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arte-e-homoerotismo · 2 days ago

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Peter Watson & Pavel Tchelitchew (c 1934), Cecil Beaton

O "santo queer" Peter Watson deixou sua marca na cultura britânica ao financiar gigantes do mundo da arte

A cultura britânica tem uma dívida enorme com Peter Watson. O "santo queer" de Cecil Beaton financiou todos os nomes famosos, de Spender a Freud, e foi cofundador do ICA. Mas, como uma vida sexual lasciva sugeria, ele era uma alma danificada

Um contato com a fama: Peter Watson era um apaixonado pelas artes e patrocinou muitos pintores ( ©The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s )

Olhe por cima dos ombros das principais figuras do mundo cultural britânico de meados do século XX – de Cecil Beaton e Stephen Spender a Cyril Connolly e Lucian Freud – e você encontrará, de pé atrás deles, um homem lânguido e atenuado com olhos fundos e uma boca feminina. Este homem, Peter Watson, é agora em grande parte uma nota de rodapé para as vidas dos outros – um jovem brilhante que gradualmente abandonou um pouco de seu brilho para se tornar um patrono artístico e que morreu em circunstâncias misteriosas aos 47 anos. Sem ele, porém, o mundo da arte britânica teria sido um lugar muito diferente.

Watson era um colecionador – de coisas bonitas, de pessoas bonitas e, mais consistentemente, de pessoas em quem ele via talento para criar beleza. Ele foi um dos primeiros na Grã-Bretanha a aderir de todo o coração ao Modernismo Continental e comprou obras recém-saídas dos estúdios de Picasso, Miró, Giacometti, Klee e Dali; ele patrocinou compositores e amava jazz; ele foi um dos fundadores do Instituto de Artes Contemporâneas (ICA) em Londres; ele financiou jovens pintores britânicos como Freud, Francis Bacon e John Craxton; ele investiu dinheiro na revista literária e cultural de alto nível Horizon, cuja lista de colaboradores é uma lista de artes e letras britânicas (Christopher Isherwood e WH Auden, George Orwell e Graham Greene, Bertrand Russell e Virginia Woolf). E ele distribuiu dinheiro para uma coleção heterogênea de parasitas gananciosos ou pobres nas margens da cena cultural.

A vida curiosa desse homem curioso é o tema de um novo livro, Queer Saint, de Adrian Clark e Jeremy Dronfield. Watson era queer em ambos os sentidos e os autores traçam suas andanças tanto pelo beau monde quanto pelo sombrio e expõem as amizades e amores que ele encontrou em cada um. A figura que emerge é ao mesmo tempo um playboy gay com gosto por sexo rude e um esteta no sentido mais puro da palavra que deixou uma marca indelével, embora em grande parte não reconhecida, na arte britânica.

O que permitiu que Peter Watson fosse essas duas pessoas simultaneamente foi o dinheiro. Ele teve a grande sorte de ser um dos homens mais ricos da Inglaterra, cortesia de um fundo fiduciário de £ 1 milhão que em 1930 gerou a enorme soma de £ 50.000 por ano. Gore Vidal — sempre tão bom em isolar as características salientes de amigos e inimigos — mais tarde o descreveu como "um homem charmoso, alto, magro, perverso. Um desses tipos estranhos ingleses intrincados que geralmente acabam como marechais de campo, mas como ele era tão rico, nunca teve que fazer nada."

Para o eterno embaraço de Watson, o dinheiro veio da margarina (pronunciada, quando Watson nasceu em 1908, com um "g" forte). Seu pai veio do comércio e tinha refinado seus negócios de laticínios em uma enorme fortuna, parte da qual ele gastou em uma vasta propriedade rural em Sulhamstead Abbots perto de Reading e parte em facilitar seu caminho para um título de cavaleiro e ter uma chance em uma baronia. Quando em Eton, entre o dinheiro antigo, o jovem Watson ainda sentia o gosto forte da margarina em suas narinas elegantes.

Ele era o mais novo de três filhos, por uma década: seu irmão, embora aparentemente mais respeitável, também era gay, enquanto sua irmã cresceu e se tornou uma dama do condado cujos interesses eram em carne animal e não masculina – ou seja, wolfhounds irlandeses e cavalos de corrida. Watson tinha pouco a ver com qualquer um dos irmãos, sua mãe era o único membro da família a quem ele sentia lealdade ou afeição.

Em Eton, ele rapidamente se viu no meio cultural homoerótico e feérico, mas nobre, que ele nunca realmente deixou. Entre os contemporâneos estavam Orwell, Anthony Powell, Ian Fleming e James Lees-Milne. Ele já via o mundo como um lugar um tanto monótono: "Nada é mais terrível do que muita realidade — devo dizer, prefiro ter um pouco de fantasia para mim do que toda essa realidade monótona." Com o solipsismo adolescente estimulado pela riqueza, nunca lhe ocorreu que ele não sabia nada sobre a realidade.

Também não havia muita realidade para ser encontrada em Oxford. Quando ele foi para St. John's, ainda havia um toque da geração Brideshead por perto e Watson não era nem um esportista nem um acadêmico. Ele estudou, no sentido mais amplo, por dois anos medíocres, durante os quais ele foi reprovado em quase todos os exames possíveis, mas adicionou Auden, Isherwood e Spender, entre outros, à sua crescente lista de amigos.

Oxford e Watson desistiram um do outro em 1930. Ele foi enviado para baixo e fez o que muitos jovens irresponsáveis abençoados com vastos recursos e nenhuma motivação para fazer muito além de buscar prazer fariam: ele voou. Foi em uma viagem de borboleta para a Europa com o cenógrafo Oliver Messel que Watson foi apresentado, em Viena, a Cecil Beaton. Nenhum dos dois achou o outro particularmente atraente: Beaton, já um fotógrafo promissor, descreveu Watson como um "jovem alto e desengonçado, com o rosto de um bacalhau encantador". Beaton rapidamente, no entanto, descobriu os gostos pescatarianos e Watson se tornou o amor de sua vida.

À medida que o relacionamento se desenvolvia, Watson manteve a vantagem sobre o efeminado e socialmente ascendente Beaton. A amizade deles era calorosa a ponto de ferver e ser tátil, mas, para a frustração do fotógrafo, nunca se consumava. Beaton deitava na cama de Watson e o encarava enquanto ele dormia, ele o acariciava e fazia cócegas em seus pés, eles entravam em um pouco de "luta livre" ofegante e estridente, mas aí Watson traçava o limite.

Quando eles andavam pela Europa juntos, Watson se entregava aos garotos que encontrava nas boîtes de Paris e nos bares e cervejarias de Munique e deixava o pobre Beaton borbulhando. "Celly-boy", como Watson o chamava, era apaixonado e apaixonado. "Peter", ele disse, possuía uma "beleza bestial que é sutil... e suas nádegas, magreza e pernas e braços longos e finos, pescoço amanteigado e mãos grandes fazem para mim o ideal".

Beaton deu a Watson todas as oportunidades, mas ele nunca as aproveitou. Eles viajaram para a América juntos, onde Beaton tinha trabalho a fazer para a Vogue, aconchegados juntos na cabine de um navio. Eles viajaram pelo Caribe e pela Europa. Eles escreveram como amantes, falaram como amantes, discutiram arte como amantes (Watson, no meio de uma fase inicial da arte alemã, para Beaton: "Você acha uma cena de crucificação legal para a sala de jantar?"), mas eles nunca se tornaram amantes. Depois de muitos anos, Beaton finalmente percebeu que seu desejo era destrutivo e, por pura força de vontade, forçou-se a se afastar de sua intimidade para preservar sua própria sanidade. Ele nunca conseguiu extirpar Watson completamente, no entanto: foi ele quem o chamou de "santo queer"; e quando recebeu a notícia da morte de Watson, ele admitiu: "Tenho chorado como uma criança histérica a maior parte do dia e da noite."

O próprio Watson não era imune ao amor e se apaixonou por um cortesão americano de olhos sonhadores chamada Denham Fouts (conhecido como "o garoto mais bem cuidado do mundo") que ele conheceu em uma boate de Berlim. Fouts era o "anjo negro" de Watson, que havia seduzido uma série de amantes ricos e mais tarde acrescentaria Truman Capote à sua conta. Ele era um viciado em drogas e esbanjador que, no entanto, teve a perspicácia de ver que a "maior necessidade de Watson é amar em vez de ser amado". Fouts, que certa vez foi a uma peça de Cocteau em Paris vestido de pijama e um casaco de pele enquanto segurava uma garrafa de conhaque e uma cigarreira de prata, era o grande amor de Watson - uma vingança carente e de alta manutenção, talvez, por seu tratamento de Beaton. Ele pagou por ele e se sentiu responsável por ele até a morte induzida por drogas de Fouts em um banheiro em Roma, onde ele havia fugido com um novo amante.

A segunda força motriz na vida de Watson foi a arte. Nunca muito interessado em Londres, em 1938 ele instalou Fouts e ele mesmo em um apartamento em Paris e o encheu com as melhores pinturas modernas que ele conseguiu comprar. Seu timing foi ruim: com a invasão nazista, ele fugiu de volta para a Inglaterra e deixou suas pinturas aos cuidados de um crítico de arte romeno chamado Sherban Sidery, que provavelmente avisou a SS sobre o esconderijo. As pinturas foram apropriadas, embora depois da guerra Watson tenha encontrado várias à venda nas galerias de "amigos" negociantes, todos os quais previsivelmente protestaram sua inocência.

De volta a Londres, os esforços de guerra de Watson estavam centrados na Horizon, com Cyril Connolly como editor. Foi o dinheiro de Watson que financiou a revista, mas, como ele escreveu a Beaton: "O que este país precisa é de mais e MAIS Arte, caso contrário, a Vida não vale a pena. Esses são meus objetivos de guerra." O trabalho deles na revista isentou Watson e Connolly do recrutamento e Nancy Mitford, menos do que generosamente, pensou que essa era a intenção deles. Na verdade, Watson foi convocado, em 1941, mas foi rejeitado por ser muito magro.

A guerra, e o Blitz em particular ("Eu nunca vou para um abrigo – prefiro morrer dormindo"), fomentou uma admiração profunda e inesperada em Watson pelo povo britânico. Ele achava, no entanto, que o gosto deles pela arte era execrável. Foi isso que estava por trás de seu trabalho para o ICA, que ele ajudou a estabelecer após a guerra. Ele o via como uma instituição para educar o público em arte moderna e trabalhou duro para organizar exposições de protegidos como Freud e Bacon.

Tais boas obras não o impediram de se tornar uma pessoa de interesse para os serviços de inteligência quando Burgess e Maclean, a ponto de serem desmascarados como agentes soviéticos, fugiram para Moscou. Watson conheceu os dois homens por meio de seus amigos comunistas companheiros de viagem Auden e Spender, e ele estava no radar do MI5 desde antes da guerra. Watson, apesar de toda a sua riqueza, tinha um ocasional estremecimento de sentimento socialista, mas ele nunca foi comunista e não há evidências de que ele fosse um espião.

As restrições monetárias do pós-guerra significaram que, quando ele retomou sua antiga rotina de viajar para a América e pela Europa novamente, ele foi forçado a fazê-lo com menos estilo do que antes – mas ele retomou a velha rotina hedonista, no entanto. Os casos casuais continuaram, mas ele também teve casos significativos com dois jovens americanos, Waldemar Hansen e um marinheiro da Marinha chamado Norman Fowler.

Nenhum deles, porém, conseguiu impedi-lo de cair em crises de mal-estar com o estado do mundo. Era, ele acreditava, um lugar sombrio e desanimador; e embora os Aliados tivessem lutado em defesa da civilização, Watson acreditava que a cultura europeia tinha sido outra vítima da guerra. Os novos movimentos artísticos eram a confirmação; abstração e expressionismo, os estilos principais, eram, ele pensava, nada além de "decoração e exibição narcisista". Em 1946, ele protestou que "não prefiro arte à vida", mas no início dos anos 1950 ambos perderam o brilho.

A grande riqueza que lhe trouxera brinquedos de luxo, de Picassos a um Rolls-Royce cor de coral com assentos de pele (apesar de ser um péssimo motorista) não tinha mais o mesmo efeito. Ele morava em um pequeno apartamento, sem carro; a Horizon havia fechado; a mendicância de seus amigos continuava, Hansen era carente, Fowler não era confiável e seu outrora formidável desejo sexual havia diminuído para dar as mãos. (Como Stephen Spender havia notado uma vez, Watson era "essencialmente feito para luas de mel e não para casamentos".) O próprio Watson escreveu que "é muito difícil ser feliz a menos que você tenha um lugar na vida". E ele não sabia mais qual era o seu.

Peter Watson, à direita, com o cenógrafo Oliver Messel (©The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby's) ( ©The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby's )

Este Weltschmerz (dor mundial) chegou ao fim em circunstâncias inexplicáveis. Uma noite em 1956, um perturbado Norman Fowler correu para a rua em frente ao apartamento de Watson em Rutland Gate, Knightsbridge, e abordou um policial. Watson estava no banheiro, ele tagarelava, a porta estava trancada, a torneira estava aberta e ele não estava respondendo aos chamados de Fowler. Quando o policial arrombou a porta, ele encontrou Watson morto no banheiro, a chave no chão.

O veredito do legista foi morte acidental: por mais improvável que parecesse, Watson havia se afogado; e nem suicídio nem assassinato foram mencionados — apesar dos fatos de que Watson e Fowler tiveram uma briga feia pouco antes, e que Fowler era mais do que musculoso o suficiente para arrombar a porta sozinho sem precisar de um policial para isso. O fato de Watson ter deixado quase tudo para Fowler em seu testamento também não pareceu levantar suspeitas. Na verdade, Fowler vendeu rapidamente o lote — fotos, objetos, livros (a venda da biblioteca de Watson ainda estava acontecendo dois anos após sua morte) — e desapareceu no Caribe. Em 1968, ele também morreu em seu banho em circunstâncias inexplicáveis.

