajador del vallenato en China

Héctor Palacios, un embajador del vallenato en China

Un colombiano, que con la música vallenata, ha logrado romper fronteras en un país oriental. Héctor Palacios, nacido en la ciudad de Pasto, es un compositor y cantante, quien para el año 2018 logró equiparar la atención del público colombiano a través de su peculiar forma de transmitir la música vallenata. (more…)

[alcesarsblog]

S E D E S P I D E. EL A Ñ O. 2 0 1 7 2017 Un año de muchos recuerdos , especialmente la terminación del conflicto armado con las Farc , muchos sucesos importantes , 50 años de los 100 años de soledad, 50 años del festival vallenato , 50 años de Uni autónoma , 40 años de Uní Simón Bolívar, 50 años de haber llegado a Barranquilla, 40 años de egresado del Oriental , 40 años del puente Pumarejo, 130 años del Espectador, 87 años de el Heraldo, 92 años del Júnior , culmina el segundo periodo de gobierno de Santos que a pesar de los tropiezos culmina satisfactoriamente .En el resto del mundo muchos conflictos y desplazamiento de la población civil, Sirios y venezolanos victimas de sus gobernantes que quieren imponer a la fuerza un sistema de gobierno en contra de la voluntad de sus coasociados, palestinos e israelitas en su eterno conflicto , las Coreas siguen divididas por ideologías , muchos atentados terroristas en todas las ciudades del mundo , grandes incendios forestales , desprendimiento de un gran témpano de hielo en el polo sur , siniestros aéreos, países bélicos amenazando con misiles de alto poder , sismos de gran magnitud sacude a México. En Colombia muchos escándalos por sobornos de funcionarios públicos , la justicia queriendo ser reformada por falta de credibilidad . Se avecina un cambio de gobierno y hay muchos candidatos , se ha perdido la credibilidad de los partidos tradicionales , ellos hacen alianzas para seguir en el poder .La visita del Papa fue muy aplaudida , sus mensajes llegaron en el momento oportuno para sellar la paz. Una ola invernal azotó muchas regiones , desastres naturales y mucha solidaridad del pueblo.En general ha sido un buen año y merece ser despedido con muchos aplausos , a la espectativa del 2018 , con la convicción y la esperanza de ser un gran año de mucho acercamiento al diálogo entre naciones , con mucho optimismo le apostamos a la cordura y sensibilidad de los gobernantes .el mundo necesita líderes carismáticos Que promuevan la paz mundial y culminan los odios ancestrales entre naciones hermanas , especialmente una gran plegaria por los hermanos venezolanos , que el próximo año sea de verdad muy próspero. https://www.instagram.com/p/BdWdk2zgY_r/?igshid=li2b5nu4gjl2

[conhonestidadynobleza-blog]

Acá con cosita y ender Rada rey vallenato 2018 mar de acordeones #conhonestidadynobleza https://www.instagram.com/p/ByQAsDaFi-_/?igshid=l3f5pjbpylza

[trastornadosrevista]

Nathy Peluso en el Festival Nuestro: la música como sentir

El show de Nathy Peluso fue, por contexto y convocatoria, el más importante del Festival Nuestro 2019. Sin miedo a nada, esta avasallante y talentosa ciudadana del mundo, conquistó definitivamente a su país natal con un intenso show consagratorio que merece un análisis detallado.

Nacida hace veinticuatro años en Luján, Buenos Aires, Nathy Peluso comenzó su conquista del país con una explosión: en el marco del Lollapalooza Argentina 2018, la entonces revelación de la nueva música urbana europea tuvo la posibilidad de telonear a un artista de la talla de Anderson Paak ante un Teatro Vórterix repleto. En esta era de singles, algoritmos tramposos e inmediatez, donde el trap en todas sus variantes es el rey, la explosión que generó en la escena internacional la hipnótica y agresiva “Esmeralda” fue más que suficiente para proveerla de una base muy grande de fanáticos en este lado del mundo.

