#sesión de estudio

[studyingselene]

july 21, 2024 - yesterday's chemistry study session

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21 de julio de 2024 - la sesión de estudio de química de ayer

[satorugojowidow]

Diputados confirmó el veto de Javier Milei a la Ley de Financiamiento Universitario

La Cámara baja no pudo revertir el veto del Presidente a la Ley de Financiamiento Universitario. En la sesión especial de hoy, 160 diputados votaron a favor de insistir con el proyecto de ley, mientras que 84 votaron en contra y 5 se abstuvieron. De esta manera, no se alcanzaron los 2 tercios necesarios. Con el resultado de la sesión de hoy, se mantiene el veto de Milei y el Parlamento no podrá insistir con el tema por al menos un año.

......

De acuerdo con los datos de la Conadu, el salario bruto de los docentes universitarios aumentó en agosto un 76% con respecto a diciembre de 2023. Este incremento es inferior a la inflación registrada entre diciembre y agosto, que fue del 94,8%, según el INDEC.

Es por esto que los sueldos docentes de este nivel perdieron poder de compra en este período. Al contrastar la pauta salarial de un docente universitario con la inflación, en agosto de 2024 la caída fue del 9,2% respecto de diciembre de 2023. Si la comparación se hace contra noviembre de 2023, la caída es del 23,7% en términos reales.

En los primeros 8 meses del año, el Gobierno nacional transfirió a las universidades nacionales $ 1,8 billones. Esto representa una caída en términos reales (es decir, descontando el efecto de la inflación) del 30,1% contra el mismo período de 2023.

Por otra parte, si se analizan todas las partidas destinadas al área de Educación Superior de la Oficina Nacional del Presupuesto -que depende del Gobierno nacional-, el presupuesto vigente para todo 2024 es un 31,5% menor en términos reales al que se ejecutó en 2023.

...

Los bajos salarios están produciendo una nueva fuga de cerebros de las Universidades Nacionales y el Conicet.

La situación económica general y los bajos montos de las becas están produciendo que muchos estudiantes no puedan continuar sus estudios.

LA UNIVERSIDAD PÚBLICA SE DEFIENDE. ESTO RECIÉN EMPIEZA

[nenelonomh]

study august twentieth: ◻ spanish verb conjugations - hablar ◻ finished business management script for my pitch ◻ worked on business management revision paper ◻ sehs revision (creating flashcards)

today was so busy! i'm so grateful for my ability to readjust and be flexible when things don't go to plan.

i went to school, and then to training afterwards. we did a circuit hiit session - i ended up vomiting due to the difficulty. i survived though! and i have more training tomorrow.

when i left training, it began to pour down with rain. i ended up wet and cold, but i still had to ride the train home. i only got home around five pm, so i was unable to collect my on-hold books from the library. i was still able to buy birthday gifts for my friends lana, ryan (both of them have their birthday tomorrow), and myke (hers is on the twenty-fifth).

tomorrow i will go to a morning training session and have a study date with some of my other friends in the afternoon.

image source: pinterest

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estudio del viente de agosto: ◻ conjugaciones verbales en español - hablar ◻ guión de gestión empresarial terminado para mi presentación ◻ trabajado en la revisión de la gestión empresarial revisión ◻ de sehs (creación de tarjetas didácticas)

¡hoy estaba tan ocupado! estoy muy agradecida por mi capacidad de reajustarme y ser flexible cuando las cosas no van según lo planeado. fui a la escuela, y luego a entrenar. hicimos una sesión de circuito hiit - terminé vomitando debido a la dificultad. ¡sobreviví sin embargo! y mañana tengo más entrenamiento.

cuando dejé el entrenamiento, comenzó a derramarse con lluvia. terminé húmedo y frío, pero aún así tuve que viajar en tren a casa. solo llegué a casa alrededor de las cinco de la tarde, así que no pude recoger mis libros en espera de la biblioteca. todavía pude comprar regalos de cumpleaños para mis amigos lana, ryan (ambos tienen su cumpleaños mañana), y myke (la suya está en día veinticinco quinto).

mañana iré a una sesión de entrenamiento por la mañana y tendré una cita de estudio con algunos de mis otros amigos por la tarde. fuente de la imagen: pinterest

[jedivoodoochile]

Dian Hanson, en una antología del género Pin Up para Taschen, lo definió como "Una imagen provocativa pero nunca explícita de una mujer atractiva, creada específicamente para ser exhibida públicamente en un entorno masculino".

Y ella es el icono Pin Up más famoso de la historia. Mucho antes del #MeToo, siempre intentó mantener su independencia, rechazando ofertas, hasta del mismísimo Howard Hughes, que tenía un equipo para llamarla y acosarla.

Bettie Page nació un 22 de Abril de 1923 en Nashville.

Tuvo una infancia difícil, sin afectos, ni dinero, varias mudanzas y abusos.

Su padre era un alcohólico y su madre una mujer casi analfabeta.

Vivían en medio de la pobreza, y la única isla de esa realidad, era alguna escapada al cine, donde sus ojos infantiles veían como verdaderas hadas, a esas actrices, siempre bellas y perfectas.

Pero cuando la pantalla se apagaba, también lo hacían sus sueños.

De regreso al hogar, cocinaba, limpiaba y ayudaba en las tareas a sus hermanos.

Siempre preparaba alguna actuación, donde bailaba y reía todo el tiempo.

Ella y sus hermanos fueron separados por los servicios sociales y alojados en orfanatos.

Fue muy buena alumna de instituto, donde conoció a Billy Neal, un compañero con el que se casó, poco antes de que él sea movilizado por el Ejército en la II GM.

Obtuvo una Licenciatura en Artes en la Universidad de Peabody, en Tennessee, y comenzó a trabajar como profesora. Pero no funcionó.

Recordaba años más tarde que "No podía controlar a mis alumnos, sobre todo a los chicos".

Bettie en 1945 se traslada a NYC, donde trabaja como secretaria, mientras recibía clases de interpretación. Consiguió una audición en la 20th Century Fox, pero su prueba de cámara fue mal manejada y no fue aceptada.

Neal regresó de la guerra en 1947, y comenzó un bucle de violencia verbal y física en la relación.

Aún amenazada de muerte, Betty lo abandona.

Caminando por la playa de Coney Island sin rumbo, conoció a Jerry Tibbs, un policía de NY y fotógrafo aficionado, que la invitó a su estudio para una potencial sesión de fotos como modelo Pin Up.

El estilo había nacido en los 40', donde las imágenes de esas chicas aparecieron en sensuales calendarios y postales, y sus dibujos desde tanques, hasta barcos y aviones.

Fue Tibbs quién le sugirió un flequillo, que ya no la abandonaría.

El éxito fue inmediato. Su imagen comenzó a aparecer en muchas revistas como Stare, Gaze, Vue, Titter, Beauty Parade, o Eyeful entre otras, y muy pronto se convirtió en la modelo preferida de los clubes de fotografía, apareciendo en garages, talleres, gasolineras y habitaciones.

Poco después conoció a los hermanos Irving y Paula Klaw, propietarios de Movie Star News, una pequeña productora de cine.

Así, en tres cortos casi amateurs, y filmados en 16 mm, Striporama, Varietease y Teaserama, Bettie apareció en filmes de una naif temática BDSM.

Lo que verdaderamente la distingue de las demás pin-up, era que nunca dejó de ser ella misma.

Tenía una candidez en la expresión y una alegría natural de chica sana, que la alejaba de todo el maniqueísmo del género.

Actuaba, no era, y siempre dominaba la situación.

Pero su consagración llegaría cuando Bunny Yeager, la fotografía para un póster de la edición de Enero de 1955 de la revista Playboy que la convirtió en una de las playmates más famosas de todos los tiempos.

Pero todo terminó en la Nochebuena de 1958.

Bettie se sentí­a tan sola, que decidió entrar en una iglesia bautista de Key West. Vio una luz de neón en forma de cruz, mientras estaba tumbada a la orilla de mar. Se habí­a mudado a Florida, tras fracasar su segundo matrimonio y sufrir una crisis nerviosa.

"El Señor me llevó de la mano, y perdonó mis pecados", declaró.

Así, dejó la vida pública, y comenzó a predicar, siguiendo al Pastor Billy Graham.

En su conversión, hasta llegó al África,

donde fue misionera en Angola.

Luego, ya en la década de los 70', sufrió graves problemas mentales, una inestabilidad que obligaron a internarla en un instituto psiquiátrico.

Estuvo con algunos intervalos, bajo tratamiento en el Patton State Hospital de San Bernardino hasta 1992. Al salir vivía de las ayudas públicas.

Hugh Heffner salió a su rescate y gestionó sus derechos de imagen, y a partir de entonces, ella comenzó a recibir regalías por la comercialización de todo tipo de productos con sus fotografías, como camisetas, tazas, carteles, libros, y varias producciones cinematográficas sobre su vida, y pudo pasar sus últimos años sin necesidades.

Falleció en Diciembre del 2008.

Símbolo de la Cultura Pop y la revolución sexual de los 60' y 70', enfrentó el puritanismo y se convirtió en la más legendaria de las Pin Ups, con un espíritu libre y colmado de belleza.