Watson, apesar de todo o seu dinheiro, não conseguiu fugir da realidade, afinal. Ele, no entanto, gastou com bons resultados, bem como de forma egoísta. Ele não apenas patrocinou pessoalmente alguns dos artistas modernos mais significativos de sua época, mas usou sua influência na Horizon e no ICA para fomentar um interesse maior pela arte contemporânea. Ele também foi um amigo munificente, embora às vezes enlouquecedoramente inescrutável, de um grande círculo. Nem todo homem rico pode dizer isso.

Ele merecia um destino melhor do que aquele que conheceu – e ele havia previsto um para si mesmo. No início da Guerra Fria, ele disse que "quando a bomba de hidrogênio explodir, eu quero me desintegrar em... pó feito de gesso renascentista, mesas de William Kent, Picasso, conhaque e discos de Alban Berg". Teria sido um fim mais adequado para esse esteta do que o que quer que tenha acontecido naquele banheiro trancado.

'Queer Saint', de Adrian Clark e Jeremy Dronfield (£ 25, Metro), já foi lançado

Peter Watson & Pavel Tchelitchew (c 1934), Cecil Beaton

#peter watson #pavel tchelitchew #c 1934 #cecil beaton

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uniquetyphoonmiracle · 5 months ago

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Por cierto..Paco CAMINO de 83 años nació en CAMAS como SERGIO RAMOS O el torero CURRO ROMERO..su hijo RAFI tuvo un extraño ROMANCE con SAMANTHA "FOX" y ANA OBREGON [cuyo AMOR DE SU VIDA o 1er español en NBA se mató con 27 años tras chocar con el marido de MILAGROS Romero que acababa de dar a LUZ pues cruzó sin control 8 carriles de M_30 o AVDA DE LA PAZ al incorporarse por el LIMITE del barrio SAN JUAN BAUTISTA] para luego tener un JODIDO DIVORCIO..es el 2do TORERO que más veces abrió la PUERTA GRANDE de LAS VENTAS con 12 veces..detrás del VITI con 14 que estuvo en la única corrida [BOGOTA] en la que los 3 TOREROS indultaron a 3 TOROS como también fue PALOMO "LINARES" [=LOCALIDAD donde nació VIRGINIA MAESTRO] que murió con 69 años tras liarse con una JUEZA porque quería su LIBERTAD de Marina DANKO

Francisco Almagro escribió la letra de S.M. El Viti; pasodoble torero cuya música fue compuesta por M. Villacañas y se publicó por la Unión Musical Española en 1965.[5] Señalar además el pasodoble Aquí está El Viti del autor Felipe Blanco Aguirre.

En cuanto al jazz, en 1960 Duke Ellington grabó los arreglos para piano de El Viti, canción del compositor y músico de jazz Gerald Wilson. En 1966 Jack Wilson (pianista de jazz) realizó una versión a la trompeta de la misma llamada The Matador, en homenaje al Viti, que es la única que ha grabado con la orquesta de Duke Ellington.[6] Paul Gonsalves, otro jazzista, grabó también con la orquesta de Duke Ellington otra versión en 1962 de El Matador: El Viti que fue publicado en el disco Jazz Masters (100 Ans de Jazz) de estilo Big Band, por el sello Record.

Palomo LINARES definió su matrimonio COMO UN MAL SUEÑO jaja..por cierto..fotografié en B_RIGHT_ON en sep2011 la revista HOLA con MARINA DANKO [que luego se lio con un MILLONARIO] hablando de su DIVORCIO tras fotografiarme en un ESCAPARATE con CDS como KICK de INXS bajo uno de ULTRAVOX! [VOZ DEL MAS ALLA] que fundó CHRIS CROSS tras TIGER LILY=hija de Suicidado con autoaxfisia erotica HUTCHENCE de INXS con la suicidada por sobredosis PAULA YATES madre de las 3 hijas de Bob Geldof como la muerta por SOBREDOSIS "PEACHES"

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99jaybrnotas · 11 months ago

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Como uma retrospectiva de JAY-Z conquistou a Biblioteca Pública do Brooklyn

Letras de músicas de JAY-Z apareceram misteriosamente na frente da filial principal da Biblioteca Pública do Brooklyn. Amir Hamja/The New York Times No início de Julho, quando trechos de letras de JAY-Z de faixas como “Hard Knock Life (Ghetto Anthem)” e “Justify My Thug” apareceram na fachada curva de calcário em estilo Art Déco da filial principal da Biblioteca Pública do Brooklyn, fãs e os frequentadores só podiam especular sobre a repentina reforma do prédio. Um show surpresa para a cidade natal do rapper? Uma homenagem ao 50º aniversário do hip-hop neste verão?

Descobriu-se que a resposta não era nenhuma das duas coisas - e também um segredo até mesmo do próprio homenageado.

Na noite de quinta-feira (13 Julho), quando Jay-Z entrou na biblioteca para um evento privado cercado por um círculo íntimo de familiares, amigos e parceiros de negócios, ele foi recebido por sua banda ao vivo tocando versões instrumentais de seus sucessos e um arquivo gigantesco de toda a carreira exposição que ele nunca pediu lá dentro.

Jay-Z soube da exposição em um evento privado realizado na biblioteca na noite de abertura. Simbarashe Cha para o New York Times

“Eu sei que ele não nos deixaria fazer isso”, disse Desiree Perez, presidente-executiva do império de entretenimento de JAY-Z, a Roc Nation, sobre esconder planos tão elaborados do chefe. “Isso nunca poderia acontecer se ele estivesse envolvido.”

Para a Rolling Stone, Perez disse que a exposição é uma celebração de um morador do Brooklyn e uma chance de encorajar os jovens a frequentar a biblioteca.

“A história de JAY-Z é única no Brooklyn, e é um privilégio hospedar esta exposição criada como um trabalho de amor pela Roc Nation e pelas pessoas que o conheceram e trabalharam com ele ao longo dos anos”, acrescenta ela.

Apresentando obras de arte, música, recordações, coisas efêmeras e recriações em grande escala de marcos de uma carreira em expansão, “The Book of Hov”, que foi exibido até 4 de Dezembro, poderia parecer combinar mais para o Museu do Brooklyn, no mesmo quarteirão. Mas ao instalar a vitrine em oito zonas de uma biblioteca em funcionamento, seus arquitetos pretendem trazer a extravagância aspiracional das celebridades para um refúgio público gratuito a poucos quilômetros das Marcy Houses, onde Jay-Z cresceu.

“Jay pertence ao povo”, disse Perez. “É um lugar que parece confortável. Não é intimidante. Muita gente vai ao museu, mas muita gente não vai.”

Mash-up de instrumentos de Nicola Yeoman e Dan Tobin Smith que foi fotografado para a capa do “Blueprint 3."

Uma jaqueta Gucci vinculada ao lançamento do livro de memórias de Jay-Z de 2010, “Decoded”.

Um mural de Jazz Grant feito de imagens cortadas à mão e digitalizadas dos arquivos de Jay-Z.

O DESIGN

Perez vinha tentando há muito tempo descobrir uma maneira de fazer a curadoria de uma galeria com seus souvenirs, mas foi só quando Linda E. Johnson - executiva-chefe da Biblioteca - ligou para ela que elas idealizaram o The Book of HOV, que apresenta rolos de música física, placas, revistas e jornais, setlists de shows, fotos raras e artefatos únicos, como a guitarra que Jay-Z tocou no Glastonbury 2008.

“Eu simplesmente perguntei a ela: 'Qual é o tamanho da biblioteca?'”, lembrou Perez. “E quando ela disse 350.000 metros quadrados, eu não pude acreditar.”

Durante a pandemia, Perez e Roc Nation planejaram exibir artefatos que transmitissem a influência de Jay-Z na música, nos negócios e na cultura mais ampla, incluindo os rolos de gravações master das quais ele havia recuperado a propriedade ao longo dos anos.

“Esse arquivo pertence ao Brooklyn”, disse Johnson, que supervisionou a fusão da Biblioteca Pública do Brooklyn e da Sociedade Histórica do Brooklyn.

Juntas, as equipes começaram a planejar “The Book of Hov” em Janeiro, contando com os designers de produção Bruce e Shelley Rodgers, veteranos vencedores do Emmy no show do intervalo do Super Bowl, bem como com a agência criativa General Idea para conceber e executar o elaborado projeto.

O designer criativo Ian Schatzberg, da General Idea Agency, diz que as seis zonas da exposição são intencionalmente não lineares. “Para nós, adotar uma abordagem cronológica parecia excluir a ideia de um futuro”, diz ele. “A forma como a história se desenrola no espaço é uma abordagem mais temática e investigativa.”

Ele diz que o início do processo de design consistiu na equipe da Roc Nation conversando com “30 a 35” amigos próximos e colegas de negócios de Jay-Z para obter informações sobre como planejar a exposição. “Nós [obtivemos] isso não apenas de nossa própria percepção, mas da cultura popular e das pessoas que trabalharam com Jay. Eles nos forneceram uma bússola para avaliar e pensar sobre os diferentes temas que iríamos explorar.”

A partir daí, Schatzberg diz que se perguntaram sobre a melhor forma de utilizar a biblioteca. “Como você orquestra e coordena a experiência? O que as pessoas veem quando entram? Como isso é projetado? Como eles interagem com diferentes artefatos em diferentes elementos da história?” ele diz. “Como isso funciona no contexto da biblioteca e do público existente da biblioteca? E também como você desenvolve uma experiência criativa total em termos de direção de arte visual, aparência e comportamento?”

Não era apenas exibir recordações. Além do motivo principal da biblioteca, sob uma enorme colagem de Jay-Z, há uma réplica em escala real da sala principal da Baseline Recording Studios, onde Jay-Z criou algumas de suas canções mais conhecidas. Cada detalhe tinha que estar correto, até o tamanho da TV e o pote de pirulitos no balcão.

Uma recriação em grande escala da sala principal da Baseline Recording Studios, onde Jay-Z criou algumas de suas canções mais famosas.

Uma máquina bobina a bobina na réplica do Baseline Studios.

Uma fita master Betacam da música “99 Problems”

“Eles tinham o sofá errado, a mesa de som errada”, disse Juan Perez, executivo da Roc Nation e amigo de longa data de Jay-Z, que projetou o estúdio original e deu muitas notas para a recriação.

A exposição, que Perez diz ter custado milhões de dólares à Roc Nation, compreende seis zonas com nomes de letras de Jay-Z. “Did It Without A Pen” enche a sala de discos da BPL com 400 livros referenciados por Jay-Z, bem como vinis de músicas das quais seus produtores fizeram samples (todos podem ser emprestados). “Win-Win” destaca os esforços de caridade de Jay-Z, enquanto “Business, Man” documenta o empreendedorismo de Jay-Z. “So Fly” transforma o espaço infantil da biblioteca em um palácio de aviões de papel, com aviões personalizados projetados por mais de 600 jovens do Brooklyn. “HOV Did That” contém um amplo mezanino de fotos raras e uma sala paradisíaca iluminada em azul repleta de clipes retrô de Jay-Z discutindo coisas que mais tarde se manifestaram. “A Work Of Art Aleady” contém telas grandes exibindo clipes da era do Black Album e uma réplica em tamanho real dos estúdios Baseline da Roc-A-Fella.

Uma área da biblioteca apresenta toca-discos jogáveis e vinil representando os samples usados no catálogo de Jay-Z. Bruce Rodgers, o designer de produção que agora trabalha em seu 18º show do intervalo do Super Bowl, chamou o projeto de “provavelmente a instalação mais intensa em que já estive envolvida”, acrescentando: “Não queríamos interromper o funcionamento normal da biblioteca , mas queríamos fazer uma declaração.”

Uma área da exposição destinada às crianças para fazerem aviões de papel.

O avião de papel é um logotipo da Roc Nation anexado a um lema inspirador.

Parte da exposição é dedicada ao trabalho de filantropia e justiça social de Jay-Z, bem como aos seus diversos negócios.

“As pessoas pensaram que eu estava um pouco maluco”, disse Johnson, o executivo da biblioteca. “Não creio que me arriscaria a dizer que esta é a maior exposição que já fizemos.”

Embora os objetos de valor exijam segurança adicional, a Biblioteca Pública do Brooklyn não pagou por nenhuma produção da exposição, acrescentou ela. “A Roc Nation está fazendo muito por nós financeiramente”, disse Johnson, incluindo uma doação substancial vinculada à noite de gala em Outubro, quando Jay-Z e sua mãe, Gloria Carter, foram homenageados.

A FACHADA

A parede gigante das letras foi o primeiro indício do Brooklyn de que algo relacionado a Jay-Z estava por vir. Embora pareça um adesivo gigante colocado no prédio pelas natureza da vida, O produtor principal, Scott Mirkin, da ESM Productions descreve uma instalação tediosa e gradual. “Você não vai simplesmente colocar um post-it gigante com uma caneta”, ele brinca. “As renderizações [eram] nosso guia e, em seguida, projetamos soluções para alcançá-las.” Mirkin diz que a parede lírica compreende “quase cem” peças 4 x 20 feitas de um material que adere com segurança ao calcário. O material teve que ser aquecido e enrolado “duas ou três vezes” para que o adesivo fizesse efeito total, com Mirkin observando que a chuva de 9 de julho atrasou a operação.