Más cercana a las raíces ibéricas que a las latinas a la hora de ejecutar e interpretar el trap y el hip hop, esta multifacética y versátil artista se plantó junto a su notable big band –los magistrales Big Menu, su complemento perfecto durante sus giras por Europa y Latinoamérica– con absoluta firmeza y desfachatez en el Escenario Afuera frente a un sinfín de (mayoritariamente) fanáticas que le hicieron frente a la lluvia y al molesto viento que azotaban a Tecnópolis. Su ingreso fue a puro flow y suavidad, enfundada en un vestido tradicional flamenco color blanco, con “La Grasa De Las Capitales” como fondo,  detalle que puso directo sobre la mesa su más que innegable argentinidad.

Desde el primer acorde de la nostálgica y desafiante “Estoy Triste” quedó en claro que no estamos ante una estrella pop global clásica: emulando a las bailaoras tradicionales en sus ampulosos movimientos y también conectando con el espíritu caliente y libre de los salones de salsa cubanos de los años ’50, Nathy Peluso se encargó de asentar un clima sinuoso, sanguíneo y humeante que estuvo guiado por un amor declarado hacia lo retro.

Siguiendo el orden de su EP La Sandunguera (2018), Peluso mostró su capacidad para alcanzar los registros más souleros durante la cadenciosa “Hot Butter”, haciéndose un lugar también para insertar su cover en clave jazzera de “Bang Bang (My Baby Shot Me Down)” de Nancy Sinatra. Abriendo de forma muy fluida un abanico sonoro interesante que va mucho más allá de la música urbana –lugar donde se la intenta catalogar erróneamente–, la argentina dejó en claro que lo suyo con la Black Music es muchísimo más que un mero coqueteo intrascendente.

Las melodías pesadas y contraculturales de “Sandía” y “Alabame” sirvieron para que esta performer 3.0 pasee toda su sensualidad por las tablas y para que también juegue con la diversidad de acentos (mexicano, colombiano, español y argentino) que se pueden distinguir cada vez que toma un micrófono. Grabada en el estudio junto a Big Menu, “La Passione” comenzó con un segmento de “Estoy Triste” para luego convertirse en una hermosa y delicada balada bilingüe que rescató la tradición de las grandes cantantes de la historia del jazz y del soul

El histórico bolero “Historia De Un Amor”, canción original de Carlos Eleta Almarán, fue otro sentido –con elementos performáticos de tablao– homenaje a la diversidad de raíces que la han inspirado para llegar hasta donde se encuentra hoy día. Los integrantes de Big Menu continuaron deslumbrando, recordando a las legendarias bandas de salón latinas de mediados del siglo pasado, marcando el camino a pura precisión y pasión. Previo a los bises, el gangsta rap latino tomo forma en la zigzagueante e intrigante “Daga”, para luego detonar la casa al grito de “este es mi jazz latino” y poner a todas las caderas presentes en un estado de movimiento perpetuo.

No hay dudas respecto al estatus de hit global por parte de “La Sandunguera” ni tampoco de la habilidad de Nathy Peluso para doblar los límites de una canción más bien simple y directa y convertirla en un cruce constante de géneros y estilos sonoros. El embelesador flow de sus músicos fue más que suficiente como para que la frontwoman hiciese converger sin dificultades –sobre la misma secuencia y melodía– al jazz, al hip hop, al neo soul, a la salsa y al vallenato, liderando siempre la carga con sus diversas facetas vocales y la intensidad corporal por encima del máximo.

Luego del deleite instrumental, que incluyó un segmento de lujo a cargo de los dos coristas, un riff bien rockero marcó el regreso de Nathy de la mano de la sensacional “Gimme Some Pizza” ¿Por qué decimos que es sensacional? Porque, por un lado, se trata de una pieza con envoltura muy clásica que remitió –una vez más– a las viejas damas del soul y que instaló una atmósfera de góspel dominical en la avenida principal de Tecnópolis. Pero, por el otro, su particular lírica es por completo satírica y sirve como contrapeso ideal para el tono más elaborado y serio que posee la estructura. Luego, lo esperado por todos: cuando los instrumentos quedaron en silencio, Peluso desplegó a capella todo el poderío de su voz, pareciendo positivamente de otra época y dejando en el aire la pregunta de por qué no tiene más canciones así.

