#según Hollywood

[stargazingcarol]

Nothing brings back a broken marriage like surviving a natural disaster <3

[thelettersgames]

Déjame te digo, yo he llegado a la conclusión de que mi trastorno bipolar es simplemente un seguidor leal de las estaciones. En el verano es mi momento de brillar, y en el invierno es cuando me pongo dramático como una película de Hollywood. ¿Quién necesita un calendario cuando puedes prever tu estado de ánimo según el clima?

Don Ggatto | send lit

[jartita-me-teneis]

Roy Fitzgerald (Rock Hudson) trabajaba como camionero hasta que se sometió a una transformación para ser un producto prefabricado de Hollywood y, en concreto, del despótico agente de estrellas Henry Wilson. Este le dio un nombre viril, curtió su voz hasta que necesitó cirugía en las cuerdas vocales y corrigió sus amaneramientos golpeándolo con una regla cuando andaba con amaneramiento r o hacía aspavientos de más con las manos. La actriz Noreen Nash contó en 2007 que Hudson y Elizabeth Taylor apostaron durante el rodaje de Gigante quién de los dos se llevaría a James Dean a la cama primero y, según Nash, ganó Rock Hudson, a los pocos días de empezar a rodar. En 1955, justo antes del estreno de Gigante , Life lo puso en portada subrayando su soltería y asegurando que, a los 29 años, sus fans ya estaban "impacientes por verlo casado, si no tendrá que dar explicaciones". La revista de cotilleos Confidential amenazó con destapar la homosexualidad de Hudson, así que Wilson ofreció como sacrificio a dos de sus otros productos (Rory Calhoun, que había estado en la cárcel, y Tab Hunter, que era gay) y obligó a Hudson a casarse inmediatamente con su secretaria Phyllis Gates.

En la foto Hudson y su esposa junto a Bacall

[notasfilosoficas]

"Puedes ignorar la realidad, pero no puedes ignorar las consecuencias de haber ignorado la realidad"

Ayn Rand

Alisa Zinóvievna Rosembaum fue una filósofa y escritora estadounidense de origen ruso, nacida en San Petesburgo en febrero de 1905. 

Desarrolló un sistema filosófico conocido como objetivismo, y que en sus propias palabras define el concepto del hombre como; “un ser heroico, con su propia felicidad como propósito moral de su vida, con el logro productivo como su actividad más noble y la razón como su único absoluto”.

Con este pensamiento, Rand defendía el egoísmo nacional, el individualismo y el capitalismo, argumentando que este es el único sistema económico que le permite al ser humano vivir como tal, haciendo uso de su facultad de razonar.

Ayn Rand era la mayor de tres hermanas de una familia judía, aunque sus padres no eran practicantes, y desde muy joven sintió una gran inclinación por la literatura y el arte cinematográfico.

Descubrió al escritor Victor Hugo a la edad de 13 años, y quedó prendada de sus novelas. Fue testigo de la revolución bolchevique y por la cual, ella y su familia tuvieron que escapar a Crimea.

Mas tarde, regresando de Crimea, estudió en la Universidad de San Petersburgo, en donde estudió filosofía e historia, y como gran admiradora del cine que era, escribió guiones cinematográficos. Su mayor influencia la recibió de Aristoteles, y fue gran admiradora de Nietzsche y posteriormente gran detractora.

En 1925, obtuvo permiso para salir de la Unión Soviética para visitar a unos familiares, tenía 21 años y decidió no regresar nunca mas a su país natal. Vivió en Chicago y posteriormente se mudó a Hollywood en donde tenia trabajos de todo tipo con la finalidad de tener una carrera en Hollywood como guionista.

Fue en la película de Hollywood “Rey de reyes” que conoció al que seria su marido, el director de Hollywood Cecil B. De Mille quien se interesó por ella y el que le ofreció trabajo como extra.

Las novelas más importantes son “El Manantial” escrito en 1943, y “La rebelión de Atlas” en 1957, en la primera, se narra la historia de un joven e intransigente arquitecto y de su violenta lucha en contra de los convencionalismos del mundo y de su explosiva relación con una hermosa mujer a la que ama profundamente. 

Rand, tardó siete años en escribirlo y fue rechazado por doce editores, sin embargo, desde su aparición se convirtió en un best seller mundial, cuyas ideas y propuestas cambiaron la vida de muchos de sus lectores, por la forma en la que se narra la manera en como un hombre enfrenta las vicisitudes de quienes intentan destruirlo.

Su segunda novela, la Rebelión de Atlas, es considerada por muchos, la obra de ficción mas completa y poderosa de Rand sobre la filosofía objetivista, considerada por los estadounidenses encuestados por la biblioteca del congreso de los Estados Unidos en la década de los 80, como el libro de mayor influencia después de la Biblia.

El objetivismo según Rand se basa en los siguientes puntos:

La vida como fundamento de los derechos

Cada individuo debe elegir mediante la razón, qué valores quiere para su vida y los medios para alcanzarlos.

El individuo tiene derecho a existir por sí mismo, sin sacrificarse por los demás ni sacrificando a los demás para sí mismo.

Nadie tiene derecho a iniciar el uso de la fuerza física contra otro ser humano, sea cual sea el fin que quiera obtener.

La realidad existe de forma absolutamente objetiva. Los hechos son hechos, independientemente de los sentimientos, deseos y temores del hombre.

