#neoclasicismo

[carloskaplan]

Antonio Canova: 'Hebe' (1796)

[someday-dreamlands]

𝑴𝒖𝒋𝒆𝒓 𝒇𝒓𝒆𝒏𝒕𝒆 𝒂 𝒖𝒏 𝒆𝒔𝒑𝒆𝒋𝒐 (𝑪𝒉𝒓𝒊𝒔𝒕𝒐𝒇𝒇𝒆𝒓 𝑾𝒊𝒍𝒉𝒆𝒍𝒎 𝑬𝒄𝒌𝒆𝒓𝒔𝒃𝒆𝒓𝒈, 1841).

[artseventhart]

📜⠀Título: Napoleón cruzando los Alpes. 👨🏻‍🎨⠀Autor: Jacques-Louis David. 🗓️⠀Datación: 1801–1805. 🎨⠀Estilo: Neoclasicismo. 🌍⠀Ubicación: Palacio de Charlottenburg, Berlín, Alemania. 📏⠀Medidas: 260 cm × 221 cm. 🔖⠀Género: retrato. ⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀ 🎬⠀Comparado con: Marie-Antoinette (2006). Dirigida por Sofia Coppola.

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Arte “La muerte de Sócrates - Jacques-Louis David”

Aquí tienes la ficha técnica y comentario del cuadro “La muerte de Sócrates” de Jacques-Louis David: Ficha técnica Título original: La Mort de SocrateTítulo en español: La muerte de SócratesAutor: Jacques-Louis DavidEstilo pictórico: NeoclásicoSiglo y año: Siglo XVIII, 1787País: FranciaGénero: Pintura histórica Descripción y comentario “La muerte de Sócrates” es una obra maestra del…

[sebastianhidalgosola]

El poder visual de La muerte de Marat

Jacques-Louis David, con su obra La muerte de Marat, nos ofrece un testimonio visual de uno de los episodios más impactantes de la Revolución francesa. Esta pintura, realizada en 1793, retrata el asesinato del líder revolucionario Jean Paul Marat, que fue acuchillado por Charlotte Corday mientras escribía en su bañera.El estilo neoclásico de David destaca por su sobriedad y equilibrio. El cuerpo…

[eroticadelacultura]

SITUACIONES NEOCLÁSICAS. Esculturas. Fotos de AMILCAR MORETTI

CONTINÚA EN: BLOG:  http://www.moretticulturaeros.com.ar X o Twitter:   https://x.com/AmilcarMoretti  TUMBLR: https://www.tumblr.com/blog/eroticadelaculturasblog   FLICKR: https://www.tumblr.com/blog/eroticadelaculturasblog La imagen de tapa fue compuesta por Amílcar Moretti el miércoles de julio del 2024. En La Plata, a 50 km. al sur de BUENOS AIRES. Imagen compuesta el 3 de julio del 2024, a…

[ancruzans-blog]

Filinto Elísio

El 25 de febrero de 1819, muere Filinto Elísio, escritor y traductor portugués. Nacido el 21 de diciembre de 1734 en Lisboa, Filinto Elísio (Francisco Manuel do Nascimento) fue un poeta y traductor portugués del Neoclasicismo. De origen humilde, se convirtió en sacerdote, conviviendo con la futura marquesa de Alorna, de quien recibió el nombre arcádico de Filinto Elisio. Perteneció al círculo…

[fotograrte]

"Dessert" de las Glorias de España (Galería de las Colecciones Reales, Madrid)

“Dessert” de las Glorias de España. Vista Parcial. Una de las piezas más sorprendentes y desconocidas de la Galería de las Colecciones Reales, que merece la pena examinar detenidamente, ya no sólo por su título, sino principalmente por sus características artísticas que son más que sobresalientes, a pesar de que muchas de las figuras que formaban parte de ella, se perdieron para siempre. No será…

[aldanaconarte]

Jacques Louis David y Juramento de los Horacios: las raíces del Neoclasicismo.

El Juramento de los Horacios de Jacques Louis David marca la madurez de este artista y es considerada por muchos el inicio del Neoclasicismo. Ahora, no fue la primer pieza con esta orientación ¿Qué hay en su composición que indica las características de un nuevo estilo? ¿Alcanzan solo los aspectos técnicos?A través de esta pintura y en comparación con otras contemporáneas, vamos a analizar el momento de transición entre el Rococó y el Neoclasicismo y en qué se diferencian del Romanticismo para comprender cada uno de los elementos que determinan formas artísticas de expresarse.