La autoproclamada “asesina del mambo” siguió con su regadero de actitud y poder femenino con “Natikillah”, inundando el lugar de hip hop post-2000 (ese que se supo cruzar con el pop de una manera muy eficiente) y poniendo su mensaje por delante de todo: lo (muy mal) considerado como un defecto por los estándares de la sociedad actual, para ella es un arma nuclear capaz de derribar cualquier pared y terminar con la nefasta dictadura de los prejuicios y la discriminación.

Luego de recibir una (nueva) estruendosa ovación, Nathy agradeció por la posibilidad de hacerse escuchar y se unió a todas las luchas vigente en el país, tomando el toro por las astas: sin imaginarlo siquiera, esta versátil y original artista se convirtió en la bandera de cientos de miles de mujeres que están peleando por sus derechos. Si el público hoy tiene, más que nunca, una relación simétrica respecto del ascenso de los músicos, Nathy Peluso es un ejemplo acabadísimo de esta tendencia.

Con el grito pidiendo por el aborto legal como trasfondo –y con el pañuelo verde elevándose al cielo desde sus manos– el neo soul callejero de “Esmeralda” anticipó el cierre a pura sangre y fuego de la mano de una versión (extendidísima) bien guitarrera de “Corashe”. La despedida llegó después de que todos los protagonistas bailasen abrazados sin parar al borde del escenario, quedando en el frío aire de Buenos Aires varias reflexiones respecto de una de las artistas del momento.

Nathy Peluso no posee ningún tipo de indefinición lingüística, cultural y artística: su versatilidad y eclecticismo son el resultado y el motor de una búsqueda muy pensada de una gran diversidad de colores y matices. Su voz es igual de flexible, destacándose más que nada en los momentos en solitario y cuando intenta canalizar el espíritu más clásico de la Black Music originaria. Si bien se la cataloga como una artista urbana, ella prefiere transmitir un sinfín de sentimientos con su música, sin encerrarse jamás en ninguna jaula, yendo en contra del concepto de la fama acuñado por Andy Warhol. En cuanto a lo performático, es bastante claro que Peluso utiliza como base el viejo teatro español, quedando por completo explicado el elemento grotesco de sus presentaciones.

Pura actitud, un verdadero torbellino de emociones, ha sido tomada como un símbolo por todas las mujeres a lo largo y ancho del globo debido a su manera de plantarse ante cualquiera sin miedo a la incorrección política y mostrando una confianza plena en el propio talento. Siempre haciendo de las inherentes imperfecciones un motivo de orgullo, la bonaerense logró llevar a un plano cien por cien terrenal el concepto de diva clásica. El camino es el correcto. Tal como se preguntó a sí misma en una reciente entrevista dada ante un canal de España “Si no me la creo yo ¿Quién se la va a creer?”. Será cuestión de creer nomás...

Por Rodrigo López Vázquez

[ruthpastor46]

Viva Friday Playlist, With Sebastián Yatra, Reik, Rosalía and More

This week on the Viva Friday playlist, Sebastián Yatra and Reik leave the reggaeton aside and droped a soft ballad, James Blake and Rosalía present “Barefoot in the Park” and Carlos Vives gives us a new musical taste from Colombia.

Plus don't miss new music from Sofia Reyyes with Slushii, Los Auténticos Decadentes featuring Rubén Albarrán (Café Tacvba), Sky with J Balvin and more.

