#movimiento postmoderno

[jorjohjfkfo]

Miro fijamente a ese talismán exonerado de zarzas y pugnas; flota levemente sobre tu cuello, levita, usando mis cuerdas como fuente. Magnificas onomatopeyas veo materializarse en tus clavículas, tan bellas como la manera en que empuñas tus ropas para rebatirme a golpes. Son dagas apremiantes, su filo me tienta la córnea, y con un movimiento circundante, la pupila se sale y ya es tuya; la tomas, y en ese talismán falto de noción, la sosiegas, y piensas que ahora estas completa.

Oh que hermoso cuento. De nuevo tendido en la cama, como cada día. Triste. Este amor postmoderno me está matando, esta matando al mundo. Pero será superado, pero, no por mí, sino, por alguien más. Y esa será la tragedia que me persiga hasta antes de fecundarse ese nuevo amor.

[historiarq-angiee]

Informe Parcial II

Miguelangel

Lectura: Portoghesi

Investigaciones individuales:

1. Autor del texto > bio y lista de obras: Victoria

Paolo Portoghesi fue un destacado arquitecto, teórico y académico italiano nacido en 1931 en Roma. Se le conoce principalmente por su enfoque postmoderno de la arquitectura, que desafió las normas establecidas y buscó una fusión entre la modernidad y la tradición. Tras graduarse en arquitectura en la Universidad de Roma en 1957, Portoghesi comenzó su carrera trabajando con arquitectos de renombre como Adalberto Libera y Franco Albini.

A lo largo de su carrera, Portoghesi dejó una marca distintiva en la arquitectura mundial con sus diseños innovadores y su filosofía única. En 1960, cofundó el grupo de arquitectura y diseño "Movimiento de Arte y Arquitectura Progresista" (MAAP), que abogaba por una reevaluación de la arquitectura moderna y un retorno a las raíces históricas y culturales.

Uno de los hitos más significativos en la carrera de Portoghesi fue su diseño para el Ayuntamiento de la ciudad de Fiumicino en 1968, que se convirtió en un símbolo de su enfoque postmoderno. Su estilo se caracterizaba por la combinación de elementos clásicos y modernos, así como por el uso creativo de la luz y la geometría.

Portoghesi también desempeñó un papel importante en la enseñanza y la investigación arquitectónica. Fue profesor en la Universidad de Roma y en varias instituciones educativas internacionales, donde promovió su enfoque innovador de la arquitectura. También fue autor de numerosos libros y publicaciones sobre teoría arquitectónica, que le valieron reconocimiento como uno de los teóricos más influyentes de su generación.

Además de su labor académica, Portoghesi participó en numerosos proyectos de diseño y planificación urbana en todo el mundo. Su obra incluye edificios emblemáticos, como la Iglesia del Dio Padre Misericordioso en Roma y el Museo Nacional de Artigianato en Florencia.

A lo largo de su carrera, Portoghesi recibió numerosos premios y reconocimientos por su contribución a la arquitectura y el diseño. Su legado perdura en la influencia que ha tenido en varias generaciones de arquitectos y en la evolución del pensamiento arquitectónico contemporáneo.

Paolo Portoghesi falleció en 2019, dejando un legado duradero en la arquitectura y la cultura italiana, así como en el ámbito global. Su enfoque postmoderno, que desafió las convenciones establecidas y buscó una armonía entre lo moderno y lo tradicional, sigue inspirando a arquitectos y diseñadores en todo el mundo.

Obras:

Paolo Portoghesi es conocido por varias obras significativas que reflejan su enfoque innovador y su fusión única de estilos arquitectónicos. Estas son algunas de las obras más destacadas del arquitecto italiano:

1. La Iglesia del Dio Padre Misericordioso (Church of Dio Padre Misericordioso) en Roma: Esta iglesia, completada en 2003, es un ejemplo destacado del estilo distintivo de Portoghesi, que incorpora elementos contemporáneos con referencias a la arquitectura tradicional. La iglesia se caracteriza por sus formas geométricas y la utilización creativa de la luz natural y artificial para crear un espacio sagrado e inspirador.

2. El Teatro Atlántico (Teatro Atlantico) en Roma: Este teatro, diseñado por Portoghesi y completado en 1971, es un ejemplo icónico de la exploración del arquitecto de la forma y la geometría. La estructura circular y la interacción entre la luz y la sombra dan como resultado un espacio teatral dinámico y visualmente impactante.

3. El Palacio de Congresos de EUR (Palazzo dei Congressi) en Roma: Diseñado por Portoghesi en colaboración con otros arquitectos, este complejo de congresos terminado en 1954 es un hito arquitectónico en la región de EUR en Roma. La combinación de líneas modernas con elementos clásicos proporciona un ejemplo temprano del estilo distintivo de Portoghesi.

4. El Museo Nacional de Artigianato en Florencia: Este museo, completado en 1997, es un ejemplo de la habilidad de Portoghesi para incorporar la historia y la artesanía en sus diseños contemporáneos. El edificio es una fusión armoniosa de elementos clásicos y modernos que ofrece un entorno impresionante para la exhibición de las artesanías italianas.

Estas obras representan solo una parte del legado arquitectónico de Paolo Portoghesi, quien dejó una huella significativa en la comunidad arquitectónica global a través de su enfoque innovador y su capacidad para fusionar la tradición con la modernidad en sus diseños.

2.Biografía y lista de obras del arquitecto sobre el cual se trata en el texto: Angie

Soy Miguel Ángel Buonarroti, nacido en 1475 en Caprese, Toscana. Desde niño me apasionó el arte, especialmente la escultura. Me formé en Florencia con los mejores maestros, como Ghirlandaio y Bertoldo di Giovanni, y entré en contacto con la familia Médici, que me acogió y me patrocinó.

Mi talento me hizo famoso en toda Italia y más allá. Trabajé para papas, reyes y nobles, que me encargaron obras de gran magnitud y dificultad. Acepté los retos con orgullo y ambición, pero también con sufrimiento y angustia. A menudo tuve que enfrentarme a la incomprensión, la envidia y la hostilidad de mis contemporáneos, que no apreciaban mi genio ni mi libertad.

Mi obra es el reflejo de mi alma, de mi búsqueda constante de la perfección y de la expresión de los sentimientos humanos. He creado obras que han marcado la historia del arte y que han inspirado a generaciones de artistas. Entre ellas, puedo mencionar:

- La Piedad, una escultura de mármol que representa a la Virgen María sosteniendo el cuerpo de Cristo, que realicé para la Basílica de San Pedro en Roma.