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[jazzandother-blog]

https://youtu.be/9B7ZWDaKECI?si=xFf6HwQfex3zQCUm

(English / Español / Italiano)

On March 2, 1959, at 2:30 in the afternoon, a group of musicians entered an old church on 30th Street in New York that the Columbia record company had converted into a recording studio thanks to the special sonority of the place. The musicians belonged to the sextet of Miles Davis, trumpeter and composer extraordinaire, a cornerstone of modern jazz. The first to arrive was drummer Jimmy Cobb, who calmly and carefully set up his drum kit. Soon after, bassist Paul Chambers, saxophonists Cannonball Adderley and John Coltrane, pianists Bill Evans, who no longer belonged to the sextet but would record on this album, and Wynton Kelly arrived. Finally, Miles, the leader of the group. Without even knowing it, this first session and the second recorded on April 22 would become fundamental in the history of both jazz and music. The product of those two days would be called Kind of Blue and was released on August 17 of the same year.

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El 2 de marzo de 1959, a las dos y media de la tarde, un grupo de músicos entraron a una antigua iglesia en la calle 30 de Nueva York que la compañía discográfica Columbia había convertido en estudio de grabación gracias a la sonoridad especial que tenía el lugar.Los músicos pertenecían al sexteto de Miles Davis, trompetista y compositor extraordinario, piedra angular del jazz moderno. El primero en llegar fue el baterista Jimmy Cobb quien con tranquilidad y esmero montó su batería. Poco después llegarían el bajista Paul Chambers, los saxofonistas Cannonball Adderley y John Coltrane, los pianistas Bill Evans, quien ya no pertenecía al sexteto pero que grabaría en este disco, y Wynton Kelly. Finalmente, Miles, el líder del grupo. Sin siquiera saberlo, esta primera sesión y la segunda grabada el 22 de abril se volverían fundamental tanto en la historia del jazz como de la música. El producto de ese par de días se llamaría Kind of Blue y salió a la venta el 17 de agosto del mismo año.

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Il 2 marzo 1959, alle due e mezza del pomeriggio, un gruppo di musicisti entrò in una vecchia chiesa della 30ª strada a New York che la casa discografica Columbia aveva trasformato in studio di registrazione grazie alla particolare sonorità del luogo. I musicisti appartenevano al sestetto di Miles Davis, trombettista e compositore straordinario, pietra miliare del jazz moderno. Il primo ad arrivare fu il batterista Jimmy Cobb, che con calma e attenzione sistemò la sua batteria. Subito dopo arrivarono il bassista Paul Chambers, i sassofonisti Cannonball Adderley e John Coltrane, i pianisti Bill Evans, che non faceva più parte del sestetto ma che avrebbe registrato su questo album, e Wynton Kelly. Infine, Miles, il leader del gruppo. Senza nemmeno saperlo, questa prima sessione e la seconda registrata il 22 aprile sarebbero diventate fondamentali nella storia del jazz e della musica. Il prodotto di quei due giorni si sarebbe chiamato Kind of Blue e sarebbe stato pubblicato il 17 agosto dello stesso anno.

Fuente: Pasión por el Jazz y Blues

[azul-maria-elias]

Tertulia Beatleana. Retrospectiva y análisis de la discografía de los Beatles.

«With The Beatles» (1963)

Esta publicación forma parte de una serie de trabajos que estoy redactando sobre The Beatles que conforman una sección a la que llamo “Tertulia Beatleana”. Si querés conocer más sobre este proyecto te dejo el enlace a dicha entrada en mi blog donde explico un poco más y podrás encontrar todas las publicaciones listadas en orden.

¡Aclaración!

Quien se encuentre decidido a sumergirse en la lectura de mis publicaciones debe entender que escribo para entretenerme y para entrenarme en el arte de la escritura. Por naturaleza, habrá decenas de errores de información equívoca, mala ortografía y redacción, pobres análisis, etcétera. A pesar de esta decepcionante aclaración estoy convencida de que si te gustan e interesan los Beatles mis publicaciones te van a encantar. Le dedico muchas horas y cariño a ellos, lo que logra contrarrestar a mis poco pulidas habilidades de escritura e investigación.

Es por ello que mi trabajo será meramente recopilatorio, presentando de forma ordenada toda la información necesaria para empezar a comprender su música. Esto significa que encontrarás descenas de citas textuales no solo de los miembros de The Beatles y otros protagonistas de su historia, sino también de páginas, videos y artículos que analizaron y documentaron sobre su discografía.

Si encuentras algún error o quieras realizar una aclaración respecto a la información expuesta, te invito a que me lo escribas en un mensaje o comentario.

El ascenso inevitable

Con Please Please Me, los cuatro de Liverpool consiguieron su primer Número Uno. Su inevitable ascenso los llevó a cosechar el single más vendido en la historia de Gran Bretaña: "She Loves You".

El inmenso éxito significó una agenda mucho más apretada para grabar su próximo álbum. El 13 de octubre de 1963 se presentaron en el programa Sunday Night At The London Palladium, donde fueron vistos por un público de 15 millones de espectadores. Al mes siguiente tocaron para la Reina en The Royal Variety Show y poco después cosecharían su tan esperado éxito en los Estados Unidos con su actuacion en The Ed Sullivan Show. Durante esta época, la prensa británica acunó el término de la "beatlemanía" para referise al impacto de la banda sobre sus fanáticos.

Fotos: Los Beatles en el Sunday Night At The London Palladium,13 de octubre de 1963.

En este contexto, a pesar de no repetir la fenomenal hazaña de grabar diez canciones en diez horas, la grabación y producción de With The Beatles fue toda una odisea. Grabaron en cuatro sesiones distanciadas entre sí debido a las obligaciones del grupo.

Habida cuenta de esas circunstancias, With The Beatles no es sólo una gran secuela, sino un logro en sí mismo; el solo hecho de probar que podían hacer otro disco sólido constituía un gran éxito. Pero fueron más allá de eso. Aquí es donde "los flequilludos" se convirtieron en verdaderos profesionales, donde los cuatro chicos de Liverpool se consolidaron oficialmente como estrellas pop. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La primera sesión fue el 18 de julio de 1963: los Beatles llegaron a los Estudios EMI a las diez de la mañana. Grabaron hasta las 13.30, cuando debieron salir rumbo al Playhouse Theatre de Londres para grabar una aparición en el programa de radio de la BBC Saturday Club (grabaciones que después serían recopiladas en BBC Live). Regresaron a eso de las cinco de la tarde donde continuaron trabajando en el álbum sin siquiera parar para cenar. La enorme dedicación de los jóvenes por trabajar en su próximo álbum se condecendía con su disfrute genuino del proceso de grabación.

Lo que más nos gusta es entrar en el estudio para grabar discos nuevos... Lo que más nos gusta es escuchar cómo una de nuestras canciones toma forma en un estudio de grabación... y después escuchar las cintas para ver cómo salió. — Paul McCartney, 1963

Retomaron las grabaciones el 11 y 12 de septiembre y una última sesión el 3 de octubre.

With The Beatles mantuvo el formato de Please Please Me de contener tanto composiciones propias como covers por dos motivos:

Por un lado, los compromisos en vivo de la banda impedían que pudieran concentrarse en el disco varios días seguidos y de la misma manera, las canciones había que componerlas al vuelo: tanto Lennon como McCartney recuerdan discutir ideas en situaciones lejos de lo ideal, como habitaciones de hotel y micros de giras.

Por otro lado, existía un motivo comercial: no querían cambiar demasiado la fórmula que había hecho del primer disco un éxito espectacular.

Esto, junto a otras similitudes, como la observación de McCartney sobre que "Money (That's What I Want)" provocaba las mismas reacciones en vivo que "Twist And Shout", hacen de Please Please Me y With The Beatles álbumes hermanos.

Cuando With The Beatles salió en el Reino Unido el 22 de noviembre de 1963, el disco resultó mejor de lo que nadie asociado con el proyecto hubiera imaginado, especialmente considerando el poco tiempo que tenía la banda por encontrarse cada vez con más demanda. Desplazó a Please Please Me en la cima del ranking británico de discos, y rápidamente vendió más de medio millón de ejemplares en dicho país. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Madurez musical

Aunque las similitudes con Please Please Me son evidentes, With The Beatles presenta unos Beatles mucho más maduros que en su debut. El éxito desmedido del primer disco permitió que los Beatles se tomaran ciertas libertades en cuanto la elección de canciones. Sobre todo, en su segundo álbum predominó el R&B y el Motown, reflejo de los gustos de Lennon y la idea que él tenía para la banda.

En la primera época, obviamente, yo dominaba el grupo. — John Lennon

Es evidente la influencia de Smokey Robinson (a quien alguna vez declaro Lennon como "la voz más perfecta que hay") no sólo en el cover del hit de los Miracles,"You've Really Got A Hold on Me", sino también en los temas propios de Lennon, como "Not A Second Time".