Sebastian Yatra & Reik, "Un Año" 

Putting the catchy reggaeton tunes on hold, both Sebastian Yatra and Reik kick off 2019 with a soft ballad that will give you all the feels. The Colombian artist has teamed up with the Mexican band for "Un Año," a song that puts into words the real meaning of love: patience, unconditional commitment, and overcoming obstacles together. The heartfelt music video, directed by Nuno Gomes, intertwines distinct love stories, from an astronaut counting the days until he can reunite with his family to a little girl finding her lost doggy. -- JESSICA ROIZ

James Blake & Rosalía, "Barefoot in the Park"

Rosalia has joined forces with the English singer/songwriter James Blake for “Barefoot in the Park,” off Blake's Assume Form album, out this week. In the song, Rosalia’s lyrics are in Spanish, but when she joins Blake for the chorus, her sweet and low key voice stands out and showcases an artist who sooner than later will be surprising us with new music entirely in English. In the meantime, "Barefoot" is a can't-miss track for just about any playlist. -- SUZETTE FERNÁNDEZ 

Rubén Blades and Making Movies, "No Te Calles"

Rubén Blades sings lead vocals on “No Te Calles,” a fevered tribal rock collaboration with the band Making Movies. Blades composed the song in Spanish with the members of the band -- comprised of the Chi brothers, from Panama, and the Chaurand brothers, from Mexico -- adapting it from Making Movies’ prior English-language single, “Spinning Out.”

A denunciation of political corruption, “No Te Calles,” is (according to the members of the Kansas-City based Making Movies, of which Blades is a fan) “a song and a movement,” to be accompanied by a campaign intended to encourage people to speak out. Blades wrote on social media: “Sal a la calle means hide no longer, express yourself against evil and march against corruption. Those who support good are the majority, those for evil are less than us, in any society. Let us not lose faith.” Blades chants insistently on the track, and as always, his voice commands. “No Te Calles” immediately gets under your skin. -- JUDY CANTOR-NAVAS

Los Auténticos Decadentes feat. Rubén Albarrán (Café Tacvba), “Loco (Tu Forma de Ser)”

Hailing from Buenos Aires, Argentina, Los Auténticos Decadentes kick off 2019 -- three decades after their debut album, El Milagro Argentino (1989 -- with the launch of Fiesta Nacional (MTV Unplugged)’s second single, “Loco (Tu Forma de Ser).” The Ruben Albarrán-assisted song is the 18th track of the live set, which was recorded in May 2018 and ventures into the band’s classics: an amalgam of the indigenous claw with their distinctive milonga and thrilling ska-rock. In an emotive celebration, the frontman of Mexico’s legendary Café Tacvba joined the 12-member ensemble, with his usual cheerful disposition, for a rendition of a classic from the Argentinian’s legendary catalog. -- PAMELA BUSTIOS

Slushii & Sofia Reyes, "Never Let You Go"

In 2018, we enjoyed how many DJs and Latin artists joined forces to produce new music. This year, Sofia Reyes takes the lead collaborating with the American DJ Slushii, with the duo releasing the bilingual collab “Never Let You Go.” The song brings fusions dance sounds with a touch of reggaeton beats, with a groove that's very calm and refreshing, but danceable at the same time. Ideal to listen to in a casual hangout with your friends. -- S.F.

Sky, J Balvin & Jhay Cortez feat. MadeinTYO, "Bajo Cero"

As producer and songwriter, Sky Rompiendo has a remarkable resume, including chart-topping hits from J Balvin, Ozuna, and Karol G. Now, he's kicked off his career as a solo artist, bringing his Colombian roots and distinctive style to the forefront. His single "Bajo Cero," with J Balvin and Jhay Cortez and featuring Atlanta-based rapper MadeinTYO, lives up to Sky's fresh take on traditional Latin rhythms, combined with beats that blend American hip-hop, R&B, and pop. -- J.R.

Carlos Vives, “Dejame Quererte”

In each of his productions, Carlos Vives presents songs with sounds that are always related to his roots. And, for his new song “Dejame Quererte,” he really goes for a new sound, after touring around six regions in Colombia - including Boyacá, Llanos Orientales, Providencia, San Basilio de Palenque, La Guajira and El Pacífico – looking for local talent. The result? He found five other artists: Cholo Valderrama, Cynthia Montano, Elkin Robinson, Kombilesa Mi & Velo De Oza.