A PARCERIA

Mirkin teve a distinção de tocar em quase todos os artefatos que passaram pela exposição, ficando na doca de carregamento em nome da Roc Nation para garantir uma cadeia de custódia rígida quando os itens chegavam. “Há uma equipe na Roc Nation que faz a curadoria dessa lista e coleta esses itens, e há uma documentação muito precisa que diz o que é”, diz ele. “Cada vez que [uma peça] se move, há pessoas com ela. Quando chega aqui, verificamos todas essas coisas para ter certeza de que estão aqui. Nós os inspecionamos e alguém da biblioteca está ali. "

“The Book of Hov e o cartão da biblioteca de edição limitada atrairão novos visitantes às nossas filiais, muitos dos quais poderão não estar familiarizados com a vasta gama de serviços que oferecemos. Os clientes podem emprestar discos de vinil, instrumentos musicais, partituras e até mesmo fazer suas próprias músicas ou podcasts em nosso estúdio de gravação." disse Linda Johnson.

BPL também anunciou o lançamento de uma edição limitada de cartões de biblioteca comemorando cada um de seus 13 álbuns solo.

E foi um sucesso.

De acordo com a Biblioteca Pública do Brooklyn, o público na Biblioteca Central foi quase cinco vezes a média na primeira semana de inauguração.

Se isso não bastasse, quase 4.000 pessoas assinaram cartões de biblioteca nas localidades Central e Marcy, onde cartões dos albuns do Jay-Z de edição limitada estão sendo oferecidos atualmente.

Eles também afirmam que o número de itens verificados na semana aumentou 10%.

O que pode não ser nenhuma surpresa, a semana de abertura da exposição testemunhou um aumento no número de visitantes na Biblioteca Central, com mais de 39.000 pessoas presentes entre o dia de abertura, sexta-feira, 14 de julho, e quinta-feira, 20 de julho.

Ao todo, foram 600.000 mil visitantes.

Esquerda: Walter Bolainez viajou de Yonkers para ver a exposição.

A exposição, que não foi aberta ao público até 14 de Julho, para um grupo exclusivo de convidados ter a oportunidade de dar uma olhada antecipada , incluindo Fat Joe , Yo Gotti , Lil Uzi Vert , Rakim , DJ Khaled , Questlove e muito mais, também impressionou as pessoas que cresceram em Bed-Stuy com Jay-Z, como o segurança da biblioteca Darnell King.

“É incrível para mim porque vi sua jornada de rapper a empresário”, disse King, em uma quinta-feira recente na biblioteca principal. “Aprendi a ter ótimas pessoas ao seu redor que compartilham sua visão. Porque ele derrotou todas as probabilidades para chegar onde está. Ele mostrou que com as pessoas certas por perto você pode mudar suas probabilidades.”

King ao lado de seu álbum favorito de Jay-Z: The Black Album. Reece Taylor Williams/Gothamist

Os benefícios para a biblioteca também vão além da exposição: Johnson disse que a Roc Nation também está apoiando uma iniciativa fundamental de biblioteca chamada "Books Unbanned", que visa garantir o acesso digital de jovens leitores de todo o país a livros que são frequentemente suprimidos, especialmente aqueles que tocam sobre raça e temas LGBTQ.

“Nossos esforços só estão se expandindo como resultado da participação da Roc Nation em tudo isso”, disse Johnson.

O próximo desafio da biblioteca é fazer com que os fãs de Jay-Z voltem sempre.

“Queremos ter certeza de que todos que têm inclinação, que têm aquela centelha intelectual ou que gostam de ler um bom livro, sabem que estamos aqui para ajudá-los, independentemente de onde estejam em sua jornada.”

"The Book Of HOV” encerrou em 4 de dezembro de 2023 após quase 5 meses.

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artobserved-news · 1 year ago

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Festa no Céu

No 21° Festival Internacional de Jazz de Ouro Preto - Tudo é Jazz, os “cabeças” do evento: Rud Carvalho, diretor geral; Suzana Martins Alves Costa, coordenadora técnica; Mariana Martins Alves Costa, elaboradora de projetos; e Ronaldo Fraga, estilista e diretor artístico do Tudo é Jazz

Festa no Céu

A festa de 15 anos da filha de Fabíola e Daniel Vorcaro, no dia 5, é o assunto do dia, até sempre. Teve como atrações o grupo nova-iorquino The Chainsmokers; os DJs DJ Alok, KVSH, Dennis DJ e os gêmeos, Dubdogz. O evento teria custado R$ 15 milhões.

Festa na Terra

Vorcaro é controlador do Banco Master, dono do Fasano Itaim (São Paulo), torcedor fanático e um dos investidores da SAF do Clube Atlético Mineiro. Para a festa, ele asfaltou um quilômetro de terra, paralelo à BR-040, que dá acesso ao condomínio. Agora vamos aos novos detalhes, mostrando o luxo e a elegância em todos os sentidos.

Festa única

A aniversariante surgiu no palco como uma flor brotando, com a ajuda de um “elevador”. Mas antes, provando muita consideração, estilo e gentileza, já se desculpando pelo possível incômodo dos preparativos, a família esmerou-se. Além de comprar uma casa ao lado, para receber alguns dos 500 convidados, ofereceu aos vizinhos um fim de semana no hotel Fasano, com regalias, como uma garrafa do vinho italiano, Sassicaia, de mais de R$5 mil.

Festa inolvidável

Na festa, além do mesmo vinho, champagne Dom Pérignon, vodca Belvedere e whisky, claro, 15 anos. Em tempo! Ano passado, Daniel Vorcaro foi anfitrião da BrazilFoundation Gala Minas, em Nova York. A aniversariante trocou os presentes por doações à mesma filantrópica BrazilFoundation.

Dias de Fasano

O restaurante Gero Belo Horizonte, no Fasano, apresenta menu em três tempos e por pessoa, para o Dia dos Pais, dias 11, 12 e 13. E mais. Como opção para presentear, durante todo o mês de agosto, no Spa Fasano, terapia relaxando mente e o corpo. A terapia Crânio Sacral é uma técnica da medicina chinesa. Alivia a tensão na região da face, cabeça, pescoço e ombros. Indicada para insônia e dores de cabeça.

'Big' estreia

Rafael Motta, artista mineiro multiplataformas, fez sua estreia no circuito internacional das artes, com sua primeira exposição autoral, em Southampton, Nova York, dia 4. A mostra é “E·qui·lib·ri·um: A Exposição que Transcende o Equilíbrio entre o Sentir e o Pensar”.

Conexões do Presente

Hoje, último dia de “As conexões entre o design modernista no Brasil do século 20 e os caminhos para se pensar o presente e o futuro”. Temas de “Talks sobre o Design Brasileiro – Modernismo e suas Conexões”, na Casa Fiat de Cultura.

Conexões do Futuro

Parceria com o Museu da Cadeira Brasileira (MuC) e a Escola de Design da UEMG. Pioneirismo do design modernista no Brasil, sua força como movimento social, fragmentos históricos e a identidade criada pelos designers contemporâneos.

Curtas & Finas

* Dia 12, o bluesman Gustavo Andrade volta ao Baretto, Hotel Fasano. Considerado um dos grandes nomes do blues no Brasil, Gustavo Andrade traz seus álbuns autorais, clássicos do jazz, soul e rock.

* A Revista Encontro Gastrô indicou o Sátira como Melhor Gastrobar.

* Zenóbia Tavares, de Belo Horizonte, é gerente de grandes contas na Rennova, empresa de Goiânia de produtos injetáveis para harmonização facial e corporal. Tavares esteve, recentemente, em São Paulo, na Escola superior de Propaganda e marketing (ESPM), realizando semana de imersão de conhecimentos.

* 20º Jantar Amigos do Baleia, com Tiago Abravanel, no Mix Garden, dia 28 de setembro, às 20h.

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rafaeladigital · 1 year ago

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Edición especial del Abecedario del rock argentino de los '70 este sábado en Revista Beatles!. Festejamos los 50 años de "Muerte en la Catedral", una de las tantas obras maestras de Litto Nebbia. Finalizamos la etapa Revolver en la Anthology 2 de Los Beatles; sonido setentoso para un disco de los '80 con Madre Atómica; segunda parte de "Red Rose Speedway" de Wings en (Ex) Beatles 1973 y un Ya no hay clásicos con un homenaje a Harry Belafonte a través de su calypso mas conocido. Y Freddy Canon en Pop para divertirse. Por FM Galena 94.5. www.radiogalena.com.ar Listado de canciones: 1 – Calypso bananero – Harry Belafonte 2 – Punto Grafenberg – Madre Atómica 3 – La capucha - Madre Atómica 4 – A tierra húmeda - Madre Atómica 5 – Tallahassee Lassie – Freddy Cannon 6 – Why Down Yonder In New Orleans – Freddy Cannon 7 - Eleanor Rigby (Instrumental Anthology 2) - The Beatles 8 – I'm Only Sleeping (Ensayo Anthology 2) - The Beatles 9 - I'm Only Sleeping (Toma 1 Anthology 2) - The Beatles 10 – Vals de mi hogar – Litto Nebbia 11 – El revolver es un hombre legal - Litto Nebbia 12 – Mendigo de la luna - Litto Nebbia 13 – El otro cambio, los que se fueron - Litto Nebbia 14 – Muerte en la Catedral - Litto Nebbia 15 – Night Out - Paul McCartney & Wings 16 – Tragedy - Paul McCartney & Wings 17 – Mama's Little Girl - Paul McCartney & Wings 18 – Country Dreamer - Paul McCartney & Wings 19 – I Lie Around - Paul McCartney & Wings 20 – Jazz Street - Paul McCartney & Wings 21 – Maniac – Michael Sembello Link para escuchar: https://www.ivoox.com/revista-beatles-programa-n-443-audios-mp3_rf_108871991_1.html https://rafaeladigital.com/noticias/revista-beatles-reproduccion-del-programa-no-443/?feed_id=1653

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gazeta24br · 2 years ago

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Nos próximos dias 20 e 21/04, às 21h30 e 18h30, respectivamente, o Aláfia ("caminhos abertos" em iorubá) se apresenta no SESC Pompeia com o lançamento ao vivo do ainda quentíssimo disco ‘Além do Lá’. Projeto figura como o 5º álbum de inéditas do bando que, celebrando 10 anos de estrada, abre as fronteiras dos gêneros musicais construindo malha fina de sons, ritmos e culturas. O registro está disponível em todas as plataformas digitais e ainda este ano deve ganhar edição em LP. Cria de pandemia, ‘Além do Lá’ nasceu da relação de Eduardo Brechó, líder e vocalista do grupo, com o violão e a literatura de Ifá. Os conteúdos do dia a dia, como o amor, a dor, a família, a luta, o prazer e o destino são interpretados à luz desta tradição. Na performance, o público será embalada pelo funk, o afrobeat, o jazz, o hip hop e a música de terreiro que marcam, com leveza e propósito firme, a identidade do Aláfia. No palco, além do já citado Eduardo Brechó, Jairo Pereira (voz), Estela Paixão (voz), Eloiza Paixão (voz) Damião (guitarra e voz), Vinicius Chagas (Sax), Alysson Bruno (percussão), Pedro Bandera (percussão), Filipe Gomes (bateria) e Fábio Leandro (teclado). Juntos,os artistas se desafiam em cada trabalho e buscam desenvolver uma linguagem única, norteada por ritmos e expressões da diáspora, reverenciando sempre os que vieram antes. A brilhante Vovó Cici de Oxalá faz participação especial. SERVIÇO Aláfia estreia 'Além do Lá' no SESC Pompeia Dia 20/04, quinta-feira, às 21h30 Dia 21/04, sexta-feira, às 18h30 Ingressos: R$ 15 (credencial plena), R$ 25 (meia) e R$ 50 (inteira) Local: Comedoria Sesc Pompeia | Rua Clélia, 93 - Água Branca, São Paulo - SP Saiba mais: https://www.sescsp.org.br/programacao/alafia-2/ SOBRE ALÁFIA Tudo começou em 2011, quando o bando Aláfia esquentava afinidades em uma temporada de shows no Bar B, no centro de São Paulo. A fala da rua, o frescor dos encontros e o contato profundo com a ancestralidade afro-brasileira então se mostraram aspectos fundamentais para a criação do grupo. Urbano, o bando pertence à cidade em transe. A música do Aláfia (“caminhos abertos” em iorubá) surge da digestão de influências diversas, do ponto de encontro entre rap, música de terreiro, MPB e funk. Ritmos e melodias dão forma a uma lírica sofisticada que questiona a sociedade atual e não deixa indiferente. Após lançar um primeiro disco homônimo em 2013, Aláfia percorreu boa parte da cidade e do estado de São Paulo, marcando presença em CEUs, SESCs e casas de show locais, além de participar de eventos importantes como a comemoração do dia da Consciência Negra no Vale do Anhangabaú, a Virada Cultural de São Paulo e a Virada Cultural Paulista, a abertura da Mostra Cultural da Cooperifa, o Festival João Rock em Ribeirão Preto, a Mostra Cultural da Favela Monte Azul, dentre outros. A banda conquistou também outros estados: o Ceará na Mostra SESC Cariri de Cultura e o Rio de Janeiro dentro do Festival Veraneio no Oi Futuro Ipanema, até realizar sua primeira apresentação fora do país na Plaza de la Revolución, em Havana, Cuba. Com sua originalidade, ganhou destaque na mídia e reconhecimento dentro do cenário musical. A música “Mais Tarde” entrou na trilha sonora do game da Eletronic Arts “Fifa World Cup 2014” e a música “Em Punga” integra a Coletânea New Sounds da revista Songlines (UK). Em maio de 2014, Aláfia lançou o single "Quintal" acompanhado do seu primeiro videoclipe. 2015 marca o lançamento do segundo disco, “Corpura” (YB Music) contemplado pelo programa Natura Musical. Produzido por Alê Siqueira e Eduardo Brechó, o disco traz o compromisso da banda não só com a ancestralidade e matrizes brasileiras, mas também com a necessidade do diálogo sobre a realidade cultural e social do país. Questões atuais e relevantes são levantadas e musicadas ao passo que o som do Aláfia flerta com a black music carioca dos anos 70 e o funk norte americano e africano. É o funk candomblé que atinge sua m

