#paralelos cinematográficos

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Cléo de 5 às 7 (1962) - Agnes Varda

A Primeira Noite de um Homem (1967) - Mike Nichols

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Paralelos Cinematográficos

Metropolis (1927) dir. Fritz Lang Blade Runner (1982) dir. Ridley Scott

[diegoleivablog]

TAXI DRIVER - 1976

Drama, suspenso Neo noir, terror psicológico.

Dirección:Martin Scorsese Guion:Paul Schrader Música:Bernard Herrmann Fotografía:Michael Chapman Montaje:Melvin Shapiro,Tom Rolf,Marcia Lucas Actores:Robert de Niro,Jodie Foster,Cybill Shepherd,Peter Boyle,Harvey Keitel,Albert Brooks

La Película es de Travis Bickle

No me voy a extender demasiado en explicar la trama de Taxi Driver, ya que su argumento es de dominio popular, muchos críticos de cine, periodistas, influencer, directores, actores y personajes del medio cinematográfico han escrito ensayos, revisiones, libros, retro críticas, videos etc.

Mi Revisionado de Taxi Driver es mi opinión salvajemente honesta, pura pero muy vehemente, ya que el cine en general me produce un éxtasis cinéfilo, pero sin aburrir. Comienzo.

Travis Bickle (Robert de Niro) es un taxista que vive sumergido en el Nueva York de los años 70, pero no en cualquier Nueva York, Las bellas luces de neón se mezclan súbitamente con el caos colectivo del Nueva York paralelo, donde pareciera que de noche, solo existe un recambio de habitantes mucho más lúgubres y decadentes, (bueno eso nos muestra la película) que acompañado de una bruma densa se presenta nuestro personaje principal.

Cuando comienza la Película, en la presentación del personaje el taxi avanza en medio de una bruma o humo muy característico del subsuelo de la ciudad, eso me da a entender de que el Taxi que maneja Travis es una especie de espíritu que se introduce a esta ciudad como un alma vengativa capaz de "limpiar" toda la suciedad que dice tener el personaje de De Niro.

La música del maestro Bernard Herrmann con los acústicos de Jazz, trombón, son muy inmersivos y super adecuados a la historia que nos relata Marty, me provoca una sensación de mal rollo, como si me estuvieran avisando que el personaje sufrirá cambios excesivos o extremos y que bueno, también habrá erotismo, pero en menor medida, he ahí la maestría del tiempo en las notas musicales del maestro Bernard.

Antes de los 20 minutos de película hice ya mi percepción de Travis encontrándolo un hombre muy inquietante, solitario, retraído algo imbécil quizás, pondrían ser secuales de su paso por los marines, sin embargo tiene actitudes que no tienen nada que ver con secuelas de algún pasado por algo no se ahonda en él me explico mejor.

Travis tiene un breve interés amoroso con una chica llamada Betsy (Cybill Shepherd) que trabaja para un candidato a la presidencia de Estados Unidos, o sea que estamos ante una Chica tremendamente capaz e inteligente, como se convierto en intereses de travis, bueno, también era muy atractiva, pero porque salió con travis? Me imagino que la chica era muy curiosa y tenía ganas de conocerlo mejor, ya que su presentación fue algo insinuosa y quizás betsy le gusto eso y la valentía que tuvo travis para cortejarla y lograr que aceptara su invitación a tomar un café.

¿Que paso después?, ella se desilusionó totalmente de travis porque en vez de llevarla a pasarla bien en la cita que tuvieron luego del café Travis la llevó a un cine Porno, con la excusa de que muchas parejas iban juntas a ver película XXX. o sea Que onda Travis. Y para cerrar tan decepcionante cita, travis le regala un disco de música que betsy ya tenía y que le había comentado en la cita del café, que a ella le gustaba escuchar. A travis se le presentó una gran oportunidad de conocer a una chica totalmente normal, agradable y decidida, pero la desaprovechó por ser un tipo infantil y que no sabe comunicarse.

Cuando Travis describió a Betsy en la cafetería, este le dijo a ella que era una solitaria, rodeada de teléfonos y papeles, sin embargo nosotros no sabemos nada de la vida de betsy solo que trabaja para un candidato presidencial, pero sí conocemos a Travis su descripción de betsy es la propia descripción de sí mismo, Él es un solitario no está rodeado de teléfonos ni de papeles, pero sí de personas indeseables como una basura, en palabras del propio travis

Sus intenciones fueron aburridas como él, sus chistes irrisorios y absurdos, muy especulativo, un ser humano enjaulado en una ciudad que él odia profundamente por tener una moral social muy alta.

Una Clase magistral de DE NIRO. Como Travis es un personaje poco comunicativo, está siempre aislado de sus colegas taxistas en las horas de descanso que tienen en las cafeterías, sin embargo Travis para lograr siempre lo que quiere le basta solo con sonreír o armar un berrinche y por supuesto como sabemos, desquiciarse un poco.

Pese a ser alguien "Normal" tiene actitudes asociales muy latentes. Su personaje explotará en algún momento.

Pero como espectador te sientes con rabia de este idiota narcisista atrapado en su propio ego, sufre por una banal ciudad que se levanta y trabaja como él también lo hace, él es parte de la escoria que tanto odia, se siente superior a las mujeres de la película, me produce de momentos pena, pero también rabia de su sesgo decadente.

La parte final luego de salvar a iris (Jodie Foster) la pequeña prostituta manejada por su Chulo Matthew como decimos en LATAM, CABRON interpretado por el gran Harvey Keitel me dejó con muchas inquietantes la verdad y es que luego del acto heroico de un Travis convertido en John Wayne a la caza de quienes tienen cautiva a iris, casi como en centauros del desierto con la mítica búsqueda del personaje de Wayne a su sobrina interpretada por la mítica Natalie Wood, secuestrada por indios comanches, En Taxi driver yo quedé con muchas preguntas que no tendrán respuestas, pero son válidas expresarlas ahora.

¿Iris quería ser salvada?

Si nos dejamos llevar por el diálogo en la cafetería nos damos cuenta de que no le interesa la ayuda de Travis para escapar, entendemos que está cómoda con su chulo, que aparte es su novio, no se expresa así en la película por razones obvias, pero que a la vista son muy lógicas, no le presta mucha atención a Travis y es que al ser una niña, los momentos de rebelión son a causa de momentos desagradables que debe pasar por el simple hecho de estar prostituyendo para otros.

Me da la sensación que la limpieza que hace travis, me refiero a la limpieza como la matanza final, es algo puramente católico, es la simple redención religiosa que tanto hablan en los pasajes de la biblia, debes ser redimida para ir al cielo y todo eso, pero en esta ocasión no fue voluntario sino más bien algo impuesto por Travis que encontró en esa accion su posibilidad de desatar toda la furia, la rabia y la impotencia que tenía dentro, como no pudo concretar el atentado en contra del candidato presidencial, su fuerza y sus ganas de probar que tan potentes eran sus armas se inclinaron hacia el pederasta Matthew y todo aquel que se atravesara en su camino.

¿Porque se fue Iris de su casa?