Fuentes: Wikipedia y lecturalia.com

[rosebudblog]

LA CAZA DE BRUJAS V: PELICULAS PROSOVIETICAS

La sociedad norteamericana en los inicios de la II Guerra Mundial era profunda y mayoritariamente aislacionista y no quería que Estados Unidos se involucrase en el conflicto. Esa era la promesa política del presidente Roosevelt. Con el ataque japonés a Pearl Harbor el 7 de Diciembre de 1941, Estados Unidos entró en la guerra. Roosevelt necesitaba que la opinión pública se inclinase rápidamente hacia la intervención militar y pronto comenzaron a filmarse películas antinazis y antijaponesas, así como documentales que exaltaban las victorias norteamericanas y minimizaban las iniciales derrotas ante los nipones en el Pacifico. Se realizaron decenas de películas de todos los géneros que defendían la intervención militar. Hasta Tarzán y Batman aparecieron implicados en la lucha contra alemanes y japoneses.

Pero había un problema: Estado Unidos se había convertido en aliado del enemigo del capitalismo, la Unión Soviética, y las películas anticomunistas de unos años antes con Ninotchka a la cabeza había que sustituirlas por otras que enfatizasen la alianza ruso-americana y la lucha del pueblo y de los dirigentes de la Unión Soviética. Así se los hizo llegar Roosevelt a los grandes estudios y de estos en pocos años, hasta el final de la guerra, salieron unos productos, 8 en total, que históricamente se han convertido en curiosidades pero que, en su día tras el fin de la guerra, le dieron enormes problemas a todos los que habían intervenido en esas películas. La mayor parte de los guionistas, algunos directores y actores de estas películas tuvieron que sufrir las represalias que se pusieron en marcha tras el final de la guerra y que culminaron histéricamente en la Caza de Brujas.

Dos curiosidades sobre estas películas: la primera es que en sus guiones otorgan a los papeles femeninos una inusual importancia en películas de tipo bélico. Era la traslación a la necesidad de incorporar las mujeres al esfuerzo de guerra de toda la nación. La segunda curiosidad es que ya os podéis imaginar que estas películas jamás fueron estrenadas en España y solo algunas de ellas se han podido ver después de 1975 editadas en DVD.

Examinemos brevemente cuales fueron estas películas:

MISS V FROM MOSCOW (1942): dirigida por Albert Herman. Una rusa y un norteamericano en el París ocupado trabajan para la resistencia francesa. No la conozco y según los críticos es bastante artesanal y endeble.

MISIÓN EN MOSCÚ (1943): pura y curiosa propaganda prosovietica. Dirigida por Michael Curtiz, con la intepretación de Walter Huston y  con un guion de Howard Koch -quien posteriormente fue puesto en la lista negra y tuvo que exiliarse en el Reino Unido – es un conjunto de alabanza a todo el sitema político soviético, incluidas las purgas al trotkismo (caracterizado como una quinta columna al servicio de Hitler) y al mismo Stalin. El propio embajador estadounidense en Moscú, Joseph Davies, aparece en los primeros planos dando fe de la bonanza del regimen ruso a todos los niveles. Pero si es curioso que el propio embajador avale la película lo es más que fuese producida por la Warner cuyo propietario cuando finalizó la guerra se convirtió en uno de los más encarnizados perseguidores de izquierdistas o simplemente liberales en Hollywood.

EL CHICO DE ESTALINGRADO (1943): dirigida por Sidney Sankow y Tay Garnett (el mismo de la gran versión de El cartero siempre llama dos veces, de 1946) es una película puramente bélica que sirve para ensalzar la lucha de los ciudadanos rusos, en este caso unos niños, frente al avance de los alemanes hacia Estalingrado.

LA ESTRELLA DEL NORTE (1943): dirigida por Lewis Milestone (Sin novedad en el frente) y con un elenco de actores de primera línea con Dana Andrews, Walter Huston Walter Brenan y Erich Von Stroheim; fue la respuesta que la MGM dio al presidente Roosevelt cuando este les comunicó a las grandes productoras que “América necesita un filme de nuestros aliados rusos. Debe ser un retrato bien estructurado que motive el suministro de apoyo al gobierno en su alianza con la Unión soviética”.

Es la película más conocida de toda esta serie. Es de buena factura y es de una candidez increíble con algunas secuencias que rayan en la ñoñería: granjeros rusos que viven en un país idílico, cantando La Internacional y completamente ajenos a la invasión nazi que se les venía encima.

En 1957 “rehicieron” la película: cambiaron el montaje y sobre todo los diálogos. Los hechos no ocurrían en Rusia sino en Hungría; una voz en off alertaba del peligro comunista y para perder la conexión con el original le cambiaron hasta el título por Armored Attack (afortunadamente hace pocos años se ha podido ver en su integridad original).

Como era de esperar la guionista Lillian Helman fue puesta en la lista negra y el director tuvo que huir a Europa para continuar su carrera. 

SONG OF RUSSIA (1944): dirigida por Gregory Ratoff y Laslo Benedek es posiblemente la más conocida de esta serie junto a La estrella del Norte. Tuvo como actor estelar a Robert Taylor que luego para disculparse de esta aparición prosovietica declaró voluntariamente ante el HUAC denunciando a muchos compañeros. La película es la clásica historia de amor: poco antes del inicio de la guerra un director de orquesta norteamericano de gira por la Unión Soviética se enamora de una chica rusa. Luego en la guerra, ambos, símbolo de la unión de la US y de USA, lucharan frente a los alemanes.

THE RUSSIAN GIRLS (1943): dirigida por Henry S. Kesler y Fyodor Otsep narra las aventuras amorosas, en plena invasión nazi de la Unión Soviética, entre un piloto de aviación norteamericano herido y una voluntaria rusa de la Cruz Roja.