aturidade. “Corpura”, ao mesmo tempo que nos incita a refletir, é também um convite a dançar. Com “Corpura”, Aláfia fez shows que passaram por cerca de 30 cidades, 7 estados e 4 países. Participou da Virada Cultural Paulistana, do Circuito Sesc de Artes além das participações no Festival Vento (Ilhabela), Festiva SeRasgum (Belém), Festival Radioca (Salvador) Festival Circulart (Colombia), Festival Tocatas Mil (Chile) e no Uruguay se apresentou na Sala Zitarrosa. Em 2016, lançou o “Corpura” em vinil no Sesc Pinheiros e um clipe duplo das faixas “Corpura” e “Adinkras”. Na televisão, voltaram a se apresentar no Manos e Minas (TV Cultura) no programa Especial Consciência Negra. Ainda em 2016 a música “Pera lá” do primeiro disco da banda, fez parte da abertura das Olimpíadas. Após sucesso de “Corpura” a banda lança o terceiro disco “SP NÃO É SOPA, NA BEIRADA ESQUENTA” (Março, 2017). Produzido e dirigido por Eduardo Brechó, é considerado como um desdobramento de todo o trabalho realizado nesses quase 6 anos de estrada. Trilha sonora para a megalópole, traz referências tradicionais em roupagens não convencionais que enfatizam elementos eletrônicos, com filtros e processamentos, construindo um som mais sujo e urbano, retratando sobre a vida nos vários bairros da cidade. Uma outra abordagem dos mesmos ensinamentos e temas apresentados nos discos anteriores. Na televisão, se apresentaram no programa Cultura Livre (TV Cultura). Ainda em 2017 Aláfia faz sua primeira turnê na Europa, apresentando-se em festivais e casas de shows de renome na Dinamarca, Finlândia, Portugal, França e Turquia. Em 2019, Aláfia lança o disco "Liturgia Samba Soul", um mergulho na obra dos grandes nomes do sambasoul nacional e inaugurando uma formação com novos integrantes. Agora, 4 anos depois, lançam seu 5º álbum, “Além do Lá”, com participações de Mateus Aleluia, Vovó Cici de Oxalá, Mãe Neide Ribeiro, Salloma Salomão, Babá Ifatide Ifamoroti e Anielle Franco. Aláfia é formado por Eduardo Brechó (voz e direção), Jairo Pereira (voz), Estela Paixão (voz), Eloiza Paixão (voz) Damião (guitarra e voz), Vinicius Chagas (Sax), Alysson Bruno (percussão), Pedro Bandera (percussão), Gabriel Catanzaro (baixo), Filipe Gomes (bateria), Fábio Leandro (teclado).

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bourbonstreet · 2 years ago

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21 ||| #MARÇO ||| #Terça ||| #JazzSessions by @JazzMansion As #Jazz #Sessions acontecem às #terças nos palcos do Bourbon Street, em São Paulo, revelando #artistas da #cenaindependente pelo Brasil. Toda semana você pode curtir #tributos à #LendasdaMúsica em um cenário fantástico inspirado em New Orleans, onde um lendário artista é homenageada por músicos brasileiros talentosíssimos em nosso #palco ::: Próxima Atração : • 21.03 | Tributo Luis Melodia por @Renata.Soul Renata Soul, multi-artista de Guarulhos, canta, dança e atua desde muito jovem. Na sua estética musical, traz forte influência de diferentes estilos da música preta, passando pelo reggae, r&b, samba, soul entre outros ritmos que compõem uma mistura genuinamente brasileira. Reserve já os seus lugares para o Toda Terça Um Jazz! Couvert Artístico : R$ 35,00* *por pessoa Whatsapp Bourbon : +5511.9.70.600.113 Fever Up : https://feverup.com/m/122540 ** ** Selecione a Data desejada na hora de sua Reserva  O que você vai curtir? 🎼 #Shows espetaculares, com aristas da cena independente do Brasil  ⚜️ O #BourbonStreetMusicClub é considerado uma das 100 casas de shows mais importantes do mundo, segundo a revista americana @DownBeat_Mag  🎉 Não só a #música, mas toda a #arquitetura e a #decoração do Bourbon Street seguem o padrão típico de #NewOrleans e trazem a magia da cidade para #SãoPaulo , com muita sofisticação e requinte  ABERTURA : 19h30 SHOW TIME : 20h30  👤 #ClássificaçãoLivre ( Menores de #18anos devem ser acompanhados pelos pais ou por um adulto responsável ) (em Bourbon Street Music Club) https://www.instagram.com/p/CqBZBQQunKm/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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inigoamescua · 2 years ago

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Julio Martí, director artístico de Las Noches del Botánico para MásJazz https://www.masjazzdigital.com/entrevista-a-julio-marti-director-artistico-de-las-noches-del-botanico-primera-parte/

#Julio Martí #mas jazz #revista #masjazzmagazine #portrait #portrait photography #photography #photo series #inigo de amescua #inigo amescua #retrato #noches botanico #nochesdelbotanico #nochesbotanico

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culturagnews · 2 years ago

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ENTREVISTA COM LØREN DO THE BLACK LABEL E O CENÁRIO DO ROCK NA CORÉIA

LØREN na capa da revista Dazed Korea

Matéria por: Letícia Silva

Também conhecido como Cawlr e DJ Boid, LØREN já produziu músicas para artistas coreanos populares como BLACKPINK e G-Dragon. Ele fez sua estréia na tela com uma participação especial no videoclipe do BLACKPINK para “Lovesick Girls” – uma faixa que ele co-escreveu com o grupo.

A história do rock na Coréia

Podemos estar familiarizados com o rock ocidental, mas as bandas de rock coreanas estão ganhando espaço com novos sons e entrelaçando gêneros distintos. Eles estão quebrando os moldes dos gêneros para fazer sua própria infusão de rock. A música rock coreana prospera em sua cena underground, lar de muitos outros gêneros de rock.

Na Coréia, o rock tem sua origem em meio a guerra, apresentado por soldados militares ocidentais durante a guerra da Coréia.

Durante a década de 1950, o rock era visivelmente popular entre os soldados, e não tardou ao gênero se expandir no país. Coreanos fizeram testes para tocar para soldados, sendo o mais famoso Shin Joong-Hyun, considerado como “padrinho do rock” revolucionando a música, mas também criando a primeira banda de rock – Add-4. Ele foi influenciado pelo jazz americano e pela música psicodélica que incorporava com maestria em sua própria música.

No entanto, as luzes do rock se apagaram durante o regime de Park Chung-Hees, que censurou e controlou grande parte da cultura e estilo de vida coreanos naquela época.

Após o fim do regime de Chung-Hees e a reabertura das fronteiras para o mundo, a Coreia teria décadas de rock para recuperar. À medida que o som definidor da Coréia estava se tornando pop, a música rock estava definindo sua própria cena indie rock underground em Hongdae, o proeminente distrito de artes de Seul . Embora a música rock estivesse voltando, ela tem um público menor e uma indústria de baixo orçamento na Coréia do que na cultura ocidental – resultado do rígido regime anterior.

“A cena da música underground coreana em geral não é muito popular. Mesmo muitas pessoas que ouvem artistas estrangeiros que tocam punk, metal, rock ou qualquer outra coisa não estão interessadas na cena coreana”, disse o vocalista e programador de bateria Lee Hwan-ho da banda Mangnani , que recentemente lançou o EP Hymns of Carnage em seu Bandcamp, em março.

Løren

A cultura pop tentou, mas não conseguiu – e nem pôde – matar o rock. Uma década depois que as bandas de rock ocidentais começaram a desaparecer do mainstream, uma nova geração – incluindo Olivia Rodrigo, Beabadoobee e TXT – está apaixonada pelo rock dos anos 90 e pelo pop-punk dos anos 2000. Mas o novo ressurgimento do rock não se parece, e nem soa, exatamente como seu antecessor. Em vez disso, o novo rock traz influências de um mundo muito mais conectado, fluido e diversificado. Nesse cenário, emerge a nova estrela da Coréia do Sul, LØREN.

Quando o compositor em ascensão (com créditos em The Album do BLACKPINK ) lançou seu single de estreia “ Empty Trash ” em novembro de 2021, as influências grunge eram reconhecíveis – sua introdução lembrava a abertura suja de “Voodoo People” do The Prodigy, que, por sua vez, sampleou “Very Ape” do Nirvana – mas abaixo dos versos, armadilhas modernas sibilavam e chacoalhavam. Aos 27 anos, ele tem idade suficiente para ter sido impactado pelo emo e pelo renascimento das bandas de garagem dos Estados Unidos; jovem o suficiente para o destronamento do rock pela EDM e hip-hop ter ampliado seu espectro musical.

LØREN deixou a Coréia do Sul para Cingapura ainda jovem (“acho que por volta da 5ª série”, lembra ele), e foi colocado na American International School antes de ter qualquer domínio real do inglês. Por causa disso, ele diz, “quando eu estava assistindo TV, minhas únicas duas opções eram Cartoon Network ou MTV. Eu estava na minha fase rebelde então assisti muito MTV; O Green Day saiu com o American Idiot, e havia muitas bandas de rock”. LØREN ficou encantado. “Ver todos aqueles artistas fazendo merda, com o cabelo crescido, delineador... foi a coisa mais legal que eu já vi. Eu sempre dizia aos meus pais: quando eu crescer, quero fazer algo musical relacionado, mesmo que não seja como artista, eu quero fazer algo na indústria. E eles acharam que eu ia crescer com isso. Achei que ia crescer com isso também, mas ainda gosto tanto quanto gostava naquela época”, ele ri, um cigarro fumegando entre seus dedos.

Nascido como Lee Seungjoo em uma “família muito conservadora”, ele foi mantido em uma coleira tão apertada que até os cortes de cabelo foram realizados por seus avós durante a infância. “Foi pior [do que um corte de tigela], era tipo um trapézio”, ele ri. De alguma forma, ele conseguiu convencer seus pais rígidos a comprar uma guitarra para ele aos 13 anos, e ele se tornou elétrico desde o início. “Eu não tinha um professor decente, tinha um cara que conheci no Guitar Center e ele era realmente muito bom, então perguntei se ele me ensinava. Não era como teoria musical nem nada, era 'é assim que você toca essa música'.” A primeira que ele aprendeu completamente foi “By The Way”, do Red Hot Chilli Peppers, embora, ele sorria, “eu não sei se toquei direito”.

LØREN – 'Need (ooo-eee)' M/V

É tarde em Seul, onde LØREN vive agora, mas nós o encontramos em seu pequeno estúdio, tomando café e fumando em uma entrevista que ele diz estar “mais nervoso do que eu pensava que estaria”. Seu novo segundo single “Need”, com seus riffs ásperos e refrão épico pop-punk, saiu há um mês, mas as visualizações acumuladas no YouTube para essas duas faixas já ultrapassaram os 7 milhões. À sua direita, um kit de bateria é apenas visível. Seu cabelo multicolorido, que despenca em fios até o pescoço, foi cortado em franjas na altura da orelha, as pontas tingidas de um tom de caramelo. Seu inglês agora fluente carrega um sotaque americano, e a imagem dele em videoclipes como o “bad boy mal-humorado da jaqueta de couro” é justaposto por um humor terroso, uma consideração e a apreciação de um fanboy pela música que moldou a sua. A jaqueta de couro, no entanto, permanece onipresente.

LØREN em seu estúdio.

Tudo o que você ouve em uma faixa do LØREN é feito por suas próprias mãos – bateria, baixo, guitarra, pós-efeitos – escrito, gravado e produzido solo. Faz todo o sentido que seu apelido seja derivado de uma tatuagem em seu peito que diz LONER (sozinho, em inglês). “Achei que se eu trocasse o R e o N, soaria meio limpo, então fiquei com ele”, ele nos diz. “Mas nunca foi como se eu tivesse projetado essa persona adequada, era tudo áspero nas bordas.” A tatuagem tem alguns anos, e os tempos mudaram pelo menos um pouco. “Acho que não estou tão isolado quanto antigamente, mas tive dificuldades durante toda a escola”, diz LØREN. “Posso literalmente contar os dias em que almocei com alguém.”

“Quando você passa do ensino fundamental para o ensino médio, você tem a chance de se recompor, mas eu fui para uma escola completa, então, todas as crianças me achavam estranho? Eles seguiram em frente comigo durante o ensino fundamental e médio”, explica. “Eu realmente não tinha amigos naquela época, então aquela sensação de estar sozinho era definitivamente uma grande parte de mim na época em que fiz a tatuagem. Acho que ainda estava me recuperando daquela escuridão.”

LØREN começou a tocar bateria quando acidentalmente se ofereceu para aprender percussão na escola. Ele não tinha entendido o que o professor de música pediu à turma, mas “um bando de caras levantou a mão, então eu apenas levantei a minha, sem saber o que era isso, mas imaginando que se todo mundo quer fazer, deve ser algo bom”. Ele tinha uma afinidade natural por isso, tornando-se o baterista da banda de jazz da escola e descobrindo que “realmente se apaixonou pela bateria, mais do que pela guitarra” e rapidamente economizou para comprar uma bateria. “Sempre tive essa vontade de levantar e tocar guitarra, mas achava que era um baterista melhor. Eu nunca fui bom com solos de guitarra ou algo assim. E eu nem pensava em cantar naquela época.”

Depois de terminar o ensino médio, ele se mudou para o Japão para fazer estudos liberais na faculdade, mas desistiu no segundo ano. Ele já havia começado a aprender sozinho a compor e produzir no Ableton e no FL Studio, mas “Eu não achava que poderia fazer rock 'n' roll sozinho. Eu não tinha esperança de encontrar quatro pessoas com quem eu pudesse fazer música, então imaginei que um produtor de EDM ou algo desse tipo seria uma possível opção de carreira para mim”. Entre os 19 e os 21 anos, LØREN se concentrou em fazer batidas de rap e dubstep, imaginando se ele ainda tinha o que era preciso, mas mesmo assim enviando suas fitas para quem ele achava que poderia ouvir.