La inquietud final y más importante que dejó en mí, Taxi Driver es la razón del porqué iris se fue de su hogar, si recordamos, ella es de Pittsburgh y desde esa ciudad hacia Nueva York son 500 km, más de 5 horas de viaje, que ocurrió allá que hizo que iris tuviera que prostituirse en Nueva York? La secuestró Matthew? Escapó de algún hecho desafortunado?. ¿porque no sabían sus padres que estaba en Nueva York? Bueno eso solo vivirá en mi cabeza.

El nuevo Héroe de la ciudad es Travis Bickle, que se convierte en un ejemplo de la comunidad al devolverle sana y salva a la menor de edad Iris, a sus agradecidos Padres, quienes ven en Travis un salvador, muy ambiguo todo, pero bueno, no quiero pensar tan mal y me imagino que Marty Scorsese y Paul schrader se guiaron en la historia de Centauros del desierto para sentar las bases de esta historia con un protagonista solitario, extraño pero urbano héroe.

Escena Final, El sueño de Travis.

Esto es claramente Post créditos, aunque si pertenece al desenlace de la historia no está inmersa en la acción misma, ya que la peli termina con todo el reconocimiento que le hacen los periódicos y los padres de Iris reflejados en múltiples cartas y reportajes de noticias pegadas en la pared del depto. de Travis.

No vemos a travis ni durante, ni después de su salida inmediata del hospital, recordemos que se salvó de milagro del disparo que le dio el cliente de momento que atendía Iris.

La escena final cierra con Betsy yendo a buscar a Travis para que la lleve a su casa en el Taxi, ella le coquetea por el retrovisor y le pregunta que si está bien, Él se hace el indiferente e ignora todos los halagos de betsy hasta después, de que ella se baja del taxi finalmente le pregunta que cuanto salió su viaje muy interesada en entablar una conversación con Travis, pero este sin más que mirarla con una actitud repulsiva se marcha dejándola hablando sola.

Debate absoluto de si fue un sueño de travis o no lo fue, para mí, si lo fue, ya que el aspecto de travis en esa escena es el mismo que tenía cuando empezó la historia, además Betsy no era tan tonta como para volver a buscar a Travis porque su personaje nos mostraba a una mujer segura con ideas firmes, todo lo contrario a Travis, no me imagino a Betsy retrocediendo en su actuar, no se deja llevar por sus emociones y si, por su intelectualidad, pese a parecer frágil no es para nada ingenua.

Por cierto, qué bien estuvieron todos los actores, mención especial a Cybill Shepherd que me hubiera gustado verla más en la historia, pero su participación fue canónica, perfecta en todo sentido.

Una peli de Marty, obviamente estaría bien en sonido, cinematografía fotografía, Guion y esta no fue la excepción. En la siguiente publicación haré mi Top 5 de mis pelis favoritas de Marty.

[alyanismontanez]

Reflexión argumentativa de Baraka junto a la perspectiva de Octavio Paz.

La película Baraka es un ejemplo claro de cómo el cine puede trascender la narrativa convencional para convertirse en una experiencia estética y reflexiva. Con su enfoque puramente visual, sin diálogos ni explicaciones, la película nos invita a contemplar la vida humana, la naturaleza y la cultura desde una perspectiva que privilegia la contemplación sobre la interpretación racional. Esta aproximación puede relacionarse con la visión de Octavio Paz sobre la artesanía y la estética, en la que lo bello y lo útil se entrelazan para ofrecer una experiencia que va más allá de la función inmediata de los objetos y las acciones.

Según Paz, la artesanía no se limita a cumplir un propósito práctico, sino que en su proceso incorpora una búsqueda de belleza y significado. Esta misma idea puede aplicarse a Baraka, donde las imágenes de rituales, paisajes y construcciones humanas no solo representan la realidad, sino que la transforman en una experiencia meditativa. En la película, escenas de templos, mezquitas o paisajes naturales no se limitan a mostrar lo que es funcional o cotidiano; en cambio, al estar despojadas de una narrativa explícita, permiten que el espectador se adentre en una reflexión sobre el lugar de la humanidad en el mundo. Lo que Paz sugiere sobre la artesanía como un acto que conjuga lo útil y lo bello, encuentra en Baraka un paralelo en la manera en que la película combina la representación de lo real con la evocación de lo sublime.

Este enfoque puede entenderse también a través del concepto de “gesto arquitectónico”. Mientras que la arquitectura tradicional utiliza el espacio y el diseño para transmitir un mensaje o crear una experiencia sensorial, Baraka utiliza el lenguaje cinematográfico de una manera similar. Las tomas de ciudades abarrotadas, templos majestuosos o paisajes desolados actúan como gestos que comunican más que la mera funcionalidad de esos espacios. Así como un edificio puede generar una sensación de trascendencia, orden o caos dependiendo de su diseño, las imágenes de Baraka nos sumergen en una experiencia de contemplación sobre la vida humana y su relación con su entorno. No se trata solo de mostrar lugares, sino de crear una conexión emocional con ellos, algo que tanto el cine como la arquitectura pueden lograr.

Baraka también explora el contraste entre la naturaleza y las construcciones humanas, ofreciendo una reflexión visual sobre la coexistencia de lo natural y lo artificial. Esta dualidad también es un tema recurrente en la obra de Paz, donde a menudo resalta cómo lo humano transforma y, al mismo tiempo, es transformado por su entorno. La película refuerza esta idea al mostrar la fragilidad y la fuerza tanto de la naturaleza como de las civilizaciones, sugiriendo que la belleza puede encontrarse en ambos ámbitos, aunque se manifieste de maneras diferentes.

En última instancia, tanto Baraka como las ideas de Octavio Paz sobre la estética nos invitan a detenernos y a observar el mundo con nuevos ojos, a ver más allá de lo inmediato y funcional para descubrir el significado profundo que subyace en las acciones humanas y en la naturaleza misma. Baraka no es solo un documental sobre la diversidad cultural o la majestuosidad de la naturaleza; es una obra que nos recuerda que la belleza y el significado no son inherentes a las cosas, sino que emergen a partir de la forma en que las percibimos y las experimentamos. Este acto de percepción, al igual que en la arquitectura o la artesanía, es un gesto intencional que transforma nuestra relación con el mundo.

[ninfamusa]

En este fragmento de entrevista Alfred Hitchcock nos explica en qué consiste en Efecto Kuleshov mediante un ejemplo. Lev Kuleshov fue uno de los pioneros en el campo de la sintaxis fílmica. Gracias a él sabemos cómo afecta a la audiencia el modo en que las imágenes se posicionan durante el montaje. Llevó a cabo sus experimentos cinematográficos en su taller de edición, convirtiéndose en uno de los pioneros en entender el cine como medio expresivo y artístico. Su trabajo fue el germen creativo de montones de ideas que continúan utilizándose a día de hoy con función dramática: flasback, montaje paralelo, primeros planos. Gracias a sus indagaciones, se reveló que era posible grabar una misma escena con planos rodados por separado, para después unirlos y otorgarles el efecto deseado. Actualmente esta es exactamente la forma en que se rueda y edita cualquier cinta. Así que, sí, Kuleshov es uno de los padres del cine. No es de extrañar la admiración que por su trabajo sentía el mismísimo Alfred Hitchcock, encargado de relatarnos en qué consiste el Efecto Kuleshov en este vídeo.