[joseandrestabarnia]

Bertel Thorvaldsen (1770-1844) Aquiles venda las heridas de Patrocles Tener una cita: diciembre de 1836 como muy pronto - febrero de 1837 como muy tarde

Numero de inventario: A494 Numero de catalogo: A494 Versión / Edición: modelo original Meta: Diámetro 64,7 cm Cultura / Periodo: Europeo > Modernidad (1800 - 1914) Movimiento Artístico / Estilo: neoclasicismo Dueño: Museo Thorvaldsens Modo de adquisición: Legado de Bertel Thorvaldsen Fecha de Adquisición: 24 de marzo de 1844

Información e imagen de la web de la Arte y colecciones de Bertel Thorvaldsen.

[carloskaplan]

Bertel Thorvaldsen: Xasón e o velocino de ouro (1803)

[raulmartinetto]

La obra del fotógrafo Raúl Martinetto (Caracas, 1966) tiene una importante impronta neoplatónica. En efecto, los tópicos abordados por este artista se refieren primordialmente a las expresiones concretas de un cuerpo imaginario atemporal en el mundo fenoménico. Su propuesta está plena de una profunda religiosidad en la que abundan monumentos funerarios, así como imágenes de figuras sagradas. Aquí el canon, sin lugar a dudas, está inscrito en un neoclasicismo excelso.

Y es que la meticulosidad con la que este creador aborda las representaciones mundanas de lo sagrado posee una elegancia única. Asimismo, la simbología de los espacios, en clara alusión a lo efímero que es la vida per se, está en primer plano en esta propuesta. No son casuales, entonces, las alusiones de este trabajo a aquellas representaciones que ponen en relevancia el carácter de lo transitorio, de la memoria y del olvido.

Un poco para contextualizar, recordemos de manera superficial y con un lenguaje muy poco ortodoxo de modo de facilitar su comprensión el hecho de que para los neoplatónicos hay tres instancias de realidad: un Mundo de la Idea o lo Uno, un mundo inteligible o Nous y el Mundo Sensible. La primera es una entidad abstracta que genera el resto de la realidad y que a la vez se autogenera. El Nous se referiría en este caso a la inteligencia, a las ciencias exactas y al lenguaje, entre otras cosas. Esta instancia es generada por la primera y a su vez genera al mundo sensible que es la realidad que percibimos aquí y ahora. De manera pues que el mundo que vemos no es más que un mundo de lo aparente y que solo vendría a ser una copia de una copia de lo real que es la idea.

Hay un aspecto, no obstante, en donde este constructo filosófico se entrecruza con el discurso religioso, en particular el discurso de la ecclesia. Así, el Mundo de la Idea sería análogo al Dios Padre, el Nous al Espíritu Santo y el Mundo Sensible sería una analogía del Cristo o el Dios hecho carne. Justamente la mirada última de Raúl Martinetto apunta hacia lo que hay detrás de la imagen sagrada o del monumento funerario, que en este caso son representación temporal de un algo que es eterno. Asimismo, en su obra hay una preocupación sustancial por lo referido a lo efímero. Aquí el artista percibe una realidad que muta y que desaparece, pero cuya coherencia se afirma sobre lo que no cambia, esto es la idea. El artista deviene entonces en un pasajero del tiempo vertiginoso, del tiempo que lo desdibuja todo.

Basado en este discurso, es obvia la razón por la cual este fotógrafo comulga con el neoclasicismo como impronta. Adicionalmente, el uso del blanco y negro le da un carácter más frío y alejado de las tribulaciones mundanas a sus representaciones. La fotografía de este autor es una que se da desde la contemplación y que responde a un profundo misticismo. En él se observa con claridad, no solo una reflexión profunda en torno al fenómeno estético, sino en relación con la vivencia misma. En él se da un oficio que surge de lo cotidiano, del quehacer que responde a inquietudes filosóficas, religiosas y existenciales.