[Sobre "All I've Got to Do"] Es otro de mis intentos por imitar a Smokey Robinson. — John Lennon, 1980

Acompañando esta faceta más madura del grupo, With The Beatles señala el comienzo de la experimentación de George Martin con las técnicas de sonido y grabación:

(...) muchas canciones del disco tienen primeras voces grabadas en dos pistas; en varias, Martin toca el piano o el órgano y, en unos pocos casos, hay pedacitos de algunos instrumentos editados e insertados por medio de cintas en las tomas definitivas. De todos modos, en términos generales el disco es un fiel reflejo del sonido en vivo de los Beatles. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La portada

La icónica imágen de la portada fue obra del fotógrafo británico Robert Freeman. Los Beatles habían quedado impresionados las fotografías que Freeman había tomado del músico estadounidense John Coltrane.

Fotos: John Coltrane fotografiado por Robert Freeman.

George Harrison expresó que With The Beatles fue el principio de la participación activa en el arte del grupo.

El grupo le pidió a Freeman que se inspirara en las fotografías que su amiga Astrid Kirchherr les había tomado en Hamburgo entre 1960 y 1962.

Fotos: John Lennon y George Harrison en la casa de Stuart Sutcliffe tras su muerte, 1962. Fotografías de Astrid Kirchherr.

Para lograr este resultado, el 22 de agosto de 1963 los fotografió en un pasillo de un hotel. Para adaptarse al formato cuadrado de la portada se puso a Ringo Star en la esquina inferior derecha, diciendo que era el último en unirse al grupo y también porque era el más bajo de estatura.

McCartney describió el resultado como «malhumorado» y agregó:

Nos dispuso en el pasillo de un hotel, muy poco parecido a un estudio. El pasillo estaba bastante oscuro y había una ventana al final. Usando la fuente natural de luz de esta ventana que venía desde la derecha, tomó cada una de esas fotos malhumoradas. La mayoría de la gente cree que tuvo que trabajar en ellas un montón de tiempo. Pero fue sólo una hora. Se sentó, tomó un par de rollos, y eso fue todo. — Paul McCartney, 1963

El concepto original era que la imagen ocupara de borde a borde la totalidad de la portada, sin sangrado, título o crédito del artista, un concepto que iba en contra de la práctica de la industria musical de la época, por lo que fue rechazado. El primer álbum en llevar una portada de borde a borde fue el debut homónimo de los Rolling Stones, lanzado cinco meses después.

Canción por canción

Fotos: Los Beatles en el estudio grabando “She love You”, 1 de julio de 1963.

1. It Won't Be Long

Esta canción, compuesta por John Lennon y atribuída al dúo Lennon/McCartney, es la perfecta apertura del álbum

La letra usa un juego de palabras entre "be long" ("mucho tiempo") y "belong" ("pertenecer"), similar a lo que previamente Lennon había hecho con "Please Please Me". El final, en cuanto a su estructura musical, es muy similar con el de "She Loves You".

Tiene casi todos los rasgos característicos de los primeros años: voz principal grabada en dos pistas, un juego de palabras ingenioso ("It won't be long 'till I belong'), ásperos riffs de guitarra y una sentida armonía tríple. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Me encanta la interpretación de Ringo en la batería, creo que acompaña muy bien el frenetismo de las voces. La guitarra de Harrion tampoco se queda atrás, la cuál aparece repentinamente l final de cada estrofa para repitir un simpático motivo.

Me encantan las llamativas voces de los coros que, cuando Lennon empieza a cantar "Since you left me, i'm so alone", armonizan cantando versos similares —no pude distinguir que dicen del todo— pero de una manera casi espectral, como si te susurraran en el oído.

2. All I've Got to Do

Como cité con anterioridad, Lennon había expresado que "All I've Got to Do" fue uno de sus múltiples intentos por imitar a Smokey Robinson.

Compuesta por Lennon, las estrofas están construidas sobre los acentos débiles, una difícil figura recurrente que depende de un preciso engranaje de la guitarra rítmica y el hit-hat. Las espectrales armonías vocales que se escuchan en el estribillo influenciron a todo el mundo, desde Abba hasta los Zombies. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

De nuevo la batería de Ringo, oculta en un tercer plano, realiza un acompañamiento espectacular con algunas partes muy interesantes. Las voces de Harrison y McCartney cantando «Ah» armonizan deliciosamente con la voz de Lennon, quien brinda una interpretación maravillosa —como de costumbre—.

La letra es maravillosamente dulce. Es como un abrazo acogedor y compañero que llega en el momento justo, arrebatándote toda tu tristeza.

3. All My Loving

Paul compuso "All My Loving " durante un tour-bus. Cuando llegaron al destino, escribió la música con un piano en su camerino. Fue grabada el 30 de julio de 1963 y pronto se convirtió en una pieza fundamental de sus presentaciones en vivo.

Es la primera canción que escribo primero la letra. Cosa que nunca hago, y difícilmente repito desde esta canción. Siempre es como una especie de acompañamiento. — Paul McCartney

Lennon expreso su aprecio por esta canción en una entrevista para Playboy.

Lennon: Temo decir que por desgracia, Paul escribió "All my Loving" (risas) Revista Playboy: ¿Por qué? Lennon: Porque es un excelente trabajo... Pero yo añadí una formidable guitarra de fondo.

La letra sigue el modelo de "carta canción" también usado en "P.S. I Love You"

Si no se dejan distraer por las estrofas y los estribillos tremendamente pegadizos, descubrirán un punte huérfano e inusual compuesto no para una parte constratante de la letra sino para un solo de Harrison con toques country. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Es sin dudas el punto más alto de todo el álbum. La pegadiza composición de McCartney es, a mi opinión personal, de las mejores canciones del grupo.

Comienza de manera apresurada y nunca se detiene. Tiene hermosas armonías de voz y una increíble interpretación en la guitarra de Harrison, el cual también posee un puente que sirve como solo. Aunque en la canción se luce su compositor, McCartney, es uno de los mejores momentos de Harrison en la beatlemanía. La guitarra rítmica también lo hace espectacular, manteniendo la canción en un frenetismo constante.

4. Don't Bother Me

Durante el verano de 1963, mientras estaba enfermo en la cama, Harrison compuso su primera contribución en un disco de los. Beatles. Aún sobrevive la grabación que Harrison hizo de si mismo aquel día en que empezó a componer en su habitación.

No fue una canción muy buena. La llegué a olvidar completamente una vez que estaba en el álbum. Por lo menos me dejó claro que todo lo que tenía que hacer era perseverar, y quizás algún día compondría algo bueno. — George Harrison

El primer bocado que tuvimos de Harrison como compositor es espectacular. Como en casi todas sus canciones, la guitarra es protagonista y se luce en un gran solo. El bajo de Paul lleva una melodía muy interesante que le brinda mucha personalidad a la canción.

El humor hosco y desolado de la letra —"So go away, leave me alone, don't bother me" ("Así que lárgate, déjame solo, no me molestes")— era algo inusual en los Beatles de aquella época, pero habría de ser característico en las composiciones posteriores de Harrison.

Los Beatles nunca la interpretaron en directo, como ninguna otra canción de George, salvo "If I Needed Someone".

Luis Alberto Spinetta hizo una emocionante y hermosa versión en vivo, que recomiendo ampliamente oirla.

5. Little Child

McCartney describió "Little Child" como una «canción de relleno». Admitió que robó la línea "I'm so sad and lonely" ("Estoy tan triste y solo") de la canción "Whistly My Love" del baladista y actor británico Elton Hayes.

En una oportunidad, McCartney distinguió entre canciones que eran el producto de la inspiración espontánea y otras que, como esta pequeña y amanerada, tenían una génesis más "trabajosa". Esta alegre canción para bailar es liviana sin llegar al cliché, con una secuencia interesante de acordes y ráfagas demoledoras de armónica de Lennon. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La breve intro es una de las mejores cosas de la canción. Como podemos notar al oir el álbum completo, los Beatles utilizaron todo el potencial de la armónica de Lennon. En esta ocasión dicho instrumento está presente durante toda la canción, teniendo un gran solo a la mitad de esta.

6. Till There Was You

"Till There Was You" es una canción escrita por Meredith Willson para su musical de 1957 The Music Man.

Tuvo un éxito menor en el Reino Unido cuando fue interpretada por Peggy Lee en marzo de 1961. Paul McCartney conoció primero la versión de Peggy Lee y, para cuando versionaron la canción, él desconocía sus origenes en Broadway.

En algunas entrevistas, Lennon y McCartney expresaron el deseo de componer un musical en algún momento, y varias de sus canciones demuestran que ambos compositores entendían el género. Usada en vivo como un breve descanso entre tanto frenesí que dominaba las presentaciones, este cover calmo y sentido del musical de Broadway The Music Man, de 1957, es uno de los momentos más adorables del primer Paul McCartney. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Fue grabada para la audición con Decca Records, en la que fueron rechazados. Con George Martin a la cabeza y la banda con más confianza decidieron grabarla nuevamente. Cambiaron la guitarra eléctrica por una acústica, lo que hizo que la atmósfera cambiara por completo.

Esta pista pelea cabeza a cabeza con "All My Loving» por el título de mejor canción del álbum.