The song seems to be dedicated to a woman called Andina, but in reality it is a tribute to Colombia’s scenery. As for sound, it does incorporate Vives' musical roots -- but what makes the difference is that each of his new collaborators' voices stands out in a way that shows their musical backgrounds, like traditional vallenato and Colombian urban, among others. -- S.F.

Lágrimas de Sangre – “Vértigo”

A standout within the Spanish youth circuit, Barcelona-based social rap group Lágrimas de Sangre have released "Vértigo,” the second single for the group's 17-track third album, due out Feb. 15. The quintet has become a benchmark of Spanish social hip-hop in the underground cultural sphere at a national level. Their songs tenaciously emphasize lyrics of protest and awareness; it’s part of their nature. In “Vértigo,” a song written by the band’s three MCs (Neidos, Microbio and Still ill), Lágrimas de Sangre promenades through reflections of fame and its consequences without neglecting anecdotes of their career. -- P.B.

Crecer German, "Frente a Usted"

Crecer German starts off his 2019 with the release of his new single "Frente a Usted." The seductive guitar riffs and German's crisp vocals give life to this new Norteño love song that talks about a person who feels grateful for finding the love of his life and never wants to let them go. The music video lives up to that, showing the Regional Mexican singer flirting with a beautiful model. -- J.R.

Ximena Sariñana, “Lo Bailado”

Written by Ximena Sariñana in collaboration with ICON Music and Juan Pablo Vega, “Lo Bailado” is Sariñana’s sophomore single release off her upcoming fourth studio album, slated for March. The song was written with the conviction of setting one’s predicaments aside in a graceful manner, by reconciling our bitter memories and by validating the worth of each experience. The upbeat tempo of Vega’s guitar riffs, a playful bossa nova pitch, makes the message easy to digest, setting an ethereal tone -- “an effortless vibe,” as Sariñana states: no lo tomes personal, después de otoño hay primavera (don’t take it personal, after autumn comes spring). -- PB

Carlos Rivera, “Sería Más Fácil”

Carlos Rivera’s new music video "Seria Mas Facil" will break your heart. It shows the feelings of a couple who love each other but for other reasons have ended their relationship. For them, the separation is very difficult to overcome. -- S.F.

Source: https://www.billboard.com/articles/columns/latin/8494075/viva-friday-playlist-sebastian-yatra-reik-rosalia

[noticiaspuntodevista]

MIENTRAS EL PAÍS ENTRA A UN PARO NACIONAL, DUQUE IRÁ A INAUGURAR EL FESTIVAL VALLENATO

Articulo tomado de Colombiano Indigando. 

Jueves 25 de abril del 2019 -  Según confirman medios regionales, el presidente Iván Duque hará presencia este viernes en la inauguración oficial del Festival Vallenato que se realiza en Valledupar, capital del departamento del Cesar. Con esta ocasión, sería la segunda vez que el uribista visita dicho municipio en lo corrido del mes.

El festival en su edición número 52 ha realizado durante estos días sus primeras presentaciones, desarrollando las competencias infantiles, juveniles y aficionadas, según informa El Heraldo. Pero la inauguración del evento oficial tendrá lugar el viernes en la noche con el Jefe de Estado haciendo presencia, aparentemente.

Recordemos que este es el segundo año consecutivo en que Duque va al festival, pues en el 2018 mientras estaba llevando a cabo su campaña presidencial también llegó al lugar, tomándose fotos con artistas y demás, desatando toda clase de comentarios por las supuestas prioridades que estaba dando dentro de la contienda electoral.

Ahora el mandatario estará en el parque de la Leyenda Consuelo Araújo Noguera, donde estarán aficionados del genero musical por el que él ya ha demostrado más que un claro interés y pasión, a tal punto que en sus ideas de la economía naranja este tema aparece mencionado, según recordó El Heraldo.