[casaazulmais]

Desde que terminou a última temporada de The Mandalorian, dediquei-me a ver pela primeira vez todas as temporadas de Clone Wars. Agosto não tarda e vai trazer uma nova série que se irá centrar em Ahsoka Tano, a aprendiz de Anakin Skywalker que já apareceu em episódios avulso de The Mandalorian e The Book of Boba Fett. 

Sou obrigado a suspeitar que, tal como aconteceu com estas duas séries, Ahsoka dará um contributo importante para contar a história do pequeno Grogu - also known as: The Child e formally known as Baby Yoda. E talvez ainda mais importante que isso, o futuro da Guerra das Estrelas como um todo. 

Como não quero ficar de fora do grande evento cinematográfico que a Disney está a preparar, onde vai juntar anos de conteúdo num final épico (como já fez com o universo Marvel), achei que devia tentar conhecer melhor esta personagem misteriosa que ganha agora direito a uma série própria. 

Assim se expande e mantém atualizada a propriedade intelectual que rendeu ao criador $4.05 billion - nem me atrevo a traduzir. Investimento feito pela Disney para comprar a Lucasfilm no final de 2012 e que em 2018 já tinha sido recuperado. 

Em tempos já tinha tentado começar esta epopeia que é Clone Wars mas tive algumas dificuldades em superar o estilo da animação e concentrar-me na história que o George Lucas dedicou a sua fortuna a contar. 

Fortuna, entenda-se bem, que este tinha feito antes da venda de 2012. A primeira temporada da série data de 2008 e os preparativos a 2005, ano de estreia do Episódio III.

Ahsoka no início de Clone Wars.

Localizada precisamente entre os acontecimentos dos Episódios II e III, partimos para a série com o conhecimento da tragédia que se vai desenrolar. Este facto é marcante para qualquer leitura que se pretenda fazer dos acontecimentos retratados. Sabemos à partida o destino trágico de Anakin, o destino da relação deste com Padmé ou Obi-Wan Kenobi e o destino da República.

Apesar disso, o interesse da série surge muitas vezes da evolução de outras personagens secundárias na história principal: os clones logo à partida, os rebeldes mais tarde e Ahsoka ao longo de toda a série. 

Se já achava que STAR WARS era a mais importante história produzida pela sociedade contemporânea - tal e qual como uma Ilíada ou Odisseia dos nossos dias - depois da expansão e desenvolvimento que Clone Wars representa fiquei ainda mais certo disso. 

Ahsoka no final de Clone Wars.

Como é normal, os paralelos entre esta saga e o mundo real são inevitáveis. Sendo esta uma série sobre a Guerra dos Clones e vivendo nós um tempo de guerra, esses paralelos são ainda mais notórios. 

Desses, é particularmente cruel observar as manipulações que o mais tarde Imperador Palpatine maniqueia, é desesperante ver o alheamento do Conselho Jedi e é muito reforçada a tragédia de Darth Vader. Mas o paralelo mais cruel é o massacre imposto pela guerra a tudo e a todos excepto uma elite privilegiada. 

O desprezo dessa elite pelo real status quo da galáxia é o combustível da indiferença ao autoritarismo. Este, a pouco e pouco vai-se impregnando naqueles que, não sendo idealistas, se deixam levar pela retórica mais fácil. 

Tendo eu anti-corpos a idealismos, não deixa de ser conflituosa a sensação de tomada de consciência desta indiferença. Quanto tempo resistirei eu próprio a tornar-me um idealista? Terei tempo suficiente?

Ahsoka em Rebels.

Terei de continuar a ver Ahsoka, Andor, Mandalorian. 

Por enquanto, vou a meio de Rebels. 

Parece que afinal ainda tinha de ver mais esta série. 

A animação é melhorzinha, mas nem o Ezra Bridger é um Anakin nem o Kanan Jarrus é um Obi-Wan. 

O que vale é que o mito vale mais que os arquétipos individuais neste herói de mil faces. 

[radioeuroextasis]

Talla 2XLC – Welcome To The Future

Talla 2XLC siempre está en la cima de las listas de trance de ventas de beatport con sus originales inventivos y deliciosas reelaboraciones. Su próximo lanzamiento Welcome To The Future en That's Trance es una excelente actualización del proyecto paralelo de Schiller, Nova, lanzado en 1999. Prepárate para un magnífico trancer eufórico y edificante con una melodía principal contagiosa para volar tu mente y elevar tus sentidos. Welcome To The Future emplea líneas de bajo nítidas de trance psy , patadas contundentes y percusión trance clásica para crear su intenso impulso, mientras que en la parte superior se agregan acordes de piano, voces trancy cerradas y buenos ganchos de sintetizador para crear un resultado infeccioso de estornino. The breakdown es un magnífico viaje cinematográfico con cuerdas cálidas, almohadillas aireadas, efectos de sonido espaciales y hermosas voces femeninas habladas que describen un futuro mejor sin el lado feo de nuestra sociedad. Lo más destacado de la canción es el increíble riff de sintetizador eufórico que tiene la oscuridad y los tonos melodramáticos que todos adoramos en nuestro trance. Cuando el ritmo contraataca, esta melodía inolvidable se apoya en capas melódicas adicionales, acordes de piano y ácido energético sobre tonos para endurecer los procedimientos. Es una de esas pistas que se arrastrarán fácilmente bajo tu piel y se convertirán en parte de tu ADN trance recordando el gran sonido épico de Frankfurt trance con su sensación industrial y de alta tecnología. Welcome To The Future es la canción sobresaliente de Talla ahora en su propio sello That's Trance. https://youtu.be/ogUURde922o   Read the full article

[leituranlouisecruz]

Materiais literários e cinematográficos - Sobrevivência no Mar

Olá, meus amores! Mais um vídeo (disponível no LEITURAN® - Youtube) para vcs com muito carinho. Mil beijinhos e toda luz do Universo!

Venho com Materiais literários e cinematográficos - Sobrevivência no Mar.

Em alguns vídeos do LEITURAN®, enfatizo mar e sobrevivência no mar, pois me encanta algumas Simbologias da Água: Purificação, limpeza, clareza/esclarecimento/libertação de ideias e situações de apego, força, fertilidade, fecundidade, origem da vida, transformações internas e externas em cada ser, ideia e situações.

Texto complementar:

Literatura e Cinema

A literatura não se vale da estética da imagem; já o cinema se constrói sob ela. Nada obstante, ambas as linguagens se influenciam, pois ocorre a existência de um paralelo comum formado pelo diálogo e pela imagem, sendo que o texto dito acionará os sentidos e, na mente do leitor, transformar-se-á em imagens. Assim, no filme as imagens em movimento serão expostas aos olhos do espectador e, em ato contínuo, serão decodificadas por meio das palavras.