"Till There Was You" se destaca por ser única en su tipo si pensamos en la etapa de la carrera de los Beatles en donde nos encontramos. Su elección para ser reversionada y la interpretación del grupo como una melodía dulce y suave es llamativo. Es sin duda un momento refrescante del álbum, en donde se abandonan los enérgicos rock & roll para abrir paso a la más dulce ternura.

Considero que McCartney superaría a esta composición con "And I Love Her", muy similar a mi parecer, pero inmensamente superior.

7. Please Mr. Postman

"Please Mr. Postman" es el primer sencillo de The Marvelettes para el sello Tamla, siendo significativo que haya sido la primera canción de Motown en alcanzar la posición n.º 1 en el Billboard Hot 100.

Desde su primer álbum, era evidente la gran admiración de los Beatles hacía la música de bandas femeninas. Please Mr. Postman formaba parte de su repertorio en vivo desde 1961. El grupo grabó tres tomas en un estilo muy similar al de su actuación en la BBC, pero al no encontrar los resultados esperados, alteraron el arreglo para sonar mucho más parecido a la versión original.

Muchas bandas británicas que soñaban con el éxito copiaban el pop americano. Ninguna de ellas se internó en tantos estilos diferentes como los Beatles, que para 1963 habían demostrado ser conocedores del blues, del primer rock de Elvis Presley, de Motown, del doowop y de los girl groups, con sus tirantes armonías. En esta delirantemente acelerada versión de "Please Mr. Postman" de The Marvelettes, Lennon canta la melodía como si él mismo hubiera estado torturándose a la espera del correo. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Una vez que escuchás la interpretación de los Beatles de esta canción de The Marvelettes, ya no querés oir ninguna otra. Me sigue impresionando la habilidad que el grupo tenía para adeñuarse de canciones ajenas reversionandolas. Debo insistir en que la interpretación vocal de Lennon es impresionante, y coincido con lo expuesto por Plotkin al decir que vuelve real cada palabra cantada. La percusión, las palmas, las guitarras y los constante "Oh Mr Postman" de Paul y Harrison —que solo se detienen para agregar mucho más dramatismo— crean una atmosfera espectacular.

8. Roll Over Beethoven

"Roll Over Beethoven" es un conocido éxito de 1956 del cantante y guitarrista Chuck Berry. La letra de la canción trata del deseo de que el rock and roll y el rhythm and blues sustituyan a la música clásica.

La canción está en el lugar n.º 97 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.

Según la revista Rolling Stone y el crítico musical Michael «Cub» Koda de Allmusic,​ Berry escribió la canción en respuesta a su hermana Lucy que siempre utilizaba el piano de la casa para tocar música clásica cuando Berry quería tocar música popular.

Era una de las canciones favoritas de John Lennon, Paul McCartney y George Harrison desde sus inicios como agrupación, y la siguieron tocando en vivo hasta las giras por Estados Unidos de 1964

De los Beatles, Lennon era el más fiel discípulo de Chuck Berry, y el que por lo general cantaba los cover del pionero del rock and roll. Pro en esta atolondrada proclama de Berry de la primacía del rock y el rhytm-and-blues, George Harrison se hizo cargo de la voz. En este boogie con shuffle, "el Beatle callado" demuestra rápidamente su talento como cantante de rock. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Harrison no solo se hace cargo de la voz, sino que junto a Lennon hace notar su virtuosidad con la guitarra, haciéndole honor a la versión original de Chuck Berry. Las palmas no sólo le agregan dinamismo en la percusión, sino que crean la sensación de que se trata de una grabación en vivo y te sumergen en el escenario de un acalorado baile en los 60s.

9. Hold Me Tight

"Hold Me Tight" fue compuesta principalmente por Paul McCartney en 1961, y fue parte de las actuaciones en vivo de The Beatles hasta 1963. La grabaron por primera vez durante las sesiones de Please Please Me, pero no fue incluida.

No me puedo acordar mucho sobre esta canción. Algunas eran tan sólo canciones de 'trabajo', y no sueles guardar después muchos recuerdos sobre ellas. Esta es una de aquellas canciones — Paul McCartney, 1980

Esta fue una de Paul... era una canción bastante pobre sobre la que nunca tuve mucho interés — John Lennon, 1980

A pesar del poco entusiasmo de sus autores por ella, es una canción con muchos aciertos como el estribillo pegadizo y el interesante cambio de clima cuando Paul canta "Don't know, what it means to hold you tight".

(...) "Hold Me Tight" tiene una armonía de voz que recuerda a The Shirelles, y como muchas de las primeras composiciones de los Beatles, una letra dirigida a una persona en particular. Cuando le preguntaron en una entrevista promocional en 1964 sobre el uso de la banda de las palabras "yo", "vos" y "mi", McCartney respondió: "Nos gusta cantar canciones con un toque personal". — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

10. You Really Got A Hold on Me

"You've Really Got a Hold on Me" es una canción lanzada en 1962 en un exitoso sencillo de The Miracles, del álbum The Fabulous Miracles. Es de las canciones más famosas del grupo, teniendo millones de ventas e incluida en 1998 en la lista de las galardonadas con el Premio del Salón de la Fama de los Grammy.

Escrita por Smokey Robinson, la canción explora los sentimientos de un hombre tan enamorado de una mujer que no puede dejarla a pesar de que le trate mal.

Este cover del hit de Smokey Robinson And The Miracles muestra cuán profundo era el amor de los Beatles por Motown. Lennon canta como si volviera a renovar la fascinación con cada una de las emotivas estrofas de Robinson. En todo momento, le sigue las pisadas Harrison, que transformó la sección de saxos de la introducción original en una parte de guitarra tintineante: su estilo nítido y eficiente le da a la versión de los Beatles su discreta potencia. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Nos encontramos con otra gran reversión de los Beatles, demostrando que conocían la canciones que reversionaban a profundidad. La voz quejosa de John lo es todo, pero también destaco el agregado del piano.

11. I Wanna Be Your Man

En septiembre de 1963, los Rolling Stones estaban buscando material nuevo para grabar, y John y Paul les ofrecieron la canción. A los Rolling Stones les gustó, pero Decca Records les urgía a que sacaran un nuevo sencillo y la canción no estaba acabada. Los dos Beatles se metieron en una habitación aparte en los estudios De Lane Lea y volvieron en poco tiempo con el primer gran éxito para los Rolling Stones.

Al mismo tiempo, los Beatles siempre la pensaron como parte de su próximo disco. Al ser una canción de "relleno" decidieron dársela a Ringo, quién le dió una fuerza y personalidad que nadie más podría haberlo hecho. La canción se volvió habitual en sus atuaciones en vivo debido al ser el —necesario— número vocal de Ringo, lo que ya se había vuelvo habitual por su gran cantidad de fanáticas. Rápidamente se volvió una de las favoritas del público.

Era una canción desechable, simplemente es un sobrante. No ibamos a darles algo genial, ¿Verdad?. — John Lennon

A pesar de no ser una de las mejores pistas tiene una energía increíble que la vuelve muy atractiva. Ringo demuestra que sabe como cantar canciones, a la vez que sus compañeros acompañan con gritos y aullidos de rockeros.

Hasta que se hizo evidente que Starr tenía sus propias fans que lo adoraban, dejarlo cantar no figuraba mucho en los planes de los cerebros compositores de los Beatles. De hecho, cuando Lennon recordó que le había dado la canción a los Rolling Stones, dijo: "Las únicas dos versiones de la canción eran la de Ringo y la de los Rolling Stones. Eso muestra cuanta importancia tenía para nosotros". Pero la canción, un potente riff de blues con un alegre estribillo pop, es una versión original y avanzada del rock de los 50. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

12. Devil in Her Heart

"Devil in His Heart" fue escrita por el músico Richard P. Drapkin y grabada originalmente por The Donays, grupo no muy reconocido hasta que los Beatles versionaron su canción.

With The Beatles es el primer disco en que el productor George Martin, siempre riguroso en el ámbito vocal, opta fuertemente por las primeras voces grabadas en dos pistas. No es fácil de hacer: el cantante tiene que grabar una idéntica a la primera. Todos los Beatles lo sabían hacer bien, pero en este cover de una canción poco conocida de los Donys, Harrison está increíble. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Que decir de esta canción. Es una de mis pistas preferidas del álbum y uno de los mejores momentos de Harrison. La interacción entre el coro y la voz principal es muy divertida.

13. Not A Second Time

Fue la última canción del álbum acreditada como Lennon-McCartney, aunque fue escrita principalmente por Lennon.

Cuando un periodista serio en el Reino Unido hizo un artículo analizando la profundidad de algunas canciones del dúo, comparo la canción con "Das Lied von der Erde", de Gustav Mahler, expresando que la "cadencia eólica" de la voz de Lennon al llegar la canción a su fin, poseía la misma progresión de acorde aparecía al final de la canción de Mahler. Lennon, años más tarde, comentaría: "Al día de hoy, no tengo ni idea de lo que son las 'cadencias eólicas'. Suena a pájaros exóticos".