- El David, una escultura de mármol de más de cinco metros de altura, que representa al héroe bíblico que venció a Goliat. Se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.

- La Capilla Sixtina, un conjunto de frescos que cubren la bóveda y el altar mayor de la capilla papal en el Vaticano. Entre las escenas más famosas se encuentran la Creación de Adán, la Expulsión del paraíso y el Juicio Final.

- La tumba de Julio II, un proyecto monumental que me encargó el papa Julio II para su sepultura en la basílica de San Pedro, pero que nunca se terminó según el diseño original. Contiene esculturas como el Moisés y los Esclavos, que expresan el poder y la rebeldía del espíritu humano. Se encuentra en la iglesia de San Pietro in Vincoli en Roma.

- La Sagrada Familia, una escultura de mármol que representa a la Virgen María, el Niño Jesús y San Juan Bautista, que realicé para la familia Medici en Florencia. Se encuentra en la basílica de San Lorenzo en Florencia.

- La Biblioteca Laurenziana, en Florencia, para albergar los libros de los Médicis.

- La Plaza del Capitolio, en Roma, por encargo del papa Pablo III.

- La Basílica de San Pedro, en Roma, que continué el proyecto de Bramante y Sangallo.

- La Porta Pía, en Roma, que fue mi última obra.

- La iglesia de Santa Maria degli Angeli e dei Martiri, en Roma, que adapté de las termas de Diocleciano.