Quando o The Black Label , fundado pelo produtor de K-pop Teddy em 2015 (e uma subsidiária da YG Entertainment, uma das maiores empresas de K-pop), ouviu seu trabalho, eles lhe deram uma tábua de salvação: entre e fique melhor em ser um produtor. LØREN não tinha certeza. “Eu não sabia se merecia um lugar no The Black Label”, diz ele. “Eles estavam apenas começando na época e viram potencial em mim, que se pudessem me dar alguns anos, talvez eu pudesse me tornar uma pessoa valiosa.” Ele entrou com dois objetivos - trabalhar e aprender - e se jogou de cabeça em ambos.

“Sou muito grato aos caras do The Black Label”, diz ele. O relacionamento deles continua sendo uma parceria criativa e mentoria, embora LØREN agora lance através de seu próprio selo independente ( Fire Exit Records ), com a AWAL como distribuidora. “Eles meio que me puxaram para seus quartos e me deixaram vê-los fazer suas coisas. Tipo, eu sempre pensei que a chave para um bom loop de bateria era encontrar as amostras certas e estava quase com muito medo de mexer com isso, mas eles me mostraram como projetar o som e onde cada elemento deveria estar.” LØREN foi para os decks em clubes lotados de Seul para testar suas habilidades com EDM, e ganhou a chance de trabalhar com a realeza do K-pop como G Dragon , em cuja faixa de 2017 “ 개소리 (BULLSHIT)” LØREN tem crédito de produtor. Quanto aos batismos de fogo, é impressionante. “Eu quase podia imaginá-los me dizendo, 'Isso é tudo que você sabe?!?' E me chutando para fora da porta,” ele diz, rindo.

Cada vez mais frustrado com a música eletrônica e com a falta de rock, LØREN sentiu a distância entre o que ele amava e o que ele estava fazendo aumentando e isso o incomodava. “Eu estava desperdiçando toda a influência que tinha quando criança, então peguei minha guitarra e comecei a brincar, e isso evoluiu para demos”, explica ele. Um deles foi “Empty Trash”. Escrito por volta de 2018, ele o descreve como “áspero pra caralho” e inspirado “por Lil Peep , que me mostrou esse portal perfeito porque ele era uma mistura muito boa de uma batida que você pode fazer no seu quarto, mas com um som fortemente influenciado pelo rock – essa combinação, para mim, foi tão refrescante”.

LØREN e Rosé do BLACKPINK no clipe de Lovesick girls

Incentivado pelo The Black Label a se considerar o intérprete de suas músicas, LØREN passou o ano passado focado em sua própria estreia, ao mesmo tempo em que contribuiu para um dos maiores álbuns pop de 2020: The Album do BLACKPINK . Ele é creditado como letrista em três faixas - "Pretty Savage", "You Never Know", "Lovesick Girls" - e apareceu no vídeo para o último. Também não foi sua primeira vez na câmera com o grupo, tendo surgido em duas transmissões ao vivo de estúdio tocando guitarra para Rosé. Quando chegou a hora de filmar seu próprio videoclipe, o BLACKPINK ofereceu a ele alguns conselhos valiosos. “Eu estava muito nervoso – ver todas aquelas pessoas lá apenas por você era assustador, então eu estava tendo um ataque de pânico”, lembra ele. “Mas elas me disseram: 'Este é o seu momento, esta é a única vez que você trabalhou tanto, então certifique-se de que vale a pena. Não hesite, não pense no que as pessoas vão pensar de você. É sua primeira vez, você vai cometer erros e se sentir estranho. Dê-lhe tudo o que você tem'. Seus conselhos realmente me ajudaram.”

Desde a criação de seu Instagram em maio de 2020, seus seguidores aumentaram para 1,2 milhão de seguidores. Com a popularidade do rock na Coreia do Sul muito atrás do pop e do hip-hop, LØREN supõe que a maioria de seus fãs vem do exterior. “Eu nunca tive uma experiência em que estou tomando café ou algo assim e alguém chega e diz: 'Você é LØREN?'” ele sorri. Online, no entanto, ele é muito questionado sobre sua rotina capilar. “O interesse em mim como pessoa é lisonjeiro e sou grato, mas fico mais tocado por pessoas que dizem 'Eu amo sua música' ou 'Sua música parece...'. Eu gostaria que toda essa atenção fosse para a minha música, que eles ouvissem isso primeiro, depois vejam se eles realmente gostam de mim.”

Atualmente ele está dividido entre querer lançar o máximo de músicas que puder porque "eu quero mostrar ao mundo que não estou apenas sentado na minha bunda todos os dias", e sentir que o que ele fez não é bom o suficiente para lançar ainda. Mas essas faixas, diz LØREN, permitirão ao público “ver mais daquela era dos anos 90 e início dos anos 2000 que tem mais influência sobre mim”. Ele dá as palmas das mãos para si mesmo. “É meio estranho falar sobre meu som porque eu só tenho duas músicas lançadas. Eu não sou muito bom em me anunciar!” Reconhecidamente duro consigo mesmo, ele ainda está tentando encontrar um meio termo entre ser um criador e seu pior crítico.

Uma tatuagem de um guarda-chuva de cabeça para baixo e gotas de água (tiradas da arte do álbum de 2015 do Bring Me The Horizon, That's the Spirit ) fica logo abaixo de sua garganta. “Eu sou uma pessoa muito emotiva, então isso deveria ser lágrimas, o guarda-chuva, meio que apanhando elas,” sorri LØREN, batendo em seu peito. “Sou eu dizendo a mim mesmo: está tudo bem, você não precisa se preocupar muito, você fez o que podia até agora. E vale a pena... isso é tudo o que importa.”

Dicionário da matéria

Samplear: é quando você inclui um elemento de uma gravação pré-existente de outra pessoa em sua composição. Pode ser qualquer coisa que você tenha 'sampleado' de outra faixa; um ritmo, uma melodia, uma batida, vocais ou fala, que você manipula, edita, corta ou faz um loop para se encaixar criativamente no seu trabalho.

Mainstream: música que sempre toca no rádio e na TV, e está na lista dos 40 melhores em todos os softwares de música, como iTunes e Spotify.

Pop-rock: a música pop rock é a interseção da música pop mainstream com a música rock, que geralmente é impulsionada por guitarras e baterias. O termo "pop" pode se referir a todos os tipos de música popular, incluindo hip-hop, country, R&B, pop chiclete, pop jangle, folk, cantor e compositor, K-Pop e música infantil. No entanto, o gênero específico de música pop rock deriva das tradições iniciadas por pioneiros do rock 'n' roll como Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard e os Beatles.

Créditos

Esta entrevista foi traduzida do i-D , que nasceu como um fanzine dedicado ao estilo de rua da era punk de Londres na década de 80. O i-D apresenta pessoas da moda, música, arte, clubes, cinema e todos os outros campos criativos.

Essa matéria foi publicada por Letícia Silva – estudante e criadora de conteúdo digital – que traduziu a entrevista e escreveu o restante da matéria. Algumas partes da entrevista tiveram de ser adaptadas para melhor compreensão em português.

#Spotify #punk rock #pop rock #løren #emo #coreia do sul

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nbhbrasil · 4 years ago

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Grace Jones, “Um Show de Homem”: crônicas, new wave, androginia, dupla identidade de gênero e mais algumas coisas

Uma dose dupla, seguida de uma overdose (Liquid Sky, 1982), afinal qual é mesmo a reação ao se deparar com Jones fumando “uma” na capa de Nightclubbing? Durante esses últimos anos posso dizer que me interessei em pesquisar sobre o que foi o "A One Man Show" de maneira muito intensa. Não atoa. No início quando ainda estava me descobrindo como uma pessoa andrógina, há uns 5 ou 6 anos atrás, Grace Jones foi uma dessas figuras que mais me inspiraram à explorar meu lado artístico e minha identidade. E certamente ainda há algumas coisas sobre Grace Jones que me fascinam. Uma dessas coisas com certeza é o pioneiro "A One Man Show" (em tradução livre, “Um Show De Homem”).

Pelo o que entendemos e podemos concluir - porque é realmente trabalhoso classificar o projeto - "A One Man Show" foi um ambicioso compilado de performances realizadas por Grace Jones em 1981. As performances foram realizadas em dois teatros, um em Londres, outro em Nova York. As performances eram ao vivo, provavelmente com uma platéia de convidades, gravadas e cheias de coisas inusitadas. Assista à performance controversa e icônica:

Mas o ponto é como isso chegou ao público. Não foi transmitido ao vivo ou coisa do tipo. Talvez provavelmente também pelo fato de haver pouco recursos. Então Jones apenas gravou e transformou no "A One Man Show", lançado em fitas de VHS em 1982 (e indicado ao Grammy aliás). Isso hoje em dia poderíamos chamar como? Vídeo show? Show virtual? Além das performances ao vivo, haviam performances gravadas em estúdio sem falar dos efeitos especiais que só uma edição de vídeo poderia cobrir, como as recorrentes trocas de cenas, fotografias elencadas, imagens sobrepostas, trocas de ângulos, clonagem de Jones, como o batalhão de Jones com salto alto em "Pull Up to Them Bumper" - que eram inlcusive pessoas reais, de todos os sexos e gênero, montadas de Grace Jones. Inclusive foi daqui que saíram vídeoclipes como "jamaican guy", "walking in the rain", o próprio "pull up to the bumper" e "i've seen that face before" (no final do vídeo podemos avistar a torre do relógio iluminada em NY). O principal artista que deu vida à muitas dessas ideias, e com quem Grace também manteve um relacionamento, foi Jean Paul-Goude.

Parte das músicas que comporam as performances foram retiradas dos álbuns "Warm Leatherette" (1980), Nightclubbing" (1981) e "Living My Life" (1982). Foi nessa era, entre o lançamento dos 3 álbuns e "A one Man Show", que Grace Jones trouxe com tudo sua rebeldia e explorou mais as questões de gênero e raça em seus trabalhos. Na letra de "Walking In The Rain", podemos ouvir em certa parte:

_Felling like a woman / Looking like a man / __Sounding like a no no / Making when i can it it (_Me sentindo como uma mulher / Parecendo um homem Soando como um nada / Trasando (?) quando posso)

Isso nos faz pensar sobre o que Jones realmente estava querendo dizer, e como isso se encaixa atualmente nas discussões de gênero. Chame do quiser, dupla identidade, androginia ou ambiguidade. Jones sabia o que estava fazendo. E o gostoso disso tudo é justamente as possibilidades que tudo isso traz. Sem dúvidas, uma antiga reafirmanação de gênero. Sem falar que som maravilhoso, e aquele sintetizador simulando um sax... Algo as vezes meio jazz, meio extraterrestre.

A música Walking in the Rain foi um divisor de águas – Grace disse alto e claro sobre sua apresentação e foi animalesco, sexual e autoconsciente – Honey Dijon Why Grace Jones was the most pioneering queen of pop - BBC Culture

E não paramos aí. Naquela mesma época, em 1985, Jones deu em uma entrevista para o programa de TV Australiano, "Day by Day", e em um certo momento da entrevista perguntaram-lhe se Grace “curtia ser uma pessoa masculina" ao que respondeu "eu gosto de ser ambas coisas, na verdade. Não estou sendo uma pessoa muito 'masculina'. É apenas atitude. O que é ser realmente masculine? Sabe, quero dizer, você pode me descrever o que é ser uma pessoa masculina?". E Grace termina a entrevista repudiando quem categoriza emoções e sentimentos logo após o repórter ter lhe pergutado sobre sua orientação sexua, veja o momento:

Em Setembro desse ano, a revista Another em uma máteria sobre Grace Jones, comparou seu talento e personalidade ao de outra figura histórica não-binária: Claude Cahun, artista surrealista do início do século XX. Elevando o nome de Jones mais uma vez ao patamar de figura histórica dissidente de gênero.

É brutalmente surreal, mas classicamente renderizado. É futurista e assustador, sedutor e alienígena. "Sob esta máscara, outra máscara. Nunca terminarei de remover todos esses rostos", escreveu e artista francês Claude Cahun em 1930 refletindo sobre sua própria prática artística de auto-reinvenção – o mesmo pode ser dito sobre Grace Jones. | Inside the UK’s Brilliant New Grace Jones Exhibition | AnOther (anothermag.com)

Ao Mail Online em 2008, Jones descreve seu estilo sempre em constante mudança, mas sempre consistente: "Eu mudo de papéis na vida, eu vivo assim. [...] Eu sou os dois, na verdade. Eu acho que o lado masculino é um pouco mais forte em mim e eu tenho que abrandá-lo às vezes. Eu não sou como uma mulher normal, isso é certo".Em seu mais recente livro "I'll Never Write My Memoirs", Grace se debruça em refletir mais profundamente sobre as questões que cercam sua identidade e como isso relaciona como o passado, para além dos estereótipos pios de gênero estético-midíaticos - que não são apenas binário, trazendo à tona com mais enfâse como a construção de sua identidade como um processo de longa-performance e mútliplas vivências.