Hace ya alrededor de 35 años desde que conocí a Raúl por la época del colegio, desde entonces pude notar en él a una personalidad de gran riqueza volcada hacia lo interior y con una profunda vinculación con el hecho estético. Han sido muchos los eventos desde esa época y la trayectoria de este fotógrafo ha sido exuberante, habiendo participado en una cantidad importante de muestras, tanto individuales como colectivas. Recientemente el trabajo de Raúl ha sido expuesto en la Jorge Hulian Gallery de Miami con una muestra titulada Puntos de fuga. De esta forma, este artista es otro venezolano cuyo trabajo trasciende fronteras y cuyo abordaje se da desde una gran meticulosidad estilística.

Asistimos con este texto en torno a Raúl Martinetto a la vida y obra de un artista cuyo trabajo está apegado a la rigurosidad del oficio y al quehacer que responde a cuestionamientos intelectuales. En él se concreta la pulcritud formal y una propuesta estética de una depuración excelsa.

Jose Antonio Parra. Junio 2016

[raquel-lopez]

Los felices azares del columpio (en francés, Les hasards heureux de l’escarpolette) o, simplemente, El columpio es el cuadro más conocido del artista francés Jean Honoré Fragonard y una de las obras más representativas del rococó, realizado en 1767. Es una pintura al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 81 centímetros de alto por 65 cm. de ancho. Se conserva en la Colección Wallace, en Londres (Reino Unido).

Arte Rococó ⚜️

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco. Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia. Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguiría desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.

[jepsolell]

🚩Territorio de rojos y escarlatas en Liria - ¡Un detalle que quizás no conozcáis! La manufactura de Gobelinos fue una de las más famosas en todo el mundo en cuestión de tapices, sobretodo a partir del reinado de Luis XIV, que fue su gran promotor. ¿Pero sabias que en el siglo XV fue fundada por Jehan Gobelin, famoso principalmente por sus tejidos rojos y escarlatas? Dicho tono, junto con el azul, era de los más caros de producir, y solo los mas afortunados podían disponer de este. Por eso, a lo largo de los siglos, es de las pocas tonalidades que sobrevivió a modas y tendencias, incluso al siglo XVII donde los verdes en los bosquejos y los dorados en armaduras prevalecían. El rococó y neoclasicismo recuperaron con fuerza esta tonalidad, y es ahí donde encontramos “la marca de la casa” en el Palacio de Liria, a través de su conjunto de tapices centrado en los” Amores de los Dioses”. ¿Te has fijado en ellos al visitar esta sala? - #arte #history #antiques #madrid #royal #baroque #interior #heritage (en Palacio de Liria) https://www.instagram.com/p/CnNKM1QgtAe/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[terciariosfranciscanos]

10 enero 1748 | Nace Antonio Carnicero Mancio

➤ Pintor y grabador español. Trabajó para la corte en la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara y otros desempeños cultivando un estilo con rasgos del Rococó y el Neoclasicismo

#AntonioCarnicero

@museodelprado

[mariana-gbr]

CONCLUSIONES PARCIAL #2. EQUIPO #5: PALLADIO.

Giulio Carlo Argán que fue un Profesor y político decide escribir este ensayo donde busca argumentar el anticlasicismo de Palladio. En principio lo compara con diferentes personajes como lo son Milizia, Winckelmann y Mengs que fueron exponentes del Neoclasicismo y de esta manera a pesar de que en un principio podríamos pensar que Argán nos está presentando a Palladio como un referente del Neoclasicismo, nos damos cuenta de que este no es su propósito, sino más bien, nos quiere mostrar como a pesar de que este tiene características que lo podrían sitiuar como un neoclasicista, este no termina de serlo. Argán nos explica como Palladio toma elementos clásicos, pero los usa de tal forma que sale de los estándares clásicos que se perfeccionaron durante el Renacimiento, logrando una reinterpretación de los mismos y obteniendo nuevas cualidades espaciales, este "absurdo", como dice Argán, nos lleva a ver que, dentro de los esquemas clásicos, los gustos de Palladio no tienen cabida y expresan la antítesis de lo estético. La innovación de Palladio consigue una dualidad de valores entre distintos elementos. En caso de los órdenes, ya no tienen solamente un valor estructural, sino que adquieren una importancia meramente decorativa y compositiva para la época en términos de perspectiva.