CONTRAATAQUE (1945): dirigida por Zoltan Korda y con Paul Muni entre sus actores. Adaptación de una obra de teatro que exaltaba el heroísmo de los soldados rusos ante los alemanes; el director de origen húngaro logra una buena película de género bélico.

Principio del formulario

DIAS DE GLORIA (1944): dirigida por Jacques Tourneur (La mujer pantera) y con la intervención de Gregory Peck. Tourneur dirige con eficacia la exaltación de los guerrilleros rusos ante los nazis, aunque sin grandes calidades artísticas y destacando las múltiples alabanzas a los soviéticos. A destacar que fue la primera película en la que Gregory Peck fue el actor principal.

13/7/2024

[portushit]

🇪🇸 El desconocido origen Español de los Cawboys Americanos

Pocas imágenes se consideran más genuinamente «americanas» que la de John Wayne a lomos de un cuadrúpedo recorriendo las llanuras del Oeste. Sin embargo, incluso esa estampa popularizada gracias a Hollywood procede de la honda huella que los españoles dejaron en Estados Unidos a lo largo de más de 300 años. Los cowboys proceden de «los jinetes de las marismas del Guadalquivir», que al establecerse al otro lado del Atlántico trasladaron también su modo de vida, explica el divulgador madrileño Borja Cardelus.

Para el director de The Hispanic Council, Daniel Ureña, la historia de ese país «no puede entenderse sin la aportación de España», por lo que «es importante la tarea de divulgar el papel de España en el origen de Estados Unidos».

El desconocimiento en la propia España da lugar a sorprendentes paradojas. Cardelús recuerda que leyó en un periódico local en Almonte, el corazón de las marismas, que los jinetes de la zona «se manejan al estilo americano», ignorando que en realidad es al revés, que fueron los vaqueros de los westerns quienes adoptaron el estilo marismeño.

Según resalta el autor entre otras obras de «La huella de España y de la cultura hispana en los Estados Unidos», «La Florida española» y «El legado español en los parques nacionales de los Estados Unidos», «en las películas del Oeste no hay nada que no sea español», desde el caballo a las reses, pasando por los rodeos y los arreos. Incluso los pueblos «imitan al Rocío», señala. Y no solo se trata de los cowboys de Estados Unidos, ya que lo mismo se podría decir de los gauchos de la Pampa o los llaneros de Venezuela y Colombia.

Lo que sucede, explicó Borja Cardelús, es que España no ha realizado la misma labor de márketing que Estados Unidos, que «ha importado» el estilo de vida, «lo ha plasmado en el cine y lo ha exportado como un producto americano».

Cardelús también destacó el tratamiento que los españoles dieron a los nativos de Norteamérica, poniendo como ejemplo que al oeste del Misisipi, «hay comunidades cada vez más prósperas». A su juicio, «si hay tribus indias en Estados Unidos es gracias a España» y, en concreto, se refirió al papel de las numerosas misiones que se extendieron por aquellos territorios. Ciudades como San Francisco y San Diego en California o San Antonio en Texas tienen su origen en antiguas misiones españoles, recordó.

Fuente ABC Manuel Trillo

[shanahazuki]

Fallece Taylor Wily, estrella de Hawaii Five-0, a los 56 años

#TaylorWily, conocido como Kamekona en #Hawaii Five-0", falleció a los 56 años.

El mundo del entretenimiento está de luto tras la noticia del fallecimiento de Taylor Wily, conocido por su icónico papel como Kamekona Tupuola en la serie de televisión “Hawaii Five-0”. Wily, de 56 años, murió recientemente, según informó The Hollywood Reporter. La noticia fue confirmada por el productor ejecutivo del reinicio de “Hawaii Five-0”, Peter M. Lenkov, quien compartió una emotiva…

[feminegra]

Defendiendo a Meghan Markle: Amistades Encaran a los Medios de Comunicación Británicos 

Melissa McCarthy la actriz de Hollywood está haciendo todo lo posible por defender a Meghan Markle, y no se contiene. McCarthy, con su conocida mezcla de picardía y clase, está desconcertada por la negatividad lanzada hacia Meghan, la duquesa de todo lo fabuloso. “Me desanima”, dice McCarthy, mirando a aquellos que no pueden aceptar a una mujer que tiene su propio plan de juego. Según McCarthy,…

[arloqui]

Sufrir con coquetería

Ezra Pound aconsejaba ignorar a los críticos literarios que jamás han escrito una obra notable. Su advertencia puede extenderse al arte del sufrimiento. Muchos han teorizado sobre el dolor pero sólo unos cuantos espíritus selectos pueden hablar del tema con autoridad y conocimiento de causa. El escritor más atormentado del siglo XX, y el que más testimonios dejó de sus conflictos existenciales, fue sin duda el portugués Fernando Pessoa. Su Libro del desasosiego, tan brillante como depresivo, no es sólo el testimonio de una mente desgarrada y lúcida, sino una preceptiva del sufrimiento. A diferencia de Sabines, Garibay o José Alfredo Jiménez, Pessoa nunca tuvo un sufrimiento puro. Su principal defecto o su principal virtud fue intelectualizar todo lo que sentía, flagelarse por partida doble con la observación atenta de sus heridas. Más que refocilarse en sí mismo, le interesaba someter el dolor a una valoración estética. Llegó a ser un crítico tan rigoroso del sufrimiento propio y ajeno, que desaprobaba por vulgar y falso el dolor de las multitudes. “El que sufre sufre solo”, sentencia Bernardo Soares, el protagonista del Libro del desasosiego al contemplar una manifestación de obreros.

