#peindre les humains

[camillehenri]

This is what I painted on Saturday.

Thank you Good Vibe People and ArtJam for having me. I had a great time painting, listening to music and meeting new people.

Hope we can do this again!

[les-portes-du-sud]

Il était une fois, dans une forêt enchantée, un loup solitaire nommé Lupo. Sa réputation de créature effrayante et dangereuse l’avait exclu des autres animaux. Mais en réalité, Sirhane était doté d’une profonde sagesse et d’une âme artistique. Un jour, une dame nommée Samara, célèbre pour sa beauté et sa bonté, s’aventura dans la forêt. Elle cherchait un endroit pour peindre, loin du tumulte du village. Tandis qu'elle posait son chevalet, elle sentit un regard perçant. C’était Sirhane, intrigué par cette humaine si différente. Au lieu de fuir, Samara l’invita à s’asseoir près d’elle. Au fil des jours, une amitié inattendue se tissa entre eux. Samara peignait les paysages que Sirhane connaissait si bien, et il lui racontait des histoires sur chaque recoin de la forêt. Un soir, alors que le soleil se couchait, Samara offrit à Sirhane une toile où elle avait capturé son essence : ni effrayante ni sauvage, mais majestueuse et sereine. Sirhane, touché par ce geste, lui confia un secret : il n’avait jamais connu l’amitié avant elle. Leur lien inspira tout le village à voir la forêt et ses habitants d’un œil neuf, rappelant à tous que la compréhension et la compassion pouvaient transformer même les cœurs les plus méfiants. Et c'est ainsi que le loup et la dame vécurent en harmonie, prouvant que l'amour et l'art pouvaient briser toutes les barrières.

Les-portes-du-sud

[thebusylilbee]

Trente ans après la fin de l’apartheid, la petite communauté juive d’Afrique du Sud est plus que jamais divisée. Une partie a profité du système raciste, l’autre a résisté. Deux leçons contradictoires de la Shoah s’opposent : celle d’un « plus jamais ça » universaliste, qui pousse les uns à soutenir Gaza, et celle de la singularité de la tragédie juive, qui inspire aux autres un sionisme conservateur.

par Charlotte Wiedemann

Après avoir contemplé les murs gris d’une cellule de prison pendant vingt-deux ans, Denis Goldberg s’est entouré des couleurs de peintures africaines. Des tableaux qui célèbrent la vie, le plaisir et le désir, qu’on peut désormais voir dans la House of Hope (« Maison de l’espoir ») : ce bâtiment sobre et fonctionnel à la périphérie du Cap constitue le legs du plus célèbre Juif ayant combattu l’apartheid. Les enfants peuvent y peindre et y faire du théâtre. Dans le jardin où les cendres de Goldberg ont été dispersées, des oiseaux picorent. C’est un lieu paisible, qui n’a pourtant rien d’une idylle où le passé pourrait trouver le repos. Trois décennies après la fin de l’apartheid, la mer des toits des townships d’où viennent les enfants roule dans le paysage vallonné du Cap avec une désolation révoltante. Et les questions soulevées par l’héritage de Goldberg sont bien trop présentes, des questions sur ce qui rend une décision éthique, sur la valeur de la vie et sur les interprétations de ce que signifie l’existence juive.

Comme la plupart des Juifs ayant immigré en Afrique du Sud, les ancêtres de Goldberg étaient originaires de la Lituanie tsariste et fuyaient les pogroms et la misère. Un demi-siècle plus tard, convaincu que chaque être humain mérite un respect égal, quelle que soit sa couleur de peau ou son origine, Goldberg a pris fait et cause pour le Congrès national africain (ANC) dont il a rejoint la branche armée. Condamné à plusieurs reprises à la prison à vie aux côtés de Nelson Mandela, il ne fut pas incarcéré à Robben Island, mais dans une prison pour Blancs à Pretoria. L’apartheid a appliqué la ségrégation même parmi ses ennemis mortels.

Sur une plaque de la Maison de l’espoir, on peut lire : « He was a Mensch » (« C’était un Mensch »), d’après l’expression yiddish désignant celui qui a fait preuve d’humanité en s’engageant pour les autres. Seule une petite minorité des 120 000 Juifs qui vivaient à l’époque en Afrique du Sud a choisi cette voie périlleuse. Parmi les Blancs de l’ANC, ils étaient largement surreprésentés, et cela constitue le bon côté de la médaille, tout aussi remarquable que son revers, à savoir que la majorité d’entre eux s’accommodaient de l’apartheid, s’abritaient derrière des lois raciales qui leur étaient favorables et évitaient le contact avec les combattants de la liberté issus de leurs propres rangs, dans la crainte constante que cela pourrait favoriser l’antisémitisme.

Ce n’est qu’en 1985, après trente-sept ans du régime d’apartheid, que les dirigeants de la communauté se décidèrent à le condamner clairement. Comme l’a reconnu ultérieurement le grand rabbin Cyril Harris devant la Commission vérité et réconciliation : « La communauté juive a profité de l’apartheid (…). Nous demandons pardon (1). » Faire le choix d’une résistance désintéressée, payée au prix fort de l’emprisonnement, de l’exil, du bannissement, de la mort et de la mutilation sous les tirs de l’État raciste. Ou s’adapter, se faire complice. Des avocats juifs ont défendu des militants noirs ; juif aussi, le procureur général qui a condamné Mandela en faisant preuve d’un remarquable fanatisme.

L’historienne Shirli Gilbert, spécialiste de l’histoire des Juifs sud-africains, voit dans cette polarisation la tension entre deux interprétations de la Shoah au sein du judaïsme, avec, d’un côté, la singularité des victimes juives et, de l’autre, l’universalité de l’enseignement du « plus jamais ça ». La première lecture entretient le besoin de se protéger, la seconde est un moteur pour l’action (2).

Pour saisir cette situation — propre à l’Afrique du Sud mais dont on peut tirer des leçons générales —, il faut revenir à ses origines. Construite en 1863 en pierres de taille, la plus ancienne synagogue du pays sert aujourd’hui d’entrée au Musée juif sud-africain, au Cap. On y trouve des photographies montrant les miséreux débarquant sur le port, des hommes avec des casquettes plates et des vestes usées, des femmes avec des foulards portant des ballots de draps, la valise en carton fermée par une ficelle. Ils furent 70 000 à arriver au tournant du XXe siècle, émigrant depuis la frange ouest de l’empire tsariste, là où vivait alors la moitié de la population juive mondiale. Attirés par des récits d’argent facile à gagner dans les mines d’or et de diamants d’Afrique du Sud, plus d’un ont commencé comme colporteurs, se rendant dans des implantations isolées sur des charrettes à grandes roues tirées par des mules, vendant du savon, des boutons et de la vaisselle.

Pourtant, tout immigrant sans ressources sentait que son statut dans la colonie différait de celui dont il disposait dans son ancien pays. Un témoin de l’époque raconte avoir vu un Noir s’écarter pour lui céder le passage sur le quai tout en baissant les yeux : « En Russie, personne n’aurait cédé le passage à un Juif (3). »

Blancs parmi les Blancs, les Juifs profitèrent des zones rurales pour s’intégrer rapidement dans une société coloniale des Boers dont l’antisémitisme ne s’est aggravé que dans les années 1930. Bientôt circulèrent des histoires de succès : par exemple, dans le commerce des plumes d’autruche alors recherchées dans le monde entier pour la chapellerie féminine de luxe — on appelait les maisons de campagne des riches commerçants juifs des « palais de plumes ».

Les vitrines du musée n’évoquent pas les conditions nécessaires à une telle réussite : les Juifs avaient le droit d’acquérir des terres (dans les cas les plus extrêmes, celles de propriétaires noirs auparavant expulsés), ils étaient libres de leurs déplacements et de souscrire des emprunts. Leur existence était légitime ; une légitimité de colons vivant au milieu d’une majorité de personnes privées de droits. Dans les villes, certes, il fallait composer avec l’antisémitisme. Aux yeux de Britanniques « snobs », ceux qu’on appelait les « Juifs de l’Est » semblaient « sales » et pas tout à fait civilisés. Leur yiddish sonnait douteux. Mais les immigrants eurent tôt fait de se débarrasser de leur langue comme d’un fardeau. Le yiddish disparut en l’espace d’une génération. Subir la discrimination, réelle ou redoutée, entrait en balance avec l’acquisition de privilèges coloniaux.