La empalagosa sección de piano en medio de esta oda lúgubre muestra el talento de los Beatles para absorber y reutilizar sonidos e ideas fuera del ámbito natural de sus contemporáneos obsesionados por ser modernos. El interludio, interpretado por George Martin, proviene orgullosamente del cancionero de la música easy-listening, bien con la declaración de Lennon de que no volverá a caer en las redes de una amante mentirosa. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Me fascina el inicio de la canción, ya que la voz de Lennon aparece de repente —de prepo como dicen en mi país— y te cautiva automáticamente. Ringo hace un excelente trabajo en la batería —sí, como vengo repitiendo en casi todas las canciones—. Una de las mejores pistas del disco en mi opinión.

14. Money (That's What I Want)

"Money (That's What I Want)" es un perfecto final para el álbum que rescata los tiempos en Hamburgo de la banda.

Al hacer varios sets en vivo noche tras noche, los Beatles desarrollarn un talento especial para personalizar y reciclar los hits de otros artistas. Harrison recuerda que se topó con la versión original de Barrett Strong mientras revolvía las bateas de la disquería NEMS, propiedad del manager Brian Epstein. La banda le dio un toque Marseybeat para incluirla en sus actuaciones en vivo. La canción es el tercer cover de Motown del disco, y tiene un ritmo encadenado, que le ofrece a Lennon la base perfecta para su primera voz, deliciosamente suelta, así com para la armonía en registro alto de McCartney, casi en éxtasis. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Definitivamente repetir la formula de finalizar con un rock potente como "Twist and Shout" fue una gran idea. El disco finaliza en lo más alto dejándote acelerado y anhelando más. La voz ronca de Lennon acompaña a la perfección a la fría y materialista letra, como si realmente no le importara nada más.

Lanzamiento

With The Beatles llegó a tener medio millon de pedidos anticipados y vendió otro medio millón en septiembre de 1965. De esta manera, logró convertirse en el segundo álbum que vendía un millón de copias en el Reino Unido, solamente superado por la banda sonora original de la película South Pacific (1958). Se mantuvo en la cima de la lista durante veintiún semanas, y desplazó a Please Please Me, de manera que los Beatles ocuparon el primer puesto durante cincuenta y un semanas consecutivas entre los dos álbumes.

Foto: Los Beatles ruedan su primer programa de televisión en el Reino Unido grabado en los estudios Manchester de Granada, el 12 de diciembre de 1964.

Si llegaste hasta aquí, ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Si este escrito escrito ha sido de tu agrado te dejo por aquí mi siguiente publicación: Las canciones sin álbum: entre «With The Beatles» y «A Hard Day's Night». También, te invito a seguirme para no perderte los siguientes.

Bibliografía

La Hemeroteca. (2022, octubre 28). “The Beatles: La Historia Contada Por Ellos | Parte 1”. Recuperado de https://youtu.be/X4k8veVWNkg?list=PLM5trWgQYFm-bWCn5CI4kbZlZnldUI6qk

La Hemeroteca. (2023, enero 29). "El ascenso inevitable | La Historia de With The Beatles | #ÁlbumHistórico". Recuperado de https://youtu.be/Ryfjmn2aqXQ

Plootkin P. (2013). “The Beatles. La guía definitiva, disco por disco”. Revista Rolling Stone

"With The Beatles". The Beatles Bible: https://www.beatlesbible.com/albums/with-the-beatles/

"With The Beatles". Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/With_the_Beatles

[fuckyeahmexico]

Silvana Estrada - Para Siempre.

Una sesión exclusiva para Vevo. No es coincidencia que Silvana Estrada se haya convertido en una prodigiosa multi-instrumentalista cuyo entendimiento de la música y los instrumentos va más allá de la proficiencia técnica. Sus padres son lutieres y su niñez en el pueblo montañoso de Coatepec en México la pasó rodeada de artistas, haciendo “jam sessions” donde descubrió su amor por la música tradicional latinoamericana, las rancheras dolidas de Chavela Vargas y el jazz de grandes como Billie Holiday. Estas influencias describen el estilo y la vibra de Silvana como cantautora: fuerte, vulnerable y con una pasión que destila por los poros. “Cuando creces escuchando a Chavela Vargas te das cuenta de que la tristeza y la pena son vehículos para entender el mundo”, dijo Silvana en entrevista con el New York Times. “Te das cuenta de que todos los sentimientos son parte de una vida llena”. Su álbum debut con la famosa disquera Glassnote, ‘Marchita’, se convirtió en un éxito total, al igual que su reciente gira por Estados Unidos. Invitamos a Silvana al estudio de Vevo en Brooklyn para cantar “Milagro y Desastre” y “Para Siempre.” Ni un alma quedó intacta después de este espectáculo.

It’s not a coincidence that Silvana Estrada turned into a multi-instrumentalist, especially one whose understanding of music and instrumentation goes beyond technical proficiency. Her parents were luthiers, repairers of violins, guitars, and other string instruments. Silvana spent her childhood in the mountain town of Coatepec in Mexico surrounded by artists, participating in jam sessions, where she discovered her love for traditional Latin American music, the sorrowful rancheras of Chavela Vargas, and jazz greats like Billie Holiday. These influences flow through her own style and vibe as a singer-songwriter – forceful, vulnerable, and harboring inimitable passion.“When you grow up listening to Chavela Vargas, you realize that sorrow is a vehicle to understand the world,” Silvana told the New York Times. “You realize that every feeling is part of a full life.” Her debut album on revered label Glassnote, ‘Marchita’, became a sleeper hit, just like her first US tour. We invited Silvana to Vevo’s Brooklyn studio for a live rendition of “Milagro y Desastre” and “Para Siempre.” Not a soul was left intact.

[bipolarman2022]

El Hombre de la Navidad Eterna

Capítulo 1: La llegada de Gregorio

En un estudio fotográfico algo modesto, donde el eco de los flashes se confundía con los clics de la cámara, Gregorio se convirtió en el centro de atención. A sus 45 años, su presencia era imponente. Su cuerpo robusto, de barriga prominente y brazos poderosos, reflejaba la imagen de un hombre que no se arrepentía de sus años vividos. Vestía una chaqueta de Papá Noel desabotonada, dejando a la vista el vello espeso de su pecho, símbolo de una virilidad que nunca buscó ocultar. La camiseta había quedado atrás.

—¡Perfecto, Gregorio! ¡Levanta los brazos, detrás de la cabeza! —ordenó el fotógrafo con entusiasmo.

Gregorio obedeció, mostrando una sonrisa entre burlona y confiada. El sudor perlaba su frente debido a las luces intensas del estudio. Los destellos de los flashes rebotaban en su cuerpo, iluminando su piel y generando sombras marcadas en su torso. Él no necesitaba aparentar nada. Era lo que era: el Papá Noel que todos deseaban ver.

Capítulo 2: La oferta inesperada

Tras la sesión de fotos, Gregorio se dirigió al camerino. Se miró en el espejo, pasando una toalla por su calva mientras sus ojos se detenían en su reflejo. Durante años, había sido un hombre común, trabajador de almacén, pero algo había cambiado. Su rostro, antes de apariencia corriente, ahora tenía una fuerza que no podía negar. Desde que comenzó con las sesiones fotográficas para la marca "Papá Noel Sin Fronteras", se convirtió en la figura icónica de la Navidad para adultos. Ya no era solo "Gregorio, el de la bodega", ahora era "Gregorio, el Papá Noel que no olvidas".

—¿Te has visto bien, amigo? —preguntó Martín, el fotógrafo, entrando al camerino con una sonrisa—. Hoy te has superado. Los flashes te amaron.

—No es para tanto, Martín —respondió Gregorio, riendo con una carcajada grave—. Solo soy un tipo con más barriga que paciencia.

—Eso es lo que te hace especial, viejo —contestó Martín, dándole una palmada en la espalda—. Por eso la agencia de marketing quiere hablar contigo. Quieren hacerte su imagen principal esta Navidad.

Gregorio dejó caer la toalla. Miró a Martín con los ojos entrecerrados.

—¿Mi imagen principal? ¿En serio?

—Sí, hermano. Comerciales, carteles, ¡incluso figuras de acción! —dijo Martín, alzando las manos con dramatismo—. Quieren "El Papá Noel Real", y tú eres su mejor candidato.

Capítulo 3: La tentación de Héctor

Días después, Gregorio fue invitado a una mansión en las afueras de la ciudad. Era un lugar aislado, con un ambiente que parecía sacado de una película de suspenso. Lo recibieron dos hombres con trajes negros que no dijeron palabra. Lo llevaron a una habitación oscura, con un fondo verde, como esos que se usan en las producciones de cine. Allí estaba él, Héctor, sentado en una silla de cuero marrón, cruzando una pierna sobre la otra. Su reloj antiguo colgaba de una cadena de plata, que jugueteaba entre sus dedos.

—Gregorio... —dijo Héctor con una voz profunda y calculadora—. He visto tu rostro en todas partes. Me gusta lo que veo.

—Gracias, pero... ¿quién eres tú? —preguntó Gregorio, sin perder su tono de desconfianza.

