#rock de culto

[cuartoretorno]

Frank Zappa, el último intelectual del rock?

Por Jon C. Alonso.

12 de Julio 2013 

Tendría 14 años y mi mundo se enredaba entre el punk-rock, el psychobilly y la New Wave. No tenía ni idea de quién era el ínclito Frank Zappa. Estaba en casa de un compañero de instituto y de repente pasé por el dormitorio de su hermano. Era un tienda de discos alucinante; llena de posters, entradas e iconos del Rock&Roll. Explorando aquel Minerva choqué con un estante prodigioso: la letra F. ¿podéis o pueden imaginarse la cantidad de buena música que empieza por la letra F? Bien, escudriñé todos los álbumes que pude. Aún tengo grabado el olor de aquellos guardavinilos de plástico trasparente. Qué gozada, cuando me doy de bruces con “Freak Out”(1966), el primer álbum que me atreví a sisar inocentemente, pues tan solo me lo llevé hasta la habitación de mi compañero de clase y lo pusimos en el plato Bettor Dual, le dimos volumen al ampli Vieta y las cajas acústicas llenaron aquella habitación de magia. Estaba totalmente out. No cabía en mi semejante asombro. Instrumentación y temas larguísimos. Me dio la risa floja pensando en el personaje de la portada y acordándome de unos de mis héroes preferidos del comic; los geniales Freak Brothers de Shelton.

Cómo los personajes outsiders de Shelton, creo que fue de lo más hermoso  publicado en 1966, junto a los álbumes de Hendrix, The Beatles, The Who o los Stones. A toro pasado, comprobamos la   transcendencia de la añada en la historia del rock contemporáneo. Uno, que también nacía aquel año,  por suerte, no en una furgoneta VW descacharrada. Aquellos tiempos en los que tan solo era un montón de pañales envueltos en Nenuco y chupete incorporado, mientras el genial Zappa estaba de lecturas en los circuitos universitarios con obras como; “Cerdos, caballos y rock and roll” o soplando un manillar de bicicleta: creando una leyenda, él. Nacido en un día cercano a la navidad de 1940 en Baltimore (Maryland, USA) La ciudad de “The Wire”. Su padre,  era un científico que trabajaba para el Gobierno y guitarrista vocacional en sus días de asueto. La familia se desplazo del frió Este  Atlántico a la calurosa y divertida California del Pacífico, cuando Frank era un pequeño chavalín. Entre sus primeras aficiones destacan la avidez por el coleccionismo  de discos de rock cosecha años 50 y R&B. Lo curioso de esta afición era su adicción por otra música clásica, más purista y selecta  como Stravinski y Edgard Varèse, a la postre una de sus grandes influencias.

Zappa era  único, pues,  ya apuntaba heterodoxias no muy lejanas. La grabación de  una cinta con apenas 20 años le trajo el primer lío con el sistema. Fue  condenado a 10 días de cárcel y tres años de libertad condicional por un video en la que ridiculizaba sexualmente a la policía. Se encaró al hipismo; la cultura del LSD. Algo que pudo resultar chocante en aquellos años. Ya que mostrarse en contra del consumo de drogas en aquel momento. Zappa dejó caer, “que en lugar de estimular la creatividad, las drogas idiotizan, la industria musical y la política, la misma basura”. Fue un alarde de valentía o nihilismo particular soltar semejante frase, sabiendo que los Angeles, cuna del movimiento no iba a generar simpatías. Es más, el mismo Zappa confesó, en cierta ocasión que llegó a componer música bajo los efectos de sustancias psicotrópicas. Pero no le gustó el resultado y se dio cuenta de que el alto nivel de exigencia de su música (tanto de escritura como de ejecución) requería estar lo más despierto

Siguió con su discurso: “desde el mismo instante en que introducen el elemento de la droga, contribuyen a sostener ese mismo sistema, ya que un individuo drogado no puede responder, pues es un inútil”. La visión de Zappa sobre las drogas resulta insólita en el mundo del rock. Entre sus ideas revolucionarias, destacan la producción de un concierto con música de Varese y la grabación de un disco de música barroca del siglo XVIII, y, aunque esto sería discutible, se plantó en el siglo XXI con su estilo—muy personal— de tocar la guitarra de rock and roll en discos como “Shut up & Player guitar”. La pregunta del millón era: ¿Es mortal a corto plazo? O tan sólo,  poner en evidencia a los Beatles con We’re only in it for the money (Sólo lo hacemos por dinero), una parodia del Sgt. Pepper, de riesgo, de incomprensión, de música para adictos. Satirizaba con furia la América establecida, alteraba las cintas de grabación, jugaba con el ruido, recitaba, utilizaba a Varèse, componía para orquesta y recordaba al rock de los cincuenta. De los happening con jirafa eyaculadora de nata sobre el publico y marines masacrando muñecos de trapo, mientras sonaba el God bless America. FZ y su obsesión por el pensamiento. Algo extraño en el R&Roll.  La época en la que pedía una nación sin gobierno, en la que afirmaba que harían falta 500 años para que la gente estuviese madura para ello. «Que sean 500.000 años», declaró en 1992. «En Washington están los peores payasos que el dinero puede comprar. Odio todas las corrientes políticas».

Un legado de 1966 a 1972, con los albunes imprescindibles desde mi amado “Freak Out!, pasando por “Absolutely Free”, “Lumpy Gravy”, “We’re Only In It for the Money”, “Cruising With Ruben & the Jets”, “Uncle Meat”, “Hot Rats”, “Burnt Weeny Sandwich”, “Weasels Ripped My Flesh”, “Chunga’s Revenge”, “Fillmore East, June 1971” y “Just Another Band From L.A”. No queda más que seguir deleitándonos con  el recuerdo de obra de un provocador, de un genio, como pocos ha conocido la historia de la música reciente. A modo de sentencia final, me quedo con su opinión sobre el rock: «El rock and roll se ha convertido en un gran negocio. Ya no está sujeto a la música o a la estética; sólo tiene que cuadrar con la identidad corporativa de las compañías de discos. El rock es un gran fraude». Podríamos seguir escribiendo hojas y páginas Word, pero se me acaba el espacio y el intelectual fue Frank y como aquel  monólogo de “200 Motels”; el compromiso político funciona como eje articulador y destrozador de las ilusiones de los ciudadanos. En 1993 fallecía con 52 años en su casa rodeado de su familia y seres más queridos.