He sido escultor, pintor, arquitecto y poeta, y he tratado de plasmar en cada una de mis obras la grandeza y la miseria del ser humano, la gloria y el sufrimiento de Dios, la belleza y el horror de la naturaleza. He sido un hombre de fe, de pasión, de genio y de contradicción. He sido, ante todo, un artista.

```.

3. Glosario de términos: Kairusan

El **dogmatismo** es una posición filosófica que opera con conceptos y fórmulas a los que se acepta como dogmas, invariablemente ciertos. Un dogma es una supuesta verdad aceptada sin crítica o examen y, por lo tanto, un dogmático es el que acepta el dogma e incita a los demás a proceder según lo establecido ²⁴. El dogmatismo puede definirse como la propensión a los dogmas, o sea, a exigir que una verdad sea aceptada sin posibilidad de cuestionamiento ¹. En el ámbito religioso, un dogma es una verdad directamente revelada por Dios, reconocida por la Iglesia o la institución correspondiente ¹.

(1) Dogmatismo - Qué es, concepto, representantes, tipos de dogma. https://bing.com/search?q=dogmatismo+definici%c3%b3n.

(2) dogmatismo | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE - ASALE. https://dle.rae.es/dogmatismo.

(3) Dogmatismo - Qué es, concepto, representantes, tipos de dogma. https://concepto.de/dogmatismo/.

(4) Qué es el Dogmatismo (Concepto y Definición) - Significados. https://www.significados.com/dogmatismo/.

La **Biblioteca Laurenciana** o Biblioteca Medicea Laurenciana es una de las bibliotecas más importantes de Florencia y de toda Italia. Fue fundada en 1571 y es famosa por conservar aproximadamente **11,000 manuscritos** ¹. La biblioteca se encuentra en la Piazza San Lorenzo en Florencia, Italia ¹. Fue patrocinada por el papa Clemente VII y construida en el claustro de la medicea basílica de San Lorenzo ¹. La biblioteca es conocida por su colección de manuscritos, que incluye obras de Platón, Aristóteles, Cicerón, Virgilio y otros autores clásicos ¹. La biblioteca también alberga una colección de manuscritos de Leonardo da Vinci ³. La Biblioteca Laurenciana es una de las joyas ocultas de Florencia y es un lugar imprescindible para los amantes de la historia y la literatura ².

(1) Biblioteca Laurenciana - Wikipedia, la enciclopedia libre. https://es.wikipedia.org/wiki/Biblioteca_Laurenciana.

(2) Biblioteca Medicea Laurenziana: la biblioteca de Miguel Ángel. https://www.enflorencia.com/biblioteca-medicea-laurenziana/.

(3) Basílica de San Lorenzo y biblioteca Laurenciana Florencia. https://www.mibauldeblogs.com/basilica-de-san-lorenzo-y-biblioteca-laurenciana-florencia/.

(4) Getty Images. https://www.gettyimages.com/detail/photo/laurentian-library-royalty-free-image/462923353.

El **estatismo** es un término que se refiere a la **preeminencia del Estado** en la actividad social, económica o cultural ¹. El estatismo se caracteriza por la tendencia a exaltar la plenitud del poder del Estado en todos los órdenes de la vida política y económica ⁴. El estatismo puede ser considerado como una forma de gobierno en la que el Estado tiene un papel predominante en todas, en la mayoría o en algunas de sus esferas ³.

En resumen, el estatismo es una corriente política que defiende la intervención del Estado en la economía y en la sociedad, con el objetivo de garantizar el bienestar de la población ².

(1) estatismo | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE - ASALE. https://bing.com/search?q=estatismo+significado.

(2) Estatismo - significado de estatismo diccionario - TheFreeDictionary.com. https://es.thefreedictionary.com/estatismo.

(3) Estatismo | Qué es, Definición y Concepto. - Enciclopedia Online. https://enciclopediaonline.com/es/estatismo/.

(4) estatismo | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE - ASALE. https://dle.rae.es/estatismo.

(5) undefined. https://www.rae.es/.

**Non finito** es una expresión italiana que se utiliza en contextos artísticos para referirse a obras a las que se atribuye un valor estético precisamente por su imperfección o falta de acabado ¹. El término se traduce literalmente como "no acabado" y se aplica a obras que pueden ser inacabadas por elección del autor o por circunstancias ajenas a su voluntad ¹. El **non finito** sugiere más que representa, utiliza trazos simples, "abocetados", para alcanzar lo esencial, sin perderse en detalles ¹. Desde el Romanticismo y el Realismo, quedó manifiesta la oposición entre el arte académico, prolongador de la estética "acabada" y fría del Neoclasicismo, y la búsqueda cada vez más ambiciosa de la transgresión por las sucesivas vanguardias, para lo que la utilización del **non finito** es un recurso habitual ¹. El principal ejemplo de la estética de lo inacabado es la obra escultórica de Miguel Ángel, al que se atribuye una incapacidad psicológica de dar por terminadas sus obras ¹²..

(1) Non finito - Wikipedia, la enciclopedia libre. https://es.wikipedia.org/wiki/Non_finito.

(2) El non-finito de Miguel Ángel: el cuerpo más allá de la imagen. https://trauma.jornadaselp.com/el-non-finito-de-miguel-angel-el-cuerpo-mas-alla-de-la-imagen/.

(3) FINITO - Definición y sinónimos de finito en el diccionario español. https://educalingo.com/es/dic-es/finito.

(4) es.wikipedia.org. https://es.wikipedia.org/wiki/Non_finito.

4. Fichas de las obras u otros autores mencionados en el texto: Christian

Conclusiones del trabajo en grupo:

El enfoque de Portoghesi es convencedor y personal para transmitir un ideal filosófico humanista y provocar reacciones opuestas, complejas e innovadoras. Portoghesi aprueba y apoya el carácter expresivo de Miguel Ángel desde la apreciación y la descomposición de la Biblioteca Laurenziana en sus elementos. Su análisis contempla proporciones, luz, órdenes, portales, edículos y ritmo. Presenta estos elementos como parte del diseño, pero también como parte de la experiencia arquitectónica en ese espacio. De igual manera Portoghesi identifica a Miguel Ángel bajo la figura de genio rebelde adelantado a su época bastante merecedor de estudio.

Angie

Portoghesi también usa como inspiración a Miguel angel saliendo de lo común y estereotipico de la época en la que vivían, realizando obras que no parecieran de la época confundiendo al espectador, portoghesi fue un investigardor a fondo se la vida y obra de Miguel angel pues además de sentirse identificado, lo veía como un modelo a seguir en sus obras utilizando elementos de los órdenes clásicos romanos como también el claro y oscuro en sus obras, logrando entender la mente y pensamientos tan interesantes y diferentes de Miguel angel, volviéndose así un artista incomprendido por los demás pero admirado por muchos.

Kairusan

El autor, a través de su análisis de Miguel Ángel, busca comunicar la complejidad y la riqueza de esta obra arquitectónica. Su intención es llevar al lector a comprender que la Biblioteca Laurenziana va más allá de ser simplemente un espacio funcional; es una expresión viva y dinámica de la genialidad de Miguel Ángel. Portoghesi destaca la continua presencia del artista en cada detalle, desde la concepción orgánica del conjunto hasta los mínimos acentos plásticos. Además, explora la intención del "non finito" y cómo Miguel Ángel desafía las convenciones renacentistas, ofreciendo al observador una experiencia activa y participativa.

La conclusión del autor subraya que la Biblioteca Laurenziana no es solo un ejercicio arquitectónico, sino un testimonio fascinante de la capacidad de Miguel Ángel para trascender las normas establecidas y desafiar la rigidez dogmática de su tiempo.

Christian

Crítica sobre la experiencia en grupo:

La planificación de la actividad y la puesta de instrucciones claras con la suficiente anticipación, fue una mejoría con relación al parcial pasado. Con esto se volvió un poco más dinámica la actividad, resultando en un tipo agradable de conversatorio y comunicación entre profesora-grupo-salón.

Angie

[marialuisavegas]

Los detalles vienen después

Sin servicio a domicilio, sin café, sin nada dulce en la casa me estoy volviendo loca. No soy nada ni sin esas atracciones del mundo moderno. Una vez leí que lo moderno o la modernidad fue un período de tiempo, es decir que ha había pasado. Hoy, no es moderno nada. Ahí mismo decía que estábamos viviendo la post-modernidad pero yo tengo mis dudas la verdad. Yo pienso que lo moderno llegó para quedarse y la post-modernidad no va existir nunca, es un concepto y uno bastante romántico. Quizá el post-modernismo es el romanticismo de nuestra era.

Ya ves que Nietzsche pensaba algo así de que las cosas siempre han de regresar and shit, creo que estamos en ese punto histórico donde ya no solo regresan tendencias de la moda sino que regresan escuelas, círculos, grupos, movimientos artísticos y culturales. Me abstengo de mencionar ciencia o científico porque no logro entender qué está pasando con la ciencia en estos días. Como que las áreas científicas ya están bien delimitadas en sus propias filosofías y organizaciones y creatividad que si hay movimiento o corrientes nuevas serán exclusivamente de y para la ciencia.

¿Sabe qué? Se me acaba de ocurrir que quizá si hay en nuestra realidad inventada uno que otro artículo postmoderno. Se me ocurrieron la bitcoin y las "obras de arte" NTFs o como sea que se llamen. Si me pongo a reflexionar en lo bello y lo sublime de Kant, esos dos elementos post-modernos son kantianamente feos e insublimes.

[jgmail]

Resumen del primer congreso sobre a mutipolaridad

Por Alexander Dugin

Traducción de Juan Gabriel Caro Rivera

 El mundo multipolar se basa en el reconocimiento de la igualdad entre todas las civilizaciones y culturas, pues cada una de ellas es un cosmos en sí mismo. Esto significa que cada civilización tiene su propio sistema de valores, códigos, Logos e identidad. Si reconocemos esto último, entonces podemos decir que cada una también tienen una idea diferente de Dios, el hombre, el mundo, el tiempo, la materia, la sociedad, el bien y el mal o lo que es correcto e incorrecto. Precisamente son todas estas ideas las que convierten a estas civilizaciones en actores sociales, políticos y económicos independientes. No existen leyes universales y uniformes para decir que civilización es superior a la otra. Nadie tiene el derecho de imponerle a otra civilización su propio código de conducta. La humanidad está conformada por un conjunto de civilizaciones independientes y soberanas. Es por eso que las Relaciones Internacionales deben basarse en un dialogo equitativo y respetuoso entre todas las civilizaciones, tomando en cuenta y sopesando las opiniones y posiciones de cada uno de nosotros. Esto último es la esencia del mundo multipolar.

 La multipolaridad se opone a la unipolaridad, ya que este última pretende imponerle a todos los pueblos, civilizaciones y culturas un único modelo de civilización: la civilización occidental que es considerado como “universal”, “progresista” y “sin igual”. La unipolaridad reconoce una sola ideología (el liberalismo), un único sistema económico (el capitalismo), un único sistema político (la democracia representativa como es entendida en Occidente) y un único sistema de valores (el individualismo extremo y la putrefacción postmoderna) que pretende destruir todos los otros valores, sociedades, etnias y religiones en favor de un mundo post-humano donde las máquinas y la Inteligencia Artificial lo gobiernen todo (transhumanismo). Es precisamente sobre estos principios que los globalistas occidentales construyen su política internacional, tratando de imponer su hegemonía sobre el resto y obligando a todos los actores mundiales a seguir sus normas, criterios y leyes. Por supuesto, quienes no se pliegan a sus designios sufren la represión, el ostracismo, el aislamiento, incluso sanciones y, en el peor de los casos, la guerra.

 No obstante, la unipolaridad actual no solo quiere destruir a las otras civilizaciones no occidentales, que tienen sus propias tradiciones y patrimonio cultural, sino que también busca destruir las tradiciones mismas de los pueblos occidentales: los globalistas constantemente están purgando y erradicando el patrimonio occidental por medio de la ideología woke o la cancelación cultural, etc… Es por esto que concluimos que la unipolaridad únicamente tiene como defensores a los representantes del globalismo liberal postmoderno, los cuales rechazan a la misma civilización occidental. Además, los globalistas liberales promueven toda clase de perversiones y obligan al conjunto de la sociedad a aceptarlas al darles un estatuto legal, como es el caso de los movimientos LGBT+, la ecología profunda, la legalización de las drogas o el transhumanismo. La multipolaridad es también una alternativa para las sociedades occidentales que desean preservar sus herencias, identidades y tradiciones frente al globalismo liberal uniformizador. En definitiva, el globalismo liberal y la unipolaridad únicamente benefician a las oligarquías que hoy gobiernan occidente y a sus aliados en todas partes del mundo. Sin embargo, existen muchas élites no occidentales que rechazan abiertamente estas políticas, entre ellas potencias como China, Rusia, Irán, etc… De hecho, estos últimos países han convertido la multipolaridad en su modelo de Relaciones Internacionales. También existen algunas élites occidentales que abogan por la multipolaridad, pero se encuentran aisladas y son una minoría.

 Por supuesto, la multipolaridad entre las naciones tiene un significado distinto: casi todas las sociedades no occidentales rechazan categóricamente el globalismo, el liberalismo y la hegemonía occidental contemporánea, prefiriendo ser fieles a sus sistemas de valores y tradiciones. Además, en muchos de estos pueblos crece el deseo de llevar a cabo una profunda descolonización y desoccidentalización de la consciencia, el pensamiento y la cultura impuesta por los clichés mediáticos de Occidente. Es más, los pueblos de Occidente, especialmente de Europa y Estados Unidos, rechazan el globalismo y la dictadura que han impuesto las oligarquías liberales en sus países. Podríamos decir que más o menos la mitad de la población de los países occidentales, así como la de muchas sociedades occidentales, no consideran como legitima la actual dictadura de las oligarquías globalistas y luchan directa o indirectamente (socioculturalmente) en su contra. Por lo tanto, nuestro objetivo es reunir a los partidarios de la multipolaridad en todo el mundo para crear una red de solidaridad entre nosotros. Todos los que participan en ella tienen diferentes sistemas religiosos, políticos, tradiciones, valores, culturas e identidades. Claro, también existen muchas contradicciones históricas, disputas y conflictos entre nuestros pueblos y civilizaciones, pero lo que nos une es mucho más importante y trascendente que lo que nos divide. La unipolaridad amenaza a toda la humanidad y nuestra misión es derrotarla. Solo cuando hayamos logrado vencer la amenaza del globalismo podremos comenzar a solucionar los problemas regionales y eso significa pasar de la unipolaridad a la multipolaridad.