—Llámame Héctor. Soy el hombre que controla lo que la gente consume. Y tú, Gregorio, estás a punto de ser lo que todos consuman esta Navidad.

Gregorio se cruzó de brazos, observando a Héctor con el ceño fruncido.

—Ya tengo una oferta con la agencia. No necesito más promesas vacías.

—¿Promesas vacías? —Héctor sonrió con una mezcla de condescendencia y frialdad—. No te ofrezco promesas, amigo mío. Te ofrezco eternidad. No serás el Papá Noel de una campaña, serás el Papá Noel definitivo. No serás una cara más, serás una leyenda viviente.

Capítulo 4: La transformación

Esa misma noche, Gregorio firmó el contrato con Héctor. No entendía por qué lo hizo, pero había algo en los ojos de ese hombre que no le permitió negarse. Los días pasaron y Gregorio comenzó a notar cambios. Su cuerpo se sentía más pesado, pero no era fatiga, era poder. Su barriga, antes blanda, ahora se sentía sólida, como si fuera una armadura. Su rostro, aunque el mismo, ahora tenía una expresión constante de autoridad. Las cámaras lo amaban, los focos lo seguían. Ya no necesitaba que le dijeran qué hacer; él era la Navidad.

Martín notó el cambio. En cada sesión de fotos, Gregorio se volvía más serio, más dominante. Ya no pedía indicaciones, simplemente tomaba control.

—¿Todo bien, Gregorio? —le preguntó Martín después de una sesión.

—Todo está bien, Martín —respondió Gregorio, con la voz más grave de lo habitual—. He entendido mi propósito.

—¿Y cuál es ese propósito?

Gregorio lo miró con una sonrisa tranquila.

—Ser eterno.

Capítulo 5: El reinado de Gregorio

La última sesión fue en la plaza central de la ciudad. Miles de personas se congregaron para ver al "Papá Noel Real". Cuando Gregorio apareció, vestido con su chaqueta de Santa Claus, con el pecho descubierto y la barba incipiente, la multitud aplaudió con euforia. Los flashes de las cámaras explotaron, reflejándose en su cuerpo como relámpagos de admiración. Los niños miraban con asombro, pero no eran solo ellos; los adultos también. Había algo magnético en él. Era diferente a todos los demás Papá Noel que habían visto antes.

Héctor observaba desde una esquina, con una ligera sonrisa. Sacó su libreta y escribió una breve anotación:

“Gregorio ya no es solo un hombre. Es la Navidad misma.”

Capítulo 6: La realidad oculta

Con el paso de los días, la agencia de marketing recibió cartas de padres y madres. Todos coincidían en lo mismo: “Mis hijos no quieren otros regalos. Solo quieren ver a Gregorio.” Pero no era solo eso. Había algo más. Los niños no paraban de hablar de él. Sus rostros estaban llenos de devoción.

Una noche, Martín fue a ver a Gregorio. Lo encontró solo en su camerino, mirando su reflejo.

—Gregorio, hermano, ¿estás bien? —preguntó Martín.

—¿Sabes, Martín? —respondió Gregorio sin mirarlo—. Cuando firmé el contrato con Héctor, pensé que iba a ser famoso por un tiempo. Pero ahora lo entiendo. No soy famoso, Martín... soy eterno.

—Hermano, eso suena raro. ¿De qué hablas? —Martín sintió un escalofrío.

Gregorio se giró lentamente, su rostro se había endurecido, pero su sonrisa permanecía cálida. Se acercó a Martín y puso una mano sobre su hombro.

—¿No lo ves, Martín? No soy el Papá Noel que quieren. Soy el Papá Noel que necesitan.

Martín se alejó, con los ojos llenos de temor. Gregorio se quedó allí, rodeado de luces navideñas, los flashes rebotando en su cuerpo mientras su sombra se proyectaba gigante en la pared. No había vuelta atrás. Gregorio ya no era un hombre común. Era el símbolo de la Navidad.

Epílogo: La leyenda de Gregorio

Años después, los niños aún susurraban su nombre. "El Papá Noel Eterno", "El Hombre de la Navidad Eterna", lo llamaban. Ya no era solo un rostro en anuncios o campañas. Había algo más en él, algo que no podían explicar. Cada Navidad, cuando las luces parpadeaban, algunas personas juraban ver su sombra proyectada en la pared. No era Santa Claus. Era Gregorio.

Y Héctor, en la penumbra de su mansión, observaba con una sonrisa de satisfacción. “Eterno”, escribió en su libreta, antes de cerrar el reloj antiguo que siempre llevaba consigo.

[sirenaderios]

...De camino al estudio para una sesión de fotos...

[rosebudblog]

EL DIBUJANTE DEL CINE: JOSÉ RAMÓN SÁNCHEZ

Hoy vamos a recordar a un personaje realmente muy curioso y que a través del dibujo y la pintura se acercó al cine. Un artista que dijo de sí mismo: “He sido caricaturista e ilustrador, historietista y pintor, maquetista y escultor, he hecho un poco de todo y lo interesante si tengo que destacar algo en mi trayectoria es que he hecho muchas cosas distintas”. Hoy conocemos y recordamos a JOSÉ RAMÓN SÁNCHEZ (Santander, 1936)

José Ramón Sánchez se inicia muy joven en el dibujo y especialmente en el dibujo publicitario en los famosísimos Estudios Moro de Madrid en 1957. Unos años después comienza a trabajar en el cartel publicitario. Pero cuando Sánchez se da a conocer fue tras la muerte de Franco con los dibujos de los carteles electorales del PSOE en las elecciones de 1977 y 1979. Suya fue también la ilustración de la Constitución de 1978 para los escolares.

Su acercamiento al cine tiene efecto en 1979 cuando realiza la película de dibujos animados El desván de la fantasía junto a Cruz Delgado. Su figura se hace todavía más amplia y famosa para los niños españoles cuando en TVE aparece en los primeros años 80 en los programas Un globo, dos globos, tres globos, junto a Gloria Fuertes, en Sabadabadá junto a Mayra Gómez-Kemp o en Dabadabadá.

En esos años es cuando comienza a plasmar en pintura su gran afición al cine realizando desde entonces y hasta la actualidad varias colecciones:

-La gran aventura del cine:  realizada en 1980, compuesto por 120 cuadros y 20 retratos de actores y actrices. Un gran repaso al cine norteamericano de todos los tiempos. Un magnífico libro hoy bastante cotizado en librerías de lance y que me enorgullezco en tener. Aparecen películas como Moby Dyck, La vuelta al mundo en 80 días, El conde de Montecristo, Pinocho, King-Kong, Supermán, La guerra de las Galaxias, El último Mohicano, Rio Rojo.                                                                                                                                                               -50 años de cine español: 29 cuadros de 29 películas españolas seleccionadas por el pintor.                                                                                                                                 -La vuelta al cine en sesión continua.                                                                                                          -Me enamoré de una máscara: dedicada a Lon Chaney.                                                                               -Amores del cine.                                                                                                                                                  -Transiciones: 30 retratos de estrellas del cine; 24 de personajes y 6 de parejas. Aparecen retratos de Chaplin, Clark Gable, Brando, Orson Welles, Buster Keaton, Greta Garbo, y, asimismo, por parejas de película: Spencer Tracy - Katharine Hepburn, Humphrey Bogart - Ingrid Bergman, Ava Gardner - Burt Lancaster, Liz Taylor - Montgomery Clift y el propio Bogart con Lauren Bacall.

Este acercamiento de un cartelista publicitario al mundo del cine lo define él mismo como: “El cine es mi sueño desde niño y no he tenido los condicionamientos, grandes o pequeños, que te puede dar el cartelismo industrial”. José Ramón Sánchez ha sido pintando hasta la actualidad y presentando exposiciones por toda España.

A su hijo Daniel le preguntaron en una ocasión “¿Y tú por qué no pintas?” A lo que respondió “Para mí hablar de pintura es hablar de mi padre. Pero hablar de mi padre, es hablar de cine. Gracias por enseñarme lo que es el arte. Gracias, papá, por enseñarme a mirar”. Y es que, con los antecedentes del padre, su hijo no podía ser otro que Daniel Sánchez Arévalo (AzulOscuroCasinegro, Gordos, Primos, La gran familia española).