[cinemedios]

'Desiertos', La Desaparecida Presentación de La Ley

En 1990 se publicaba el primer álbum del nuevo proyecto encabezado por Rodrigo Aboitiz y Andrés Bobe, con un joven y recién integrado Beto Cuevas como vocalista, la banda chilena La Ley se presentaba de forma independiente sin saber que se volvería un artículo de culto entre sus fans.

En 1990 se publicaba el primer álbum del nuevo proyecto encabezado por Rodrigo Aboitiz y Andrés Bobe, con un joven y recién integrado Beto Cuevas como vocalista, la banda chilena La Ley se presentaba de forma independiente sin saber que se volvería un artículo de culto entre sus fans. Reseña Musical | ‘Desiertos’ Es probable que al leer ‘Desiertos’, usted haya pensado que no es ninguna creación…

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #332 - Area, Crac!, 1975

Le storie dei dischi dello scatolone del mese di Giugno hanno avuto un grande riscontro, e ne sono particolarmente felice. E per quelle di Luglio vorrei ripartire da quello scatolone, perché conteneva un altro disco, che però rispetto ai 5 scelti avevo già comprato da me. L’ho scelto per tre motivi: perché è l’occasione di parlare di un grande personaggio, che ho citato di striscio nelle storie del mese scorso; perché questo lavoro è un formidabile esempio della grandezza e delle capacità di uno dei gruppi italiani più grandiosi di sempre; perchè il suo titolo mi ha sedotto a trovare altri dischi che hanno nel titolo lo stesso simbolo grafico, il punto esclamativo. Gli Area, che avevano nel nome di gruppo una dicitura chiarissima, International POPular Group, sono stati una delle punte di diamante della musica europea degli anni ’70. Nascono a Milano nel 1972 quando musicisti provenienti da esperienze molto diverse mettono su un gruppo. Il primo nucleo comprendeva il tastierista Patrizio Fariselli, Giulio Capiozzo alla batteria, Johnny Lambizzi alla chitarra, sostituito subito da Paolo Tofani, Patrick Dijvas al basso e Victor Busnello al sassofono, con in più uno studente di architettura di origini greche, alla voce, Demetrio Stratos (psudonimo di Efstràtios Dimitrìou). Convergono nel gruppo esperienze diversissime: Fariselli è diplomato al Conservatorio di Pesaro, Capiozzo ha suonato per anni all’Hotel Hilton de Il Cairo e fu prolifico sessionman per la Numero Uno di Mogol e Battisti, Tofani suonava la musica beat con i Califfi, Stratos aveva avuto un certo successo negli anni precedenti, avendo cantato il brano Pugni Chiusi dei Ribelli, che entrò in classifica nel 1967.

Ma qui è tutta un’altra storia: scelgono una musica totale e creativa, ricchissima di suggestioni, puntando anche sulla “complessità musicale”. Quest’ultimo punto li vide clamorosamente osteggiati durante il loro primo tour a supporto di grandi nomi come Rod Steward e i mitici Gentle Giant, accusati dal pubblico di essere troppo ostici. Poco dopo l’incontro che cambia la loro storia (e in parte anche quella della musica italiana). Gianni Sassi è un fotografo, scrittore, artista bolognese che fonderà una etichetta, la Cramps, che scompaginerà il panorama musicale del tempo. Li mette sotto contratto, dà loro libertà creeativa ma si mette a scrivere i testi, con lo pseudonimo di Frankenstein. Il debutto è leggendario: nel 1973, Arbeit Macht Frei, la beffarda e drammatica scritta che accoglieva i deportati nei lager nazisti, già dalla copertina è un colpo alla coscienza, con un pupazzo mascherato e con un lucchetto, imprigionato tra totalitarismo e sistema del Capitale. La musica è altrettanto dirompente: un jazz rock teso, di caratura internazionale, ma che profuma di mediterraneo, vedasi il suono balcanico del primo pezzo culto, Luglio, Agosto, Settembre (Nero), netta presa di posizione a favore dei palestinesi, e che spesso vira all’avanguardia (L’Abbattimento Dello Zeppelin). Tra tutto, spicca la voce, prodigiosa, di Stratos, non solo per l’estensione o la duttilità, ma per il ruolo che gioca nelle canzoni, e per le straordinarie capacità tecniche (studierà le diplofonie, facendo della sua voce uno strumento aggiunto e inimitabile, arrivando a produrre contemporaneamente fino a 4 note diverse). Busnello e Dijvas lasciano il gruppo, quest’ultimo andrà alla PFM, e entra in formazione Ares Tavolazzi al basso. Nel 1974 arriva Caution Radiation Area (in copertina il simbolo del pericolo radioattivo) e radioattiva è la musica, che abbandona la forma canzone (tranne Cometa Rossa, che sfoggia ancora suggestioni mediterranee) e vira decisamente sull’avanguardia e la sperimentazione. Il pubblico non gradisce, ma dal vivo la band macina concerti su concerti, ad un ritmo forsennato (oltre 200 l’anno) è spesso invitata in contesti internazionali, e chi li ha visti dal vivo assicura che erano straordinari. Dopo aver registrato una versione strumentale de L’Internazionale (con lato b Citazione Da George J. Jackson, con Stratos che recita un famoso discorso del leader delle Pantere Nere) per la liberazione dell’anarchico Giovanni Marini, all’epoca detenuto in carcere per l’omicidio del vicepresidente del FUAN, Carlo Falvella, avvenuto a Salerno nel 1972, nel 1975 arriva l’atteso nuovo disco.