 Es por eso que hemos comenzado a crear plataformas para la multipolaridad en cada región del mundo con el propósito de que los grupos que se unan a nosotros estudien, exploren y promuevan nuestras tesis. Solo así podremos liberar la consciencia de los pueblos de los clichés globalistas. Este debe ser el primer paso para formar una élite intelectual en todas las civilizaciones del mundo y de ese modo crear una red que promueva la soberanía, la amistad y el entendimiento entre todos los pueblos y culturas del planeta. Nuestro objetivo es hacer del mundo un lugar mucho más justo, respetuoso y amistoso para cada una de las civilizaciones y su patrimonio cultural. Precisamente por eso estamos llevando a cabo este encuentro. El Primer Congreso Mundial sobre la Multipolaridad fue celebrado el 29 de abril del 2023 y fue un gran éxito. Asistieron muchos intelectuales e importantes políticos de todo el mundo, siendo el inicio de un proceso de construcción consciente de la multipolaridad. Se trata ante todo de una iniciativa intelectual propuesta por pensadores, filósofos, expertos en las Relaciones Internacionales, sociólogos, estudiosos de la cultura y diplomáticos de profesión que quieren cambiar el mundo. Por supuesto, es muy probable que muchas instituciones diplomáticas, políticas, económicas, informativas y culturales surjan posteriormente de tales discusiones teóricas. Solo uniendo a los pueblos del mundo seremos capaces de unir la soberanía de nuestros países frente a la creciente deshumanización, perversión y catástrofe a la que nos conduce la unipolaridad. Los invitamos a todos ustedes a unirse a esta red.

[vimogra-art]

Pop Art y Andy Warhol & One Time "Una vez" d Jeremy Black

Arte pop es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo xx, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. . El arte pop es considerado un arte moderno, junto con el minimalismo y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque incluso se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de este. Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928-Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y actor estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

[drpablojimenez]

Educación cristiana en tiempos de pandemia

Educación cristiana en tiempos de pandemia

Una conferencia sobre la formación espiritual en los tiempos postmodernos.

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[carolinavg]

ARTE CONTEMPORÁNEO: MINIMALISMO, KITSCH, PERFOMANCE, ARTE POSMODERNO, POP ART.

Minimalismo

El término minimalismo, en su ámbito más general, es la tendencia a reducir a lo esencial, a despojar de elementos sobrantes. Es una traducción transliteral del término inglés "minimalism". Surge en Estados Unidos a comienzos de la década de 1960, continuando la tradición geométrica norteamericana y reaccionando contra el abusivo predominio de las corrientes realistas y el arte pop por parte de museos y coleccionistas.

Kitsch

El kitsch es un estilo artístico considerado «cursi», «adocenado», «hortera» o «trillado» y, en definitiva, vulgar aunque pretencioso y por tanto no sencillo ni clásico, sino de mal gusto.

Fue definido en el campo de la estética en los años treinta por Hermann Broch (1886-1951), Walter Benjamin (1892-1940), Theodor Adorno (1903-1969) y Clement Greenberg(1909-1994), con el propósito de definir lo opuesto al arte de Vanguardia o avant-garde. En aquella época el mundo del arte percibía la popularidad de lo kitsch como un peligro para la cultura. 

Perfomance

Una performance o acción artística es una muestra escénica presentada a un público dentro de un contexto de bellas artes, tradicionalmente interdisciplinario. Su objetivo es generar una reacción, con la ayuda de la improvisación y el sentido de la estética, siempre ligados a los problemas de la sociedad actual, para así lograr despertar la conciencia del espectador.Las representaciones pueden ser guionizadas o no, aleatorias o cuidadosamente orquestadas, espontáneas o planificadas, con o sin la participación de la audiencia. El espectáculo puede ser en directo o a través de los medios de comunicación; el intérprete puede estar presente o ausente.

Arte moderno

Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.

Pop art.

Arte pop (en inglés: Pop art) es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitschde algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El arte pop y el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de este.

[musicafilosofiayarte]

Estructuralismo, Postmodernidad, Anthropoceno

Estructuralismo | Structuralism

 Estructuralismo – movimiento antropológico centrándose en patrones recurrentes y estructuras relacionales

Structuralism – anthropological movement focusing on recurring patterns and relational structures

 Philosophize This! Podcast Episode #115 – Structuralism and Context recorded January 28, 2018

Extractos de la transcripción, traducido al español

Excerpts from transcript, translated to Spanish

Ferdinand de Saussure se acredita con ser el fundador de algo llamado semiótica. Semiótica, poner en una manera muy simple, es el studio de los signos. Signos, poner en una manera muy simple, son cosas que la gente usa, por razones practices, que representan otra cosa.

Ferdinand de Saussure is credited with being the founder of something called Semiotics. Semiotics, put in a very simple way, is the study of signs. Signs, put in a very simple way, are things that people use, for practical reasons, that stand in for something else.

Saussure dice que todos los signos se pueden divider en dos partes primarias. Lo que él llama el significante y el significado.

Saussure says that all signs can be broken down into two primary parts. What he calls the signifier and the signified.

Lo que Saussure va a decir is que el significado de una palabra está en los relaciones entre esa palabra y todas las otras palabras dentro de un sistema más grande.

what Saussure is going to say is that the meaning of a word lies in the relationships between that word and all of the other words within a larger system.

Ahora los pensadores que vinieron inmediatamente después de Ferdinand de Saussure comienzan a notar algo. Empiezan a notar que estas estructuras…parecen estar en todas partes…no solo en el lenguaje. A ver, hace perfecto sentido para ver una frase y dares cuenta de que hay un estructura subyacente al lenguaje que la hace significative. Un poco más abstracto de un concepto a considerar que hay una estructura subyacente al música…o a una pintura…o una obra de literature. Un poco más abstracto que eso y estos pensadores que toman ideas de Saussure comienzan a notar que parece haber una estructura para la economía, una estructura para la psicología, una estructura para la historia, una estructura para prácticamente todos los campos de investigación hay.

Now the thinkers that come immediately after Ferdinand De Saussure start to notice something. They start to notice that these structures…appear to be everywhere…not just in language. See, it makes perfect sense to us to look at a sentence and realize that there is an underlying structure to language that makes it meaningful. Little bit more abstract of a concept to consider that there is an underlying structure to music…or to a painting…or to a work of literature. Little more abstract than that and these thinkers that take up Saussure’s ideas start to notice that there seems to be a structure to economics, a structure to psychology, a structure to history, a structure to practically every field of inquiry there is.

Ferdinand de Saussure (1857-1913)

Modernismo (Holoceno), Postmodernismo, y Postmodernidad | Modernism (Holocene), Postmodernism, and Posmodernity