Un triangle magnétique

Judéocide, sionisme, apartheid : si la collectivité des Juifs et des Juives sud-africains s’est formée dans ce triangle d’influences, chacune d’entre elles a marqué différemment chaque famille, chaque individu.

Steven Robins a proposé que nous nous rencontrions dans un café du Cap. Robins, dont les ancêtres portaient le nom de Robinski, est anthropologue, professeur à l’université. Un homme avenant, à l’allure juvénile. Son père a fui l’Allemagne nazie pour arriver au Cap en 1936. Seul le Stuttgart put encore accoster ensuite, avec 537 Juifs allemands à son bord, après quoi l’Afrique du Sud ferma impitoyablement ses portes aux réfugiés.

Robins a grandi avec sous les yeux une photographie encadrée, posée sur le buffet. Trois femmes dont on ne parlait jamais — la mère et les deux sœurs de son père que celui-ci n’avait pu aller chercher pour les sauver. Elles ont été assassinées à Auschwitz — d’autres membres de la famille le furent dans les forêts près de Riga. Robins a trouvé bien plus tard, alors qu’il était adulte depuis longtemps, les lettres pleines de suppliques, plus d’une centaine, que la famille avait envoyées en Afrique du Sud. De longues années de recherche lui ont permis de reconstituer l’histoire des Robinski et d’écrire le livre Letters of Stone (4) (« Lettres de pierre »). À Berlin, les membres de sa famille ont désormais des Stolpersteine à leur nom — des pavés plaqués de laiton en mémoire de victimes du nazisme — et leurs lettres sont retournées là où elles ont été écrites et sont désormais conservées dans les archives du Musée juif de Berlin.

Son père a-t-il gardé le silence par culpabilité ? « Le silence est une chose complexe, répond Robins. Ce fut un coup terrible pour lui, il est tombé gravement malade dans les années 1940. » Arthur, un frère cadet de son père qui avait aussi réussi à fuir pour l’Afrique du Sud, est devenu un sioniste convaincu. Deux frères, deux manières de vivre avec le fardeau de ne pas avoir pu sauver les siens.

En travaillant à l’écriture de son livre, Robins a davantage pris conscience de sa propre judéité. Mais il ne met pas la souffrance juive à part et montre comment le racisme européen a entremêlé l’histoire du génocide des Juifs et celle de l’apartheid. Il partage cette manière de voir avec certaines figures de la scène artistique juive sud-africaine de renommée internationale, comme Candice Breitz, Steven Cohen et William Kentridge. Cette position historique et politique qui voit l’humanité comme indivisible les oppose tous au courant majoritaire du sionisme conservateur — tout particulièrement de nos jours. Avec Kentridge et plus de sept cents autres personnalités, Robins a signé une lettre ouverte dénonçant la guerre menée par Israël à Gaza. « L’expérience de la persécution et du génocide est intimement liée à notre mémoire collective, y écrivaient-ils. Nous sommes donc appelés à empêcher qu’une telle chose se reproduise, où que ce soit et quelle que soit la personne concernée (5). »

Des amis juifs, et même des parents, ont violemment critiqué Robins pour cela. À leurs yeux, il trahirait l’histoire de sa famille et celle de son propre livre, écrit dans la peine et la douleur. Robins rétorque : « La Shoah nous apprend à considérer toutes les vies comme équivalentes. Sinon, à quoi servirait sa mémoire ? »

Ce qui a lieu à Gaza, il le ressent comme une tragédie pour le judaïsme, une tache indélébile. « Les Juifs auraient-ils mieux fait de continuer à vivre en diaspora ? », se demande-t-il dans son for intérieur. « Quel sens peut encore avoir mon livre, quel sens peut encore avoir la mémoire de la Shoah face à Gaza ? »

L’apartheid a débuté en mai 1948, et c’est en mai 1948 également que fut fondé l’État d’Israël. S’il s’agit d’une coïncidence, ces deux événements restent consubstantiels à la fin de l’époque coloniale dans le monde, et il existe bel et bien un lien entre apartheid et sionisme — sans même qu’il faille évoquer la Cisjordanie.

En arrivant en Afrique du Sud, les immigrants avaient apporté d’Europe de l’Est deux idées fortes qui s’y faisaient concurrence. Le sionisme, d’une part, qui devint une sorte de religion civile laïque — la Fédération sioniste sud-africaine a été fondée un an seulement après le congrès de Bâle organisé par Theodor Herzl en 1897. D’autre part, l’engagement radical des bundistes pour la justice ici et maintenant : l’Union générale des travailleurs juifs (Bund) était le parti socialiste des Juifs d’Europe de l’Est, lui aussi fondé en 1897, à Vilnius. Des partisans et des combattants des ghettos juifs qui allaient se soulever dans l’Europe occupée venaient de ce milieu. Ceux-là dont se souviendraient, en Afrique du Sud, les militants juifs dans leur combat pour la liberté de tous.

Le sionisme s’est en revanche renforcé sous l’apartheid : le système ethnocratique exigeait l’appartenance à une communauté. Pour des millions de Sud-Africains, cela signifiait l’assignation arbitraire à des castes de couleur de peau et des bantoustans. La majorité des Juifs appliqua toutefois un principe différent : plutôt que de se fondre dans la société, le repli sur soi. Aujourd’hui encore, la communauté, réduite à 60 000 membres par l’émigration, est étonnamment homogène, à 80 % d’origine lituanienne ; si peu de mélange en cent cinquante ans.

Beyachad, qui signifie « cohésion » en hébreu, est le nom du centre de la communauté à Johannesburg, isolé de la rue par un mur de sécurité. L’historien David Saks, familier de longue date des affaires de la communauté juive, a son bureau au premier étage, mais des grilles massives en protègent les fenêtres — la lumière froide du néon, le charme d’une cellule de prison. Cette atmosphère correspond au résumé que Saks livre, en une phrase, du cours des choses : « Nous regardons à nouveau vers l’intérieur. »

Alors qu’en Europe et aux États-Unis la diaspora a été prise dans un processus de sécularisation, en Afrique du Sud, elle s’est davantage tournée vers la religion, est devenue plus orthodoxe. Et comme ceux qui vivent selon la Loi sont obligés de se rendre à pied à la synagogue pour célébrer le shabbat, les petites maisons de prière, parfois informelles, se multiplient. En dépit des prix pratiqués, la plupart des parents envoient leurs enfants dans l’une des écoles privées juives — le coût de la scolarité régule ainsi le nombre d’enfants qu’on souhaite avoir. Mieux vaut en avoir moins, mais avec une identité juive assurée.

Après la fin de l’apartheid, il y eut, selon Saks, un désir de s’ouvrir davantage à la société. Mais cela ne dura pas longtemps, notamment du fait de l’échec du processus de paix au Proche-Orient. L’opinion publique sud-africaine est ardemment propalestinienne. De nombreux Juifs la perçoivent comme antisémite. C’était déjà le cas avant le 7 octobre, et depuis les tensions n’ont fait que s’accroître. En raison des sympathies de certains membres de l’ANC pour le Hamas, des voix juives ont mis en garde contre l’organisation de rassemblements haineux et de pogroms, tandis que le gouvernement sud-africain accusait Israël de génocide devant la Cour internationale de justice (CIJ).

« Les attaques contre les Juifs demeurent extrêmement rares, nuance Saks. Dans les pays dont les gouvernements sont favorables à Israël, il y a plus d’antisémitisme parce que les musulmans retournent leur frustration contre les Juifs. Ce n’est pas nécessaire ici. » En Afrique du Sud, un migrant démuni du Zimbabwe reste plus vulnérable qu’un Juif — à cause de la violence xénophobe dans un cas, et parce que la communauté veille à ce qu’aucun de ses membres ne se retrouve à la rue dans l’autre —, même si, depuis peu, la pauvreté a augmenté. « Avant, se souvient Saks non sans nostalgie, nous donnions plus d’argent à Israël que toutes les autres diasporas ! » Une collecte de fonds a débuté auprès des émigrants aisés.

Des écoles juives entretiennent des partenariats avec d’autres plus pauvres — notamment pour que les enfants de la communauté apprennent à fréquenter leurs camarades noirs sans se sentir supérieurs. Derrière ces engagements se trouve souvent un sentiment de culpabilité inconscient, estime la sociologue Deborah Posel ; il serait préférable d’admettre « notre complicité », comme elle le dit. Une étude montre à quel point les Juifs sud-africains sont divisés quant à leur rapport au passé : 38 % pensent que la communauté a trop accepté l’apartheid, un bloc légèrement plus important est d’un avis contraire, et 20 % préfèrent ne pas se prononcer (6).