Crac! è un disco che media tra il primo e il secondo. L’immediatezza di alcuni brani, che furono tacciati di frivolezza (storica la stroncatura di Riccardo Bertoncelli e la contro risposta di Stratos sulla rivista Gong) ma che invece sono una lucida organizzazione del solito alto livello musicale, un formidabile jazz rock al massimo livello, a cui per una volta si aggiunge un giocoso approccio. Crac! si apre con L’Elefante Bianco, che diventerà brano culto, una cavalcata rock con i fiocchi e prosegue con La Mela di Odessa: Stratos che qui fa davvero capire che voce incredibile è stata, è anche famoso perché durante i live Demetrio raccontava la storia che la ispirò. Secondo lui infatti, il testo si baserebbe su un fatto realmente avvenuto nel 1920, e che potrebbe essere uno dei primi dirottamenti marini della storia. Un pittore dadaista tedesco, tale Apple, che intendeva assistere ad una mostra d'arte a Odessa, vi dirottò una nave passeggeri con l'intenzione di regalarla ai russi che avevano da poco fatto la rivoluzione. Una volta a Odessa, Apple venne salutato con feste enormi, che comportarono anche far saltare in aria la nave con tutti i suoi passeggeri tedeschi. Della storia non c’è traccia in nessuna fonte storica e ormai è chiaro che fosse stata inventata per rendere ancora più potente le metafore che il testo sprigiona in un brano “enciclopedia” per la commistione di generi, stili, suoni, un capolavoro assoluto. Megalopoli e Nervi Scoperti spiegano la vita mediterranea al jazz rock. Nel disco c’è anche il brano più famoso degli Area, Gioia E Rivoluzione, che dice “Canto per te che mi vieni a sentire\Suono per te che non mi vuoi capire\Rido per te che non sai sognare\Suono per te che non mi vuoi capire", e che verrà ripresa decenni dopo con successo dagli Afterhours; l’elettro-psichedelia retta dal basso di Implosion e la sperimentazione vocale di Area 5 chiudono l’LP. Il successivo tour verrà ricordato con un live, Are(A)zione, con tre brani noti dai Festival a cui parteciparono, e una nuova suite, omonima al titolo del disco.

La band durerà altri due anni: divisi dal sentirsi alfiere dell’avanguardia musicale, con scelte a volte del tutto incomprensibili, come Event del 1976, una lunga suite sconclusionata, faticosissimo tentativo di cavalcare la tigre del suono, progetti solisti che crearono tensioni, il passaggio dalla Cramps alla CGD di Caterina Caselli, che nel 1978 pubblica Gli Dei Se Ne Vanno, Gli Arrabbiati Restano, che esce pochi mesi prima che Demetrio Stratos muoia di leucemia fulminante. “Stratos è stato senza dubbio il personaggio più originale e importante nella musica italiana di ricerca degli anni Settanta, proprio per il suo voler sfuggire alle definizioni, per aver saputo, con coerenza e intelligenza, mettere in comune mondi apparentemente lontanissimi.” (Ernesto Assante).

[jorgesanson]

La foto que ve usted arriba parece sacada de una producción de Mario Testino, pero fue captada por un reportero gráfico de The Sidney Morning Herald, periódico conservador australiano, durante el funeral de Michael Hutchence, que hoy hubiese cumplido 56 años. Esa viuda compungida y perfecta es la cantante Kylie Minogue (que en cuatro meses cumplirá 48) y la imagen se tomó en la catedral de San Andrés en Sydney el 27 de noviembre de 1997.

Kylie Minogue ni siquiera era una viuda oficial. Ese papel era para Paula Yates, presentadora británica que moriría solo tres años después debido a una sobredosis de heroína. Y tampoco se diría que Minogue quisiera tomar ese papel. El velo ante los ojos es un un guiño obvio a su estatus de viuda del rock, pero el vestido corto, escotado y con los hombros al aire le da un aire de desidia que choca durante un acto religioso y parece un homenaje a su exnovio, que le había enseñado a rebelarse y a pasar de las normas. ** Se diría que decidió ser de cuello para arriba la viuda que el mundo del espectáculo esperaba y, de cuerpo para abajo, la rubia joven y digna de ser corrompida a la que Michael Hutchence amaba** y a la que dedicó Suicide blonde.

INXS fue una de las más exitosas bandas que exportó Australia y Hutchence su icono rock definitivo. Su romance con Minogue duró solo desde 1989 hasta 1991 pero volvió loco a la prensa durante toda una década. A él se le achacó el paso de ídolo naif de ella (producto de la factoría de éxitos Stock Aitken & Waterman) a supervixen del pop. "Él me lo enseñó todo sobre el sexo", revelaría ella años más tarde en una entrevista. Y por esta imagen da la sensación de que quiso agradecérselo hasta el final. En la prensa aparecen cada dos por tres célebres viudas que, incluso en momentos de dolor, intentan dar una lección de estilo. Pero lo que Kylie hizo el 27 de noviembre de 1997 fue dar una lección de coherencia, honra y veneración, un control total de imagen, persona y personaje más de una década antes de que Instagram o Twitter nos enseñasen a perfeccionar ese arte.

"Conocí a un tipo que era salvaje, rockero, sí, era todo eso. Pero siempre me duele tener que aclarar que también era poético, culto, gracioso y amable. Él era todas esas otras cosas. Fue una de las mejores épocas de mi vida". Ella fue la viuda más hipnótica y fascinante que hemos visto. Es imposible que tantas cosas se vuelvan a repetir en una sola imagen en blanco y negro tomada por un reportero de prensa en una catedral abarrotada de gente.

Vanity Fair, 22.01.2026

[elbiotipo]

Me fascina el sur estadounidense porque el clima, y en mucha medida la naturaleza, es muy parecida a mi propio hogar (el litoral argentino).

Y encuentro muchos paralelismos; así como el Gran Chaco ahora está pasando por un proceso de pampeanización, con la destrucción total de la matriz vegetal "mosaico" (o sea, bosques sabanas y humedales) para el cultivo de soja y otros, el sur estadounidense también sufrió una transformación muchísimo más destructiva y profunda. Para pensar que el sur de EEUU, antes de las grandes transformaciones de su ambiente con la colonización, tenía cotorras (Cotorra de Carolina, extinta), cañaverales (Arundinaria, que de no ser por tumblr no sabía que existía, casi extinta), yaguaretés (!!!), y por supuesto todavía tiene caimanes y otra fauna bien subtropical. El Paraná no parece tan lejos del Mississippi.

