#oviedo filarmonía

[elmartillosinmetre]

"La Partita nº4 de Orbón es una auténtica obra maestra"

[La pianista asturiana Noelia Rodiles / Yeray Menéndez]

Noelia Rodiles graba para el sello Eudora la ‘Partita nº4’ de Julián Orbón, un gran olvidado de la música española del siglo XX

Nacido en Avilés en 1925, Julián Orbón pasó su vida de exilio en exilio. La familia emigró a Cuba cuando él era un niño, pero su padre decidió dejarlo en España hasta 1942 en que el joven se instala finalmente en La Habana. De Cuba salió huyendo del castrismo en 1960 hacia Nueva York, de allí marchó enseguida a México y en 1963 estaba de vuelta en los Estados Unidos, donde fue profesor en la Universidad de Columbia. Acabó muriendo en 1991 en Miami, donde enfermó inesperadamente mientras impartía unos cursos. Sus restos mortales descansan en su Avilés natal.

Aunque su nombre no es desconocido, su música se programa muy poco. La pianista asturiana Noelia Rodiles (Oviedo, 1985) acaba de registrar su Partita nº4, que ella misma presentó en España hace sólo cinco años. La obra fue estrenada en 1987 en Dallas por la Orquesta Sinfónica de Dallas dirigida por el mexicano Eduardo Mata, que fue alumno de Orbón y quien le encargó la partitura. “Luego la tocaron algunas grandes orquestas internacionales, como la Sinfónica de la Radio de Fráncfort, con el propio Mata, que la grabó con la orquesta alemana en 1989, pero de repente, quedó olvidada”, cuenta Noelia Rodiles. “Yo conocía a Orbón lógicamente, porque es paisano, y me puse a ver qué había disponible de su música, y cuando di con esta partitura me parecía mentira que llevara lo menos treinta años sin tocarse, porque creo que es una auténtica obra maestra. El manuscrito está en el archivo del compositor, que se conserva en Indiana, y cuando me llegó todo el material lo enseñé y comenté con varios maestros y todos estaban de acuerdo en que era una obra importante. Así que la estrené primero en México, donde tampoco constaba que se hubiera hecho, y luego en Madrid con la Orquesta de la Comunidad de Madrid y José Ramón Encinar. Eso fue en 2019. En 2021 la hice también con la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias y, gracias a una Beca Leonardo, he podido grabarla ahora con Oviedo Filarmonía y Lucas Macías”. 

[Noelia Rodiles, la Oviedo Filarmonía y Lucas Macías durante la grabación / Pablo Gallego]

La Partita nº4 (hay otras tres anteriores para diversas formaciones instrumentales) está escrita a partir del motete navideño de Tomás Luis de Victoria O magnum mysterium. “Él tuvo siempre muy presente la tradición española, y lo que me fascina de esta partitura es cómo supo aunar esa tradición, pues la obra está un poco en el estilo de las diferencias renacentistas, con toda la riqueza de los ritmos latinos y las armonías y la orquestación que seguramente aprendió con Aaron Copland, con quien estudió. Es una obra muy densa, de una orquestación riquísima, que recuerda a los polifonistas del Renacimiento, pero con el ritmo de la música hispanoamericana, con una sección de percusión amplísima, con marimba y un montón de instrumentos. No es un concierto de piano al uso, de hecho él lo llama Movimiento sinfónico para piano y orquesta, así que por momentos el piano actúa como solista y luego se integra en la orquesta o la enriquece, a veces con un diálogo muy directo y otras como parte de la masa orquestal. Al final de la obra hay un momento para mí mágico: aparece la melodía del motete, tal cual, con los violines en armónicos, luego la coge el piano en un pasaje de una pureza extraordinaria, casi religiosa, que es algo también habitual en su música.” 