Em seu livro de memórias Jones reflete cedo e frequentemente sobre sua identidade de gênero não convencional, descrevendo-se como possuindo dois eus completamente distintos [...] A habilidade de Jones de habitar ambos os gênero feminino e mascluino a torna autossuficiente. "Eu nunca peço nada em um relacionamento", ela proclama, "porque eu tenho esse sugar daddy que eu criei para mim mesmo: eu. Eu sou meu próprio pai zinho. Eu tenho um lado masculino muito forte, que eu desenvolvi para proteger o meu lado feminino. Se eu quiser um colar de diamantes eu posso ir e comprar-me um colar de diamantes. Mais tarde, ela explica que ela alimenta sua psique através de uma espécie de autoterapia possibilitado por sua capacidade de dividir sua personalidade. "Sempre fui minha própria psicoterapeuta desde muito jovem", escreve. "Eu ficava do lado de fora e falava comigo mesmo, falava sobre o que estava me incomodando. Há um elemento esquizofrênico nisso, mas eu aceito essa parte de mim desde cedo. Ela conecta explicitamente essa dupla personalidade ao desafio de crescer em um ambiente religioso repressivo na Jamaica. Depois que seus pais se mudaram para Syracuse, Nova York, onde mais tarde ela se juntaria a eles no ensino médio, Jones e seus irmãos foram criados por sua avó e padrasto, um bispo pentecostal que eles chamavam de Mas P. As regras da igreja eram draconianas, e Mas P as impôs com entusiasmo demoníaco. Qualquer infração justificava uma surra. [...] Curiosamente, embora a noção de gênero de Jones como mutável, seja radical mesmo para os dias atuais, e certamente foi prospectiva no início de sua carreira, sua compreensão do gênero em si é bastante convencional. Metade do tempo ela se representa como fora das categorias disponíveis: "Eu estava fora da raça e gênero", diz ela. Eu me considerava uma forma de energia que ainda não tinha sido classificada. Mas metade do tempo ela se reduz a clichês. [...] E seu desafio às normas de gênero não costuma subir ao nível de uma agenda política. Jones não joga muito a palavra feminismo. - Grace Jones Explores Androgyny in I’ll Never Write My Memoirs | Vogue

Como dito anteriormente, Grace Jones trabalhou frequentemente com as questões de raça e a negritude em suas obras. E talvez algo que muitas pessoas não saiba é que à Grace Jones é creditado a popularização do estilo de corte conhecido como High-Top Fade ou Flat-Top (cabelo de topo alto, cortado dos lados e assimétrico, como mostrado nas imagens). Suas formas geométricas, assimétricas, desde Warm L. à Nightclunning, uma identidade visual constrúída ao longo de 3 anos, lhe garantiram uma marca registrada sem igual. E isso é histórico. Com certeza muites devem pensar que esse legado pertence à um homem cis hetero qualquer por aí rsrs. Mas leve engano. Odeio algumas coisas sobre Grace. Sua arrogância, sua soberba, suas críticas desnecessárias que ela vem sustentando nos últimos anos. Que são coisas que definem quem Jones é, e quem sempre foi e será. E é isso que no fim a torna uma pessoa tão única, icônica e incrível.

Assista à performance em “A One Man Show” (Um Show De Homem) de sua faixa “Private Life”, onde Jones desabafa sobre um conturbado relacionamento

#bigênero #música #androginia #gracejones

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adeuspassado · 3 years ago

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Hipster

O que é um Hipster? Nessa questão entramos no território da Língua inglesa tal como é falada nos EUA (lembrar da distinção feita por Barthes entre langue e parole), especialmente as "gírias" faladas pelos músicos negros de jazz na década de 1940. O termo hipster se refere a toda uma "subcultura dos anos 1940", ou seja, uma cultura underground, porque diretamente associada à comunidade negra dos EUA numa época em que ser negro era realmente estar numa posição social marginal, uma época em que era inimaginável um "presidente preto" na Casa Branca. No início dos anos 1940, o termo "hipster" ou "hepcat" referia-se aos aficionados do jazz, em particular do bebop, que se popularizou nessa década. O hipster adotou o estilo de vida do músico de jazz, incluindo alguns ou todos os seguintes modos: as roupas, a gíria, o uso de maconha e outras drogas, uma atitude relaxada, humilde e às vezes sarcástica, pobreza auto-imposta e costumes sexuais liberais ou desinibidos. Essa é a definição primária: o hipster é um indivíduo artístico, boêmio, que adora jazz ou mesmo toca algum instrumento, e adota o estilo de vida dos músicos de jazz.

O hipster padrão era o cara branco que ia até o bairro negro (o Harlem era o paradigma) para ouvir Charlie Parker ou Thelonius Monk. Contudo, originalmente se referia a qualquer um "ligado" no jazz. Nos primeiros dias do jazz, os músicos usavam a variante hep para descrever qualquer pessoa "por dentro" do mundo que girava em torno do jazz. Eles e seus fãs eram conhecidos como hepcats. Em 1938, a palavra hepster foi usada pelo músico Cab Calloway no título de seu dicionário, Cab Calloway's Catologue: A "Hepster's" Dictionary , que define hepat cat como "um cara que sabe todas as respostas, entende jive ". O que é jive? Jive talk ou Harlem jive era o jargão do jazz, a gíria do jazz, o "vernáculo do mundo do jazz" ou "linguagem hip", um dialeto inglês afro-americano desenvolvido no Harlem, onde "jive" ( jazz ) foi tocado e amplamente adotado na comunidade afro-americana, com seu pico na década de 1940. O jornalista e ensaísta H. L. Mencken definiu jive como "um amálgama de gírias negras do Harlem e as gírias de viciados em drogas e criminosos mesquinhos, com acréscimos ocasionais das colunas de fofoca da Broadway e do campus do colégio (high school campus)". Esse foi o contexto lingüístico de onde surgiu o vocábulo hipster. Como vemos, um contexto marginal ou fora de qualquer padrão acadêmico...

No transcurso da década de 1940, o termo hip ganhou popularidade entre os músicos de jazz, para substituir o hepcat. Em 1944, o pianista Harry Gibson modificou hepcat para hipster em seu breve glossário "For Characters Who Don't Dig Jive Talk", publicado em 1944 com o álbum Boogie Woogie In Blue , apresentando o sucesso autointitulado "Handsome Harry the Hipster". Os hipsters ou descolados foram definidos como "personagens que gostam de jazz quente." Em 1947, Gibson procurou esclarecer a mudança no disco "It Ain't Hep", que descreve musicalmente a diferença entre os dois termos. A questão Hip vs. Hep é hoje datada e só interessa aos historiadores da cultura. O mais importante, sociologicamente, é compreender a extensão do "modo de vida hipster" na sociedade afluente norte-americana.

Nos anos 50, os hipsters eram geralmente jovens brancos de classe média que buscavam imitar o estilo de vida dos músicos de jazz negros que admiravam. Foram esses jovens que Kerouac, ele mesmo um aficcionado do jazz, idealizou como a Beat Generation (sendo que o próprio termo Beat também fazia parte do vernáculo ou jargão jazz). Em The Jazz Scene (1959), o historiador Eric Hobsbawm descreveu a linguagem hipster, ou seja, "jive-talk ou hipster-talk", a "conversa hipster" como "um jargão ou cant projetado para definir o grupo separado dos estranhos". Um cant é o jargão ou linguagem de um grupo, muitas vezes empregado para excluir ou enganar pessoas de fora do grupo (um tipo de linguagem secreta com elementos de hipocrisia). Nessa época, "hipster" já era um termo na moda, usado para designar um grupo social específico. Este grupo inclui artistas, escritores e músicos de jazz, além de seus fãs ou epígonos, formando um típico "círculo boêmio". Nesse grupo já figuram os "poetas beats", certos artistas que popularizaram o "estilo de vida hipster" e os músicos de jazz brancos, como Benny Goodman, Al Cohn, Gerry Mulligan, Stan Getz, Mezz Mezzrow, Barney Kessel, Doc Pomus, Bing Crosby, Frank Sinatra, Dean Martin, Jerry Lewis, Joey Bishop, Chet Baker, Gene Krupa, Jack Kerouac & Cia., que deveriam ser considerados alguns dos verdadeiros hipsters originais, ao lado dos negros. Os hipsters foram fundamentais para transformar o "mundo branco" ou WASP e sua cultura nas décadas de 1940 e 1950. O clarinetista Artie Shaw descreveu o cantor Bing Crosby como "o primeiro branco descolado (hip white person) nascido nos Estados Unidos".

Os descolados ou hipsters estavam mais interessados no bebop e no jazz "quente" do que no blues ou folk-music. Os jovens brancos começaram a frequentar as comunidades afro-americanas (os "bairros de preto") por causa de sua música e dança, mas também por um desejo de fugir das regras e normas convencionais. Esses primeiros jovens divergiram do mainstream devido às suas novas filosofias de vida, uma espécie de "existencialismo americano" que valorizava a diversidade racial, uma natureza sexual exploratória (o modo de vida hipster foi o início da "revolução sexual") e o hábito de usar drogas. A droga de escolha era a maconha, e muitos termos de gíria hipster eram dedicados à substância. Esse estilo de vida se expandiu rapidamente no final dos anos 50, com uma florescente cena literária desenvolvida pelos beats (o vocábulo beat é outro termo de origem afro-americana). Em 1958, Jack Kerouac descreveu a geração beat como loucos hipsters iluminados "vagando pela América, vagabundeando e pegando carona em todos os lugares". Perto do início de seu poema Howl, publicado em 1956, Allen Ginsberg mencionou "hipsters com cabeça de anjo queimando pela antiga conexão celestial com o dínamo estrelado na maquinaria da noite". Em seu ensaio de 1957 The White Negro, Norman Mailer caracterizou os hipsters como existencialistas americanos, vivendo uma vida cercada pela morte - seja aniquilada pela possível guerra atômica ou estrangulada pela conformidade social - e optando por "divorciar-se da sociedade", para existir sem raízes ou partir naquela jornada desconhecida para satisfazer os "imperativos rebeldes do eu".

Jack Kerouac e Norman Mailer foram provavelmente os dois autores que mais contribuíram para criar uma mitologia do hipster. O ensaio de Norman Mailer de 1957, intitulado "The White Negro", tornou-se para muitos o exemplo paradigmático da ideologia hipster. Mailer descreve os hipsters como indivíduos "com origem de classe média", que tentam "diminuir sua brancura" e adotar o que acreditam ser "o estilo de vida despreocupado, espontâneo e descolado dos hipsters negros": sua maneira de falar e linguagem, seu uso de drogas, sua apreciação do jazz e do blues, e sua forma supostamente mais livre de procurar o bom orgasmo (há no texto de Mailer uma forte influência da psicanálise de Wilhelm Reich). Em um aceno para a discussão de Mailer sobre hipsterismo, outros autores trataram do fenômeno durante todo o período da "contracultura dos anos 60".

Jack Kerouac, que se tornou um símbolo da contracultura, uma espécie de avô dos hippies, em um pequeno artigo publicado como "Aftermath: The Philosophy of the Beat Generation" na revista Esquire, em março de 1958, afirma que a "Geração Beat" foi uma visão que ele e John Clellon Holmes tiveram, no final dos anos 40, sobre "uma geração de hipsters loucos e iluminados aparecendo de repente e vagando pela América, sérios, vagabundos e pedindo carona em todos os lugares, esfarrapados, beatíficos, belos de uma nova maneira graciosa e feia". Era uma visão que parecia confirmar a profecia de Arthur Rimbaud, o poeta simbolista francês, a respeito de uma "revolução de costumes".

De fato, Rimbaud, esse genial poeta que abandonou tudo e foi viver na África, no meio dos pretos, pode ser considerado o primeiro Hipster da cultura ocidental.

No clássico Uma Temporada no Inferno, lemos o seguinte: "Sonhava cruzadas, viagens de descobertas das quais não existem notícias, repúblicas sem história, guerras de religião sufocadas, revolução de costumes, deslocamento de raças e continentes: eu acreditava em tudo quanto era encantamento" - Rimbaud. Foi esse o imaginário que influenciou toda a literatura ocidental posterior, todos os movimentos de vanguarda derivados do simbolismo e mesmo todo o "espírito" da contracultura. A figura de Rimbaud é absolutamente central e paradigmática para se entender como o mundo moderno "liberal" se transformou na pós-modernidade. O mito Rimbaud, explorado por sucessivas gerações, deu ao Ocidente uma fórmula de evasão e de "alquimia do verbo" que funde o "desregramento dos sentidos" ao sentimento do sagrado. Foi o próprio poeta francês que tornou isso possível ou que sugeriu essa possibilidade: "Acabei considerando sagrada a desordem de meu espírito" - Rimbaud.

Na obra poética de Rimbaud encontramos já plenamente desenvolvida uma característica típica do hipster: a sensação de estar "fora do mundo", de viver à margem das coisas ou na periferia do sistema social. "A verdadeira vida está ausente. Não estamos no mundo" - Rimbaud. Essa afirmação se repete outras vezes: "Ah! o relógio da vida parou neste instante. Já não estou no mundo" - Rimbaud. Essa impressão é acompanhada por certa melancolia ou exaustão... "Minha vida foi somente doces loucuras, é lamentável. (...). Decididamente, estamos fora do mundo. (...) Estou exausto!" - Rimbaud. Exausto! Derrubado! Vencido! Era exatamente assim que os negros se sentiam quando usavam o termo "beat", colhido por Kerouac. E Rimbaud chegou mesmo a escrever: "Sou um animal, um negro".

L' Eternité c'est la mer mêlée au soleil. A poesia de Rimbaud é tão rica visualmente que parece antecipar as explorações cognitivas com drogas psicodélicas. Em sua origem, esse tipo de experiência estava associado a uma busca legítima de conhecimento, como podemos ver no ensaio de Aldous Huxley, As Portas da Percepção. O título da obra alude a essa passagem: "Se as portas da percepção fossem purificadas, todas as coisas surgiriam diante do homem como verdadeiramente são, infinitas" - William Blake (um autor muito influente na contracultura americana). Toda a espiritualidade da contracultura foi uma tentativa de captar esse Infinito. Vivemos simultaneamente em dois mundos: um é material - ar, fogo, água e terra - e limitado por leis do espaço/tempo; o outro, o universo espiritual, é infinito. Que o infinito possa ser "tocado" por meio de drogas é algo já sugerido pelo "pai do simbolismo", Charles Baudelaire, na obra Paraísos Artificiais, de imensa influência no contexto da contracultura. Talvez o próprio termo "alucinógenos" tenha sido popularizado pela influência dos autores simbolistas. "As alucinações são inumeráveis" - Rimbaud.