A diferença primordial entre ambas é: enquanto a literatura lida com recursos imagéticos subjetivos influenciados pelo arcabouço e pelo potencial imaginativo do autor e do leitor; o cinema, no imediatismo que lhe é peculiar, traduz essas palavras em sons e imagens utilizando-se da ótica do diretor e auxiliado pelos recursos técnicos (humanos, materiais e imateriais) e tecnológicos disponíveis.

Os recursos técnicos aplicados ao cinema muito contribuem para deixar as histórias contadas nos livros mais atrativas e ricas em possibilidades de novas percepções estéticas, sensoriais e emocionais. Isso permite releituras de livros devido à linguagem híbrida inata do cinema e o faz dar nova feição à obra literária.

Indico acessar as playlists do canal, dentre elas, Materiais literários e cinematográficos - Sobrevivência, Tubarão, ataques de outros an1ma1s, terr0r físico e psicológico.

Para darem uma força ao canal, podem se inscrever, curtir o vídeo e ativar o sininho das notificações! Muito Obrigada!

[museu-degrandes-novidades]

Paralelos Cinematográficos

Parallels between Chris Marker's La Jetée (1962) and Alfred Hitchcock's Vertigo (1958)

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♢

♢ = reading them a story .

Mina estaba acostumbrada a estar entre sus hermanos y en realidad extrañaba mucho estar en casa a pesar de todos los problemas que había allá. Extrañaba pasar tiempo con sus hermanos cuando no eran demasiado molestos, pero lo que más extrañaba era sentarse frente al televisor a ver jugar a su hermano mayor (ahora él esta a punto de casarse, ya no le importan los videojuegos) pero en aquel tiempo la castaña solía sentarse a su lado mientras él explicaba lo que sucedía en el juego con lujo de detalles.

Y eso es justamente lo que se encuentra haciendo Mina en esos momentos, Jaemin está sentado a un lado de ella y ella lleva el control entre sus dedos, un agarre bastante firme mientras trata de sobrepasar esa misión que ya ha fallado más de tres veces “Aquí es cuando todo se vuelve complicado, si te acercas demasiado los soldados contrarios se darán cuenta que estás ahí, si te alejas… bueno, debes ser excelente en los disparos ya que si llegas a fallar una vez, llaman por refuerzos y si lanzas una granada, te dañas a ti mismo” comentó aunque no estaba muy segura de que el contrario prestaba atención “Mi hermano me enseñó que aquí puedes ir sin armas, como todo un buen espía puedes ir matando a los soldados uno a uno en combate cuerpo a cuerpo, pero de nuevo, tienes que tener cuidado de que no llamen a más refuerzos o la misión está perdida” 

[blogdojuanesteves]

3 É 5 > DANI TRANCHESI

As feiras, um dos costumes mais antigos da humanidade, em tempos remotos promoviam trocas de mercadorias entre as pessoas que vinham de diferentes e distantes lugares do mundo. Com o capitalismo, a prática ganhou força econômica e se multiplicou em várias modalidades. Uma delas, a chamada Feira Livre, tem em sua etimologia  latina os termos Feriado (dia santo) e Freguês (filhos da igreja), oriundos das festas dos fiéis nas quais trocavam seus bens. No Brasil do início do século XX foram regulamentadas pelo governo ainda em sua primeira década.

 Em São Paulo, há muitos anos que as feiras livres funcionam todos os dias da semana. É neste ambiente de extrema diversidade, de movimento caótico e frenético, mas ao mesmo tempo lúdico, que a fotógrafa paulista Dani Tranchesi, construiu seu livro 3 é 5 (Editora Vento Leste, 2021) juntamente com o escritor pernambucano Diógenes Moura como curador, e o cineasta Pedro Castelo Branco que dirige um curta-metragem deste trabalho, de onde foram retirados os frames em preto e branco publicados.

Dani Tranchesi conta que tinha um projeto sobre as festas de várias regiões do Brasil, mas a pandemia chegou e inviabilizou as viagens. Foi então que, juntamente com Moura, mudou o foco para as feiras livres. Para ela é muito interessante que apesar de todo o comércio online, essa atividade tenha continuado em meio às restrições todas. A fotógrafa é atraída por este movimento das pessoas trabalhando felizes, ainda que as limitações da pandemia imponham dificuldades.

 Foram seis meses visitando sistematicamente feiras paulistanas, como a dos Campos Elíseos, de Santa Cecília e a do Bixiga, na região mais central da cidade. A fotógrafa já tinha experiência nos lugares por conta de seu livro Lindo Sonho Delirante (Ed.Martins Fontes, 2020), também com a curadoria de Moura, ao qual anexou as regiões de  Salvaterra, Joanes e Cachoeira do Arari, micro municípios da Ilha de Marajó, no Pará. [ leia aqui review sobre o livro https://blogdojuanesteves.tumblr.com/post/620752962639314944/lindo-sonho-delirante-dani-tranchesi ].

A feira livre talvez seja uma das atividades mais populares que promovam o congraçamento de diferentes culturas e estratos sociais, uma experiência sensorial, de peculiar sociabilidade, como descreve a Miriam C.S. Dolzani, professora da Universidade Estadual do Rio de Janeiro (UERJ), em seu ensaio Feira Livre Territorialidade popular e cultura na Metrópole Contemporânea, para a revista Ateliê Geográfico Vol.2m n.2, dos  Estudos Socioambientais (IESA) da Universidade Federal de Goiás (UFG). Para a fotógrafa, que tem como articulação a chamada "fotografia de rua", o ambiente se tornou perfeito. Ela conta que sempre gostou dos mercados, e, apesar de termos tudo à disposição na internet, o ambiente é fascinante e cheio de vida." diz ela.

 Diógenes Moura explica que a parceria com a fotógrafa, é uma proposta a longo prazo, e que também desenvolve a questão literária junto a da fotografia. "Pensamos dois meses, antes de começar o trabalho." conta ele, que vem de cidades onde não podem contar a sua história sem as feiras públicas. Na sua adolescência, vivida em Salvador, BA, morava no bairro negro da Liberdade, onde acontece a chamada "Feira do Japão". Há 32 anos mora no bairro dos Campos Elíseos, onde frequenta religiosamente a feira que acontece aos sábados, e às vezes também a do dia seguinte, em Santa Cecília.

Quem já frequentou uma feira livre sabe que "3 é 5" é o bordão de muitos vendedores para seus produtos. Três mamões é cinco, ou uma dúzia de laranja é dez e assim por diante, como outras contas que dependem do horário da feira. É a trilha sonora que se escuta ao caminhar por alguma delas. As fotografias de Dani Tranchesi parecem ter esta cadência à medida que as olhamos, o que foge do lugar comum de um registro apenas documental, para se aprofundar em uma visão vernacular e autoral.

 A feira livre de Dani Tranchesi, quando lembramos de um microcosmo da metrópole, mostra seu caráter indefinido e difuso que se enfrentam na construção de uma memória da pandemia, como pensa o arquiteto Otavio Leonídio, pesquisador da PUC-Rio. Há o lado da realidade e ao mesmo tempo aquele delirante. Ele lembra que, foge do próprio "conceito de cidade" como definido pelo filósofo alemão Jurgen Habermas, de que "A transformação é tamanha que o conceito dela derivado já não logra alcançá-lo." No entanto, a fotógrafa maneja com perícia seu constructo, extraindo imagens enérgicas que nos instigam a pensar em um percurso paralelo, reforçado pelo temperamento ontológico dos textos de Diógenes Moura.