Rodiles confía en que esta música pase al repertorio: “Quiero pensar que los tres exilios consecutivos, el no ser de ninguna parte, pudo hacer que en ningún país fuera considerado como propio y por eso nadie defendió esta obra. Espero que este disco sirva para que otros pianistas y directores se animen a programarla”.

El álbum se completa con Cloches, un concierto para piano y orquesta en cinco movimientos que Manuel Martínez Burgos (Madrid, 1970) escribió para este proyecto. “Se retrasó un poco por la pandemia, pero acabó presentándose en las Jornadas de Piano de Oviedo de 2023. Aunque el lenguaje es muy diferente al de Orbón, parte de las campanas como elemento de comunicación y tiene por momentos un carácter místico, que me parece que conecta muy bien con Orbón. A pesar de que en el ciclo en el que se presentó no son muy habituales las obras contemporáneas el público la acogió muy bien. Gustó mucho. Y es que está muy bien escrita. La orquestación es fantástica. Todo tiene mucho sentido para todos los instrumentos, y la parte solista funciona a la perfección. Además pude trabajar el concierto con el compositor desde el principio, lo que no es tan habitual tampoco; a veces recibes la obra ya hecha y te las apañas como puedes. Pero él escribió la obra pensando en que yo la iba a estrenar. Me conocía ya, sabía mi forma de tocar y eso hace que esté escrita para los dos, y por eso todo encaja perfectamente, como un guante.”

[Diario de Sevilla. 1-09-2024]

La ficha

MYSTERIUM Julián Orbón (1925-1991): Partite nº4, movimiento sinfónico para piano y orquesta [1987] Manuel Martínez Burgos (1970): Cloches, concierto para piano y orquesta [2023] Noelia Rodiles, piano Oviedo Filarmonía. Lucas Macías, director Eudora

MYSTERIUM EN SPOTIFY

[emmabi]

EN CLAVE DE MUJER

EXPOSICIÓN PROYECTO “MÚSICA DE CÁMARA”. TEATRO CAMPOAMOR, OVIEDO.

Exposición de algunas de las piezas del proyecto “Música de cámara” con motivo del concierto “En clave de mujer”. Repertorio formado por obras de mujeres compositoras a cargo de la directora Anne Hinrichsen, la soprano Anna Nebot y la orquesta Oviedo Filarmonía. 

10 de marzo 2022

[que-noticias]

El Ballet Nacional de España y Oviedo Filarmonía traen al Campoamor ‘Electra’ EUROPA PRESS La representación de la tragedia 'Electra', de la mano del Ballet Nacional de España y Oviedo Filarmonía, llegará este viernes a las 20.00 horas al Teatro Campoamor dentro del programa del Festival de Danza, bajo la dirección del maestro Manuel Coves.

[pachofloresofficial-blog]

#Repost @tucsonsymphony. Dear Friends from #Tucson, here Pacho Flores speaking again! Please join us with the great @tucsonsymphony and the Maestro @joseluisgomezconductor. January 25th and 27th. 🔻🔻🔻🔻🔻🔻 PROJECT OF SHARED COMMISSIONS ARTURO MÁRQUEZ Concierto de Otoño para trompeta y Orquesta By Arturo Márquez. Orquesta Nacional de México (México). Cond: Carlos Miguel Prieto. 7 and 9 Sept. 2018 Tucson Symphony Orchestra (USA). Cond: José Luis Gómez. 25/27 January 2019 Hyogo PAC Orchestra (Japan). Cond: Michiyoshi Inoue. 24/25/26 May 2019 Oviedo Filarmonía (Spain). Cond: Lucas Macías. 14 August 2019 #Newtrumpetconcerto by #ArturoMárquez #stomvi #DeutscheGrammophone #pachoflores @stomviofficial @dgclassics @acmconcerts @universalspain @osn_mx @tucsonsymphony @oviedo_filarmonia #HyogoPacOrchestra @vzlasinfonica @elsistema_ @stomviusa (en Tucson, Arizona) https://www.instagram.com/p/BtBw7NZAeMq/?utm_source=ig_tumblr_share&igshid=1nqwi28r770zz