 Holoceno (10,000 BCE – 2,019 CE) – actual época geológica que comenzó haca unos 12,000 años la misma que la revolución agrícola o neolitico.

Holocene (10,000 BCE – 2,019 CE) – current geological epoch that began around 12,000 years ago, the same as the agricultural revolution or Neolithic period

Modernidad – período histórico y “conjunto” de normas sociales que desarrollaron durante el renacimiento y desconcertante (1600s-1800s)

Modernity – historical period and “ensemble” of social norms that developed during the Renaissance and Enlightenment (1600s-1800s)

 Postmodernidad (el estado o la condición de ser postmoderno) – período histórico después de la modernidad comienza a mediados de lo ultimo Siglo XX

Postmodernity (the state or condition of being postmodern) – historical period after Modernity, starting in the mid-late 20th century

Revolutionary Left Radio – Post-Structuralism, Postmodernism, and… Metamodernism? recorded November 16, 2018

   Hegemonía/Poder | Hegemony/Power

 Influencia ejercido por un grupo dominante

influence exerted by a dominant group

 hegemonía cultural (filosofía marxista) – dominación de una sociedad de una clase dominante que puede manipular la cultura de una sociedad

cultural hegemony (Marxist philosophy) – domination of a society by a ruling class who can manipulate the culture of a society

  Antropogénicos y Antropoceno (vs. Holoceno) | Anthropogenic and Anthropocene (vs. Holocene)

Antropogénicos – de, en relación con, o resultado de la influencia de seres humanos en la naturaleza

Anthropogenic - of, relating to, or resulting from the influence of human beings on nature

 Holocene – Bon Iver

Antropoceno – post-holoceno era que marca un cambio ecológico global debido de humanidad

Anthropocene – the post-holocene era that marks a global ecological change because of humanity

Humans versus Earth: the quest to define the Anthropocene August 6, 2019

[inferlo712]

JOHN HEJDUK. El arquitecto que dibujaba ángeles

JOHN HEJDUK. El arquitecto que dibujaba ángeles

Wall House #2 A. J. Lutulistraat 17, 9728 WT Groningen

Wall House #2 Wall House was originally designed in 1973 as a vacation home for landscape architect A.E. Bye (Ridgefield, Connecticut, USA). At the time, however, it was not built. The home would only be constructed in 2001 in Groningen, thanks to the Blue Moon architecture festival. Another of Hejduk’s works in Groningen is the city marker…

[noahmej]

La película Pina de Wim Wenders homenajea a la coreógrafa alemana, directora de obras como Tannhäuser, Ifigenia en Taúride, y La Consagración de la Primavera entre otras, pero rehúye los códigos del documental realista, ya que la cinta  estar grabada en 3D y rodada íntegramente en escenarios urbanos y naturales. Pina, de Wenders, elogia la figura de una mujer innovadora que reinventó los cánones de la danza clásica para mostrar la realidad y la capacidad del movimiento como transgresión. A finales de los años setenta apareció el concepto de ballet postmoderno, refiriéndose a un conjunto de rupturas, tanto estéticas como expresivas, que Wim Wenders presenta en su película.

[moochilatv]

Galean lanzó su tercer trabajo discográfico

El álbum se titula "Pasado Mañana"

Algunos se atreven a decir que es un Spinetta Moderno... y Galean se sonroja... pero por dentro, el músico, compositor, productor y poeta Galean sabe que sus composiciones y complejidad musical lo describen a flor de piel y con su tercer disco "Pasado Mañana" seguirá conquistando almas y esta vez con colaboraciones importantes de Juan Mango (Usted Señalemelo), Esmeralda Escalante (AINDA), Candelaria Zamar y Dario Jalfín.

"Pasado Mañana sintetiza de donde vengo y hacia donde voy. Me ubica en un presente de constantes mutaciones, inquieto, casi incómodo, haciendo malabares entre lo que dije y lo que diré en el futuro. El nombre para el disco es perfecto porque resume justamente eso: la música como vehículo de ideas en movimiento, átomos desordenados en el aire al que llamamos canción y una voz que te dice quedate, no te quedes, o hacé lo que sientas; sé vos, se auténtico.

Siempre a la vanguardia se la aplaude con el diario del lunes, por eso cuando me nublo y pienso que mi música no pertenece al presente, consigo relajarme con la esperanza de que sea comprendida pasado mañana. En definitiva esta obra necesita ser digerida con paciencia: un buen vino, una buena compañía para ver las estrellas. Esta obra es, a su vez, imperfecta, llena de recursos locos que te llevan y te traen por las rendijas del tiempo. A veces vintage, a veces moderna, a veces ninguna de las anteriores o todas juntas. Cada quién hará su propia interpretación. Solo espero que la disfruten." cuenta Galean.

https://bfan.link/galeanpasadoma%C3%B1ana

Este tercer álbum sale a la luz luego de tres adelantos que fueron lanzados a lo largo del año: "ØVAL" y "Ave Atonal" feat. Esmeralda Escalante y "Sube a la Nube" (feat. Candelaria Zamar). Fue compuesto a fines de 2019 y principios de 2020. En el medio, compuso nuevas canciones que formaron parte de los ep’s colaborativos "40 Antenas" y de lo que es su nuevo disco. Por lo tanto, Pasado Mañana parece ser una cámara del tiempo en la que se muestran paletas heterodoxas de distintos Galeans, una especie de cambalache postmoderno con raíces argentinas y texturas extranjeras.

Créditos:

Letra y música: Rodrigo Lalli Galean.

Grabación y producción: Galean y para "ØVAL" co-producción con Moreau.

Mezcla y master: Pablo Bursztyn.

Músicos invitados: Juan Mango, Esmeralda Escalante, Candelaria Zamar y Dario Jalfín.

Músicos sesionistas: Guitarra: Juano Sarda Lerotich ("Ave Atonal" y "Sube a La Nube"). Bajo: Lucas Garbarino ("Ave Atonal", "Sube a La Nube" y "No Mentías"). Batería: Agustín Leiva ("Ave Atonal" y "Sube a La Nube"). Teclados: Santiago Espina ("Ave Atonal" y "Sube a La Nube"). Saxo: Fausto Rivadulla ("AHORA").

[luisetenorio]

Análisis (personal) y diferenciación  /Modernidad-Postmodernidad en el arte .

En relacion   al arte moderno ,este nace en un contexto histórico vinculado con  lo  industrial y  lo capitalista. Particularidades decisivas como  la aparición de la cámara fotográfica llega a revolucionar de cierta manera  todo lo que vendría después..El arte moderno busca alejarse cada vez más de lo figurativo,centrándose en el acto de observar  o en el objeto mismo.

Por otro lado el arte postmoderno  se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera.”Los posmodernos” asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno.Las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte.El arte  posmoderno, en cambio, es autorreferencial.El arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social.

En conclusión .El arte moderno buscó la abstracción y el postmoderno utiliza medios clásicos para “trasladar” las problemáticas a un cotidiano popular y actual.. 

[drpablojimenez]

El sacrificio de Isaac

Esta meditación, basada en la historia del Sacrificio de Isaac en Génesis 22, afirma que Dios no acepta sacrificios humanos y explora como el mundo postmoderno nos deshumaniza, sacrificando gente inocente a los ídolos de la violencia.

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[sesiondemadrugada]

LA LUZ DE NUESTRA ÉPOCA: A PROPÓSITO DE ANTHONY DOD MANTLE

I.

Entre las producciones que han contado en los últimos años con Anthony Dod Mantle como director de fotografía, figuran dos de especial interés: Snowden (2016), de Oliver Stone, y T2: Trainspotting (2017), de Danny Boyle. Una y otra son reflejos más o menos conscientes de títulos capitales en las filmografías de sus autores: Nacido el 4 de julio (1989) en el caso de Stone, Trainspotting (1996) en el de Boyle.