A fotógrafa conta que não queria se ater aos produtos vendidos, e contornou essa atração buscando a figura humana, no entanto sem abdicar da importância da cor como forma. Desta feita, o ritmo e a cor unem-se em uma expressão quase pictórica e abstrata, em uma espécie de plano sequência desde o começo, interrompido somente por uma coleção de retratos à la Seydou Keïta (1921-2001) com seus fundos estampados, feitos na feira de Campos Elíseos, e cenas do documentário cinematográfico que a acompanhou. A estes se juntam encartes com as narrativas de Diógenes Moura, que funciona como um "off" das encenações: a real dos trabalhadores e a do "estúdio" montado em uma parede da rua.

 Curador e fotógrafa, fizeram a maior parte dos trajetos juntos. Da madrugada  a manhã já tardia, a montagem e desmontagem, a arrumação das frutas e legumes em meio ao que Moura chama de "resistência da feira diante da pandemia." Lá estão os feirantes, seus filhos e às vezes seus netos. Pessoas com máscara e sem máscara, o que levava a dupla a fazer testes  regulares para Covid-19. " Minha fotografia acaba criando a própria cara, não é pensada de antemão. Acho um caminho e é por aí que vou", diz Dani Tranchesi. Embora haja um planejamento prévio, as imagens surgem de forma espontânea que amoldam-se ao próprio fluxo da feira. Nada está exposto diretamente, o leitor precisa ultrapassar os layers criados.

A tradição das feiras chegou às colônias como o Brasil já no século XVI,  trazidas por imigrantes europeus, tendo papel essencial no desenvolvimento das cidades, "não somente como um meio de aquisição de produtos, mas também local de encontro, de confraternização, onde pessoas de uma mesma comunidade e de comunidades vizinhas se encontram, desempenhando assim um fator importante na interação social e intercâmbio cultural." diz Miriam C.S. Dolzani. N��o há registros visuais acerca da criação da primeira feira no Brasil, mas há regimentos escritos por D.João III (1502-1557) em 1548, ordenando a criação de feiras semanais na colônia para trocas entre os portugueses e nativos.

 A feira de Campos Elíseos é uma feira familiar, conta Dani Tranchesi. Já a do Bixiga, é diferente. " há uma tensão no ar" e a de Santa Cecília, ao lado do elevado João Goulart, está em uma transversal com o epicentro da principal "Cracolândia" paulistana, um dos estimados 30 pontos de moradores de rua e dependentes de crack na cidade de São Paulo. No entanto, podemos dizer que por conta de seu primeiro livro tornou-se uma "veterana" na região, bem como uma expert em trabalhar com a difícil iluminação quase impossível de se equilibrar e que de certa forma sustenta uma fotografia densa, saturada, que está mais para o pensamento da arte do que para o documental.

Diógenes Moura escreve que "3 por cinco ou 7 por dez, é apenas quando estão no varal, numa literatura popular onde tudo é fluxo. Nas vozes dos feirantes o grito é outro: "Três é cinco", "sete é dez" assim mesmo, como se o singular fosse a primeira língua e o plural perdesse o sentido duplo num idioma que não incomoda ninguém." É, como vemos, a cultura vernacular e espontânea elevada em certa suntuosidade, um grande tableaux ilustrado por sua pluralidade em um fundo floral, visto já na sua capa que se desdobra em um grande panorama.

 É neste fluxo, muitas vezes lisérgico, que as imagens se aproximam da síntese No trabalho de Dani Tranchesi. Ora em vermelhos e azuis barrocos. Ora nítidos e desfocados, abstrações criadas sobre a natureza humana e autêntica. A vertigem, encontrada por exemplo na obra da carioca Ana Carolina Fernandes, do japonês Hirosuke Kitamura, no corolário de Mario Cravo Neto (1947-2009) ou na produção de Hugo Martins, paulistano radicado em Salvador, como vemos em seu livro  Odù (Edição dos autores, 2020) que trata da Feira de São Joaquim, que acontece em sua cidade. [ Leia aqui review sobre este livro em https://blogdojuanesteves.tumblr.com/post/650371524287676416/ap%C3%B3s-a-descoberta-da-arte-africana-o-malaguenho ].

Na feira livre há aqueles que observam, pechincham e procuram algo específico, bem como há aqueles que criam laços de afetividade, próximos da amizade que rompe a relação comerciante-freguês, o que sustenta em grande parte a tradição de ir a feira toda semana, comer pastel e tomar caldo de cana, além da variedade e qualidade dos produtos ali encontrados. Todos nós temos uma história de identidade e lembrança de uma feira, seja no âmbito alimentar ou simples lazer, explica a pesquisadora da UERJ.

 Em meio a esse relacionamento, que desenrola-se de inúmeras maneiras, estão imagens que representam detalhes, olhares, personagens, a arquitetura despojada por trás das tendas, os estampados nas roupas e que às vezes se fundem com as bancadas, frutas que se mesclam com grafittis, sombras que se desenham nas paredes, fragmentos da existência e de seus protagonistas que só o habitués, como o curador e fotógrafa, são dispostos e aptos a vislumbrar uma narrativa peculiar da nossa cultura urbana.

Dani Tranchesi não problematiza o sentido ordinário e circunscrito às formas, o que vemos em 3 é 5  é a naturalidade da expressão de cada um dos seus personagens e às vezes o convite da autora ao leitor para procurá-los, ou melhor a desvendá-los no meio de suas tessituras. Não busca revelar um estamento mas sim um diálogo que possa tornar uma realidade conhecida através dos sentidos, sem sumarizar esse vasto e multifacetado contingente, um enorme elenco em um lugar que às vezes Diógenes Moura chama de ópera.

  " Os Olhos- nas ruas da cidade o tempo corre, os transeuntes ligam seus aparelhos eletrônicos, os carros seguem seus destinos entre fuligem e asfalto. Quase nunca as ruas se mexem. Cada uma delas tem um código, cada uma delas conhece seus habitantes pelo lado de fora das portas e janelas. Cada passo tem um destino, cada destino uma voz que escuta o que a cidade tem por dentro do seu corpo de concreto e exatidão.... Quando o dia avança e a feira começa a debulhar sua natureza em festa, as ruas não são mais as mesmas."

Imagens © Dani Tranchesi   Texto © Juan Esteves

O livro traz dois QR Codes que dão acesso aos textos que o curador Diógenes Moura escreveu para o projeto e para o curta-metragem de Pedro Castelo Branco.

Ficha Técnica básica:

Dani Tranchesi, fotografia; Diógenes Moura, curador edição e textos; Monica Schalka, Editora Vento Leste, Leticia Moura, projeto gráfico, Douglas Kenji Watanabe/CJ31, diagramação; Kelly Polato, tratamento de imagens; Cristina Sininho Sá, assistente de fotografia; Impressão gráfica Ipsis.