Os poetas loucos, os poetas rebeldes, são a origem das rebeliões juvenis em massa que transformaram o Ocidente. A tal "revolução de costumes" é hoje um fato consumado. E nessa revolução é notável destacar que o lugar do negro, do homossexual e da mulher na sociedade foi alterado. O homem branco, diante dessa revolução, pode sentir tanto simpatia como antipatia (e talvez a principal diferença entre liberais e conservadores seja uma diferença de afetos). De acordo com o estoicismo grego, tais são as influências que os seres humanos exercem entre si: atrativa, que provoca simpatia; repulsiva, que provoca antipatia; e neutra, que resulta na indiferença.

Em meio a esse pathos ambivalente, o macho branco que curte jazz e marihuana e cerveja artesanal e comida vegetariana e poesia francesa, pode ver a si mesmo numa linhagem de estranhos cavaleiros... Os "Delicados cavaleiros da tempestade" (Hart Crane). Um verso que serviu para Jim Morrison, um dos artistas mais conscientes da evolução poética que ia dos simbolistas aos beats, compor uma de suas canções mais conhecidas... estou falando, é óbvio, de Riders on the Storm...

Jim Morrison foi um assíduo leitor de Rimbaud, Kerouac e Blake, ele largou o curso de cinema na UCLA (foi colega de classe de Coppola) e tornou-se o vocalista do The Doors. O nome da banda The Doors, aliás, veio de um verso de William Blake: "There are things that are known and things that are unknown; in between are doors". A crítica na época não viu o The Doors simplesmente como mais uma banda de rock. "A música do The Doors é uma música de revolta. Ela fala da loucura que existe em todos nós. É mais surreal que psicodélica..." (Gene Youngblood, Los Angeles Free Press, 1967). As canções compostas por Morrison tinham relação com elementos profundos do psiquismo... Não era simplesmente "diversão".

Blake, Rimbaud, Kerouac e Morrison foram profundamente ligados a temas místicos ou sagrados, em geral confrontados com o "problema do mal" ou vistos sob um pano de fundo de desolação e loucura. A revolta, a loucura e a violência são a marca do século XX. Há sangue nas ruas de Chicago. Sangue nas ruas de Paris. Sangue nas ruas da cidade de San Paolo del Brasile. There's danger on the edge of town... (The Doors). É nesse cenário violento que aparece o hipster, no ocaso do sol... O hipster ou beatnick dos anos 50 está em busca de sentido, não só gozo e aventuras. O vagabundo errante é o mesmo beatnik que segue viagem até o retorno ao estado primitivo de filho do Sol. "Por sete anos vivi no lasso palacete do exílio... Amanhã entramos em minha cidade natal" - Jim Morrison. Sete anos é apenas um símbolo. Toda essa vida é um exílio, e a nossa "cidade natal" fica no Além. Essa foi a "mística beat" que tantos jovens seguiram...

Mas agora me parece necessário fazer uma digressão. Kerouac tínha ouvido a palavra 'beat' ser falada nas esquinas da Times Square e no Village, e em outras cidades na América do pós-guerra. Beat é um estado de espírito, significando "para baixo" (derrubado) e "para fora" (marginal), mas cheio de convicção ou fé intensa. Em seu contexto original, o termo beat nunca significava delinquentes juvenis, "significava personagens de uma espiritualidade especial que não se uniam, mas eram Bartlebies solitários olhando pela janela morta de nossa civilização" - os heróis subterrâneos que finalmente abandonaram a falsa liberdade do Ocidente e estavam tomando drogas, ouvindo bebop, tendo lampejos de percepção, experimentando a "perturbação dos sentidos", falando estranho, sendo pobre e feliz, profetizando um novo estilo para a cultura americana, um novo estilo de vida, um novo encantamento... (assim pensava Kerouac). "Mas quanto à existência real de uma geração Beat, provavelmente era apenas uma ideia em nossas mentes". Kerouac se recorda de ficar acordado 24 horas, na companhia de amigos, bebendo xícara após xícara de café preto, tocando disco após disco de Wardell Gray, Lester Young, Dexter Gordon, Willie Jackson, Lennie Tristano etc., e "falando loucamente sobre aquele novo sentimento sagrado lá fora nas ruas". Kerouac imaginava "histórias sobre algum estranho e beatífico negro hepcat santo com cavanhaque pegando carona em Iowa com uma trompa nas costas e trazendo a mensagem secreta de fluir para outras costas, outras cidades, como um verdadeiro Walter, o Sem dinheiro, liderando uma invisível Primeira Cruzada...". Para Kerouac, a Geração Beat tinha como herói o homem negro pobre de espírito livre e coração musical. "Nós tivemos nossos heróis místicos e escrevemos, ou melhor, cantamos romances sobre eles, erguemos longos poemas celebrando os novos 'anjos' do underground americano". Na realidade, porém, havia apenas um punhado de hepcats reais que vagavam pela América, e o que havia desapareceu rapidamente durante a Guerra da Coréia, diz Kerouac, quando (e depois que) "um novo tipo de eficiência sinistra apareceu na América", e talvez isso tenha sido o resultado da universalização da televisão e nada mais... Muitos personagens da cena hip depois de 1950 desapareceram em prisões e manicômios, ou foram humilhados em conformidade silenciosa, e assim "a própria geração teve vida curta e foi pequena em número" (Kerouac).

Kerouac parece oscilar entre duas concepções ou imagens da Geração Beat, uma real (ligada ao mundo do jazz dos anos 40) e outra ideal (aquilo que a sua própria geração deveria ter sido). O significado da palavra beat, segundo John Clellon Holmes, envolve "uma espécie de nudez de espírito", e o "sentimento de estar reduzido à primitividade da consciência". Essa primitividade não quer dizer idealizar a natureza, o que poderia ser ironizado: "E a primavera trouxe-me o horrível gargalhar do idiota" - Rimbaud. O "primitivo" do beatnik ou do hipster não é o "primitivo" do romantismo. É algo muito mais selvagem e perigoso, pois envolve uma descida aos aspectos sombrios da existência, tal como se pode ver em Baudelaire ou Céline, e mesmo Dante.

A busca do sentido da vida é uma questão espiritual, e esse é o tema de fundo de toda a "mística beat" ou de toda espiritualidade que possa haver no existencialismo americano ou modo de vida hipster. "(...) o problema da vida moderna é essencialmente um problema espiritual" - John Clellon Holmes. O que está em questão é conhecer a Verdade. On the Road, de Jack Kerouac, 'Um Bárbaro na Ásia', de Henri Michaux, 'O Coração das Trevas', de Joseph Conrad, 'Marcas Marinhas', de Saint-John Perse, representam uma espécie de "épico moderno" da exploração interior. São viagens de psiconautas pelos abismos da alma...

O problema é que conhecer a verdade pode ser impossível para quem vive em um estado de alienação. "Nossos corações encontram-se poluídos demais para conhecer aquilo que chamamos verdade" (Wallace Fowlie). Mas os poetas, os maiores poetas, conseguem furar essa barreira e ver o maravilhoso, testemunhar o real. Walt Whitman acreditava, no dizer de Gay Wilson Allen, "que Deus encarnou a Si mesmo em Sua criação, e que, para compreender Deus, o homem deve simplesmente comungar com a Natureza visível". O panteísmo de um poeta, de um grande poeta, porém, não reduz o sagrado ao dado material. Um poeta, um verdadeiro poeta, está sempre ao lado de Dante e Homero, e não pode ter uma visão materialista das coisas. Natureza é matéria (terra, água, fogo, ar), vida (vegetal, animal, fungi, monera, protista) e Noosfera (as leis naturais, a ordem cósmica, e a esfera da consciência ou espírito - Nous). O mundo da vida é mundo da consciência, isto é, do Espírito.

Poetas não fazem profissão de ceticismo. Um poeta não pode negar o Espírito sem matar o coração do lirismo. Crisipo, o estóico, afirmava que "não há movimento sem causa" e que "toda proposição é verdadeira ou falsa". Nenhum ceticismo é capaz de refutar o princípio de causalidade ou o princípio lógico do "terceiro excluído". Um poeta sente a mesma convicção a respeito das "verdades do coração". Poetas acreditam na verdade, acreditam que é possível acessar o real, o real profundo do Espírito, contudo não se ocupam em descrever o real com "linguagem ordinária" e fazem da linguagem um uso não-convencional.

Não existe vida experimental sem linguagem experimental. Um poeta explora a linguagem para representar o Mundus Imaginabilis. É a consciência do possível que nos faz sair do fatalismo. Nem tudo o que se realizou no passado era necessário. E nada do que será feito tem uma consistência imutável. A civilização é um castelo de areia ou um "jogo de linguagem". O estilo de vida hipster é puro "jogo de linguagem".

Uma enorme pedra caiu do céu. Uma pedra negra de Baal. Um clarão de meteoros rasgou o véu. Estrelas transcendentais despertaram na noite. A consciência gira em êxtase. A roda de Duchamp gira. A terra gira. A menina negra brincando no pátio gira. E o tempo é mais doce que uma sinfonia...

Fazer poesia é inventar a si mesmo. É a auto-afirmação da personalidade. Indivíduo humano, pessoa, sujeito: corpo, mente, espírito. Tudo interligado. O corpo com a Matéria, a mente com a Cultura, o espírito com o Universo ou a Verdade do Ser.

Ser indivíduo é ser parte do Universo. Marco Túlio Cícero, em um tratado sobre o destino, escreve "Duo indiuidua" querendo dizer "dois átomos". A questão é que Átomo significa propriamente "indivisível", e Cícero traduz literalmente por indiuiduum (indivíduo) essa palavra grega. O hipster é um indivíduo, um "átomo" do Todo. E se o Universo é sagrado, o hipster é sagrado. Tudo o que vive é sagrado, dizia Wlliam Blake. Esse é o significado da Nota de rodapé para Uivo, a ultima parte do famoso poema de Allen Ginsberg.

O poeta, esse ser individual, está enamorado do Caos. O Caos primordial transcende o Tempo. O Caos é a Origem. A Origem é o Destino. O importante é aceitar o Destino.

A fuga que o poeta louco empreende do mundo convencional do mercado, indo na direção do mundo interior, é uma busca pela pureza original da Idade de Ouro... Cair no centro azul de uma visão solar e perder todas as antigas referências inúteis é o princípio da poesia. Recomeçar a partir da verdadeira Origem, o fim.

A finalidade da vida sempre tem relação com o descobrimento do indizível. "A Essência da Existência é o estado de Buda" - Jack Kerouac (Mexico City Blues). Mas, para descobrir a verdade interior, pode ser preciso ocultar a verdade exterior. I must find a place to hide... (The Doors). Esse mundo de juros e ganância não é uma comunidade de "vagabundos do dharma". O fantasma da guerra nunca tira férias... No one here gets out alive and it's all over for the unknown soldier. O que fazer antes do derradeiro fim? Music is your only friend until the end (The Doors). Assim é no Ocidente... quando tudo termina... ah Ocidente... "Os pântanos ocidentais!" (Rimbaud).

"Interesso-me por tudo que diz respeito à revolta, à desordem e ao caos" - Jim Morrison, o "xamã elétrico". Sentimentos são reais. "A vida é um Domingo" - Vassili Kamiênski. Ensolarado é o meu sonho. "O mundo do espírito é o mundo verdadeiro - os raios do espírito, os raios reais" (Jack Kerouac). Ainda resta o Livro das Mil e Uma Noites para a nossa consolação...

La Liberté revit (Rimbaud). Estamos salvos! Nunca mais serei ateu! "Horror de minha idiotice" - Rimbaud. Estamos salvos! Mas o capitalismo é o inferno... "Acredito-me no inferno, logo estou nele. (...) O inferno nada pode contra os pagãos" - Rimbaud. Estamos salvos! Estamos loucos! Estamos drogados! "Bebi um grande gole de veneno" - Rimbaud.

A práxis poética de Rimbaud está associada ao tópos da evasão, da vagabundagem e da aventura. Rimbaud criou a ponte entre o sobrenatural e o surreal. O hipster, o fascista, o clown, o asceta, o anarquista, o aristocrata serão as faces do Novo Século Dadaísta.

A Uniao Europeia, a França especialmente, está fadada ao espetáculo de ver seus filhos fugindo para o Oriente ou para alguma floresta tropical. "Agora estou amaldiçoado, horroriza-me a pátria. O melhor é um sono, completamente bêbado, na praia" - Rimbaud. Nas florestas e desertos inóspitos a juventude européia irá encontrar aquela velha sabedoria dos almanaques escritos em javanês: "Tenho vivido mais ocioso que um sapo" (Jarbas, o bárbaro). Então, todo o esforço para realizar a Grande Obra será abandonado... "Detesto todas as profissões" - Rimbaud. Esse é o futuro da cultura ocidental?

Napoleão IV será muçulmano, pró-Eurásia e nacional-socialista.

Nossa era é uma era de revoltas e loucuras. "Pois o Imperador está bêbado de seus vinte anos de orgia!" (Rimbaud).

Rimbaud e Jim Morrison deram voz à postura de rejeição e desprezo da juventude contra a sociedade capitalista moderna, ou sociedade de massa, sociedade de consumo, sociedade do espetáculo etc. Contudo, essa atitude cínica não significa "resolver" os problemas sociais... "A contracultura foi uma forma de radicalismo que rejeitava os valores da classe média americana, abraçando um novo hedonismo que incluía sexo, drogas e rock and roll" (Wallace Fowlie). Esse novo hedonismo hoje já não tem nada de novo e é parte integrante da sociedade de consumo.