Dans ce contexte, que signifie être juif dans un pays qui envisage Israël à travers le prisme de l’expérience traumatisante de l’apartheid ? La souffrance morale semble plus forte chez ceux qui ne veulent se définir ni comme sionistes ni comme antisionistes : dans la communauté, il n’y a pas de place pour leur ambivalence vis-à-vis d’Israël et, plus généralement, dans la société, il n’y a guère de compréhension à l’égard de l’idée de la nécessité d’un foyer du peuple juif (7). On peut interpréter comme une échappatoire radicale à ce dilemme que de jeunes Juifs de gauche se réclament du mouvement Boycott, désinvestissement, sanctions (BDS), très populaire en Afrique du Sud. Cela leur permet de combler le fossé avec les camarades d’université noirs, et peut-être aussi de se débarrasser symboliquement d’un héritage mal aimé. Selon Steven Robins, il existe désormais un « moment 68 » juif qui voit la mise en accusation par les jeunes générations des parents et des grands-parents pour leur rôle dans l’apartheid et leur positionnement concernant Gaza. La souffrance des Palestiniens actualise et aggrave l’accusation d’une participation coupable.

Une pelouse sur le front de mer du Cap ; un « Shabbat against genocide » (« shabbat contre le génocide ») est organisé devant la sculpture métallique géante représentant une paire de lunettes de Mandela. Sur une table pliante, des bougies et des roses fraîchement coupées, des rouges et des blanches, des roses pour la Palestine. Un activiste portant une kippa aux couleurs de l’arc-en-ciel récite une prière, des personnels de santé musulmans lisent les noms de leurs collègues tués à Gaza.

Caitlin Le Roith, une jeune avocate blonde, tient sa rose avec précaution et solennité. Elle raconte qu’elle n’a compris qu’à l’université tout ce que l’école juive Herzlia lui avait caché concernant Israël. « Je me suis sentie trahie. » Récemment, elle a rejoint les Juifs sud-africains pour une Palestine libre, dont l’antisionisme radical constitue à son sens la réponse à l’éducation reçue dans un établissement où l’on entonnait chaque matin l’hymne national israélien. Une fois, des élèves se sont agenouillés pendant cette cérémonie, comme les sportifs noirs américains qui protestent contre le racisme ; la fureur de la direction fut alors totale. Dans sa famille, explique Le Roith, presque personne ne comprend ce qu’elle défend. « Nous vivons dans des mondes différents. Il est difficile de continuer à se parler. »

Heidi Grunebaum, petite-fille de Juifs expulsés de la Hesse, a mis en lumière avec une acuité particulière ce triangle formé par l’apartheid, Israël et la Shoah. Elle l’a fait sans compromis, y compris vis-à-vis d’elle-même. Nous nous rencontrons à l’université du Cap-Occidental où elle est chercheuse. Rejoindre une faculté créée pour les « coloured » et où on a lutté contre l’apartheid était une décision mûrement réfléchie. Il s’agissait de rompre avec l’esprit de privilèges persistant, notamment dans le monde universitaire. Grunebaum a la réputation d’être radicale, mais on est tout de suite frappé par le soin et la nuance qu’elle apporte à son expression, sans cacher sa propre vulnérabilité.

Jeune adulte, elle avait cru que l’émigration en Israël pourrait la préserver d’une implication inévitable dans l’apartheid. Alors que des membres de sa famille avaient été assassinés à Auschwitz, ne pourrait-elle pas y accéder à une existence cohérente moralement ? Elle a d’abord découvert Israël dans le cadre d’un programme de jeunesse sioniste, qui comprenait la visite de ce qu’on appelle la « Forêt sud-africaine », plantée par le Fonds national juif grâce aux dons de Juifs sud-africains — au-dessus des ruines d’un village palestinien détruit en 1948. Ce n’est que bien plus tard que Heidi Grunebaum a compris que, en donnant de l’argent aux boîtes de collecte bleu et blanc du Fonds, elle était devenue partie prenante d’un autre engrenage.

Nelson Mandela et Anne Frank

Des parallèles s’imposèrent à elle : en Afrique du Sud, le déplacement forcé de trois millions et demi de personnes, là-bas, l’expulsion des Palestiniens. Dans les deux cas, l’invisibilisation du crime de nettoyage ethnique — en Afrique du Sud dans ce qu’on a appelé la « réconciliation », en Israël par le reboisement et l’amnésie. Grunebaum a coréalisé un documentaire à ce sujet, The Village Under the Forest (« Le village sous la forêt », avec Mark J. Kaplan, 54 minutes, 2013). Depuis, elle est décriée au sein de la communauté. Elle raconte la peine qu’elle a de voir ses parents en souffrir.

Ahmed Kathrada, fils de commerçants indiens qui devint un cadre dirigeant de l’ANC, a visité Auschwitz et les ruines du ghetto de Varsovie en 1951. Le souvenir de cette expérience ne l’a plus jamais quitté. De retour en Afrique du Sud, lorsqu’il prononçait ses discours contre l’apartheid, il montrait un récipient en verre contenant des restes d’os du camp : « Voyez ce que signifie le racisme à l’extrême ! » Plus tard, dans la prison de Robben Island, Kathrada, tout comme Mandela, a lu en secret Le Journal d’Anne Frank. Aujourd’hui, la lecture de ce livre est obligatoire dans les écoles sud-africaines.

Même si des dirigeants de l’ANC ont montré de la sympathie pour le Hamas, la Shoah n’a jamais été niée ici. Au contraire, les comparaisons entre l’apartheid et le nazisme ont servi à mobiliser l’opinion publique internationale dans l’immédiat après-guerre. En 1994, à la veille des premières élections démocratiques, Mandela a scellé symboliquement la fin de l’apartheid lors d’une exposition consacrée à Anne Frank. « En honorant la mémoire d’Anne, a-t-il déclaré lors de l’inauguration, nous disons d’une seule voix : jamais et plus jamais ! »

L’enseignement de l’histoire du génocide des Juifs est obligatoire dans le programme des écoles secondaires d’Afrique du Sud. Trois centres de l’Holocauste et du génocide ont été créés au Cap, à Durban et à Johannesburg. Le jour de notre venue à celui de Johannesburg coïncide avec la visite d’un groupe d’adolescents juifs : soixante garçons et filles écoutent un médiateur noir non juif leur expliquer le lien entre l’extermination par les nazis et le génocide rwandais. Les deux génocides sont ici mis sur un pied d’égalité. Il s’agit dans les deux cas d’une exclusion de l’humanité commune. Dans l’entrée, non loin d’une citation de Primo Levi, sont accrochées des photos de scènes de violence xénophobe tirées de l’actualité la plus récente.

Tali Nates, fondatrice et directrice du centre de Johannesburg, une Israélienne qui a acquis la nationalité sud-africaine, a donné à cet endroit son langage particulier. Son père a été sauvé par la liste d’Oskar Schindler. Ce que les jeunes gens retiennent de ce lieu, ce ne sont pas des définitions de l’antisémitisme, mais la tâche qui nous incombe de défendre l’humanité. Et un principe : il y a toujours un choix, même ne rien faire est une décision éthique.

(Traduit de l’allemand par Clément Fradin.)

Charlotte Wiedemann. Journaliste et écrivaine. Dernier ouvrage paru : Den Schmerz der Anderen begreifen. Holocaust und Weltgedächtnis [Comprendre la douleur des autres. Holocauste et mémoire mondiale], Propyläen, Berlin, 2022.