*O livro terá seu lançamento dia 17 de agosto na abertura da exposição, que marca a inauguração do Estúdio 41, um novo espaço cultural voltado para a fotografia, uma parceria da fotógrafa com Paula Rocha e do curador Diógenes Moura, que será o diretor artístico do lugar.

O espaço fica na Rua Pedroso Alvarenga, 1254, conjunto 41, no Itaim, e já conta em sua programação com exposições da fotógrafa inglesa Maureen Bisilliat e do fotógrafo paulista Luciano Candisani.

O período expositivo de 3 é 5, é de 17 de agosto a 18 de setembro deste ano, de terça a sexta, das 13 horas às 18 e aos sábados das 11 horas à 13, durante a semana de abertura, com horários agendados pela plataforma Sympla. A partir de 23 de agosto, o agendamento será feito pelo whatsapp 11-99452 3308.

* nestes tempos bicudos de pandemia e irresponsabilidade política com a cultura vamos apoiar artistas, pesquisadores, editoras, gráficas e toda nossa cultura. A contribuição deles é essencial para além da nossa existência e conforto doméstico nesta quarentena *

[museu-degrandes-novidades]

A Primeira Noite de um Homem (1967) - Mike Nichols

Jackie Brown (1997) - Quentin Tarantino

[heartbreakhabit]

-Adore You MV y su relación con El Hogar de Miss Peregrine Para Niños Peculiares

Hace unos días mientras volvía a mirar el video de Adore You noté algo que no había notado antes: el video tiene muchas similitudes con la película El Hogar de Miss Peregrine Para Niños Peculiares (2016, dirigida por Tim Burton y basada en el libro del mismo nombre escrito por Ransom Riggs)

coincidencias

En la historia de EHDMPPNP, se describe que a todas aquellas personas que nacían con una habilidad fuera de lo común (podría ser cualquier cosa, desde ser invisible o poder comunicarse con muertos) se los catalogaba como “peculiares” y eran perseguidos por una organización, por lo que “madres adoptivas” se encargaban de protegerlos encerrándolos en bucles temporales para que no los encontraran. Miss Peregrine es una de ellas y mantiene a un grupo de niños con habilidades sobrenaturales encerrados en una mansión en una isla de Gran Bretaña. El protagonista llega a la isla porque sabe que su abuelo estaba relacionado con Miss Peregrine y termina viajando en el bucle temporal mientras descubre que él también es peculiar.

Para empezar, en el video de Harry se narra que nace un niño en la isla muy similar a la de la película, en Gran Bretaña y lo describen específicamente con la palabra “peculiar” tres veces, ya que cuando sonreía sus dientes brillaban. Es discriminado por la gente que lo rodea. Bastante similar a lo que sufrían las personas que nacían con alguna peculiaridad.

paralelos cinematográficos

[shadowandbonebr]

O porquê da série de fantasia Shadow and Bone do Netflix ser mais parecida com Doutor Estranho do que com The Witcher

por Tom Power para TechRadar

Tradução: Shadow And Bone BR

'Não é uma versão de fantasia medieval inglesa que você já viu antes'

Shadow and Bone, adaptação do Netflix dos livros bestsellers de fantasia de Leigh Bardugo, caminha uma linha tênue entre honrar a fonte do material e consertar alguns elementos desatualizados.

É um equilíbrio que outras adaptações de livros para a TV tiveram que lidar. No caso de Shadow and Bone, no entanto, a revisão de importantes componentes da história era imperativo.

Pode ser um mundo fictício onde magia e monstros existem, mas Shadow and Bone precisava refletir melhor nosso diverso mundo com pessoas de diferentes etnias, identidades de gênero e experiências culturais.

Antes da estreia da série no dia 23 de Abril, TechRadar sentou com Bardugo e o showrunner Eric Heisserer para discutir a diversidade dos personagens, comparações com outras séries e como o universo cinematográfico da Marvel influenciou as cenas de ação da série.

REALIZANDO UM MUNDO DE FANTASIA INCLUSIVO

Baseado na trilogia Grisha e na duologia Six of Crows, Shadow and Bone conta duas história na mesma linha do tempo. A primeira segue Alina Starkov (Jessie Mei LI), uma órfã e cartógrafa que se encontra eleita como a salvadora do mundo.

Em uma perigosa viagem pela Dobra das Sombras - uma muralha enorme e não-natural de escuridão que divide o maior continente do mundo e é lotado de bestas com sede de sangue - Alina demonstra um extraodinário poder que pode ser a chave para libertar os reinos de Ravka e Shu Han.

Anunciada como a mística Conjuradora do Sol, uma Grisha poderosa destinada a destruir a Dobra das Sombras, Alina é separada de seu melhor amigo Malyen (Archie Renaux) para treinar sob a tutelagem de General Kirigan (Ben Barnes), um grisha Conjurador das Sombras e comandante dos exércitos de Ravka.

Shadow and Bone segue um caminho similar considerando a história do livro, que é a porta de entrada para a trilogia Grisha de Bardugo. Mas enquanto a história de Alina não desvia muito do livro, seu elenco definitivamente desvia. - não por uma perspectiva de personalidade, mas de diversidade.

"Quando eu e Eric finalmente sentamos para conversar, a primeira coisa que eu disse foi 'Shadow and Bone é muito hétero e muito branca'," Bardugo diz. "Eu estava me inspirando na fantasia que eu cresci lendo, inconscientemente. Conforme você avança nos livros, você nota a mudança. Eu comecei a refletir o mundo à minha volta de forma autêntica. Não existe razão para nossos mundo de fantasia não se parecer com o nosso e é isso que queríamos ver na série."

A chave para esse empurrão de diversidade foi a escalação de Mei Li como Alina. A personagem é descrita como uma branca cidadã de Ravka nos livros, mas sua etnia e origens - Alina é metade Shu e metade Ravkan na série - foram alteradas na adaptação para refletir melhor o nossos mundo.

"Jessie, sendo ela própria de duas etnias diferentes, tem muito das suas experiências pessoais para trazer à personagem que construímos para Alina," Heisserer comenta.

"Sendo parte Shu, Alina tem essa sombra sobre ela desde cedo porque ela se parece com um dos inimigos de Ravka, mas ela luta por seu exército. Nós queríamos focar na heroína que sofre para se encaixar, o que alimenta a questão central da série, que é 'Aonde eu pertenço?'"

CONJURANDO LINHAS SIMULTÂNEAS DA HISTÓRIA

Se a trilogia original de Bardugo, com suas próprias palavras, faltava diversidade, sua série seguinte - a duologia de Six of Crows - é mais inclusiva. Personagens incluindo Jesper Fahey (Kit Young) e Inej Ghafa (Amita Suman), membros da gangue dos Dregs liderada por Kaz Brekker (Freddy Carter) representam o multiculturalismo real e do mundo fantástico, e é nesse trio que se baseia a segunda linha da história de Shadow and Bone.