[941magazine]

Sarasota Orchestra Presents DVOŘÁK & MAHLER

November 10, 2017 Friday | 8:00 pm | Van Wezel November 11, 2017 Saturday | 8:00 pm | Van Wezel November 12, 2017 Sunday | 2:30 pm | Van Wezel Tickets from $33 The first concert of the season launches with two works by the great masters: Dvořák and Mahler. Dvořák's Cello Concerto is the pinnacle of expression for the instrument most like the human voice. Exploring some of the cello's most expressive and beautiful qualities, Dvořák shows his compositional prowess in this piece performed by Spanish cellist Adolfo Gutierrez Arenas. On hearing Mahler's Fifth Symphony, prepare to forget that time has passed. The symphony begins with a rhythmic motive reminiscent of Beethoven's Fifth Symphony. It progresses from tragedy to triumph in the stirring fifth movement.

ADOLFO GUTIERREZ ARENAS

Guest Conductors & Artists Cello The German-born of Spanish parents cellist, Adolfo Gutiérrez Arenas, started his piano studies in Munich, and at the age of 14 he started playing the cello. He also studied in Spain. He graduated from the Reina Sofia School of Music under Swedish cellist Frans Helmerson. He continued violoncello studies with Lluis Claret and participated in master courses with such eminent musicians as Janos Starker, Tsuyoshi Tsutsumi, David Geringas, and Ralph Kirshbaum. Among his teachers are also Elías Arizcuren, Gary Hoffman, who said "Adolfo is an outstanding young cellist" and Bernard Greenhouse (cellist of the famed Beaux Art Trio for over three decades), who said "Adolfo is a cellist of exceptional ability, both as an instrumentalist and as a superbly gifted musician. I expect that these qualities will bring him a career of great importance." Adolfo was among selected soloists for the 1999 International Laureates Music Festival and performed solo with I PALPITI Chamber Orchestra in Los Angeles. In 2002 he was awarded with the Ravel prize as soloist and chamber musician. Adolfo Gutiérrez Arenas has performed at major venues such as the Concertgebouw Amsterdam, Auditorio Nacional in Madrid, Ford Theater in Los Angeles, l'Auditorio and Palau de la Música in Barcelona, Bulgaria Hall in Sofia, Palacio Euskalduna in Bilbao, etc. He has collaborated with conductors such as Eduard Schmieder, José Ramón Encinar, Friedrich Haider, Enrique Batiz, Antoni Ros Marbà, Anu Tali, Pablo González, Michael Tilson Thomas, Roberto Minczuk and many others. As a member of the Beethoven String Quartet and the Scarlatti Piano Quartet, sponsored by the Carlos de Amberes Foundation, Adolfo Gutiérrez Arenas performed throughout Spain. In chamber music, he performed in festivals in Germany, France, and Holland. He was also a member of the Arizcuren String Trio. He has been invited to perform at the most prestigious festivals and halls such as the Schleswig Holstein Festival in Germany, Ravinia Festival in Chicago, Thy Music Festival in Demark, Palos Verdes Festival in California, Holland Music Sessions, Taos Music Festival in New Mexico, etc. For five years the Young Artist International Organization has been inviting him to participate at the International Laureates Festival in Los Angeles, California. His recital tours in USA have led him to play in New York, Boston, Dallas, San Diego, Los Angeles, etc. He has appeared in numerous performances of L.v. Beethoven's entire works for cello and piano and J.S. Bach's Six Cello Suites (BWV 1007-1012). Adolfo Gutiérrez Arenas is without doubt the most international Spanish cellist right now. In Spain he has recently performed with orchestras such as the Sinfónica de Galicia, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Real Filharmonia de Galicia, Orquesta del Principado de Asturias, Oviedo Filarmonía, Orquesta Simfònica de Barcelona y Nacional de Catalunya, Orquesta de Extremadura, Orquesta Sinfónica de RTVE, etc. His future engagements include: Orquesta Filarmónica de Málaga, Orquesta Nacional de España or the Orquesta de Castilla y León, among others. In 2010 Adolfo Gutiérrez Arenas made his debut with the London Symphony Orchestra at the prestigious concert series of Ibermusica playing the Concerto for violoncello and orchestra by Edward Elgar concerto, being reinvited to the cycle, where he performed a recital in 2012 with great success of audience and critics. His future engagements include, among others, his debut with the Royal Philharmonic Orchestra and his Chief Conductor, Charles Dutoit, the Gewandhausorchester Leipzig with Riccardo Chailly and Orquesta Nacional de España with Ton Koopman. Among his recordings we can highlight a recital program with pieces by Samuel Barber, Sergei Rachmaninov and Piazzolla and the complete cycle of the Cello Suites (BWV 1007-1012) by J.S. Bach, both of them recorded for Verso label.   Read the full article