Ángel Crespo, uno de los principales traductores de Pessoa al español, junto con el mexicano Francisco Cervantes, cree que Pessoa despreciaba a las masas por su ideología monarquista. Pero las simpatías políticas de Pessoa tal vez hayan sido un reflejo de su mentalidad esquizoide. El poeta de los heterónimos tuvo tantas personalidades que difícilmente pudo haber sufrido solo, pues los demás escritores alojados en su interior (Álvaro de Campos, Ricardo Reís, Alberto Caeiro, el propio Bernardo Soares) jamás le concedieron un momento de intimidad. Para entender el funcionamiento de un cerebro tan sobrepoblado y contradictorio, la psicología de las masas resulta más útil que la psicología individual. Según Freud, los individuos reunidos en una multitud, cualquiera que sea su género de vida, forman una masa psicológica o un ser provisional compuesto de elementos heterogéneos, exactamente como las células de un cuerpo vivo forman al juntarse un ser nuevo. Pessoa, que llevaba dentro una multitud sin líder, tal vez haya envidiado la cohesión espiritual de las masas, cohesión que él mismo nunca disfrutó, por no poder unificar sus múltiples personalidades bajo un mando central. Lo que tenia en la conciencia era una multitud desgobernada, un “tumulto civil de pensamientos”, donde ninguna figura de autoridad lograba contener la anarquía. De ahí su aspiración al orden, que probablemente fue resultado de una confusión entre lo que deseaba para la sociedad y lo que deseaba para sí mismo. Más que un ideal político, para Pessoa la monarquía era un ideal de paz interior: el sistema de gobierno que nunca pudo implantar en su alma.

Pero si Pessoa valoraba por encima de todo el sufrimiento solitario, por otro lado recomendaba “sufrir con coquetería”, lo que presupone la existencia un público y una vocación teatral por parte del sufridor. El libro del desasosiego es un testimonio de su extraña propensión al aislamiento exhibicionista. Pessoa se propuso hacer encantadora su desolación, estudiando con elegancia y espíritu lúdico el dolor de estar vivo, un tema más propicio al llanto y al gimoteo que al juego intelectual. Hasta cierto punto, el autor de la “Oda marítima” es un precursor lejano de actores como James Dean y Montgomery Clift, que hicieron en la pantalla algo muy parecido, si bien emplearon el talento histriónico en lugar de la inteligencia. Dean y Clift fueron dos maestros en el arte de sufrir seductoramente. Sin perder jamás la figura, sin desmelenarse como los actores de la vieja escuela teatral de Hollywood, lograron proyectar al espectador el impulso autodestructivo que despertaba el instinto maternal de sus fans.

Para sufrir como Pessoa, Dean y Clift no es indispensable ser un adolescente con problemas de identidad sexual, pero ayuda mucho. A juicio de su biógrafo João Gaspar Simoes, el poeta portugués tuvo siempre 16 años, edad mental que nunca rebasaron sus colegas de la pantalla. El dato debe tomarse en cuenta para no tratar de imitarlos después de los 30. La coquetería de estos genios del autoflagelo consiste en guiñar un ojo al público a la hora fe los fuetazos, implorando su colaboración en el ritual masoquista. Más que pedir un consuelo, en todo momento están pidiendo un espejo. Si logran conmover al auditorio no es tanto por la autenticidad de su dolor sino por el encanto infantil de su narcisismo. El espectador los ven tan vulnerables, tan necesitados de clavarse alfileres en el orgullo, que accede a compadecerlos por temor a hacerles más daño si no se presta a su juego.

Cuando un adulto practica el mismo chantaje con un propósito estético, sentimos que hay afectación en su dolor. A cierta edad ya no se puede sufrir con coquetería. Si un cuarentón trata de sufrir en público, más le vale componer boleros o rasgarse las vestiduras. De lo contrario, se expone al ridículo como T.S. Eliot en una de sus múltiples crisis nerviosas, cuando le dio por polvearse la cara de verde, ganándose las burlas de Virginia Woolf y otros compañeros de generación. Según Osbert Sitwell, uno de los mejores amigos de Eliot, “se polveaba la nariz para acentuar su aspecto de sufrimiento, a fin de provocar compasión con más facilidad, como si solo mediante la manifestación del dolor pudiera experimentarlo como real”. A semejanza de Eliot, algunos jóvenes poetas mexicanos que hace tiempo dejaron de ser jóvenes creen que la exteriorización del dolor es una cuestión de polvos y maquillaje. Fósiles del sentimiento, esconden sus penas bajo un denso plumaje metafórico, suponiendo que basta un leve indicio de su desdicha para conmover al lector. Con tímidas insinuaciones y lamentos impersonales, pretenden falsificar un tono emotivo sin descorrer el velo de su intimidad, no vaya a ser que los tachen de cursis. Nadie les niega el derecho a sufrir con la mayor discreción posible, pero si tienen esos pudores de colegiala deberían sufrir en silencio como Marga López.