Y lo que me sorprende acá es la discriminación que siempre veo asociada CONTRA el sur de EEUU. Porque desde que tengo memoria que ando en el internet anglosajón, el sur de EEUU siempre es un chiste; lleno de racistas, incesto, pobreza, mala educación. Lo cual me parece irónico, porque justamente es el sur donde vive una gran cantidad de afro-americanos, así que no es un poco raro acusar a toda una región de racismo, sabiendo que las principales víctimas de ese racismo viven ahí y lo consideran su hogar? Y no solamente eso, sino la cultura que tiene. Sin el sur, no existiría el rock ni el funk que tanto disfruto, ni hablar del jazz o del blues y mucho más. Cosas que no solo formaron la cultura de EEUU, sino que transcendieron a una escala global.

En fin, me parece interesante esto porque yo vivo en un contexto donde la cultura de EEUU, en general, se impone sobre mi país y el resto del mundo por la globalización. Y al ver como es EEUU por dentro, veo que esa imposición también empieza y se da ahí de cierta forma (y esto ni siquiera hablando de las tribus nativas, la segregación y mucho más). Es como lo siguiente; el sur de EEUU, como el litoral argentino, es subtropical, es "exótico". Lo cual no concuerda con un mundo que es, culturalmente, eurocéntrico, y templadocéntrico. Así que incluso si forma parte de ese centro de los países centrales, siempre culturalmente se lo discrimina y se lo tiene apartado de lo que es algo "culto" y "rico", como sería el norte de EEUU. Cuando me quejé del eurocentrismo en las historias de ficción, apunto a esto. Como se expresa incluso en el rechazo de ciertos climas y culturas, que parece tan arraigado que hay gente que ni lo piensa dos veces.

(ni siquiera llegué a tocar directamente de política acá porque eso ya es otro tema)

[beastofmetal666]

𝐏𝐋𝐀𝐒𝐌𝐀𝐓𝐈𝐂𝐒

𝐖𝐞𝐧𝐝𝐲 𝐎. 𝐖𝐢𝐥𝐥𝐢𝐚𝐦𝐬

𝟐𝟖 𝐝𝐞 𝐌𝐚𝐲𝐨 𝐝𝐞 𝟏𝟗𝟒𝟗

✝ 𝟔 𝐝𝐞 𝐀𝐛𝐫𝐢𝐥 𝐝𝐞 𝟏𝟗𝟗𝟖

Natalicio de Wendy Orlean Williams, vocalista fundadora de Plasmatics, nacida en Webster, Nueva York, EUA, quien, si viviera, hoy cumpliría 74 años. Una figura de culto del rock que con Plasmatics creo un monstruoso híbrido de punk y metal que tuvo un gran revuelo en los 80's. Aparte de la música, su imagen estrafalaria, sexual y perturbadora y sus espectáculos impactantes, donde hacía volar autos, destruía guitarras con sierras eléctricas y muchas barbaridades más, atrajeron a propios y extraños, algunos horrorizados, pero otros gratamente fascinados por su gran propuesta artística. Su espectáculo y experimentos estéticos, como simular una masturbación sobre el escenario o tapar sus pezones solo con pequeñas tiras de cinta adhesiva, serían después imitados por gente como Madonna o Lady Gaga. Después de una memorable carrera con Plasmatics y su banda homónima WOW, Wendy se retira en 1991, con su esposo Rod Swenson, a Connecticut donde, en 1998, logra quitarse la vida después de dos intentos fallidos. Su esposo Rod declaró en ese entonces fuertemente devastado: "La amaba más allá de la imaginación. Ella era una fuente de fuerza, inspiración y coraje. El dolor en este momento al perderla es inexpresable. Apenas puedo imaginar un mundo sin Wendy O. Williams en él. Para mí, un mundo así está profundamente disminuido".

¡FELIZ CUMPLEAÑOS ESTÉS DONDE ESTÉS WENDY O. WILLIAMS REINA DEL SHOCK ROCK!

¡𝐒𝐢́𝐠𝐮𝐞𝐦𝐞 𝐞𝐧 𝐘𝐨𝐮𝐭𝐮𝐛𝐞! 𝐁𝐄𝐀𝐒𝐓 𝐎𝐅 𝐌𝐄𝐓𝐀𝐋

https://www.youtube.com/channel/UC2OGceA1nrP1kCdIjE64DlA

https://www.instagram.com/beast_ofmetal/

🇺🇸🤘🎤𝐒𝐭𝐞𝐩𝐩𝐞𝐧𝐰𝐨𝐥𝐟🎤🤘🇺🇸

[musik27]

Mon Laferte: Una voz rebelde y versátil en la música latina

Mon Laferte es una de las voces más poderosas y versátiles de la música latina contemporánea. Con su estilo único que combina el poder de su voz con letras conmovedoras e inquebrantables, ha logrado establecerse como una de las artistas más influyentes de su generación. A lo largo de su carrera, ha demostrado una versatilidad que trasciende géneros, estilos y fronteras.

Inicios y Transformaciones

Norma Montserrat Bustamante Laferte Nacida el 2 de mayo de 1983 en Viña del Mar, Chile, Mon demostró su talento y amor por la música desde temprana edad. Influenciada por las tradiciones musicales de su país, creció en un ambiente de bolero, folclore y rock, que influyeron en su estilo musical posterior. A los 13 años, Rafter comenzó a cantar en bares locales y a participar en concursos de talentos, donde ya empezaban a aflorar sus habilidades vocales y escénicas.

Se hizo famoso en Chile por su participación en el programa de televisión Rojo: Fama, Contrafama*,El concurso de talentos que lanzó su carrera Aunque su primer álbum *La Chica de Rojo* (2003) apuntaba a un estilo más comercial, Mon pronto decidió incorporar su arte al suyo, alejándose de la música pop tradicional que explora una gama más amplia de sonidos y emociones.

Renacimiento en México

Después de su éxito en Chile, Laferte tomó una decisión arriesgada y radical: en 2007, se mudó a México para redescubrirse a sí mismo como artista. El cambio no fue fácil ya que enfrentó varias dificultades, incluidos problemas de salud que casi le acaban con la vida. Sin embargo, la experiencia fortaleció su creatividad y sus creencias personales.