“Estamos mostrándole al mundo cómo Valledupar es una capital de la Economía Naranja, de la música, de las tradiciones, del folclor, de toda esa riqueza ancestral. Y queremos que la Economía Naranja se vincule con el turismo, porque hemos dicho que el turismo es el nuevo petróleo de Colombia”, fueron las palabras de Duque.

Así entonces, la agenda presidencial tiene lugar en Valledupar, mientras que desde este 25 de abril en gran cantidad de departamentos del país se da inicio a un Paro Nacional, apoyado por gran número de sectores que desde ya están haciendo sus marchas exigiendo modificaciones al Plan Nacional de Desarrollo y otros temas como la defensa de la paz. Fuente consultada: El Heraldo.

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06 de noviembre del 2018

Para vos:

Léelo con toda la propiedad del caso.

“Vuelva brevemente a las fuentes respiratorias, plásticas, activas del lenguaje, que se relacionen las palabras con los movimientos físicos que las han originado, que el aspecto lógico y discursivo de la palabra desaparezca ante su aspecto físico y afectivo, es decir que las palabras sean oídas como elementos sonoros y no por lo que gramaticalmente quieren expresar, que se las perciba como movimientos directos, simples, comunes a todas las circunstancias de la vida” (1999: 158)

Esto esta ordenado en tres intenciones contundentes: la primera es comunicando lo no dicho, la segunda advirtiéndote de mí, la última y más importante persuadiéndote directamente a compartir lo quieras conmigo.

Fragmento corto de una canción mal hablada que me evoca cosas con vos:

“Ven inyéctame tus labios, quémame como el sol en la nuca

Y calma mi sed al preguntar si te vas y digas nunca.

Cántame tan cerquita al oído que tu susurros pongan de punta el (brrr) frío

Y el calor sea una cosa de esquimales, tu abdomen la guitarra invisible que interpreto para curar mis males, que las sales de tu ser se desborden sobre el mío, que la pausa del tacto terminen en desembocar un río

Besitos en el cuello, te aprieto las nalgas y sonrió,

Agitó el vasito de whisky con hielo que me diste y sigo coqueteándote

Mientras pones las canciones elevándote

En lomas de fuego y yo

Mirándote

Aunque creas que es normal, todo es tan diferente

Salí de la caverna estaba tu luz de frente

No te pido que me creas esto, solo se siente

Silencio son excusas para acercarme y verte”

Respondo a tu carta con muchos interrogantes fallidos, con disparos sin respuesta, no lo hago porque sienta responsabilidad en responder, me enredo/me entrelazo/me caigo/me doblo/me pellizco mientras redacto, quería escribirte sin mucho precepto, sin esquema, sos  el poliedro que más  gusta, me gusta  cada una de tus caras las que desato, provoco y  hasta las que no conozco.

Quería contarte antes de todo, que sucedió esa primera vez de la nunca hablamos, esa primera vez de Cali, la que omitimos esa misma noche, donde sé que seguramente los dos pensamos en huir, sentí que después de eso algo cambió radicalmente, desembocó el rio, créeme, es verdad cuando te digo que esto también es nuevo para mí, además por las renuncias que había decidido, rompiste más que la línea caliente de la entrepierna, no te diré mentiras, iba a desaparecer esa misma mañana, quería salir corriendo por eso la excusa de los jugos ¿La recuerdas? Dure un par de minutos en entrar a la casa, no podía acercarme a ti, ese miedo lo experimente hace un par de años atrás estando en el colegio mezclada de plena ingenuidad, tus caricias de fuego volvieron a prender  cosas dentro de mis tripas, quizá eso que no describo fue lo que me trajo el silencio, dure en silencio varios días, donde me di cuenta que te quería, que quería andar contigo más lugares de cualquier forma, desde ese momento, deje fluir y  un poco antes inconscientemente lo había elegido, te guarde mientras deje que esto sucediera o acabara.