[elmartillosinmetre]

“De todos los grandes violonchelistas cogería algo”

[El violonchelista asturiano Gabriel Ureña. La foto es de Yeary Menéndez]

El violonchelista asturiano Gabriel Ureña presenta su primer trabajo discográfico como solista, un programa de música rusa del siglo XX en el que lo acompaña el pianista donostiarra Patxi Aizpiri

Formado con dos grandes maestros de la escuela rusa, Gabriel Ureña (Avilés, 1989) obtuvo con sólo 19 años plaza de solista de violonchelo en la Oviedo Filarmonía, y desde entonces ha llevado una variada carrera internacional, que ahora ve su primera culminación en la publicación de este álbum del recién creado sello Aria Classics, en el que junto al pianista Patxi Aizpiri (San Sebastián, 1969) toca música de Prokófiev, Shostakóvich y Rajmáninov.

–¿Desde cuándo planeaba este disco? –La idea como tal surgió hará un par de años, después de unos conciertos que tuvimos en España con este programa, aunque llevaba mucho tiempo queriendo grabar un disco. Tenía dudas sobre el momento adecuado y lo vi mucho más claro después de moverlo en conciertos, aunque en realidad yo llevaba ya diez años trabajando este repertorio.

–Conciertos con Patxi Aizpiri, que también fue profesor suyo... –Sí. Nos conocimos en Oviedo cuando yo tenía 17-18 años. Fue mi profesor de repertorio. Es un músico completísimo y además un entusiasta de su trabajo. Siempre quiere hacer música. Nunca te dice que no. Es siempre una maravilla trabajar con él.

–¿Por qué este repertorio para empezar? –Tiene mucho que ver con mi educación, con mis maestros, Alexander Osokin, con quien estudié desde los 10 hasta los 21 años, y Natalia Gutman, con quien lo hice de los 22 a los 26. Ellos no sólo fueron discípulos de Rostropóvich, sino que incluso fueron compañeros de clase. Me atraía mucho este repertorio, no sé exactamente si por mi manera de tocar, que viene de esta escuela rusa o por la música en sí, que va especialmente bien con mi personalidad. Y metí la Vocalise de Rajmáninov porque la Sonata eran 37 minutos, y me recomendaron que el primer disco no fuera demasiado largo, una hora o así. Las sonatas de Prokófiev y Shostakóvich me encantan y llevo tocándolas mucho tiempo. Así que para mi primer disco quería que hubiese algo así, algo que hablara de mí.