Las caricaturas me hacen llorar, Enrique Serna, 2012

[mnnacts]

* EVERHARDT & CO NEW PRODUCT RELEASE.

la ciudad regresó completamente a su curso natural y el temblor ya no es tema de conversación. quienes tenían eventos programados festejan porque podrán llevarlos a cabo, como ocurre con la pareja de influencers que han comenzado un emprendimiento nuevo. son un tanto secretivos al respecto, no quieren dar mucha información en sus redes y en los medios, pero de a poco comienzan a correr rumores de que su nuevo proyecto está relacionado con el chocolate. a algunos les llega una invitación, otros consiguieron tickets dorados en sorteos y competencias. los más astutos logran infiltrarse en la fiesta de lanzamiento, a realizarse en hollywood hills.

sábado 8 de abril, 8 pm.

de a poco van llegando los asistentes, aunque poco se sabe sobre los anfritiones. la música que suena aún no te invita a bailar pero a medida que los mozos van llenando tu copa comienzas a liberarte más. ves rostros conocidos, a tus amigos y a personas que conoces de internet nada más. ya hay gente metiéndose a la piscina, a pesar de ser temprano aún. otros parecen mucho más interesados en la decoración principal, un huevo de pascua gigante rodeado de un centenar más. te permiten tomar uno de los pequeños, que parece traer algo dentro. lo abres con ganas y realmente te llevas una sorpresa al ver el regalo dentro. envuelto en una bolsa de celofán hay un paquete de condones. no lo puedes creer al principio, pero notas que una persona cerca tuyo ha conseguido un premio mejor: un vibrador con forma de bala. es entonces cuando los everhardt hacen su apareción en el balcón, tomados de la mano y rodeados de más huevos.

"bienvenidos al nacimiento de nuestro nuevo bebé. espero que les hayan gustado nuestros regalos porque tenemos muchos más. ¿quién se llevará el premio mayor?"

a tener en cuenta:

la actividad de esta semana se trata sobre el lanzamiento de unos huevos de pascua con regalos para adultos dentro. el contenido de los huevos va variando según el tamaño, aunque en una primera instancia los huevos que se le entregarán a sus personajes no son mucho más grandes que 150 gramos y los regalos van variando en valor. éstos pueden ser paquetes de condones, vibradores pequeños, botellas de alcohol pequeñas (como la de los minibares), huevos más pequeños. dejamos libre su imaginación para decidir ustedes qué encuentra su personaje.

en la mansión donde se realiza el evento hay una piscina en el exterior, rodeada de pequeños livings para que los invitados puedan conversar. hay diferentes ofertas de comida (pizza, bastones de queso, bastones de pollo, papas fritas, hamburguesas) y de bebida. hay tanto un bar exterior como un bar interior, el cual es libre. para quienes no quieran estar en el patio, se ha habilitado la sala de estar de la mansión, también con pequeños sectores divididos con sillones y mesitas. en la parte superior se encuentran las habitaciones, y aunque el acceso a esta se encuentra prohibido, no están controlando mucho quienes suben y bajan. hay baños en ambos pisos.

el incio de la actividad será en discord. desde el sábado 1 de abril hasta el lunes 10 de abril se desarrollará en el dash. la duración total es de 10 días.

pueden publicar sus outfits para sus personajes, así como cualquier otro edit.

en estos días estaremos publicando una dinámica que funcionará como intervención, ¡estén atentos!

durante esta actividad no habrán privados, sino que les daremos la opción de continuar con dos de sus threads de discord en el dash. también está permitido un thread grupal por personaje.

[mnninter]

picnic a la vista.

si hay algo por lo que los angeles destaca además de sus bonitas playas tiene que ser la cantidad de celebridades que alberga en su lujoso hollywood. evento se ha visto visitado por celebridades de gran peso a la par de empresarios e importantes familias locales, es claro que mucho dinero ha sido donado para llevar adelante acto comunitario que pretende enlazar a la comunidad entera. es por esto que para celebrar que el récord se ha roto y todos los árboles han sido trasplantados, organizadores empiezan a ofrecer pequeñas canastas individuales de picnic en lo que invitan a todos los presentes a recorrer y conocer un poco más del hermoso bosque nacional.

¿y tú? ¿hacia dónde irás?

¡hola, amores! les dejamos una nueva intervención, pero sepan que esta vez la misma no tendrá ningún tipo de desarrollo en el dash por lo que todas sus convos no deberán ser adaptadas a la misma. al contrario, les traemos una propuesta diferente.

aquellos que gusten participar, pueden responder esta encuesta de forma individual con cada uno de sus personajes. según lo que elijan, el destino al que llegarán. ¡pero cuidado! allí no serán los únicos y con quién les tocará hacer picnic será arte de la casualidad.

esta dinámica se roleará por discord, por lo que no podrán participar en caso de que no se hayan unido a nuestro servidor.

¡anímense a participar! el azar hará que quizás interactúen con personajes con los que todavía no han tenido oportunidad de rolear, incentivando la nueva creación de dinámicas a través del desarrollo de la actividad.

tendrán tiempo para anotarse (responder la encuesta) hasta mañana 17:00 hs (gmt-3).

ante cualquier duda, no teman en acercarse o enviar un mensaje al chat ooc de nuestro discord. ¡gracias!

[jartita-me-teneis]

El parche de la manga de

Johnny Depp, que tuvo un papel secundario En el film, platoon es el emblema de la 25th División de infantería tropical Lightning.

A diferencia de muchos otros cineastas que se ocupan de la guerra de Vietnam, el guionista y director de Platoon, Oliver Stone, tuvo experiencia de primera mano, ya que sirvió en el conflicto como soldado de infantería. Platoon se basa en gran medida en las experiencias genuinas de Stone, con algunos incidentes extraídos directamente de la vida real. Esto incluye la escena en la que Chris, de Charlie Sheen, salva a una niña vietnamita de ser asaltada, lo que Stone hizo una vez durante la guerra.