México se convirtió en el lugar donde su música tomó nuevas direcciones, mezclando estilos como el bolero, el rock, el folk y el pop latinoamericano. En 2015 lanzó el álbum Mon Laferte Vol 1, que se convirtió en un punto de inflexión en su carrera. Con canciones como "Tu falta de querer" y "Amor completo", Mon se ganó al público no sólo en México, sino en toda América Latina y España. La melancolía y crudeza de sus letras,Debido a la vulnerabilidad de su voz, rápidamente conectó con el publico.

Activismo y arte

Mon Laferte es conocida no solo por su música, sino también por su activismo y su postura en las redes sociales. y cuestiones políticas. Ha utilizado repetidamente su plataforma para denunciar la injusticia y apoyar causas como las luchas feministas, los derechos LGBTQ+ y la protesta social en Chile. Uno de los momentos más impactantes de su carrera fue su protesta durante los Premios Grammy Latinos 2019, donde mostró un mensaje en su pecho desnudo con un mensaje sobre la represión en Chile: "En Chile torturan, violan y matan". Su arte y activismo están indisolublemente ligados, y muchas de sus canciones tratan temas de dolor, resistencia, empoderamiento y crítica social. Este compromiso no fue fácil, ya que sus opiniones políticas fueron elogiadas y criticadas, pero Mon siempre mantuvo un claro sentido de responsabilidad como artista en tiempos de cambio.

 Estilo y evolución musical

A lo largo de su carrera Mon Laferte experimentó con una variedad de géneros, desde pop y rock hasta cumbia y folklore andino. Su álbum Norma (2018), por ejemplo, es una dedicatoria a los ritmos latinos tradicionales, en el que explora géneros como la salsa, el mambo y la cumbia. Cada nuevo proyecto muestra un aspecto diferente de su arte, pero siempre conserva su huella personal: autenticidad y emoción cruda.

En 2021 lanzó "Seis", un álbum inspirado en los rancheros y la música mexicana, con influencias de la figura de culto Chavela Vargas. Con este álbum, Laferte expresa su profundo respeto por la tradición musical mexicana mientras continúa explorando su propio sonido. En canciones como "que se sepa nuestro amor" y "Se me va a quemar el corazón", combina el drama de la música ranchera con melancolía y pasión personales.

Mon Laferte Ha dejado una huella imborrable en la música latinoamericana. su capacidad para reinventarseSu exploración de diferentes géneros sin dejar de ser fieles a sus personalidades creativas los ha convertido en referentes de la música y la cultura latina. Con múltiples Grammys, una sólida base de fans internacionales y una carrera en crecimiento, Mon continúa superando expectativas y rompiendo barreras.

Su legado no solo radica en su música, sino también en su coraje para hablar y cantar. Sobre temas que otros artistas podrían ignorar. Mon Laferte es una artista completa en muchos sentidos: guapa, rebelde y, sobre todo, sincera. No hay duda de que es y seguira siendo una figura clave de la música latina durante muchos años más.

te amo mucho Mon gracias por tu musica me haces muy feliz tu mejor album es 1940 carmen pero nadie acepta esta verdad  te amo te amo te amo te amo te amo casate conmigo por favor te amo mucho

[saintjezebel483]

Dos Grandes Significantes en La Vida En Una Sola Foto

Bueno, esta foto es un sueño para mi. Yo amo a Bruce Dickinson desde que era pequeña, mis inicios del heavy metal y rock fueron con Iron Maiden. Cuando conocí a Bruce en el 2016 siempre supe que era un tipo tan dulce, culto y tan amante de las cosas raras hahah. Lo dice hasta en su autobiografía, a parte de ser tan multifacético que eso INSPIRA A MUCHOS con las cosas grandiosas que Bruce ha hecho.

Ver esta imagen de los dos juntos, veo a Tobias cumpliendo un sueño: Iron Maiden fue su gran inspiración en primer lugar más que cualquier otras inspiraciones y logró gracias a esa inspiración : a llegar a la pantalla grande y que su público sea principalmente : Bruce Dickinson.

Bruce es fiel amante de Ghost, ama la teatralidad, ama el significado de sus canciones porque Iron Maiden comunican el mismo mensaje de lo que Tobias quiere comunicar acerca de la religión que se impone hoy en día de lo que la iglesia absurdamente corrompe la fe a través de sus propias imponencias.

Simplemente siento emoción, por que mis dos ídolos significantes de ml vida …

Están en una sola foto❤️

Foto de parte de la Esposa de Bruce Dickinson: Leana Dolci 📷

[claudiosuenaga]

O mistério de Sakafune-ishi e sua conexão com Masuda-no-Iwafune e Yonaguni

Sakafune-ishi (literalmente "Liquor Ship Rock" ou "Navio de Pedra de Bebidas") fica perto do centro da vila de Asuka, em Nara, a cerca de 20 minutos a pé no topo da colina de Muraoka. Aspectos da simbologia sagrada ou esotérica teriam sido embutidos em profusão em Sakafune. A configuração dos entalhes, sugerem alguns, se assemelha sobremaneira a Árvore da Vida da Cabala. Sakafune remete ainda ao monumento megalítico submerso de Yonaguni que se supõe ter sido construído há cerca de 10.000 anos atrás, no final da última Era do Gelo.

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[memorableconcerts]

The Lords of the New Church,Rock Rendez-Vous, Lisbon, Portugal

31 Julho de 1988

Farewell Tour 1988

Price: 6€

Concerto brutal e dos mais loucos!

Não são estranhos para ninguém os Lords of the new Church.

Nascidos das cinzas dos Dead Boys (Stiv Bators, vocalista), Damned (Brian James, guitarrista), Sham 69 (Dave Tregunna, baixista) e Barracudas (Nicky Turner, baterista), esta super-banda impos-se como uma banda de culto ao conseguir misturar o punk, goth/post-punk e new wave de forma quase perfeita.