[pauline-lewis]

Xanadu (Robert Greenwald, 1980)

Parfois l'amour vous amène à de drôles de découvertes. Ici, c'est mon amour pour la comédie musicale (et pour Gene Kelly) qui m'a menée à découvrir Xanadu (1980), un objet cinématographique vraiment étrange et en même temps tellement over the top que je dois bien avouer que son numéro de séduction a un peu fonctionné sur moi. Le film raconte l'histoire d'un jeune peintre un peu paumé, qui en a marre que son art se limite à reproduire des pochettes d'album à la chaîne. Un jour, une belle femme mystérieuse (ce seront là ses seules caractéristiques) interprétée par Olivia Newton-John arrive en patins à roulettes (logique). Elle devient sa muse (mais genre, vraiment sa muse, elle descend tout droit du Mont Olympe et discute avec Zeus — une scène lunaire). Voilà les seuls éléments "solides" du scénario, tout le reste est en roue arrière sur l'autoroute du "mettons juste des lasers et ça passera". Notre héros rencontre un ancien musicien (Gene Kelly) avec qui il décide d'ouvrir une discothèque (?) parce qu'il a besoin d'un rêve pour exister (pourquoi la muse ne l'encourage pas plutôt à peindre ? Mystère non résolu à la fin du visionnage). Le film est un mix and match kitschissime de danses en patin à roulettes, de scènes de relooking façon Pretty Woman (Gene Kelly qui essaie des costumes colorés !), de figurant·es avec des coupes de cheveux improbables, de la musique hyper catchy d'Electric Light Orchestra, de gros plans sur les fesses des danseuses (les 80s), le tout dans une ambiance crépuscule du disco — "sortez les paillettes ça sent le sapin". Il y a aussi un sous-texte de la "musique de jeunes" VS "la musique de vieux", avec quelques clash musicaux chorégraphiés franchement assez divertissants. Oui c'est dur pour moi de résister à autant de n'importe quoi. Je suis attirée par les bruits de laser qui ponctuent le film comme un papillon de nuit à l'ampoule moche du garage.

Ce qui est émouvant, évidemment, c'est de voir Gene Kelly dans son dernier grand rôle. Dans une scène assez belle, il écoute un disque et fait apparaître devant ses yeux tout un groupe. Il enchaîne avec un charmant pas de deux et un numéro de claquettes avec Olivia Newton-John (il paraît que ce film a un peu brisé sa carrière alors même qu'elle sortait du succès mondial de Grease, et ça me rend bien triste).

Si vous aimez le disco, les paillettes, Gene Kelly, le sourire irrésistible d'Olivia Newton-John, si vous êtes un gros papillon-humain qui ne peut pas s'empêcher de voler vers les paillettes et les coupes de cheveux craignos, si vous voulez voir DIX MINUTES ININTERROMPUES de danse en patins dans un night club éclairé de néons, alors lancez Xanadu.

[marciamattos]

PAUL KLEE . Mythe des fleurs (1918), aquarelle sur fond de craie, gaze, papier

Mythe des fleurs (1918), aquarelle sur fond de craie, gaze, papier journal, papier bronze argenté sur carton, Sprengel Museum Hannover, Hanovre

Premiers succès et la guerre

Klee retourne à Berne au moment de la déclaration de la Première Guerre mondiale. Jawlensky et Kandinsky s'exilent, tandis que Marc, Macke et Heinrich Campendonk sont mobilisés. Marc et Macke engagés volontaires, sont tués. Klee reste à Munich et continue sa peinture jusqu'en 1916, date à laquelle il rejoint l'armée où il est admis dans un régiment de réserve, ce qui lui laisse encore la possibilité de peindre, de participer à des expositions et de vendre des tableaux. Klee accompagne en 1917 un convoi de troupes à Nordholz, ville située en Basse-Saxe, et au retour, il rend visite au collectionneur Bernhard Koehlernote de Berlin.

Une exposition des tableaux de Klee est organisée en 1917 à la Galerie Der Sturm de Berlin, ses œuvres obtiennent un grand succès, et le journal de la Bourse de Berlin fait paraître un article élogieux sur son travail. Klee a surtout envoyé des aquarelles de 1916 avec des motifs figuratifs. Mais le peintre dans lequel la critique voyait « l'artiste allemand le plus significatif depuis la mort de Marc » n'a plus jamais connu un succès pareil par la suite. Cette exposition est un grand succès de vente pour Klee qui ne semble pas concerné par la guerre. La critique parle de « l'indifférence de Klee devant les évènements qui secouaient le monde », ce qui est un malentendu. Klee a été initié aux idées du socialisme par son ami Fritz Lotman, professeur de droit, qui lui a fait connaître l'essai d'Oscar Wilde, L'Âme humaine et le socialisme. Klee a intégré la révolution dans son art. Sa correspondance avec Kandinsky montre qu'il est préoccupé par la guerre mais qu'il s'attend comme beaucoup de gens à une rapide victoire des Allemands dont il espère « qu'elle apportera à nouveau les moyens en audace et en argent, de la part des mécènes et des éditeurs écrasés par le poids des dernières années et qui manquent de courage ». Son point vue sera modifié après la mort de Macke.

Les conditions économiques et financières de l'Allemagne sont favorables aux classes possédantes qui se sont enrichies grâce à la vente d'armement, ce qui les pousse à placer leur capital dans l'art moderne, comme le souligne Otto Karl Werckmeister, qui considère que ce moment est celui dans lequel « l'art moderne, qui jusqu'à la guerre, avait été un défi jeté à la culture bourgeoise, rejoint cette culture dans une idéologie commune(…) et c'est à cette guerre, qu'il croyait avoir condamnée, que Klee doit sa carrière. Klee est ici en pleine contradiction avec la revendication de liberté qu'il a exprimée en 1915 à travers sa théorie de l'abstraction »

En 1916, Klee a renoncé à l'abstraction et il s'est lancé dans l'illustration de poèmes chinois que lui a envoyés Lily. Il ne poursuivra pas cette expérience au-delà de quelques essais dont le plus souvent montré est : Jadis surgi du gris de la nuit 22,6× 15,8 cm, aquarelle, plume crayon sur papier, découpé et combiné avec du papier d'argent.

À Gersthofen en 1917, Klee a été marqué par le passage des avions. Le thème du vol et de l'aspiration à voler se retrouvera dans de nombreuses œuvres notamment

Mythe des fleurs (1918 aquarelle sur fond de craie, gaze, papier journal, papier

bronze argenté sur carton), ou Avec l'aigle (1918)

[icariebzh]

Tu disais "il faudrait peindre le monde avec les terribles couleurs des passions humaines" Tu disais "Longue vie à l'oisiveté lascive "Tu disais  "Au bout du pont on croise parfois des âmes muettes restées à quai" Aujourd'hui tu ne dis plus rien et je m'interroge en vain;

[droitsdesfemmes]

Alice Neel photographiée par Lynn Gilbert, New York, 1976.

Alice Neel (1900-1984) était une peintre américaine renommée pour ses portraits réalistes. Née à Merion Square, Pennsylvanie, elle a grandi dans une famille de la classe moyenne. Elle a commencé à s'intéresser à l'art dès son jeune âge et a poursuivi ses études à la School of Industrial Art à Philadelphie.

En 1921, elle s'est inscrite à la Philadelphia School of Design for Women (maintenant connue sous le nom de Moore College of Art and Design), où elle a développé une approche unique du portrait. Ses premières œuvres reflétaient l'influence du réalisme et de l'expressionnisme.

Dans les années 1930, elle a déménagé à New York, où elle a vécu dans divers quartiers, y compris Greenwich Village et Spanish Harlem. Cette période a été marquée par des défis personnels, y compris la perte de sa première fille et des difficultés financières. Malgré ces obstacles, elle a continué à peindre, se concentrant souvent sur les gens de son entourage.

Les portraits d'Alice Neel sont connus pour leur représentation psychologique profonde et leur honnêteté brute. Elle a peint une variété de sujets, y compris des amis, des voisins, des activistes, des artistes et des personnalités publiques. Ses œuvres offrent un aperçu des différentes couches sociales et culturelles de New York, notamment durant les époques de la Grande Dépression et des mouvements des droits civiques. Elle est célèbre pour avoir capturé l'essence des individus souvent invisibles aux yeux de la société américaine. Son œuvre, profondément ancrée dans une démarche de représentation des marginaux, des exclus, des malades mentaux, ainsi que des communautés portoricaines en proie à la pauvreté, offre un visage humain et poignant à ces groupes négligés.

Alice, qui se déclarait elle-même fascinée par les « perdants » tant dans la sphère politique que dans les tréfonds de la vie quotidienne, a produit des portraits intenses et dénués de tout artifice. Son travail se distingue nettement des mouvements d'avant-garde contemporains, souvent empreints d'abstraction, par sa crudité et son réalisme sans concession. Se considérant comme une « collectionneuse d'âmes », son art explore non seulement l'apparence extérieure de ses sujets, mais plonge également dans les méandres de la psyché humaine.