Aquellas películas se gestaron a las puertas del siglo XXI, en un momento crítico para la imagen: la explosión de lo digital, el período de bonanza política y socioeconómica que siguió a la caída del muro de Berlín, y, paradoja o no, una conciencia social temprana opuesta a los excesos de la globalización que desembocó en 1999 en la Batalla de Seattle. Stone y Boyle simbolizaron al respecto actitudes creativas diferentes.

El director de Nacido el 4 de julio y Snowden, hijo espiritual de la contracultura de los años sesenta, que caló en él mientras combatía en Vietnam, devino a su vez a partir de Platoon (1986) enseña crítica para la Generación X. Su idealismo contra el complejo industrial-militar estadounidense, sus arengas anti establishment, hicieron de él representante eximio de la paranoia pop imperante en aquel momento, y de lo que Robert Hughes denominó la cultura de la queja, de nuevo al alza hoy por hoy.

Danny Boyle, por el contrario, hizo ostentación desde su ópera prima, Tumba abierta (1994), de la otra cara de la moneda ideológica que circuló durante los noventa: el relativismo postmoderno, el hedonismo milenarista, el acceso a la cultura del bienestar de clases sociales desfavorecidas entre las que el mismo realizador se había criado. Un acceso generacional que dio de lado cualquier atisbo de falsedad moral para abrazar el consumismo y lo posibilista. Las películas de Boyle están protagonizadas por buenos salvajes que de buenos no tienen nada.

II.

Trainspotting, su película más célebre junto a Slumdog Millionaire (2008), es buen ejemplo de todo ello. Las andanzas de Renton (Ewan McGregor) y sus amigos heroinómanos por una Edimburgo en la que eclosionaba por entonces su distrito financiero, personificaron la transición desde un ánimo juvenil post-punk a la cultura del club y el after, preludio a una vida mucho más aseada de lo que podía esperarse unos años atrás. Una vida que el protagonista de la película abrazaba con la ética cínica del superviviente: “"Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas...”

Frente al estilo torrencial y agresivo, sublimación de una cosmogonía popular, que Irvine Welsh aplicó a la novela en que se basa, Boyle y el guionista John Hodge otorgaron a los fotogramas de Trainspotting una consistencia rítmica, candente, en cuyo impacto tuvieron mucho que ver, lógicamente, el montaje de Masahiro Hirakubo y la fotografía de Brian Tufano, que Boyle deseaba homenajease la de Andrzej Sekula para Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994). Así pues, la textura misma de las imágenes de Tufano, ajena en gran medida a la escuela del realismo social británico, traicionaba a los personajes y sus derivas, como Renton traiciona a sus amigos: “la irreverencia estilizada de Trainspotting tiene algo de turística, preserva una distancia de seguridad voyeurística respecto de los problemas reales que aborda“ (Janet Maslin).

Oliver Stone tampoco estuvo interesado en lo realista a la hora de rodar Nacido el 4 de julio, como no lo había estado en Platoon ni lo estaría en su Capilla Sixtina particular, JFK (1991). El idealismo señalado a propósito de su obra no ha supuesto una forma de compromiso con cuanto le rodea, sino de autorrealización personal, cuyo trasfondo tiene que ver aún, pese a las apariencias, con la filosofía del éxito y la consumación del sueño americano. Stone ha deconstruido y reinventado el imaginario heroico estadounidense oficial, a través de criaturas de ficción que sucumben al mismo y se reinventan tras la caída, la pérdida de su inocencia, para asaltar otro tipo de pedestales.

III.

Por tanto, si en las películas de Danny Boyle el ascenso de los personajes tiene que ver con el sempiterno problema inglés de las clases, en Stone se halla ligado a lo mítico y lo patriótico. Así sucede en Nacido el 4 de julio, historia basada en hechos reales sobre un superpatriota en su juventud, Ron Kovic (1946), que, tras quedar paralítico en 1968 a consecuencia de un enfrentamiento militar con norvietnamitas en My Loc, devino activista apasionado contra la guerra, que, todavía en 2003, con cerca de setenta años, tenía fuerzas para liderar con su silla de ruedas una protesta en Londres contra la visita a la ciudad de George W. Bush, responsable de la invasión de Irak ese mismo año.

En Nacido el 4 de julio, Stone transforma las vivencias de Kovic, que ya habían inspirado El regreso (Coming Home. Hal Ashby, 1978), en una odisea tortuosa y épica en torno a nuevas masculinidades y maneras inéditas de honrar las barras y las estrellas. En la reinvención del ser norteamericano que propone la película, resultan fundamentales el protagonismo de Tom Cruise, la elegíaca banda sonora de John Williams, y la fotografía de Robert Richardson.

En Trainspotting, Brian Tufano optó por manejables cámaras Aaton y Arriflex, y por un formato 1.85:1, que brindaba una mayor cordialidad a lo que retrataba el encuadre. En el caso de Nacido el 4 de julio, Richardon se había decantado por lentes y cámaras Panavision y, por primera vez en su carrera, el formato 2.35:1 —2.20:1 para las copias que se positivaron en 70 mm—. El relato adquirió cualidades fotográficas bigger than life, legendarias, de ampulosidad atravesada por lo lírico y lo sombrío. Ron Kovic fue educado en la fe católica, y Pauline Kael equiparó sus peripecias en el filme de Stone “al recorrido por las estaciones de un via crucis, que culminan con su resurrección en el fundido en blanco del último plano”.

IV.

¿Qué hacía en aquella época Anthony Dod Mantle? De origen británico, se limita durante la primera mitad de los años noventa a ganarse la vida en la industria cinematográfica danesa, hasta que se cruzan en su camino Thomas Vinterberg y, por extensión, el Dogma 95. Mantle es uno de los pilares del movimiento formulado por Vinterberg y Lars von Trier, gracias a su labor como director de fotografía para filmes como Celebración (1998), Mifune (1999) y Julien Donkey-Boy (1999). El Dogma 95 fue caricaturizado en su momento, y hoy no se tiene muy presente. Pero constituyó una de las puntas de lanza argumentales para legitimar la democratización a la hora de producir y distribuir la imagen, que, vía el digital e Internet, tendría lugar en el periodo de entresiglos.

El trabajo de Mantle, de hecho, es fundamental si se pretende seguir el rastro a la normalización de la fotografía digital en el ámbito del cine tanto mayoritario como de prestigio. “Unos días antes de que rodásemos Celebración”, explicaba en 2003, “ya tenía la sensación de que estábamos tras la pista de algo significativo, excepcional (...) un territorio inexplorado, una tecnología que descubríamos e íbamos a hacer evolucionar película a película (...) la gente le tiene miedo a lo novedoso, a lo impredecible. Me cuesta entenderlo, porque, debido a las condiciones en que se origina, la base misma del lenguaje cinematográfico exige su constante renovación”.

Mantle ha sido fiel a esa filosofía tanto en sus colaboraciones reiteradas con determinados cineastas —Vintenberg, Lars von Trier, Boyle— como cuando se ha implicado en producciones comerciales —Dredd (2012), En el corazón del mar (2015)—. Su mirar heterodoxo, sin embargo, pivota sobre tres ejes esenciales... La revelación de las interioridades psicológicas de los personajes mediante la gestión de la luz y el color. El hallazgo del “alfabeto” visual que permitirá expresarse a la película con plenitud. Y la comprensión de que, si un fotograma transmitía una certeza, al tratarse de una impregnación en celuloide del mundo sensible, el píxel es una traducción de ese mundo a otro código que responde a los principios de lo volátil, la simulación y lo irresoluto.