O auge deu-se logo no 1º album, auto-entitulado "Lords Of The New Church". Não tem um tema mau, tudo na mesma linha... post/punk com jogo e intensidade. Começa com o clássico "New Church" que acaba por ser o grande hino da banda. Segue com outro tema forte, mais 'dark', o grande "Russian Roulette". Temos então um tema mais punk/new-wave com "Question of Temperature" que tem sequência no tema seguinte "Eat Your Hear Out" (provavelmente o melhor tema do album). O resto do disco segue a mesma fórmula e segue-a com sucesso.

Este albúm é a razão pela qual os Lords Of The New Church tiveram e têm tanto sucesso entre várias facções músicais. São respeitados dentro do punk, dentro do gótico e dentro da New-Wave e fãs em geral de anos 80.

Depois do 1º disco seguem-se mais dois, com um tom mais sombrio, mais gótico, mais virado para o post-punk que fazia sucesso na altura.

Portanto, houve mais para além dos Dead Boys na carreira de Stiv Bators. Aconselho mesmo a que oiçam o clássico a solo, 'Disconnected'. Powerpop/punk com toques glam com selo de qualidade.

Voltando ainda aos Lords Of The New Church, lançam em 1988 tamb��m um albúm ao vivo com várias versões de temas 'garage' clássicos, "Second Coming". Datado de 1988 e já com Danny Fury na bateria, revisitam clássicos da própria autoria como "Question Of Temperature" e da autoria de outrém, como "You Really Got Me" (dos Kinks).

Os Lords passaram por Portugal a primeira vez no Rock Rendez-Vous. Foi um excelente concerto com Stiv Bators a liderar a banda.

Stiv Bators morreu aos 40 anos vitima de acidente de carro.

[cuartoretorno]

Trailer La ciencia del Sueño 2006

Stéphane, un joven extremadamente tímido, convencido por su madre que le ha encontrado trabajo, decide regresar a Francia, lugar en el que creció y que abandonó tras la separación de sus padres. Pero Stéphane, que es muy creativo, descubre que este trabajo como ayudante en la fabricación de calendarios es demasiado banal y aburrido. Estimulado por el descubrimiento del apartamento en el que pasó su infancia, se refugia en el mundo de los sueños. Allí conocerá, enseguida, a su vecina Stéphanie, que será cómplice de sus excentricidades.

[jlnnns]

introducing : 𝐋𝐄𝐍𝐍𝐎𝐍 𝐉𝐔𝐍𝐆 .

☆ veinticuatro años ☆ tatuador y baterista de the 1777 ☆ esqueleto b4 ☆

tablero de pinterest ☆ audición ☆ conexiones

☆ biografía ☆

infancia transcurrió en utah, en el seno de una familia religiosa extremista. pocas o nulas eran las libertades con las que contaba el entonces llamado park jeongho. desde que tiene memoria su vida ha girado en torno a la religión cristiana, al estudio de la biblia y la asistencia a los cultos religiosos en los que solo se escuchaba hablar de pecado y arrepentimiento. castigos físicos eran pan de cada día a quienes no cumplícan con el estándar de la comunidad: la total devoción a jesús. a pesar de eso, al iniciar su adolescencia tuvo un acercamiento a la música a través de la música de alabanza, aprendiendo a tocar la batería para las misas de los fines de semana. pero la única música que podía escuchar y tocar era esa, la cristiana. además, siempre fue talentoso con el dibujo, pero en secreto.

una tarde regresando de la escuela, el entonces adolescente de diecisiete años pasó por una tienda de música y desde afuera pudo escuchar un ritmo musical que nunca antes había oído. en casa no contaban con ningún tipo de tecnología, como radios o televisores, mucho menos celulares. en la televisión de la tienda se reproducían videos musicales de bandas como blink-182, fall out boy y my chemical romance, sobre todo bandas de punk rock de los 90's e inicios de los 2000. los ritmos acelerados y las letras de las canciones parecían tenerlo en un trance, sobre todo al distinguir el ritmo de la batería en las canciones ¿acaso era posible que su instrumento favorito hiciera esos sonidos? entonces, paso por la tienda se hizo tradición. poco a poco fue descubriendo más y nuevos géneros, incluso bandas de rock que ya llevaban tiempo extintas, todo un mundo que se había perdido en aislamiento.

tw: abuso físico. vigilancia era extrema, ninguno de los "corderos" como los llamaba el pastor y jefe de la iglesia podía desviarse hacia malos rumbos. noticias de jeongho incurriendo en esas prácticas, al ir constantemente a esa tienda, llegaron a él y castigo no se dejó esperar. delante de toda la comunidad fue flagelado, marcas de látigos en su espalda, brazos y piernas serían recordatorio de sus "errores". fue castigado por meses, obligado a estar encerrado en su casa repitiendo versículos de la biblia ante ojo vigilante de sus progenitores. abuso recibido por su propia comunidad por algo que consideraba inocente fue la gota que derramó el vaso y sin pensarlo dos veces una noche huyó.

travesía a california fue complicada, considerando los pocos recursos con los que contaba más allá de deseo de huir y nunca más ser encontrado. llegó a los ángeles la noche de su cumpleaños dieciocho, con la ropa sobre su espalda y solo unas cuantas pertenencias en una mochila después de haber corrido por kilómetros para salir de comunidad y haberse valido de la compasión de desconocidos que lo recogían de la carretera. al día siguiente se cambió de nombre, park jeongho murió ese día que fue castigado delante de toda la iglesia, ahora sería lennon jung y sería libre.

☆ head canons y conexiones ☆

gente que haya conocido recién llegado a los ángeles, que lo hayan ayudado a sobrevivir y conseguir trabajo. ha trabajado literalmente de todos los trabajos que le ayudaran a comer hasta especializarse en el tatuaje y formar parte de la banda, así que también ex compañeres de trabajo vienen bien.

amistades que se dediquen a los tatuajes o potenciales clientes. una vez en los ángeles explotó ese lado artístico suyo, yendo mejorando año tras año. actualmente es bastante reconocido en el rubro, aunque le falta para llegar a ser el mejor, pero ya es bastante solicitado.

nunca ha tenido una relación amorosa, pero sí one night stands. no se etiqueta bajo ninguna sexualidad específica, es bastante fluido en ese sentido. ama a las personas, no ve diferencia en ello.

no lo imagino con enemigues porque es un amor de persona, es muy gentil y suavecito a pesar de todo lo que vivió, pero si se les ocurre algo es más que bienvenido.

amigues en general, de verdad es muy bueno y está rotito por dentro por las circunstancias de su crianza pero cada vez es más feliz y libre aunque el trauma aún lo persiga!