Las películas sobre la guerra de Vietnam a menudo han destacado la práctica de los soldados de escribir mensajes personalizados en sus cascos. Esto se hizo en Platoon y, para darle un toque personal más auténtico, los actores escribieron mensajes que se les ocurrieron ellos mismos. Por ejemplo, Charlie Sheen escribió: "Cuando muera, entiérrame boca abajo para que el mundo pueda besarme el culo".

Como muchas películas de Hollywood ambientadas en Vietnam, Platoon se rodó en las selvas de Filipinas. Sin embargo, la producción casi descarriló cuando estalló una revolución en Filipinas inmediatamente antes de que comenzara a filmarse la película. Al final, esto sólo acabó retrasando el rodaje una semana; Stone dice que los realizadores simplemente tuvieron que "hacer nuevos acuerdos con el nuevo ejército".

Un día, el elenco estaba filmando en una cañonera de puertas abiertas a gran altura, cuando el vehículo inesperadamente se ladeó bruscamente hacia un lado. Charlie Sheen perdió el equilibrio y cayó hacia la puerta abierta, pero su coprotagonista Keith David lo atrapó. Como es casi seguro que Sheen se habría caído del helicóptero de lo contrario, desde entonces el actor ha elogiado a David por salvarle la vida.

La imagen característica de Platoon (utilizada en el famoso cartel) muestra a un soldado desesperado de rodillas con los brazos estirados. Si bien esta imagen puede ser sinónimo de la película actual, se inspiró estrechamente en una fotografía real de la guerra de Vietnam, tomada por el fotógrafo de guerra Art Greenspon en 1968. La fotografía ha sido ampliamente aclamada como una de las imágenes definitorias del infame conflicto.

Antes de filmar, Stone ordenó que el elenco fuera sometido a dos agotadoras semanas de entrenamiento intensivo. Esto no fue para que se unieran o estuvieran en buena forma física para la película, sino para privarlos de sueño y cansarlos tanto que realmente lucharan por soportar el rodaje. Esto fue para recrear el cansancio que los soldados realmente sentían en Vietnam.

El sargento Barnes de Tom Berenger se vuelve aún más distintivo e imponente por sus severas cicatrices faciales. Mientras Platoon se esforzaba por lograr la autenticidad, se hicieron esfuerzos para garantizar que las cicatrices de Barnes parecieran lo más realistas posible. Como resultado, Berenger tuvo que pasar cerca de tres horas maquillandose todos los días del rodaje.

Platoon fue solo la tercera película de Johnny Depp y, en ocasiones, resultó ser extremadamente estresante para el actor. Durante una secuencia particularmente difícil, la actitud agresiva del director Oliver Stone casi provocó que Depp vomitara. A pesar de esto, el implacable Stone todavía exigió a Depp que hiciera una segunda toma inmediatamente después.

Otro futuro actor de renombre de Hollywood que consiguió uno de sus primeros papeles importantes en Platoon fue Forest Whitaker. Cuando se le ve por primera vez en los créditos iniciales de Platoon, se resbala y cae por una colina, lo que, según el actor, fue un verdadero accidente. Aunque este momento no estaba escrito y no se había ordenado a Whitaker que cayera, Stone decidió mantenerlo en la película.

Al elegir Platoon, el director Oliver Stone se propuso elegir a dos de sus actores principales, Willem Dafoe y Tom Berenger, completamente en contra del tipo. Debido a que Berenger había interpretado principalmente a tipos buenos y comprensivos, Stone le dio el papel del sádico sargento Barnes, mientras que Willem Dafoe estaba acostumbrado a interpretar al villano, por lo que fue elegido como el cariñoso y compasivo sargento Elias.

[espectrogrisabee]

El libro adentro

Diciembre 14

Día de oficio, descanso. Dos capítulos de Paredro: el primero, Un modelo para armar, sobre narrativas disruptivas y metaficcion con Lucas Vargas y Rubén Orozco, y luego el de Las pequeñas muertes, el libro de Margarita Posada. Día de recuperar mi cuerpo, de comer pan con dulce de café, de descansar de la avidez del amor, del sexo, tarde de poner a secar en el viento esta fundición de emociones con las que en días recientes vengo forzando ociosamente mi corazón. Día de acomodarme en la luz, de entrar en el encendido cenit del confort sobre la ola más suave.

Los libros brillando en la soledad de un invierno con sol. Mi cuerpo distribuyendo los rayos de la ciudad como un prisma que late después de nacer.

Hace poco leí una nota de prensa acerca de un hoyo negro cercano a nuestro planeta, Leo 1, lo han llamado los astrónomos. Según sus cálculos, (¡pero cómo!) y según han medido su capacidad, su magnitud equivale a un millón de soles. Como un disco que gira eternamente y dentro del cual todos nosotros y nuestras bestias más fantásticas, y nuestras catedrales, pirámides y monumentos imperiales, somos una irreductible y minúscula fracción de materia. Somos esporas, somos menos que polvo, motas atómicas flotando sobre un gigantesco disco interestelar que nos disolverá con suma voracidad, o mejor aún, que fríamente nos absorberá con una cósmica y pasmosa indiferencia. A veces, si embrago, si vivimos con la suficiente pasión y encanto, podemos ser la aguja que trace una canción sobre el gigantesco vinilo, una que quizás, para comprenderla, nos pida soltar lo que amamos pero ya no necesitamos. Sólo así, bajo un delirio de fe o en el paroxismo de la duda, podemos ser capaces de crear la música del universo.