Algo que, lógicamente, ha tenido secuelas profundas para la identidad cuando ha tratado de reconocer sus perfiles en los compuestos por la imagen. A propósito de las plataformas y dispositivos donde podía llegar a verse en la actualidad su trabajo, Mantle ofrecía en 2009 una reflexión que iba más allá de lo profesional y lo artístico para apelar a su, a nuestra, relación presente con la imagen, y sus implicaciones existenciales. “Eres uno de los pocos ganadores del Oscar a la mejor dirección de fotografía a quien no le importa que disfruten de tu labor en YouTube”, se le comentaba. “A mí me gusta YouTube. En cualquier caso, no tengo ninguna manera de controlar sus contenidos, así que lo mejor es relajarse y disfrutarlo”.

V.

A partir de los atentados del 11-S, se produce en el audiovisual de Occidente un descrédito de la ficción del quizá no lleguemos a recuperarnos. El propio Oliver Stone, pese a conseguir aún presupuestos para fábulas como Alejandro Magno (2004), W. (2008) y Salvajes (2012), se aboca al reportaje y el documental. Registros que le confrontan con mandatarios como Fidel Castro, Hugo Chávez o Vladimir Putin, personajes pintorescos y enemigos del estado ante los que seguir explorando facetas de sí mismo, algo que quizá ya no le brinda el panorama sociocultural de su país. No es de extrañar por tanto que se lance a recrear los eventos que hicieron famoso a su paisano Edward Snowden (1983), activista hoy refugiado en Rusia que, en 2013, robó y filtró información clasificada de la Agencia de Seguridad Nacional estadounidense, para la que trabajaba.

El resultado, Snowden, es una versión 2.0 de Nacido el 4 de julio, con Joseph Gordon-Levitt recogiendo el testigo de Tom Cruise en el papel de otro patriota joven e inocente que, tras varias decepciones —algunas personales, otras con el sistema—, se redefine como social justice warrior y ocupa su lugar en el sol. Lo interesante es el sentido que dan las imágenes a ese tránsito, muy diferente a la intensidad que caracterizase la película previa. La obsesión de Stone como realizador pasa por prestar a las experiencias de Snowden el vigor de un gran relato, pero lo consigue solo a medias. La de Mantle, más atinada, radica en capturar la luz metafórica del presente, cristalizar en los planos una época en la que lo real es un desierto y lo virtual un panóptico; en la que el avatar es el individuo y el individuo una sombra, y en la que la razón de estado y la sensibilidad social dirimen sus diferencias en una esfera pública a punto de estallar.

Una época en la que la expresión de lo trágico y lo heroico ha dado paso a la mera constatación de lo que es aceptable y lo que no. Mantle prima los reflejos hasta el infinito de los protagonistas en espejos y cristales, y la fragmentación y multiplicación de sus rostros; las superficies bruñidas del universo hoteles y aeropuertos, y la abstracción luminiscente de televisores, señalizaciones, monitores y pantallas. Al espectador le queda finalmente la sensación de que han pasado mil años desde el mundo de hace treinta años, y, a la vez, de que, para directores como Oliver Stone, solo hay un mundo, el de sus propios fantasmas, por el que no pasa el tiempo.

VI.

La sintonía entre Mantle y Danny Boyle es mucho mayor. Antes de T2: Trainspotting habían rodado juntos hasta cinco películas: 28 días después (2002), Millones (2004), Slumdog Millionaire, 127 horas (2010) y Trance (2013). Historias, como apuntábamos hace unos párrafos, acerca de supervivientes, a las que Boyle se sentía muy afín y con las que Mantle había experimentado a placer. Por ello, la aproximación de ambos a Renton y sus colegas, presos aún veinte años después en Edimburgo de sus propios personajes, es desapasionada, inclemente, y está llena de creatividad.

En un tiempo incapaz de escapar por lo que parece al influjo de imaginarios pretéritos más elocuentes que los actuales, imaginarios frente a los que también el cine está ejerciendo como mera caja fetichista de resonancia, T2: Trainspotting se atreve a apropiarse de los fotogramas analógicos de Trainspotting para someterlos a una intervención digital compleja, que desemboca en una de las requisitorias contra la nostalgia más implacables de los últimos años. Mantle combina en pantalla todo tipo de texturas, sin atender a limitaciones lumínicas y dejando espacio para que las estrategias de montaje y los efectos de posproducción sean partes integrales de su pincelada fotográfica. Los guiños cinéfilos perversos, el expresionismo colorista de las escenas clave, la lectura del filme previo con los útiles del videoensayo y la representación multimedia, suscitan en un público enganchado a un hito generacional, que esperaba por tanto un espectáculo complaciente, familiar, la impresión de encontrarse inmerso por sorpresa en una pesadilla.

Pesadilla de la que, como subraya el último plano, no será posible escapar si Renton y los suyos —también el espectador—, no cambian el sesgo de sus miradas. T2: Trainspotting es una de las películas más políticas, en el sentido noble, artístico del término, que se han visto en cines de exhibición comercial en los últimos tiempos. Una película que aboga por el presente como época factible también para la creatividad y la crítica, digna de arrojar sobre sí misma y el pasado del que procede una luz propia, no prestada.

Diego Salgado (artículo aparecido originalmente en el nº 5 de Visual404).

[aalvaronavarro]

Statement

Mi trabajo parte de los estudios visuales postmodernos para analizar las relaciones de consumo entre las imágenes, los prosumers y la creación de la imagen individual del usuario contemporáneo. A través de la genealogía e indagación de diferentes figuras como el vampiro, el cyborg y movimientos culturales que pudieron usarlos, como el cyber-punk o la subcultura gótica, pienso en que la actualización y consiguiente delimitación que sufren las imágenes y productos; que desenmascara la división del sujeto y su necesidad de diferenciar(se) a través de la programación estética. 

Mediante la exploración en diferentes medios que comprenden las imágenes, como las publicaciones editoriales y la creación de avatares virtuales, desarrollo mis proyectos para hacer una declaración de individualidad y cuestionar el lugar de cada individuo o imagen dentro de la cultura.

[howmanyartists]

Markus Lüpertz

Markus Lüpertz (Reichenberg, actual Liberec (República Checa), 25 de abril de 1941) es un pintor, escultor y escritor alemán, vinculado al movimiento postmoderno del Neoexpresionismo.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Krefeld con Laurens Goosens, y por un semestre en la Kunstakademie de Düsseldorf. En 1961 trabaja en Düsseldorf, instalándose en 1962 en Berlín Occidental, donde crea la galería Grossgör 35 con Bernd Koberling y Karl Horst Hödicke. En 1970 se establece por un año en Florencia. En 1976 se convierte en profesor de la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe. En 1977 tiene su primera retrospectiva en la Kunsthalle de Hamburgo, a la que suceden exposiciones en el Centro de Arte de Berna, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, y el Van Abbemuseum de Eindhoven. Participa en la VII Documenta de Kassel. En 1984 participa en la exposición Neue Deutsche Kunst de Düsseldorf. En 1986 es nombrado profesor en la Kunstakademie de Düsseldorf, y en 1988 se convierte en su director.

Empleador

Academy of Fine Arts Karlsruhe

Distinciones

Premio Internacional Mendelssohn de Leipzig