[diceriadelluntore]

Storia di Musica #338 - AA. VV., Picnic-A Breath Of Fresh Air, 1969

La EMI fonda nel 1969 una sussidiaria, la Harvest, sulla scia di altre case discografiche, per intercettare le nuove sonorità, in un periodo, la fine degli anni '60, straordinariamente fertile dal punto di vista creativo. Per questo motivo pensa ad una compilation vetrina di alcuni artisti sotto contratto con la casa madre, affiancati da giovani promesse. Ne esce così un mix musicale intrigante e qualitativamente notevole del panorama musicale britannico. Tra l'altro il disco, un doppio, fu concepito e prodotto per costare pochissimo, per essere venduto nei negozi a 1,5 sterline. Ha delle particolarità: in primis la copertina, opera dei mitici creativi della Hipgnosis, che come tutte quelle agostane della rubrica presenta una spiaggia, in questo caso della Normandia. Un gruppo di uomini ha una maschera antigas. L'interno è ancora più suggestivo, in bianco e nero, dove gli uomini camminano sulla battigia e nel cielo si notano le copertine dei dischi da cui i brani sono presi. Tra questi fece scalpore la presenza di Embryo, inedito dei Pink Floyd. Registrato durante le sessioni di Ummagumma ma non incluso in quel lavoro, il brano ebbe una notevole vita live, cosa che spinse ad includerlo. La band non fu affatto felice della scelta, considerando quel brano alla stregua di un demo, tanto che spinse ad un parziale ritiro della compilation. Fu quindi in fretta e furia ristampata, senza riportare quella canzone. Per questo motivo le prime edizioni senza correzione sono un pezzo pregiato del collezionismo discografico. Ed è un peccato, perché il resto della selezione è favoloso. Si inizia con Into The Fire dei Deep Purple, da Deep Purple In Rock, la culla dell' hard rock. Poi perle del nascente progressive: Mother Dear dei Barclay James Harvest, dal loro meraviglioso disco omonimo d'esordio, quello con la copertina a mo' di rosore di una chiesa. C'è Eleanor's Cake di Kevin Ayers, Water della Third Ear Band, addirittura Syd Barret con Terrapin, da The Madcap Laughs, esordio solista dell' ex Pink Floyd, che uscirà addirittura un anno dopo l'arrivo nei negozi di questo disco vetrina. E ci sono altre perle di band minori, sicuramente per notorietà, ma che suonavano meravigliosamente. Se i Quatermass sono stati già protagonisti di questa rubrica, ricordo altri gioielli che all'epoca vivevano di grandi speranze. I Bakerloo, un power trio alla Jimi Hendrix Experience, qui con il torrido rock mozzafiato di The Worried Feeling, dal loro unico, bellissimo, ma sfortunato album Bakerloo; Again And Again de The Greatest Show On Earth, che pubblicarono due preziosi dischi nel 1970, entrambi con la copertina firmata Hipgnosis, capaci di un rock progressive segnato da una sontuosa sezione fiati; Tea And Symphony furono tra i precursori del progressive folk, con una formazione che mutava di continuo, furono inoltre una delle prime formazioni ad avere un proprio impianto luci per i primi spettacoli multimediali. Un altro rock trio presente è The Edgar Broughton Band, gruppo di Warwick, famoso per la voce blues, urticante e caratteristica di Edgar Broughton. Ebbero anche una sinistra nomea perché spesso organizzarono concerti in luoghi pubblici che finirono non poche volte in gigantesche risse con intervento della polizia, tanto che la band fu bandita da diverse città. Vista l'aura di culto, la EMI realizzò un cofanetto di 3 CD dal titolo A Breath Of Fresh Air - A Harvest Records Anthology 1960-1974 che mantiene alcune canzoni, tra cui Embryo, ne sceglie altre dagli stessi autori della prima e aggiunge qualche brano dell'ultima stagione del progressive. Vale la pena recuperare le canzoni del primo, per una playlist ante litteram di un momento eccezionale per la musica europea. E non solo.

[lacavernadehierro]

“Un Déjavú de la Ciudad de México”

La banda británica de rock gótico The Mission Uk encabezada por ex integrantes de The Sisters of Mercy (Wayne Hussey y Caig Adams), se presentó el pasado 19 de octubre del 2022, en el Auditorio Blackberry de la Ciudad de México. Después de una década de estar alejados del escenario latino; este evento fue gracias a Dilemma Conciertos. Para esta noche tan especial de reencuentro con el público mexicano trajeron consigo a la banda de rock “Gene Loves Jezebel” fundada por los hermanos Jay y Michael Aston, ellos a su vez trajeron a dos músicos invitados (matrimonio) directo desde Estados Unidos, el guitarrista Michael Ciravolo (ex Human Drama actual Beauty In Chaos) y a la bajista Trisha Ciravolo, esta banda fue la encargada de abrir el espectáculo, que fue un rotundo sold out.

La atmosfera que se sentía en el aire era de nostalgia, euforia, emoción, melancolía, con algunos de los fanáticos ya que ellos estaban en su papel de góticos, vestidos, maquillados y peinados cómo si salieran de una novela romanticista, sin dejar nada a la imaginación. Fue una noche especial, ya que estabas frente a una de las bandas más icónicas del gótico de los años ochenta, un referente en la música de aquella época que, sin duda, era una influencia muy marcada para algunos músicos y bandas de nuestros días.

Fueron 2hrs y 15 minutos llenas de matices y tonalidades, de canciones de culto, en dónde dejaron los sentimientos a flor de piel, con canciones como:  Beyond the Pale, Serpent´s Kiss, Severina, la mítica Butterfly On a Wheel de hecho la más esperada de la noche, Wasteland, Deliverance, por nombrar algunas.