Dans son style unique, brut et authentique, elle a également abordé des sujets difficiles tels que la nudité, souvent représentée de manière crue et sans embellissement, et des thèmes sociaux poignants, y compris les femmes enceintes ou victimes de violences domestiques. Par ces représentations, elle a remis en question les conventions traditionnelles de la représentation féminine dans l'art.

Dans les années 1960 et 1970, la reconnaissance d'Alice Neel a augmenté, notamment avec une exposition individuelle à la Whitney Museum of American Art en 1974. Ses œuvres ont été saluées pour leur approche non conventionnelle et leur commentaire social poignant.

Alice Neel est décédée en 1984, mais son héritage persiste. Elle est considérée comme l'une des portraitistes les plus importantes du 20e siècle, ayant influencé de nombreux artistes contemporains. Reconnue pour son indépendance et son caractère affirmé, elle fut pionnière dans la liaison des luttes de sexes, de classes et des questions d'origine à travers ses œuvres. Aujourd'hui, elle est célébrée comme une icône du féminisme et un modèle d'engagement, continuant d'inspirer les nouvelles générations d'artistes féminines. Son travail continue d'être exposé dans des musées et des galeries du monde entier.

[havaforever]

JEAN HELION - La Prose du Monde,

au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.

Riche de plus de cent cinquante pièces et présenté de manière chronologique, cette rétrospective au musée d’Art moderne dévoile l’œuvre dense du peintre, faite d'inventions, de ruptures et de changements de cap, et au final d'une créativité d'une vitalité exceptionnelle.

Nombre d’artistes évoluent de la figuration à l’abstraction. Jean Hélion (1904-1987) fait le contraire. Il introduit l’abstraction en Amérique dans les années 1930 avant de revenir en France et de retourner à une figuration toute personnelle.

Ce retour à la figuration dans les années 1960 sera incompris du public, ce qui explique sûrement la méconnaissance de son oeuvre aujourd’hui.

Né en Normandie, Jean Hélion étudie d’abord l’architecture à Paris puis se tourne vers la peinture. Il se lie avec Piet Mondrian, dont l’influence se retrouve dans ses toiles des années 1930 (Composition orthogonale).

Parallèlement, ses formes géométriques s’appliquent à la figure humaine. Ses portraits d’Édouard, Charles, Émile, sont composés de cercles, ovales, et carrés qui s’agencent avec des aplats de couleur, dans un cadrage serré.

Les oeuvres ne sont pas dénuées de dualité comme dans À rebours (1947) : homme/femme, intérieur/extérieur, endroit/envers. Ou dans Grande Mannequinerie (1951) qui oppose un homme gisant au sol, devant une vitrine de mannequins élégants. Cette scène de rue située à New York fait écho à Figure tombée et met en miroir le monde du rêve face à celui du réel.

Dans les années 1950, Hélion dépeint des Chrysanthèmes et les toits de Paris. Ses peintures prennent une charge de plus en plus érotique avec des citrouilles ouvertes aux formes suggestives ou dans Le Goûter (1952) avec les restes d’un repas sur une table, un pantalon et une nuisette laissés nonchalamment sur une chaise.

Hélion subit une perte progressive de la vue jusqu’à la cécité complète mais il continue de peindre, avec urgence, dans une gamme chromatique plus contrastée. « Sa peinture oscille entre dérision et gravité (Le Peintre piétiné par son modèle, 1983), rêve et éblouissement heureux », conclut Sophie Krebs, commissaire de l’exposition.

Le parcours de l’exposition met en valeur le style original du peintre, son avancée à contre-courant pour réinventer la figuration. Une rétrospective éclairante.

[christophe76460]

SÉRIE : LA VÉRITÉ VOUS RENDRA LIBRES

#Série_La_Vérité_vous_rendra_libres #Samuel_Matthews Qc_0736

Leçon 107. UNE BRÈVE PRIÈRE

I Thessaloniciens 5.16-18 (LSG) : « Soyez toujours joyeux. PRIEZ sans cesse. En toute circonstance, rendez grâces ; car telle est à votre égard la Volonté de Dieu en Christ-Jésus. »

Chers amis, la prière est presque un instinct humain fondamental. Quand la vie est en danger, la tendance est de prier. Lorsque les chagrins de l’existence humaine s’abattent sur nous et que le coeur est écrasé sous le fardeau, on peut à peine s’empêcher d’appeler à l’aide – même en l’absence de personne visible.

Quand quelqu’un est lourdement accablé par le poids de sa propre culpabilité et reconnaît qu’il est impuissant à trouver du réconfort, il ne peut s’empêcher d’appeler à l’aide – s’il lui reste un fragment de conscience. Nous pensons naturellement qu’il doit y avoir QUELQU’UN qui voit, entend, comprend notre sort et est capable d’apporter une réponse qui pourrait nous soulager de la douleur.

Le Père céleste est ce QUELQU'UN :

I Jean 5.14-15 : « Voici l'assurance que nous avons auprès de lui : Si nous demandons quelque chose selon sa Volonté, il nous écoute. Et si nous savons qu'il nous écoute, quoi que ce soit que nous demandions, nous savons que nous possédons ce que nous lui avons demandé. »

Puissiez-vous être abondamment bénis alors que vous priez humblement cette brève prière avec nous CHAQUE JOUR – pour le reste de votre vie … :

Cher Père, ô glorieuse source de tout dans la douce cadence de la danse de la vie, des premières lueurs du matin à la douce ombrée du soir. Bénis-nous avec des moments à la fois humbles et grandioses et tiens nos efforts entre tes mains gracieuses.

Pour les bénédictions que nous voyons, les rires, la joie, le moment si libre, et pour celles inaperçues, semées silencieusement au fond de la vie, cultivées tranquillement, accorde-nous le don de ta vue, pour reconnaître les bénédictions cachées de la Lumière, dans les larmes qui purifient, dans les défis qui nous guident et ton amour qui guérit.

Que nos coeurs soient des vaisseaux débordants de gratitude, vides de toute lutte, murmures et amertumes.

Pour l’abondance des grâces que tu nous donne, grandes et petites, rappelle-nous de les chérir et de les honorer tous.

Accorde-nous la sagesse de partager et d’étendre tes bénédictions que nous recevons à la fois en tant que donateur et ami fidèle pour amplifier ta bonté, être le prolongement de tes mains, répandant l’amour, l’espoir et la joie sans appréhension.

Dans la toile de la vie au fur et à mesure que les bénédictions se dévoilent, laisse la gratitude peindre des histoires brillamment audacieuses.

Que chaque battement de coeur, chaque respiration que nous prenons soit une symphonie de remerciement pour les bénédictions que tu nous apporte.

En ton merveilleux nom ... par l’autorité de Jésus, nous te prions en disant AMEN !

Dieu du Ciel et de la Terre, tu es si bon. Il est donc de notre devoir de veiller à communiquer fidèlement cet amour.

Samuel Matthews

Évangéliste et prédicateur

ORIGINAL ENGLISH LESSON : THE TRUTH SHALL MAKE YOU FREE SERIES – 107 (Prayer) and 108 (Things Happen)

107. A BRIEF PRAYER

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Texte traduit, édité et adapté par Gilles Boucher

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Groupe public : Assemblée de l'Église du Christ, Ste Foy, Québec

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« Toutes les Églises du Christ vous saluent. » Romains 16.16

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[bleucommemonstre]

« J'ai porté sous leurs yeux ma douleur, non, pas même ma douleur, mais ce sentiment de l'incompréhensible mystère de la vie, et je leur ai demandé de l'examiner avec moi.

Des gens cherchent un refuge auprès des prêtres; d'autres, dans la poésie; moi, je me réfugie auprès de mes amis, auprès de mon propre cœur; je pars à la recherche de quelque chose d'intact au milieu des fragments et des membres de phrases, moi à qui ne suffit pas la beauté de la lune et des arbres; moi, pour qui le contact humain est tout, et qui pourtant ne parviens pas à l'établir, moi si imparfait, si faible, si inexprimablement seul. Dans cette solitude, je demeure assis.

« Serait-ce la fin de l'histoire ? Un soupir? Un dernier frisson de la vague? Un filet d'eau qui sécoule et meurt dans le ruisseau? Je touche cette table placée devant moi, et je rentre en possession de la réalité présente. L’huilier sur un buffet; une corbeille pleine de petits pains; une coupe remplie de bananes : ce sont là des objets bien rassurants. Mais si toutes les histoires sont fausses, où conclure, où commencer? La vie ne se prête peut-être pas au traitement que nous lui faisons subir quand nous essayons de la peindre. Assis devant la table, tard dans la nuit, on souffre d'être impuissant à changer le cours des choses. Les étiquettes ne servent à rien.