Quiero entender-te además  (el  sentido, el mío el nuestro o de cualquiera de las condiciones que nos arropa) la vida, el sentir, las obsesiones que conllevan a la desesperación al extremo deseo de este momento exacto de sentir  (vida-muerte), rompes grietas, las abres, tiemblan   los ojos, las voces que alientan esperanza del deseo y la pasión de los vínculos, esas virtudes que tanto proclamaban se desvanecieron en un mal recuerdo y ahora, más bien  regresan a su lugar, existen, difícil,  creer en los otros es muy  complejo, quisiera regresar hoy a los lugares donde no odie vivir, tengo muchas pérdidas, hoy vuelvo a ese vacío que siempre quiso ir detrás mío, tengo muchos retazos, muchas agujas todavía, quisiera sacarlas despacio una por una, pero no siempre las encuentro, regreso constantemente a ese lugar, ¿Cómo hacer para renunciar de ellas? ¿Lo has pensado? También he sentido las tuyas, también las tienes, prendamos fuego, no te lo había dicho pero también en su momento fui muy pirómana, tan torpe para jugar a aguantar el calor de las llamas en las palmas, para aguantar todo lo toxico que me banque de otras personas, todavía tengo muchos  líos que me han aventado al constante eco del dolor- me jode eso- parece que me hubiera acostumbrado, como alguien me decía;  “ese constante latido”, a esa constante herida que cada vez me vuelvo a abrir como un niño inquieto y desesperado por las    cicatrices de sus rodillas, he intentado huir y desvanecer  los fantasmas que me golpean la cabeza y me chuzan la espalda, puedes escapar antes, si quieres.

Últimamente he encontrado una calma muy parecida a lo que me decís de la tranquilidad, ese silencio cómodo que aparece cuando te beso y te miro por más de cinco segundos y sos eso calma/orden/caos, te invito a cualquier cambuche, conmigo te esperará eso cualquier pecado, un licor medio destilado, abundantes cobijas, noches eternas hablando del tiempo, de lo silvestre, lo bohemio y lo carnal que pódes  llegar a ser.

Algún día nos iremos, Camilo, pero ahora quiero que te quedes hasta donde elijas, hasta donde nos dé lo que sentimos y hasta donde nos aguanten los miedos, para que confíes en mi realmente falta mucho, aunque raramente yo sí confió en ti y si, contigo voy al norte, al sur, donde sea, contigo, me alegro que en medio de todo existas en mis sueños, en mis fotos, en los libros de poesía, en los micro cuentos, en mi piel, en la desnudez, en el placer, en la dicha lejos/cerca/dentro/fuera en el sabor de los besos, en mis manos, tu cobija, en el baile en nuestros bailes, me has librado de muchas cosas, me has hecho bien, me he recuperado de algunos daños sé que todos esos daños los míos los tuyos  como te lo he dicho nos han hecho, sin ellos no entendería esto “Hay una grieta en todo, así es como entra la luz”  así es como floreces dentro de hielo, en los boleros a los que regreso despacito, en los vallenatos, el blues de la madrugada, la salsa de tus caderas, los currulaos a medio día, los atardeceres de punk  y las noches de trap, estoy flotando con todo lo que está pasando entre los dos, quiero continuar sin pensar y dejar de nombrar tanta mierda que nos hicieron o hicimos a otros…

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 ” Tal vez sea preciso callar. No añadir más palabras a las ya expandidas. O tal vez urdir otro inicio”, Perdona todas estas letras vomitadas, recopile pedacitos de muchas cosas que escribí sobre ti y lo que sentí en distintos   lapsos de tiempo.

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Con cariño te escribo, te ama, María C.

 Bibliografía:

ARTAUD, Antonin (1999-1938), El teatro y su doble (trad. Enrique Alonso y Francisco Abelenda), Barcelona, Edhasa.

Rap Bang Club (2018) Mi mujer, VENUS, Bogotá, Colombia, Rino films.