–Son sonatas nacidas en momentos muy diferentes de las carreras de ambos músicos, un Shostakóvich joven, un Prokófiev ya en sus últimos años... –Son obras muy contrastantes, escritas con lenguajes muy diferentes. La mayor dificultad es intentar entender lo que quería decir cada compositor en cada momento y descifrar lo escrito en materia de articulaciones, ligaduras, pizzicatos... Para mí hay un abismo entre las dos sonatas. Hay que ponerse en la piel del compositor y tratar de descubrir en qué estaba pensando cuando compuso eso. He tenido suerte, porque mis profesores conocieron a Shostakóvich. A través de ellos, en parte lo conozco yo un poco también. Me han hablado sobre lo que significaba para el compositor cada movimiento: el cuarto era un movimiento sarcástico; el tercero es el más profundo y la esencia de la obra; y para el segundo hay que imaginarse una fábrica soviética de aquella época, una máquina pequeña, con un ritmo que no pare… Hay que comprender esas cosas, porque si coges esta música y la haces más romántica pierde la esencia de lo que Shostakóvich quiso decir con ella.

–Ese segundo movimiento tiene en efecto mucho que ver con el constructivismo típico de los años 20... –Eso es. Y todas esas cosas son para mí muy importantes, y creo que están reflejadas en este disco. Son cosas que he ido aprendiendo de pequeño y que he ido puliendo, grabándome, escuchándome, cambiando cosas que no funcionaban. Es un trabajo largo. Que eso quede ahí registrado era también una responsabilidad para mí. Me han dicho que en un tiempo lo escucharé y empezaré a ver cosas que haría de forma diferente. Pero eso es normal. La música es constante evolución. Como músico vas evolucionando, cambiando.

–¿Fue una suerte que los Virtuosos de Moscú se establecieran en Asturias? –Absolutamente. Mis padres no tienen carrera musical, y cuando te ponen a estudiar música no sabes quién puede guiarte. Te tienes que fiar del profesor que te toque en el conservatorio, pero en los conservatorios hay de todo. Si no tienes la suerte de encontrarte a alguien que sea buena persona, buen músico y buen pedagogo puedes no llegar a nada, y hay mucha gente que se queda en el camino no porque no tenga capacidad, sino porque no ha tenido la oportunidad que yo tuve. En mi caso, Alexander Osokin era todo eso: gran persona, gran instrumentista, músico y pedagogo. Estoy muy agradecido a mi profesor. Ha sabido llevarme muy bien. Sin prisas, sin necesidad de demostrar que yo con 14 años podía tocar todo el repertorio. Todo a su tiempo, sin dar un paso en falso. Eso es muy importante. Esa labor de abajo, de enseñar valores de trabajo y enseñar a estudiar es fundamental, porque nadie va a pasar más tiempo contigo que tú mismo. Que los Virtuosos de Moscú se establecieran aquí fue una maravilla. Yo crecí viendo sus conciertos. Y aprendes de todo lo que ves.

–¿Y cómo fue llegar luego hasta la gran Natalia Gutman? –Vino a tocar a Oviedo de solista en 2011 la Sinfonía concertante de Prokófiev. Yo trabajaba en la orquesta y en una pausa toqué un poco para ella. Le gustó, le dije que estaba pensando en ir a estudiar fuera y me dijo que por qué no me iba a Fiésole con ella. Estuve estudiando allí y luego hice las pruebas para Viena, donde ella también daba clases, y estuve compaginando Viena y Florencia hasta 2016. Fue una suerte increíble.

–¿Se puede hablar todavía de escuelas en la enseñanza musical o está todo ya demasiado globalizado? –Es complicado, porque todo el mundo se mueve continuamente y hoy estudias con un profesor ruso y mañana con un alemán. La propia Natalia tiene cosas de la escuela alemana metidas en su técnica y en su concepción de la música. Está todo más globalizado que antes. Aunque es verdad que cuando escuchas a alguien al final acabas reconociendo cuál es más o menos la base de su sonido. Pero eso tampoco es tan importante. Es sólo el primer paso para poder hacer música. Puedes partir de una escuela que no sea conocida, pero si te sirve para llegar a transmitir la música con profundidad da igual. Si el músico es bueno y es capaz de trasladar las ideas que hay en la partitura, ya está. A la hora de enseñar es importante una buena técnica para evitar problemas de lesiones. Pero al final lo que tienes que aprender es música. Y la música te la puede enseñar un pianista, ni siquiera hace falta que sea alguien que toca tu instrumento.