La vague meurt perdue dans une crevasse aride.

Assis dans la solitude, on se croit épuisé; les flots de notre vie peuvent à peine encercler faiblement cette tige de chardon de mer; nous n'arrivons même pas jusqu à ce galet placé hors de la portée des flots.

Tout est terminé : nous ne sommes plus. Mais attendez un peu (et mon attente à moi a duré toute la nuit), de nouveau, un élan nous traverse; nous nous redressons, nous déployons une blanche crinière d'embrun; nous nous elançons à l’assaut du rivage; et rien n'est capable de nous retenir. »

-Virginia Woolf, Les Vagues

[camillehenri]

A nice little painting I did some time ago. I really like how it turned out. It’s what I had in mind and, at the same time, not what I had in mind.

Oil on canvas panel, 6x6 inches

[omagazineparis]

Comment donc puis-je habiter ma solitude et m'en faire même une amie ?

La solitude. Un mot qui peut évoquer des images d'isolement et de tristesse. Pourtant, la solitude peut également être une source de force, de créativité et de croissance personnelle. Dans notre monde hyperconnecté, il est facile de négliger le pouvoir de passer du temps seul. Mais en apprenant à accepter la solitude, vous pouvez débloquer un éventail de bienfaits pour votre bien-être mental et émotionnel. C'est quoi la solitude La solitude se définit comme l'état d'une personne seule, qu'il soit ponctuel ou permanent. Elle peut être choisie, comme un moment de répit pour se retrouver et se ressourcer, ou subie, créant un sentiment d'isolement et de tristesse. Lorsque la solitude est choisie, elle peut être une source de créativité et d'inspiration. C'est l'occasion de se reconnecter à soi-même, à ses pensées et à ses émotions. Elle permet de faire le point sur sa vie, de se fixer des objectifs et de prendre des décisions importantes. Cependant, la solitude peut également être un fardeau. Elle peut mener à l'anxiété, à la dépression et à une baisse de l'estime de soi. Le sentiment d'être seul et coupé du monde peut être particulièrement difficile à vivre pour les personnes âgées, les personnes handicapées et les personnes qui vivent dans des zones rurales. Il est important de ne pas confondre la solitude avec l'isolement. L'isolement est l'état d'une personne qui est privée de contacts sociaux. La solitude, quant à elle, est un sentiment subjectif. On peut se sentir seul même entouré de personnes. Il existe de nombreuses façons de lutter contre la solitude. On peut s'engager dans des activités associatives, faire du bénévolat, ou simplement prendre le temps de parler à ses voisins. Il est également important de prendre soin de sa santé mentale et physique. Une alimentation saine, une activité physique régulière et un sommeil suffisant peuvent contribuer à réduire le sentiment de solitude. La solitude est une réalité humaine complexe. Elle peut être à la fois une source de richesse et de souffrance. Il est important de l'accepter et de trouver des moyens de la vivre positivement. Comment faire de la solitude une alliée ? Voici quelques conseils pour transformer la solitude d'ennemie en alliée : - Recadrez votre perception : Commencez par voir la solitude sous un jour nouveau. Considérez-la comme une opportunité de vous ressourcer et de vous recentrer. - Explorez vos passions : Profitez du temps en solo pour vous adonner à vos centres d'intérêt. Que vous aimiez lire, écrire, peindre ou jouer d'un instrument, la solitude vous permet de plonger pleinement dans vos passions. Sortez de votre zone de confort et essayez une nouvelle activité qui a toujours piqué votre curiosité. Vous pourriez découvrir un talent caché ou une nouvelle passion. - Pratiquez la pleine conscience : La méditation et la pleine conscience sont d'excellents moyens de profiter du calme et de la tranquillité de la solitude. Ces pratiques vous aident à vous recentrer sur le moment présent et à apprécier la beauté de votre existence. En cultivant la gratitude pour les choses simples de la vie, vous enrichissez votre expérience de la solitude. - Soyez sociable à votre rythme : La solitude ne signifie pas couper les ponts avec le monde extérieur. Entretenez vos relations sociales, organisez des sorties entre amis ou en famille. Prévoyez des moments de connexion pour nourrir votre besoin d'interaction. N'hésitez pas à fixer des limites et à prioriser du temps pour vous. - Faites preuve de compassion envers vous-même : Parfois, la solitude peut être inconfortable. Apprenez à être gentil avec vous-même pendant ces moments. Offrez-vous un bain relaxant, lisez un bon livre, ou faites une promenade dans la nature. Plongez-vous dans un projet créatif qui vous tient à cœur. Le but est de vous chouchouter et de répondre à vos besoins émotionnels. En apprenant à accepter la solitude, vous ouvrez la porte à une vie plus riche et plus épanouie. La prochaine fois que vous vous retrouvez seul(e), profitez-en pour explorer votre moi intérieur et découvrir de nouvelles facettes de votre personnalité. Vous pourriez être surpris par la force, la créativité et la perspicacité que vous trouverez en vous. Par Louisa Lou Aubé Read the full article

[pouikthecarott]

Février 2024; Outils: Argile sans cuisson et peinture acrylique

Après avoir acheté un peu d'argile pendant les vacances, j'ai décidé de modeler une tête humaine pour m'entraîner à visualiser en 3D la structure qu'à une tête puis j'ai décidé de créer un petit chat puis de le peindre pour décorer ma chambre.

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[iradiei]

12 janvier

“Alors, tu vois, j'écris une fanfiction…” A-t-on idée d'être écrivaillon ? Rappelez-vous, il fut un temps lointain où, pour parler des gens capables d'écrire de belles choses, nous parlions d’ ”hommes de lettres”. Passons un instant sur la misogynie évidente de l’expression - bien que, et n’en déplaise aux vieux croulants, notamment ceux qui ont siégé dans le cercle des 40 gâteux qui râlent parce que la langue, c’est leur jouet à eux, bien des femmes ont été d’excellents hommes de lettres -, à laquelle nous préférons d’ailleurs “gens de lettres”, et rendons-nous compte : il n'y a plus de gens de lettres. Nous vous entendons déjà hausser la voix, dire qu’il y a untel, qu’on a vu se torcher, tout en élégance, le bout du stylo sur un papier bible - à 28g par mètre carré, s’il-vous-plaît, parce qu’au-dessus, cela irrite la pointe dégoulinante - et qu’il a même eu un Goncourt pour ça. À cela, nous vous répondrons que les Goncourt sont des imbéciles finis qui, bien qu'étant deux, n’avaient même pas un cerveau, qu’ils n’ont construit leur nom que sur celui des autres - ce qu’ils font encore, puisque le prix et donc leur nom sont dans les bouches de chaque imbécile qui achète un livre chaque année au mois de septembre, mais que ce même imbécile est incapable de citer quiconque ayant gagné ledit prix - et que, si les prix étaient obligatoirement gages de qualité, la moitié des boulangeries ne feraient pas du pain aussi dégueulasse.

Enfin, on diverge - oui, parce que dire “bite”, c’est vulgaire -, alors revenons à ce qui nous intéresse : les écrivaillons. Qui diable a pensé qu’il était bon d’apprendre à écrire aux gens, eux qui acquièrent ce savoir fondamental alors qu’ils savent à peine conjuguer ? N’est-ce pas un comble, nous vous le demandons, que d'apprendre à écrire sans même savoir sa concordance des temps ou quel est le subjonctif présent de “peindre”, à la deuxième personne du pluriel ? Voilà ce qui est navrant, tant et si bien qu’à l’heure merveilleuse des premiers émois, avec leur tronche pleine de boutons, nos bambins, désormais bien moins charmants, raturent des lignes de cahier de brouillon. S’ils purent penser, à une époque lointaine, être les nouveaux Hugo, ils se croient désormais les “insérer ici le nom du dernier rappeur, sachant écrire ou non, à la mode", parlent des cités parisiennes autant que leurs aînés parlaient du centre de la ville, mais ayant en commun avec eux d'être nés dans les bas-fonds des provinces de la diagonale du vide, où ils ont connus plus de bestiaux que d’êtres humains, et où l'étranger est moins une invitation au voyage qu’un prétexte pour défendre des traditions immémoriales et crétines. Et ce sont eux, il y a cent cinquante ans comme maintenant, qui arrivent au lycée, se nourrissant d’herbe à la façon des vaches qui les ont vus grandir, et balbutient du Baudelaire, persuadés d’avoir compris ce qu’il disait, tout en étant incapable de citer trois titres de poèmes. Ils s’exclament que personne ne les comprend, que les paradis artificiels révèlent leurs démons intérieurs, que ce scooter est absolument nécessaire à leur survie, et qu’ils sont des écrivains. Puis leur jeunesse passe, leur flamme s’éteint aussi vite qu’elle s'était allumée, ils deviennent mornes, puis aigris, puis lassés. Et enfin, ils gagnent un prix Goncourt.