Así pues, para muchos fue una noche que quedará en la memoria, para otros, un regreso a su juventud, para algunos más, una aventura nueva que perdurará a través de los años y seguirá hasta el último día de sus vidas.

Por otra parte, al terminar este concierto, se pudo adquirir mercancía oficial desde playeras, sudaderas, tazas,  vasos, plumas, álbumes, que oscilaban entre los 100,  400 y 600 pesos.

Seltlist del Tour “Dejavu 2022”de The Mission Uk:

1) Beyond the Pale

2) Tomorrow Never Knows (The Beatles)

3) Like a Hurricane (Neil Young)

4) Serpent´s Kiss

5) Within the Deepest Darkness (Fearful)

6) Garden of Delight

7) Afterglow

8) And the Dance Goes On

9) Severina

10) Belief

11) Butterfly On a Wheel

12) Wasteland

13) Deliverance

ENCORE (tocaron parte de Met-Amor-Phosis, The Crystal Ocean y Like a Child Again)

14)  Dance On Glass

15) Heat

16) Hungry as the Hunter

17) Tower of the Strenght

Alineación actual de The Mission Uk:

Wayne Hussey- Voz y guitarra líder

Caig Adams- Bajo

Simon Hinkler- Guitarra rítmica

Mike Kelly- Batería 

Contacto:

Página web: http://www.themissionukband.com/

Facebook: The MissionUk

Instagram: The Mission Uk

Spotify: The Mission Uk

Escrito por: Gothik_ Divaa

[elbiotipo]

una consulta las iglesias evangelicas son aquellas que se llaman iglesias universales y que con otros nombres tipo pastores que alquilan un local y dan una especie de misa o como sea que se llamen. Es que siempre pense que eran ese tipo y les tenia un poco de mania porque me hacen acordar a un tipo secta.

Sí, pero no. La Iglesia Universal (la que viene de Brasil) es muy peculiar por lo organizada que está y lo corrupta, porque no tiene otra palabra, que es. Mi viejo está en ella y el enfásis que ponen en el diezmo y sacar plata de los fieles es casi sacado de una parodia. También tienen otras cosas raras como una réplica del Templo de Salomón en Brasil hecha según las medidas de la Biblia (posta). Tienen un montón de cosas que la hacen bastante alejadas de otras iglesias como un énfasis muy raro en por ejemplo los objetos santos (que tenés que comprar).

Las iglesias que vos decís son las que más relaciono con lo evangélico y suelen ser cada pastor o grupo de pastores pone una iglesia en su barrio/localidad, aunque están aliadas o organizadas. Lo que tienen, justamente, es que son individuales, hasta el punto que por ejemplo, aunque uno va a los "cultos" los domingos con toda la iglesia, la forma de práctica suelen ser reuniones de 6 o 10 personas que se juntan a leer la Biblia ("células" le dicen), o no tienen sacerdotes sino que básicamente cualquiera puede predicar (bueno, no CUALQUIERA, hay cursos y escuelas de pastores), justamente lo que diferencia a los evangélicos de muchas otras iglesias es que en realidad son muchas iglesias chiquitas. El culto es con mucha música (les gusta el rock evangélico), mucha oración muy pero muy 'fuerte' digamos (nada que ver con una misa) y después un pastor que se hace el canchero y moderno, pero ninguna de las cosas salen muy bien (yo realmente prefiero la misa católica es más tranquila). Capaz es porque me críe en ese entorno pero para mí no tienen nada demasiado raro, o sea, nada más raro de lo que podrías encontrar en otra religión. Hay pastores corruptos a patadas sí, pero yo conozco varios y en general son buena gente aunque demasiado conservadores.

Todas las iglesias de este estilo estas son "protestantes" en el sentido de que parten de la separación original de la iglesia católica, pero las evangélicas son más bien nacidas en el contexto de EEUU que es bastante peculiar. Otras iglesias protestantes en Europa, por ejemplo, son muy parecidas a las católicas.

Siento que mucha gente no entiende mucho sobre los evangélicos pese a que ahora son una gran proporción de la población. Lo raro es que muchos creen que entienden y piensan que son todos iguales.

[30-yo-records]

Björk - Debut 

Cuando su “segundo álbum debut” vio la luz, @bjork ya contaba con cierto estatus de culto en su natal Islandia gracias a The Sugarcubes. En este sentido, #Debut no hizo más que consolidar el talento musical de una joven-mamá primeriza a escala mundial, a la vez que resignificó la figura de la estrella pop en medio del las estridentes guitarras del Grunge y el Britpop.

Su creación ocurre durante una “pausa indefinida” de The Sugarcubes, donde Björk se enfocó en encontrarse a sí misma para crear algo totalmente distinto al sonido post-punk de la banda en los años 80. 

Para ello se refugió en los raves y la escena nocturna de Londres, donde recuerda: “me quedaba hasta las 7 am, al final de las fiestas a escuchar a los DJs pinchar música para ellos mismos en lugar de poner música que agradara a la gente…”

Por otra parte, la influencia del jazz ayudó a #Debut a romper con los moldes del pop más comercial, como puede oírse en su interpretación de ‘Like Someone In Love’, un éxito de Bing Crosby 50 años atrás. 

A Debut también se le puede atribuir el hecho de colocar la música electrónica (en específico al #house y el #triphop), en lo más mainstream del pop, algo que no sucedió ni siquiera con actos de la talla de Kraftwerk, DEVO o Yellow Magic Orchestra.

En 2013, en su 20 aniversario, Joh Hamilton de Idolator calificó el álbum de "muy influyente", señalando que “a pesar de su avanzada edad, su futurismo ha envejecido exquisitamente”. Y es que, al final, Debut termina siendo un álbum clásico del trip-hop, así como también lo puede ser del house, el pop, el acid, o el art-rock y, en una de esas, hasta del #hyperpop más actual que uno pueda encontarse en algún blog perdido de #Tumblr, donde la nostalgia noventera está a tope.

Todo esto a 30 años de ver la luz.

IG

#bjork #1993 #house #acid #triphop