[Gabriel Ureña y Patxi Aizpiri en un concierto en la Biblioteca de la Universidad Nebrija. La foto es del archivo de la Universidad]

–¿Qué concepción de la música le han transmitido sus maestros? –Primero, ser lo más fiel posible a la partitura. Ahora hay muchísima información sobre cualquier obra. Cualquiera puede acceder a un montón de recursos e incluso de clases online. Antes no era tan así. Y tienes que partir de la obra y respetar al compositor. Luego, a ser honesto contigo mismo y a disfrutar con lo que haces.

–¿Y en materia de la concepción del sonido? –Me han enseñado lo que ellos recibieron en una época que era mucho más cerrada. Yo he tenido otras oportunidades. Aparte de estudiar con ellos, he dado masterclasses con otros muchos cellistas, de escuelas diferentes. Trabajaron conmigo la forma de sacar el sonido de la forma más relajada posible. Sí, es verdad, cuando llega un forte, mucho sonido. Trabajar mucho el volumen, pero no sólo en el rango poderoso, también mucho los pianos, que no sean inertes, superficiales. Dejar muy clara esa paleta de matices dinámicos, que no es igual para todos los compositores. El forte de Beethoven no es igual que el de Chaikovski. Se juega mucho ahí también con la mano izquierda, la manera de pisar, de vibrar. Cuando eres pequeño, con 14 o 15 años, esas cosas te cuesta entenderlas, pero cuando maduras empiezas a entender y todo el trabajo que llevas hecho empieza a dar frutos. Entiendes también que hay una gran diversidad, muchas posibilidades a la hora de sacar sonido, y que puedes hacer que la música llegue de muchas formas distintas, no depende tanto de los decibelios cuanto de la relación entre los sonidos, de los rangos en los que trabajes. El secreto muchas veces no está en el arco, sino en la intensidad que pongas en la mano izquierda. Es importante jugar con los pesos de las manos. Nunca he tenido ningún problema físico y he estudiado muchas horas. Me han enseñado bien. Hay gente que tiene problemas por tensiones que va cogiendo por una técnica deficiente. En eso he tenido mucha suerte.

[Gabriel Ureña. Foto de Yeray Menéndez]

–Ingresó muy joven en una orquesta. ¿Fue importante esa experiencia como músico orquestal para su trabajo como solista? –Al final, estudias un instrumento para hacer música. Un violonchelista puede ser concertista, músico de orquesta, profesor, músico de cámara... Yo he aprendido a no cerrarme puertas. ¿Siempre hay algo que te gusta más? No necesariamente. Cuanto más puedas aprender, más puedes tocar con compañeros de diferentes instrumentos, al principio intentando en lo posible que sean mejores que tú, para aprender. A mí me gusta ser un músico completo, poder hablar de una sinfonía, de una ópera, de un réquiem, de los cuartetos de Beethoven, y hacerlo con criterio, que sepas de lo que hablas, no sólo estar encerrado en tu casa estudiando el Concierto de Dvorák. Porque además eso luego te ayuda a la hora de tocar como solista. Escuchas de manera diferente a quienes tocan contigo, tus compañeros de cámara o una orquesta si haces un concierto con alguna. Todos los profesores deberían animar a los chicos a procurar ser músicos completos y no simplemente instrumentistas competentes. ¿Por qué te vas a cerrar puertas? Haz música de cámara, toca en una orquesta, aprende cómo se maneja una fila, ponte atrás, en el último atril de tu sección, aprende a escuchar, a mirar. Todo eso es importantísimo. Y creo que eso es algo que se empieza a hacer ahora. Antes había grandes solistas que a lo mejor se juntaban para hacer música de cámara, no sé, Piatigorski, Heifetz y Rubinstein se juntaban y tocaban tríos. Eso se sigue haciendo, pero ahora además hay grandísimos solistas que tocan en orquestas. Por ejemplo, Andreas Ottensamer, que es clarinetista de la Filarmónica de Berlín, pero también toca con la Filarmónica de Viena y tiene una gran actividad como solista. Creo que eso suma. Nunca resta. Me alegro mucho de haberme integrado en una orquesta desde tan joven. He aprendido mucho. He tocado con muy buenos solistas internacionales, y eso te hace espabilar.