Et alors qu’ils s'essuient le bout du stylo au papier bible, nous giclons autant d'étoiles nacrées qui vous tomberont sur la gueule.

[lemodelepose]

Le modèle fait ce qu'il veut de SON apparence.

Ici, on va d'abord se pencher sur une question importante : s'épiler ou ne pas s'épiler ? Cette question revient souvent. Je vais vous donner mon avis. Dites-moi en commentaire ce que vous en pensez.

SAUCE MAILLOT Beaucoup de modèles féminins se posent la question. Moi la première, il fut un temps. Faut-il se faire le maillot ? Déjà qu'habillées on nous casse la tête avec ça, imagine quand c'est nues... 

UTILITÉ D'UN INTÉGRAL POUR POSER ? Pour bien représenter ce qu'il voit, l'artiste va utiliser des repères de figuration. Il s'agit d'éléments qu'on trouve sur le corps humain : tétons, nombril et toison pubienne (pour pudiquement parler du s€x€ du modèle). Et comme on parle de TOISON, ça signifie bien que ton passage chez Body Minutes n'engage que toi.  En modèle vivant, même si on dessine de façon réaliste et précise parfois, on ne va jamais concentrer son œuvre sur la vulve de qui pose. Même Julien Courbet, il ne l'a pas demandé à la meuf anonyme qui a posé pour son Origine du Monde. Bref, si tu rencontres un problème avec un atelier qui te demande de t'épiler, balance-leur @lemodelepose et prends RDV avec Maître Vergès ☺️

Z0NE ROSE 🩷 Ah oui et... La nudité d'un modèle n'est pas celle d'une actrice X ou TDS ! (Même là-bas, y'a toutes les longueurs de poils). C'est excitant pour certains de voir toute la vulve en entier. Mais là on est là pour dessiner, peindre, modeler. Rien d'autre.

QUID DES MODÈLES MASCULINS ? 👀 Leur système pileux est plus dru et fourni, et pourtant on ne leur demandera pas de se faire le maillot. Après, certains sont vraiment gâté par la nature niveau poil. Et peut-être que pour un cours de morpho sur le torse, ça risque d'être relou de voir les muscles si le modèle est du style ferti-fertiligène 💚 

Si des modèles concernés veulent témoigner ici, faites-vous plaisir. 

LE MAKE-UP 💄 Là aussi, un post en préparation. Chaque personne fait ce qu'elle veut. Par contre, pour du modelage, on peut te demander le no-makeup pour bien saisir les volumes du visage. 

ET LE RESTE ? Bien sûr, si nécessité de la pose il y a, le modèle peut attacher des cheveux ou retirer ses lunettes, si on lui demande.

[s12023artnum]

L'Art Numérique : Quand la Technologie Inspire la Créativité

Dans le paysage artistique contemporain, une révolution silencieuse mais profondément significative a pris racine, transformant la façon dont nous percevons, créons et interagissons avec l'art. L'évolution fulgurante de la technologie a engendré un domaine où la frontière entre la créativité artistique et le monde numérique s'est estompée : l'art numérique.

L'art numérique représente bien plus qu'une simple convergence de pixels et de circuits électroniques. C'est une toile vivante, tissée avec des fils d'innovation technologique et de vision artistique. À l'intersection de ces deux mondes, émergent des œuvres qui captivent, intriguent et remettent en question nos perceptions traditionnelles de l'art.

Remontons aux prémices de cette révolution. Les années 1950 et 1960 ont marqué les premiers pas d'une exploration artistique, où des esprits visionnaires comme Vera Molnar et Manfred Mohr ont sondé les possibilités offertes par les ordinateurs naissants. Ces pionniers ont initié un mouvement où les lignes de code sont devenues des pinceaux, les algorithmes des palettes de couleurs et les interfaces numériques des toiles vierges pour la créativité humaine.

Depuis lors, l'art numérique n'a cessé de se métamorphoser. Les progrès technologiques rapides ont ouvert un éventail d'outils à la disposition des artistes, allant des logiciels de création graphique à la réalité virtuelle, de l'intelligence artificielle à l'art génératif. Ces avancées ont transcendé les limites du papier et de la toile, invitant les artistes à sculpter, peindre et créer dans des dimensions numériques autrefois inexplorées.

Cependant, l'art numérique est bien plus qu'une simple évolution technique. C'est un miroir de notre société moderne, reflétant les défis, les questionnements et les merveilles de notre ère numérique. Les artistes utilisent cette forme d'expression pour sonder les profondeurs de notre relation avec la technologie, interroger les normes sociales et stimuler des conversations sur des enjeux contemporains, des droits de l'homme à la durabilité environnementale.

En plongeant dans l'art numérique, nous découvrons un monde où la créativité humaine fusionne avec le potentiel infini de la technologie, ouvrant des portes vers de nouveaux horizons artistiques et intellectuels.

À travers cet article, plongeons dans l'histoire, l'évolution et l'impact profond de l'art numérique, explorant comment cette forme artistique révolutionnaire repousse continuellement les limites de l'imagination humaine dans l'ère numérique.

1. Les Origines de l'Art Numérique : L'Aube d'une Révolution Créative

L'histoire de l'art numérique s'enracine dans les prémices de l'ère informatique, une époque où les ordinateurs étaient de vastes machines encombrantes alimentées par des programmes rudimentaires. C'est au cœur de cette ère émergente, dans les années 1950 et 1960, que des esprits novateurs ont commencé à explorer le potentiel artistique de ces machines à calculer.

Parmi les pionniers de cette révolution se trouvaient des artistes tels que Vera Molnar et Manfred Mohr, dont les œuvres révélaient les premières expérimentations avec les possibilités créatives des

Ordinateurs. Vera Molnar, artiste hongroise, utilisait les algorithmes pour créer des compositions géométriques fascinantes, illustrant ainsi l'interaction entre l'art et les mathématiques.

De manière similaire, Manfred Mohr, artiste plasticien et pionnier de l'art algorithmique, a commencé à explorer les variations possibles dans les formes géométriques à l'aide de l'informatique. Ses œuvres, basées sur des algorithmes complexes, ont marqué le début d'une ère où les lignes de code étaient considérées comme des éléments artistiques à part entière.

Ces premiers explorateurs ont jeté les bases d'une révolution artistique. Leurs expérimentations ont ouvert la voie à une nouvelle façon de concevoir l'art, où les ordinateurs, jusqu'alors des outils exclusivement utilitaires, sont devenus des instruments créatifs à part entière.

Cependant, l'art numérique des débuts était limité par la puissance de calcul des ordinateurs et les contraintes technologiques. Les premières œuvres étaient souvent simples, reflétant les capacités restreintes des machines de l'époque. Malgré ces limites, ces premiers pas ont jeté les fondations d'une évolution qui allait transformer radicalement le paysage artistique.

Ainsi, l'aube de l'art numérique a été marquée par des esprits visionnaires qui ont bravé les frontières entre la créativité artistique et la technologie, ouvrant ainsi la voie à une révolution artistique sans précédent.

2. L'Évolution et la Diversification de l'Art Numérique : Une Palette de Possibilités Infinies

L'évolution rapide de la technologie a catalysé une expansion spectaculaire de l'art numérique, transformant les ordinateurs en ateliers virtuels pour les artistes du monde entier. Au fil des décennies, les avancées technologiques ont offert une pléthore d'outils et de techniques, ouvrant de nouvelles dimensions pour l'expression artistique.

Les logiciels de création graphique ont été parmi les premières avancées significatives. Ils ont permis aux artistes de manipuler des images, de jouer avec la couleur, la forme et la texture, transcendant ainsi les limites des médiums traditionnels. Adobe Photoshop, par exemple, est devenu un incontournable, offrant une plateforme pour la manipulation d'images et la création graphique.