Depois de receber a notícia de um bom salário para completar uma missão, o grupo faz de tudo para ser escolhido para a tarefa. Eles logo percebem, no entanto, que eles podem estar perdendo o controle da situação. Por quê? Porque eles tem que sair do conforto de Ketterdam, a principal cidade da ilha de Kerch, e atravessar a Dobra das Sombras para capturar Alina e levá-la para o rico benfeitor que os mandou na missão.

Shadow and Bone diverge da história original da duologia de Six of Crows. Na série, as histórias correm em paralelo, mas o livro de Six of Crows ocorre após os eventos da trilogia Grisha. Para contar ambas as histórias simultaneamente, Heisserer e Bardugo colaboraram nas histórias de origem para Kaz, Jesper e Inej que serviriam como uma história anterior à duologia e permite que os Dregs eventualmente se encontrem com Alina na série. Bardugo, no entanto, diz que a proposta não era tão assustadora quanto pareceu inicialmente.

"Quando decidimos trazer Six of Crows e Shadow and Bone juntos, foi muito orgânico," ela diz. "Nos livros, essas histórias tem um ponto de colisão, então não pareceu artificial. Nós só tínhamos que ajustar a linha do tempo um pouco. Nós [também] queríamos dar tempo e atenção a esses personagens, que fariam o mundo parecer habitado da forma que é quando se chega à duologia."

Shadow and Bone não é a única série da Netflix que segue o formato de várias linhas da história. A adaptação de The Witcher conta a história por três perspectivas diferentes que, inicialmente confusa para os expectadores, começa a fazer sentido no fim da primeira temporada. Comparações entre as duas séries parecem inevitáveis, mas não é com a similaridade que Heisserer se preocupa.

"A comparação [para Shadow and Bone] sempre foi o material fonte," ele diz quando perguntamos sobre a correlação das séries. "Nós temos a planta e o mapa e nós nos atemos a isso. Não é ligado a algo [como The Witcher] porque me lembra outra coisa, mas a algo que eu nunca vi antes."

É UMA ESPÉCIE DE MAGIA

Outro elemento em que Shadow and Bone difere de The Witcher é a forma como mostra a magia. Em The Witcher a magia deriva do poder do Caos, referido como 'A Arte' nos livros de Andrzej Sapkowski. Em contraste, Shadow and Bone - e o Grishaverso no geral - aborda o tema de uma visão científica.

Os Grisha são humanos que praticam a Pequena Ciência - um processo que os permite manipular matéria em seu nível básico. Isso permite que eles alterem desde maquiagem até controlar os elementos, curar feridas ou, no caso de Alina e General Kirigan, criar luz e sombras respectivamente.

Nos livros, essa manipulação de matéria é conduzida por gestos com as mãos. Para a adaptação, dedilhados, um movimentos das mãos derivo de um tipo de dança, foi usado para mostrar a habilidade única dos Grisha. Para recriar autenticamente essas ações, o time criativo de Shadow and Bone olhou para um filme com gestuais similares - Doutor Estranho (2016) do MCU.

"Nós temos ordens Grisha diferentes que ativam diferentes poderes ofensivos," Heisserer explica. "Então nós trouxemos um especialista em gestuais que trabalhou muito em Doutor Estranho, e ele me ofereceu ideias inspiradoras que poderiam ser usadas para o nosso vocabulário visual. Isso, junto com nossos coreógrafos e coordenadores de dublês, nos permitiu dar muitas camadas para as cenas de luta."

Nem toda batalha no mundo de Bardugo é de Grisha contra Grisha, então quais estilos de luta foram usados para os que não usam a Pequena Ciência para que eles tenham vantagem em uma luta contra Grishas?

"Para nossos moradores de Ketterdam, por exemplo, nossos dublês trabalharam no que eles chamam de boxing sem luvas, que pode ser encontrado em Amsterdam," Heisserer diz. "Isso faz com que pareça diferente, mas tão brutal quanto [as lutas Grisha]. Se você cresce como lutador em um mundo com magia, você terá uma vantagem que não existe necessariamente. Você sabe que se não diminuir a distância rapidamente você estará morto."

Fãs do Grishaverso não estão equivocados com sua ansiedade para a chegada de Shadow and Bone. Apesar do entusiasmo ostensivo, alguns fãs talvez fiquem infelizes com as mudanças na história, a estética do mundo ou as escolhas dos personagens. Afinal, fãs de qualquer série de livros terão uma pintura em suas mentes sobre como o mundo fictício deve ser. Ter uma representação visual de como algumas coisas aparecem na adaptação da Netflix pode não agradar os fãs.

Para Bardugo, agradar a todos é uma tarefa impossível. No entanto, a criadora do Grishaverso acredita que fazer as grandes decisões da série no início ajudou a implementar a duologia, e espera que os fãs vão gostar da quantidade de trabalho que eles colocaram na adaptação - e atualização - do produto original.

"Eu não sabia exatamente como iríamos fazer," Bardugo admite. "Mas uma vez que passamos alguns obstáculos, eu sabia que estávamos em boas mãos. Você não pode escrever pensando em agradar todos os fãs; acho que esse é o caminho da mediocridade. Acho que artistas assustados fazem arte ruim e nós tivemos uma sala de roteiristas que se sentia empoderada para fazer escolhas corajosas. Acho que a série é muito melhor graças a isso."

Shadow and Bone estreia na Netflix dia 23 de Abril.

MATÉRIA ORIGINAL: https://www.techradar.com/uk/news/shadow-and-bone-is-netflixs-new-fantasy-series-that-borrows-from-doctor-strange

[ungramodelocura]

Domingos de cine

Collateral

(Esta reseña ha sido publicada en: filmaffinity collateral romulo)

Sé que me repito una vez más al insistir sobre la inevitable debilidad que siento por las producciones inglesas en general, ya sean documentales, series o películas. Es raro que me defrauden y, salvo excepciones, siempre contienen ciertos elementos que las hacen reconocibles y sumamente apetecibles. La profesionalidad, elegancia y buen gusto son algunas de las virtudes que componen el denominador común del cine británico. Y para corroborarlo, encuentro en Netflix una miniserie inglesa de cuatro episodios que confirma mi favorable opinión.

Se trata de “Collateral”, un potentísimo y emocionante thriller policíaco. La londinense Carey Mulligan, reconocida actriz de teatro, cine y televisión, ha protagonizado películas como “El gran Gatsby”, “Drive” u “Orgullo y prejuicio” con la que debutó en 2005 interpretando a Kitty Bennet en una estupenda adaptación de la novela de Jane Austen. Y aquí demuestra nuevamente sus grandes dotes escénicas encarnando a la detective Kip Glasie en la investigación de un enigmático crimen en pleno centro de Londres.

La directora S. J. Clarkson, responsable de la serie, introduce hábilmente -en paralelo al núcleo principal de la trama- algunos asuntos turbios y nada edificantes que retratan el estado actual de un sistema aparentemente ejemplar en la superficie pero que muestran un fondo no tan cristalino. Tráfico de inmigrantes, discriminación racial, prácticas políticas vejatorias e injustas, hipocresía social y todo un rosario de vergonzantes lacras que supuran bajo la piel de un organismo en alarmante estado de

descomposición.