Diciembre 15

Luego de otra fatigosa jornada en el site, llego a casa a ver Midnight in Paris, y no dejo de pensar que al igual que Gil Pender decidió renunciar a ser un peón de Hollywood, yo tendría que entender que no fui el mejor en lo que hacía un par de años atrás porque deseaba dejar mi alma en otro lado, en la literatura, y también porque pedía en silencio y con todo mi corazón esto que me pasa y me pesa hoy: la soledad, los amores ocasionales, las batallas, los rivales, la furia, la revancha, este sobrevivir tratando con ardor de ser el mejor en un trabajo donde al final tampoco me convertiré en nada superlativo y donde me derrotaré a mi mismo para seguir creando, para irme a otro lado y hacerme con mi vellocinio personal, para sacarme de adentro el mejor libro del que podré ser capaz.

[jose-ameno]

            Un café en pocillo y un jugo de naranja

           Un día cálido, pero encantador.

           Dias así estaban hechos para ser recordados. Deliciosas sensaciones se filtraban en el aire, humeante y fresco.

            Cálido era el ambiente, templado el clima.

            Aceras eliminas en una temprana mañana. Ayer habia llovido, hoy el sol salía radiante.

            En su cristal, la ventana materializaba, la imagen de la acera, el pavimento, grávido y sin dolor, inerte. Siempre es bello observes. Las cosas inertes, mitigan el dolor.

             Un material traslucido, frio, cortante, junto se entremezcla uno áspero, rasposo, enervante al tacto, su sola vivida imagen tranquiliza corazones en congoja.

          A través de su cristalina óptica, a su resguardo, la ciudad brilla su propio encanto, al alcance pero fuera, permeable, pertinente, invasorio pero abstracto.

        Los bellos colores Florencia, dentro y fuera del local, todo era espuma, crema que adornaban sus copas, en los tejados de los placeres misericordiosos, pero incordiosos.

        El camino reflejo de sus colores. Según el tiempo estival sus deleites, y pertinencias insistencias hacia a luz mixtada.

        Panorama de multi-fluorescencias según lo uno quisiera ver, albergaba los anhelos mas hondos.

        El prisma de la vida estaba ahí. Un universo en múltiplos de múltiples fotogramas, un diferente holograma hecho a medida de quien lo vistiese, como un vestido de alta costura.

   

No se para quien esta hecho esto al final

Creo que ya se paso

Es lo que digo

Todo se ha vuelto una mafia

Es solo una moda

Pero ¿ como podrías descartarla?

Por lo visto, no pueden.

Si me lo preguntan caballero, ella lleva ese ropaje

hace mucho tiempo, del rato esta gastado, la lana deshilachada, táctil al tacto, se percibe su claro estado de desgaste.

Claro, pero ella eligió

Asi es caballeros, pero las modas no pueden

durar, ya los ingresos no pueden entrar y los gastos son elevado

Viendo de ti, me preocupa

Claro que si, señores, pero a saber que las ropas

mas finas y mejor cosidas tarde o temprana son derruidas y convertidas en harapos a su tiempo

Tenemos entre cinco y seis, si nos piden hablar

con ellos, el juego se termina, no habrá mas negociaciones. Fue un pequeño chascarrillo.

Así lo fue

El dinero de la imagen, no esta fluyendo,

caballeros míos

No tanto, no quiero terminar como tapado de

piel

Tapados estamos, solo nos quedan clientes

personales, ya no quedan empresas que abalen, la liga, las estrella que creamos, que hemos impulsados, ya no rinden, estamos perdiendo en el mercado. La ultima línea femenina fue un fracaso, y este sector termino y fue el mas lucrativo en los últimos años

Podemos cerrar

Si, con el tiempo

El ingreso de imagen y reproducción ya esta

perdido, pero tengo mis dudas sin legal, del todo precisos, creo que debemos hacer una auditoria de la liga, creamos súper estrella, súper mitologías, súper jugadores, todo desaparecía en los arreglos de la liga, ¿Por qué ya no hay ingresos por el show? Debe haber una auditoria con rendición de cuentas, ya, en el acto

no creamos un show señores, creamos apoyo,

ayuda moral, creamos el éxito, hicimos que todo se vea mas bellos, combatimos las inseguridades y aumentamos el valor, el respecto y el escore de mucha gente a lo largo del tiempo, la industria de la moda,  siempre habrá cliente, todos quieren dar bien, la industria del glamour no puede desaparecer, luz cámara y acción, mudémonos a Hollywood. Caballeros.    

El rey, este desnudo.

Yo podría darle ropaje

[cinemedios]

Jon Bernthal regresa como The Punisher para ‘Daredevil: Born Again’

Lamentablemente, Deborah Ann Woll y Elden Helson no regresarán como Karen y Foggy para 'Daredevil: Born Again'.

El rodaje de la serie Daredevil: Born Again está por comenzar este mes y desde que se anunció el proyecto, muchos nos hemos preguntado que otros actores, además de Charlie Cox y Vincent D’Onofrio, que participaron en las series de Netflix regresarán a interpretar sus respectivos papeles. El día de hoy, según un reportaje exclusivo de The Hollywood Reporter, se sabe que Jon Bernthal regresará al…

[pop-sesivo]

El primer zombi suelto en Hollywood

Por Gonzalo Jiménez

Los zombis, tal como los conocemos, son una creación de George A. Romero. Ese es el canon que, de alguna manera, ha imperado en Hollywood desde que Romero dirigiera en 1968 La noche de los muertos vivientes. Los zombis en Romero no guardan relación con el mito haitiano, salvo en el detalle de que son muertos reanimados; pero su origen es la radiación de un satélite que cayó del espacio.