A pesar de la influencia evidente de la arquitectura clásica en sus obras, el texto sugiere que Palladio no puede ser etiquetado fácilmente como clasicista. Más bien, nos sumerge en la esencia del pensamiento arquitectónico de Palladio, destacando su singular manera de abordar la arquitectura. Nos hace cuestionar la idea preconcebida de asociar a Palladio con movimientos estilísticos específicos como el clásico, romano, renacentista o barroco, ya que su enfoque escapa a estas categorías.

Teniendo en cuenta que, para los tiempos de la formación de Palladio, el manierismo era el nuevo movimiento que desplazaba paulatinamente al renacentista, un movimiento que buscaba todo lo contrario de la tradición clásica. Siendo los protagonistas del mismo la complejidad, la tensión en la composición y la inestabilidad como nuevas formas de representación, ajenas a la proporción y a la armonía que caracterizaba a la arquitectura de los antiguos. Por otro lado, tenemos a la obra de Palladio que se sirve de los cánones clásicos, pero los reinterpreta de una forma distinta, rompiendo las tipologías prestablecidas, más coherente, más racional, su propia forma, una que se separa por completo de los congéneres de su profesión quienes habían abrazado por completo al manierismo.

Argán hace un análisis crítico de Palladio para explicarnos como, según su punto de vista, es totalmente anticlásico, finalmente nos presenta esta idea de la fórmula del cromatismo de Palladio que según Argán "es la única, de hecho, que puede explicar el valor luminoso, que es fundamental para la expresión artística de Palladio. El efecto máximo al que tiende este artista es la yuxtaposición del negro y del blanco, es decir, de la máxima intensidad de oscuro y la máxima intensidad de claro..." de esta manera también nos presenta a Palladio como un artista en cierta medida, pero aún después de todas estas comparaciones nos damos cuenta de que él parece encajar en todo y en nada a la vez, Palladio básicamente maneja la Yuxtaposición de diferentes elementos logrando así un estilo único y siendo así vemos que no hay una corriente en la que podamos encasillar a Palladio, llegando así a la conclusión de que no hay una conclusión a la que podamos llegar con Palladio, él puede ser analizado desde diferentes puntos de vista y puede encajar en cualquiera de estos.

Aunque el texto presenta un argumento contundente, los lectores somos instados a reflexionar y formar nuestras propias opiniones. Mientras el autor sostiene que Palladio no se adscribe a ninguna corriente arquitectónica de su época, el texto deja espacio para la interpretación y la discusión. Desde nuestra perspectiva, basada en experiencias en clase, compartimos la noción de que Palladio no puede ser fácilmente clasificado dentro de los confines de un estilo arquitectónico específico. Su impacto trasciende las etiquetas tradicionales, y tal vez, Palladio representa un movimiento arquitectónico en sí mismo, influenciando y transformando el paisaje arquitectónico de su tiempo y más allá.

Para entender el texto, investigué al autor:

BIOGRAFÍA DEL AUTOR. GIULIO CARLO ARGAN

(Turín, 1909 - Roma, 1992) Ha sido uno de los más grande historiadores y críticos italianos del siglo XX. Como otros ensayistas de su generación, Giulio Carlo Argan recibió la influencia del gran historiador y crítico literario italiano Benedetto Croce y de Carlo Ludovico Ragghianti.

Inspector de los museos del Estado y profesor de historia del arte en las universidades de Palermo y de Roma, de cuya ciudad fue alcalde (1976-1979), desarrolló después de la Segunda Guerra Mundial una intensa actividad en la promoción y difusión del arte contemporáneo. De su abundante bibliografía hay que citar los análisis de la historia de la arquitectura, que abarcan desde el Renacimiento y el Barroco hasta las modernas corrientes del siglo XX (Arquitectura barroca en Italia, 1957), las monografías de artistas (Botticelli, 1957, y las dedicadas a Fra Angélico y Francesco Borromini) y otros ensayos diversos (El arte del siglo XX, 1977), libros todos ellos que reflejan su interpretación conceptual de la obra de arte.

*Obras de Julio Carlo Argan

El arte moderno (1970)

Renacimiento y Barraco (1987)

Walter Grupius e la Bauhaus (1951)

Mariana Bonilla. Historia II. Prof: Rebec Tineo.