Dejo para el final una crítica anónima desde Zaragoza de su película El desván de la fantasía, que evoca el tiempo de José Ramón Sánchez en aquellos ya lejanos años 80:

“Buenos, buenos recuerdos, me trae este desván. El papá de Daniel Sánchez Arévalo ahora es mucho menos conocido que el hijo. Realmente ahora nadie conoce a José Ramón Sánchez. José Ramón Sánchez dibujó el cine de los que queríamos iniciarnos en el cine allá por los años 80. Dibujaba a los hermanos Marx o el incendio de Lo que el viento se llevó. Eso lo hacía en un programa de televisión. Antes había firmado esta simpatiquísima película acerca de los misterios que para un niño suponía subir al desván, pero no un desván cualquiera, sino al de la fantasía. Y eso, si eres niño, es mucho. Las imágenes, los dibujos, mejor dicho, de José Ramón, y si le llamo así parece que le llamo como al poeta, se han convertido, se convertían al verlos semana tras semana, en iconos de la televisión, la española, que era la única que había, y la mejor, no porque no hubiera otra sino porque de verdad era lo que tenía que ser: una magnífica cadena. Los nietos, el abuelo, la canción, por Dios, que no se me olvida y ni se me olvidará. ¿Ñoño, a estas alturas, recordar estas cosas? No, como en el tenis dirían. El desván de la fantasía era un divertimento semanal, que se esperaba con emoción. Pero eso fue después de la película, que básicamente juega con los mismos elementos y personajes. Condensados en 75 minutos se le perdonan falta de ligazón entre las historias, prima el contenido, cosa a la que José Ramón Sánchez ofrecía mucha importancia. Como en una viñeta. Razón por la cual, y por tantas otras, hay que darle las gracias a su creador y factotum. Muchas gracias, José Ramón”.

2/9/2024

[cinemaslife]

#165 La mujer del momento (2024)

Cuenta la historia paralela de las vidas de Cheryl Bradshaw (Anna Kendrick) y Rodney Alcala (Daniel Zovatto) hasta que sus vidas se cruzan en el programa de citas de televisión The Dating Game.

Rodney es un fotógrafo que se pasea por la ciudad convenciendo a jóvenes y niñas para llevarlas al desierto y hacerles un par de fotos antes de violarlas, torturarlas y matarlas. Lo lleva haciendo mucho tiempo y su agresividad va en aumento cuanto más logra escaparse de la policía.

Cheryl es una aspirante a actriz, que no logra tener suerte con sus trabajos. Da bandazos de pequeños papeles a diminutos papeles, buscando hacerse un hueco en la industria del cine de Estados Unidos sin demasiada suerte.

Rodney ataca a varias mujeres, ahogándolas, reanimándolas y volviendo a ahogarlas después de torturarlas y violarlas. Lo hacía con niñas y mujeres jóvenes desde 12 a 23 años. La escalada de crímenes iba cada vez más en aumento y su colección de fotografías de sus víctimas crecía conforme su desquiciada mente iba cayendo en una espiral de violencia.

Ambos se cruzan en el programa de citas ella por la necesidad de encontrar papeles de actriz y él en la cúspide de su violencia, pensando que era intocable y que, que le impedía deshacerse de una chica que había conocido en prime time.

Lo cierto es que Cheryl no tiene mucha suerte con los tres candidatos de esa noche, pero alguien del público reconoce en Rodney Alcalá el hombre que se quedó con su amiga una noche de fiesta y luego su amiga apareció muerta, por lo que decide ir a hablar con algún productor del programa para denunciarlo, pero todos pasan de ella.

Al final del programa Cheryl se queda con Alcalá, pero cuando este cruza el biombo que los separaba y se acerca a ella siente un escalofrío horrible, él la invita a tomar algo a un bar cerca del estudio y Cheryl va cayendo en la cuenta de que no quiere compartir el premio con ese hombre, ni el premio ni nada. Tiene una actitud sospechosa que la hace alejarse.

Paralelamente, nos cuentan la historia de Amy (Autumn Best), una adolescente que se ha escapado de casa y que va vagando por las calles cuando Rodney la encuentra, la seduce diciéndole que es preciosa y que le encantaría que fuera modelo para él, llevándola en su coche hasta el desierto para hacerle una sesión de fotos.

Amy accede, lleva varios días en la calle, robando para comer y es la primera vez en mucho tiempo que alguien se porta bien con ella y es amable. Ve en la oportunidad de modelaje que le propone Alcalá, una forma de triunfar en la ciudad de las oportunidades y se deja embriagar por la idea, al fin y al cabo es solo una cría, y son los 70. ¿Qué podría salir mal?

Rodney la lleva al desierto, le hace algunas fotos y la golpea brutalmente.

Mientras trascurre el show y después Cheryl y Rodney toman algo en el bar, el ambiente se va tensando. Él se comporta de una manera extraña y ella cada vez está más incómoda, por lo que decide que la cita debe acabar ya.

Volvemos al desierto con Amy despertándose porque Rodney está a su lado llorando, tapándose la cara. Ella está con las manos y los pies atados con cuerdas, los vaqueros bajados y golpeada por todas partes. Después de volver a la realidad, decide no dejarse llevar por el terror y manipular a Rodney. Intenta calmarlo y decirle que por favor no le cuente a nadie lo que ha pasado entre ellos porque la gente es muy chismosa, y que es mejor que se vayan a casa de él.

Rodney se siente tranquilo, es la primera vez que una de sus víctimas lo trata bien, se muestra comprensiva y cercana, así que se deja llevar por la idea de llegar a ser pareja. Él le pide disculpas por haberse puesto violento y ella lo disculpa diciéndole que "no pasa nada", pero por sus ojos y expresión sabemos que ella está a punto de desmoronarse ante el horror que ha sufrido.

Comprende rápidamente que esta no es la primera vez que él se comporta así, es metódico y tiene un plan, y ella tiene que evitar de todas, todas que él la mate. Como ya ha hecho con: Charlie (Kathryn Gallagher) o Lisa (Jessie Fraser), entre muchas otras.

Amy deja pasar la oportunidad de pedir ayuda a otro conductor, la chica es consciente de que están en medio del desierto y debe esperar a que estén más cerca de la civilización para poder pedir ayuda. Rodney para en una gasolinera para ir al baño y limpiarse la sangre de Amy de las manos.

Mientras él está en el baño, Amy aprovecha para salir corriendo al restaurante más cercano y pedir que llamen a la policía. Mientras llegan, Rodney está saliendo camino a su coche y descubre que ella le ha engañado, no quería quedarse con él. Para entonces, la policía ya ha llegado y lo detienen mientras se retuerce para que no lo hagan.

De vuelta a la salida del bar con Cheryl, él le pide su teléfono y ella se lo da para poder irse cuanto antes, él insiste en que ella le repita el teléfono, sospecha que no ha sido sincera con él. Chery intenta irse sin más, pero él insiste, la verdad, es que en el aparcamiento ya no queda nadie, y él se empeña en acompañarla al coche. Ella le dice que no quiere nada con él y que es mejor dejarlo así, y él murmura que le va a aplastar la cabeza. Eso solo confirma sus temores, va corriendo a su coche, pero él la alcanza antes de que entre y se dispone a atacarla cuando unos operarios salen de trabajar hacia el parking montando escándalo.

Rodney huye y ella puede entrar en su coche y largarse de allí cuanto antes.

Desde el restaurante Amy ve como detienen a Rodney y lo meten en el coche de policía, sale para cerciorarse de que es verdad, y es entonces cuando se pone a gritar, sabiendo que ahora está a salvo.

En este film se hace una interpretación en ficción de los crímenes que cometió el asesino en serie Rodney Alcalá. Se trata de una película basada en hechos reales.

Y de como Rodney Alcalá en la cúspide de sus crímenes se presentó a un programa de citas. Durante sus infames crímenes se le comparó con Ted Bundy, por su crueldad con las mujeres, y su justo por las niñas y mujeres jóvenes, a las que le gustaba secuestrar, torturar, violar y asesinar, por satisfacción personal.

Cuando se le detuvo se encontraron centenares de fotos de sus víctimas (antes y después de los crímenes) y de personas anónimas que nunca se logró averiguar quienes era. Solo se le pudo acusar de 10 crímenes y por eso fue sentenciado a prisión permanente, pero se sospecha que fueron más de 130 crímenes, que siguen sin resolverse, ya que Alcalá murió en la cárcel a los 77 años.

[1mikel2]

🔘 " A L L F O R L O V E " 🔘

BRYAN ADAMS, STING & ROD STEWART

No es fácil, pero una canción puede funcionar como arte y comercio al mismo tiempo, es a lo que comúnmente se le puede llamar pop, que resulta en un éxito para su creador , pero tener dos , incluso tres en pocos años , es difícil de lograr

BRYAN ADAMS había tenido un gran éxito con "(Everything I Do) I Do It For You", escrita por él , Michael Kamen y el productor discográfico Mutt Lange para la película " Robin Hood: Príncipe de los ladrones" , esta se convirtió en un éxito en las listas de éxitos, lo que le valió a Adams un Grammy y una nominación al Premio de la Academia.

Gracias a esto Kamen fue llamado para componer la música de la adaptación de Disney de Los tres mosqueteros de 1993 , reclutó a Adams y Lange para una canción una vez más. Adams tuvo lista una canción, a la que llamó "ALL FOR LOVE" muy de acuerdo con el filme , sin embargo para la grabación, esperaban tener algo de compañía.

La primera llamada de Adams fue a STING, quien inmediatamente se mostró dispuesto a colaborar. Encontrar un tercer cantante fue más difícil. En un momento, se acercaron a Luciano Pavarotti o Jon Bon Jovi , pero el tercer cantante finalmente se convirtió en ROD STEWART, una decisión que presentó sus propios problemas, pues casas productoras de todas las partes llegaban a un estira y afloja interminable .