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justaboutafrica · 4 years ago

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Girma Bèyènè, Geraldo Vandré e o isomorfismo da figura do artista exilado

No post de hoje, gostaríamos de propor algo diferente. Ao invés de nos debruçarmos propriamente sobre um tema específico de História da África, vamos mais fazer um exercício de provocação e de reflexão, na tentativa de expandir um pouco mais as nossas percepções e entendimentos sobre o papel que um artista pode vir a ter em seu país, para sua cultura e para a história como um todo. Esse início enigmático e um tanto abstrato tem a ver com uma comparação que levantaremos nas linhas que se seguem, sendo que ela surgiu às nossas cabeças durantes uma das pesquisas que efetuamos para a construção desse nosso Tumblr.

Dentre muitos nomes, etnias, propostas, ritmos e realidades com as quais tivemos contato na busca por temas interessantes a serem tratados, deparamo-nos com uma curiosa figura: Girma Bèyènè. Como é de praste nas análises que trazemos, aqui, este fora um importante músico e compositor que buscou adaptar para a realidade do continente africano um conjunto estilístico profundamente influenciado pelo jazz, mas mesclado com as formas típicas de seu país e/ou região. No caso de Bèyènè isso não foi diferente: ele tentou trazer para sua terra, a Etiópia, os arranjos que tomavam contam do mundo e que, como vimos, vinham se tornando muito populares em outras regiões de seu continente. Tanto isso é verdade, que ele é lembrado como um dos célebres artistas etíopes da Era de Ouro dos Vinis, que teve seu início no fim dos anos 60 e que acabou se encerrando nos idos de 1978.

Mesmo que por de trás das telas ele tenha ajudado a compor uma vasta quantidade de músicas que ganharam o país nesse recorte temporal, é fato que o músico só nos relegou 4 canções nas quais aparece como vocalista (Set Alamenem, Enken Yelelebesh, Ene Negn Bay Manesh e Yebeqagnal). Porém não é sobre isso que queremos nos debruçar, mas sim sobre a sua careira após o seu auge. Isso porque, Bèyènè, mesmo tendo alcançado muito sucesso na época em que tocou e que tenha ganhado o gosto popular na Etiópia, veio a buscar exílio nos Estados Unidos, onde permaneceu em silêncio por 25 anos, deixando para trás todo o seu legado e toda relevância no campo musical de seu país. Esse verdadeiro ato de fuga– e o ponto central para a nossa reflexão – foi feito com base nos temores do artista com a tomada de poder feita em 1974 pela junta militar etíope, que fez valer naquela região do leste africano um governo provisório socialista que ficou conhecido como Derg.

Passados os anos, tivemos, em 1987, a decadência desse regime, em decorrência, sobretudo, da perda da influência soviética no âmbito global e da consequente queda de seus interesses no continente africano - o que tornou o regime ditatorial frágil e vulnerável às forças democráticas. No entanto, seriam necessárias mais três décadas para que víssemos o retorno de Bèyènè aos palcos e à sua terra natal. A grande ressurreição dessa lenda da música etíope veio a acontecer com o lançamento de seu álbum Mistakes on Purpose, no qual vemos a figura de um artista já maduro, mas, ainda, na busca pelo seu legado, pela revisitação de seu passado, de sua memória e de suas próprias contradições.

E foi, justamente, nesse ponto em que vimos aberta uma curiosa e inegável semelhança entre um caso vindo do outro lado do Atlântico, das terras tupiniquins, e aquilo que temos falado sobre Bèyènè. Acreditamos que seja quase um clichê da licenciatura as aulas de ensino fundamental nas quais o professor passa aos alunos as músicas de protesto que tanto eram comuns à época da ditadura, como forma de melhor os situarem no contexto e fazer com que a dinâmica seja mais atrativa para eles. No nosso caso, isso não foi diferente, sendo que uma figura em particular se manteve viva nas nossas considerações: Geraldo Vandré, o responsável pela famigerada ‘Para não dizer que não falei das flores’.

Tempos atrás nos vimos pegos por uma curiosidade acerca da carreira desse importante músico brasileiro que é tão mencionado quando falamos sobre 1964, mas que pouca ou quase nenhuma atenção recebe na mídia atual. Com uma rápida pesquisa compreendemos o motivo para tanto: perseguido pelo regime, Vandré fugira do país em 1969 e, mesmo após seu regresso ao país quatro anos mais tarde, renegou seu passado na música, afastou-se dos palcos e passou a se dedicar à carreira jurídica. Décadas depois, quando finalmente quebrou seu silêncio e veio a público, ele já nos aparecia como um outro homem, recusando todo o passado, afirmando que sua mais famosa música não passara de uma crônica daquilo que ele presenciara na Passeata dos 100 mil, não podendo ser ela enquadrada como sendo uma música de protesto. Além disso, de forma inesperada, Vandré ressurgiu como alguém que nutre profundo apreço pelas ordens militares e, mais especificamente, pela aeronáutica, a quem dedicou uma de suas mais recente músicas e com quem promoveu uma apresentação na qual veio a expulsar militantes de esquerda que protestavam a favor de Marielle Franco.

Conforme fica evidente, a trajetória desses dois artistas nutre de grandes semelhanças, mesmo que pertençam a realidades praticamente dissociadas e que nutrem de poucas intersecções entre si. No entanto, achamos interessante coloca-los um ao lado do outro para que bem possamos entender que existiu, entre os anos 1960 e 1970, uma verdadeira tendência de artistas e da própria cultura frente aos governos militares que eram patrocinados por um e ou lado que figuravam na Guerra Fria. Ainda que seja delicado fazer tal tipo de análise com base em apenas dois casos, é fato que ao menos factualmente Vandré e Bèyènè nos aparecem como dois artistas que abandonaram o sucesso e toda uma carreira que emergia ao estrelado em decorrência de suas desavenças e de seus medos para com os regimes de seus países. Os dois, de modo muito semelhante, parecem ter nutrido em exílio um grande temor e uma espécie de receio que os manteve calados por anos, mesmo que a vocação principal deles fosse a música. Frente a isso, perguntamo-nos se seria possível estudos mais amplos e que, em certa medida, fossem para além daquilo que tradicionalmente se busca em termos de aproximação entre Brasil e África, tendo em vista que existem muitas particularidades que possibilitam esse tipo de abordagem por caminhos que não são tão intuitivos.

Referências

1- https://www.africabib.org/rec.php?RID=242733395

2- http://www.tadias.com/12/04/2016/new-ethiopiques-cd-celebrates-legend-girma-beyene/

3- https://www.last.fm/music/Girma+Bèyènè/+wiki

4- http://blogs.jornaldaparaiba.com.br/silvioosias/2020/09/12/a-morte-e-a-ressurreicao-de-geraldo-vandre-que-chega-hoje-aos-85-anos/

5- https://www.redebrasilatual.com.br/revistas/2018/12/geraldo-vandre-o-ultimo-show-e-a-volta-silenciosa/

6- https://oglobo.globo.com/cultura/cinquenta-anos-depois-geraldo-vandre-volta-cantar-para-nao-dizer-que-nao-falei-das-flores-22523538

7- https://www.youtube.com/watch?v=OpUcFX2qVFA

8- https://www.youtube.com/watch?v=uIb-QqS29ik

9- https://www.youtube.com/watch?v=FByQWCMZY2s

10-https://www.youtube.com/watch?v=oISclvtT6X0

#etiopia #brasil #history #itsjustaboutafrica

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mmelinsky · 5 years ago

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5 histórias dos X-Men que retratam temas sociais.

Não é segredo para nenhum fã de quadrinhos que Stan Lee idealizou os X-Men e toda a raça mutante do universo Marvel como uma forma de alegoria as minorias do mundo real, a ideia é que qualquer um que se sentisse de alguma forma excluído do padrão definido como “normal” pudesse olhar para esses personagens e se sentir representado por eles.

Claro que os X-Men tiveram várias sagas totalmente fora da realidade como as que envolvem o império Shi’ar ou a ninhada por exemplo, mas nesses quase 60 anos de histórias, os mutantes da Marvel já tiveram que lidar com questões bem reais e são os arcos que retratam justamente essas questões que vão aparecer nessa lista aqui.

1 – Deus Ama e o Homem Mata.

Chris Claremont é reverenciado até hoje como um dos maiores roteiristas que já passaram pelas revistas dos X-Men e isso com certeza não é por acaso. Uma das histórias mais polêmicas do roteirista é Deus Ama e o Homem Mata lançada originalmente em 1982, na trama acompanhamos o reverendo William Stryker, um fanático religioso que comanda uma verdadeira milícia anti-mutante conhecida como Os Purificadores.

Não satisfeito em incitar o ataque físico a mutantes, o líder religioso também passa a utilizar passagens bíblicas fora de contexto para promover o ódio contra a raça inteira, alegando que por serem uma “afronta a obra de Deus” devem ser exterminados.

Essa é uma das tramas mais marcantes dos X-Men justamente por não estar tão descolada assim da realidade como gostaríamos, ainda hoje, muitos Homossexuais se inspiram nessa história em quadrinhos para se defender de constantes ataques que recebem de grupos conservadores, fanáticos e intolerantes.

2 – Vírus Legado.

No início da década de 80 começaram a surgir os primeiros casos do Vírus HIV e inicialmente a AIDS era considerada uma doença que somente homossexuais poderiam contrair, alguns grupos mais radicais acreditavam que o vírus era um castigo de Deus contra os Homossexuais.

Algumas matérias desse período ainda estão disponíveis no YouTube e é assustador o posicionamento de pessoas alegando que uma cura não deveria ser pesquisada, pois a doença só afetava homossexuais e pessoas consideradas “promiscuas” e as “pessoas de bem” não tinham que se preocupar. Por si só esse posicionamento retrogrado já é assustador surreal e é nesse contexto que a história do vírus legado se inspira.

Na trama acompanhamos o vilão Conflito espalhando um vírus que atinge somente mutantes, fazendo com que eles percam o controle dos poderes e aos poucos vão definhando, o curioso da história é justamente a pouca preocupação demonstrada pelos humanos (incluindo alguns super-heróis da Marvel).

A Cura acaba sendo desenvolvida pelo Fera, porém as custas da vida de Colossos, que se sacrifica para espalhar a cura na atmosfera, essa história é um exemplo de como as vezes o descaso com as minorias das ditas “pessoas de bem”, é mais assustador do que o vilão da história em si.

3 – Os Surpreendentes X-Men.

Antes de ser o todo poderoso diretor do primeiro filme d’Os Vingadores, Joss Whedon escreveu algumas obras excepcionais nas histórias em quadrinhos, e Os Surpreendentes X-Men se enquadram nelas.

A história continua a trama iniciada em “Vírus Legado” e promove o retorno de Colossos a vida, porém isso ocorre em meio a afirmação da doutora Kavita Rao de que Gene X que dá poder aos mutantes na verdade é uma doença podendo assim ser curada.

Essa história foi lançada no ano de 2004, em um período que algumas pessoas da comunidade de psicologia (muitas delas com uma ligação fortíssima a grupos de fanáticos religiosos) passaram a defender a bandeira de que a homossexualidade poderia ser um distúrbio psicológico, algo absurdo, pois a própria ciência da época já havia descartado há tempos essa afirmação claramente preconceituosa.

4 – Os Novos X-Men.

Para alguns o roteirista Grant Morrison é considerado um verdadeiro deus dentro da indústria das histórias em quadrinhos, sempre com tramas complexas e cheias de quebras de paradigmas, Morrison assumiu a revista dos X-Men no ano de 2001 e fez algo que até então nenhum roteirista tinha cogitado, ele criou uma cultura mutante!!!

O movimento Hip-Hop, o Samba, a Capoeira, o Blues e o Jazz, todos esses são exemplos de contribuições que os negros deram a cultura tanto do Brasil quanto dos Estados Unidos, com isso em mente Morrison imaginou como seria se por acaso os mutantes impactassem na cultura como os negros (que também são uma minoria politica) fizeram no mundo real.

O resultado disso é uma história em que Magneto já este morto, porém é lembrado como um mártir revolucionário com direito a camisetas estilo Che Guevara, também vemos Emma Frost ingressar na equipe e dar uma dinâmica muito maior a equipe, causando intrigas e enriquecendo a trama.

Alguns novos personagens entram no elenco para tratar sobre outras questões, como por exemplo, os padrões de beleza, tema esse abordado pelo personagem Bico e também o misterioso Xorn, um mutante extremamente poderoso, porém enclausurado em uma mascara de metal.

5 – Dias de um futuro esquecido.

Talvez a história mais conhecida dessa lista, “Dias de um futuro esquecido” também foi escrita pelo lendário Chris Clamemont e aborda um futuro apocalíptico onde mutantes são encarcerados em campos de concentração ou mortos simplesmente por serem diferentes.

Na trama vemos uma Kitty Pryde mais velha sendo mandada de volta no tempo para tentar impedir que essa calamidade ocorra, evitando que um único assassinato desencadeie a criação das sentinelas que serão os responsáveis por escravizar e assassinar grande parte de sua raça.

Obviamente há várias referencias a Alemanha nazista e ao holocausto quando somos apresentados ao futuro apocalíptico desse arco, deixando uma mensagem bem clara aos leitores mais críticos, aqueles que não conhecem a história estão condenados a repetir os erros do passado.

Essa história em quadrinhos serve de inspiração para o filme “X-Men – Dias de um futuro esquecido” entretanto o roteiro dos quadrinhos serviu meramente para inspirar o conceito de sua contraparte cinematográfica, uma outra curiosidade é que essa saga inspirou o diretor James Cameron a escrever o roteiro do primeiro filme “O Exterminador do futuro”.

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