El zombi ya posee entidad como uno de los monstruos clásicos del cine; hasta puede hablarse de un género de películas. Los muchos fanáticos de los filmes y series de TV sobre zombis ignoran cuál fue el primer gran éxito que el tema tuvo en Hollywood: un largometraje que había sido olvidado durante décadas hasta que la TV lo rescató en los años 60 y volvió a ser apreciado por una nueva generación. Esta es la historia de ese filme, White Zombie (La legión de los hombres sin alma, 1932).

Parte de la razón para que White Zombie no tuviera el estatus de otros clásicos del cine de horror como Drácula o Frankenstein (ambas de 1931) es que White Zombie es un filme independiente, financiado por un pequeño estudio de cine, Halperin Productions, que formaba parte de la llamada Poverty Row, que era como se designaba a los estudios menores que operaban independientemente en Hollywood, como Monogram, Majestic, Mascot y Puritan, entre muchos otros, que ya no existen y pocos recuerdan ya.

Según indica el libro Forgotten Horrors (Midnight Marquee Press. Baltimore, 1999), de George Turner y Michael Price, la palabra “zombie” fue introducida ante grandes audiencias en Estados Unidos con el libro sobre vudú haitiano The Magic Island, de William Seabrook. El concepto luego llegó al teatro, con la obra Zombie, que produjo Kenneth Webb en Nueva York y se estrenó en febrero de 1931. Sólo se ofrecieron 21 funciones de esa pieza. Curiosamente, Webb amenazó con demandar en marzo de ese año a los productores Edward y Víctor Halperin cuando estos anunciaron que iniciarían el rodaje de una película llamada White Zombie.

La historia de los hermanos Halperin es singular. Ambos arribaron a Hollywood a comienzos de la década de 1920. Tenían formación universitaria e inclinaciones por el teatro. Juntos produjeron una docena de películas mudas para los estudios First National, United Artists y Vitagraph; casi todas melodramas. Nada presagiaba que les interesaría incursionar en el género del cine de terror.

Los hermanos tenían una obsesión: encontrar una aproximación científica a la forma de hacer cine. En pocas palabras, teorizaban sobre hallar una fórmula que garantizara en 100% el éxito de una película. Sus análisis de filmes exitosos los condujo a preguntarse por qué funcionaban en la taquilla Drácula (Universal) o Dr. Jekyll y Mr. Hyde (Paramount). Los Halperin (Víctor siempre dirigió y Edward era el productor) concluyeron que los diálogos debían limitarse al 15% del filme y que el resto debía ser pura acción.

Esta aproximación a la trama también se reflejó en su manera de hacer cine. White Zombie se completó en apenas 11 días de rodaje. Víctor Halperin y Garnett Weston escribieron el guión, con la asesoría del sargento Faustin Wirkus, otrora administrador de la isla de La Gonave, frente a Haití. El presupuesto fue de 65.000 dólares, aportados por la empresa Amusement Securities Corp. y por el productor independiente Phil Goldstone. Y como estrellas del filme se contrataron a Madge Bellamy (actriz del cine mudo que anhelaba un regreso triunfal) y Bela Lugosi, fresco del éxito de taquilla obtenido en Drácula y Murders of the Rue Morgue. En algunos libros se indica que Bela Lugosi sólo recibió 800 dólares como pago por White Zombie (en el libro Forgotten Horrors se indica que fueron 500 dólares por una semana de trabajo), pero cuesta creer que, si bien era una producción independiente, el actor húngaro se tranzara por esa cifra. Madge Bellamy, por ejemplo, comentó que le pagaron 5.000 dólares por su papel, que es estrictamente secundario frente al de Lugosi.

Lo cierto es que White Zombie en absoluto luce como una película barata. Sin duda, los diálogos y ciertos aspectos de la trama han envejecido mal. Pero todavía sorprende la dirección de fotografía de Arthur Martinelli (de lejos, lo mejor de la película). El filme se rodó en los escenarios de los estudios Universal, por lo que los hermanos Halperin le sacaron provecho a los decorados de primer nivel de la empresa; el director de arte fue Ralph Berger, quien comisionó a la empresa Howard Anderson Co. para hacer los efectos especiales y los trucos de cámara, que simulaban escenarios inmensos. Por ejemplo, el interior del castillo de Murder Legendre (Lugosi) fue usado en Drácula y en El jorobado de Nuestra Señora de París.

Jack Pierce, creador del legendario maquillaje de la criatura de Frankenstein, hizo el maquillaje de los zombis en la película, así como del personaje de Bela Lugosi, Murder Legendre. Lugosi creó con Legendre uno de sus villanos más memorables. No sólo era una cuestión de maquillaje; ayudó también los acercamientos que la cámara hacía de su rostro. Legendre crea zombis a través de la magia negra para valerse de mano de obra que trabaje sin parar en su molino de caña. Pero los zombis a los que hace alusión el título del filme son seis hombres blancos, que fueron enemigos de Legendre y éste los transformó en muertos vivientes: Latour, el brujo antiguo mentor de Legendre; Von Gelder, un terrateniente adinerado; Víctor Trischer, ministro del Interior; Scarpia, oficial del ejército; Marquis, capitán de la policía; y Chauvin, el verdugo de la isla.

White Zombie, pese a sus limitaciones, probó ser un éxito en la taquilla y eventualmente, con el paso del tiempo, encontró defensores en los espacios menos esperados, como en el del músico (y ahora cineasta) Rob Zombie, quien bautizó a su primera banda con el título del filme. En YouTube es posible ver la película completa. Una curiosidad, para quienes son fanáticos del género de horror.

(Publicado originalmente el 11 de diciembre de 2012 en el blog de los Hermanos Chang).