“Collateral” es una producción de marcado acento británico. Cocinada sin prisa pero sin pausa, la serie discurre sin perder en ningún momento emoción y tensión dramática. Los personajes adquieren dimensión, consistencia y carácter a medida que el relato avanza. No recurre a escenas escabrosas para impresionar o fijar la atención del público. El cuarto y último episodio es todo un ejemplo de dominio cinematográfico. Encadena magistralmente diferentes sucesos coincidentes en el tiempo narrativo con una serie de secuencias de pasmosa precisión y ritmo trepidante sin ofrecernos un solo segundo de respiro.

Sin embargo, el desenlace final nos deja una regusto amargo pues responde al desarrollo de un guion escrito con inusual rigor y honestidad. Porque en la vida real, mis improbables lectores, casi nunca David hace morder el polvo a Goliat ni los viejos molinos castellanos se doblegan ante el embate de un ingenuo soñador a lomos de su famélico jamelgo.

Emilio Castelló Barreneche (Barcelona, domingo, 24 de octubre de 2021)

[tempoaderiva]

Qual o primeiro caminho: o fim ou o começo?

Pode parecer lógico, até mesmo óbvio, mas em um processo criativo nem sempre é tão nítida essa distinção. 

Na realidade, esses dois conceitos podem não apresentar diferença alguma e assumir um início e o fim seja, portanto, um trabalho completamente arbitrário. 

Essa falta de nitidez se dá pois o que recebemos é - quase todas as vezes - o processo concluído, absorto em uma estrutura fundamental que segue a linearidade temporal do dia a dia:  o começo, o meio e o fim. 

Os filmes, em sua grande maioria, se apoiam nos arquétipos clássicos de narrativa por uma questão de garantia. Muitos não têm tempo e/ou a possibilidade de testar novas arquiteturas fílmicas. Isso nos incute a noção de que a vida em si segue uma lógica temporal linear, fato que até mesmo a física parece corroborar com ressalvas. 

Ainda que nossa vida possa configurar uma aparência linear, para muitos de nós esse caráter não parece se adequar à peculiaridade humana. Acredito que para alguns seja difícil deixar fluir pensamentos que se sucedem em uma lógica de começo-meio-fim. 

Seria necessário um auxílio externo para transformar os pensamentos que brotam em uma sequência de lógica emocional. E, para isso, se faz necessário o uso de ferramentas como, o papel e o lápis ou um computador e seu processador de texto. 

Ideias são registradas e assumem uma materialidade que permite seu manuseio e reordenação a partir de um raciocínio matemático. “Isso precisa estar aqui e isso vem depois daquilo”, entendemos ao perceber que aquela ideia parece fazer mais sentido dentro de um determinado contexto que racionalizamos. 

Ideia presume um corpo sensível, já que é possível vislumbrar imagens com clareza. Ainda que não haja uma costura, precisa da lógica. Quando posta em prática passa a adquirir personalidade e logo, com um trabalho fervoroso de pesquisa, inspiração e escrita, passa a ter uma história. 

Aqui, uso o termo “história” no sentido mais próximo da disciplina escolar, do fazer acadêmico de registro e análise da realidade. Ainda que a ideia de uma história, em paralelo ao antigo termo estória, seja baseada na falsidade ou numa contemplação viciada da realidade.

Quando uma ideia está em formação, cabe dizer que essa possui uma história, pois trata-se da constituição de uma ou mais trajetórias a serem tomadas no decorrer do processo criativo. Essa construção de um relato histórico da ideia pode seguir o caminho ad infinitum. 

Agora me parece justo argumentar que para criar não se começa e nem se termina. A criação acontece, e em determinado momento deliberamos uma lógica existencial para o produto dessa metodologia. Aqui introduzo um termo que parece destoar um pouco da lógica que venho tentando construir. 

Metodologia? Como pode caber em um processo tão abstrato, que surge do nada e parece se perder na irracionalidade? 

Bem, é sempre importante ter em mente o papel da materialização da ideia e do pensamento racional em sua organização. Outra coisa que me parece importante ser levado em conta é a adaptabilidade. A criação, e aqui a encaixo em um contexto bem específico que é a escrita de uma história, particularmente um roteiro cinematográfico, necessita de uma metodologia que permita a flexibilidade do ir, vir e revisitar. 

Existem diversas formas de deliberar um processo de escrita, e invariavelmente, será necessário a percepção da vivência de ciclos que fazem reentrâncias em si e permitem sempre o salto de um para o outro, seja de volta ou de ida. 

Acredito que muitas pessoas quando vendem ou mesmo compartilham de bom grado suas metodologias, fomentam uma lógica de passos a serem tomados, etapas que se sucedem e simbolizam o cumprimento de uma missão, o que me parece contraproducente a julgar a característica não-linear do pensamento humano. 

Mas falo por mim e por crenças muito particulares. De fato, não tenho grandes estudos ou referências que corroborem com meus ideais, apenas percepções e constatações da minha própria existência e de semelhantes que me circundam nessa vida. 

De qualquer modo, para Tempo à deriva optei por me basear em metodologias que venho cultivando dentro de mim desde o ensino técnico no IFRN (aqui faço um adendo para agradecer principalmente a minha mãe-fessora, Silvia Matos, por fazer desabrochar em mim esse ser-designer) e que me atravessaram em leituras feitas no decorrer das horas de uma vida neste mundo complexo (e aqui outro adendo, para uma menção ao texto “Modelo Narrativo: Um Estudo Sobre A Unificação De Modelos Narratológicos Para Cinema”, escrito por meu ex-professor Arthur Luiz, quem inclusive, me apresentou ao mundo da linguagem cinematográfica, juntamente a outros três colegas de curso (Áurea, José e Maria Helena), que muito me inspirou nesse projeto). 

Propus 6 ciclos, cada qual com algumas diretrizes para guiar, não o surgimento emotivo das ideias, mas a sua arbitragem no decorrer da criação e principalmente na coação de um fim para o processo criativo. Aqui decido não nomear cada passo, ainda que, mesmo mais tarde, eles venham a ser divulgados em outros materiais do projeto.

O meu real propósito é que com essa conversa mais íntima, redigida nessa espécie de bastidor, seja possível uma percepção mais fluida e descompromissada do processo criativo. 

Eu relato o que acontece e vocês costuram, através dos seus próprios repertórios, uma lógica para o meu fazer criativo. Porque me custa dizer quando se deve e quando se pode ou até mesmo o quanto se deve e quanto se pode. 

Não faz sentido para mim, depois de todos esses parágrafos, entregar um modelo que parece justamente explicitar o começo e o fim de uma criação. Me dou por satisfeito se tomarem por racional concluir que: o fim é o começo e o começo é o fim.

O roteiro de “Tempo à Deriva” é um projeto realizado com recursos da Lei Aldir Blanc Rio Grande do Norte, Fundação José Augusto, Governo do Estado do Rio Grande do Norte, Secretaria Especial da Cultura, Ministério do Turismo e Governo Federal. 

Confira o projeto nas outras redes sociais: Instagram, Twitter e Medium.

Foto de: Jeremy Thomas (https://unsplash.com/@jeremythomasphoto)