La modélisation 3D est une autre révolution dans l'arsenal des artistes numériques. Elle permet la création d'objets et d'environnements en trois dimensions, ouvrant des portes à la sculpture numérique et à la création d'univers virtuels immersifs. Des logiciels comme Blender ou Autodesk Maya sont devenus des outils phares pour les artistes explorant le monde tridimensionnel.

L'avènement de la réalité virtuelle (VR) et de la réalité augmentée (AR) a révolutionné l'expérience artistique. Ces technologies offrent aux spectateurs la possibilité d'entrer littéralement dans les œuvres, de les interagir et de s'y immerger complètement, repoussant les frontières de la perception artistique.

L'intelligence artificielle (IA) a également fait une incursion remarquable dans le domaine de l'art numérique. Des artistes explorent l'utilisation d'algorithmes d'apprentissage automatique pour générer des œuvres, créant ainsi un nouvel univers artistique connu sous le nom d'art génératif. Ces œuvres sont le fruit d'une collaboration entre l'esprit humain et l'IA, donnant naissance à des créations uniques et parfois surprenantes.

L'émergence de ces technologies a donné naissance à de nouveaux courants artistiques, tels que l'art interactif, l'art algorithmique et l'art génératif, ouvrant de nouveaux horizons de créativité et redéfinissant la relation entre l'artiste, l'œuvre et le spectateur.

Cette évolution constante reflète non seulement le progrès technologique, mais également l'adaptation et l'expansion continues de l'imagination artistique, transformant l'art numérique en une toile vivante de possibilités infinies.

3. Les Dimensions Sociales et Conceptuelles de l'Art Numérique : Un Miroir de la Société Moderne

Au-delà de son évolution technique, l'art numérique est devenu un vecteur puissant pour explorer et remettre en question les préoccupations sociales, politiques et conceptuelles de notre époque. Les artistes utilisent cette forme d'expression pour sonder les profondeurs de notre relation avec la technologie et examiner les dynamiques sociales contemporaines.

Certains artistes utilisent l'art numérique comme un moyen de questionner notre interaction avec la technologie et les médias sociaux. Leurs œuvres mettent en lumière les dilemmes de la connectivité constante, de la dépendance aux appareils numériques et de la perte d'intimité dans un monde numérisé.

D'autres abordent des questions sociales cruciales, telles que les inégalités, les droits de l'homme ou les crises environnementales, à travers l'art numérique. Ils utilisent des techniques novatrices pour sensibiliser, éduquer et mobiliser le public sur des sujets cruciaux, amplifiant ainsi les voix des marginaux ou révélant les défis auxquels notre société est confrontée.

De plus, l'art numérique offre une plateforme unique pour remettre en question les normes esthétiques et sociales établies. Les artistes repoussent les frontières du conventionnel, remettant en cause les perceptions de la beauté, de l'identité et de la réalité elle-même à travers des expériences visuelles et interactives immersives.

L'utilisation croissante de l'intelligence artificielle dans l'art numérique suscite également des discussions sur l'éthique, l'autonomie créative et l'interrelation entre l'humain et la machine. Les débats sur la propriété intellectuelle, l'impact social de l'automatisation de la créativité et les implications éthiques de l'IA font partie des enjeux soulevés par ces créations artistiques.

En somme, l'art numérique est devenu un reflet dynamique de notre société moderne. Il incite à la réflexion, à la discussion et à la remise en question des normes établies, tout en offrant une plateforme pour explorer les multiples facettes de notre réalité sociale, politique et conceptuelle.

4. L'Art Numérique Aujourd'hui : Impact et Perspectives Futures

Impact Actuel

L'art numérique a émergé de ses racines expérimentales pour devenir un acteur incontournable de la scène artistique contemporaine. Des musées aux galeries en passant par les plateformes en ligne, l'art numérique trouve une place grandissante, attirant un public toujours plus vaste et diversifié. Les expositions dédiées à cette forme d'art rencontrent un succès croissant, montrant ainsi son intégration dans la culture artistique dominante.

Son impact va au-delà du monde de l'art. L'art numérique influence également d'autres domaines tels que la publicité, le divertissement, le design et même la recherche scientifique. Les entreprises explorent les collaborations avec des artistes numériques pour innover dans la manière de communiquer avec leur public et de présenter leurs produits.

Perspectives Futures

Le futur de l'art numérique s'annonce prometteur, alimenté par les avancées continues de la technologie. Les frontières entre le réel et le virtuel devraient continuer à s'estomper grâce aux progrès de la réalité virtuelle et augmentée, offrant des expériences artistiques plus immersives et interconnectées avec notre quotidien.

L'intégration croissante de l'intelligence artificielle dans le processus créatif ouvre également de nouvelles voies pour l'art numérique. Les collaborations entre l'humain et l'IA pourraient donner naissance à des formes artistiques inédites, tout en soulevant des questions fascinantes sur l'originalité, la créativité et la nature de l'art lui-même.

De plus, l'art numérique continuera à être un catalyseur pour la réflexion et la discussion autour des enjeux contemporains. Les artistes devraient continuer à explorer des thématiques telles que l'éthique technologique, la durabilité, l'identité dans un monde numérique en constante évolution.

En fin de compte, l'art numérique semble destiné à rester au cœur de l'innovation artistique et technologique. Il continuera de repousser les limites de l'expression créative, de défier les perceptions conventionnelles de l'art et de refléter la dynamique changeante de notre monde moderne.

L’art numérique, tel un phénix moderne, émerge des cendres de l'expérimentation pour devenir un pilier essentiel de notre paysage artistique contemporain. Son évolution tumultueuse, depuis les premières lignes de code jusqu'aux mondes immersifs de réalité virtuelle, a été un voyage fascinant qui témoigne de la fusion inébranlable entre la technologie et la créativité humaine.

En regardant en arrière, les premiers pas de l'art numérique nous rappellent l'audace et la curiosité des pionniers qui ont osé explorer les possibilités insoupçonnées des ordinateurs. Ces esprits visionnaires ont jeté les bases d'une révolution artistique sans précédent, marquant le début d'une ère où les pixels deviennent des pigments et les algorithmes des pinceaux pour les artistes numériques.

Aujourd'hui, l'art numérique transcende les frontières des musées et des galeries, s'étendant dans le tissu même de notre quotidien. Il se manifeste dans nos publicités, nos divertissements et nos interactions en ligne, illustrant ainsi son influence croissante dans la culture populaire.

Toutefois, ce n'est pas seulement sa popularité qui rend l'art numérique si captivant, mais c'est également sa capacité à susciter des discussions, à stimuler la réflexion et à élargir nos horizons. Des questionnements sur notre relation avec la technologie jusqu'aux réflexions sur les enjeux sociaux et conceptuels contemporains, l'art numérique est un miroir dynamique de notre époque.

Et que nous réserve l'avenir pour cet art en constante mutation ? Les perspectives sont aussi vastes que l'univers numérique lui-même. Les avancées technologiques continueront de définir de nouveaux territoires pour l'exploration artistique, tandis que les débats sur l'intelligence artificielle, l'éthique et l'interaction entre l'humain et la machine enrichiront le discours artistique.

L'art numérique reste un laboratoire fertile où l'imaginaire humain et la technologie s'entremêlent, où les frontières de l'expression créative sont redessinées et où les défis de notre époque trouvent des échos visuels et interactifs.

Ainsi, que nous soyons artistes ou spectateurs, l'art numérique nous invite à nous immerger dans un monde où la technologie et la créativité dansent en harmonie, écrivant une symphonie infinie d'innovation et d'inspiration pour les générations à venir.

Liens article :

https://amusementlogic.fr/nouvelles-generales/plongez-dans-le-monde-de-lart-numerique/

https://www.artpress.com/2021/10/21/le-chef-doeuvre-du-moment-icone-2020-de-vera-molnar/

https://www.beauxarts.com/grand-format/tout-comprendre-a-lart-a-lere-digitale/

https://fr.wikipedia.org/wiki/Art_num%C3%A9rique

https://blog.artsper.com/fr/la-minute-arty/quest-ce-que-lart-numerique-exactement/

liens images :

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https://arts-tech.fr/modelisation-creation-3d/

https://www.francetvinfo.fr/culture/art-et-intelligence-artificielle-une-cohabitation-qui-reste-encore-a-definir_5641781.html

http://www.galeriedesgaleries.com/en/invites/vera-molnar

Article Morgane Porté