–¿Algún ideal de violonchelista al que parecerse? –No. Me gustan todos los grandes violonchelistas y cogería muchas cosas de unos y de otros. Puedo envidiarlos en muchos aspectos. A Maisky, por ejemplo, cómo toca las piezas cortas o ese vibrato tan íntimo que tiene. A Rostropóvich, la potencia, la fuerza de la naturaleza que era, de poder tocar tantísimos conciertos al año con una calidad increíble. De Natalia, aparte del pedazo de sonido, cogería la finura. Truls Mork me encanta también: es un cellista de una enorme solidez y una musicalidad increíble. Si pudiera hacer una lista de todos los grandes seguro que de cada uno cogería algo. Aunque también dependería de los repertorios, hay intérpretes que te llegan más, te dicen más cosas con determinados repertorios y no tanto con otros. Por ejemplo, en las Suites de Bach uno de los grandes para mí era Heinrich Schiff, que murió recientemente. Pero hay tantos tan buenos… Tortelier también me gusta mucho.

–Debutó en el Teatro de la Maestranza en 2015 con un recital en la Sala Manuel García junto a Noelia Rodiles que incluía la Sonata de Shostakóvich. –Eso es, toqué Shostakóvich, las Fantasiestücke op.73 de Schumann y la 3ª Sonata de Beethoven, y de propina Requiebros. Llegué a Sevilla y me dije, aquí hay que tocar Requiebros.

–No ha vuelto. ¿Hay algo previsto? –Había algo por ahí, pero ahora está parado. En septiembre voy a Málaga al Festival de Música de Cámara y en octubre toco el Concierto de Lalo con la Filarmónica de Málaga en el Teatro Cervantes. Eso es lo próximo que tengo por el sur.

–¿Cómo lleva la situación ocasionada por la pandemia? –En principio, tengo que decir que me siento afortunado, porque en medio de esta tragedia no le ha tocado a nadie cercano. Creo que todos hemos aprendido a valorar cosas que antes eran sencillas, y por eso no les dábamos importancia, como quedar con un amigo a tomarte un café o abrazar a tus padres, que llevo meses sin hacerlo, por si acaso… A nivel profesional, no voy a decir que me haya venido bien, porque sonaría fatal en medio de todo esto, pero me ha dado la posibilidad de parar un poco después del trabajo que supuso lo del disco, de retirarme a estudiar, de trabajar algunas cosas con las que no terminaba de sentirme del todo cómodo. En ese sentido, esta parada me ha venido bien.

–El disco no pudo presentarse según lo previsto. –No, porque estaba previsto para el 23 de marzo en Madrid y el 24 en Barcelona. Me han dado fechas para diciembre, pero quién sabe. No lo hemos anunciado por miedo, porque resulte que tampoco pueda hacerse y marear a la gente. Estoy deseando poder presentarlo. Es un disco que ha salido después de mucho trabajo y justo en su puesta en el mercado ha llegado todo esto.

–¿Hay un segundo disco ya en su cabeza? –Mi idea era grabar la integral de Beethoven aprovechando este año de efeméride, pero no va a poder ser. Ahora mismo no tengo nada tan claro como lo tenía para el primer disco. Lo había estado concibiendo durante tanto tiempo que lo tenía clarísimo. Ahora tengo que pensar qué quiero grabar. A lo mejor algo más moderno que no esté grabado, pero no lo sé. Tengo que darle una vuelta a todo eso.

[Diario de Sevilla. 27-07-2020]

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