Finalmente Stewart finalmente hizo su parte durante una breve sesión en Los Ángeles, resultó ser difícil de conseguir en un estudio.

ALL FOR LOVE" cuyo lanzamiento se llevó a cabo el 13 de noviembre de 1993 , se convirtió en un éxito número uno en más de 15 países, incluidas tres semanas en la cima del Billboard Hot 100. En los años transcurridos desde su lanzamiento, Adams ha mezclado continuamente la canción en sus listas de canciones, interpretándola en vivo más de 800 veces. veces. No se puede decir lo mismo de los otros dos cantantes. Según setlist.fm , Stewart no ha tocado “All for Love” en concierto desde 1996, mientras que Sting sólo ha interpretado la canción dos veces, ambas en 1994.

https://youtu.be/ofA3URC1wyk?si=MxnHVSl8c5SjEvFu

[8ightisfate]

[TRANS] Changbin: El encantador

Seo Changbin es el Stray Kid favorito de tu miembro favorito de Stray Kids. Si le preguntas al grupo sobre los demás, el nombre de Changbin aparece constantemente. "Changbin es alguien a quien quieres cuidar. Necesitas una mano extra con él", dice I.N alegremente cuando le pregunto cuál de sus hyungs (hermanos mayores) le gusta cuidar como maknae.

Lee Know comparte con cariño un pequeño momento que él y Changbin tienen cuando están solos. "Este es un secreto que solo yo conozco. Entonces, cada vez que extiendo mi mano hacia el mentón de Changbin, él simplemente la pone sobre mi mano y es muy tierno. Es solo entre Changbin y yo", dice.

Hyunjin también ha hablado de cómo, como animador oficial del grupo, Changbin levanta el ánimo. pero todas las mascotas también necesitan a alguien que las anime. Por su parte, Changbin corresponde a los sentimientos del maknae.

"I.N es muy lindo. Muy lindo. Su sonrisa me da buena energía. Pero todos los miembros me dan buena energía. Intento conservar energía positiva también a través de los entrenamientos. Canalizo la buena energía", dice Changbin. "Intento activamente levantar el ánimo, especialmente en situaciones difíciles, y mejorar el estado de ánimo con energía brillante".

Además de ser el "ministro del estado de ánimo de Stray Kids", también es responsable de que todos se pongan en forma. Todos los miembros van regularmente al gimnasio. Felix revela: "Nuestros miembros están interesados en poner en forma su cuerpo y volverse más saludables. He visto a Hyunjin ejercitarse más. He visto a Seungmin ejercitarse también. Todos están haciendo ejercicio estos días". Por supuesto, Changbin está en el centro de este impulso estético.

Han explica: "Ayer Changbin, que es como una figura líder en el gimnasio, aunque había terminado su rutina de ejercicios, decidió quedarse y apoyar a los demás miembros durante la suya". Si hubiera un 'BUFFRACHA', él sería el líder de la unidad.

En el set, la gerencia de Stray Kids me advierte cariñosamente que Changbin es un poco tímido. Lo observo de cerca. Su cabello, que se tiñó de un violeta intenso al comienzo de su comeback más reciente (el nombre que se le da a los ciclos de los álbumes de kpop), se ha vuelto de un lila suave cuando llega el momento de la sesión fotográfica, y aunque es reservado, está haciendo lo que todo buen Leo hace mejor y posa como un profesional. Eso es parte del encanto de Changbin: puede oscilar entre lo serio y lo tierno a su antojo. Durante las fotos grupales, su risa entrecortada perfora el aire, y este grito juguetón de alegría también estaba cuando Seungmin lo golpea, lo que trae energía fresca a la habitación.

También puede ponerse serio rápidamente, llevando su espíritu inimitable del estudio al escenario. Durante el set en Hyde Park BST, su rap fue sorprendentemente rápido y claro, recibiendo ovaciones entusiastas de STAY entre el público. Su explosivo estilo de rap es uno de los sonidos característicos de Stray Kids. Para Changbin, no hay timidez en el escenario. Es pura confianza, nacida de estar involucrado en el proceso creativo desde el principio.

Junto con sus compañeros de 3RACHA, Bangchan y Han, son los momentos finales del ciclo de canciones los que disfruta. "Disfruto interpretando las canciones que yo y los demás hemos producido. Eso es lo mejor", dice. Le cuesta elegir una canción favorita que le guste interpretar. "Vaya. Es muy difícil… ¿'God's Menu'? Pero en cuanto a la recepción de los fans: 'TOPLINE'".

Changbin es una de las pocas estrellas masculinas, entre las que se incluyen Harry Style, Jacob Elordi y su amigo íntimo Wooyoung de ATEEZ, a quienes se les ha apodado "babygirl". En las redes sociales, lo aplauden por no masculinizar nunca la coreografía cuando hace desafíos de baile de grupos de chicas (los ídolos suelen formar equipo para interpretar canciones de otros grupos como una forma recíproca de promocionar la música de los demás). Cada vez que canta una canción de un grupo de chicas, se vuelven populares, lo que genera miles de fancams y participación.

"No lo veo como algo que se volverá viral. Nuestro horario es muy estricto, pero cuando lo permite, veo un desafío grupal femenino como un nuevo desafío. Disfruto esa forma de bailar", dice saboreando la oportunidad de actuar de manera diferente.

Changbin pone ese vigor en todo lo que hace con Stray Kids y eso alimenta su vínculo con los demás miembros. "Algo que siento en mi propia piel es lo importante que es el trabajo en equipo y la relación entre los miembros", dice. "Eso es lo más importante de Stray Kids y mi enfoque. Atribuyo el éxito de Stray Kids al trabajo en equipo". De esta manera, Changbin está en el núcleo de la banda, uniéndolos con una calidez entrañable.

[shemakesnoisefestival]

33EMYBW & Joey Holder

La productora y artista visual con base en Shanghái​, 33EMYBW, miembro activo y referente de la escena musical china independiente desde hace más de una década. En el cierre de esta X edición de She Makes Noise presenta la premiere en Madrid de su colaboración con la realizadora y artista visual, Joey Holder en la que crean juntas un set que simboliza la evolución desde una perspectiva no humana, atendiendo a las especies ya extinguidas y trasladando a los parámetros sonoros el hábitat de todas las criaturas resilientes.

33EMYBW se inspira en la música electrónica de club y tiene presente la música folclórica y las tradiciones del sudeste asiático, con lo que genera ambientes oscuros y rítmicos. Su álbum de 2018, Golem, lanzado con la reconocida discográfica china SVBKVLT, fue recibido con elogios por la crítica internacional y votado como uno de los mejores álbumes electrónicos de su año. Después ha sacado al mercado Arthropods, Trans-Aeon Express con el visualista Gooooose, donde genera entornos posthumanos y 3D. Y en su cuarto álbum de estudio, Holes of Sinian, cuenta con las colaboraciones de Marina Herlop, Batu, Forrest Gander y Oxi peng. 33’s ha presentado sus trabajos en el Festival Nyege Nyege, Unsound Festival, SXSW, MIRA festival, y el CTM. 

Dirigido a: + 16 años Horario: 19 de octubre 2024, a las 20h Ubicación: Patio de La Casa Encendida Duración: 2 horas (Sesión doble con Bela) Precio: 20€ General / 10€ Reducida Entradas: https://www.lacasaencendida.es/conciertos/bela-33emybw-joey-holder?eventId=4547

[jazzandother-blog]

Herbie Hancock during a recording session takes a nap at Rudy Van Gelder studio.

Herbie Hancock durante una sesión de grabación toma un descanso en el estudio Rudy Van Gelder.

[labitacoradelhombresolitario]

Escucha el calor

Estoy sentado en mi estudio, con la persiana a medio bajar, escuchando el calor; el intenso calor del resistero en esta jornada del 25 de julio —día de Santiago Apóstol— en Madrid.

Entre sesión y sesión de escucha fumo algún cigarrillo, bebo té, leo cuentos de Maupassant en una edición de obras completas del francés, para kindle, en clásica traducción inglesa.

El mundo está parado. Suena el reloj de pared —mi «reloj de pájaros»— en la suave penumbra. Se está muy bien. Tanto es así que la inercia del reposo, físico y mental, me adormece bajo un manto de sutil y lánguida pereza y se me hace cuesta arriba redactar estas líneas. Son típicos párrafos de escritura canicular, engarzados en esos característicos tiempos muertos de desfibrada inacción que el mucho calor engendra. El verano es tiempo de aburrimiento; de una especie de esplín baudelaireano a la inversa (no se me ocurre ningún verso ni pasaje de Baudelaire ambientado en horas tórridas, aunque es posible que me falle la memoria).

Todo late, sin embargo, bajo la superficie del oído y de la propia piel. Un estremecimiento de posibilidades bulle a muy lento fuego en el fondo de la olla de la mente. Más tarde, cuando haya caído el crepúsculo y descienda su frescor sobre la tierra, subiré la persiana, airearé el despacho, y veré qué puedo hacer con los lentos posos aún calientes de este día, tan señalado por su fecha, de lasitud y aparente intrascendencia.

ROGER WOLFE · Julio de 2024