[fueradefocomagazine]

LOS AUTENTICOS DECADENTES

Presentan en vivo su aclamado álbum MTV Unplugged “Fiesta Nacional” en la calle Corrientes de Buenos Aires

▶Viernes 12 Abril - Teatro Gran Rex

(Últimas localidades)

▶Sábado 13 Abril - Teatro Gran Rex

(¡Entradas agotadas!)

::: Nueva función :::

▶Domingo 14 de Abril - Teatro Gran Rex

Entradas disponibles por Sistema Ticketek y en la boletería del teatro

(Dirección: Av. Corrientes 857, CABA)

Los Auténticos Decadentes llegarán en el mes de Abril a la tradicional calle Corrientes de Buenos Aires con toda la magia del MTV Unplugged “Fiesta Nacional”, su más reciente lanzamiento discográfico. A los shows inicialmente previstos para los días Viernes 12 y Sábado 13 de Abril (¡agotado!) se suma una nueva función para el Domingo 14 de Abril. Las entradas se pueden adquirir por Sistema Ticketek o en la boletería del Teatro, ubicado en Av. Corrientes 857, Ciudad de Buenos Aires.

La gira Fiesta Nacional tuvo un deslumbrante puntapié inicial el pasado 30 de Noviembre en el Teatro Coliseo Podestá de la Ciudad de La Plata. Allí, los Deca desbordaron la sala en un elegante recorrido por gran parte de su repertorio en formato acústico, llevando al vivo las nuevas versiones y la deslumbrante puesta de inspiración porteña planteadas en el  unplugged. Este show fue presentado el último fin de semana en Córdoba, en el marco del  Cosquín Rock a lo largo de dos presentaciones especiales que tuvieron lugar en el escenario Alternativo del festival los días 9 y 10 de Febrero. A nivel internacional, el grupo llegará con su MTV Unplugged el 23 de Febrero al Gran Arena Monticello de Santiago de Chile. Y de allí los músicos partirán a México donde los espera un gran tour que visitará 3 ciudades en 11 conciertos: los primeros shows tendrán lugar del 28 de Febrero al 4 de Marzo en 5 noches consecutivas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, dos de las fechas ya se encuentran agotadas. Luego 8 y 9 de Marzo será el turno del Pabellón M de Monterrey. El cierre del recorrido mexicano será los días 13, 14, 15 y 16 de Marzo en el Teatro de Guadalajara, donde solo quedan entradas para el 16.

Así se vivió la fiesta nacional decadente en Cosquín Rock

Los Autenticos Decadentes: MTV Unplugged “Fiesta Nacional” es una celebración audiovisual sin precedentes. El material fue grabado en Mayo de 2018 en los Arenas Studios de Buenos Aires y el lanzamiento se concretó a nivel mundial en Octubre 2018 en formatos CD+DVD digipack de lujo, Doble Vinilo y Digital. Divertidos, irreverentes, sabios e infalibles, Los Deca abordan su repertorio en versiones de tango, folclore, carnavalito andino, vallenato colombiano, cumbia, cuarteto, balada, corrido mexicano y por supuesto rock, entregando una experiencia completa e inolvidable. El corte de difusión actual es una exquisita versión de “Loco (tu forma de ser)” con la participación especial de Rubén Albarrán de Café Tacvba. Desde su estreno a finales de enero el single lleva 5 millones de streams en Spotify y 2 millones de vistas en Youtube. Además de Rubén Albarrán, el MTV Unplugged de Los Auténticos Decadentes tuvo invitados de lujo como Mon Laferte, Ulises Bueno, Gepe y Chaqueño Palavecino, además de La Bomba de Tiempo y Afrosound Choir en varios pasajes del show.

Mira el videoclip del nuevo single en YouTube

LOCO (TU FORMA DE SER) ft. RUBEN ALBARRAN

Escucha en todas las tiendas digitales

LOS AUTENTICOS DECADENTES: MTV UNPLUGGED “FIESTA NACIONAL”

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Disfruta el show completo de FIESTA NACIONAL en YouTube

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